Antes:

Filosfía: Disciplina que tiene sus raíces en la antigua Grecia, aproximadamente 10 siglos
antes de la EC, y es fundamental para el desarrollo del pensamiento occidental. La palabra
"filosofía" proviene del griego "filo-" (amor) y "sofía" (sabiduría o verdad), y representa la
búsqueda racional de la verdad y el conocimiento práctico sobre el mundo y la naturaleza
humana. Filosofía es el estudio del "ser", el verbo más difícil de entender, que abarca tanto
la particularidad como la totalidad de las cosas, buscando descripciones y explicaciones
sobre la realidad. En su estado natural, el ser humano tiene todos los derechos, pero en
sociedad debe vivir según pactos y acuerdos. La filosofía intenta racionalizar esta
convivencia y entender los límites del deseo y la acción humana. Los filósofos griegos
creían que el lenguaje permitía describir el mundo, viendo esas descripciones como
herramientas para conocer "lo que es en el mundo." Sin embargo, este enfoque se ha visto
cuestionado por el escepticismo, que sugiere que la lengua humana es incapaz de explicar
la verdad absoluta. El relativismo, derivado de este escepticismo, señala que las teorías
filosóficas no son verdades absolutas, sino meras herramientas para comprender la
realidad. A lo largo de la historia, la filosofía ha enfrentado diversos desafíos, especialmente
con la llegada de la modernidad. La secularización y el avance de la ciencia cambiaron la
visión del mundo, desmitificando las explicaciones religiosas y dando paso a una razón más
instrumental.

Siglo 15
· Renacimiento, fue moderno por recuperar, luego de barbarie medieval, la herencia del
mundo antiguo
· Se crea la imprenta
· Colon descubre América
· Comienza a haber planos y mapas
· Pensamiento pagano/cristiano y la relación entre acciones humanas y la salvación (cielo) o
condenación (infierno)
Siglo 16
· Imagen religiosometafísica del mundo
· Ontología, ética y estética
· Renacimiento termina

Siglo 17
Secularización del conocimiento: Proceso que Max Weber describió como
secularización-racionalización, implicó una separación clara entre la razón sustantiva,
tradicionalmente expresada a través de la religión y la metafísica, y tres esferas autónomas:
saber, moralidad y belleza. Anteriormente, estas áreas estaban intrínsecamente vinculadas
a creencias religiosas y explicaciones metafísicas, pero el proceso de secularización
condujo a su reorganización en campos de conocimiento más definidos y especializados.
Las preguntas fundamentales de la existencia, la moralidad y la belleza se hallaban dentro
del ámbito de la religión y la metafísica. La filosofía proporcionaba respuestas ontológicas,
tratando de explicar la naturaleza del ser y el universo. La ética se centraba en la moralidad
y lo que se consideraba bueno y deseable, mientras que la estética exploraba el concepto
de belleza y lo que nos atraía. Sin embargo, estas explicaciones, aunque articuladas y
profundas, a menudo eran inservibles para abordar las necesidades prácticas y la
organización de la vida cotidiana. Weber caracteriza este proceso como una transición
hacia la racionalidad, donde la ciencia empírica se convierte en la base para el saber, el
derecho normativo toma el lugar de la ética (derecho post moral), y el arte autónomo
reemplaza la estética tradicional. Con esta transformación, las tres esferas (ciencia, derecho
y arte) comenzaron a ser tratadas separadamente por expertos en esos conocimientos
específicos, creando esferas culturales de valor. Esta especialización permitió el desarrollo
de la ciencia moderna, donde la verdad se fundamenta en el método científico y la
observación empírica. El derecho normativo surgió como el marco para la regulación de la
moralidad en la sociedad, y el arte autónomo se convirtió en una forma de expresión
independiente de las restricciones religiosas o éticas. Facilitaron el progreso científico y la
creación de sociedades más complejas y diversificadas. Sin embargo, este proceso también
tuvo sus desventajas. Al separar la razón sustantiva en esferas distintas, las respuestas a
preguntas fundamentales de la vida, la moralidad y la estética se volvieron menos
integradas y más técnicas. Aunque se logró una mayor especialización y profesionalización,
esto llevó a una separación del conocimiento que, en algunos casos, resultó en una
desconexión con la experiencia humana cotidiana.

Rev. Científica: Marcó un cambio significativo en la relación entre el conocimiento y la

religión. Durante esta época, la literatura, las bellas artes y la música comenzaron a
independizarse de la vida religiosa, permitiendo una mayor autonomía en la expresión
artística y cultural. En el ámbito del conocimiento, antes de la Revolución Científica, los
estudiosos se consideraban matemáticos o sabios, pero este período dio lugar a la
aparición de científicos, personas especializadas en el estudio sistemático de la naturaleza
a través de la razón y la observación. La Revolución Científica abrió la puerta a la
Revolución Industrial y estableció la idea de que el ser humano, mediante la razón y la
ciencia, podía comprender y controlar la naturaleza. Científicos como Galileo Galilei, Isaac
Newton y Johannes Kepler demostraron que el mundo natural seguía leyes que podían ser
descubiertas y aplicadas. Esto significaba que el ser humano tenía la capacidad de influir y
transformar su entorno, iniciando un proceso de racionalización y sistematización del
conocimiento. Los descubrimientos y avances de estos científicos cambiaron la forma en
que se concebía el universo y el papel de la humanidad en él. Al demostrar que el mundo
natural podía ser entendido a través de leyes matemáticas y físicas, proporcionaron las
bases para el desarrollo del método científico, que enfatiza la observación empírica, la
experimentación y la lógica. Este nuevo enfoque permitió un mayor control y manipulación
del entorno, sentando las bases para el progreso científico y tecnológico que caracterizaría
los siglos siguientes.

Siglo 18
Burguesía: Desempeñó un papel crucial en el surgimiento del Estado burgués, que fue
posible gracias a una moral posconvencional que permitía una mayor flexibilidad en las
estructuras sociales y políticas. Tuvo una influencia significativa en el impulso de la
economía de mercado y el comercio global, además de ser un factor determinante en
transformaciones políticas importantes como la Revolución Inglesa, la Independencia de los
Estados Unidos y la Revolución Francesa. Aunque las raíces de la burguesía se remontan a
la producción preindustrial de la Edad Media, fue en el siglo XVIII donde su influencia se
consolidó, llevando a cambios sustanciales en la sociedad. La burguesía demandaba
productos diferenciadores que imitaban la ostentación y el fausto del periodo feudal,
creando un factor sociológico que sigue siendo relevante hasta hoy. Estas demandas se
traducían en decoraciones impresionantes, a menudo absurdas, que respondían a la
expectativa de los usuarios de que el valor de los productos no se limitara a su utilidad, sino
que también reflejara un estatus social y una aspiración de poder. Su búsqueda de
diferenciación y dominio a través del consumo influyó en la forma en que se producían y
consumían bienes, impulsando el crecimiento del comercio y la economía,y promoviendo
ideas de libertad, igualdad y derechos individuales.

Ilustración:Movimiento intelectual, marcó un cambio radical en la idea de lo que significa ser

moderno. Anteriormente, ser moderno implicaba retomar ideas antiguas y seguir tradiciones
establecidas, pero la Ilustración transformó este concepto mediante la ciencia moderna, el
progreso del conocimiento y la promesa de una sociedad más feliz. Fue un esfuerzo
colectivo para desarrollar una ciencia objetiva, una moralidad basada en leyes universales y
un arte autónomo, con el objetivo de liberar la capacidad de interpretación y raciocinio del
ciudadano común, permitiendo que personas no expertas participaran en el proceso de
conocimiento y toma de decisiones. El optimismo de la Ilustración se centró en la creencia
de que la ciencia y el arte podían controlar las fuerzas naturales, ayudando a comprender el
mundo y promoviendo el progreso moral, la justicia y la felicidad. Sin embargo, a medida
que pasaron los siglos, este optimismo se desvaneció, en parte debido a la separación cada
vez mayor entre ciencia, derecho y arte, lo que generó una desconexión respecto a la
comunicación cotidiana. Esta división también dio lugar a esfuerzos para rechazar y destruir
la cultura de los expertos, y la religión, ya desacreditada, apareció como una falsa promesa
de felicidad.

La Ilustración Francesa: Una de las manifestaciones más influyentes del movimiento,

enfatizó la razón, la ciencia moderna y el progreso. Ser "moderno" en este contexto
significaba alejarse de las creencias tradicionales y adoptar una orientación hacia el
conocimiento racional y científico. Sin embargo, esta versión de la Ilustración también tenía
corrientes que se sintieron atraídas por ideales de la antigüedad clásica, buscando el orden
y la racionalidad del clasicismo grecorromano como modelos a seguir. La Ilustración
Francesca fue un motor clave para cambios significativos en la sociedad y la política,
inspirando movimientos como la Revolución Francesa. A pesar de su enfoque en la razón y
el progreso, esta corriente también generó tensiones internas debido a la mezcla de ideas
nuevas y antiguas. El resultado fue un complejo escenario intelectual en el que la razón, la
ciencia y el arte intentaban encontrar un equilibrio entre tradición y modernidad, al tiempo
que impulsaban la idea de un futuro más racional y justo para la humanidad.

Siglo 19
Romanticismo: surgió como respuesta a la racionalidad de la Ilustración y el clasicismo. Los
románticos valoraban la emoción, la imaginación y la conexión con la naturaleza. Buscando
una nueva época histórica y oponiéndose a los ideales de la antigüedad clásica, el
Romanticismo a menudo idealizaba la Edad Media, destacando su misticismo y elementos
góticos. Arte se proponen a sí mismas ser proyectos de modernidad cultural con fines
emancipatorios del romanticismo, realismo, impresionismo, vanguardia. Se convierten
finalmente en entretenimiento e industria cultural. Modernización societal penetra cada vez
más la existencia humana. Vanguardia trae idea de que productos artisticos quedarán
obsoletos cuando aparezca la siguiente novedad.

Industrialización: Desarrollo y valoración del saber técnico para incrementar la

productividad. Ligada a relaciones comerciales y simbólicas por ej ventas por catálogos y
anuncios. Sigue sin haber estética técnica. Imitaban productos artesanales y agregan
formas estilísticas/decorativas. Era irracional. Expansión del capitalismo, Aspiración al
poder, no permite actividades no específicas de clase. Diseño productos masivos /iguales:
Instrumento de opresión y aceptación de los intereses dominantes. Da comienzo al diseno
industrial, la producción mecanizada y el modo de producción capitalista. Uso y aparición
coinciden con las expectativas de los consumidores. Industrialización de los productos, con
raíces a formas de producción preindustria, las grandes empresas artesanales tenían
suficiente clientela amplia como para reorganizarse . Abolición artesano + necesidad de
diferenciarse en productividad masiva = mayor relevancia en papel de diseñador. Se
considera al ingeniero en los comienzos del maquinismo como pionero del diseño funcional.
Momento marcado por nuevos materiales y tecnologías. Telares automáticos, máquinas de
vapor, construcción prefabricada.

Consecuencias industrialización: Fundación de escuelas y museos: Aparece la influencia

ideológica, hay reformas en el diseño y corrección de diseño de los productos. (Inglaterra es
el 1) Productividad masiva /en serie: Decrecimiento en cualidad de los productos, limita el
diseño, materiales más pobres, decepción de parte de consumidor, ausencia de relaciones
culturales, el "gusto” lo marcan las clases dominantes, productos marcan problemática
social ya que corresponden a una pertenencia y situación de clase. Clase obrera en
Inglaterra estaba en inhumanas condiciones. Factor que impulsaba a ideas reformadoras y
creación de mov. Sociales y estéticos. Consecuencias sociales: Población se convierte en
proletariado, más zonas barriales industriales. Revolución industrial hace que el proyecto de
trabajo y ejecución de un producto no sea responsabilidad de una única persona.
Desarrollado de forma extrema que los diseñadores solo hacen una pequeña parte. El
discurso científico podía institucionalizarse. (Problemas podían pasar a ser preocupaciones
para expertos especiales) (Aumenta la distancia entre la cultura de los expertos y la del
público general) (Sustancia de la gente común es devaluada y aumenta la pobreza) Antes
no pensábamos que nuestras acciones tenían consecuencias ahora creemos que lo que
hacemos influye en el futuro. Por la masividad se reduce la calidad del producto respecto a
los productos artesanales, ocurre el empobrecimiento. Indeseables consecuencias,
trabajaban en condiciones inhumanas y un medio ambiente destruido mientras que los ricos
tenían arte y riquezas expuestas.

Sociedades políticas: no anárquicas, es un orden social en el que los sujetos delegan

algunos de sus derechos a una autoridad común. Según qué tan democrático o autocrático
es la comunidad es que tanto es el dominio del hombre por el hombre. El diseño está en
ambas teorías. Autonomía es el concepto que se opone al concepto de política y supone la
independencia del sujeto para elegir. La comunicación diseñada o los objetos diseñados
promueven la autonomía, pero proponen también una línea determinada para entender el
sentido del objeto. El concepto de autonomía como capacidad racional entra en colisión con
el funcionamiento de todo signo. Formula del diseñador: agotar todas las posibilidades de
planificación para reducir al máximo la impredecibilidad de la conducta del
sujeto/consumidor orientadas al deseo y las falsas necesidades (coerción cultural)

Estado liberal de derecho: Ocurre por triunfo de la burguesía. Libertad de la burguesía en

cuanto a propiedad privada y bienes. Economía librecambista, minima interrupción del
estado. Defecto: no es pacifico, da lugar a cuestionamientos, surge partido obrero, sufragio
universal. Dice que el arte no era un privilegio de artistas, era tributo de cada hombre.
Concepciones utópicas. Modernas fabricas llevaron a decadencia del arte, se impedía una
relación íntima con el trabajador, alienación del productor con su propio trabajo. Entusiasmo
romántico por algo irrecuperable e irrealizable (no proletarización de las masas, trabajo
manual, formas de prod. Medievales, circulación económica por trueque)

Decorativismo ostensivo/ eclectisismo: Lo opuesto a bellas artes, son artes

aplicadas/decorativas. Tendencia de la nueva clase (burguesía) a imitar el aspecto de los
productos y estilos que usaba la nobleza feudal (clases anteriormente dominantes). No
daba lugar a que se desarrollen nuevas funcionalidades prácticas. Irracionalidad para
explicar este furor. Sistema social patológico. Como causa de la “incapacidad estética" de la
clase dominante, tienen una falta de discusión filosófica, propia de comerciantes e
ingenieros. Usaban los estilos del pasado ligado a la cultura del periodo, lo egipcio en lo
fúnebre, lo griego con la democracia, lo romano con el derecho, lo romántico y gótico con la
religión, lo renacentista con el arte, el barroco con el teatro. Esto sucede como una forma de
volver a la configuración ambiental preindustrial frente a la conmoción medioambiental y
urbana producido, especial en Gran Bretaña. Para compensar y corregir el deterioro de los
combustibles fósiles y la mecanización de la producción. Artistas tienen entonces estilo
gótico, romántico, bizantino, egipcio, árabe, barroco. Los artistas pertenecientes a la
sociedad burguesa carecían de una concepción metafísica de los estilos como despliegue
de algún tipo de belleza. Situamos la belleza a esta época, es decir, la creación de
artefactos cuyo fin es funcionar como obra de arte, sin uso social, o valor de utilidad para la
felicidad .

Vanguardia política: Ideas socialistas, comunistas, anarquistas. Proyectos revolucionarios

consientes del fracaso del proyecto iluminista y el propósito de hacer más feliz al hombre.
Se enderezan hacia un progreso que tenga como fin la desaparición del dominio politico de
los ciudadanos por parte del estado o propietarios de los medios de producción. Ej
anarquismo comunismo, imposible llevarse a cabo sosteniblemente. No desaparecería toda
autoridad, sino solo la autoridad política, tendrían un caracter de diseño/heurístico y
administrativo.

Ruskin (artista, escritor, filosofo) y Morris (comunista fundador de artesanía artística) son los
fundadores de la teoría social del diseño. Llevados por la inequidad de concentración de la
riqueza en algunos y decadencia cultural de la época.

Ruskin: Fuerte oposición a la producción mecánica o industrial, defendiendo en su lugar un

enfoque más humano y artesanal en el arte y la producción. Influenciado por un socialismo
cristiano, Ruskin tenía una gran influencia y buscaba combatir la injusticia social. Creía que
el arte no debía ser un privilegio exclusivo de unos pocos, sino que debía ser propiedad y
tributo de cada hombre. Para él, la decadencia del arte era consecuencia directa de las
modernas fábricas, que, según su opinión, impedían una relación íntima entre el trabajador
y su trabajo. Ruskin tenía un entusiasmo romántico por algo que consideraba irrecuperable:
el trabajo manual y las formas de producción medievales. Su posición utópica reflejaba el
contexto de Gran Bretaña durante la Revolución Industrial, cuando las fábricas y la
producción en masa estaban en pleno auge. Ruskin sostenía que el arte estaba siendo
degradado por la industrialización y abogaba por una transformación social que permitiera
recuperar el sentido del trabajo artesanal y la conexión emocional con el arte. Su
preocupación por el cambio social era tan fuerte como su preocupación por el arte,
demostrando que, mejorar el arte no era posible sin transformar simultáneamente la
sociedad. La lucha contra la injusticia social y la producción mecánica reflejaba su creencia
de que una verdadera transformación artística solo podía lograrse a través de una profunda
renovación social y cultural.

Morris: Fundó la empresa Morris and Co. en 1861, con el propósito de crear productos
artísticos de alta calidad con acabados manuales, encarnando un carácter anticapitalista y
romántico. Aunque dirigía una empresa capitalista, su visión política y estética se centraba
en oponerse a la producción industrial, sosteniendo que la producción en masa generaba
productos deplorables y que el capitalismo era inherentemente inhumano. Morris valoraba
más hacer "socialistas" que arte, y criticaba los "gustos" convencionales y la teoría del valor,
argumentando que "los ricos son ricos porque se aprovechan de los pobres." A pesar de
estas críticas, la empresa de Morris ofrecía productos a precios altos debido a su calidad
artística y a su enfoque manual, lo que lo llevó a ser un capitalista a pesar de su idealismo
socialista. La creación de Morris and Co. y el movimiento Arts and Crafts marcaron el inicio
de la historia política de la teoría del diseño, promoviendo una reforma social y la innovación
de estilo. El movimiento defendía el regreso del diseño a las artes y oficios tradicionales
como reacción al creciente industrialismo de la segunda mitad del siglo XIX, aunque esta
estrategia mostró limitaciones ante la expansión de la industria, como la introducción de la
máquina de coser y las sillas Thonet, producidas en masa. El enfoque anticapitalista de
Morris y el movimiento Arts and Crafts enfrentaron desafíos ante el imparable desarrollo
industrial, demostrando que el intento de huir del industrialismo traía consigo una serie de
fracasos

Siglo 20
Jugendstil: La Jugendstil fue un estilo artístico y arquitectónico que se desarrolló a finales
del siglo XIX y principios del siglo XX, caracterizado por la producción de objetos
ornamentales de alta calidad y precio, que reflejaban el renacimiento artesanal impulsado
por William Morris. Este estilo tuvo una importante influencia en Centroeuropa y fue parte de
un conjunto de artes aplicadas orientadas a la burguesía y a artistas con privilegios
especiales. Se centró en la conciencia cultural y en otorgar a su estilo un correspondiente
honor, rompiendo con las referencias históricas tradicionales como templos griegos o
termas romanas. El éxito de la Jugendstil se debe en parte a su capacidad para combinar
rasgos decorativos con calidad estética, convirtiéndose en un signo de distinción social.
Aunque su producción abarcaba una amplia gama de objetos, desde muebles hasta
lámparas y cerámicas, no estaba pensada para la producción industrial en serie, sino para
clientes privados y artistas, generalmente de clase alta o aristocracia, dando lugar a una
participación privilegiada en la cultura. De este modo, el diseñador Jugendstil se distinguía
del artesano socialista, ya que operaba en un contexto elitista y no buscaba necesariamente
una orientación social. Aunque la Jugendstil fue vista como una forma de liberación
histórica, este significado no fue igual para las masas asalariadas, quienes solo podían
acceder a versiones más simples y a menudo industriales, que carecían de la artesanía y el
lujo que caracterizaban a las versiones originales. A medida que la Jugendstil se expandía,
creció desde la creación de muebles hasta otros objetos decorativos como vajillas, lámparas
y cerámicas, manteniendo una estetización total de la forma utilitaria.

En resumen, la Jugendstil representó un arte para la élite y la burguesía, con un enfoque

en el diseño artísticoartesanal y una conexión con la trascendencia cultural nacional.
Aunque tuvo elementos de decorativismo y fue una fuente de inspiración para el Art
Nouveau y el modernismo, su orientación hacia una capa social reducida y elitista llevó a
una legitimación de la participación privilegiada en la cultura, dejando de lado la producción
en serie y el acceso masivo.

Definición de modernidad: Período donde los proyectos y acciones están dirigidos a

construir sociedades más justas y felices. Se sitúa entre 1450 y 1950 y se caracteriza por la
confianza de la humanidad en su capacidad para transformar la realidad. En la cultura
europea, la modernidad aparece como una conciencia de una nueva época a través de la
recuperación de elementos del pasado, a menudo mediante alguna forma de imitación.
Max Webber: La teoría de la acción clásica busca explicar las razones o motivaciones
detrás de las acciones humanas, poniendo énfasis en la racionalidad y el éxito en el
contexto de organizaciones como empresas. En este enfoque, se espera que la acción
racional de una organización como un todo y la acción de sus miembros individuales estén
alineadas con intereses comunes. Sin embargo, en la práctica, esto no siempre ocurre, ya
que el comportamiento racional de cada individuo en el sistema puede ser menos
importante que la estructura organizativa en sí.
En este contexto, la modernidad se presenta en dos vertientes según Max Weber,
influenciado por el neoconservadurismo: como un proyecto racionalmente concebido que a
menudo fracasa, y como un resultado económico y administrativo exitoso pero
deshumanizado. Para Weber, la modernidad cultural representa el proyecto fracasado,
mientras que la modernización societal refleja procesos exitosos pero desvinculados de sus
propósitos originales. Las acciones planificadas para lograr metas emancipatorias y para
aumentar la felicidad pueden fracasar o ser controladas por regímenes de autocontrol
inhumano, independizándose de sus objetivos originales. El éxito o el fracaso de estas
acciones no siempre guarda relación con el bienestar humano ni con una sociedad ideal.
Así, los proyectos destinados a mejorar el mundo pueden terminar controlados y
distorsionados por estructuras más grandes que persiguen su propio régimen de eficiencia,
independientemente de si benefician o no a las personas. En esta perspectiva, la
separación de la razón entre religión y metafísica por un lado y modernización por el otro
contribuye al desencantamiento del mundo. La modernidad cultural fracasa al no alcanzar
sus objetivos originales, mientras que la modernización societal, aunque exitosa en términos
económicos y administrativos, resulta deshumanizadora y desvinculada de la felicidad
proyectada.

Werkbund: Fue una asociación supra-artesanal fundada en 1907 que unió a artistas,
artesanos y diseñadores industriales con el objetivo de mejorar la calidad del diseño y la
producción industrial mediante la educación, la promoción del diseño y la discusión. La
constelación ideológica clásica de la Werkbund giraba en torno a la idea de fusionar arte,
industria y artesanía para mejorar el diseño, fortalecer el trabajo artesanal y ennoblecer los
productos industriales. Sin embargo, la Werkbund enfrentó contradicciones y tensiones
internas debido a la diversidad de enfoques e influencias. Había una conciencia mesiánica
que promovía una ideología tranquilizadora pero falsa, basada en la promesa de felicidad a
través de la satisfacción de necesidades básicas, que a menudo se confundían con deseos.
La asociación buscaba progresar mediante el ennoblecimiento de productos industriales
nacionales y la expansión internacional del comercio capitalista, presentando intereses
comerciales como creaciones culturales. La Werkbund debatió cuestiones polémicas como
la individualidad del diseño y la tradición de la industria artística. Los fundadores, como
Muthesius y Behrens, tenían ideas diferentes sobre el enfoque del diseño. Muthesius
promovía la estandarización y la racionalización, argumentando que la ornamentación era
una forma de trabajo derrochado y capital malgastado. Otros, como Van de Velde, se
oponían a la racionalización excesiva y defendían la individualidad en el diseño. La
Werkbund enfrentaba un conflicto constante entre la permanencia y el cambio, con dos
corrientes dominantes: la estandarización industrial y el despliegue de la individualidad.
Estas corrientes reflejaban la tensión fundamental del capitalismo moderno, debatiendo
hacia dónde debería dirigirse la producción industrial: hacia el control y la disciplina o hacia
la expansión incontrolada y la diversidad de modelos. En resumen, la Werkbund fue una
asociación que intentó conjugar intereses contradictorios entre la estandarización y la
individualidad, trabajando para mejorar el diseño industrial y artesano a través de la
colaboración y la educación. Sin embargo, sus miembros tenían visiones diferentes sobre la
mejor manera de lograrlo, evidenciando los desafíos que enfrenta el diseño en el contexto
del capitalismo moderno.

Diseño Moderno/ Behrens: El diseño moderno comenzó a tomar forma en 1907 con el
nombramiento de Peter Behrens como consejero artístico y diseñador para la empresa
alemana AEG. Behrens fue el primer diseñador industrial que aplicó un criterio actual en su
enfoque, incorporando elementos de individualismo artístico, racionalismo tecnológico y
pensamiento comercial. Fue un pionero que introdujo el diseño de productos en serie y el
concepto de diseño industrial. Una de las claves del diseño moderno fue el retorno a la
conciencia de formas de uso de mejor calidad y precios más elevados. Behrens y otros
diseñadores del movimiento también trabajaron para ennoblecer el trabajo empresarial
mediante la educación y la adopción de una posición sólida frente a los problemas más
cruciales del momento. Su objetivo era mejorar la producción y la calidad del diseño para
impulsar el progreso cultural a través del desarrollo industrial, especialmente en Alemania,
que buscaba convertirse en un líder mundial mediante la exportación de productos con
diseño industrial de calidad. Behrens introdujo la idea de fundir arte y técnica en una sola
realidad, proponiendo que este enfoque no era un fin en sí mismo, sino un medio para
mejorar la cultura. Aunque Behrens adoptó elementos de la Jugendstil, se alejó de sus
principios por motivos técnicos, valorando más el proceso de fabricación económica y la
utilidad de los productos. Además, Behrens introdujo la ornamentación geométrica e
impersonal, alejándose del exceso decorativo. Por otro lado, Muthesius, contemporáneo de
Behrens, abogaba por una concepción más racionalista y tipificadora, proponiendo
establecer tipos para cada producto respetando el material usado sin pretensiones de crear
cosas asombrosas. Sin embargo, Behrens defendió la idea de agregar ornamentación con
un diseño más racional, enfocado en formas geométricas. El diseño moderno fue visto como
un paso clave para el desarrollo industrial y la exportación de arte industrial, un concepto
que se utilizó incluso con fines propagandísticos bajo el término de "capitalismo
esclarecido." Sin embargo, esta idea también albergaba peligros y contradicciones, dado
que tenía intereses contrapuestos entre productores y consumidores. A pesar de estos
desafíos, Behrens sigue siendo reconocido como un pionero del diseño moderno y el primer
diseñador industrial.

Conciencia en el tiempo: está marcada por una conciencia cambiante del tiempo, con
anticipación hacia un futuro indefinido y exaltación del presente. Se observa una aceleración
de la historia, discontinuidad en la vida cotidiana y un mayor valor en lo transitorio y efímero.
Este dinamismo revela un anhelo por un presente estable. Las épocas individuales pierden
su fuerza distintiva, y la memoria histórica es sustituida por una afinidad heroica del
presente con los extremos de la historia. El presente se ve como un momento de revelación,
donde lo actual se mueve dentro de lo que existió en otros tiempos.
Vanguardias: Movimientos artísticos y culturales que buscaron romper con las convenciones
y reinterpretar el pasado de maneras novedosas, a menudo con un espíritu anarquista y
subversivo. Estos movimientos se caracterizaron por su intención de cuestionar y desafiar la
continuidad de la historia, introduciendo enfoques innovadores para expresar nuevas ideas
y visiones del mundo. El espíritu moderno de vanguardia utilizó el pasado de manera
distintiva, tomando elementos de épocas anteriores para redefinir y crear nuevas formas de
arte y cultura. La reinterpretación del pasado fue un aspecto clave de estas vanguardias. En
lugar de seguir las normas tradicionales, los movimientos de vanguardia se esforzaron por
desestabilizar la normatividad establecida, introduciendo nuevas perspectivas y rompiendo
con las estructuras existentes (quieren destruir el arte). Este enfoque es similar a lo que
ocurrió durante la Revolución Francesa, que se inspiró en la Roma antigua para legitimar
sus ideas y simbolizar un nuevo comienzo. De manera similar, los movimientos de
vanguardia del siglo XX utilizaron el pasado para reconstruir el presente y el futuro. El
dadaísmo, por ejemplo, cuestionó la lógica y el sentido común, utilizando el absurdo y el
caos como herramientas de protesta contra la rigidez de la sociedad contemporánea. El
surrealismo exploró el inconsciente y la psicología, combinando imágenes oníricas y
realidades alternativas para desafiar las nociones convencionales de arte y literatura. Otros
movimientos, como el cubismo y el futurismo, reinterpretaron la forma y el espacio,
explorando nuevas dimensiones y perspectivas en el arte visual, absurdos. Estos
fenómenos muestran cómo las vanguardias del siglo XX usaron el pasado como fuente de
inspiración para crear algo nuevo y radicalmente distinto. Al reinterpretar fuerzas históricas y
utilizar elementos del pasado, estos movimientos fueron capaces de romper con la tradición
y establecer caminos innovadores para el arte, la literatura y la cultura en general. El
espíritu moderno de vanguardia, con su intención anarquista y subversiva, abrió el camino
para una mayor experimentación y diversidad en el arte, estableciendo las bases para
muchas de las tendencias y estilos que definirían el arte contemporáneo.

Crisis del 29: Evento económico que tuvo profundas repercusiones, destacando el fracaso
del fordismo y las limitaciones de la producción en masa. Antes de la crisis, el modelo
fordista se basaba en la producción de pocos modelos con una larga duración, centrados en
la simplicidad constructiva y funcionalidad. Sin embargo, con la Gran Depresión de 1939,
este modelo entró en crisis debido al rechazo del público a los productos repetitivos y la
falta de flexibilidad para adaptarse a cambios en el gusto del consumidor. El fracaso del
fordismo llevó a una situación donde muchos productos no lograban resistir el ritmo de la
competencia, especialmente cuando dejaron de ser atractivos para el gusto público. Para
responder a esta crisis económica, la industria adoptó el "Styling", un enfoque que se
centraba en hacer productos atractivos superficialmente, pero que a menudo carecían de
calidad y conveniencia. Esta estrategia representaba una extraña respuesta a la crisis, ya
que en lugar de volver a la simplicidad, el énfasis se puso en la apariencia y el cambio
frecuente de modelos. El auge del "Styling" como respuesta a la crisis de 1929 mostró cuán
integrado estaba el capitalismo, permitiendo incluso el derroche en tiempos de recesión
económica. Los defensores del "Styling" argumentaban que era una expresión de
creatividad popular y un rechazo a la racionalización y tipificación que caracterizaban el
modelo fordista. Sin embargo, esta estrategia también condujo a productos de menor
duración y calidad, contribuyendo a la crisis económica por su carácter irracional y su
incapacidad para mantener la confianza del consumidor a largo plazo. En resumen, la crisis
del 29 reveló el fracaso del modelo fordista y la necesidad de replantear la producción en
masa. El paso hacia el "Styling" fue una respuesta superficial a la crisis, priorizando el
atractivo visual sobre la calidad y la durabilidad, lo que, en última instancia, contribuyó a las
dificultades económicas y al cuestionamiento del orden capitalista. El auge del consumo y la
comercialización llevó a un enfoque en la apariencia y el estilo por encima de la
funcionalidad. La "irracionalidad decorativa" se convirtió en un fenómeno frecuente en el
diseño de productos industriales, con un exceso de ornamentación y estilos superficiales
que a menudo carecían de una base técnica sólida

Efectos culturales e intelectuales: Se manifiestan a través de enfrentamientos que dan lugar

a extremismos, como el totalitarismo o la regulación gubernamental. A medida que el siglo
avanza, la fe en la ciencia y el arte como herramientas para el control y la comprensión
destinadas a alcanzar la felicidad empieza a desmoronarse. La diferenciación entre ciencia
y moralidad genera nuevos problemas, especialmente cuando algunos expertos niegan la
importancia de la cultura y la dimensión humana del conocimiento. En este contexto, el
diseño se convierte en el "broche de oro" de la modernidad, pero surgen preguntas sobre si
realmente puede lograrse un avance en el arte y la cultura sin una transformación
simultánea de la sociedad. Las nuevas tendencias, como las exploradas por Theodor
Adorno en su teoría estética, desafían las suposiciones tradicionales sobre el arte. Adorno
señala que el arte ya no puede darse por sentado, convirtiéndose en un espejo crítico de la
sociedad. Esto lleva a cuestionar la relación entre arte y vida, abriendo debates sobre la
reconciliación entre ambos y generando experimentos radicales que afirman que todos son
artistas y todo puede ser arte. El surrealismo, como parte de este cuestionamiento, liberó
una "guerra" artística para desafiar las normas, pero dos errores socavaron su revuelta: la
ruptura de la esfera cultural, que dispersó el contenido, y la falsa negación de la cultura. Los
movimientos que buscan negar la modernidad, como algunos intelectuales marxistas que
intentaron negar la filosofía y el arte, a menudo fracasan debido a su enfoque radical y
desconectado de la realidad cultural. En medio de estos cambios, el arte burgués, con su
demanda de educación y competencia para apreciar el arte, es criticado por su elitismo. El
proceso de modernización también trae consigo un empobrecimiento debido al
tradicionalismo y las fuerzas que buscan conservar las estructuras existentes. En última
instancia, los efectos culturales e intelectuales del siglo XX revelan un periodo de tensión y
transformación, donde las promesas de la modernidad y la Ilustración son desafiadas, y se
exploran nuevas formas de entender el arte y la cultura, con todos los conflictos y
oportunidades que ello conlleva

Valor de cambio signo: Se refiere a la manera en que los objetos y diseños adquieren
significados más allá de su utilidad, convirtiéndose en símbolos que representan
diferenciación entre grupos sociales y estratos culturales. En un mundo lleno de objetos,
estos se convierten en un sistema semiótico en el cual las personas eligen signos para
mostrar su identidad y diferenciarse de otros. Los objetos actúan como elementos
portadores de cultura, y su diseño y apariencia se usan para indicar posición social. Desde
1907 a 1914, el valor de cambio signo empieza a ganar importancia, pero después de la
Primera Guerra Mundial, el enfoque en la productividad y la racionalización se incrementa,
especialmente en Alemania, donde la ciencia y la técnica reemplazan a la religión como
motores de la sociedad. La racionalización se manifiesta en el diseño de productos, con
debates sobre la importancia del aspecto exterior de los objetos y el impacto de los estilos
decorativos en la eficiencia productiva. En contraste, en Estados Unidos, el enfoque es
menos sistemático y más orientado hacia el consumo y la ostentación. El problema en la
forma de los productos se hace evidente cuando la sociedad sigue manteniendo gustos
aberrantes heredados de la era victoriana, en parte porque los burgueses más acomodados
están obsesionados con la apariencia y el estatus. Thorstein Veblen, economista y
sociólogo, describe este fenómeno como "consumo conspicuo", donde la gente busca
exteriorizar su riqueza mediante la adquisición ostentosa de productos costosos, reflejando
una dinámica clasista. En resumen, el valor de cambio signo en el siglo XX pone de
manifiesto cómo los objetos y su diseño se utilizan para diferenciar y definir identidades
sociales. El enfoque en la racionalización y la productividad choca con tendencias hacia la
ostentación y el consumo conspicuo, creando una tensión entre la funcionalidad y el deseo
de mostrar estatus y riqueza. Esta dinámica clasista refuerza la idea de que los objetos no
solo tienen un valor funcional, sino también un valor simbólico en el contexto de las
sociedades modernas.

Daniel Bell: Un influyente pensador neoconservador norteamericano, plantea que las crisis
en las sociedades occidentales surgen de una división entre cultura y sociedad. Para Bell, la
cultura modernista, que ha penetrado la vida cotidiana, trae consigo expectativas de
progreso y felicidad generalizada, lo cual desencadena proyectos hedonísticos que resultan
incompatibles con la vida profesional y las bases morales racionales. Los
neoconservadores, como Bell, atribuyen la responsabilidad de esta crisis a la pérdida de la
ética protestante y la cultura adversativa, que se opone a la acumulación de capital y al
trabajo, incitando al odio hacia las virtudes tradicionales de la vida cotidiana. Esta postura
suele ser considerada progresista y de izquierda, ya que adopta una visión crítica de la
empresa capitalista y promueve una futura sociedad más justa y feliz. En el proceso de
secularización, las sociedades europeas experimentan una progresiva pérdida de la
importancia de la verdad revelada por la tradición religiosa. Esto lleva a que los valores
deban ser reformulados sin ayuda divina, usando la razón humana, un fenómeno conocido
como secularización y racionalización. Este proceso, según Bell, contribuye a la crisis en las
sociedades occidentales, debido a la división entre cultura y sociedad, y a una vida
cotidiana que se ve "infectada" por el modernismo, con la cultura moderna incitando al odio
y a una actitud adversativa. El vanguardismo, para Bell, no es verdaderamente creativo, ya
que promueve una cultura de rebelión sin fundamentos sólidos. Ante esta crisis, Bell sugiere
que la única forma de restablecer la ética, las normas y la valoración del trabajo es
mediante un retorno a la fe religiosa y las tradiciones, ya que esto brinda seguridad
existencial. Para Bell, la combinación de religión y tradiciones proporciona el marco
necesario para reconstruir la estabilidad social y contrarrestar el impacto negativo del
modernismo y su rechazo a las virtudes tradicionales.

Posvanguardia según Berger: Período que marca el fin de la idea de arte moderno, con un
énfasis particular en el fracaso de la rebelión surrealista. El surrealismo, como una de las
últimas vanguardias del arte moderno, aspiraba a desafiar las normas convencionales y
liberar la imaginación humana a través de la ruptura de barreras entre la realidad y el sueño,
entre el consciente y el subconsciente. Sin embargo, el fracaso de esta rebelión se reflejó
en su incapacidad para lograr un cambio duradero en la percepción y práctica del arte. En la
era posvanguardia, que sigue a la euforia y experimentación de los movimientos de
vanguardia del siglo XX, se cuestiona la noción de arte moderno como fuerza
transformadora y se reconoce que las ambiciones utópicas y radicales del arte no pudieron
sostenerse ante las fuerzas del mercado y la institucionalización del arte. El surrealismo,
que pretendía ser revolucionario y subversivo, finalmente fue absorbido por las estructuras
del arte institucionalizado, perdiendo su ímpetu [Link] caracteriza por un sentido de
desencanto y escepticismo respecto a la capacidad del arte para cambiar el mundo de
manera significativa. En lugar de buscar grandes movimientos de rebelión, la posvanguardia
se enfoca en la exploración de nuevas formas y discursos artísticos sin la ilusión de que
estos necesariamente traigan consigo un cambio social o político radical. La posvanguardia
reconoce las limitaciones del arte y su coexistencia con las estructuras del poder, marcando
el fin del idealismo revolucionario que caracterizó a muchas de las vanguardias del arte
moderno.

Nuestro tiempo:
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Rechazo a la Modernidad y la Ilustración: Rechazo generalizado a las nociones
tradicionales de la modernidad y la Ilustración. Las ideas de progreso lineal y epistemología
ingenua, que sugerían la posibilidad de percibir el mundo de una manera inequívocamente
correcta, son consideradas pasadas de moda. Esta actitud refleja una desconfianza hacia
las grandes narrativas y un escepticismo ante las promesas de la modernidad, que alguna
vez prometieron un futuro de racionalidad y avance constante.

Ideología: La ideología es entendida como un conjunto de creencias o valores que pueden

ser verdaderos o falsos, pero que contribuyen a la estabilidad de un sistema social. A
menudo, la ideología refuerza el funcionamiento de una sociedad, permitiendo que, incluso
en circunstancias dolorosas, las personas encuentren un sentido o justificación para
soportar sus condiciones de vida. La ideología puede ser vista como una falsa conciencia,
necesaria para la preservación de una sociedad, ya que, sin ella, el sistema podría colapsar.

Religión: Max Weber observa que las grandes religiones aparecieron como ideologías en
Medio Oriente en un momento en que, tras asegurar la subsistencia con la agricultura,
surgió una desigualdad significativa que amenazaba con desestabilizar la sociedad. La
religión ofreció una falsa promesa de felicidad en el más allá, sin necesidad de pruebas,
pero fue útil para aliviar la miseria y consolar a las personas, asegurando así una sociedad
más funcional y pacífica. La religión sirvió como un mecanismo para mantener el orden
social en medio de condiciones desafiantes.

Filosofía, Ciencia y la Razón Instrumental: Según Adorno, la ideología puede ser una
consecuencia de la razón instrumental, que satura el pensamiento conceptual,
homogenizando el mundo para fines prácticos de dominio. El lenguaje, como resultado de la
evolución natural, permitió al ser humano hablar de la realidad de una manera útil, aunque
no necesariamente precisa. El lenguaje facilita una representación inexacta pero funcional
del mundo, permitiendo ejercer un control práctico sobre la naturaleza. Adorno argumenta
que el modelo ideológico falso es la promesa de verdad del conocimiento, mientras que el
arte y el pensamiento heterogéneo representan la resistencia a esta razón instrumental.