PRIMER CUATRIMESTRE
¿QUÉ ES LA HISTORIA DE LA MÚSICA?
No se puede asegurar que la fuente sea verdad, teniendo que mostrarnos críticos con la
misma. Para la historia se estudian fuentes subjetivas. El historiador realiza su discurso
mediante el estudio de las fuentes primarias, aunque son las más problemáticas. Este
discurso tiene que ser posteriormente sometido al escrutinio de la Academia. El discurso
más fiable es el discurso histórico. La historiografía es la ciencia que estudia los
discursos históricos.
La historia es un fenómeno occidental. Anteriormente se accedía al pasado por medio de
los mitos, hasta que aparece la filosofía. Otra vía era mediante la oralidad
maestro/discípulo. Hay consenso en cuando comienza la historia, pero el final es
problemático. El comienzo de la historia se sitúa en el comienzo de la escritura, aunque
nos encontramos con que hay cultura no escrita.
¿QUÉ LUGAR TIENE NUESTRA DISCIPLINA DENTRO DE LA HISTORIA
DE LA MÚSICA?
Los estudios sobre música nacen tarde. Está el problema de que el objeto de estudio de
la musicología es un proceso o actividad, lo que hace a la música efímera. Hay que
objetivar la obra de arte, lo que es un proceso muy importante. La musicología nace
sobre esta base, teniendo como referencia la historia del arte. Esto es un error, ya que la
partitura no se puede considerar como obra de arte. La musicología se centra en obtener
partituras y estudiarlas. Para esto hay que desarrollar disciplinas como la paleografía
musical o el estudio de notaciones antiguas, convirtiéndose en material de estudio de la
musicología. Para el estudio de esta música se usa también material complementario.
Todo este proceso termina con la elevación de Guido Adler como catedrático de
musicología en la Universidad de Viena en 1885, porque es la primera vez que la
Academia reconoce la musicología como una disciplina científica. Determina el carácter
científico de la disciplina, estableciendo una división de la especialidad:
1. Musicología histórica: aspectos que pueden cambiar con el tiempo: paleografía,
historia de la música, historia de la teoría musical y historia de los instrumentos.
2. Musicología sistemática: aspectos naturales, esenciales e intrínsecos. Encontrar
las leyes de la música. Se divide en los siguientes campos: estudio de las leyes
armónicas, rítmicas y melódicas, estética musical, pedagogía y la musicología
comparada.
En el siglo XIX, el paradigma ideológico de la música busca las leyes naturales en las
que se sustenta la música, investigadas por Schenker y Riemann. De todos los campos,
el que tiene un mayor desarrollo es la musicología comparada, lo que permite el estudio
de otras culturas con respecto a la occidental. Entrado el siglo XX, el contexto cultural
europeo sufre un revés provocados por las Guerras Mundiales, que propician la
emigración de los grandes talentos hacia EEUU. El nuevo bloque se especializa en áreas
como la antropología para el estudio de otras culturas. Para conocer el resto de las
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culturas hay que entenderlas y comprenderlas en su forma y contexto. Esto provoca un
cambio en el desarrollo de la musicología como especialidad.
Otro de los campos que más se desarrollan fueron la pedagogía y la estética, siendo la
estética una disciplina circulativa e integrándose en la filosofía. La musicología
histórica tiene también su desarrollo, pero se desprende de la especialidad,
dedicándosela otros campos. En los 80, la musicología se sumerge en la posmodernidad,
implicando una clasificación del XIX. Tiene muchísima importancia la epistemología y
la hermenéutica, creciendo el interés por la interpretación y por la musicología de las
capas sociales más desfavorecidas. La llegada del XXI tiene otro cambio en la
especialidad, llegando las herramientas digitales para transformar la musicología.
EUROPA DURANTE EL CAMBIO DEL SIGLO
Al inicio del XX, nos encontramos con una Europa optimista, impulsada por los
avances científicos, técnicos y económicos, aumentando la esperanza de vida. La I
Guerra Mundial destruye el optimismo, mostrando los límites de la estabilidad política y
social, creando insatisfacción. En el arte y en la ciencia nos encontramos con un espíritu
de innovación y ruptura con las convenciones.
EL SIGLO XX: CRITERIOS Y FUNDAMENTOS DE LA PERIODIZACIÓN
La historia implica una reducción, intentamos reestablecer los bloques y periodos. Los
periodos históricos no son naturales, implicando la búsqueda del elemento dogmático.
La realización y la construcción de un periodo implica la búsqueda de similitudes y
diferencias que determinen los elementos que caractericen ese marco, delimitando los
periodos históricos. La división cronológica de los periodos es un producto artificial.
Uno de los criterios historiográficos es la relevancia, pero desde el punto de vista social
es irrelevante. El nacimiento de la musicología en el ámbito germánico es uno de los
elementos que se usa en la periodización del XX. Desde la relevancia, Bach es el que
puede responder a este punto de vista. La historia nace cuando Bach ya era relevante. Se
recupera la figura de Bach en 1829 por Mendelssohn, revistiéndose de un halo
romántico.
La periodización que establece la historiografía no coincide con la del resto de las artes,
ya que la historia de la música siempre va con retraso. Hay que ver si estos cambios
aparecen también en la música. No hay una periodización buena, sino periodizaciones
basadas en distintos criterios, ya que son divisiones artificiales de algo más complejo.
Hace falta una estandarización para llegar a convenciones.
Periodización
Dahlhaus es el que más relevancia tiene para el inicio del siglo XX. Pone su comienzo
en 1914, poniendo el fin en 1980, siendo esta la periodización más extendida. El siglo
XX se puede ver con mucha diversidad, pudiéndose periodizar de la siguiente manera:
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EL MODERNISMO
1. Modernismo.
El término es acuñado por Dahlhaus. En el libro Música
2. Neoclasicismo.
del siglo XIX lo ve como la última época, viéndolo como
3. Serialismo el apogeo y el declive del romanticismo decimonónico y
integral/vanguardias, el momento en el que aparecen nuevas tendencias, que
música electrónica, en algunos casos son desarrollos de algunas del
vanguardias de Romanticismo y, en otro, son nuevos caminos que
posguerra. intentan desafiar épocas románticas como el
nacionalismo musical. Las características del
4. Postserialismo. modernismo son las siguientes:
5. Nueva Contexto político-social
1. Variedad estilística frente a la
sencillez/nueva
homogeneidad
tonalidad. del siglo XIX. De 1890 a 1914 hay cierta calma. Es la
época del colonialismo, de la proyección de
2. Ruptura de los valores estéticos
Europa hacia Asia, siendo una época de
del siglo XIX y las ideas sobre el
impulsos independentistas. En el caso de
arte.
España, 1898 tiene mucha importancia
3. Reacción de las periferias ante la porque simboliza la pérdida de las nuevas
hegemonía del ámbito germánico. colonias, siendo un momento de reflexión.
Esta situación tiene muchos beneficios para
el arte, ya que se entra en contacto con muchas culturas.
El caso más importante es Debussy con las Exposiciones Universales de París y el
gamelán javanés. Se desarrolla el intelectual del pasado, el inicio de la historiografía y
el historicismo con vocación científica, influido por los paradigmas del momento, como
el positivismo. En esta época nace la musicología como disciplina. Hay que citar
también los descubrimientos científicos del momento. Desde la visión de la época, el
modernismo es una época optimista por la estabilidad, progreso…, estando en plena
Revolución Industrial. Existen problemas importantes relacionados con la Revolución
Industrial con el tema de los obreros, teniendo una profunda crisis moral. Las Iglesias
están en decadencia. La filosofía se centra en el problema del hombre y las relaciones
humanas. El vacío que deja la Iglesia es llenado por otras religiones como la teosofía.
Aspectos musicales del modernismo
Es la época de los grandes géneros sinfónicos. Todas estas sinfonías se nutren de
contenido programático y tienen significación literaria y filosófica importante. La
música de cámara es importante. Se usa mucho la tonalidad en esta época, ya que la
atonalidad implica un desafío: prescindir de todos los mecanismos para formar la
tonalidad, llegando a la negación de la tonalidad. Tenemos un gran vacío hasta el
desarrollo del sistema serial, ya que es difícil construir piezas extensas sin un sistema
que proporcione una estructura, siendo por esto todas las primeras obras expresionistas
vocales.
En cuanto a la ópera, hay nuevas propuestas, como el verismo italiano o el
costumbrismo, la influencia del naturalismo. Hay otro nuevo lenguaje operístico como
el de Debussy en Pelleas y Melissandre. Se pueden ver otros planteamientos estéticos
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en la ópera de cámara, teniendo como elemento representativo los dramas psicológicos.
Hay que hablar también de la emergencia del ballet. Con Diaghilev tenemos La
consagración de la primavera, Pájaro de fuego, Petruska, Pulcinella. El ballet se
convierte en objeto de experimentación.
El nacimiento de la musicología
El nacimiento de la musicología se produce por la necesidad de los estudios musicales
de dotar a la disciplina de una metodología científico-histórica. La admisión de Guido
Adler en la Universidad de Viena es importante porque marca el reconocimiento de la
disciplina. Aquí nace la musicología comparada, teniendo que ver las Exposiciones
Universales y el contexto colonial.
Otro elemento son las publicaciones de los monumentos de música y las operas omnia.
Los primeros monumentos publicados son los alemanes. También se publica la opera
Omnia de Victoria, publicada por Pedrell. Otra aparición son las publicaciones de
estudios históricos y musicológicos. Relacionado también con el inicio de la
musicología es que se empiezan a publicar revistas científicas sobre la musicología.
Otro punto importante es el recuperacionismo. Hay que destacar el trabajo de los
monjes de Solesmes, a quienes les debemos el conocimiento de las notaciones
primitivas antiguas. Veían la liturgia del siglo XVIII como corrupta, queriendo
recuperar la liturgia de una forma más correcta. Fruto de estos intereses historicistas
nacen determinadas instituciones educativas, como la Schola Cantorum de Vincent d’
Indy. Su propuesta se basa en el canto gregoriano, la polifonía clásica y en la enseñanza
del órgano, que se recuperan y adquieren un valor pedagógico.
La importancia académica de la disciplina
El establecimiento de la música en la universidad moderna es un hito. Jacobsthal es el
primer catedrático de música en Estrasburgo. En el caso español, la musicología es fruto
de los impulsos individuales y de determinadas actividades asociativas de ámbito
burgués. En este momento no existen estructuras musicales o son débiles, teniendo que
hacerlo por asociaciones o iniciativas personales. Destaca Pedrell, pero antes Barbieri,
descubridor del Cancionero de Palacio.
Pedrell tiene una producción grande. Investiga el folclore y publica Cancionero musical
español. Estudia el patrimonio histórico, sobre todo del renacimiento y establece las
bases del renacimiento musical español en Por nuestra música, que se puede considerar
el documento ideológico del renacimiento español. Su último objetivo era la creación de
una ópera nacional, no teniendo éxito este intento. Una de sus publicaciones Hispaniae
Musicae Sacrae.
Rafael Mitjana es también reseñable. Descubre Cancionero de Uppsala, que contiene
una serie de piezas profanas que se copió en torno a la corte del duque de Calabria en el
siglo XVI. Gregorio María Suñol publicó un método sobre canto gregoriano que tuvo
mucha influencia. En Lira Sacrohispana de Hilarión Eslava se publican por primera vez
las obras de los grandes polifonistas renacentistas hispánicos.
ALGUNAS FIGURAS DE TRANSICIÓN
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Austria: Mahler
Es un influyente director de la ópera de Viena, impulsando la disciplina musical y
colaborando con artistas visuales. Está marcada su estancia por una atmósfera de
cambio social y artístico. Se sitúa en la tradición sinfónica austroalemana, pero
introduce innovaciones al enfatizar las texturas polifónicas y variar los motivos
musicales, rechazando la tradición de acompañamientos predecibles.
Sus sinfonías, explorando estructuras instrumentales y formas expresivas únicas,
rompiendo la continuidad tradicional a favor de episodios contrastantes. Incorpora
elementos disonantes y yuxtapone estilos, lo que permite innovar en la textura, creando
una "melodía de timbres" mediante la alternancia de instrumentos. Influye en
compositores como Schoenberg. Otorga un carácter moderno, anticipando aspectos de
la música de posguerra.
Alemania: Strauss
Fue un compositor versátil que trabaja en la mayoría de los géneros (a excepción de la
música de cámara). Comparte con Mahler destreza en la dirección y un gran
conocimiento de la orquesta. Strauss fue muy conocido, aunque con controversia. La
música de Strauss refleja confianza en sí mismo. Sus composiciones se caracterizan por
estructuras episódicas, representación gráfica de eventos y una complejidad emocional
que recuerda a Mahler.
Las innovaciones técnicas de Strauss influyeron considerablemente en la música del
siglo XX, revolucionando el sonido orquestal. En Salomé y Elektra desarrolló una
intensidad dramática y un uso extremo de la tonalidad y el cromatismo, con una acción
continua. A partir de Caballero de la Rosa adopta un estilo más tradicional y
neoclásico, alejándose de Schoenberg. La música posterior a Elektra no se considera
crucial.
Busoni
Su obra Elegien marca un estilo propio y, sus escritos teóricos, como Apuntes sobre una
estética de la música influyeron en jóvenes compositores al proponer una música
liberada de restricciones formales. Sugiere usar la escala de una manera no
convencional, experimentando con instrumentos electrónicos. Su visión de "joven
clasicismo" anticipa una evolución desde el Romanticismo hacia un nuevo clasicismo.
Su enfoque amplio y visionario sentó las bases de la música del futuro.
Pftizner
Se mantuvo fiel al estilo del siglo XIX, sin superar los límites tonales del Romanticismo
tardío. Palestina fue la más destacada. Defendió los principios de una era musical
pasada frente a la modernidad, criticando las tendencias futuristas en El peligro de los
futuristas. En La nueva estética de la importancia musical defendió la estética del
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sentimiento e inspiración del siglo XIX contra el modernismo musical, iniciando un
debate sobre la expresión musical.
Reger
Produce música en casi todos los géneros excepto la ópera, desarrollando un estilo
influido por el cromatismo post-wagneriano y moderado por su conocimiento de Bach.
Fue alumno de Riemann, tuvo un fuerte vínculo con la herencia musical clásica. Nunca
rompió con la tonalidad y su virtuosismo contrapuntístico, sobre todo en piezas para
órgano, posicionándose como la figura clave a inicios del siglo XIX. Admirado por
Schoenberg, su música sirve de base para compositores como Hindemith y reforzó la
influencia de Bach.
Francia: Debussy
A finales del siglo XIX, París era el centro cultural de Europa y un espacio de
innovación en el arte, aunque la música francesa seguía influenciada por el
Romanticismo alemán. Saint-Saëns, Charbier y Fauré fundaron la Sociedad Nacional de
Música, para impulsar la renovación de la música francesa. Debussy desarrolla un estilo
único que rompió con el sistema tonal tradicional. El enfoque estaba en explorar la
tonalidad, timbre y armonías estáticas para crear una atmósfera evocadora y poética que
se alejaba del desarrollo de la música alemana. Usa escalas exóticas y repeticiones en
lugar de progresiones armónicas, lo que da origen a estructuras musicales más flexibles
y abiertas. Estas innovaciones influyeron en la música del siglo XX, aunque en sus
últimos años opta por una música más abstracta y sobria, alejándose de su estilo inicial.
Satie
Uno de los elementos esenciales en la evolución del modernismo en Francia es el
rechazo hacia el Romanticismo alemán, junto a la importancia de los elementos
personales y la expresión individual. El que se adhiere a esta tendencia es Satie, cuya
concepción de la música se basa en una forma de arte simple, que representa algo
esencial en la escena parisina. Va más allá de sus contemporáneos al reaccionar contra
las voces dominantes del último romanticismo, quedando la música reducida a su
núcleo más puro. Encuentra inspiración entre las cosas que lo rodean día a día. Alguno
de sus primeros trabajos demuestran características formales modernas, con estructuras
tipo mosaico. Esta característica hace que llame a estas composiciones "música pre-
electrónica".
En Gnossiennes escribe indicaciones verbales humorísticas. Algunas pueden verse
como icónicas y traviesas instrucciones. Continúa con esta práctica la mayor parte de su
carrera y considera las notas como parte importante de su trabajo. Su ingenio aparece
también en un aspecto estructural. En los primeros años del siglo, su producción
declina. En 1905 ingresa en la Schola Cantorum, donde estudia con d'Indy. Recibe su
diploma tres años después. Hacia 1915 empieza a atraer la atención de los jóvenes
músicos franceses.
Rusia: Scriabin
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En el siglo XIX, la música rusa se divide en dos corrientes: una conservadora (modelos
occidentales) y otra nacionalista (folclore ruso), que evita las tonalidades occidentales,
representada por el Grupo de los Cinco. Destaca por su innovación armónica y su
abandono de la tonalidad tradicional. Inspirado por Chopin, su obra rompe con el
sistema al incorporar el "acorde místico", que aporta una armonía estática y un ritmo
armónico lento. En sus últimos años, Scriabin desarrolla un sistema tonal cerrado y
busca expresar su visión mística en obras como Prometeo, culminando en Mysterium,
POSROMANTICISMO E IMPRESIONISMO
El posromanticismo es la tradición que sigue la tradición romántica germana. Uno de
los puntos culminantes de esta tradición y de sus ideales estéticos era la expresión de los
sentimientos desde un punto de vista técnico, la consecución de un lenguaje musical
necesario para conseguir las exigencias del lenguaje expresivo fundamentalmente. Esto
lo podemos encontrar en Wagner, pudiendo encontrar una expresividad profundamente
romántica y los últimos logros del lenguaje musical.
El drama de Wagner se convierte en el paradigma para los compositores posrománticos
germanos. Son continuadores y herederos de este lenguaje wagneriano, desarrollando
sus propias manifestaciones. El lenguaje armónico de Wagner y Liszt es el último paso
hasta la desestabilización definitiva del lenguaje armónico tonal. La desestabilización
del sistema se produce por:
1. Disolución del poder de atracción de la tónica: la tonalidad se basa en la
centralidad de la tónica, teniendo que prevalecer una nota sobre el resto. Si
tenemos todas las notas como posible tónica, destruimos la jerarquía.
2. Indeterminación funcional del acorde: un acorde puede estar asociado a
distintas tonalidades. Todos los acordes se pueden entender como de distintas
tonalidades. La funcionalidad armónica puede no estar sólo en función de una
tonalidad.
3. Extremo cromatismo: si nos movemos así nos cargamos el diatonismo.
4. Modulación continua: modular es cambiar de centro tónico. Si cambiamos
continuamente nos estamos cargando el centro.
Estamos ante el fin del sistema. Sólo sigue en pie la disonancia, que aún no se ha
emancipado.
EL IMPRESIONISMO
Se emplea por primera vez aplicado a la pintura flamenca. Luis Leroy ve el cuadro
Impresión, sol naciente de Monet y empieza a llamarlo a él y a sus seguidores
impresionistas. Las características son las siguientes:
1. Vuelta a la naturaleza para una búsqueda de luz y color.
2. Son escenas campestres o de grandes ciudades.
3. Es una pintura al aire libre, que se contrapone a la pintura academicista, ya que
esta trata de pintar con un modelo, con un afán descriptivo.
4. Le interesa al impresionismo dar una impresión, haciendo una revisión de los
pequeños motivos.
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Viven del pathos romántico. La idea de evocación está presente también en la corriente
simbolista, que corresponde a la literatura. Es una literatura que busca la metáfora y los
símbolos, interesando más la cultura exótica y lejana, como forma de ensoñación. El
término se aplica de una forma más tardía a la música, a pesar de que los compositores
no quieren ser llamados impresionistas. Debussy es el impresionista por excelencia,
empezando a explorar otros caminos.
A Debussy no le gusta el término, gustándole más el de simbolista, usando incluso
textos de algunos simbolistas. La primera vez que aparece el término de impresionismo
es cuando Debussy envía Primptemps al Premio de Roma. La Academia tacha esta obra
como “vago impresionismo”. Se puede arrancar la periodización de esta época en los
últimos años de los 80/principios de los 90. El impresionismo musical es posterior al
pictórico. A pesar de las reticencias de Debussy, el término se sigue usando. Se puede
establecer el fin del impresionismo en 1920 aproximadamente, la vida compositiva de
Debussy. El impresionismo pictórico tiene en común con el musical varias
características, como:
1. Interés por la luz y el color.
2. Interés por la difusión de las ideas.
3. Paralización del momento, captar el momento.
El impresionismo es una corriente determinada, asociada a un único compositor y en un
periodo breve. Puede considerarse como un periodo o como una división de un periodo.
Podemos hablar del impresionismo como una tendencia del modernismo, pero fuera del
posromanticismo. Los neoclásicos rechazan el posromanticismo y el impresionismo en
bloque. Los aspectos estéticos del impresionismo son los siguientes:
1. Influjo del Romanticismo: hay continuidad entre las formas líricas breves y
las formas breves del impresionismo. Por otro lado, es un ambiente
absolutamente estático. Tiene en común una necesidad de expresión íntima. La
diferencia es la sustitución de la impresión, de una sensibilidad no patética y
sentimental, que tiene que ver con la sugerencia en la composición. Las
sonoridades que se buscan son sonoridades vaporosas, en sustitución del
sentimentalismo romántico.
2. Componentes realistas y naturalistas: Las nubes, El Mar…hay interés por la
naturaleza y la impresión de la naturaleza. A diferencia del neorromanticismo,
no es música programática, es la evocación de una imagen casi onírica.
3. Relación entre la pintura, poesía y música: interés en la captación de la
sensación ambiental, de un momento concreto… No interesan los aspectos
sentimentales. Buscan el naturalismo, observación del momento concreto de la
naturaleza en el que algo se manifiesta ante nuestros ojos. Se busca el estatismo,
ausencia de direccionalidad, repeticiones de motivos… todo tiene que ver con
querer captar el momento único de ser captado. Hay una cierta intención de
asimetría en las melodías para dar sensación de naturalidad. Se pueden hablar de
elementos temáticos, no se practica en el desarrolla temático.
LA INFLUENCIA DEL EXOTISMO Y DE LA ASIMILACIÓN DE LO
POPULAR
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Son dos influencias importantes. Esta búsqueda de lo lejano se puede encontrar en el
romanticismo. Se busca la abstracción idealizadora, teniendo una imagen mental
determinada. Le interesaban las expresiones que pudieran conectar con el imaginario
que se tenía. La idea del exotismo está presente en el ideario romántico. En el
impresionismo, las grandes potencias se expanden por el mundo, produciéndose el
colonialismo.
Esto subyuga otras sociedades en todos los sentidos, habiendo una estrategia de
extracción económica, dominación política y un uso cultural de otras culturas, trayendo
una comunicación que no se había dado entre las culturas. Se ve una visión eurocéntrica
entre las colonias. Esto enriquece el impresionismo, en cuanto a que Debussy entra en
contacto con una serie de expresiones musicales desconocidas que enriquecen su estilo,
por tanto, el intercambio cultural colonialista permite un contacto inédito con un mundo
exótico y que permite salirse del academicismo oficial y optar por otras vías, como el
impresionismo.
Estos nuevos elementos de culturas lejanas son pinceladas que enriquecen y dan color a
un lenguaje romántico, pero con el paso del tiempo tienen más peso, enriqueciendo los
estilos. El exotismo se puede manifestar en el interés por la cultura dentro de Europa
perteneciente a otras etapas históricas. Estas cuestiones las aprovechan los
impresionistas. En el caso de lo occidental, a finales del siglo XIX se organizan unas
exposiciones, las Exposiciones Universales (sobre todo las de París), que son momentos
en los que las culturas orientales se hacen presentes en las culturas europeas. Los
artistas europeos entran en contacto con los artistas de otros sitios.
LA REACCIÓN CONTRA EL WAGNIARISMO Y LA MÚSICA ALEMANA
El impresionismo se caracteriza por un rechazo al sentimentalismo romántico, de la
filosofía idealista que hay detrás del romanticismo. Debussy quería erradicar este
pathos, planteando otra apuesta en contraposición a la wagneriana, como Pelleas y
Melissandre, donde plantea un recitado más suave. Huye del desarrollo motívico, siendo
otra de las grandes novedades que se contraponen a la apuesta de Wagner por parte de
Debussy.
EL IMPRESIONISMO DESDE LA TÉCNICA Y EL LENGUAJE MUSICAL
Hay que distinguir entre impresionismo y neomodalismo. En 1781 se funda la Sociedad
Nacional de Música de Francia, que es un nuevo movimiento musical que persigue un
renacimiento. Buscaba la inspiración de la “gran música” del pasado. Es un movimiento
de corte nacionalista, reivindicativo, pero su influencia para la música europea será
importante porque da lugar al impresionismo, con momento cumbre en Debussy.
La vía de los compositores franceses para liberarse de la tonalidad clásica es diluirla.
Nos encontramos ante un momento final de ciclo, la tonalidad no da más de sí y llegan a
la disolución de la tonalidad. La diluyen usando armonías no funcionales. Buscan un
nuevo diatonismo, encontrándolo en las escalas modales. Se libera de la centralidad de
la tónica usando modos y procedimientos donde no existen esas fuerzas ni un orden
jerárquico.
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POSROMANTICISMO, IMPRESIONISMO, NACIONALISMO: FUERA DEL
CONTINENTE
La música en Inglaterra
A comienzos del XX, Inglaterra experimenta un renacimiento musical y una ausencia de
un estilo propio desde Purcell. Elgar y Delius lideran esta renovación. Desataca su
aporte al sinfonismo, con obras que influirán en Williams y Walton. Su estilo se inspira
en el romanticismo alemán, reflejando el optimismo inglés de la época. Al final de su
carrera, Elgar se queda rezagado frente a las vanguardias.
Williams
Fue pionero en incorporar elementos de la música folclórica inglesa a sus
composiciones, influenciado por la música eclesiástica y el estilo de Purcell, con
armonías modales y formas libres. Tardó en madurar, combina en sus obras un
nacionalismo arraigado con la tradición sinfónica europea. Su enfoque melódico y
lógico, influido por la música popular, marcó una importante contribución. Sus
sinfonías son conservadoras frente a las vanguardias de la época, destacando en el
ámbito de la música vocal.
Holst
Tiene un enfoque cosmopolita. Está influido por la literatura y la filosofía hindú. En su
etapa madura introduce elementos exóticos y moderadas influencias del folclore inglés.
A partir de los años 20 incorpora tendencias contemporáneas como el neoclasicismo. Su
legado incluye una notable influencia en las generaciones posteriores y una importante
contribución a la educación musical.
Charles Ives y la música americana
A comienzos del siglo XX, la música de concierto en EEUU seguía los modelos
europeos, enviando jóvenes talentos a Europa para adoptar sus tradiciones. Charles Ives
rompió con esto, desarrollando un estilo propio que definió la música americana con un
sello nacional. Explora su fascinación por la música al aire libre, la instrumentación y su
admiración por Beethoven. Integra innovaciones modernistas como la bitonalidad, la
pantonalidad y su estilo, destacaba por las líneas melódicas independientes.
EL NEOMODALISMO
En 1894 se funda la Schola Cantorum, desarrollándose importantes estudios históricos
sobre la obra francesa del pasado y se reprograman músicos olvidados, viendo el
concepto de restauración. Esto favorece recursos anteriores a la práctica común, ajenos
a la tonalidad clásica y a las características modales. Todos estos elementos sirven para
alimentar a la música francesa. Todos estos elementos, en su aplicación, es lo que
denominamos neomodalidad. Es el primer paso en la dirección divergente a la tradición
germana. Los elementos son los siguientes:
1. La recuperación de los modos eclesiásticos como material de composición.
Recuperan música religiosa para acceder a estos modos.
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2. Si queremos huir de la tonalidad tenemos que huir del semitono, tratando de
disipar la función de sensible con resoluciones irregulares, eliminación de la
función de la sensible, uso de dominantes menores, uso de cadencias menos
tonales y más modales, introducción de notas extrañas al acorde.
3. Frecuente empleo de acordes de VII y IX. La tensión modal de la VII y IX se
neutraliza.
El uso de estos procedimientos colabora en la pretensión de la difuminación de la
función armónica, pero no podemos hablar de armonía modal porque los preceptos
tonales siguen funcionando, dando una nueva personalidad a una armonía de corte tonal
pero nueva.
EL IMPRESIONISMO
Se fragua en torno a Debussy. Su música es original e influyente para la música del
siglo XX. Sus principios estéticos tratan de evocar. Desarrolla un estilo diferente a la
tradición germana. Desarrolla su estilo a partir del wagniarismo, siendo su primera etapa
wagneriana, pero empieza a rechazar esta propuesta y empieza a incorporar el
neomodalismo junto a otra serie de influencias que hicieron posible el desarrollo de su
lenguaje, con las siguientes influencias:
1. Mussorgsky: primeros ejemplos de armonía modal auténtica, viendo
progresiones armónicas modales no tonales. La función de la armonía modal es
representar el color que tiene ese modo. Considera que es original porque es un
músico con no mucha formación, alimentándose de la música folclórica rusa.
2. Elementos neomodales: tonalidad con coloraciones modales.
3. Elementos y recursos exóticos: provienen de culturas no occidentales o
orientales pasadas. Le llama la atención la orquesta de gamelán javanés.
La armonía modal es la característica más importante. Va más allá de la armonía
ampliada con recursos modales. En el estudio neomodal, las funciones tonales se
conservan, aunque estén diluidas. En la modal la función armónica se reduce a la
función modal, a la sonoridad que la organización de la escala modal establece. Los
acordes modales tienen como función representar el modo al que pertenecen. Usa dos
armonías modales puras: por un lado, las que tienen centro tonal y, por otro, las que no
tienen centro. La armonía modal sin centro tonal puede ser la escala de tonos enteros.
La centralidad se consigue por procedimientos armónicos.
Los modos que usa son el mayor y el menor, pero los usa de forma distinta: los modos
folclóricos o populares, modos de origen europeo, modos de nueva elaboración…
además usa el modo locrio. Las cualidades de la escala de tonos enteros es que es un
modo atonal, dividiendo la octava en dos partes iguales, pudiendo ser transportada dos
veces (transposición limitada). La escala Prometeo está basada en el fenómeno físico-
armónico. El acorde es una entidad sonora independiente, que trata de explotar las
cualidades sonoras de esta entidad. La forma en la que usa estos acordes da lugar a un
movimiento musical desde un punto de vista armónico estático, porque lo que importa
es el color y la sonoridad. Aparecen nuevos acordes.
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POSROMANTICISMO, IMPRESIONISMO Y NACIONALISMO: OTROS
EUROPEOS
Italia: Casella, Malpiero y Dallapiccola.
A comienzos del XX la música italiana enfrentaba el reto de superar el provincialismo
operístico del siglo XIX. Los futuristas intentaron un cambio radical sin éxito, pero
Casella y Malpiero iniciaron una renovación significativa. Casella adoptó un estilo
neoclásico basado en modelos tradicionales y armonías disonantes contrapuntísticas,
siendo una figura clave. Malpiero incorpora elementos arcaicos en un lenguaje
contemporáneo y publicó obras de compositores como Monteverdi y Vivaldi.
En la siguiente generación, Dallapiccola destaca como el primer dodecafonista italiano
importante, adaptando el sistema a un enfoque más lírico y tonal. Su evolución hacia un
cromatismo sistemático influyó en la música italiana contemporánea, mientras que
perfeccionaba técnicas serialistas tras la II Guerra Mundial. Aunque su producción fue
limitada, su impacto fue duradero.
Alemania: Orff
Durante el Tercer Reich, los compositores alemanes enfrentan dos opciones: crear
música sin expectativas de difusión o adoptar un estilo conservador. Orff optó por lo
segundo, alcanzo éxito con un estilo único que debuta en Carmina Burana. Convencido
de esto, destruye su proyección anterior y centra su carrera en esta visión,
evolucionando hacia un teatro ritual estilizado con una trilogía basada en temas griegos.
Estas obras simplifican la música.
Orff contribuye a la educación musical infantil con el “método Orff”, que fomenta la
improvisación en conjuntos y el uso de instrumentos diseñados para facilitar el
aprendizaje. Su enfoque pedagógico y su estilo musical lo convierte en la figura
destacada del siglo XX, con reconocimiento internacional pese a permanecer en
Alemania.
Austria: Hauer
Es de la primera mitad del siglo XX, desarrollando un enfoque único del
dodecafonismo, distinto al de Schoenberg. Su teoría se basa en los “tropos”. Identificó
44 tropos y usó esta teoría como base de todas sus composiciones. Se caracteriza por su
simplicidad y neutralidad expresiva, concebida para ilustrar sus ideas teóricas.
Aunque Hauer influyó en Schoenberg, Hauer priorizaba la teoría sobre la composición.
Tenía una visión mística de la música, considerando que la “melos atonal” era eterno y
descubierto, no creado por el compositor. Llevó a un método de composición
automática. Desde 1939 denomina a sus obras “juegos dodecafónicos”, compuestos bajo
reglas estrictas.
Krenek
Tuvo una carrera variada y marcada por su adaptación a las tendencias contemporáneas.
Su estilo evolucionó, interesándose después de la II Guerra Mundial por el serialismo
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integral. Su obra influye óperas, música orquestal, de cámara y vocal, caracterizadas por
una técnica prodigiosa. Fue un influyente profesor y escritor.
EL EXPRESIONISMO
Es un movimiento continuador del Romanticismo, en cuanto a que culmina el
planteamiento romántico de lo subjetivo, siendo la fase final del desarrollo del lenguaje
en el siglo XX. Nace como opuesto a una tendencia positivista, que había aportado al
lenguaje musical elementos y técnicas de composición y terminó dando al traste con el
sistema tonal y con las formas tradicionales. El expresionismo se coloca a favor de la
expresión, llevando a explorar el sistema tonal hasta su desaparición.
Permite profundizar en la interioridad del individuo y rechaza tendencias coetáneas
como el naturalismo o el simbolismo. Es una manifestación de una crisis que vive el
hombre de ese momento. Se puede contraponer al impresionismo por una búsqueda
hacia una nueva forma. Hubo una relación importante entre Kandinsky y Schoenberg,
estableciendo una amistad, teniendo unos planteamientos estéticos muy parecidos.
Ambos están vinculados al Jinete Azul.
Sigue poniendo el foco en la interioridad, pero ve el mundo como un mundo en
conflicto, siendo una traslación del mundo de la interioridad humana entendida como
corazón a una interioridad concebida como ente. Este rechazo implica contraponer el
expresionismo al impresionismo, y la necesidad de búsqueda de una nueva forma.
LA NECESIDAD INTERIOR
Tuvo su manifestación en la música y en la pintura de Kandinsky. Hay otros
paralelismos como la apuesta de Kandinsky por la pintura abstracta y la de Schoenberg
por la atonalidad.
LA EXPRESIÓN, LA LÓGICA DE LA EXPRESIÓN
Schoenberg hace referencia a la necesidad de transmitir, entendiendo el mundo interior
como un mundo de sufrimiento. Esta expresión tiene que ver como intuición que parte
del subconsciente, siendo una expresión directa y espontánea. Esta expresión se
concentra en un sentimiento innato de forma, que impulsa la creación artística casi de
forma inconsciente.
LA NEGACIÓN DE LA REPETITIBILIDAD
La repetición es uno de los elementos principales del discurso musical, que es un
elemento generador de forma. Si prescindimos de la repetición y cada vez que haya un
material tiene que ser nuevo, estamos renunciando a algunos parámetros que se asocian
a la idea de repetición y que tienen que ver con el sistema tonal. La repetición ha sido
un recurso anterior a la tonalidad. Si se nos cae la repetición se nos acaba cayendo el
sistema.
El principio compositivo para negar la repetición y hacer que el material musical fuera
siempre nuevo es el principio de variación desarrollada. Se puede mantener la esencia,
pero perder la identidad del motivo. La esencia de esto es la creación de una prosa
musical que está liberada de la idea de repetición, por lo tanto, liberada de las formas
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tradicionales y, además, en un contexto atonal, de la emancipación de la disonancia.
Esta prosa busca desafiar a las estructuras métricas tradicionales y generar un discurso
más liberado de la lírica y más cercana a la poética.
ASPECTOS ESTILÍSTICOS DEL EXPRESIONISMO MUSICAL
1. Irritación: cambios rápidos de la dirección melódica, con líneas en forma de
sierra, angulosas. Armonías concentradas, con disonancias fuertes de 2ª y 7ª,
configuraciones rápidas y complejas que reflejan excitación. Hay contrastes
frecuentes entre partes. Hay prácticas frecuentes de intervalos aumentados o saltos
de registro extremo. Hay ritmo libre y asimétrico, que implica evitar la repetición.
Se ven dinámicas variadas. Uso del rubato, que da la sensación de improvisación.
2. Expresión: es un subjetivismo extremo. Esto nace de la necesidad de expresión
del sujeto.
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