PERFORMANCE

Estudiantes:
Maciel Arapa
Derek Bauer
Mateo Callejas
Adriana Durán
Sergio Silva

Curso: 6to “B” Secundaria

Fecha: 20 de Marzo del 2025

El Arte del Performance.
Por Derek Bauer
El performance es una práctica artística contemporánea que va más allá de
la mera representación visual, involucrando la acción y la interacción con el
público. A través del tiempo, esta forma de arte ha evolucionado,
incorporando diversas técnicas y enfoques que abordan temas complejos y
relevantes para la sociedad.

Características del Performance

1. No está limitado a un estilo artístico

Una de las características fundamentales del performance es que no se

restringe a un único estilo o movimiento artístico. Esto significa que el
performance es más bien una metodología de ejecución que puede ser
utilizada por cualquier corriente artística. Esto permite que el performance
adopte diversos estilos, técnicas y herramientas, lo que enriquece su
práctica.

 Versatilidad en el uso: Los artistas pueden incorporar elementos

del teatro, la danza, el cine, el vídeo y las artes visuales en sus
performances. Esta combinación de medios permite una mayor
diversidad en la forma en que se presenta el arte, lo que resulta en
experiencias únicas y variadas para el público. Esta adaptabilidad
también facilita a los artistas jugar con la idea de lo que constituye el
arte, lo que lleva a la innovación constante dentro de la práctica.

 Interacción con diversos movimientos : A lo largo de la

historia del performance, ha sido utilizado por varios movimientos
artísticos, como el dadaísmo, el body art y el accionismo vienés. Cada
uno de estos movimientos ha aportado su propio enfoque al
performance, reflejando las preocupaciones y el contexto social de su
época. Esto muestra cómo el performance no solo es una práctica
artística, sino también un medio para comentar y reaccionar ante las
circunstancias sociales y políticas.

2. Orígenes históricos en el dadaísmo

El performance tiene sus raíces históricas en el dadaísmo, un movimiento
que surgió como respuesta a las crisis sociopolíticas del siglo XX,
especialmente durante la Primera Guerra Mundial. Los dadaístas
comenzaron a llevar a cabo una serie de eventos y acciones artísticas que
buscaban romper con las normas y convenciones establecidas.

 Eventos caóticos y sin estructura Los dadaístas se reunían en

cafés y otros espacios donde músicos, escritores y artistas realizaban
acciones improvisadas que a menudo carecían de
coherencia. Esta falta de lógica reflejaba la confusión
y el absurdo del mundo en ese momento, mostrando
que el arte podía manifestarse a través del desorden
y la irracionalidad. Este enfoque se conoce como
happening, un término acuñado por el artista Allan
Kaprow, quien también trazó un vínculo entre los
happenings y la acción pictórica.

 El papel del espectador: El dadaísmo también destacó la

importancia del espectador en el proceso artístico, permitiendo que el
público se convirtiera en parte activa de la obra. Esto abre un diálogo
sobre la función del observador en el arte y
cómo la interacción transformaba la
experiencia, planteando preguntas sobre el
papel y la responsabilidad del público en el
arte.

3. Temáticas tabúes y crítica sociopolítica

A medida que el performance fue evolucionando, comenzó a abordar temas

tabúes y realizar críticas sociopolíticas cada vez más audaces. Durante las
décadas de 1960 y 1970, los artistas comenzaron a utilizar esta forma de
arte como un medio para explorar cuestiones sensibles como el sexismo, el
racismo y la homofobia.

Exploración de la corporalidad: Los performances son una plataforma

para discutir y explorar la corporalidad, llevando a cabo acciones que se
centran en el cuerpo del artista como medio
expresivo. Esta característica permite a los
artistas examinar y desafiar las normas
sociales relacionadas con el cuerpo, la
identidad y el género, utilizando el morbo e impacto visual para llamar la
atención sobre realidades incómodas.

Influencia del contexto social: Las temáticas abordadas en el

performance reflejan las realidades y luchas del momento, convirtiéndolo en
una forma de activismo artístico. Los artistas utilizan su cuerpo y sus
acciones para insertar críticas en el discurso social, mostrando cómo el arte
puede ser un vehículo para la reflexión y el cambio social. A través de la
sátira, el humor y la provocación, el performance invita al público a
confrontar y cuestionar sus propias creencias y su comportamiento en
relación con estos temas.

Sub-Conclusión

El arte del performance es una forma poderosa de expresión que trasciende

los límites del arte tradicional. Al combinar acción, interacción y
controversia, se permite un diálogo continuo sobre temas relevantes en la
sociedad contemporánea. Las tres características fundamentales —su
amplitud estilística, sus orígenes históricos y su capacidad para abordar
tabúes sociales— hacen del performance una disciplina dinámica y
provocadora, invitando al público no solo a observar, sino a participar
activamente en la experiencia artística.

Performance: Características y Definición

Por Sergio Silva
El performance surge como una forma de arte que desafía las categorías
tradicionales, priorizando la experiencia del momento sobre la permanencia
de la obra. A diferencia de otras disciplinas artísticas, su carácter efímero es
una de sus principales características, ya que ocurre en tiempo real y, en
muchos casos, no se repite de la misma manera. Es una expresión que
rompe con la concepción clásica del arte como un objeto tangible y
duradero, enfocándose en la acción y la interacción con el público y el
entorno.

El término "performance" comenzó a utilizarse en la década de 1960,

influenciado por movimientos vanguardistas como el dadaísmo, el futurismo
y el surrealismo, que buscaban desafiar las normas establecidas del arte.
Sin embargo, sus antecedentes pueden rastrearse hasta rituales y
expresiones culturales ancestrales donde el cuerpo era un canal de
comunicación simbólico.

Características Principales

 Uso del cuerpo como herramienta expresiva: A diferencia

de otras formas artísticas, el performance se centra en la presencia
física del artista, quien utiliza su cuerpo para comunicar significados.
Los gestos, movimientos y la expresión corporal son fundamentales
para la transmisión del mensaje.

 Interacción con el espacio y el público: Puede realizarse en

galerías, calles, teatros o cualquier lugar donde la acción cobre
sentido. Además, en muchos casos, el público es un elemento activo
dentro de la obra, participando de forma voluntaria o involuntaria,
rompiendo la barrera entre el creador y el espectador.

 Carácter efímero y no reproducible: Cada performance es

único y, aunque pueda documentarse con fotografías o videos, la
experiencia en vivo es irrepetible. Su esencia radica en el momento
presente, lo que lo convierte en una expresión artística distinta a
otras disciplinas que dejan un producto físico duradero.

 Carácter experimental y transdisciplinario: Se alimenta de

distintas formas artísticas y, en muchas ocasiones, busca desafiar las
convenciones y los límites del arte. Puede incluir elementos teatrales,
literarios, visuales, tecnológicos o hasta digitales, abriendo un
abanico de posibilidades creativas.
  Temáticas diversas y críticas: Puede abordar temas sociales,
políticos, filosóficos o personales, a menudo generando impacto o
reflexión en la audiencia. Muchas veces, el performance se convierte
en una herramienta de protesta o denuncia, utilizando el arte como
medio para generar conciencia y cuestionar la realidad.

 Improvisación y espontaneidad: Aunque algunos performances

están previamente estructurados, en muchas ocasiones se basan en
la improvisación, permitiendo que el artista reaccione de manera
inmediata a su entorno, a su público o a su propia inspiración del
momento.

 Uso de objetos y elementos simbólicos: En algunas obras de

performance, se incorporan objetos cotidianos o materiales diversos
que adquieren nuevos significados dentro de la acción artística. Estos
objetos pueden reforzar el mensaje que se desea transmitir o
funcionar como extensiones del cuerpo del artista.

Obras y Representantes I
Por Adriana Duran

Marina Abramovic
 Biografía
Marina Abramovic nació el 30 de noviembre de 1946 en Belgrado,
Yugoslavia (actual Serbia). Estudió pintura en la Academia de Arte de
Belgrado y más tarde se trasladó a Ámsterdam para estudiar arte
conceptual. En la década de 1970, Abramovic comenzó a realizar
performances que exploraban los límites del cuerpo y la mente.

 Obras
- "Ritmo 0" (1974): es una de las obras más famosas de Marina Abramovic.
En esta performance, Abramovic se sentó en una silla en una galería de arte
en Nápoles, Italia, y permitió que los espectadores la tocaran y la
manipularan durante seis horas.
La obra comenzó con Abramovic sentada en la silla, con un conjunto de
objetos en una mesa frente a ella. Los objetos incluían una rosa, un vaso de
vino, un cuchillo, una pistola y una bala. Los espectadores podían elegir
cualquier objeto y hacer lo que quisieran con Abramovic.

A medida que la performance avanzaba, los espectadores se volvieron cada

vez más agresivos y violentos. Algunos le quitaron la ropa, otros le cortaron
el cabello y algunos incluso le apuntaron con la pistola.

La performance terminó después de seis horas, cuando Abramovic se

levantó de la silla y se fue. La obra fue un éxito y se convirtió en una de las
más famosas de Abramovic.

- "el artista está presente" (2010): es otra de las obras más famosas de
Marina Abramovic. En esta performance, Abramovic se sentó en una silla en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York durante 736 horas, invitando a los
espectadores a sentarse frente a ella y mirarla a los ojos.

La performance comenzó el 14 de marzo de 2010 y terminó el 31 de mayo

de ese mismo año. Durante ese tiempo, Abramovic se sentó en la silla sin
levantarse, sin comer ni beber, y sin hablar con nadie.

Los espectadores podían sentarse frente a Abramovic y mirarla a los ojos

durante todo el tiempo que quisieran. Algunos se quedaron solo unos
minutos, mientras que otros se quedaron durante horas.

Ana Mendieta
 Biografía
Ana Mendieta nació el 18 de noviembre de 1948 en La Habana, Cuba. En
1961, se exilió en Estados Unidos con su familia y estudió arte en la
Universidad de Iowa. En la década de 1970, Mendieta comenzó a realizar
performances que exploraban la relación entre el cuerpo y la naturaleza.

"escena de violación (1973) es una obra que Mendieta creó en 1973, en la

que recreó una escena de violación en una cama. La obra es una respuesta
a la violencia contra las mujeres y la impunidad que a menudo la acompaña.

En la obra, Mendieta se acostó en una cama y se cubrió el cuerpo con

sangre, creando una imagen impactante y provocativa. La sangre simboliza
la violencia y el dolor que sufren las mujeres víctimas de violación.

La obra también incluye una serie de objetos que se encuentran en la cama,

como una almohada, una sábana y un par de zapatos. Estos objetos sirven
para crear una atmósfera de intimidad y vulnerabilidad, y para enfatizar la
idea de que la violación es un acto de violencia que se comete en un
espacio íntimo y personal.
"Silueta Series" (1973-1980)

"Silueta Series" es una serie de obras que Mendieta creó entre 1973 y 1980.
En esta serie, la artista creó siluetas de su cuerpo en diferentes entornos
naturales, utilizando materiales como la tierra, las hojas y la nieve.

La serie se inició en 1973, cuando Mendieta se mudó a Iowa y comenzó a

explorar el paisaje rural. La artista se sintió atraída por la naturaleza y
comenzó a crear siluetas de su cuerpo en el suelo, utilizando la tierra y las
hojas para crear una conexión entre su cuerpo y el entorno.

A lo largo de la serie, Mendieta creó siluetas de su cuerpo en diferentes

entornos, desde campos de trigo hasta bosques y montañas. La serie se
convirtió en una forma de explorar la relación entre el cuerpo y la
naturaleza, y de crear una conexión entre la artista y el entorno que la
rodeaba.

Yoko Ono
 Biografía
Yoko Ono nació el 18 de febrero de 1933 en Tokio, Japón. Estudió filosofía
en la Universidad de Tokio y más tarde se trasladó a Nueva York para
estudiar arte. En la década de 1960, Ono comenzó a realizar performances
que exploraban la interacción entre el artista y el espectador.

"pieza cortada" (1964) es una obra de arte conceptual que Yoko Ono creó
en 1964. En esta obra, Ono se sienta en un escenario con un par de tijeras y
una prenda de vestir. Los espectadores son invitados a cortar trozos de su
ropa, lo que simboliza la vulnerabilidad y la exposición del artista.

La obra se inspiró en la idea de que el cuerpo es un objeto que puede ser

manipulado y transformado. Ono quería explorar la relación entre el cuerpo
y la ropa, y cómo la ropa puede ser utilizada para ocultar o revelar el
cuerpo.

La obra también tiene un componente de interacción con el público. Los

espectadores son invitados a participar en la obra cortando trozos de la
ropa de Ono. Esto crea una situación en la que el artista se expone a la
vulnerabilidad y el público se convierte en parte de la obra.

"Imagina la paz " (2007)

Esta obra es un proyecto de arte y paz que Ono inició en 2007. La obra
consiste en una serie de mensajes de paz que se proyectan en diferentes
lugares del mundo, como edificios, monumentos y espacios públicos.

El mensaje "Imagine Peace" se refiere a la canción "Imagine" que John

Lennon escribió en 1971, y que se ha convertido en un himno a la paz y la
unidad.
La obra "Imagine Peace" es una llamada a la acción para que las personas
trabajen juntas para crear un mundo más pacífico y armonioso.

Obras y Representantes II
Por Mateo Callejas

Joseph Beuys
Nació un 12 de mayo de 1921 y falleció a la edad de 64 años un 23 de enero
de 1986.

Era un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como
escultura, performance, etc. Combatió como operador de radio de la
luftwaffe en la segunda guerra mundial El 16 de marzo de 1944 su suma se
estrelló cerca de la aldea Známenka del Raión de krasnogvardeyskiy de Crimea.
Más tarde mitificó el accidente narrando cómo, estando inconsciente y a
punto de morir congelado, nómadas tártaros lo rescataron y lo envolvieron en
fieltro y grasa animal logrando evitar su muerte

En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que
llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la
socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de
público.

Carrera
Trabajó como docente universitario hasta que fue expulsado años después.
La obra realizada en su tiempo de profesor se refiere a la relación de la
pedagogía con el estudio del arte, Beuys es conocido principalmente por sus
obras de arte conceptual y performances, además de su enfoque en el arte
como una herramienta para la transformación social y política.

Su trabajo abarcó diversos medios, desde la escultura y el dibujo hasta la

acción artística en vivo. Un concepto central en su obra fue la idea de que
"todo el mundo es un artista", que reflejaba su creencia de que el arte no
debía limitarse a un espacio o a un grupo selecto de personas, sino que
debía ser accesible a todos y tener el potencial de cambiar la sociedad.

Beuys también es conocido por su "performance" más famosa, I Like

America and America Likes Me (1974), en la que pasó varios días en una
galería de Nueva York aislado con un coyote, simbolizando una reflexión
sobre la relación entre Europa y América y la naturaleza de la comunicación.

Otro de sus conceptos clave fue el de "la escultura social", un enfoque en el

arte que busca la participación activa del público y la creación de nuevas
formas de interacción social. Sus trabajos a menudo implicaban materiales
simbólicos, como grasa, fieltro, miel o cobre, y estaban cargados de
significados filosóficos y espirituales.
 Arte perfomance de Joseph beuys
 Traje de fieltro

Una de las obras más icónicas de Joseph beuys, durante

un acto revolucionario contra la guerra de Vietnam vio a
alguien vestido con un traje similar que le inspiró de una
manera visceral a crear su obra de arte, el traje de
fieltro, transmite la noción de calor humano físico,
simbolizando y evocando una sensación de seguridad y refugio, dado que el
fieltro es un tejido conocido por su capacidad aislante y protector de la vida.

 Me gusta América y a América le gusto yo

Conocido también como el “coyote” fue la primera performance realizada

por el artista Josep beuys en [Link], La obra comenzó justo en el momento
del viaje desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al
aeropuerto, Beuys se envolvió en una manta de fieltro —material fetiche
del artista— y se apoyó en un gran bastón de pastor, siendo conducido en
una ambulancia hasta una galería donde compartió habitación durante 3
días con un Coyote salvaje.
Los espectadores observaban a los dos especímenes tras una malla
metálica y fueron viendo como el artista hablaba con el animal, le ofrecía
diversos objetos e interactuaban juntos. El coyote mordía el fieltro, rodeaba
al artista o se meaba en el Wall Street Journal, todo un símbolo del
capitalismo.
Al final de los tres días, Beuys abrazó al coyote. Al parecer se habían hecho
amigos y tal como vino, regresó a Alemania sin haber pisado el suelo
neoyorquino en todo el viaje.
La acción reflejaba Según Beuys.
La historia de la persecución de los indios norteamericanos, además de la
relación completa entre Estados Unidos y Europa […]. Quería concentrarme
sólo en el coyote. Quería incomunicarme, aislarme, no ver de Estados
Unidos más que el coyote […] e intercambiar roles con él.

David Bowie
 David Bowie fue un influyente cantante, compositor, actor y productor
británico, considerado una de las figuras más importantes y
transformadoras de la música y la cultura del siglo XX. Nació el 8 de enero
de 1947 en Londres y falleció el 10 de enero de 2016. A lo largo de su
carrera, Bowie experimentó con múltiples géneros musicales, desde el rock
hasta el jazz, pasando por el electrónico y el soul, y se destacó por su
constante reinvención artística.
El arte de performance de Bowie fue una de las características más
distintivas de su carrera. A través de sus presentaciones en vivo, videos
musicales y su presencia en medios de comunicación, Bowie rompió las
normas y se destacó por su habilidad para fusionar la música con una fuerte
carga teatral y visual.
 Arte performance de David Bowie

Personajes y Alter Egos: Una de las estrategias más innovadoras de

Bowie fue la creación de personajes y alter egos, que le permitieron explorar
diferentes aspectos de la identidad, la sexualidad y la cultura. Algunos de
los personajes más famosos incluyen:
 Ziggy Stardust (su alter ego más icónico, un extraterrestre
andrógino y glamoroso, asociado con el álbum The Rise and Fall
of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars).

Estilo Visual y Moda: Bowie también fue un ícono de la moda. Su estética

visual siempre estuvo en constante evolución, desde los trajes futuristas y
brillantes de Ziggy Stardust, hasta los looks más sobrios y elegantes del
"Thin White Duke".

Uso del Escenario y el Público: En sus conciertos, Bowie creaba una

atmósfera única, donde la música se combinaba con elementos teatrales y
visuales.

Actuación en el Cine y la Televisión: Además de su carrera musical,

Bowie también incursionó en la actuación. Su papel como el "Duque Blanco"
en la película The Man Who Fell to Earth (1976) es uno de los más famosos.

Transgresión y Experimentación: Bowie fue pionero en la mezcla de

géneros musicales y en la exploración de temas como la sexualidad, el
género, la alienación y la individualidad.

Obras de David Bowie

 Self Portrait
No es una obra visual en el sentido tradicional, sino una
exploración del concepto de autorrepresentación, puede
interpretarse como un intento de crear un "retrato" no sólo
físico, sino también de su identidad interna y fluctuante.
 Esta obra refleja su lucha por encontrar una representación auténtica de sí
mismo en medio de su constante reinvención.

 Evol for the Missing

Puede interpretarse como un intento de crear un "retrato"

no sólo físico, sino también de su identidad interna y
fluctuante. Esta obra refleja su lucha por encontrar una
representación auténtica de sí mismo en medio de su
constante reinvención, El uso de la palabra "Evol" en lugar
de "Love" es un reflejo de la inversión y la subversión, dos
aspectos cruciales de la obra de Bowie. Esta obra parece
hablar de la complejidad de las relaciones humanas, el
amor y la ausencia, y el constante juego entre opuestos
que definió muchas de sus canciones y personajes.

 Portrait of JO

"Portrait of JO" puede ser una representación de la

importancia de las figuras femeninas en la vida de
Bowie y cómo estas influían en su identidad y
creatividad. Bowie fue conocido por su exploración de
la sexualidad y las relaciones de género, y "Portrait of
JO" puede haber sido una forma de capturar esa
influencia de una mujer significativa en su vida. En
los años 80, Bowie continuó desafiando los roles de
género, y "Portrait of JO" podría ser un ejemplo de
cómo la obra de arte refleja el impacto de las mujeres
en su mundo y en su visión artística. Además, el uso del término "portrait"
también implica una reflexión sobre la creación de una representación, algo
que Bowie hizo constantemente a lo largo de su carrera.

Dennis Oppenheim
Dennis Oppenheim (1938-2011) fue un artista conceptual y de performance
estadounidense, conocido por su trabajo innovador en diversas disciplinas,
que incluyen la escultura, la instalación y, especialmente, el arte de
 performance. Oppenheim fue una figura clave en el desarrollo del arte
contemporáneo en la segunda mitad del siglo XX y uno de los artistas
pioneros del arte de performance.
Oppenheim comenzó a ser conocido por sus intervenciones físicas y
psicológicas en el espacio público, y su arte de performance se caracteriza
por la interacción directa con el cuerpo y el entorno. Su trabajo abarcó
diversas formas, desde performances que cuestionaban las relaciones entre
el cuerpo humano y la naturaleza hasta complejas instalaciones que
invitaban a la reflexión sobre el tiempo, el espacio y las fronteras físicas y
mentales.

Arte de Performance de Dennis

Oppenheim

Exploración del Cuerpo: Oppenheim usaba su propio cuerpo en muchos

de sus trabajos de performance como una herramienta para explorar la
relación entre el cuerpo y el espacio. Su enfoque estaba centrado en cómo
las personas interactúan con su entorno físico y cómo el cuerpo se convierte
en un medio de expresión en lugar de ser solo el vehículo para una acción
visual.

Performance "Acción como Escultura":En 1968, Oppenheim realizó una

serie de performances que a menudo eran tan efímeras como las esculturas
que hacía. En estos trabajos, su cuerpo y sus movimientos formaban parte
de una estructura más amplia que invadía el espacio. Su enfoque era menos
teatral y más centrado en la creación de un "gesto escultórico" en lugar de
una representación dramática tradicional. Su famosa pieza Reading Position
for Second Degree Burn (1970) fue un ejemplo claro de este enfoque

El Uso del Espacio Público: Oppenheim también fue conocido por sus
intervenciones en espacios públicos, donde sus performances podían ser
observadas por una audiencia no necesariamente preparada para el arte.
Estos eventos rompían las convenciones del espacio galería tradicional y se
alineaban con las ideas del arte de acción, que buscaban involucrar al
público de manera activa. Su performance Thresholds (1971) es un ejemplo
de esta interacción en el espacio público, donde Oppenheim construyó un
muro que bloqueaba un pasaje público y, a través de su intervención,
invitaba a la reflexión sobre la restricción y el acceso.

Sus obras mas popúlare son:

 One hour run
Es una obra de performance en la que Dennis
Oppenheim corrió durante una hora alrededor de una
pista de atletismo, de manera intensa y repetitiva, sin
un propósito aparente más allá del esfuerzo físico en sí
mismo.
 Device to Root Out Evil

Es una escultura que consiste en una

estructura que reinterpreta la forma de
un altar cristiano, La obra es una clara
crítica a las instituciones religiosas,
particularmente al cristianismo. Al invertir
el altar, Oppenheim está sugiriendo que
las normas y valores establecidos de la
religión (y por extensión, de la sociedad)
están distorsionados o invertidos.

 Two Stage Transfer Drawing

Oppenheim fusionaba el arte conceptual con el comentario social. La obra

no solo era una escultura, sino una
intervención conceptual que desafiaba las
ideas convencionales de lo que el arte y la
religión deberían representar, La obra se
enfoca en el proceso de creación y en cómo
la acción de crear puede transferir
significados y formas de un lugar a otro.
Este "dibujo de dos etapas" sugiere la idea
de que el arte no se limita a un solo
momento o un solo espacio, sino que el
proceso de creación puede trascender esos
límites.