CUESTIONARIO PAVIS: Closer – Patrick Marber
1. Características generales de la puesta en escena
a. ¿En qué se sustentan los elementos del espectáculo (relaciones de los
sistemas escénicos)?
Los elementos del espectáculo se sustentan en un realismo estilizado: escenografía
minimalista, iluminación precisa y actuaciones contenidas, todo al servicio de la tensión
emocional. Los sistemas escénicos (luz, escenografía, actuación, sonido) están
cuidadosamente equilibrados para subrayar la crudeza de los vínculos humanos.
b. Coherencia o incoherencia de la puesta en escena: ¿en qué se basa?
La puesta en escena es coherente con el universo emocional de los personajes. La
fragmentación narrativa se refleja en el uso de espacios vacíos o neutros que cambian de
función según la escena, lo que refuerza la discontinuidad emocional.
c. Lugar de la puesta en escena en el contexto cultural y estético.
La propuesta se sitúa dentro del teatro contemporáneo europeo, con claras influencias
del realismo psicológico y del minimalismo escenográfico, reflejando el desencanto
urbano y las relaciones líquidas propias del siglo XXI.
d. ¿Qué le molesta en esta puesta en escena? ¿Cuáles son los momentos
fuertes, débiles o aburridos? ¿Cómo se sitúa en la producción actual?
Puede resultar incómodo el distanciamiento emocional de algunos personajes, lo que
genera frialdad en ciertas escenas. Momentos fuertes: las confrontaciones íntimas (por
ejemplo, el cara a cara entre Anna y Larry). Momentos débiles: las transiciones entre
escenas que a veces diluyen la tensión. En la producción actual, se ubica como una obra
de cámara, sobria, que interpela la intimidad del espectador.
2. Escenografía
a. Formas del espacio urbano, arquitectónico, escénico, gestual, etc.
Se emplean espacios liminales: consultorios, departamentos, museos, sugeridos con
pocos elementos. El espacio escénico es abstracto, adaptable, pero evocador de lo
urbano.
b. Relación entre el espacio del público y el espacio actoral.
Intimista. Escenarios a la italiana o salas pequeñas crean una relación de proximidad,
que intensifica la tensión.
c. Principios de la estructuración del espacio.
El espacio se divide simbólicamente según las relaciones de poder. Los personajes se
apropian del centro en los momentos de confrontación o manipulación.
d. Función dramatúrgica del espacio escénico y de su ocupación.
El espacio refleja la emocionalidad de los personajes: lugares cerrados e impersonales
para mostrar la desconexión emocional.
e. Relación entre lo escénico y lo extraescénico.
El fuera de campo está cargado de sentido (lo que no se dice, lo que ocurrió entre
escenas), haciendo al espectador cómplice activo.
f. Vínculo entre el espacio utilizado y la ficción del texto dramático
escenificado.
Se mantiene un vínculo estrecho: los lugares cambian rápidamente, lo que corresponde
a los saltos temporales y la naturaleza fragmentaria de la historia.
g. Relación entre lo mostrado y lo oculto.
Hay una tensión constante entre lo visible (la franqueza de los personajes) y lo oculto
(sus verdaderas intenciones o sentimientos).
h. ¿Cómo varía la escenografía? ¿A qué corresponden sus
transformaciones?
Mediante elementos móviles o proyecciones se cambian los espacios. Las
transformaciones responden a los cambios de escena y de relación entre personajes.
i. Sistema de colores, de las formas, de las materias: sus connotaciones.
Predominan tonos fríos (gris, azul, blanco), que refuerzan el distanciamiento emocional
y la alienación urbana. Materiales lisos, superficies pulidas, sugerentes de frialdad.
3. Sistema de iluminación
a. Naturaleza, vínculos con la ficción, la representación y el actor.
La iluminación es realista y funcional, pero con matices expresivos. Luces cálidas en
momentos de intimidad; luces frías y duras en escenas de conflicto. Sirve tanto para
marcar el espacio como para reflejar estados emocionales.
b. Efectos sobre la recepción del espectáculo.
La luz guía la atención del espectador, subrayando tensiones y silencios. Los cambios
sutiles de temperatura cromática y direccionalidad refuerzan la atmósfera emocional sin
necesidad de decorado explícito.
4. Objetos
a. Naturaleza, función, materia, relación con el espacio y el cuerpo, sistema
de utilización.
Los objetos son escasos, funcionales y cargados de sentido simbólico. Ejemplo: una
cámara fotográfica, un ordenador o una copa de vino pueden expresar relaciones de
poder, deseo o fragilidad. Los actores interactúan con ellos con precisión, como
extensiones del conflicto.
5. Vestuario, maquillaje, máscaras
a. Función, sistema, relación con el cuerpo.
El vestuario es contemporáneo, urbano, sin elementos de época. Refleja el estatus
social, el carácter y la evolución de los personajes. Maquillaje naturalista, sin máscaras:
el rostro y su expresividad son fundamentales en la construcción del drama íntimo.
6. Cualidades de los actores
a. Descripción física de los actores (gestual, mímica, maquillaje); cambios de
su apariencia.
Los actores usan una gestualidad contenida, muy enfocada en la mirada y la postura
corporal. Los cambios físicos (ropa, peinado) marcan el paso del tiempo y los cambios
emocionales.
b. Kinestesia que se presume en los actores. Kinestesia inducida en el
observador.
Se percibe una tensión corporal constante, una energía interna que nunca se desborda
del todo. El espectador siente esa incomodidad física, ese "peso" emocional, inducido
por la economía gestual.
c. Construcción del personaje; actor / papel.
La construcción es psicológica, basada en la introspección y el texto. Hay una inmersión
profunda en los matices del personaje, lo que genera interpretaciones verosímiles,
dolorosas, crudas.
d. Relación entre el actor y el grupo: desplazamientos, relaciones generales,
trayectoria.
Las relaciones físicas en escena reflejan dinámicas de poder. La proximidad o la
distancia espacial indican intimidad o ruptura. Los movimientos son precisos,
coreografiados sin perder naturalidad.
e. Relación texto / cuerpo.
El cuerpo acompaña al texto con precisión, sin subrayados innecesarios. Cada palabra
parece estar encarnada, medida, sostenida por una actitud física clara.
f. Voz: cualidades, efectos producidos, relación con la dicción y el canto.
La voz es el principal vehículo expresivo. Se juega con la entonación, los silencios, los
susurros, los gritos ocasionales. La dicción es clara, directa, emocionalmente cargada.
No hay canto.
g. Estatuto del actor: su pasado, su situación profesional, etc.
Dependerá del montaje específico. En general, los actores suelen tener formación
profesional sólida y experiencia en teatro psicológico o contemporáneo, lo que se nota
en la madurez de sus interpretaciones.
7. Función de la música, del ruido, del silencio
a. Naturaleza y características: relación con la fábula, con la dicción.
La música es escasa pero significativa: canciones breves o instrumentales que refuerzan
transiciones emocionales. Los silencios son fundamentales, cargados de sentido.
b. ¿En qué momento intervienen? Consecuencias para el resto de la
representación.
La música aparece en momentos de transición entre escenas o tras puntos de clímax,
generando respiros emocionales. Los silencios se intercalan para reforzar la tensión o
mostrar lo que no se dice.
8. Ritmo del espectáculo
a. Ritmo de algunos sistemas significantes (diálogos, iluminación, vestuario,
gestualidad, etc.). Vínculo entre duración real y duración vivida.
El ritmo es discontinuo: escenas rápidas de confrontación alternan con pausas largas e
introspectivas. La iluminación y la gestualidad respetan ese ritmo, que se percibe más
lento de lo que marca el reloj, dada la densidad emocional.
b. El ritmo global del espectáculo: ritmo continuo o discontinuo, cambios de
régimen, relación de la puesta en escena.
Discontinuo pero articulado. Las transiciones son abruptas, lo que refleja el carácter
fragmentado de las relaciones. Esto genera una tensión constante, sin llegar a la
monotonía.
9. Lectura de la fábula de la puesta en escena
a. ¿Qué historia nos cuenta? Resumirla. ¿Narra la puesta en escena lo
mismo que el texto?
La historia narra las relaciones cruzadas entre cuatro personajes: Dan, Alice, Anna y
Larry, atrapados en un juego de deseo, traición y manipulación emocional. La puesta en
escena respeta la estructura y contenido del texto, manteniendo sus saltos temporales y
su crudeza, aunque puede subrayar algunos aspectos más que otros (p. ej., el machismo
o la vulnerabilidad).
b. ¿Cuáles son las elecciones dramáticas? ¿La lectura es coherente o
incoherente?
Las elecciones suelen centrarse en lo emocional y lo psicológico. Se opta por una
escenografía mínima para resaltar el conflicto humano. La lectura es coherente: potencia
el desencanto y la crudeza del texto original.
c. ¿Qué ambigüedades presenta el texto y cómo las aclara la puesta en
escena?
El texto presenta ambigüedades sobre la verdad emocional de los personajes: ¿quién
ama realmente a quién? ¿qué significa ser fiel? La puesta en escena puede resolver o
intensificar estas ambigüedades según cómo se dirijan los silencios, miradas y
desplazamientos.
d. ¿Cómo se ha organizado la fábula?
Se organiza en escenas breves, separadas por elipsis temporales que obligan al
espectador a reconstruir lo ocurrido. La estructura no lineal refleja la complejidad del
amor moderno.
e. ¿Cómo construye la fábula el actor y la escena?
A través de actuaciones íntimas y precisas. La escena está al servicio del texto y del
gesto: cada movimiento, cada pausa, refuerza los vínculos rotos entre los personajes.
f. ¿Cuál es el género del texto dramático según la puesta en escena?
Drama contemporáneo con tintes de tragedia moderna. A veces roza lo grotesco o lo
absurdo, dependiendo del tono que se le imprima.
g. Otras opciones de escenificación posibles.
Podría montarse como un drama performático más abstracto, o incluso con escenografía
digital para reforzar la alienación. También podría explorarse desde un enfoque más
físico y menos verbal.
10. El texto en la puesta en escena
a. Elección de una versión escénica: ¿qué modificaciones se realizan?
Generalmente se conserva el texto casi íntegro, pero a veces se recortan escenas o se
reorganizan para facilitar la fluidez. Puede haber adaptaciones lingüísticas según el país.
b. Características de la traducción (cuando sea el caso). ¿Traducción,
adaptación, reescritura o escritura original?
En puestas en escena en español, suele tratarse de una traducción-adaptación,
buscando mantener el tono urbano y directo del original inglés. Las expresiones se
ajustan al contexto cultural del público.
c. ¿Qué lugar le otorga la puesta en escena al texto dramático?
Central. El texto es el eje: se recita con naturalidad y precisión. No hay grandes
licencias poéticas ni distorsiones formales.
d. Relaciones entre el texto y la imagen, entre el oído y la vista.
El lenguaje visual es sobrio para no competir con la potencia del diálogo. Las imágenes
acompañan sin subrayar. El oído (texto) domina sobre la vista (escenografía).
11. El espectador
a. ¿En el seno de qué institución teatral se sitúa esta puesta en escena?
Suele representarse en salas independientes, teatro contemporáneo o salas de cámara,
donde se prioriza la cercanía con el público y una estética realista.
b. ¿Qué expectativas tenía usted ante este espectáculo (texto, director de
escena, actores)?
Expectativas de intensidad emocional, diálogos agudos, actuaciones comprometidas. Si
el director es conocido, se espera una lectura personal del texto.
c. ¿Qué presupuestos son necesarios para apreciar ese espectáculo?
Familiaridad con el drama contemporáneo y disposición para enfrentar emociones
incómodas. El espectador debe estar atento a los matices, ya que lo esencial no siempre
se verbaliza.
d. ¿Cómo ha reaccionado el público?
En general, el público reacciona con silencio reflexivo. Risas nerviosas en momentos de
ironía. Aplausos sostenidos al final si las actuaciones son convincentes.
e. Papel del espectador en la producción de sentido. ¿La lectura que nos
propone es unívoca o plural?
La lectura es plural: cada espectador puede identificarse con distintos personajes o
interpretaciones morales. La ambigüedad moral genera debate.
f. ¿Qué imágenes, qué escena y qué temas le interesan y recuerda?
Las escenas de confrontación íntima (Dan confrontando a Alice, Larry humillando a
Anna) quedan grabadas por su intensidad emocional. Temas: la verdad, el deseo, la
imposibilidad de amar sin destruir.
g. ¿Cómo manipula la puesta en escena la atención del espectador?
A través del ritmo, la mirada de los actores, los silencios estratégicos y el uso del
espacio escénico como vacío expresivo. Se evita el exceso de elementos para centrar la
atención en el conflicto humano.
12. ¿Cómo anotar (fotografiar o filmar) este espectáculo? ¿Cómo
recordarlo? ¿Lo que se escapa de la notación?
El espectáculo se puede registrar visualmente por su sencillez escénica, pero lo
más valioso —la tensión emocional, la mirada, el silencio cargado— se escapa del
registro técnico. Lo más difícil de anotar es la energía contenida y el subtexto de cada
diálogo.
13. Lo que se puede semiotizar
a. Elementos para los que no se han encontrado sentido en su lectura de la
puesta en escena.
A veces, decisiones de iluminación o gestos aparentemente neutros pueden no tener una
lectura clara o uniforme. Esa ambigüedad puede ser buscada, o fruto del azar.
b. Elementos que no se pueden reducir a signos ni a sentido (y por qué).
La intensidad de una mirada, la vibración de la voz al borde del llanto, no se pueden
traducir completamente a signos. Son elementos vivenciales, subjetivos, no
codificables.
14. Balance
a. ¿Qué problemas particulares hay que examinar?
Cómo representar el paso del tiempo y los saltos entre escenas sin desorientar. Cómo
mantener la intensidad sin caer en el melodrama. Cómo tratar el texto sin traicionar su
tono seco, brutal.
b. Otras observaciones y otras categorías que podrían ser útiles para esa
puesta en escena.
Sería útil una categoría sobre el uso del silencio como signo. También podría explorarse
la dimensión ética: cómo juzga (o no) el montaje a sus personajes.
