Filial Holguín

TRABAJO DE DIPLOMA EN OPCIÓN AL TÍTULO

DE LICENCIADO EN ARTE DE LOS MEDIOS DE
COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL
Título:

Estrategia Fotográfica desde el color para la realización del cortometraje ¨Tú, Yo, y las
moscas¨

Autor: Eliecer Peña Alfonso

Tutor:
Lic. Carlos Fernández Calzadilla

Perfil: Dirección de Fotografía

Holguín 2024
Agradecimientos

A todos los que de una forma u otra han hecho posible el milagro de poder llegar hasta
aquí.
Índice
 Resúmen:

El presente trabajo de diploma sustenta el análisis mediante una investigación sobre el

uso del color, su psicología y la semiótica. A través del análisis visual, técnico y teórico ,
se profundiza en como la elección y aplicación del color afecta la percepción, atmósfera y
narrativa de la obra cinematográfica, resultando en una experiencia visual cautivadora
que sumerge al espectador en un mundo oscuro y perturbador.
 Introducción:

En el panorama cinematográfico , los cortometrajes han emergido como una forma

de expresión artística y narrativa única, brindando a los cineastas la oportunidad de
explorar diversos temas y estilos visuales de manera concisa y cautivadora. Un aspecto
fundamental de la cinematografía en estos materiales es la colorimetría, que desempeña
un papel crucial en la creación de atmósferas y la construcción de significados
simbólicos.

A medida que la tecnología cinematográfica ha evolucionado, los cineastas cubanos se

han ido adaptando, y el color se ha convertido en uno de los elementos más utilizados
por estos a la hora de crear una composición visual para sus obras. Desde la sobria y
nostálgica paleta de colores utilizadas en películas que exploran la historia y la identidad
cultural, hasta la experimentaciónón audaz de tonalidades vibrantes en reproducciones
más abstractas, el color en los cortometrajes ha sido un recurso impactante y distintivo.
En este trabajo de diploma se explora la forma en que la fotografía en el cortometraje
¨Tú, Yo, y las moscas¨ha empleado el color como un medio para evocar emociones,
establecer ambientes y potenciar la narrativa.
 Objetivo general:

Definir una estrategia de colorización, para crear un ambiente de terror psicológico en el

cortometraje ¨Tú, Yo, y las moscas¨

Objeto de estudio:

La colorimetría en dirección de fotografía.

Objetivos Específicos:

- Analizar los fundamentos teórico–metodológicos que sustentan el trabajo del director

de fotografía.

- Elaborar la estrategia fotográfica en las 3 etapas principales -preproducción,

producción y postproducción- en la realización del cortometraje¨Tú, Yo, y las moscas¨

- Utilizar el recurso expresivo del color en el diseño fotografico a través de metáforas

visuales en función de la narrativa para el cortometraje ¨Tú, Yo, y las moscas¨

Problema Científico:

¿Cómo elaborar una estrategia fotográfica a partir del uso del color para la realizacion del
cortometraje ¨Tú, Yo, y las moscas¨

Para dar solución a este problema se plantean las siguientes preguntas:

1. ¿Cuál es la función del director de fotografía en el audiovisual?

2. ¿Cuáles son los fundamentos metodológicos de la colorización de cortometrajes de

ficción?

3. ¿Cómo diseñar la estructura en el proceso de colorización para favorecer la

progresión dramática del corto de ficción ¨Tú, Yo, y las moscas¨
Métodos de Investigación:

Dentro de la metodología utilizada se aplicaron los métodos propios de la metodología

cualitativa. Se aplicó el método Histórico–lógico en el análisis de las diferentes
funciones del director de fotografía en el corto de ficción.

El Análisis–síntesis fue de utilidad en la elaboración del proyecto realizado, la

determinación de la problemática estudiada en la construcción de generalizaciones
metodológicas y teóricas que apoyan la estrategia de fotografía elaborada.

Revisión bibliográfica fue aplicada a los diversos textos que se consultaron para la
realización de la investigación.

El método hermenéutico fue aplicado por su capacidad de decodificar un discurso

simbólico contenido en los materiales audiovisuales consultados. Fue de gran ayuda
por el contenido mismo de la propuesta de este trabajo.
Capítulo 1.Elementos sobre dirección de fotografía

Epígrafe 1.1 Elementos sobre la dirección de fotografía

El director de fotografía es el encargado del diseño visual y el concepto de la imagen,

el tratamiento fotográfico que tendrá la obra audiovisual. Es el principal responsable, con
la colaboración del director, de que los elementos visuales de cada escena tengan
coherencia, continuidad, y una estética de acuerdo al guion y a la historia que se está
contando.

El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo

técnico como el artístico, ya que tiene que dominar los elementos que influyen
en la formación de una visualidad; la sensibilidad ya sea en soporte digital o
celuloide, la fotometría, la óptica, la técnica de equipos, el estudio del color y
los fenómenos de percepción son de vital importancia. Como parte del equipo
de cámara, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros
técnicos y artísticos para la toma de imágenes tales como, la iluminación, la
composición visual y los movimientos de cámara, además de la planificación,
composición de los diferentes encuadres; todo esto forma parte de la actividad
creativa, en la que el director de fotografía ejerce su influencia. Antes de que
comience el rodaje, el director de fotografía trabaja estrechamente con el director y otros
miembros clave del equipo en la preproducción teniendo en cuenta los siguientes
aspectos:

Diseño de la iluminación
La iluminación es uno de los aspectos más críticos del trabajo del director de fotografía.
Diseña esquemas de iluminación que se adapten al tono y la atmósfera de la escena,
utilizando diferentes fuentes de luz, sombras y colores para crear la estética visual
deseada.

Elección de equipos y lentes

El director de fotografía selecciona cuidadosamente los equipos y las lentes de la cámara
para lograr el efecto visual deseado. La elección de lentes puede afectar a la perspectiva
y a la profundidad de campo, contribuyendo a la narrativa visual de la película.
Gestión de aspectos técnicos
El director de fotografía debe tener un profundo conocimiento técnico de los equipos de
filmación y las últimas tecnologías cinematográficas. Esto incluye la comprensión de la
exposición, la velocidad de obturación, la sensibilidad ISO y otros aspectos técnicos que
afectan la calidad de la imagen.

Control del color y la paleta visual

Contribuye a la creación de la paleta visual de la película, tomando decisiones sobre la
temperatura del color, la saturación y el contraste. Estas elecciones afectan la percepción
emocional de la audiencia y contribuyen a la cohesión visual de la obra.

Gestión de problemas técnicos

Otra de las funciones principales de este profesional consiste en resolver los problemas
técnicos que puedan surgir durante el rodaje. Por ejemplo, adaptándose a condiciones de
iluminación difíciles, trabajando con efectos especiales o utilizando equipos avanzados
para lograr efectos visuales específicos.

Colaboración con otros departamentos

El director de fotografía trabaja en estrecha colaboración con otros departamentos, como
dirección de arte, vestuario y dirección. Esta colaboración garantiza una integración
equilibrada y consistente de los elementos visuales y estilísticos de la producción.

Los encuadres

El encuadre se refiere a la composición del cuadro tomado del mundo exterior y

que la cámara registra. Es el límite de la imagen. Desde este momento el carácter
subjetivo se hace evidente en la composición del cuadro, ya que el realizador o
camarógrafo seleccionarán qué parte del mundo se mostrará y qué no.

En términos estéticos el encuadre determina el punto de vista, el “desde dónde” y cómo

será visto el plano. Es una visión subjetiva; en dicho sentido, la angulación es la
posición de la cámara tomando como referencia la visión humana. Esta posición
establece dos puntos de vista cuya intención es generalmente de orden expresiva,
dramática o psicológica.

• Frontal: la cámara se sitúa a la altura de los personajes y los filma de frente.

• Picado: la cámara está situada a una altura superior a la de los personajes
y los filma desde arriba.
 • Contra-picado: la cámara se sitúa a una altura inferior a la de los
personajes y los filma desde abajo.

• Cenital: La cámara se sitúa encima de los personajes en un ángulo de

90º.

• Nadir: La cámara se sitúa debajo de los personajes en un ángulo de 90º.

Los diferentes planos y sus usos

El plano se entiende como la unidad mínima de un filme, la porción más

pequeña de un todo estructural; está determinado por la distancia entre la
cámara y el sujeto y por la longitud focal del objetivo empleado.

• Plano general (PG): similar al plano general largo y corto, pero su

espacio está limitado por el decorado interior.

• Plano americano (PA): encuadra a los personajes a la altura de las

rodillas.

• Plano americano de cintura (PAC): encuadra a los personajes a la altura

de la cintura.

• Plano medio (PM): encuadra a los personajes al nivel del busto.

• Primer plano (PP): encuadra el rostro desde la altura de los hombros.

Cuando son encuadrados dos rostros, se emplea el término primer
plano amplio.

• Primerísimo primer plano o plano detalle (PPP): encuadra solamente

una parte del rostro, desbordando el resto fuera de campo.
Profundidad de campo

La profundidad de campo tiene extrema importancia, pues implica una

concepción de la realización. Es el espacio existente entre los objetos
donde sea aceptable la nitidez entre estos. Crea relaciones entre los objetos
que se encuentran en primer plano y los que están en segundo. Hay
relaciones espaciales que pueden determinarse a través de la longitud focal.
Este recurso origina factores de orden psicológico dentro del audiovisual.

Para efectos del análisis del presente trabajo basta con decir que
la profundidad de campo es una forma de representación de la realidad.
Este y otras propuestas son algunos de los elementos formales que el
director de fotografía de cualquier obra audiovisual debe dominar para
la creación del lenguaje cinematográfico y de su conformación a través
de la cámara. Además, debe conocer no solo la tipología de los planos, los
movimientos de cámara, las angulaciones, las características específicas de
cada objetivo (lentes), la textura de la imagen de cada configuración de la
cámara, material sensible si se trabaja en celuloide, los tipos de iluminación,
reglas de composición, etc., sino también cómo combinar dichos elementos
para lograr un determinado efecto en los espectadores. Con su dominio y
perfecta conjugación crea un determinado concepto de imagen de un
audiovisual y hace llegar al espectador el punto de vista de los realizadores,
o lo que se quiere trasmitir en cada plano, en cada secuencia a lo largo de la
obra. El peligro, pues, radica en su empleo injustificado y aislado. No es
simplemente hacer uso de ellos. Debe tener un sentido claro para darle
coherencia y un hilo narrativo a la obra audiovisual.
Los filtros

Los filtros destinados a modificar la composición de la luz se clasifican en

diversos tipos. Para fotografía en blanco y negro se utilizan los llamados
filtros de contraste, que permiten cambiar la relación que existe entre el color
y el tono de gris.En color se emplean los filtros de corrección, que hacen
coincidir el balance color de la luz con el balance color de la película o que
también permiten ajustes más sutiles, para evitar o intensificar algunas
dominantes de color, según el efecto deseado.

Los filtros de compensación, también usados en fotografía a color, permiten

hacer correcciones en bandas más estrechas del espectro. Se los denomina
CC, letras que van seguidas de un número que indica la densidad y luego la
inicial del color (yellow, magenta o cian).

Existen también filtros de densidad neutra. Que reducen la intensidad de la

luz sin cambiar sus características, los graduados para registrar en forma
más oscura o cambiar una parte del color de la escena y los de polarización,
además de los de efectos especiales, que transforman ópticamente toda o
parte de la escena.

Epígrafe 1.2

El color en el cine: breve Historia

Desde que el cinematógrafo hizo su aparición, ya pensaron en proyectar

imágenes en color. Pero técnicamente era bastante complejo. Al principio, se
coloreaba cada fotograma. Aún así, hubo gente que lo hacía. Por ejemplo,
Georges Mélies. Pero había que hacerlo copia a copia, por lo que no era muy
práctico. Después de esta técnica, se utilizó una nueva: el tintado. Pero con
el tintado, toda la película adquiría un determinado tono monocromático.

Con la llegada de Technicolor en el año 1915, se trabajó primero en

sistemas de dos colores primarios que no terminaron de funcionar en el
mercado. Era un proceso caro y la calidad no era tampoco nada del otro
mundo.Technicolor siguió trabajando, y en 1932 consiguió un sistema con los
tres colores primarios: magenta, cyan y amarillo. La calidad era mejor, pero
seguía siendo muy costoso para usarlo de forma habitual.Las primeras
películas en utilizar este sistema fueron de Disney. Este proceso seguía aún
siendo muy costoso, y pasaron algunos años hasta que el color llegara a
todas las películas. La película que ayudó a su introducción gracias a un
rotundo éxito fue Lo que el viento se llevó (1939).Además de ganar 8 de los
13 premios Oscars a los que estaba nominada, se le concedieron dos
premios honoríficos. Uno de ellos, por su excepcional uso del color.A partir de
este logro, Technicolor se hizo con el control del color en el cine durante las
siguientes dos décadas.

Ya en el año 1950, Eastman Kodak introdujo en el mercado el sistema

Eastmancolor, un sistema más sencillo que podía utilizarse con cualquier
cámara.También mejoraron la calidad de la impresión de Technicolor, que
perdió su hegemonía en el mercado.Lo malo del Eastmancolor es que tenía
menos durabilidad que el Technicolor, y se deterioraba con los años.En 1983
corrigieron este defecto, y siguió siendo el sistema más utilizado hasta que el
proceso fotoquímico dejó de utilizarse en el cine convencional.

Actualmente, las cámaras de cine digital han cambiado todo el proceso del
cine.Las cámaras profesionales de cine como la Arri Alexa almacenan la
información en archivos RAW. De esta forma, obtienen un amplio rango
dinámico. Posteriormente, se hace el revelado digital en software de
corrección de color como Davinci Resolve.Para los que no podemos rodar
con estas cámaras, hay opciones más baratas que intentan acercarse al
RAW.

Más barato aún es grabar en logarítmico con cámaras como la Sony A7III o
la Panasonic GH5, incluso hay modelos más económicos de estas mismas
marcas.Pero los modelos de gama media-baja de Canon, por ejemplo,
intentan emular la grabación en logarítmico con un perfil desarrollado
precisamente por Technicolor.Y ya en el último escalón, también si se opta
por hacer cine con un smartphone, existen apps que te permiten ampliar el
rango dinámico.
La connotación emocional de los colores y la teoría de Eva Heller
La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar
cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las
emociones que suscitan en nosotros dichos tonos.Hay ciertos aspectos
subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que olvidar que pueden
existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado entre culturas.Es
común hablar de colores cálidos, como el rojo, el amarillo o el naranja, que
pueden suscitar distintas reacciones, desde positivas (calidez) o negativas
(hostilidad y enfado). O, por contra, también solemos hablar de colores fríos,
como el verde o el azul, que suelen provocar una sensación de calma pero
también tristeza.

Eva Heller en Psicología del color: cómo actúan los colores sobre los
sentimientos y la razón (2008) recoge todo lo que necesitamos saber sobre la
idiosincrasia de los colores. Presenta trece colores principales y explica,
desde un punto de vista histórico y actual, con detalle sus asociaciones
psicológicas más comunes así como las más inesperadas:

El azul: A pesar de ser frío y distante, lo considera el color preferido, el de la

simpatía, la armonía y la fidelidad.
El rojo: Es el color de las pasiones y el que puede trasladarnos del amor al
odio en cuestión de segundos dependiendo del contexto. También es el color
del peligro.
El amarillo: El más contradictorio. Representa optimismo y diversión, pero
también celos y traición.
El verde: Simboliza la fertilidad y la esperanza pero también guarda una
connotación venenosa. Además, es el color de lo sagrado.
El negro: Es poder, violencia y muerte, así como negación y elegancia.
El blanco: Representa inocencia. Es la manifestación del “bien” y está
relacionado con el mundo de los espíritus.
El naranja: Es un color exótico, divertido y llamativo. Transmite sensación de
peligro y alerta.
El violeta: Heller diferencia entre violeta intenso y suave. El púrpura, el color
del poder, de la teología, la magia, el feminismo… y el malva, triste y
relajado.
El rosa: Es dulce, delicado, escandaloso y “cursi”. Probablemente, uno de los
colores más castigados en cuanto a estereotipos de género.
El oro: Simboliza el dinero, la felicidad, el lujo y la belleza.
El plata: Es un “gris ennoblecido” que también se usa para materializar el
dinero y la velocidad.
El marrón: Oscila entre la necedad, lo anticuado, feo y antipático y lo
acogedor y lo corriente.

El gris: Está asociado con lo anticuado, el aburrimiento y la crueldad. Es un

color desapacible y sin carácter que llama a la vejez.
Capítulo 2

Realización del cortometraje de ficción¨ Moscas que comen te amo¨

Sobre la etapa de preproducción

Esta etapa comenzó varias semanas antes del rodaje; se determinaron los
fundamentos estructurales del cortometraje y se tomaron decisiones acerca
de los apartados técnicos y artísticos. Se tomó el guión como el principal
punto de referencia; durante su desglose se consideraron los problemas y
sus posibles soluciones, también las técnicas a utilizar.Fue vital la
comunicación entre las partes implicadas para los cambios que
sucedieron en la realización de un proyecto como este.

El trabajo de producción tuvo que ser agenciado por el equipo formado por
tres personas; se asumieron los gastos de transportación para la visita a
locaciones y poder determinar las condiciones de iluminación, esclareciendo
que horarios serían los adecuados para la grabación. En esta fase se acordó
usar los colores naturales de cada escena, es decir, lo que aportaba la
locación. Desde el análisis previo, con una propuesta de guión presentada,
se definieron las claves cromáticas a utilizer.

Descripción del equipamiento fotográfico utilizado

Este cortometraje fue realizado con recursos que forman parte de la era
digital ya que se empleó una cámara fotográfica que tiene la posibilidad de
grabar videos, tecnología muy utilizada en estos años para la realización
audiovisual. Se operó una sola cámara, la Sony A7 II de formato completo
con capacidad de capturar video en formato de compresión MP4 con
resolución de 1080p a 29.97 fps.
Así, como la dirección de fotografía está definida en parte a la construcción
narrativa del cortometraje, al estar definido el tipo de montaje solo queda
plantear las cuestiones técnicas; de manera que el trabajo de cámara puede
resumirse en dos categorías diferentes, ya sea desde el trípode o cámara en
mano, cada una de las cuales, evidentemente, sirve para fines distintos.

Como tal la fotografía brinda una amplia gama de recursos en función

de la historia que se cuenta en esta obra. El uso de los planos medios y
primeros planos es recurrente en el trabajo de fotografía del proyecto,
de manera que se enfatizaran los detalles de los actores.Se utilizó la
cámara sobre un trípode para hacer una filmación estable en el caso de
los planos generales donde se observan ambos personajes,utilizados
para para contextualizar la escena y que el espectador sepa donde ocurren
los hechos.

El trípode es soporte de estabilización insustituible para cuando se

necesita una imagen fija y estable, pero la cámara sobre el trípode es
virtualmente inmóvil y está limitada,por lo que se hizo necesario en
ocasiones grabar con la cámara en mano, esto permitió hacer tomas muy
bajas e incluso a ras de suelo, logrando así sensación de inmersión en la
obra, e inestabilidad.

Se utilizó cámara en mano para hacer los planos detalle de la cuchara

entrando a la boca, y el plano del muchacho comiendo y de su mirada con
odio hacia la muchacha, utilizados para hacer énfasis en el dramatismo de
los personajes, mostrar las emociones y generar intimidad, olvidándonos del
entorno del sujeto.Igual sucedió con el plano entero donde la actriz está
sentada en el suelo, resaltando así la figura de esta por encima de los
demás elementos que formaron parte de la escena.
Iluminación

La iluminación para cine se refiere a la técnica de iluminar una escena para

crear un ambiente o transmitir una emoción específica al espectador. Es una
herramienta fundamental para contar una historia a través de la
pantalla.Puede utilizarse para crear diferentes ambientes, transmitir
emociones y resaltar elementos importantes de la escena.La iluminación se
planteó el uso de la disponible en la locación y también se utilizó una
pequeña lámpara LED como luz principal en algunos planos, para
compensar.

Posproducción

El color grading es un proceso clave en la producción de vídeo y cine, ya que

permite manipular el color y la tonalidad para crear una estética visual
específica. Algunas herramientas y técnicas que debes conocer incluyen el
uso de curvas de color, el ajuste de la temperatura de color, la corrección
selectiva de color y la gradación de color en capas. Los colores tienen un
fuerte impacto emocional en nuestras mentes y nos evocan todo tipo de
sensaciones. Debido a ello, el colorista digital tiene la oportunidad de emplear
estas posibilidades expresivas e influir de una determinada manera en cómo
percibimos la realidad que tenemos delante.De esta forma, el profesional
experto en color se encarga de lograr un acabado de imagen que refuerce la
idea que se quiere transmitir y ayudar a sumergirnos en la historia. Se trata
del último eslabón de la cadena de producción.

Definición de Filtros de cine

Los filtros o look de cine, son filtros que se aplican a toda la imagen con el fin
de expresar algún sentimiento o estado de ánimo en concreto, forman parte
de la narrativa y lo que hacen es reforzar a los actores y a los escenario que
se presentan en las producciones.

Estos filtros se aplican en la fase de postproducción, en concreto en la fase

de etalonaje, la última parte de la que toman parte los coloristas dirigidos por
el director de fotografía, acompañados o supervisados siempre del
director.En este momento se aplica la correccion de color y despues de ver la
saturacion, luminosidad, contraste y otros parámetros, empiezan a aplicarse
filtros según convenga, en muchas películas no se aplican filtros exagerados,
pero en otras si, dependiendo del énfasis que queremos dar y de las escenas
que nos encontremos.

Al color gris se le ha dado un simbolismo muy neutro, a pesar de ser

conocido como un color negativo en ciertos aspectos de nuestras vidas.Se
empleó para transmitirle al espectador una sensación de monotonía,
representa la vida aburrida de la muchacha, viene siendo el color del
conformismo o de la adaptación, de allí que, bajo esta premisa se le relacione
con la falta de personalidad. Este color también es concebido como el color
de la mediocridad, pero también de la conciliación y la imparcialidad. Es
considerado un color carente de emocionalidad y pasión. También
es asociado con sentimientos turbios y sombríos, como de inquietud,
preocupación, dramatismo y misterio.
De la gama de los colores cálidos, el naranja es un color de claras
connotaciones positivas. Símbolo de entusiasmo y exaltación, cuenta entre
sus cualidades con un poder estimulante y energético pero sin llegar a los
extremos del rojo, siendo por tanto también adecuado para personas tímidas,
tristes o linfáticas, pues tiende a levantar el ánimo. Como cualidades
negativas en cambio puede asociarse a lo superficial, a lo infantil y, en
algunos casos, a la alerta o peligro, por lo que se utilizó para transmitir esta
sensación.Además, mezclado con el negro, sugiere engaño, conspiración e
intolerancia, y cuando es muy oscuro , opresión.
 Conclusiones

Este trabajo final ha permitido mostrar valores artísticos enfocando la

labor del director de fotografía para llegar a un resultado capaz de
transmitir a través de las imágenes elementos indispensables en la
historia narrada.Las limitaciones de recursos no constituyen un
fundamento para dejar de hacer audiovisuales, contextualizarse y conocer
la historia que se quiere contar, si es fundamental para determinar una
buena propuesta fotográfica en la construcción de símbolos que
enriquezcan la producción audiovisual. Las técnicas de la fotografía
permiten al espectador una mayor percepción y asimilación del
objetivo o propósito del realizador, independientemente de la
subjetividad inherente a toda obra artística, por lo que las metáforas
visuales constituyen un recurso narrativo eficaz.Podemos decir que
el color es una herramienta muy potente para expresar acciones, lugares,
enfatizar o crear estereotipos y que el color en si sirve para la
escenografia, el acting, la ropa, etc, y los filtros sirven para enfatizar
lugares en los que nos encontramos o situaciones en la que queremos
que los personajes se muevan.
Bibliografía

Denevi, Rodolfo. (2004). Introducción a la cinematografía: Ed. Buenos

Aires. Sindicato de la Industria Cinematográfica.

Heller, Eva. (2020). Psicología del color: como actúan los colores sobre
los sentimientos y la razón. Ed. Gustavo Hill.

Sony a7 II (2014) Manual de usuario

https://3ddragons.com/equipos-y-accesorios-para-produccion-audiovisual/
iluminacion-para-cine-todo-lo-que-necesitas-saber

Referentes audiovisuales

Intolerancia(1916)

El gabinete del doctor Caligari (1920)

Nosferatu (1922)