A.1.

A partir de los siguientes materiales audiovisuales, compararlos y explicar los

modos en los que se desarrollan y representan los conceptos de nacionalismo (o
representación de lo nacional, norteamericano, ruso, etc.) y de qué manera las
búsquedas expresivas del movimiento están relacionadas con ello. Vincular con los
conceptos de Susan Manning acerca del nacionalismo en Mary Wigman.
a) Ballets Russes: Petroushka
b) Graham: Frontera
A.1. En el ámbito de la danza académica, Michel Fokine “padre de lo que hoy
conocemos como `ballet moderno´” consciente de un debilitamiento, se rebela
contra los principios tradicionales y estereotipos del ballet, y junto con el
empresario Diaghilev impulsan la creación, en 1909, de los Ballet Russes. En
1911, durante el período orientalista de los Ballets Russes, se estrena el ballet
Petroushka, con coreografía de Fokine, música de Stravinsky y escenografía de
Benois. Lo ruso en esta historia de amor y traición se encontraba en todo el
ballet (cumpliéndose el último de los principios propuestos por Fokine para
alcanzar la expresividad del ballet moderno; la igualdad de importancia de
todas las artes). El diseño escenográfico estaba inspirado en la fiesta popular
que se celebra cada año en San Petersburgo. La música incluía canciones del
folclore ruso y “sonidos de la vida rusa”. Las escenas tenían un enérgico
despliegue del color para lograr poner en manifiesto el ámbito afectivo y
emocional del pueblo asistente a las ferias. Los materiales coreográficos son
tomados de las antiguas celebraciones de la Rusia zarista. Por lo que el
tratamiento expresivo se encuentra en la representación del ethos de un
pueblo.
En Estados Unidos y Alemania también se empieza a cuestionar al mundo
artístico academicista. En 1929 (en coincidencia con la gran crisis) emerge la
Modern Dance (aplicando el término modern a las danzas que rechazaban en
especial las danzas clásicas y románticas). Según Martin, La modern dance era
el primer intento de verdadera rebelión contra la danza académica. (Ya que los
Ballets Russes logran renovar el código académico pero no alcanzan la total
transformación de la danza. Según Tortajada, son “las mujeres” quienes sí
llegan a alcanzar la transformación de la danza, creando un lenguaje, corporal y
coreográfico nuevo). Se suele tomar como fecha simbólica de su inicio el 14 de
abril de 1929, por el estreno en Nueva York de Heretic, coreografía de Martha
Graham.
En 1935, Graham estrena la obra Frontera, con música de Louis Horst y
escenografía de Isamu Noguchi. La obra evoca a la conquista del oeste, en
donde se identificaba el futuro de Estados Unidos. Es una obra sintética, con
recursos coreográficos reducidos al mínimo en donde la bailarina es una
representación de la expansión occidental con una expresión emocional muy
íntima y una identidad individual. La estructura musical es repetitiva y el uso
del espacio está limitado a avances y retrocesos (en línea recta). La
escenografía simboliza unas vías de ferrocarril y una tranquera. Su vestido largo
hace referencia al estilo de vestir de las mujeres estadounidenses de la época y
los tonos claros sugieren optimismo y frescura. La expresión deviene de sus
movimientos orgánicos y gracias a la elevación del vestuario estos movimientos
son acentuados y alargados. Al igual que en Petroushka podemos encontrar el
concepto de nacionalismo en la totalidad de la obra.
Manning expone que la danza moderna desafiando las convenciones del ballet
posibilita una auto-autoría y una auto-observación femenina, lo que los teóricos
contemporáneos podrían llamar “feminismo cultural”, asumiendo que todas las
mujeres compartan las mismas experiencias y actitudes sin importar sus
diferencias de clase, raza, orientación sexual o nacionalidad. Sin embargo las
diferencias nacionales aparecían en las performances de aquella danza
moderna. Entonces dice que Martha Graham bailaba a la Mujer y al Ser
Americano. Aquí introduce el concepto de Anderson de “comunidad imaginada”,
explica que el nacionalismo involucra conexiones imaginadas entre el cuerpo
individual y el cuerpo colectivo y la práctica de la primera danza moderna al
igual que las del ballet moderno se transformaron en un vehículo para tales
situaciones imaginarias.
B.1. Desarrollar de qué manera se establece el alcance del modernismo a partir
del ejemplo de Agon (Balanchine) considerando conceptos como movimiento,
referencialidad, perspectiva compositiva y experiencia de lo formal. Explicar de
qué manera se asemejan o diferencian estas perspectivas de las propuestas
realizadas por Isadora Duncan acerca del movimiento.
B.1. A partir del ejemplo de Agon, estrenada en Nueva York en 1957 con
música de Stravinsky y coreografía de Balanchine, el modernismo es alcanzado
(en términos de Greenberg) ya que la danza empieza a usar sus propios
métodos/elementos/componentes para reflexionar sobre sí misma purificándose
de cualquier resto de subjetividad artística. Inicia una búsqueda formal basada
en el carácter auto-referencial del movimiento, quedándose así con su propio
médium expresivo (el movimiento) y la obra tematiza al movimiento mismo,
expresando la belleza de las líneas, la dificultad en la ejecución, la espacialidad,
las dinámicas, la organización de las secuencias, el virtuosismo, la velocidad; su
propia forma, transformando la experiencia estética en una experiencia de lo
formal. El movimiento y el significado en Agon coinciden, dejando de funcionar
la dicotomía forma contenido para convertirse en un contenido formado. En la
obra existe un vínculo entre los bailarines y es totalmente funcional al
movimiento (dispuestos en dúos, tríos, cuartetos o grupos), al igual que el
vestuario (siendo ropa de ensayo: medias blancas, mayas negras y zapatillas de
puntas para las mujeres y calzas negras, remeras blancas y zapatillas de media
punta para los hombres), no hay una escenografía (se observa un escenario
vacío en donde el fondo y el piso son de color blanco y los telones de las patas
de color negro), no hay una pretensión de referencialidad (más que la del
movimiento mismo) convirtiendo las limitaciones del movimiento en rasgos
positivos sin necesitar de otras artes. La única relación que continúa y muy
presente, desde el proceso creativo hasta la obra terminada, es la de la música.
Balanchine, al igual que Isadora Duncan, no logra abandonar la estructura
musical. Para Isadora la visualización de la música en su aspecto espiritual era
el principal objetivo de la enseñanza. A diferencia de las coreografías de
Balanchine, en las obras de Duncan el movimiento aun hablaba de su propia
emocionalidad y no de la danza misma, (aunque haya llegado a un nivel de
reflexión del movimiento entendiéndolo como medio especifico de la danza,
este movimiento esta puesto al servicio de su subjetividad). Isadora cree que la
danza no debía contener “la coquetería del ballet”, ya que en ella se fuerzan a
hacer movimientos que no son naturales, los nombra como “movimientos
incorrectos”, tampoco pretende incorporar movimientos o la música que
provenientes del jazz (nombrándolos como convulsiones simiescas o salvaje
sudafricano). Para ella los movimientos deben originarse desde la naturaleza,
(poniendo de ejemplo a los griegos quienes lograron desarrollar sus
movimientos a partir del movimiento de la naturaleza); afirma que el verdadero
movimiento debe descubrirse y no inventarse por lo que la danza de dos
personas diferentes deben ser danzas diferentes, Balanchine por el contrario
en Agon incluye el vocabulario de la danza clásica y el de la danza jazz junto a
otros elementos de la danza afroamericana yuxtaponiéndolos.