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IRENE SOBRINO POZUELO GP1.1
HOLLYWOOD POSTCLÁSICO
La caza de brujas supuso una regresión en los famosos platós de Hollywood y mucha gente
se tuvo que buscar la vida fuera.
En 1952 se estrena Cantando Bajo la Lluvia es un homenaje a la llegada del cine sonoro y
una visibilización de todos los recursos expresivos que nacieron con su llegada. Fue
producida por la MGM y dirigida y protagonizada por Gene Kelly; éste se llegó a convertir en
uno de los grandes actores de la época además de su componente heroico a la hora de
grabar la escena cantando bajo la lluvia ya que estaba enfermo y se empeñó en hacerlo. La
escenografía es hiperrealista pareciéndose a la de Lina Morgan.
En 1955 la Warner Bros estrena Rebelde Sin Causa; fue dirigida por Nicholas Ray
(formado por Elia Kazan). Tenía una sólida formación y fue un virtuoso de la cámara.
La película tuvo un gran éxito sobretodo por la elección del actor; al principio se quiso a
Marlon Brando para el papel pero debido a su leyenda negra no continuó la propuesta y se
contrató a un actor más desconocido que se convirtió en un icono: James Dean. Nada más
estrenarse la película, James Dean murió en un accidente de tráfico, algo que contribuyó a
su “ascensión” al altar.
La película trata de la incomprensión hacia la rebeldía de los jóvenes de la época debido al
cambio generacional que estaba sufriendo la sociedad de EE.UU. Habla de la historia de
tres jóvenes; dos de ellos son pareja y él está realmente enamorado del otro (James Dean).
Comienza a plantear una serie de temas que hasta ahora habían sido tabú como la
bisexualidad y homosexualdiad que hasta entonces habían sido tabú. Grease se puede
llegar a considerar por tanto un remake en cierta manera de “Rebelde sin causa”. En esta
época la mayoría de los musicales están basados en bandas rivales.
Ben-hur se estrenó en 1959. Fue producida por la MGM, rodada en Cine Citta,
preproducida por Hollywood y dirigida por William Wydler. Tuvo un presupuesto de 15
millones de dólares. Se construyó un circo romano de 8 hectáreas en Cinecitta y gradas
para para 15.000 personas. Se utilizaron 500.000 kg de yeso y 40.000 toneladas de arena.
Se esculpieron 500 estatuas a tamaño real. Se convirtió en la película con el decorado más
grande de la historia y aún no ha sido superado. En el vestuario trabajaron 100 costureras y
sastres; se construyeron 2 barcos a tamaño real para una batalla naval; se construyó una
torre de 21m de altura y 20 manzanas de Jerusalén. En el circo se grabó una carrer de
cuadrigas que dura 11 minutos del metraje final y a la que se dedicaron 5 semanas de
rodaje. Se compraron 78 caballos y superó los 80 millones de dólares en taquilla; ganó 11
de los 12 óscar a los que estaba nominada (sólo la superó Titanic); el único en no ganar fue
el de guión adaptado. Todo lo construido fue destruido por la MGM para evitar que los
productores italianos lo usaran en sus propias películas. Ben-hur es la gran evolución del
cine histórico y convierte al péplum en un subgénero con una proyección enorme; se
empiezan a hacer miles de películas dirigidas al público homosexual .
Ben-hur es la historia de un príncipe judío de la época de Jesucristo y es la lucha entre él y
los romanos (los romanos tenían acento británico y los judíos americano para establecer
una diferencia auditiva y que la gente pueda diferenciar los buenos de los malos)
Psicosis de 1960 fue distribuida por la Paramount y producida por Alfred Hitchcock el cual
quería hacer otro thriller psicológico como el que había hecho con “Recuerda”, por lo que
buscó un suceso escandaloso que había llegado a la prensa en los últimos días. Era un
tema sórdido y tuvo muchos problemas con el código Hays a la hora de rodar, por lo que la
Paramount se negaba a hacer la película con ese contenido. Alfred hipotecó su casa con
piscina y consiguió hacer la película que resultó un éxito en taquilla. Consiguió mantener la
emoción hasta el estreno porque compró todos los libros y creó mucha expectación.
Se plantea la introspección de adentrarse en la mente de los asesinos y mata a la
protagonista a los 20 minutos de comenzar la película (algo que no se había hecho nunca).
La escena dura 3 minutos y tiene 50 planos. Es una escena tremendamente subjetiva ya
que consigue la sensación de que es el propio espectador quien está matando a la
protagonista (típica mujer liberada), además de que el sonido es espectacular y lo convierte
en un gran recurso expresivo. Es considerada la gran obra final del cine y cierra una etapa
en Hollywood.
Hasta los años 60, la narrativa audiovisual fue fílmica y a partir de aquí surge la narrativa
audiovisual televisiva la cual modifica la fílmica ya existente. Las propias películas de cine
asumen esta nueva narrativa por la irrupción del vídeo.
EL VÍDEO
Nació originariamente para la TV y es una tecnología de grabación que presenta una
secuencia de imágenes; es el segundo proceso audiovisual aparecido después del cine. La
imagen en vídeo está compuesta de cuadros y líneas (se llegó a la conclusión de que la
sensación de movimiento se daba con 24 cuadros por segundo y 300 líneas por cuadro). A
partir de aquí, alrededor de los años 50, nacieron dos grandes sistemas de vídeo (PAL y
NTSC); PAL (Europa) tiene 25 cuadros y 625 líneas y el NTSC (EE.UU) 30 cuadros y
525 líneas. Las primeras emisiones experimentales de TV las efectuó la BBC (British
Broadcasting Company y de carácter público) en el año 1929. La gente que creó el vídeo
venía del mundo de la radio y el vídeo tuvo una dependencia de la narrativa audio, por lo
tanto la TV se basó mucho en el audio y menos en el vídeo. El primer objetivo de la TV
fue democratizar el vídeo, es decir, llevarla a cada casa. Otro de los rasgos
diferenciadores es que era mucho más barato.
En 1939 la CBS (Columbia Broadcasting System) y la NBC (National Broadcasting
inCorporated) - compañías privadas - en EE.UU hicieron sus primeras emisiones
experimentales, por lo tanto estas compañías desarrollaron el sistema NTSC y la BBC el
PAL. En Francia, en 1936, una emisora de radio pública llamada France Radio - PPT Vision
también inició sus emisiones experimentales de TV PAL.
La importancia de la TV en el mundo fue conceptualizada por Marshall McLuhan; fue
profesor en una universidad de Canadá, y llegó a la conclusión de que la TV iba a cambiar
el mundo. El concepto de “Aldea global” es uno de los más importantes de McLuhan junto
al de “El medio es el mensaje”; el mensaje ha sido relativizado, ahora lo más importante
es el medio.
No es hasta la década de los 50 que la TV empieza a ocupar el lugar tan importante que
McLuhan había vaticinado ya que años antes estalló la guerra.
Una de las características es que se crea rápidamente una generación de profesionales del
vídeo a todos sus niveles que empezará a ser una dura competencia con los profesionales
del cine y los costes de producción son infinitamente más baratos que los del cine. Todo
esto fue terrible para Hollywood.
Otra característica específica fueron los guiones propios. Tanto la NBC como la CBS
estaban acostumbradas a tener mucha publicidad en radio para tener retribución
económica. Esto fue trasladado a la TV y esto obligó a que se hicieran unos guiones
específicos para aguantar este ritmo, de modo que dejaran una especie de “cliff hanger”
antes de la publicidad para que los espectadores quisieran seguir viendo la programación
aún después de los anuncios; esto genera la independencia del nuevo proceso audiovisual
y la gran diferencia entre los guiones televisivos de los cinematográficos.
También aparecen los telefilms, películas de bajo coste producidas especialmente para
televisión, las series… La primera serie de la historia se emitió por la CBS desde septiembre
de 1950 hasta mayo de 1955. Duró 242 episodios y fue “Danger”. Esta primera serie solo
tenía como continuidad entre episodios al presentador Dick Stark. El contenido se basaba
en plasmar situaciones de peligro, el equipo era completamente distinto de un episodio a
otro (directores, actores, cámaras…). Esto es lo que técnicamente se llama “Serie de
Antología”. El último episodio emitido contaba el ataque a una familia de un pueblo por
una bandada de pájaros y se llamó “Birds”; en este capítulo Hitchcock basó su película “The
Birds”. *Otra característica fundamental fue el blanco y negro, hasta 1951 no llegó el
color (CBS), a Europa el color no llegó hasta 1962*
El color estaba basado en el luminóforo: electrones de haces que al impactar emiten
colores primarios (azules, rojos y verdes). El color se extendió por EE.UU y Japón a partir
de 1953 (NTSC), sin embargo al PAL le costó más incorporar el color.
En 1987, Bill Warner descubrió un modo de copiar el material de cintas de vídeo en tiempo
real a discos digitales. Este invento permitió a los editores de vídeo utilizar el ordenador
para ver fácilmente las tomas y cortar y organizar las secuencias más rápido a la hora del
montaje. Esto se llama edición no lineal y ya anunciaba la llegada de lo digital.
Es ya en la década de los 90 cuando se empiezan a desarrollar los sistemas de TV de alta
definición (HD), esto supuso un cambio en la anchura de la pantalla en relación a la altura;
se pasó así de los 4:3 a los 16:9.
De la unión de la música y el vídeo nace el videoclip en el año 1957 y el primero de la
historia fue de Elvis Presley “Jailhouse Rock”.
La aparición de la primera cadena de TV musical sucedió en la década de los 80 y fue
MTV; el primer canal temático por cable. El primer videoclip que emitieron fue Video kill the
radio star de The Buggles.
Surgieron dos modalidades de TV digital; por cable y abierta. En EE.UU tienen una TV por
cable de pago y en Europa sigue perdurando la TV pública.
LA INFLUENCIA DE LA TV EN EL CINE
En la década de los 60, los profesionales que se habían formado en la TV se fueron al cine
y éste pasó a empezar hecho por gente del vídeo ya que a las Majors les venía muy bien
pagar salarios considerablemente más bajos respecto a toda la generación de cineastas
anteriores. Esto aportó varias caracteristicas al cine: la vuelta al blanco y negro, fue un
cine muy influenciado por el teatro (ya que los telefilms se producían en decorados
de manera muy parecida al teatro grabado) y la traslación al cine del concepto de
serie.
Sidney Lumet trabajó como realizador de TV en la CBS e hizo varios capítulos de Danger.
En 1953 estrenó una serie entera titulada “You are there” que previamente había sido
transmitida en la CBS radio.
La serie fue un gran éxito con 147 capítulos y estuvo 4 años en emisión. Cada capítulo era
una recreación histórica de un hecho importante y tenía un afán didáctico e informativo con
un presentador. Esta fue la primera serie transmedia; pasó de radio a TV. En 1957, Sidney
Lumet dio el salto al cine y estrenó 12 hombres sin piedad; el guion fue originariamente
televisivo, se asemejaba a ese teatro grabado y fue en blanco y negro. La película tenía dos
escenarios: la sala de juicio y la sala de deliberaciones. El film se basa en el debate entre
estos hombres para ver si el acusado es culpable o inocente, el cual es un joven latino es
culpado de matar a su padre. En la vista oral no hay ninguna duda de que lo acuchilló y de
que era culpable pero uno de los 12 hombres se abstiene de votación ya que tenía dudas.
Durante toda la película éste hombre va convenciendo al resto de que el acusado es
inocente y que fue inculpado por el simple hecho de ser latino. El film es una crítica al
racismo estructural americano y presenta ésta característica tan importante del final del cine
“como cine”; los contenidos de la generación rebelde que se manifestaba por un cambio en
la sociedad, ya que en la época de los 60, en la construcción de la nación americana se
dejaba de lado a los negros y a los latinos.
El actor principal fue Henry Fonda y la película fue un éxito internacional. Recibió el Oso de
Oro de Berlín. En este año, sucede el triunfo de la TV sobre el cine con un guión original, en
solo 8 años el hermano mayor se había convertido en el menor y muchos directores a partir
de este momento se quedaron fuera ya que no supieron reciclarse. Como dato, en 1973
este film se llevó al teatro y TVE en Estudio 1 hizo una versión de Telefilm y arrasó con
Curro Jiménez.
Robert Mulligan también venía de la TV y estrenó en 1962 “Matar a un ruiseñor'', otra
narrativa transmedia basada en una novela de Harper Lee. Esta película es la antítesis de
“Lo que el viento se llevó” ya que expone la “vergüenza del sur”, se queja de que exista el
racismo y que los negros sean tratados como si siguieran siendo esclavos. Pllantea como
un hombre negro que trabaja en una plantación es acusado por una mujer blanca de
violación. En el juicio hay un abogado que consigue demostrar que era inocente e incluso
que era la mujer blanca la que se quiso acostar de prijmeras con el negro. A partir de éste
momento se inicia la defensa de los derechos humanos de los neros. Broadway consigue
un éxito con la película y gana el Óscar a mejor actor, mejor guión adaptado y mejor
dirección artística.
Todo está contado desde el punto de vista de la hija del abogado, desde la visión de una
niña pequeña.
Mike Nichols también llegó al cine desde la TV pero se formó con Elia Kazan. Estrenó “El
Graduado” en 1967, película que lleva lo sexual al primer plano argumentativo, ganó el
Óscar a la mejor dirección, es una película donde hay muchos planos secuencia y es la
primera de esta generación del vídeo en color. La película trata sobre un chico recién
graduado que vuelve a su pueblo natal de clase alta con buenas casas. Unos vecinos le
invitan y la mujer de la pareja se enamora de él. Tal mujer no va a parar hasta acostarse con
el graduado y la circunstancia de que el graduado desde niño tuviera una relación con la
hija de los vecinos complicaba las cosas.
Una característica muy importante es la música ya que juega un papel fundamental e influye
en la narrativa de la acción (tal y como en el cine original). Los autores de la BSO (Sound of
silence) son Simon y Garfunkel, los primeros compositores de la canción protesta con letras
rompedoras contra una sociedad que ellos calificaban como “hipócrita”.
La película fue protagonizada por Dustin Hoffman.
En 1967 también se estrenó “Bonny and Clyde” de la mano de Arthur Penn. Una célebre
pareja de ladrones del NY de los años 30 que había hecho unos 1000 golpes y era muy
popular por haber sido antisistema, se les presentó como si fueran “Robin Hood”. Se
expone a esta pareja de una manera rompedora; algo muy atractivo con personajes
seductores y que están enamorados. Fue todo un éxito en taquilla y ganó 2 Óscar. En la
escena final los matan y es todo un homenaje a “Viva Zapata” de Elia Kazan y a “Scarface”
La fama traspasó fronteras de manera que hasta en España se hicieron canciones sobre
esta película.
Una de las cosas que pusieron de moda esta generación fueron las novelas de carretera;
una pareja muy atractiva que iban pegando palos y van en carretera de pueblo en pueblo.
Blake Edwards es el que lleva las series al cine. En 1961 estrenó “Desayuno con
diamantes”, escrita por Truman Capote. Cuenta la historia de amor entre una prostituta y
un gigoló que enamoran. Henry Mancini fue el compositor de la música de la película, la
cual fue algo fundamental en la historia y es el primer elemento narrativo. Ganó 2 Óscar; a
mejor BSO y canción.
La escena más famosa es la de una fiesta de lujo, la cual se convertirá a partir de aquí en el
canon de fiesta en el cine. Sale José Luís de Villalonga, un actor español que acabará
siendo playboy y Mike Runny, que fue el típico niño prodigio que alcanzó el estrellato siendo
muy pequeño y el problema llegó cuando creció ya que su perfil no era de típico galán
atractivo, hasta que llegó “Desayuno con diamantes” en la que hizo un papel como vecino
oriental muy zen al que le gusta vivir en paz y armonía
En 1969, Edwards estrenó “The Party”, llevando la escena de la fiesta de Desayuno con
Diamantes a toda la película. La historia trata de una fiesta en una mansión protagonizada
por Peter Sellers . Es un continuo de situaciones cómicas con un final en el que se une a la
fiesta un grupo de hippies mostrando la diferencia cultural de la época. El protagonista era
Peter Sellers y la música fue también compuesta por Henry Mancini.
En 1963 se estrenó La Pantera Rosa como película y también se hizo un corto en el mismo
año que ganó un Oscar. La música original también fue compuesta por Henry Mancini. Fritz
Freleng fue el animador que creó al nuevo personaje sofisticado y transgresor (Además él
era muy conocido por ser el creador de “Speedy Gonzales” El origen de la Pantera Rosa fue
de animación, pero al llevarla al cine, se creó una película de no animación con el personaje
de la pantera rosa (pero el corto si fue animado).
Desde 1963 hasta 1982 se estuvieron creando películas de La Pantera Rosa.
Todo este concepto de intentar llevar la idea de serie al cine tuvo un paralelismo que fue la
famosa serie de cine del Agente 007 (aunque ésta no provenía de la TV sino del cine). La
primera película que terminó siendo una serie en el cine fue “Dr. No”, que cuenta las
aventuras de un agente británico a las órdenes de la reina. Esta producción cambia
constantemente de director y protagonista; su primer gran actor fue Sean Cornnery. La
música se convierte en algo fundamental que une todos los capítulos en los puntos clave.
Luego han continuado “Desde Rusia con amor” en 1963, “Gold Fingers” en 1965, “Vive y
deja morir en 1973 y “Espectre” en 2015. La música es de Monty Norman.
EL NUEVO WESTERN
En TV se produjeron muchos telefilms de vaqueros ya que permitían hacer producciones
mucho más baratas por los escenarios fáciles de reproducir y los interiores asequibles. Los
nuevos creadores de TV se atrevieron con temas que nunca nadie se había atrevido. Todo
esto confluye en la creación de un nuevo Western con unas características; el indio deja de
ser el malo para convertirse en el bueno y humano, a esto se le ha llamado el Western del
desencanto, de aquí viene “La casa de la pradera”.
Sam Peckinpam trabajó en la CBS como tramoyista, guionista, productor y siendo ayor
comenzó a dirigir. Va a dar un cambio radical al western introduciendo al indio como uno
más y mucha violencia. Presenta a forajidos y delincuentes en el oeste viendo al ser
humano como algo más “amplio” que no es solo ser bueno o malo.
Su gran película es “Grupo Salvaje” de 1969 y va sobre forajidos que roban bancos y
huyen a México. El director incorpora un elemento técnico muy importante y novedoso que
a partir de ahí sería muy usado en la TV; la utilización de la cámara lenta como recurso
expresivo para dar un contenido muy exclusivo.
Arthur Penn estrenó en 1976 “Duelo de gigantes” con dos personajes; uno un caza
recompensas y otro un forajido. No los presenta como buenos o malos sino que ambos son
buenos y malos a la vez.
EL CINE UNDERGROUND
En 1966 desapareció el Código Hays, lo que permitió que se pudiera distribuir cine
underground, un cine muy crítico con la sociedad del momento que se hizo posible gracias a
la generación rebelde.
Andy Warhol es el gran creador del Pop Art que clamaba por salir y cambiar la sociedad.
Todo esto partió de una revista llamada “Feel Culture” donde empezaron a escribir unas
personas criticando el cine que se hacía y empiezan a plantear otras formas y a decir que
ellos iban a hacer eso.
Junto a Paul Morrissey creó una cooperativa llamada “The Filmmakers Cooperative”, que
hizo canales de distribución propios para que sus obras fueran vistas.
La primera gran película de este cine es “Chelsea Girls” de 1966, codirigida por Warhol y
Morrissey. Hace referencia al hotel Chelsea de NY, un hotel de poca categoría donde vivían
estrellas que querían llegar al cine. Tratan al mundo de la farándula que aspiran a ser
estrellas. Es una película vanguardista que alternaba el blanco y negro con el color
exhibiéndose con dos proyectores funcionando simultáneamente con dos cintas diferenets
sin conexión entre ellas creando una multinarración con u recurso multinarrativo. Duró 3
horas.
En 1968 Warhol produce “Flesh”; trata de un prostituto chapero de NY y de cómo se gana
vida.
Pedro Almodóvar bebe de este cine underground y lo trae a España.
En 1969 nace la gran película alternativa y del cine “hippie”; Easy Rider. Fue dirigida por
Dennis Hopper y protagonizada por Peter Fonda y por Jack Nicholson. Es la gran “road
movie” como subgénero narrativo audiovisual. Trata de dos moteros que se dedican a viajar
por el viejo sur de EE.UU y lo recrean desde un punto de vista “underground”. Además
demostró que el cine underground podía ser muy popular y recaudar mucho dinero. Fue una
producción muy barata (400.000 dólares) y recaudó 60 millones.
La cultura Hippie que propugnaba unos valores diferentes a los establecidos llegó a EE.UU
durante los 60 hasta Europa. Hubo autores e intelectuales que impulsaron esta generación
y empezaron hacer obras muy diferentes a lo establecido destacando las novelas
ambientadas en la carretera como metáfora de lo que hay por descubrir, viajes que te
cambiaban físico e intelectualmente y esto es lo que se refleja en “Easy Rider”. Está
considerada la mejor muestra del cine underground.
Una característica principal de este cine es la música como elemento expresivo de alto nivel
que siempre está presente; es la música que empezó a llevarse esos años y que movilizó el
movimiento.
En 1967 esto se llevó a los teatros alternativos con una obra llamada “Hair”. Un musical de
la cultura hippie sobre el amor, la paz, el consumo de drogas y la libertad sexual; tema que
era muy relevante ya que era lo que más chocaba con la moral del momento. El teatro tuvo
gran impacto en NY por sus desnudos integrales y el mensaje tan profundo. Se estrenó en
el Café Ceethay y se empezó a representar en salas pequeñas pero llegó enseguida a
convertirse en un espectáculo de masas hasta llegar a 1968 a los grandes teatros de
Broadway. En este año llegó al teatro de Biltmore donde se mantuvo 11 años después de
casi 1500 de presentaciones. En este año se hizo la película de “Hair” siendo un ejemplo
más de narrativa transmedia. La música es la BSO del movimiento hippie “Aquarius”.
Todo esto surge gracias a la generación audiovisual televisiva que permite llegar a esta
“contra-cultura”. Los primeros que abrieron el camino fueron los señores de la TV
denunciando las injusticias con “12 hombres sin piedad” que llegaron a conseguir un cambio
de mentalidad.
LA NOUVELLE VAGUE
La nueva ola. Una revolución contracultural que remueve todos los pilares y que acabará
con el capitalismo. Surgió en mayo del 68, cuando los alumnos de la universidad de París
dejaron de ir a clase ocupando las instalaciones universitarias para proclamar la libertad e
igualdad para todos. Este movimiento es uno paralelo al movimiento hippie y recogía a
gente del mundo audiovisual que pretendía cambiar el mundo y hacer un nuevo producto.
Estaba muy influenciado por la TV.
François Truffat fue ayudante de dirección de Roberto Rosellini y un crítico de cine y TV
que trajaba en la revista donde se iba a aglutinar toda esta gente que quería cambiar el
panorama audiovisual (Cahiers du cinema). Truffat esscribó un renombrado artículo que
cargaba sobre el cine francés, criticando su bajo nivel y reivindicando el cine
norteamericano.
La nueva ola odiaba las grandes salas de cine y popularizó las salas pequeñas. A nivel
técnico quería liberar el montaje y el rodaje ya que decía que no tenía que estar sujeto a
ninguna norma y que se debía apostar por movimientos de cámaras sin cortes. Bbeían de
las vanguardias europeas de los años 20, del movimiento comunista y de Orson Welles.
Apostaron por planos cámara al hombro y por planos secuencia neorrealistas.
En 1959 estrena “Los cuatrocientos golpes”, que cuenta la historia sobre un adolescente
conflictivo hijo de madre soltera con un padrastro con el que choca mucho y termina siendo
encerrado en un reformatorio. Es la lucha del chico contra el mudo que finalente consigue
escapar del reformatorio e ir a ver el mar. Tiene movimientos de cámara muy atrevidos y es
una obra autobiográfica sobre su infancia.
En 1961 crea “Jules et Jim”, ambientada en la 1ªG.M, va sobre una mujer que tiene un
amante francés y otro alemán y no lo oculta. Es un canto al amor libre.
En 1970 estrena “El pequeño salvaje”, que cuenta cómo el ser humano nace bueno pero
es corrompido por la sociedad. Recrea la historia real de un niño que fue criado con los
animales.
Alain Resnais dirige en 1959 “Hiroshima Mon Amour”. Destaca el contrapunto y la
innovación de buscar movimientos rompedores.
Con Louis Malle la revolución sexual llega a su máximo esplendor. En 1971 estrena “Soplo
al corazón” donde expone una relación incestuosa de una madre con su hijo.
Eric Rohmer era el director de la revista francesa y todas sus películas hablan del amor
entre un adulto y una niña. (1970 - La rodilla de Claire)
Jean Luc Godard participó en el grupo del Cine Ojo donde se rodaba de forma comunitaria
(todos hacen de todo). Consideraban que con el cine había que hacer revolución. Su obra
más famosa es “A bout de soufflé” de 1960. Es un homenaje al cine negro
norteamericano. A nivel técnico usa movimientos de cámaras sin cortarse lo más mínimo y
habla sobre el amor, la traición, la muerte, la cobardía y la incomunicación entre los seres
humanos. El protagonista es un macarra que no tiene moral. Se traslada de Marsella a
París y allí se enamora de una americana que vende prensa en la calle.
En 1985 estrenó un film sobre una chica de un suburbio parisino contando que se había
quedado embarazada sin acostarse con su novio. “Yo te saludo María”. Una recreación
del drama bíblico intensificando las relaciones sociales. Esto vuelve al neorrealismo italiano.
EL NUEVO HOLLYWOOD
Tuvo un precursor clave de difícil comprensión y adelantado a su tiempo; Stanley Kubrick,
un maestro de la música y de hacer que ésta tenga un significado propio y aporte a lo
visual. Es un gran teórico de lo audiovisual y se sumergió en el mundo en búsqueda de
volver a la esencia de lo visual; el defendía que la narrativa visual tenía que imponerse ante
cualquier narrativa despreciando la parte del sonido que tiene que ver con la palabra; para
él era un retroceso, era como volver a lo literario, a los libros y lo audiovisual debía tener las
menos palabras posibles.
Una de sus grandes obras, 2001: Una odisea en el espacio, dura 2 horas y 19 minutos y
solo hay 40 minutos de diálogo.
Kubrick se formó en la fotografía, cuidaba cada plano como si fuera un cuadro y se
convertirá en un impulsor del Nuevo Hollywood, caracterizado por la preponderancia de la
imagen ante cualquier otra cosa en el mundo audiovisual.
En 1960 estrenó “Espartaco”, que trata sobre un esclavo que se rebeló. Para el guión
contactó con Dalton Trumbo. Ganó 4 premios Óscar entre ellos el de mejor fotografía. La
acción visual adquiere un ritmo trepidante porque ha sido liberada de las palabras. Esto lo
llevará Spielberg al extremo más adelante.
2001: Una odisea en el espacio se estrenó en 1968 en Nueva York, es una redefinición
del género de Ciencia Ficción. Kubrick crea los efectos especiales que hoy existen de una
manera mecánica y analógica. La innovación técnica fue tal que ganó el Óscar de esta
categoría en el 68. Tardó 4 años en hacer la película, disparándose el presupuesto de 4
millones de dólares a 10’5. Más de la mitad de los asistentes al estreno se fueron sin que la
película llegara a terminar.
La película es una profunda elipsis sobre la evolución humana. Kubrick presenta de una
manera visual todos los hechos sobre los primates; lleva la cultura oral que se transmitía por
medio de la palabra a lo visual -algo sumamente vanguardista-. La película se basa en la
búsqueda de la evolución hacia la inteligencia superior extraterrestre. Una inteligencia
artificial llamada HAL se revela contra la tripulación y son obligados a desconectar a HAL ya
que les está impidiendo llegar a encontrar a los extraterrestres. -HAL, una inteligencia
artificial que tiene sentimientos, algo muy romántico- Fue precursora de muchas cosas que
hoy en día tenemos como el picturephone.
La música juega un papel muy importante; se practica el contrapunto para dar más
información de la que aporta la imagen. Kubrick tuvo muchas dudas respecto a la música y
en un principio se la encargó a Alex North -uno de los grandes compositores del S.XXI- pero
finalmente la compuso Richard Strauss.
LA NUEVA GENERACIÓN DE HOLLYWOOD
Esta generación se forma la mayor parte en la escuela de artes cinematográficas del sur de
California.
George Lucas se forma con Steven Spielberg en esta escuela y uno de sus profesores fue
Lester Novros con el cual ellos quedaron fascinados. Lester había sido uno de los grandes
profesionales del mundo audiovisual. Participó en Blancanieves y los 7 enanitos de Walt
Disney y trabajó mucho con Kubrick. Novros definía lo audiovisual como movimiento y luz;
para él también se reducía lo audiovisual a lo estrictamente visual -como Kubrick-. Lucas
fue un estudioso del cine underground americano y de la Nouvelle Vague.
George Lucas estrenó en 1973 American Graffiti. En esta película, hace un remake de
Rebelde sin causa con una concepción del contrapunto sonoro en el que la música es
fundamental -es un homenaje a la música de los 50s, el Rock n’ Roll- Fue un éxito, ganó
dos globos de oro y le permitió con todo lo obtenido en taquilla formar en 1975 su propia
productora: “Industrial Light & Magic”. Desde ese año tuvo en mente hacer una película de
ciencia ficción a la altura de 2001: Una odisea en el espacio. Su productora enseguida
empezó a diseñar el proyecto pero era muy caro, por lo que fue a las majors con el dossier
para obtener financiación y finalmente la 20th Century Fox aceptó tras una dura negociación
y se estableció que Lucas no cobrara nada por la dirección pero a cambio recibiría el 40%
del futuro beneficio. La película fue Star Wars: A new hope. Esta generación convierte el
leitmotiv en algo continuo. Star Wars es la mejor plasmación en cine del concepto de serie
televisiva; plasma la revolución.
Steven Spielberg dirige en 1981 Indiana Jones, En busca del Arca perdida; escrita y
producida por su amigo George Lucas. Fue un éxito en taquilla y consiguió varios Oscars.
El actor fetiche de esta generación fue Harrison Ford, que comenzó con American
Graffiti, continuó con la saga de Star Wars y pasó a Indiana Jones.
En 1982 estrena E.T., El extraterrestre, la película más taquillera de todos los tiempos. La
exitosa carrera de Spielberg y su facilidad de crear películas muy taquilleras le ganó el
apodo de El Rey Midas. En 1975 estrenó Tiburón, otro éxito en taquilla con mucha acción y
suspense.
A Spielberg no le gustaba el apodo de Rey Midas, ya que parecía que solamente le gustaba
hacer cine con películas banales y sin trasfondo, haciendo únicamente películas
mainstream. Por eso en 1993 estrenó La lista de Schindler. En ella se narra el drama de la
2ªGM de una manera magistral. Fue tanto la conmoción que causó, que ganó el Oscar a
mejor director y mejor película, por los que Hollywood se rindió a Spielberg y se demostró
que sabía hacer películas muy buenas y con gran trasfondo. En al película se usa de forma
magistral el color, ya que toda la película es en blanco y negro para reflejar la barbarie nazi,
pero solamente utiliza el color cuando hay momentos de esperanza y acaba en color.
Francis Ford Coppola creó “El Padrino” en 1972 que supuso el resurgir del género del
thriller. Fue un éxito, ganó 3 Óscar (película, guión adaptado y actor: Marlon Brando). La
academia nunca se permitió que no ganara el de mejor director. Una de las grandes
características es la BSO de Nino Rota. En 1974 se estrena “El Padrino II”, siendo la
primera secuela en ganar un Óscar a mejor película. También ganó al mejor director, mejor
guión adaptado, mejor actor secundario (Robert De Niro), mejor dirección artística y mejor
banda sonora. Hay un magnífico uso del flashback.
Marlon Brandon se negó a hacer la segunda parte y tuvieron que buscar la manera de
buscar un sustituto para continuar la historia y que fuera creíble y a la altura de Brandon en
la original. Es por ello que presentaron un Padrino de joven, interpretado por Robert De Niro
que le catapultó a la fama.
Es la historia del origen del Padrino en paralelo a la sucesión del Padrino tras su muerte. De
esta manera se está contando el pasado y el futuro de la historia original de El Padrino. El
heredero, el hijo menor de El Padrino, está interpretado por Al Pacino.
El guión era original y adaptado, ya que estaba basado en la novela original pero también
había partes nuevas que no formaban parte de la novela.
En El Padrino III, estrenada en 1990, se cuenta la historia de Michael Corleone, el heredero
interpretado por Al Pacino. Esta vez la historia es más lineal.
En 1979 estrena Apocalypse Now su obra maestra y que regenera el género bélico;
basada en la guerra de Vietnam, la cual había sido rechazada por la nueva generación de
inconformistas. En la película se presenta la cruda realidad de la guerra adaptando la
novela que se desarrollaba en su origen en África, El corazón de las tinieblas.
Coppola lo adapta como unos militares estadounidenses que buscan a un soldado desertor
que ha montado un reinado en la selva de Vietnam donde martirizaba a los vietnamitas. El
despiadado soldado fue protagonizado por Marlon Brandon y el soldado que lo busca es
Martin Sheen.
Martin Scorsese incorpora y recupera todas las características del cine de los años atrás,
principalmente el leitmotiv. Su última película “El Irlandés” está pensada como “TV”; una
película muy larga para verse en casa incluso en varios días.
Scorsese estrenó en 2008 en el Festival de Cine de Berlín el documental “Shine a light”
sobre los Rolling Stones.
En 2011 hizo un documental sobre George Harrison, miembro de The Beatles; “Living in
the material world”.
Brian de Palma dijo que sus principales referencias eran Hitchcock y Godard; el thriller y el
dinamismo de sus películas. Brian de Palma hace continuos homenajes al mundo
audiovisual, siempre ha estado recreando de manera brillante.
En 1983 estrena un remake de Scarface. De Palma intenta recrear el mundo del
delincuente que se salta todas las normas y este fue Al Capone. Traslada la historia a otro
escenario que había conmocionado mucho a EE.UU; en los 80 se tensa la relación Cuba, el
País dejó irse a mucha gente a EE.UU lo que provocó un estampida hacia el país y un gran
descontento por parte de los norteamericanos.
En Scarface hay un inmigrante cubano en EE.UU (Toni Montana) que se define como un
preso político; fue metido en un centro de internamiento y cuando sale se dedica al
narcotráfico. Scarface fue un éxito en taquilla pero muy criticada por los expertos de
entonces, algo que De Palma no llevó bien.
En 1987, estrena Los intocables de Eliot Ness, fue también un éxito en taquilla y fue
entonces cuando la crítica le dio a De Palma el mérito que se merecía. Fue otro remake
más fidedigno a la historia de Al Capone.
Eliot Ness fue un jefe de la policía de Nueva York que encabezó una brigada llamada “Los
Intocables”, Al Capone fue interpretado por Robert De Niro. Sean Connery ganó el Óscar a
mejor actor de reparto. Además Brian de Palma con esta película, adaptó un guión
televisivo al cine. La famosa escena de la escalera es un homenaje al Acorazado Potemkin,
Las propias escaleras conceden una gran perspectiva a la hora de construir el plano y así
poder superar las dos dimensiones que da el cine gracias a la profundidad.
