PERFORMANCE Y SU HISTORIA
El performance art, como forma de expresión artística, se desarrolló a lo largo del
siglo XX. No tiene una fecha de creación específica, ya que evolucionó
gradualmente a medida que los artistas experimentaban con nuevas formas de arte
y expresión, cuando los artistas comenzaron a incorporar la acción en vivo en sus
obras la describieron como arte. Sin embargo, se considera que las raíces del
performance art surgen con los futuristas y dadaístas.
Los futuristas italianos (1910) vieron a la actuación como única forma de llegar a
una audiencia masiva, organizando conciertos de ruido, irrumpiendo con lo solemne
y lo sagrado y lo sublime. Los futuristas argumentaban que el nombre de ‘’LOCOS’’
con el que se intenta silenciar a los artistas innovadores debe ser considerado un
título de honor.
Los artistas Dadaístas aprovecharon el movimiento de los ‘’LOCOS’’, aprovecharon
la popularidad del cabaret en Alemania luego de la Primera Guerra Mundial.
Los artistas Hugo Bell y Emmy Henning en 1916 abrieron el café Voltaire en Zurich,
todas las noches invitaban a artistas, poetas y escritores, realizando
improvisaciones cada noche, todas diferentes por noche, efímeras. Absurdos
La Escuela Bauhaus fue la primera en ofrecer una clase de interpretación abierta y
específica, el arte de vanguardia se extendió por toda Europa. (weimar ciudad)
Antonin Artaud fue el primer surrealista terizo lo que llamó el teatro de la crueldad,
en donde interactuaba con el espectador de manera directa, sumergiendo al
espectador dentro del espectáculo. Se convertiría en el teatro de la acción.
Luego de la Segunda Guerra Mundial, Black Mountain College en los EE.UU se
convirtió en un lugar de práctica experimental e interdisciplinaria con el compositor
de vanguardia Jonh Cage impartiendo clases y realizando producciones
colaborativas, le enseño a sus alumnos que el arte no debe de estar separado de la
vida, la música, el caos y la acción. Con caos, con la acción, con la belleza
ocasional que a veces conlleva.
Merce Cunningham coreógrafo y bailarín propuso que los movimientos sencillos así
como caminar o permanecer parados podrían ser parte coreográficas y parte de una
danza.
El auge de la pintura expresionista abstracta en 1950 enfatizó la participación del
cuerpo en acción. Con las obras de Pollock lo que iba a aparecer en los lienzos no
eran obras sino más bien eventos.
En Japón el equipo Gutai, frente al público Kazuo Shiraga se arrojó desnudo en el
barro. (1955)
Sarubo Murakami atravesó hileras de pantallas de papel. (1956)
Tanaka Atsuko se puso un vestido eléctrico. (1956)
Es una de las primeras obras de arte portátil. Está hecho de cables eléctricos y
cientos de bombillas de neón de colores, pintadas con colores primarios mediante
esmalte. El vestido es en realidad el kimono tradicional japonés para casarse.
Tanaka lució esta obra en exposiciones y recorrió la sala de exposiciones. Las
bombillas parpadearán según los circuitos del cuerpo. El concepto de este trabajo
combina el kimono japonés tradicional y tecnología innovadora.
En Europa Yves Klein contrató a unas modelos para que hicieran impresiones con
su cuerpo sobre láminas de papel.
Rompen con lo tradicional en donde paseabas por los pasillos observando lo que se
hizo en el pasado en la performance se observa lo que está pasando en el ahora.
El padrino de las nuevas innovaciones fue Allan Kaprow el cual montó su primera
presentación en 1959, en la Rubín Gallery, en donde en su invitación los invitados
eran avisados que formarán parte de los acontecimientos y enfrentados a nuevas
experiencias. Los invitados llegaban y realizaban acciones poco estructuradas, se
prestaban al momento espontáneo en donde las cosas simplemente suceden.
El grupo del movimiento Fluxus presentaron eventos ordinarios como arte,
considerando a todos como artistas. Ben Petterson en 1962 festival de Fluxus utilizó
variaciones de elementos inusuales para tocar el contrabajo.
-Name June Paik mojo su cabeza y corbata en tinta para pintar una línea larga de
13 pies en láminas de papeles en el suelo.
-Alison Knowles preparó una gran ensalada y la compartió.
Muchas de estas podían ser divertidas y a la vez tomar o hablar sobre un tema
serio.
Joseph Beuys dio conferencias escenográficas en donde escenificó acciones
dramáticas a las que llamó escultura social, creyendo que el arte puede y debe
cambiar la vida cotidiana.
En Viena un grupo de artistas persiguieron lo que llamaron ACCIONISMO
considerándolo no solo como una forma de arte sino también como una actitud
existencial.
Hernann Nitsch promulga ritos antiguos en donde colgado en una cruz con túnica
blanca,y salpicadura de tintas rojas, describe como una forma anestésica de orar.
(1962)
Valie Export invita a la gente a meter las manos en una caja con una cortina en
donde podían tocar su cuerpo desnudo, acción humorística pero reveladora,
cuestionando así la cosificación de los cuerpos de las mujeres. (1968)
EN LOS AÑOS 60 Y 70: El rendimiento se hizo realidad, el movimiento Civiles por
los Derechos de las mujeres y la segunda ola del movimiento feminista, subrayaron
que el cuerpo es político, y así fue que los artistas aprovecharon su potencial.
Carole Schenmman modelaje al desnudo, explicó en 1963 que utilizar su cuerpo
como extensión de su construcción pictórica era desafiar las líneas del poder
psíquicas territoriales.
Los minimalistas estaban interesados en la fenomenología, estructuras simples de
gran tamaño en donde los cuerpos vivos podrían entrar y completar las obras, y de
una forma inmediata deshacer la composición.
FUSIÓN DEL ARTE CON LA VIDA
La performance se ha utilizado como forma de estafa, se ha llamado arte a lo
simple, ha desafiado, ofendido, cuestionado tradiciones y rehacer el arte desde
adentro. El arte performativo nació para aplanar las formas de arte tradicionales
llegando a la audiencia de una forma más directa y no de manera codificada a
través de un lienzo. El camino hacia la actuación es permitir que te sientas
incómodo, admitir sospechas, desagrado, sugestiones, claustrofobia. Darte espacio
sobre quien eres donde estas y como te relacionas con los otros.
¿Qué performance?
La performance es una forma de expresión artística en la que un artista o grupo de
artistas realizan una serie de acciones, en un lugar y tiempo determinados, con el
propósito de transmitir un mensaje, provocar una reacción emocional o intelectual
en el espectador, o explotar conceptos y temas específicos. Las performances
pueden tomar muchas formas y abarcar una amplia variedad de medios, incluyendo
el teatro, la danza, la música, la pintura, la escultura, el video, la poesía y más.
Características:
Efímera: Eventos temporales y fugaces.
En vivo: Se realizan en tiempo real y frente a una audiencia en vivo.
Experimentación: Fomenta la innovación y la experimentación artística.
Multidisciplinaria: Puede combinar diferentes disciplinas artísticas.
Interacción: Implica una interacción activa entre el artista y la audiencia.
Temas y mensajes: Aborda temas profundos y transmite mensajes.
Libertad artística: Ofrece a los artistas una mayor libertad creativa.
Rompe con las convenciones: Desafía las convenciones tradicionales del arte.
Provocación: Puede ser provocativa y desafiante.
¿Pueden estar guionados?
ambas, es decir puede estarlo o no.
¿Qué es lo que distingue a una performance?
Es que generalmente se lleva a cabo en vivo, frente a una audiencia, y a menudo
implica la presencia física y la participación activa del artista en el acto. Las
performances pueden ser altamente experimentales y desafiar las convenciones
tradicionales del arte, explorando temas como la identidad, la política, lo social, el
género, la cultura y la interacción humana. Todo es totalmente efímero.
Artistas performáticos importantes (para la profe)
-La Artista multidisciplinarIa libanesa Mona Hatoum realizó una performance en el
barrio londinense de Brixton, de gran diversidad étnica, formando parte de una
exposición colectiva organizada por el artista Stefan Szczelkun con el título
“Roadworks”, que tuvo lugar en la Brixton Art Gallery del 18 de mayo al 8 de junio de
1985.
El 21 de mayo Mona Hatoum recorrió las calles con unas botas Dr. Martens atadas
a sus tobillos durante una hora. Eligió estas botas por ser utilizadas por los policías
británicos y los skinheads, protagonistas de los enfrentamientos raciales de
principios de los ochenta. Los pies descalzos aluden a la vulnerabilidad de las
minorías étnicas ante la autoridad pública encargada de la protección de la
comunidad.
-Stuart Brisley ‘’Bajo la dignidad’’ 1977.
Duración de la actuación: 3 días. Este trabajo se llevó a cabo durante tres días en el
muelle del lago de Constanza en Bregenz. Hizo cinco marcos de madera del tamaño
de su cuerpo con los brazos extendidos. Se estiró polietileno transparente sobre dos
de los marcos para evitar que la pintura se filtrara al muelle. Se ató un cordón de
nailon negro para formar una cruz en cada marco. Los marcos estaban dispuestos
en una línea que se extendía hacia el lago. Colocó su cuerpo debajo de la cuerda
debajo del primer marco, luego se estiró para expresar la extensión del alcance del
cuerpo.
Brisley utiliza su propio cuerpo como medio de expresión y como una herramienta
para representar la degradación y el sufrimiento del individuo en una sociedad que a
menudo deshumaniza a las personas. La obra puede incluir elementos como el uso
de materiales, movimientos corporales, gestos, sonidos y otras acciones
performativas para transmitir un sentido de vulnerabilidad, alienación y la lucha del
individuo contra las fuerzas deshumanizantes de la sociedad. "Bajo la dignidad" es
un ejemplo de cómo el performance art puede ser una forma de crítica social y una
expresión artística que confronta cuestiones existenciales y políticas.
El primer día habían 10 personas, y el último día alrededor de 500.
Videoclip, no performatico debido a que no fue planeado para serlo.
-Los Sex Pistols estaban expresando su opinión sobre el festejo y sobre la
monarquía. Tocaron "No Feelings y God Save The Queen". En los puentes y en la
ribera se amontonó el público. Estaban los indignados, los que no entendían nada y
aquellos (los menos) que miraban divertidos. En 2017, Rotten dijo: "Para mí, la letra
en sí misma era divertida. Expresaba mi punto de vista sobre la monarquía en
general y sobre cualquiera que suplique tu obligación sin pensarlo. Eso es
inaceptable para mí. Tenés que ganarte el derecho a invocar mi amistad y mi
lealtad. Y debés tener puntos de valor comprobados para que yo pueda apoyarte.
Así es como es".
