Presentado por:

Samanta Karina Manayay Paredes

Edición y diseño:
Guianella Rojas
 Jacques Louis David
(1748/08/30 - 1825/12/29)

Jacques-Louis David (París, 30

de agosto de 1748-Bruselas,
29 de diciembre de 1825) fue
un pintor francés de gran
influencia en el estilo
neoclásico. Buscó la inspiración
en los modelos escultóricos y
mitológicos griegos, basándose
en su austeridad y severidad,
algo que concordaba con el
clima moral de los últimos años
del antiguo régimen.

Más tarde David llegó a ser un activo participante en la

Revolución francesa, en el 1789, así como amigo de
Maximilien de Robespierre; en realidad fue el líder de las
artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída
de Robespierre del poder, más tarde se alineó con la llegada
de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en
esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por
el uso de colores cálidos al estilo veneciano.
 Jacques-Louis David nació en el
seno de una próspera familia en
París, el 30 de agosto de 1748.
Cuando David tenía nueve años,
su padre fue muerto en un duelo y
su madre lo dejó bajo el cuidado
de sus tíos François Buron y
Jacques-François Desmaisons,
que eran unos prósperos
arquitectos. Ellos se aseguraron
de que recibiera una excelente
educación en el Colegio de las
Cuatro Naciones, pero Jacques-
Retrato de David hecho por
Louis David no fue nunca un buen
Antoine-Jean Gros, 1790. Museo estudiante, durante las clases
Pushkin, Moscú. cubría sus libros con dibujos.

Pronto manifestó que quería ser pintor, pero el deseo de su

madre y sus tíos era que fuera arquitecto.
Finalmente venció los recelos de sus familiares y fue al taller de
François Boucher, máxima figura de la época, así como
pariente lejano de David Boucher, en sus inicios pintor Rococó,
se encontraba en un periodo más clásico de su pintura.
Boucher decidió que, en vez de enseñar personalmente a
David, ponerle bajo el tutelaje de su amigo Joseph-Marie Vien,
que había adoptado gustos clásicos frente al rococó imperante.
Allí David asistió a la Real Academia de Pintura y Escultura,
situada en lo que hoy es el Louvre.​
David intentó ganar el Premio de Roma, cuatro veces entre
1770 y 1774, que consistía en una beca para una estancia
de cuatro años en la Academia Francesa en Roma. Una de
ellas, de acuerdo a la leyenda, lo perdió porque no había
consultado a Vien, uno de los jueces que otorgaba el
premio. Otra, porque algunos estudiantes habían estado
compitiendo durante años y Vien pensó que la educación
de David podía esperar, no así la de esos otros pintores.
En protesta, David se puso en huelga de hambre. Al quinto
intento, David lo gana finalmente en 1774. Lo más usual en
este caso era que David hubiera asistido a otra academia
antes de ir a la Academia en Roma, pero la influencia de
Vien le permitió ir directamente allí en 1775, cuando Vien
fue nombrado director de la Academia de Francia en
Roma.
Ya en Italia, David pudo acceder de primera mano a las
obras maestras y a las ruinas de la antigua Roma. David
llenó multitud de cuadernos con numeroso material que
utilizaría durante el resto de su vida. Se reunió con el
influyente pintor neoclásico Rafael Mengs. A través de él,
se introdujo en las teorías pioneras del historiador de arte
Johann Joachim Winckelmann. Durante su estancia en
Roma, estudió a los grandes maestros, siendo su preferido
Rafael. En 1779, David pudo visitar las ruinas de Pompeya,
donde quedó impresionado acompañado por el escultor
François Marie Suzanne.
Primeras obras

Los compañeros de David en la Academia encontraron

difícil relacionarse con él, pero reconocieron su genio.
Permitieron a David que se quedara en la Academia
Francesa en Roma durante un año más, pero después de
cinco años en Roma, regresó a París. Allí, encontró quien
influyera a su favor, y lo hicieron miembro de la Academia
Real. Envió a la academia dos pinturas, incluyéndose
ambas en el Salón de 1781, un gran honor. Fue alabado
por pintores contemporáneos, pero la administración de la
Academia Real era hostil a esta estrella naciente.

Después del salón, el rey le autorizó a alojarse en el

Louvre, un privilegio antiguo y muy deseado de los grandes
artistas. Cuando el contratista de los edificios reales, M.
Pecol, estaba haciendo los oportunos arreglos con David,
le pidió que se casara con su hija, Marguerite Charlotte.
Este matrimonio proporcionó a David dinero y, con el
tiempo, cuatro hijos. David tenía alumnos propios, entre 40
y 50, y el gobierno le encargó que pintase Horacio
defendido por su padre, pero David pronto decidió: «Sólo
en Roma puedo pintar romanos». Su suegro le proporcionó
el dinero que necesitaba para el viaje, y David marchó a
Roma con su esposa y tres de sus estudiantes, uno de los
cuales, Jean-Germain Drouais, era el ganador del Premio
de Roma de ese año.
En Roma, David pintó su
famoso Juramento de los
Horacios. Los temas y
motivos se reiterarían en
obras posteriores como El
juramento del Juego de
Pelota y la Distribución de las
águilas.
Juramento de los Horacios de 1784.

Mientras que en el Juramento de los Horacios y El juramento

del Juego de Pelota se enfatiza la importancia del autosacrificio
masculino por el propio país y por patriotismo, la Distribución
de las águilas hablaría del autosacrificio por el emperador
(Napoleón) y la importancia de la gloria obtenida en el campo
de batalla.

En 1787, David no se convirtió en el director de la Academia

Francesa en Roma, una posición que deseaba ardientemente.
El conde encargado del nombramiento dijo que David era
demasiado joven, pero afirmó que le apoyaría dentro de 6 a 12
años. Esta situación sería una de las muchas que hicieron que
arremetiera contra la Academia en años futuros.
Para el salón de 1787, David exhibió
su famosa Muerte de Sócrates.
«Condenado a muerte, Sócrates,
fuerte, calmado y en paz, discute la
inmortalidad del alma.
Rodeado por Critón, sus amigos
lamentándose y estudiantes, está
La muerte de Sócrates 1787
enseñando, filosofando, y de hecho,
agradeciendo al Dios de la Salud, Asclepio, por la infusión de
cicuta que le aseguraría una muerte pacífica… La esposa de
Sócrates puede verse lamentándose sola fuera de la habitación,
despedida por su debilidad. Platón (que no estaba presente
cuando murió Sócrates) está representado como un anciano
sentado al final de la cama.» Los críticos compararon el Sócrates
con la bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y las Estancias
de Rafael, y uno, después de diez visitas al Salón, lo describió
como «perfecto en todos los sentidos». Denis Diderot dijo que
parecía que lo había copiado de algún antiguo bajorrelieve. La
pintura estaba muy en la ola del clima político de la época.
Como siguiente pintura, David ejecutó
Los lictores llevan a Bruto los cuerpos de
sus hijos. La obra resultaba muy
atractiva para la época. Antes de la
apertura del Salón, había comenzado la
Revolución francesa. Se había
establecido la Asamblea Nacional y
había caído la Bastilla. La corte real no
Los lictores llevan a Bruto los quería propaganda agitando al pueblo,
cuerpos de sus hijos, 1789,
óleo sobre lienzo, 323 x 422 así que había que comprobar todas las
cm, Museo del Louvre, París. obras antes de que se colgaran.
Algunos retratos de gente famosa se prohibieron, como el de un
químico que resultaba ser miembro de un partido que no gozaba
de favor. Cuando los periódicos relataron que el gobierno no
había permitido que se mostrara Los lictores llevan a Bruto los
cuerpos de sus hijos, el pueblo se encolerizó, y los realistas
cedieron. El cuadro se colgó en la exposición, protegido por
estudiantes de arte. La pintura representa a Lucio Junio Bruto, el
líder romano, lamentándose por sus hijos. Los hijos de Bruto
habían intentado derrocar al gobierno y restaurar la monarquía,
así que el padre ordenó su muerte para mantener la república.
Así, Bruto resultaba ser el heroico defensor de la república,
aunque le costase su propia familia. A la derecha, la madre
sostiene a sus dos hijas, y la abuela se ve en el extremo
derecho, angustiada. Bruto se sienta a la izquierda, solo,
melancólico, pero sabiendo que lo que ha hecho es lo mejor para
su país. Toda la pintura era un símbolo republicano, y
obviamente tuvo un inmenso significado en estos tiempos en
Francia.

La Revolución
Al comienzo, David apoyó la Revolución, siendo amigo de
Robespierre y miembro del club jacobino. Mientras otros
abandonaban el país en busca de nuevas y mejores
oportunidades, David se quedó para ayudar a destruir el viejo
orden; votó en la Asamblea Nacional a favor de la ejecución de
Luis VXI. No es seguro por qué lo hizo, pues había más
oportunidades para él bajo un rey que con el nuevo orden;
algunos sugieren que el amor de David por lo clásico le hizo
abrazar todo lo de aquel periodo, incluido un gobierno
republicano.
Otros creen que la clave de la carrera revolucionaria del artista
está en su personalidad. Indudablemente, la sensibilidad artística
de David, su temperamento voluble, emociones volátiles,
ardiente entusiasmo y fiera independencia le ayudarían a
volverse contra el orden establecido, pero no explican con
plenitud la devoción que sintió hacia el régimen republicano. Ni lo
hacen las vagas afirmaciones de aquellos que insisten en su
«poderosa ambición... e inusual energía de voluntad» realmente
justifican sus conexiones revolucionarias.

Aquellos que lo conocieron sostienen que fue su «generoso

ardor», alto idealismo y benevolente, aunque a veces fanático,
entusiasmo más que el egoísmo y los celos, los que motivaron
sus actividades durante este periodo.

Pronto, David volvió sus lamentos críticos hacia la Academia

Real de Pintura y Escultura. Este ataque fue probablemente
causado ante todo por la hipocresía de la organización y su
oposición personal contra su obra, como pudo verse en
momentos anteriores de la vida de David. La Academia Real
estaba llena de realistas, y el intento de David de reformarla no
sentó bien a los miembros. Sin embargo, la suerte estaba
echada contra este símbolo del antiguo régimen, y la Asamblea
Nacional ordenó que hiciera cambios para acomodarse a la
nueva constitución.

David comenzó entonces a trabajar en algo que más tarde le

perseguiría: propaganda para la nueva república. La pintura de
David de Bruto se mostró durante la obra Bruto de Voltaire. El
público respondió con un alboroto de aprobación.
El 20 de junio de 1790 se celebró el aniversario del primer acto
de rebeldía contra el rey, El juramento del Juego de Pelota. Allí
estaba David. Esperando conmemorar el acontecimiento en una
pintura, los jacobinos, revolucionarios que acostumbraban a
reunirse en el monasterio jacobino, decidieron elegir al pintor
«cuyo genio anticipó la revolución». David aceptó, y comenzó a
trabajar en un lienzo colosal. La pintura nunca se terminó por
completo, debido a su inmenso tamaño (10,67 por 10,97 metros)
y porque algunas de las personas que debían aparecer
representadas desaparecieron durante el reinado del Terror.
Pero existen algunos dibujos acabados y partes del lienzo
original también se conservan, mostrando figuras desnudas con
cabezas totalmente pintadas.
Cuando Voltaire murió en 1778,
la Iglesia le negó un entierro
eclesiástico y su cuerpo fue
enterrado cerca de un
monasterio. Un año después,
los viejos amigos de Voltaire
comenzaron una campaña para
conseguir que su cuerpo fuera
El juramento del Juego de Pelota enterrado en el Panteón, ya que
(esbozos de 1791), Museo nacional del
castillo de Versalles. la propiedad de la Iglesia había
sido confiscada por el gobierno francés. En 1791 nombraron a
David para que presidiera el comité organizador de la ceremonia,
un desfile a través de las calles de París hasta el Panteón. A
pesar de la lluvia, y de la oposición de los conservadores
basándose en la cantidad de dinero que se iba a gastar en el
evento, la procesión se celebró.
Hasta 100 000 personas vieron cómo llevaban al «Padre de la
Revolución» a su lugar de descanso. . Fue la primera de las
muchas fiestas que David organizó para la república. Siguió
organizando celebraciones para los mártires que murieron
combatiendo a los realistas. Estos funerales recordaban las
fiestas religiosas de los paganos griegos y romanos y muchos los
vieron como saturnales. En 1791, el rey intentó abandonar el
país, pero estando a menos de 50 km de la frontera austriaca fue
arrestado. Luis XVI había hecho peticiones secretas al
emperador José II de Austria, hermano de María Antonieta, para
que lo repusiera en el trono.

Esto se le concedió, y Austria amenazó a Francia en el caso de

que la pareja real resultara herida. Como reacción, el pueblo
arrestó al rey. Cuando la nueva Convención Nacional tuvo su
primera reunión, David estaba sentado con sus amigos Jean-
Paul Marat y Robespierre. En la convención, David pronto se
ganó el mote de «feroz terrorista». Robespierre exigió la muerte
del rey. La Convención Nacional enjuició al rey Luis XVI y David
votó a favor de la muerte del rey. La mujer de David, que era
realista, se divorció de él por este motivo. Cuando Luis XVI fue
ejecutado el 21 de enero de 1793, había muerto ya otro hombre
—Louis Michel Le Peletier de Saint-Fargeau—. Le Peletier fue
asesinado el día anterior por un guardaespaldas realista, como
venganza por haber votado a favor de la muerte del Rey. David
fue el encargado de organizar el funeral, y pintó Le Peletier
asesinado. En este cuadro se ve la espada del asesino colgada
por una sola hebra de crin de caballo sobre el cuerpo de Le
Peletier, un concepto inspirado por la proverbial espada de
Damocles, que ilustraba la inseguridad del poder y la posición.
Esto subrayaba el valor de Le Peletier y sus compañeros en
relación con el rey opresor. La espada atraviesa un trozo de
papel sobre el que está escrito «Yo voto la muerte del tirano», y
como tributo, en el extremo derecho del cuadro, David colocó la
inscripción «David a Le Peletier. 20 de enero de 1793». El
cuadro fue más tarde destruido por la hija realista de Le Peletier,
y sólo se conoce por un dibujo, un grabado, y descripciones
contemporáneas. No obstante, esta obra fue importante en la
carrera de David, porque fue la primera pintura acabada de la
Revolución francesa, hecha en menos de tres meses, y una obra
a través de la cual él inició el proceso de regeneración que
continuaría con La muerte de Marat.

Marat, periodista y parlamentario

revolucionario, uno de los
principales impulsores del Terror y
amigo de David, fue asesinado el
13 de julio de 1793 por Carlota
Corday. David de nuevo organizó
un funeral espectacular, y Marat
fue enterrado en el Panteón.

Como había muerto en una

bañera, David quería que su
cuerpo estuviera sumergido en la
La muerte de Marat (1793) bañera durante la procesión
funeraria, pero el cuerpo había
empezado a pudrirse.
En lugar de sumergirlo, el cuerpo de Marat fue periódicamente
rociado con agua cuando la gente iba a ver su cadáver, lleno de
heridas enormes. La muerte de Marat quizá sea la obra de David
más conocida. Al presentar la pintura a la Convención, dijo:
«Ciudadanos, el pueblo llamaba de nuevo a su amigo; su voz
desolada fue oída: David, coge tus pinceles..., venga a Marat...
Oí la voz del pueblo. Obedecí.» David tuvo que trabajar con
rapidez, pero el resultado fue una imagen simple y poderosa.

Después de ejecutar al rey, estalló la guerra entre la nueva

república y virtualmente todas las grandes potencias de Europa,
y las guerras en las que Francia tuvo que luchar marcharon mal.
El Comité de Salud Pública estaba encabezado por Robespierre.
El comité era severo: María Antonieta fue condenada a la
guillotina, acontecimiento consignado en un famoso dibujo de
David. Durante el reinado del Terror, David organizó su última
celebración: el festival del Ser Supremo. Robespierre se había
dado cuenta de la extraordinaria herramienta propagandística
que eran estas manifestaciones revolucionarias, y decidió crear
una nueva religión, mezclando ideas morales con la república,
basándose en ideas de Rousseau, con Robespierre como el
nuevo sumo sacerdote.

Se adoctrinaría a través de estas conmemoraciones, llamadas

fêtes. El día señalado, 20 de pradial (por el nuevo calendario
republicano francés, Robespierre pronunció un discurso,
descendió unos escalones y, con una antorcha que le entregó
David, incineró una imagen sobre cartón simbolizando el
ateísmo, revelando una imagen de la sabiduría debajo de él. La
festividad apresuró la caída del «Incorruptible».
Pronto, la guerra comenzó a ir bien; tropas francesas marcharon
a través de Bélgica, y ya no existía la urgencia que había
justificado la creación del Comité de Salud Pública. Entonces, los
conspiradores arrestaron a Robespierre en la Convención
Nacional y lo guillotinaron, acabando así con el reinado del terror
en el que fueron ejecutadas miles de personas. Durante su
arresto, David gritó a su amigo «si bebes cicuta, yo la beberé
contigo». Después de esto, se supone que cayó enfermo, y no
acudió a la sesión de tarde, debido a un «dolor de estómago», lo
que le salvó de ser guillotinado junto a Robespierre.

Directorio
La muerte de Robespierre puso fin
al periodo de terror y se entró en la
última fase de la Revolución
francesa: el Directorio, cuyas
autoridades ordenaron el arresto y
encarcelamiento de David. El rapto de las sabinas, 1799, óleo
sobre lienzo, 385 x 522 cm,
Museo del Louvre, París.

Estando en la cárcel, David pintó su autorretrato, más joven de lo

que realmente era. Retrató igualmente a su carcelero. Después
de que su mujer lo visitara en prisión, David concibió la idea de
relatar la historia de las sabinas. Se dice que El rapto de las
sabinas (acabado en 1799), que en realidad representa un
momento posterior: la paz al interponerse las sabinas entre los
combatientes, se pintó en honor a su esposa, siendo el tema de
la obra el amor que prevalece sobre el conflicto. La pintura
también fue vista como un ruego a la gente para que se unieran
de nuevo después de la fase sangrienta de la Revolución.
Esta obra también hizo que atrajera la atención de Napoleón.
Durante esta época, los mártires de la revolución fueron sacados
del Panteón y enterrados en terreno común, y se destruyeron
estatuas revolucionarias. Cuando David fue finalmente liberado,
el país había cambiado. Su esposa consiguió que le sacaran de
prisión, y él escribió cartas a su anterior esposa, y le dijo que
nunca había dejado de quererla. Se volvió a casar con ella en
1796. Finalmente, completamente restaurado en su posición,
cogió de nuevo alumnos y se retiró de la política.
Napoleón

En una de las grandes coincidencias de

la historia, la íntima asociación de David
con el Comité de Salud Pública durante
el Terror dio como resultado que firmara
la muerte de un tal Alexandre de
Beauharnais, un pequeño noble.

La viuda de Beauharnais, Rose-Marie

Josephe de Tascher de Beauharnais Napoleón cruzando los
sería más tarde conocida mundialmente Alpes (1801)

como Josefina Bonaparte, emperatriz de los Franceses. Fue su

coronación por su marido, Napoleón I, la que David representó
tan memorablemente en la Coronación de Napoleón y Josefina,
2 de diciembre de 1804.

David había admirado a Napoleón desde su primer encuentro,

impresionado por los rasgos clásicos del por entonces General
Bonaparte. Pidiendo que el ocupado e impaciente general
posara para él, David fue capaz de obtener un esbozo de
Napoleón en 1797.
David documentó el rostro del conquistador de Italia, pero la
composición completa del general Bonaparte sosteniendo el
tratado de paz con Austria quedó sin acabar. Napoleón tenía a
David en alta estima, y le pidió que lo acompañase a Egipto en
1798, pero David rechazó la proposición, sosteniendo que era
demasiado viejo para aventuras y en su lugar envió a su
estudiante, Antoine-Jean Gros.
Después del exitoso golpe de Estado de Napoleón en 1799,
como primer cónsul encargó a David que conmemorara su
audaz cruce de los Alpes. El paso del San Bernardo le permitió a
los franceses sorprender al ejército austriaco y obtener la victoria
en la batalla de Marengo el 14 de junio de 1800. Aunque
Napoleón había cruzado los Alpes sobre una mula, pidió que se
le retratara «sereno sobre un fiero caballo». David cumplió con el
Retrato ecuestre de Bonaparte en el monte San Bernardo.
Después de la proclamación del Imperio en 1804, David se
convirtió en el pintor de corte oficial del régimen.

La consagración de Napoleón y la coronación de

Josefina (1806)
Una de las obras que encargaron a David fue La coronación de
Napoleón en Notre Dame. A David le permitieron ver el
acontecimiento. Hizo que le llevaran planos de Notre Dame y los
partícipes en la coronación acudieron a su estudio para posar
individualmente, aunque nunca el emperador (la única vez que
David obtuvo un posado de él fue 1797). David consiguió que
posasen privadamente para él la emperatriz Josefina y la
hermana de Napoleón, Carolina Murat, a través de la
intervención del anteriormente patrón de las artes, Mariscal
Joaquín Murat, el cuñado del emperador. Para el fondo, David
representó el presbiterio de Notre Dame repleto de personajes.
El papa posó para la pintura, y de hecho bendijo a David.
Napoléon acudió a ver al pintor, se quedó mirando fijamente el
lienzo durante una hora y dijo «David, te rindo homenaje». David
tuvo que rehacer varias partes de la pintura debido a varios
caprichos de Napoleón, y por esta pintura, David recibió sólo 24
000 francos.

Exilio
Después de que los Borbones regresaran al poder, David se
encontró en la lista de proscritos por revolucionarios y
bonapartistas, pues había votado a favor de la ejecución de Luis
XVI y probablemente tuvo algo que ver con la muerte de Luis
XVII. El nuevo rey Borbón, Luis XVIII, sin embargo, le amnistió e
incluso le ofreció un cargo como pintor de corte. David rechazó
su oferta, prefiriendo en lugar de ello exiliarse en Bruselas,
Bélgica. Allí, pintó Amor y Psique (1817) y vivió hasta sus últimos
días tranquilamente con su esposa, con la que se había vuelto a
casar. Durante este tiempo, se dedicó principalmente a cuadros
a escala menor de escenas mitológicas y retratos de bruselenses
y emigrados napoleónicos, como El general Gérard (1816).
Su última gran obra, Marte desarmado por Venus y las Gracias
lo empezó en 1822 y lo acabó el año anterior a su muerte.

«David quería superarse una vez más. En diciembre de 1823,

escribió:

Esta es la última pintura que deseo pintar, pero quiero superarme

en ella. Pondré el dato de mis 75 años en ella y después nunca
volveré a coger el pincel.
El tema se tomó de la mitología griega... David fue fiel a la
leyenda... El colorido es traslúcido y perlado, como una pintura
sobre porcelana».

La pintura se mostró primero en Bruselas y luego fue enviada a

París, donde los que habían sido alumnos de David acudieron en
gran número a ver la pintura. Los expositores lograron un
beneficio neto de 13 000 francos, lo que significa que hubo más
de 10 000 visitantes, un número muy elevado para la época.

Cuando David salía del teatro, fue golpeado por un carruaje y

murió más tarde de deformaciones en el corazón,6​ el 29 de
diciembre de 1825. Después de su muerte, algunos de sus
retratos se vendieron en subasta en París, por precios muy
bajos. Su famoso lienzo de Marat se mostraba en una sala
especial retirada, para no enfurecer al público. No se permitió
que el cuerpo de David regresara a Francia, a pesar de las
peticiones de su familia, por la intervención que David tuvo en la
ejecución de Luis XVI y por lo tanto fue enterrado en Bruselas,
pero su corazón fue llevado a Père Lachaise, París.
Datos curiosos de Jacques Luis David

Las primeras pinturas del artista son "La batalla de Marte

con Minerva", "Antíoco, el hijo de Seleuco" y "Belisario".
Curiosamente, David se casó con su única esposa dos
veces. Durante los movimientos revolucionarios, la dejó,
pero cuando la revolución pasó, Jacques se volvió a casar
con ella.
Soñaba con obtener una beca romana para estudiar gratis
en Roma. Jacques Louis intentó cuatro veces ganar la
competencia de becas. Después de otra pérdida, decide
suicidarse por inanición. Pero en 1775, el artista todavía
ganó y se fue a Italia.
Jacques Louis David fue el único pintor de la corte de
Napoleón, que registró los acontecimientos de la vida de
Bonaparte en el lienzo.
El artista fue el fundador del clasicismo revolucionario y
presentó un tipo de artista completamente nuevo. Este es
un luchador que, con sus lienzos, fomenta la lealtad de los
jóvenes al deber, las altas cualidades morales, el
heroísmo.
La fama de David como artista fue traída por una pintura
llamada "El juramento de Horacio".
Era fanático de Correggio y Raphael.
Le encantaba escuchar música y asistir a los teatros.
Después de la siguiente actuación, regresó a casa por la
noche. Y fue golpeado por un carro. El artista fue llevado a
casa en estado grave, pero después de las heridas murió
el 29 de diciembre de 1825.
 Belisario pidiendo
limosna
1781, Palacio de
Bellas Artes de Lille,
Francia
 Juramento de los
Horacios
1784, Louvre, París
 Muerte de
Sócrates
1787, Museo
Metropolitano de
Arte, Nueva York
 Retrato de
Levoisier y su
esposa
1788, Museo
Metropolitano de
Arte, Nueva York
 Napoleón cruzando
los Alpes por el paso
de San Bernardo
1800, Castillo de
Malmaison, Rueil-
Malmaison, cerca de
París
La coronación de
Napoleón y
Josefina en Notre
Dame
1807 - Louvre,
París
 Jean-François Millet
(1814/10/03 – 1875/01/20)

Jean-François Millet (Gruchy, Gréville-

Hague; 4 de octubre de 1814 -
Barbizon, Sena y Marne; 20 de enero
de 1875) fue un pintor francés realista
que nació en una familia campesina.
Se preparó con un pintor local de
Cherburgo y luego estudió en París en
1837 con Delaroche.

Influido por Daumier, trabajó un estilo pastoral con toques

socialistas que siguió desarrollando en el pueblo de Barbizon,
en el bosque de Fontainebleau, donde se instaló en 1849 con
Theodore Rousseau, Narcisse Díaz y otros. Los miembros de
este grupo, conocido como la Escuela de Barbizon e influidos
por Corot, los paisajistas holandeses del siglo xvii y
Constable, fueron los precursores del impresionismo. Se
destaca por sus escenas de granjeros, donde quiere expresar
la inocencia del hombre campesino en contraposición a la
degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la
sociedad industrial. Se le incluye en los movimientos realista y
naturalista. Murió en Barbizon en 1875.
Juventud desde 1830-1840

Millet fue el pintor francés realista primogénito de Jean-Louis-

Nicolas y Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, miembros de
la comunidad campesina en la aldea de Gruchy, municipio de
Gréville-Hague, Normandía.​Bajo la guía de dos sacerdotes de
aldea, Millet aprendió latín y los autores modernos, antes de
que lo enviaran a Cherburgo en 1833 para estudiar con un
retratista llamado Paul Dumouchel.

Para el año 1835 estudiaba a tiempo completo con Lucien-

Théophile Langlois, un pupilo del barón Gros, en Cherburgo.
Langlois y otros lo apoyaron económicamente para que pudiera
trasladarse a París en 1837, donde estudió en la École des
Beaux-Arts con Paul Delaroche. En 1839 acabó su aprendizaje
y lo primero que presentó al Salón fue rechazado.

Vida parisiense

En 1837, una bolsa de estudios permitió a Millet trasladarse a

París donde asistió a la escuela de Bellas Artes. Allí
perfeccionó sus conocimientos en el taller del pintor historia
Paul Delaroche. Más adelante estableció amistad con Constant
Troyon, Narcisse Díaz, Charles Jacque, y Théodore Rousseau,
artistas que, como Millet, serían relacionados con la escuela de
Barbizon; todos ellos le ayudaron y tuvieron un papel
determinante en la decisión de abandonar definitivamente
aquella ciudad "lúgubre y caótica" según sus propias palabras,
que nunca le había agradado; aparte de sus costumbres
campesinas y su carácter rudo, no congeniaba con el tipo de
vida parisiense y regresa a Cherburgo para comenzar una
carrera como retratista. Después de 1840 se alejó del estilo de
pintura oficial y cayó bajo la influencia de Honoré Daumier,
cuyo dibujo de figuras influiría en las posteriores
representaciones que Millet hizo de sujetos campesinos, de
quienes aprendió el sentido del contraste de luces y sombras,
así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad
de volúmenes; y Alfred Sensier, un burócrata gubernamental
que se convertiría en un defensor de por vida, y con el tiempo,
el biógrafo del artista.​ En 1847 obtuvo su primer éxito en el
Salón, con el cuadro Edipo bajado del árbol, y en 1848 el
gobierno compró su Ahechador.

Su conocido comienzo fue El aventador (1848). En la década

de 1850 observa a los labradores en los años democráticos de
la Segunda República y es de una melancólica gravedad y,
sobre todo, de denuncia social (Los parias, 1846-1850; El
sembrador, 1850; Mujeres cargando leña, 1851), e incluso en
obras más tardías como El Hombre de la azada (1859-1862).
Este énfasis en señalar el "esteticismo sentimental de sus
resignados trabajadores de la tierra", dio lugar a frecuentes
rechazos de sus obras, que debería revisarse de acuerdo con
Novonty, e intentar mantener un equilibrio correcto en la
valoración de su arte.
 En 1841 se casó con
Pauline-Virginie Ono, y se
trasladaron a París.
Después de ser rechazado
en el Salón de 1843 y de
que Pauline muriera por
Tuberculosis, Millet volvió
de nuevo a Cherburgo.​
La esposa del autor. Jean-François
Millet.

En 1845 Millet se trasladó a El

Havre con Catherine Lemaire,
con la que se casaría en una
ceremonia civil en 1853; tendrían
nueve hijos, y seguirían juntos
durante el resto de la vida de
Millet.​En El Havre pintó retratos y
pequeñas piezas de género
durante varios meses, antes de
regresar a París.

La cautividad de los judíos en

Babilonia, el trabajo más
ambicioso de Millet hasta la El aventador, 1848, Museo del
Louvre.
fecha, fue expuesto en el Salón
de 1848, pero se burlaron de él
tanto los críticos como el público.
La pintura al final desapareció poco después, lo que lleva a
los historiadores a creer que Millet la destruyó. En 1984,
científicos del Museo de Bellas Artes en Boston radiografiaron
la pintura de Millet del año 1870 titulada "La joven pastora"
buscando pequeños cambios, y descubrieron que fue pintada
sobre: La cautividad de los judíos en Babilonia. Actualmente
se cree que Millet reutilizó el lienzo cuando los materiales
escasearon debido a la Guerra Franco-Prusiana.
Escuela de Barbizon

Término con el que se

denominaba a un grupo de
pintores que en torno a 1818 se
agrupan en el pueblo francés del
mismo nombre y sus
alrededores cerca del bosque de
Fontainebleau. También se
conoce como Escuela de
Fontainebleau y su producción
está considerada como la más
vigorosa corriente paisajística de El sembrador, 1850. Museo de
Bellas Artes de Boston.
la Francia del siglo XIX.

Elabora con notable precisión una pintura al aire libre, bajo la

minuciosa observación de ambientes naturales y rechaza la
composición académica y neoclásica. De factura suelta, son
en su mayoría paisajes de llanuras, árboles y bosques.
Los pintores más representativos son Jean- Camille Corot,
aunque el organizador, dirigente del grupo y teórico es
Theodore Rousseau. Entre otras figuras que destacan cabe
señalar a Jules Dupré, con una obra caracterizada por el
empleo sombrío de la luz, y a Jean Francois Millet, auténtico
renovador por su temática peculiar, exaltadora del mundo
campesino y de los trabajadores rurales.

En 1849 Millet pintó Segadores, un encargo del Estado. En el

Salón de aquel año expuso Pastora sentada al borde del
bosque, un óleo muy pequeño que marcó su alejamiento de
los previos temas pastorales idealizados, en favor de un
enfoque más realista y personal.​ En junio de 1849 llegó a
Barbizon, con Catherine y sus hijos, entrando en el círculo de
la escuela que toma el nombre de esta localidad.

En 1850 Millet llegó a un acuerdo con Sensier, quien

proporcionó al artista materiales y dinero a cambio de dibujos
y pinturas, conservando Millet el derecho de seguir vendiendo
obras a otros compradores.​ En el Salón de ese año expuso
Labradores y El sembrador, su primera gran obra maestra y
la primera del icónico trío de pinturas que incluiría Las
espigadoras y El Ángelus.

Desde 1850 a 1853 Millet trabajó en Segadores descansando

(Rut y Boaz), una pintura que él consideraría la más
importante, y en la que más tiempo trabajó.
Concebida para rivalizar con sus héroes: Miguel Ángel y
Poussin, también era la pintura que marcó su transición
desde la representación de imaginería simbólica de la vida
campesina a aquella de las condiciones sociales
contemporáneas. Fue la única pintura a la que puso fecha, y
fue la primera obra que cosechó reconocimiento oficial, una
medalla de segunda clase en el Salón de 1853. Millet, poseía
un profundo sentido de la naturaleza, al igual que Théodore
Rousseau: la interpretaba (más que reflejarla sin más)
comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o los
senderos. Millet afirmaba sentir en la naturaleza más de lo
que los sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus
obras (El Ángelus y La muerte y el leñador) le aleja un tanto
del otro gran realista, Courbet, más áspero y rebelde.

El autor buscará retratar a la gente humilde y campesina en

un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural,
seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía
por tratar esto como tema central en su obra.

El aventador
Ante un dramático espacio interior, la figura del aventador
cribando el trigo con los pies calzados con unos anchos
zuecos y viejos paños, cual harapos, atados con un pedazo
de cuerda sobre el pantalón a fin de evitar su deterioro, sufre
como una imagen delatora aunque, como siempre en Millet,
sumisa de la pobreza y de la dura lucha cotidiana por la
supervivencia del humilde trabajador rural a sueldo.
Las espigadoras
Artículo principal: Las espigadoras

Esta es una de las pinturas más conocidas de Millet, Las

espigadoras (1857). Caminando por los campos alrededor de
Barbizon apareció un tema recurrente en el lápiz y pincel de
Millet durante siete años—el espigueo, el derecho secular de
las mujeres pobres y de los niños de llevarse el grano
abandonado en los campos, después de la cosecha.
Encontró que era un tema eterno, unido a historias del
Antiguo Testamento. En 1857, presentó la pintura Las
espigadoras en el Salón, con un público poco entusiasta,
incluso hostil.
(Versiones más tempranas
incluyen una composición
vertical pintada en 1854, un
aguafuerte de 1855-56 que
directamente presagiaba el
formato horizontal de la
pintura que actualmente se
encuentra en el Museo de
Las espigadoras, 1857. Museo de Orsay.​)
Orsay de París.

Una cálida luz dorada sugiere algo sagrado y eterno en esta

escena cotidiana en la que se desarrolla la lucha por la
supervivencia. Durante sus años de estudios preparatorios
Millet sopesó cómo transmitir mejor el sentido de repetición y
fatiga en las vidas diarias de los campesinos.
Las líneas trazadas sobre la espalda de cada mujer llevan al
suelo y luego se repiten en movimiento idéntico a su labor
interminable y agotadora. A lo largo del horizonte, el ocaso
perfila la granja con sus abundantes montones de grano, en
contraste con las largas figuras sombrías en el primer plano.
Los vestidos sencillos y oscuros de las espigadoras cortan
robustas formas contra el campo dorado, lo que da a cada
mujer una fuerza noble y monumental.

El Ángelus
La pintura fue un encargo
de Thomas Gold Appleton,
un coleccionista de arte
estadounidense que residía
en Boston, Massachusetts,
y quien previamente había
estudiado con el pintor de
Barbizon, Constant Troyon,
un amigo de Millet. Fue
terminado durante el verano
El Ángelus, 1857–59. Museo de Orsay
de París. de 1857.
Millet añadió un campanario y cambió el título primero de la
obra, Oración por la cosecha de patata por El Ángelus cuando
el comprador no lo recogió en 1859. Mostrada al público por
vez primera en 1865, la pintura cambió de manos varias
veces, incrementando su valor sólo modestamente, puesto
que algunos consideraban que el artista tenía sospechosas
simpatías políticas.
A la muerte de Millet una década después, una guerra de
ofertas estalló entre los Estados Unidos y Francia, acabando
unos años más tarde con un precio de 800 000 francos de
oro. La disparidad entre el valor aparente de la pintura y el
pobre estado de la familia superviviente de Millet fue un gran
impulso en el establecimiento del droit de suite, que pretendía
compensar a los artistas o sus herederos cuando sus obras
se revendían.​

El ángelus, de Jean Francois Millet, fue concebida como una

exaltación del trabajo campesino, libre del embrutecimiento
del proletariado de la época, y como un canto a la conciliación
del hombre con la naturaleza. En cuanto a composición,
obedece a un esquema sencillo: sobre un paisaje abierto, el
pintor sitúa a los dos personajes en primer término,
otorgándoles una presencia casi escultórica realzada por un
magistral trabajo sobre la luz que acentúa el modelado de
ambas figuras.

En 1935, Salvador Dalí tomó este cuadro como ejemplo de lo

que él llamaba ‘’método paranoico crítico’’. Según su
interpretación, comprensible dentro de un esquema
surrealista, los personajes no están rezando al Angelus, sino
enterrando a su hijo, cuyo cuerpo se halla en la cesta que
aparece en primer término. Su análisis aún iba más allá
cuando comparaba la figura femenina con una mantis
religiosa a punto de devorar al macho, que espera sumiso
ocultando su erección con el sombrero.
Últimos años

A pesar de que hubo

críticas diversas de las
pinturas que expuso en el
Salón, la reputación y el
éxito de Millet crecieron a
lo largo de la década de
Cazando pájaros de noche, 1874,
1860.
Museo de Arte de Filadelfia.
A comienzos de la década fue contratado para pintar 25 obras
a cambio de un estipendio mensual durante los siguientes tres
años, y en 1865 otro patrón, Émile Gavet, comenzó a
encargarle obras al pastel para una colección que alcanzaría
con el tiempo las 90 obras.​ En 1867 la Exposición Universal
albergó una gran muestra de su obra, con Las espigadoras, El
Ángelus y Plantadores de patata entre las pinturas expuestas.
Al año siguiente Frédéric Hartmann encargó Cuatro estaciones
por 25 000 francos, y Millet fue nombrado Caballero de la
Legión de Honor. En 1870 Millet fue elegido jurado del Salón.
Más tarde ese año, él y su familia huyeron de la Guerra
Franco-prusiana, trasladándose a Cherburgo y Gréville, y no
volvieron a Barbizon hasta finales de 1871. Sus últimos años
estuvieron marcados por el éxito financiero y creciente
reconocimiento oficial, pero fue incapaz de completar los
encargos gubernamentales debido a su situación de salud
delicada. El 3 de enero de 1875 se casó con Catherine en una
ceremonia religiosa. Millet murió el 20 de enero de 1875.
Legado

Millet fue una fuente

importante de inspiración
para Vincent van Gogh,
particularmente durante su
primer período. Millet y su
obra son mencionados
muchas veces en las cartas
Pajares, Otoño, 1874. Museo
de Vincent a su hermano
Metropolitano de Arte, Nueva York.
Theo.
Los paisajes tardíos de Millet servirían como puntos de
referencia influyentes para las pinturas que Claude Monet hizo
de la costa de Normandía; su contenido estructural y simbólico
influyeron a Georges Seurat también.

Millet es el principal protagonista de la obra de Mark Twain Is

He Dead? (1898), en la que es representado como un joven
artista malviviendo que simula estar muerto para lograr fama y
fortuna. La mayor parte de los detalles sobre Millet en la obra
son ficción.

La pintura de Millet L'homme à la houe inspiró el famoso

poema "The Man With the Hoe" (1898) de Edwin Markham.
El Ángelus fue reproducido frecuentemente en los siglos XIX y
XX. Salvador Dalí estaba fascinado por esta obra, y escribió un
análisis sobre ella, El mito trágico de El Ángelus de Millet.
Más que ver en la obra paz espiritual, Dalí creía que transmitía
mensajes de agresión sexual reprimida. Dalí también opinaba
que las dos figuras están rezando sobre la tumba de su niño
muerto, más que el Ángelus. Dalí insistió tanto en este hecho
que al final radiografiaron el lienzo, confirmando sus
sospechas: la pintura contiene una forma geométrica sobre la
que se pintó después, muy parecida a un ataúd.​Sin embargo,
no se sabe si Millet cambió de opinión sobre el significado de la
pintura, incluso si esa forma es realmente un ataúd.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Jean-
Fran%C3%A7ois_Millet
Datos curiosos de Jean Francois Millet

Creen que me convertiré al ‘arte de los salones’, pero no:

campesino nací y moriré campesino. Quiero pintar lo que
yo siento”. Jean-François Millet.
El Ángelus es uno de los cuadros más conocidos de toda
la historia. Y más allá de las interpretaciones posibles,
Millet mismo cuenta que lo ha pintado pensando en su
abuela.
En su infancia, cuando estaban trabajando en el campo y
sonaban las campanas de la iglesia, la abuela hacía
detener las tareas y todos debían rezar el Ángelus por los
pobres muertos, piadosamente y con el sombrero en la
mano.
Millet elige pintar la vida de los campesinos.
Es un artista del realismo, y uno de los fundadores de la
Escuela de Barbizon (un grupo de pintores que se alejan
de París y del “sistema”, y trabajan al aire libre
inspirándose directamente en la naturaleza) en la Francia
rural.
Un poco más “sentimental” que el áspero Courbet, quien
ha organizado la primera exposición del realismo, Millet
retrata al humilde con admiración, lo enaltece. Algo que
provoca una reacción muy lógica: exaspera a la
burguesía, y hay que tener en cuenta que es la burguesía
la que consume arte.
 Como no puede ser de otra manera, es atacado y
considerado ajeno al gusto de la época.
Podemos decir que Jean-François Millet es el pintor de la
dignidad de los campesinos y la vida simple, lo cotidiano.
Sus cuadros son sencillos, despojados de retórica, de
sofisticación.
“Quiero pintar lo que yo siento”, dice. Y es una frase crucial,
ya que en ella podemos percibir que está naciendo el
artista moderno.
Porque Millet es de los que todavía pintan “reproduciendo
el mundo exterior al artista”, pero ya deja despuntar la
inquietud “moderna” de mostrar su propia visión del mundo,
de exteriorizar sus sentimientos más profundos, al menos
desde la elección del tema.
Todavía no es la modernidad, pero ésta se va acercando de a
pequeños pasos.

Fuente: https://www.3minutosdearte.com/
 Ángelus
1857 - 1859,
Museo
d’Orsay
 Las
espigadoras
1857, óleo
sobre lienzo
El sembrador
1850, pintura
 El primo de la
aldea en Greville
1855, óleo sobre
lienzo
La pastora
tejedora
1857, óleo
pastel
 Descanso del
medio día
1866, óleo pastel
 Claude Monet
(1840/11/14 - 1926/12/05)
Claude Monet nació el 14 de noviembre de
1840 en el quinto piso de 45 rue Laffitte, en el
distrito 9 de París.
Fue el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y
Louise Justine Aubrée Monet, cantante.
El 20 de mayo de 1841, fue bautizado en la
iglesia parroquial Notre-Dame-de-Lorette como
Oscar-Claude, pero sus padres lo llamaban
simplemente Oscar. Pese a ser bautizado como
católico, se convertiría en ateo.
En 1845, su familia se trasladó a Le Havre, en Normandía, donde se
crió y donde cursó estudios de dibujo y pintó marinas junto a Eugène
Louis Boudin. Ganó algo de dinero dibujando caricaturas.
Pintor
En 1855, a los quince años, gozaba ya de cierta reputación como
caricaturista. En 1857, con diecisiete, vio morir a su madre. Un año
después, en 1858, participó por primera vez en la Exposition
Municipale du Havre, celebrada entre los meses de agosto y octubre,
con el cuadro titulado Vue prise à Rouelles, fechado en ese mismo
año.
Estudios
Con el apoyo de su padre y de su tía Jeanne-Marie Lecadre, que le
recomendó al pintor Armand Gautier, viajó a París en 1859. Allí
acudió a una academia libre, la Académie Suisse, donde dispuso de
modelos para ejercitarse en el dibujo de figuras y se unió a un
pequeño grupo de jóvenes pintores. Su familia renunció a pagarle su
reemplazo en el servicio militar, viéndose así interrumpido su
aprendizaje artístico al partir hacia Argelia en la primavera de 1861.
Un año después cayó enfermo y fue repatriado hacia Francia para
una convalecencia de seis meses, asumiendo su tía los gastos de su
reemplazo en la milicia durante los cinco años que aún le restaban
por cumplir. Ingresó en el estudio Gleyre, donde conoció a Bazille,
Renoir y Sisley. Frecuentó este estudio hasta el invierno de 1863-64.
Intento de suicidio
El 8 de agosto de 1867, nació su primer hijo, Jean, ignorado por la
familia del pintor. En mayo de 1868 vivía en Fécamp con su mujer
Camille y su hijo. Su situación familiar era muy difícil y, tras un
fallido intento de suicidio en el mes de junio, recibió ayuda
económica de Gaudibert. En ese mismo verano se trasladó a El
Havre, donde fue condecorado con la medalla de plata de la
Exposition Maritime Internationale du Havre.

Matrimonio
Monet se casó con Camille el 26 de junio de 1870 y se trasladaron
a Normandía, a Trouville, donde fueron sorprendidos por la
declaración de la guerra franco-prusiana. Monet, de ideas
republicanas, no deseaba luchar por su Imperio y viajó a Londres.
Allí, y tras enterarse de la muerte de su tía y protectora Jeanne-
Marie el 7 de julio, se encontró con Camille Pissarro, Sisley y
Daubigny. Gracias a este último Monet entró en contacto con el
marchante parisino Durand-Ruel. Así, a partir del mes de
septiembre una obra del artista figuró en la exposición organizada
por dicho marchante en Londres.

Tras la muerte de su padre, ocurrida el 17 de enero de 1871,

Monet abandonó Londres a finales de mayo camino de Holanda.
Fascinado por sus paisajes, se instaló en Zaandam, ciudad
próxima a Ámsterdam, donde permaneció hasta el mes de
octubre, ya que, una vez terminada la guerra, regresó a París.

Pintura
Pintaba al aire libre paisajes y escenas de la sociedad burguesa y
gozó de cierto éxito en las exposiciones oficiales. Según su estilo
evolucionaba, transgredía los convencionalismos en beneficio de
una expresión artística más directa.
Impresionismo
En 1874, junto a sus colegas, organizó sus propias exposiciones. Se
autodenominaron los independientes, aunque se les aplicó
burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto
inacabado de sus obras (como una primera impresión) y también
porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: sol
naciente (1872, Museo Marmottan, París).

«El color es mi obsesión diaria, mi alegría y mi tormento».

Color
Intentó captar las variaciones del color a través de sus series sobre un
mismo tema, a distintas horas o durante estaciones diferentes.
Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos hasta llegar, en
ocasiones, a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí.

París
En 1878 Monet se estableció provisionalmente en París, donde el 17 de
marzo de ese año nació su segundo hijo, Michel, hecho que quebrantó
definitivamente la salud de su mujer. La muerte de Camille el 5 de
septiembre de 1879 lo dejó sin saber cómo organizar su vida y la de
sus hijos.

A mediados de la década de 1880 estaba considerado como el

dirigente de la escuela impresionista, alcanzando el reconocimiento y
una buena posición económica. Valorado como maestro de la
observación meticulosa.

Jardín
En 1890 adquirió una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de
París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al
público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente
japonés colgante, con sauces y matas de bambú-.
El 16 de julio de 1892 se casó con
Alice Hoschedé.

Nenúfares
En 1906 comenzó a pintar las
series del estanque con nenúfares
que están expuestas en la
Orangerie de París, en el Instituto
de Arte de Chicago y en el Museo
de Arte Moderno de Nueva York.

Muerte
Claude Monet continuó pintando, a
pesar de que la vista le fallaba, casi
hasta el momento de su
fallecimiento de cáncer de pulmón,
el 5 de diciembre de 1926 en
Giverny. Fue enterrado en el
cementerio de la iglesia.

«Todos discuten mi arte y fingen entender, como si fuera

necesario comprender, cuando simplemente es necesario
amar».
Claude Monet

Fuente:
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5484/Claude%20Monet
Curiosidades de Monet

1. Su infancia no tenía nada que ver con arte

Curiosamente, el entorno en el que creció Claude Monet no

estaba ligado con el arte: su padre tenía una tienda de
comestibles y no escuchaba a su hijo cuando este le decía que
quería ser artista.
Claude Monet solo aprendió sobre arte gracias a los consejos de
su tía, que pintaba por afición.

2. Claude Monet era un caricaturista exitoso

Dentro de las curiosidades de Claude Monet, sabemos que este

artista tiene todo un pasado por desvelar. ¿Sabías que antes de
pintar bellos paisajes, hacía caricaturas?
El joven Monet era conocido por sus representaciones
caricaturescas. De hecho, a los críticos les gustaban más sus
caricaturas que los lienzos de gran formato.
Después de un encuentro con Eugene Boudin, que le aconsejó
que no perdiera el tiempo haciendo caricatura, y que en lugar de
ello se centrara en las pinturas de paisaje, la vida de Claude
Monet cambió para siempre…

3. El lugar favorito para pintar de Claude Monet

Monet estuvo obsesionado con los acantilados, en especial los

que se encuentran en la espectacular Costa de Alabastro. Monet
visitó a menudo Étretat, que inspiró varios de sus paisajes; su
motivo recurrente es un acantilado que se adentraba en el mar.
4. Un grito de revolución

Los datos curiosos de Claude Monet son realmente

fascinantes. Y uno de ellos se sitúa en 1874, cuando él,
junto con otros de los grandes maestros del impresionismo,
deciden romper las reglas que durante años las academias
les habían impuesto.

Antes de la manifestación de los impresionistas, ¡ningún

grupo había expuesto fuera de un salón! Los impresionistas
fueron los pioneros a la hora de romper con las tradiciones y
Claude Monet, como siempre, estaba a la vanguardia.

La primera exposición de los impresionistas se inauguró el

15 de abril de 1874 en el Boulevard des Capucines. 30
artistas presentaron 160 obras, Monet envió 9. Así que,
entre las curiosidades de Claude Monet, también podemos
contar su propia voz y alma de revolucionario.
5. Camille, el gran amor de Monet

Camille Doncieux tenía 18 años cuando conoció a Monet.

Este joven artista se sintió cautivado por ella desde el primer
momento en el que la vio.
Le pidió entonces que fuera la modelo de unos de sus
primeros cuadros famosos: El picnic, que sería exhibido en
uno de los salones en París. Posteriormente, ella fue una de
las personas que más pintó Monet en su vida.
Claude Monet se casó con Camille en 1870 en París, pero su
matrimonio no duró mucho. La salud de Camille se deterioró
continuamente. Tras su muerte, Monet quedó destrozado, y
su última acción de amor fue pintarla en el lecho de muerte
cuando ella tenía tan solo 32 años. Hay curiosidades trágicas
en la vida de Claude Monet que no lo dejaron ser feliz.
6. El impresionismo le debe su nombre a Monet

Las curiosidades de Claude Monet y del impresionismo están

íntimamente ligadas. Sabemos que Monet fue uno de los
grandes exponentes del movimiento impresionista, pero
¿sabías que gracias a él fue que se le puso el nombre de
«Impresionismo»?

Gracias al paisaje marino de Monet de 1874, Impresión

amanecer, que se mostró en la primera exposición de la
Asociación Cooperativa y Anónima de pintores, Escultores y
Grabadores se le da nombre al Impresionismo.

A esta exposición asistió un afamado crítico de arte llamado

Louis Leroy quién al ver el cuadro de Monet, se burló por las
inacabadas «impresiones» de éste. Él no sospechaba que
daría nombre a uno de los grandes movimientos del siglo XIX
y XX.

7. El intento de suicidio de Monet

Algunas descripciones psicológicas de Claude Monet lo retratan
como un hombre ermitaño: «Un caballero de baja estatura con un
sombrero de paja y una persona inestable e inquieta«.

Los abruptos cambios de humor en Monet, su continua

insatisfacción consigo mismo, sus decisiones espontáneas,
emociones tempestuosas y fría meticulosidad, lo convertían en un
artista con problemas emocionales muy complejos.

Tanto fue así que en 1868 se arrojó al Sena con la intención de

quitarse la vida; por suerte, inmediatamente se arrepintió. Sin
embargo, durante toda su vida estuvo plagado de melancolía. La
vida de Claude Monet no solo está llena de curiosidades, sino
también de tragedias.

8. Era un refugiado

En 1870, cuando estalló la devastadora guerra franco-prusiana,

Monet y su familia escaparon de París para vivir en Londres. Fue
un acierto. Después de que Monet partiera, la ciudad fue sitiada y
otros artistas murieron en la guerra con la caída de la revolucionaria
Comuna de París.

9. La amistad de Monet y Manet

Manet y Monet conocían sus respectivas obras mucho antes de ser
presentados y, aunque al principio Manet, muy cauteloso en su
actitud con respecto a la experimentación artística de Monet, el líder
del grupo Batignolle pronto se interesó en él y comenzó a seguir el
desarrollo de su obra con mucha atención.

En lo que respecta a Monet, no imitó mucho a Manet como sí

se impregnó de su espíritu de búsqueda. Llegaron a ser
grandes amigos y a compartir críticas buenas y malas sobre
sus obras. Cada uno se nutrió de saberes artísticos del otro
hasta la muerte.
10. Los cuadros destruidos de Monet

Para cerrar con nuestra lista de datos curiosos de Claude

Monet, debemos decirte que él destruyó parte sus obras.
Rompió al menos 500 de sus pinturas. En 1908, una
exhibición de Nenúfares tuvo que retratarse después de que la
rompiera en 15 partes distintas.
A esto debemos sumarle que cuando se casó con su segunda
esposa, Alice Hoschedé, ésta le pidió en contados arranques
de celos que destruyera retratos y pinturas que tenía de
Camille, a lo que él accedió.

11. Cataratas

A principios de siglo XX la obra de Monet cambió

drásticamente. Alrededor de sus 65 años los cuadros que
tenemos de él experimentan tonos y luces que no se ven
antes. ¿La razón? Tenía cataratas en ambos ojos.
12. Monet veía luz ultravioleta

O por lo menos eso es lo que algunos especulan. Tras

negarse durante algún tiempo, Monet finalmente accedió a
operarse de cataratas en su ojo derecho en 1923, pero no se
operó el ojo izquierdo —que todavía tenía cataratas y no
podía ver violetas ni azules—.
Sin embargo, durante la cirugía en su ojo derecho, se extrajo
el cristalino del ojo, lo que permitió que captara más luz y
debido a que ésta es la parte del ojo que filtra la luz
ultravioleta, se cree que Monet podría haber comenzado a ver
longitudes de onda ultravioleta —que los demás normalmente
no podemos ver, vaya.

La muestra: el uso de colores en sus últimos cuadros de

nenúfares.

13. Monet destruyó más de 500 cuadros suyos

Por tristeza, rabia y también por frustración; especialmente

después de su cirugía.

Fuente:
https://supercurioso.com/claude-monet-
curiosidades/#google_vignette
Jardín en Sainte-
Adresse
1867
Mujeres en el jardín
1866
Jean Monet a
caballo
1872
 Mujer con sombrilla
(Madame Monet y su
hijo)
1875
Campos de tulipanes
en Holanda
1886
El puente japonés y
el estanque de los
nenúfares
1899
 Juan Lepiani
(1864/09/20 – 1932/11/28)

Juan B. Lepiani (Lima, 20 de

septiembre de 1864-Roma, 28 de
noviembre de 1932) fue un pintor
peruano. Es conocido por sus óleos
inspirados en temas históricos y
patrióticos, especialmente en episodios
memorables de la guerra del Pacífico.

Fue hijo de Melchor Botaro Lepiani Loyola y Manuela Toledo,

ambos limeños. Se casó en 1891 con María Josefina
Grossberger, con la que tuvo cinco hijos. En su estancia en
Roma solía firmar sus obras como J.Leppiani.

En su temprana juventud se dedicó a oficios modestos, como

el de pagador en la línea del ferrocarril central. Siguiendo su
vocación, estudió pintura en Lima, siendo sus maestros el
español Ramón Muñiz y el peruano Francisco Masías. Fue en
los años 1890 y principios del siglo siguiente que realizó sus
grandes obras de carácter histórico y patriótico.

En 1892 viajó por primera vez a Europa para continuar con

sus estudios de arte, gracias a una subvención
gubernamental otorgada tras la fama que obtuvo por su
pintura "La respuesta".
En 1900 viajó por segunda vez a Europa, donde se dedicó a
visitar museos y exposiciones. Se instaló en Roma, donde
vivió con cierta holgura durante varios años, dedicado a la
copia de las pinturas de grandes artistas como Rafael y
Tiziano, reproducciones que vendía a los turistas
estadounidenses.

Su trabajo fue muy valorado por su pulcritud; incluso envió

varias de sus mejores copias al Perú.

En 1928 regresó a Lima por unas pocas semanas, ya anciano

y casi ciego, esto último debido al esfuerzo visual que le
implicaba su arduo trabajo pictórico.

Nuevamente viajó a Europa, donde le sorprendió la crisis

mundial de 1929. Arruinado económicamente, quebrantada
su salud y totalmente ciego, falleció en Roma en 1932.

Obras

Pese a que la crítica especializada siempre ha tendido a

ignorar o desdeñar las obras de Lepiani, estas atraen por su
realismo y la intensidad de su emoción patriótica.

Los más célebres de sus cuadros son los inspirados en

episodios de la guerra del Pacífico.
"La respuesta de Bolognesi", o simplemente "La
respuesta"' (1891), que representa al coronel Francisco
Bolognesi, junto a su estado mayor en Arica,
respondiendo negativamente a la oferta de rendición del
parlamentario chileno Juan de la Cruz Salvo. Este
episodio histórico ocurrió el 5 de junio de 1880.'

"El último cartucho" (1899), que representa una escena

cumbre de la batalla de Arica, librada el 7 de junio de
1880: el último instante de vida del coronel Bolognesi, el
cual yace caído en el suelo y con revólver en mano,
cumpliendo así su juramento de pelear «hasta quemar el
último cartucho».

"Alfonso Ugarte" (c. 1922), que representa a este héroe

en el momento en que montado a caballo y con el
pabellón nacional, se arroja desde lo alto del morro de
Arica.

"El tercer reducto de Miraflores" o simplemente "El tercer

reducto" (1894) que representa una escena de la batalla
de Miraflores, encuentro librado por la defensa de Lima,
donde pelearon valerosamente civiles improvisados frente
a fuerzas superiores en número y poderío bélico.
También halló su inspiración en otros periodos de la historia
peruana, como la conquista (Los 13 de la Isla del Gallo de
1902, La captura de Atahualpa, de 1920, El asesinato de
Pizarro) y la emancipación (La entrevista de La Serna y San
Martín conocida también como La conferencia de Punchauca
de 1921, La proclamación de la Independencia de 1904).

Los sucesos contemporáneos no escaparon también a su

pincel, tal como lo prueba otra de sus obras maestras, La
entrada de Cocharcas (1896), que representa al caudillo
Nicolás de Piérola, montado a caballo e ingresando a Lima
por la portada de Cocharcas, durante la guerra civil de 1894-
1895.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Lepiani
Proclamación de
la independencia
1904, óleo sobre
tela
 Ingreso de
Nicolás de Piérola
por Cocharcas
1895, óleo sobre
tela
El último cartucho
1899, óleo sobre
tela