ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca surge como una reacción contra la simplicidad y el equilibrio del
Renacimiento. Se busca impactar al espectador mediante grandes volúmenes, efectos
visuales sorprendentes y una decoración lujosa.
Características Principales
1. Formas curvas y dinámicas: Se reemplazan las líneas rectas y la simetría clásica
por estructuras más orgánicas y fluidas.
2. Uso dramático de la luz: Se aprovecha la luz natural y artificial para resaltar
elementos arquitectónicos y generar contrastes.
3. Columnas salomónicas: Columnas con un fuste en espiral que refuerzan la
sensación de movimiento.
4. Cúpulas y bóvedas monumentales: Crean un efecto de elevación y amplitud,
muchas veces con frescos que generan ilusiones ópticas.
5. Decoración abundante: Fachadas y interiores recargados con esculturas, estucos
dorados y frescos en los techos.
Ejemplos Importantes
Italia: Centro del Barroco
● Basílica de San Pedro (Roma):Rediseñada por Bernini, destaca por su imponente
plaza elíptica y la grandiosidad de su interior.
● Iglesia del Gesù (Roma): Primera iglesia barroca, con una fachada decorada y un
interior lleno de frescos en trampantojo.
Francia: El Barroco al servicio del poder absoluto
● Palacio de Versalles:
Construido para el rey Luis XIV, con un diseño majestuoso y
jardines geométricamente perfectos. Su Galería de los Espejos es un ejemplo del lujo
barroco.
España y América Latina: El Barroco como expresión religiosa
● Catedral de Santiago de Compostela (España): Con una fachada altamente decorada y
una planta compleja.
● Iglesia de San Francisco (Quito, Ecuador): Ejemplo del Barroco Americano,
con una mezcla de elementos indígenas y europeos.
La arquitectura barroca, que se desarrolló entre los siglos XVII y XVIII, surgió como una
reacción al Manierismo, destacándose por su emotividad y exuberancia. Reflejaba tanto
el poder de las monarquías absolutistas como un contraste entre la realidad y la
apariencia. En los países católicos, buscaba acercar la religión a los fieles, mientras que
en los protestantes reflejaba la realidad social.
El Barroco llevó a un urbanismo monumental, transformando las ciudades medievales
en espacios escenográficos con grandes avenidas y fuentes ornamentales. En Roma, el
Papa Sixto V impulsó reformas urbanísticas, creando avenidas para conectar las
principales basílicas. Se utilizaron materiales como el mármol y el bronce, y se
introdujeron nuevos elementos arquitectónicos, como la columna salomónica y el
estípite.
Carlo Maderno fue el primer arquitecto destacado, encargado de la fachada de la
Basílica de San Pedro, con una horizontalidad que permitía ver la cúpula de Miguel
Ángel. Bernini, otro gran arquitecto barroco, diseñó el Baldaquino de San Pedro, así
como la Plaza de San Pedro, que con su columnata abrazaba simbólicamente a los
fieles.
Borromini, un arquitecto más innovador, rompió con las tradiciones clásicas, creando
edificios con plantas dinámicas y cúpulas de formas complejas. Obras suyas, como San
Ivo de la Sabiduría y San Carlos de las Cuatro Fuentes, son ejemplos de su estilo
único.
Otros arquitectos importantes fueron Cortona, Longhena, Guarini y Juvara, quienes
influyeron en la arquitectura barroca de diversas regiones. En Francia, la arquitectura
barroca se destacó con el trabajo de Le Nôtre y Mansart en la remodelación del Palacio
de Versalles, uno de los principales ejemplos de este estilo en el país.
Fachada de San Pedro del Vaticano (Carlo Maderno, 1607-1626)
Contexto:
La Basílica de San Pedro, uno de los templos más importantes del catolicismo, sufrió varias
modificaciones desde su construcción en el Renacimiento. Carlo Maderno recibió el encargo de
transformar la planta de cruz griega en cruz latina, alargando la nave y añadiendo la monumental
fachada.
Características:
● Rompe con la simetría renacentista al priorizar la horizontalidad.
● Se articula en dos cuerpos con columnas corintias de orden gigante.
● La fachada no refleja la estructura interna de la basílica, lo que es típico del Barroco.
● Introduce dinamismo y profundidad en la composición.
Significado:
La obra representa la magnificencia de la Iglesia Católica tras la Contrarreforma, transmitiendo
poder y grandiosidad.
2. Plaza de San Pedro Del Vaticano (Bernini, 1656-1667)
Contexto:
Encargada por el Papa Alejandro VII, su diseño pretendía exaltar la Iglesia como centro del
cristianismo y mejorar la circulación de los peregrinos.
Características:
● Se divide en dos espacios:
○ Piazza oblicua: Elíptica y rodeada por una columnata dórica de cuatro hileras.
○ Piazza recta: Trapezoidal, que conecta con la basílica.
● La columnata, con 284 columnas y 88 pilastras, simula unos brazos abiertos en señal de
acogida.
● En el centro, un obelisco egipcio y dos fuentes refuerzan el eje visual.
Significado:
La plaza simboliza la unión de la cristiandad y la teatralidad barroca al guiar la mirada del
espectador hacia la basílica.
3. Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (Borromini, 1634-1667)
Contexto:
Borromini revolucionó la arquitectura barroca con formas innovadoras y dinámicas, en contraste
con el clasicismo de Bernini.
Características:
● Fachada cóncava y convexa que genera movimiento y dramatismo.
● Planta ovalada, en vez de la tradicional rectangular o circular.
● Interior con cúpula decorada con casetones geométricos en perspectiva.
● Uso magistral de la luz para crear efectos místicos.
Significado:
Refleja la espiritualidad y la teatralidad barroca, desafiando la arquitectura renacentista.
ESCULTURA BARROCA
La escultura barroca tiene un carácter teatral, con figuras que parecen estar vivas y en pleno movimiento. Se aleja de la serenidad renacentista para mostrar emociones intensas y composiciones dinámicas.
Características Principales
1. Dinamismo extremo: Las figuras no están estáticas, sino que parecen moverse con
posturas dramáticas.
2. Realismo detallado: Se representan los músculos, la piel y las expresiones con gran
precisión.
3. Juegos de luz y sombra: Las esculturas tienen pliegues profundos y texturas que crean
contrastes.
4. Uso de diferentes materiales: Mármol, bronce y madera policromada.
5. Integración con la arquitectura: Muchas esculturas forman parte de altares o fuentes.
El Barroco fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa y América entre el siglo
XVII y principios del XVIII. Surgió como una reacción al Manierismo, buscando una
expresión más emocional, dramática y cercana al espectador. En los países católicos, el
arte barroco tenía un objetivo religioso: conmover y educar a los fieles, según las ideas del
Concilio de Trento. En los países protestantes, reflejaba la vida cotidiana y los valores de la
burguesía.
En cuanto a la escultura barroca, especialmente en Italia, los materiales más utilizados
fueron el mármol y el bronce, aunque también se combinaban distintos materiales para
lograr efectos visuales y texturas realistas. Las composiciones eran dinámicas, con figuras
en movimiento, posturas diagonales o en espiral, y una fuerte expresividad. Se trataban
temas intensos, religiosos o mitológicos, y muchas veces se colocaban esculturas en
espacios públicos, como plazas y jardines.
El gran maestro de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini. Inspirado por el arte
clásico y el Renacimiento, logró dar a sus esculturas un tratamiento casi pictórico, jugando
con la luz y el color. Sus obras son conocidas por invitar al espectador a contemplarlas
desde varios ángulos, por la riqueza expresiva y por el movimiento que transmiten.
Entre sus obras más importantes destacan El éxtasis de Santa Teresa, que representa un
momento de revelación espiritual con gran dramatismo, y Apolo y Dafne, donde se capta el
instante exacto en el que Dafne se transforma en laurel. También destacan su David, lleno
de tensión y movimiento, y sus monumentos funerarios y ecuestres, como el del Papa
Urbano VIII o la fuente de los Cuatro Ríos en Roma, que integra el agua y la escultura como
un todo.
Otros escultores relevantes fueron Alessandro Algardi, que siguió el estilo de Bernini pero
con un tono más clásico, y Pietro Tacca, que partió del Manierismo y evolucionó hacia el
estilo barroco, destacando con esculturas ecuestres como la de Felipe IV en España.
El Éxtasis de Santa Teresa (Bernini, 1647-1652)
Contexto:
Encargo de la familia Cornaro para la Iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma.
Representa la experiencia mística de Santa Teresa de Ávila.
Características:
● Escultura de mármol en una capilla escenográfica.
● Representa a Santa Teresa en un estado de éxtasis divino mientras un ángel le
clava una flecha de fuego.
● La luz entra desde un tragaluz oculto, iluminando los rayos dorados de bronce.
● Los pliegues dinámicos del hábito acentúan la sensación de movimiento.
Significado:
Ejemplo de arte propagandístico de la Contrarreforma, dirigido a conmover al espectador.
Apolo y Dafne (Bernini, 1622-1625)
Contexto:
Basada en "Las Metamorfosis" de Ovidio, representa el instante en que Dafne se
transforma en laurel para escapar de Apolo.
Características:
● Composición helicoidal que obliga al espectador a rodear la escultura.
● Diferenciación de texturas: piel suave, corteza rugosa y cabello en movimiento.
● Expresión intensa de ambos personajes: deseo en Apolo y horror en Dafne.
Significado:
Refleja la obsesión barroca por el movimiento, el drama y la metamorfosis de la materia.
David (Bernini, 1623-1624)
Contexto:
Encargado por el Cardenal Borghese, es una interpretación dinámica de la figura bíblica.
Características:
● Captura el instante antes de lanzar la piedra a Goliat.
● Posición en diagonal, con el cuerpo en torsión, dando sensación de acción.
● Expresión concentrada y tensa.
● Detalles como la bolsa con piedras y la lira enfatizan su identidad.
Significado:
Es un David completamente barroco: lleno de tensión, movimiento y dramatismo.
PINTURA BARROCA
La pintura barroca utiliza técnicas avanzadas de luz, perspectiva y composición para
crear escenas impactantes.
Características Principales
1. Claroscuro (Tenebrismo): Contraste entre zonas iluminadas y en sombra, dando
volumen y dramatismo.
2. Composiciones diagonales: En lugar de estructuras estáticas, las escenas tienen
una disposición dinámica.
3. Dramatismo y expresividad: Los personajes muestran emociones fuertes como
miedo, éxtasis o sufrimiento.
4. Ilusión de profundidad: Uso de la perspectiva y los efectos ópticos para que la
escena parezca real.
5. Colores intensos: Paletas vibrantes con tonos cálidos y fríos en contraste.
El Barroco fue un estilo artístico que se desarrolló en Europa y América entre el siglo XVII y
comienzos del XVIII. Surgió como reacción al Manierismo, un estilo más intelectual y frío, y se
caracterizó por su dramatismo, expresividad y búsqueda de conmover al espectador. Mostraba la
realidad de forma directa, incluso con sus aspectos más duros o desagradables.
En los países católicos, el Barroco tuvo una intención religiosa muy marcada: hacer que los fieles
se sintieran más cerca de lo divino, en línea con las ideas del Concilio de Trento. En los países
protestantes, en cambio, el arte refleja los valores y la vida de la burguesía, con un fuerte interés
en lo cotidiano.
La pintura barroca presenta varias características comunes: uso intenso de la luz para crear
efectos dramáticos, composiciones abiertas y dinámicas, y una ampliación de los temas tratados.
A los temas religiosos se sumaron escenas mitológicas, alegorías, retratos individuales y
colectivos, paisajes, bodegones y escenas de género (vida diaria).
Dentro de la pintura barroca hubo tres corrientes principales. El naturalismo-tenebrismo, con
Caravaggio como figura clave, se centró en representar la realidad de manera cruda y con
contrastes fuertes de luz y sombra. El clasicismo barroco, liderado por los hermanos Carracci,
buscó una belleza idealizada inspirada en el Renacimiento. La tercera corriente, el barroco
decorativo, destacó por sus frescos espectaculares en techos y cúpulas, llenos de movimiento y
teatralidad, como los de Gaulli.
En los Países Bajos protestantes, la pintura reflejaba la vida diaria y el retrato realista, con
artistas como Rembrandt, Frans Hals y Vermeer. En Flandes, aún católica y bajo influencia
española, predominaba una pintura vibrante, dinámica y expresiva, con Rubens como figura
central. Sus obras combinaban fuerza visual con riqueza temática, desde lo religioso hasta lo
mitológico.
Vocación de San Mateo (Caravaggio, 1599-1600)
Contexto:
Forma parte de un ciclo de pinturas sobre San Mateo en la Iglesia de San Luis de los
Franceses en Roma.
Características:
● Iluminación tenebrista: un rayo de luz diagonal ilumina a San Mateo.
● Ambientación cotidiana, con personajes vestidos a la moda de la época.
● Gesto de Cristo que recuerda a "La Creación de Adán" de Miguel Ángel.
Significado:
Innovador al mezclar lo divino con lo realista y mundano, influyendo en el Barroco europeo.
"La Muerte de la Virgen" de Caravaggio (1605-1606, Museo del Louvre, París)
Caravaggio organiza la escena en tres niveles horizontales: una cortina roja en la parte
superior aporta teatralidad, en el centro están los apóstoles y el cuerpo de la Virgen, y en
la parte inferior, María Magdalena sumida en el dolor.
El lecho de María se dispone en diagonal, aumentando la dramaticidad y el impacto
visual. Caravaggio representa la dormición de la Virgen con un enfoque realista y crudo,
alejándose de la idealización. Se dice que utilizó como modelo el cadáver de una
prostituta ahogada, lo que explicaría detalles como los pies sucios y el uso de un vestido
rojo, en lugar del tradicional azul mariano.
Este tratamiento tan humano y terrenal hizo que la obra fuera rechazada por los
carmelitas, ya que no cumplía con la imagen sagrada y solemne que esperaban.
Judith decapitando a Holofernes (Artemisia Gentileschi, 1612-1620)
Contexto:
Inspirada en la historia bíblica de Judith, esta pintura refleja la propia experiencia de la
artista, víctima de abusos.
Características:
● Escena de gran dramatismo, con gestos intensos y sangre realista.
● Judith y su criada colaboran con determinación para matar a Holofernes.
● Iluminación tenebrista y contrastes violentos.
Significado:
Simboliza la lucha contra la opresión y la venganza femenina.
Triunfo de Baco y Ariadna (EvAU. 1597-1600. Fresco)
Muestra el cortejo nupcial de Baco, el dios del vino, y su esposa Ariadna. La escena
se divide en dos partes: en la izquierda, Baco y Ariadna viajan en carros tirados por
guepardos y cabras; en la derecha, un sileno ebrio monta un burro. En el centro, un
fauno y una bacante bailan, conectando ambas partes.
La pintura presenta una atmósfera dinámica gracias a las figuras de sátiros,
bacantes y puttis, y en las esquinas inferiores se encuentran Venus y un sátiro,
creando profundidad. El tema se basa en el mito de Baco y Ariadna, de Las
Metamorfosis de Ovidio.
Carracci usa el estilo clásico del Barroco, con figuras bien delineadas, luz uniforme y
colores brillantes, además de emplear la técnica de quadri riportati, que da la ilusión
de un marco decorativo.
Adoración del nombre de Jesús (EvAU. Giovanni Battista Gaulli,Il Baciccio.
1674-1779
Se divide en tres partes:
1. Parte superior: Un círculo de ángeles rodea el halo de luz que emana del
monograma de Cristo.
2. Parte central: Figuras como los Reyes Magos, santos y vírgenes oran alrededor del
nombre de Jesús.
3. Parte inferior: El nombre de Jesús expulsa las representaciones de los vicios y los
pecados capitales.
La obra utiliza un ilusionismo óptico que hace que el espacio pintado se fusione con el real.
La perspectiva di sotto in su (mirada desde abajo hacia arriba) y los movimientos dinámicos
de los personajes le dan una gran teatralidad y dinamismo a la escena.
La lección de anatomía del Dr. Tulp (Rembrandt, 1632)
Contexto:
Pintura de encargo para el gremio de cirujanos de Ámsterdam.
Características:
● Composición piramidal, con el cadáver en el centro.
● Expresiones de asombro y concentración en los médicos.
● Luz focalizada que enfatiza los rostros y la mano diseccionada.
Significado:
Ejemplo de retrato grupal innovador en la pintura holandesa.
La Ronda de Noche (Rembrandt, 1642)
Contexto:
Retrato de la milicia de Ámsterdam, encargada para su sede.
Características:
● Composición dinámica, con soldados en movimiento.
● Juego de luces y sombras para enfatizar figuras principales.
● Uso de la perspectiva para dar profundidad.
Significado:
Rompe con el retrato tradicional al convertirlo en una escena de acción.
Adoración de los Magos (EvAU. 1609. Óleo sobre lienzo)
Es una pintura que se organiza en torno a un eje diagonal, dividiendo la escena en dos
grupos.
● Lado izquierdo: San José y la Virgen presentan al niño Jesús sobre una mesa de
piedra, que actúa como foco de luz y marca el contraste de luces y sombras en toda
la obra.
● Lado derecho: Los tres Reyes Magos, vestidos con capas de terciopelo rojo, azul y
dorado, traen regalos para el niño, acompañados de pajes, dignatarios y sirvientes
que cuidan de los caballos y camellos.
La escena ocurre de noche, al aire libre, y el pesebre tiene una apariencia de arquitectura
clásica.
Las Tres Gracias (Rubens, 1635)
Contexto:
Representa a las diosas de la mitología clásica que simbolizan la belleza, el encanto y la
alegría.
Características:
● Composición circular que refuerza la unidad del grupo.
● Predominio de la línea curva y colores cálidos.
● Pincelada suelta y vibrante.
Significado:
Ejemplo del sensualismo y exuberancia del Barroco flamenco.
El jardín del Amor (EvAU, óleo sobre lienzo. Museo del Prado, 1630 -1635)
Es una obra que mezcla figuras mitológicas con personajes reales en una fiesta galante en
un jardín barroco.
● Lado izquierdo: Una pareja es empujada por Cupido hacia el centro de la escena.
● Centro: La pareja está rodeada por un grupo de galantes con gestos delicados,
posturas clásicas y ropas lujosas.
● Otro grupo de enamorados se encuentra entre las columnas de un templete.
La pintura tiene una carga alegórica, exaltando el amor y la felicidad conyugal, y sigue una
tradición medieval en la que los enamorados, situados en un jardín, representan mensajes
morales sobre el matrimonio según la literatura cortesana.
Bodegón con pescado, vela, cangrejos y gambas (EVAU)
Es una obra en óleo sobre tabla en la que destaca la delicadeza del detalle. Sobre la jarra
de cerámica, se puede ver el autorretrato de Peeters, reflejado en su superficie.
La pintura es considerada una de las más finas de la artista, donde se aprecian
características propias de su estilo, como la detallada decoración de la jarra, el contraste
entre las formas curvadas y angulosas de la alcachofa y el colador, así como las escamas
de los peces y los agujeros del colador, que muestran su habilidad en la representación de
texturas y detalles.
Peregrinación a la isla de Citera (Watteau, 1717)
Contexto:
Ejemplo de la pintura galante del Rococó.
Características:
● Escena bucólica con parejas elegantes en un paisaje idealizado.
● Pincelada ligera y colores pastel.
● Iluminación difusa que crea una atmósfera mágica.
Significado:
Evoca la nostalgia del amor idealizado y la fugacidad del tiempo.
