Música

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē],

«el arte de las musas») es, según la definición tradicional del
término, el arte de crear y organizar sonidos y silencios
respetando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos
procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido
evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que
se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como Atenea (Minerva) y las Nueve Musas
arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más inspiradoras. De la palabra «musa»
compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que proviene «música».

destacados compositores en el marco de diversas experiencias

artísticas fronterizas han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites
de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples finalidades, entre
otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de expresar sentimientos, emociones,
circunstancias, pensamientos o ideas, y cada vez más, cumplir una importante función terapéutica a través
de la musicoterapia.

La música cumple una función importante en el desarrollo cognitivo del ser humano. Está relacionada
con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las
relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no nativas y ayuda a potenciar la inteligencia
emocional, entre otros.1 2​ ​

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo de la persona; así, el flujo sonoro puede
cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.). En muchas
culturas, la música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel
fundamental en rituales religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación y el
matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las actividades culturales que van
desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda amateur de funk o cantar en un coro
comunitario. La gente puede hacer música por afición, como, por ejemplo, un adolescente que toca el
violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria musical
incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como los cantautores y los
compositores), a las personas que interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta, de bandas
de jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a los directores de orquesta), a las personas que graban
música (productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras de conciertos y
a las personas que venden grabaciones y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado
una canción o pieza, la crítica musical, el periodismo musical y la musicología pueden valorar y evaluar
la pieza y su interpretación.
Etimología
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike;
«(arte) de las musas»)3 ​ En la mitología griega, las nueve
musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y
las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en la
poesía, los cantos y los mitos de la cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea: En la mitología griega, las nueve musas

fueron la inspiración de muchos
esfuerzos creativos, incluidas las artes.
El término «música» deriva de «musike, de mediados
del siglo xiii, del francés antiguo musique (siglo xii) y
directamente del latín musica "el arte de la música",
que también incluye la poesía (también la fuente del
español música, italiano musica, alto alemán antiguo
mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés
musik)». Se deriva del «...griego mousike (techne) "
(arte) de las musas", del femenino de mousikos
«perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término «música» se refiere a
cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la música y la poesía lírica.4 ​

Definición
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el
sentido de las expresiones musicales se ve afectado por
cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De
esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que
pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende
por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada
como perfecta o absoluta. La música académica occidental ha
desarrollado un método de escritura
Una definición bastante amplia determina que música es basado en dos ejes: el horizontal
sonoridad organizada (según una formulación perceptible, representa el transcurso del tiempo, y el
coherente y significativa). Esta definición parte de que —en vertical la altura del sonido; la duración
aquello a lo que consensualmente se puede denominar de cada sonido está dada por la forma de
las figuras musicales.
«música»— se pueden percibir ciertos patrones del «flujo
sonoro» en función de cómo las propiedades del sonido son
aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).
La definición que se atribuye a Edgard Varese de música como sonido organizado,5 ​ y también la de la
Enciclopedia Británica que en su decimoquinta edición describe que «aunque no haya sonidos que no
puedan ser descritos como inherentemente no-musicales, en cada cultura los músicos han tendido a
restringir la gama de sonidos que estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este detalle
importante a la definición de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente».6 ​
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que
utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función
estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la
música del lenguaje. En cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por
ejemplo, un «jingle» publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de
vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de la música
(y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como
la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en
su Dictionnaire de la Musique,7 ​ la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera
agradable al oído».8 ​

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un
proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador
y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el arte del
bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y
presupone que hay combinaciones «bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera
horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos
para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán Johann
Wolfgang von Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la
arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos
modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir
las variaciones de presión generadas por el movimiento
vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el
medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la
atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el
silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el
silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

Distribución de las notas musicales en el
La altura es el resultado de la frecuencia que teclado de un piano. Cada nota representa
produce un cuerpo sonoro; es decir, de la una frecuencia de sonido distinta.
cantidad de ciclos de las vibraciones por
segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De
acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos. Cuanto mayor sea
la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida
 en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es
idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.9 ​
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La
duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la
onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La
intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar
de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos
que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos
simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno
(sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda
que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina
espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la
frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras
que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una
sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que
representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura
indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Elementos de la música
La música contiene dos elementos: el material acústico y la
idea intelectual. Ambos no se hallan yuxtapuestos como
forma y contenido, sino que se combinan, en la música, para
formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de
la idea intelectual, el material acústico experimenta una Un ejemplo de las escalas de la antigua
preparación pre-musical, mediante un proceso de selección y Grecia es la octava hipofrigia de género
ordenamiento.10 ​ enarmónico (en mi). Ya existía el
concepto fundamental de octava. La nota
La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, varía según la armonía (αρμονία),
exhibe ya un ordenamiento que la predestina para ser el transcritas como modos griegos. La
vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un polifonía y variedad de instrumentos
aerófonos, cordófonos y
entendimiento general previo, dentro del material acústico
membranófonos, han sido documentadas
para la organización de la música, encontramos diversas
en infinidad de grabados y dibujos.
clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en
ambientes académicos es la que divide la música en melodía,
armonía y ritmo.11 ​La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra
(también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular

— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se
percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura
de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase
bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una
secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más
melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde
o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace
con sonidos vecinos.
 El ritmo es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy
notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar
contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y
sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que
hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
La articulación refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o
más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia,
destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el acento, el marcato y
el calderón.
La textura es la estructura y se divide en partes, movimientos o secciones. También se
puede fraccionar aún más en frases y motivos. La mayoría de géneros tienen una forma
definida y secciones que las caracterizan. Es importante tener este elemento de la música
presente a la hora de empezar a crear una pieza sonora porque ayuda a entender y
visualizar de manera global una composición.12 ​
La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces dificultades de
información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que otros elementos se
toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la
instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos principios de
ordenamiento y posibilidades de composición.10 ​

Historia

Prehistoria
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de
los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos. A
menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que se
han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en
un extremo como el shakuhachi japonés. Se piensa que la
flauta de Divje Babe, tallada en el fémur de un oso de las
cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han recuperado
instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de
instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los
yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del
Indo.13 ​ La India tiene una de las tradiciones musicales más
antiguas del mundo; las referencias a la música clásica india
(marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la
tradición hindú.14 ​ La colección más antigua y más grande de
instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y
data de entre el 7000 y el 6600 a. C.15 ​ El «Himno hurrita a
Nikkal», que se encuentra en tablillas de arcilla que se
remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical
escrita más antigua que se conserva.16 17
​ ​ La flauta de hueso encontrada en Divje
Babe (Eslovenia), con más de 40 000
años de antigüedad.
Antiguo Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la música, y Osiris, a su
vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia material y representativa
más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está
atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes
dobles.18 ​ Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos de percusión, liras y laúdes a las
orquestas. Los platillos19 ​ frecuentemente acompañaban a la música y danza, como lo hacen todavía hoy
en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género
musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y han conservado muchas de sus
características, ritmos e instrumentos.20 21
​ ​

Culturas asiáticas
La música clásica india (marga) es una de las tradiciones
musicales más antiguas del mundo.22 ​ La civilización del
valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas23 ​ e
instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete
agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de
cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante
excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.24 ​El Rigveda
tiene elementos de la música india actual, con una notación
musical para denotar la métrica y el modo de cantar.25 ​ La
música clásica india es monofónica y se basa en una sola
Mujeres indias vestidas con atuendos
línea melódica o raga, organizada rítmicamente a través de
regionales tocando una variedad de
instrumentos musicales populares en talas. Silappatikaram de Ilango Adigal proporciona
diferentes partes de la India. información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas
mediante el cambio modal de la tónica de una escala
existente.26 ​ La música hindi actual fue influenciada por la
música tradicional persa y por los mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur,
es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También
hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una historia que se
remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación
y tono musical, instrumentos y estilos musicales o géneros musicales. La música china es pentatónica-
diatónica, con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia
europea.

Referencias en la Biblia
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la Biblia y
fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió que «la música, tanto
vocal como instrumental, fue bien cultivada entre los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la
iglesia cristiana a través de los siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo Testamento revela cómo el
pueblo antiguo de Dios se dedicó al estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los
libros históricos y proféticos, así como en el Salterio».27 ​
Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia
y la antropología de la cultura semítica y judeocristiana
temprana han descubierto vínculos comunes en la actividad
teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y
las de los griegos y romanos posteriores. El área común de
actuación se encuentra en un «fenómeno social llamado
letanía», una forma de oración que consiste en una serie de
invocaciones o súplicas. Journal of Religion and Theatre
señala que entre las primeras formas de letanía, «la letanía
hebrea estuvo acompañada de una rica tradición musical»:28 ​

Genesis 4.21 indicated El Génesis 4.21 indicaba

that Jubal is the "father que Jubal es el «padre de
of all such as handle the todos los que manejan el
harp and pipe", the arpa y la flauta», el David componiendo salmos, Salterio de
Pentateuch is nearly Pentateuco casi guarda
París, c. 960 (Constantinopla).
silent about the practice silencio sobre la práctica
and instruction of music y la instrucción de la
in the early life of Israel. música en la vida
In I Samuel 10, there are temprana de Israel. En I
more depictions of "large Samuel 10, hay más
choirs and orchestras". representaciones de
These large ensembles «grandes coros y
could only be run with orquestas». Estos
extensive rehearsals. grandes conjuntos sólo
This had led some podían ejecutarse con
scholars to theorize that ensayos extensos. Esto
the prophet Samuel led a había llevado a algunos
public music school to a estudiosos a teorizar que
wide range of el profeta Samuel dirigió
students.28 ​ una escuela pública de
música para una amplia
gama de estudiantes.

Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia. Los músicos y
cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.29 ​Se realizaban interpretaciones de coros
mixtos para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales.30 ​ Los instrumentos incluían el
aulós de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial
llamado kithara. La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música
a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La
teoría de la música griega incluía los modos musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la base
de la música clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del
Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo
que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte
del mundo.31 ​La obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría musical es Harmonika
Stoicheia de Aristóxeno.32 ​
Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana
desde los tiempos más remotos. Las canciones (carmen) eran
una parte integral de casi todos los eventos sociales.33 ​ El
Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado
por Augusto e interpretada por un coro mixto de niños en los
Juegos Seculares del 17 a. C.34 ​La música era habitual en los
funerales y la tibia (el aulós griego), un instrumento de
viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de
las malas influencias.35 ​ Bajo la influencia de la teoría griega
antigua, se pensaba que la música reflejaba el orden del Trío de músicos tocando aulós, cymbala
y tympanum (mosaico de Pompeya).
cosmos y se asociaba particularmente con las matemáticas y
el conocimiento.36 ​

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos. Durante el período
imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las tradiciones de Asia Menor,
África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la cultura romana.37 ​

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de artes escénicas
llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo que combinaba danza
expresiva, música instrumental y un libreto cantado.38 ​

Edad Media
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (línea melódica única)
en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega,
pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia católica para que las
melodías de los cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música
religiosa en todo el mundo católico.a 39 ​ ​ El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en
forma escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya
tradición central se llamaba canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto secular. Ejemplos de
compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide.

Renacimiento
La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como el amor cortés.
Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hacía partituras impresas mucho menos costosas y más
fáciles de producir en masa.b ​La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales
más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia,
las cortes y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo un
mecenas importante de la música. A mediados del siglo xv, los compositores escribieron música sacra
ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los
compositores destacados de esta época se incluyen Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni
Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. A medida que la
actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por
los mejores compositores. Muchos compositores importantes
provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia.
Se les llama compositores franco-flamencos y ocuparon
cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia.
Otros países con una gran actividad musical fueron Alemania,
Inglaterra y España.

Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750,
cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa y
durante este tiempo la música se expandió en su rango y
complejidad. La música barroca comenzó cuando se
escribieron las primeras óperas (música vocal dramática
solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la
música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban
múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió
siendo importante.c ​ Los compositores barrocos alemanes
escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, El introito de Gaudeamus omnes, escrito
metales y viento-madera, así como para coros e instrumentos en notación neumática en el Graduale
de teclado, como órgano, clavecín y clavicordio. Durante este Aboense de los siglos xiv y xv, rinde
período se definieron varias formas musicales importantes homenaje a Enrique, patrón de Finlandia.
que perduraron en períodos posteriores cuando se
expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la
invención, la sonata y el concierto.40 ​ El estilo barroco tardío
era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado.
Entre los compositores importantes de la época barroca se
encuentran Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel,
Jean Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, Domenico
Scarlatti y Antonio Vivaldi.

Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como
objetivo imitar lo que se consideraba los elementos clave del
arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua Roma: los
ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.d ​
La música del período clásico tiene una textura más ligera,
clara y considerablemente más simple que la música barroca
que la precedió. El estilo principal fue la homofonía,41 ​donde Johann Sebastian Bach fue un
una melodía prominente y una parte de acompañamiento de destacado compositor de la era barroca
acordes subordinados son claramente distintas. Las melodías de la música.
instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables.
Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor
del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de la época barroca como principal
instrumento de teclado, aunque este último siguió utilizándose en la música sacra, como las misas.
 Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo
dominado por un mayor desarrollo de formas musicales
inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el
concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío,
el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata
fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los
compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo
clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las
formas instrumentales principales de la era clásica, desde los
cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se
basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos
tocaban música de cámara y la orquesta se volvió más
estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la
época barroca, que consistía en clavecín, órgano o laúd junto
con varios instrumentos bajos seleccionados a discreción del
líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o
serpentón), los grupos de cámara clásicos usaron
instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un
cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos violines, una
viola y un violonchelo). La interpretación de acordes
improvisados de la época barroca del tecladista de continuo o
1. Luigi Cherubini el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn Uno de los cambios más importantes realizados en el período
4. Johann Christoph Friedrich Bach clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La
5. Ludwig van Beethoven aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el
6. Franz Xaver Richter patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los
7. Wolfgang Amadeus Mozart
compositores podían sobrevivir sin ser empleados
8. Luigi Boccherini
permanentes de reyes o príncipes. La creciente popularidad de
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
la música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos
11. Maria Anna Mozart de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales
12. Johann Christian Bach requirió la construcción de grandes espacios para
espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las
sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros
vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald
Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y
Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se consideran compositores de la última parte de la era
clásica, ya que comenzó a moverse hacia el Romanticismo.

Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo xix tenía muchos elementos en común con los estilos
románticos en la literatura y la pintura de la época. El Romanticismo fue un movimiento artístico,
literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la
glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y
formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones
expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores
románticos como Richard Wagner y Johannes Brahms
intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en su
música para describir verdades más profundas o sentimientos
humanos. Con poemas sinfónicos, los compositores
intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes
utilizando música instrumental. Algunos compositores
El piano fue la pieza central de la
promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal
actividad social de los urbanitas de clase
patriótica inspirada en la música folclórica. Las cualidades
media en el siglo xix (Moritz von Schwind,
emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer 1868). El hombre al piano es el
sobre la tradición. compositor Franz Schubert.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y

fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la
literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el
anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se
siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en
cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se
exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos
formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron
desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.29 ​

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert
introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos, desarrollados
orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa.e
Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler
utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras
musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los
compositores exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes
extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos colores de sonido. A finales del siglo xix se
produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y la Revolución industrial ayudó a crear
mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una
parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música para
teatro, incluida la opereta, la comedia musical y otras formas de teatro musical.29 ​

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical sino también en el
técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la Revolución industrial su mecanismo fue
mejorado sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo influyó en el modo de organización
jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión
musical y como ayuda a la composición.42 ​En dicho período hubo importantes compositores como Félix
Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms,
Edvard Grieg e Isaac Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan
compositores como Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.43 ​
Siglo xx y xxi

Enrico Caruso con un gramófono

En el siglo xix, una de las formas clave en que las nuevas

composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la
venta de partituras, que los amantes de la música aficionados Un gramófono clásico de principios del
de clase media tocaban en casa en su piano u otros siglo XX
instrumentos comunes, como el violín. Con la música del
siglo xx, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como
la radiodifusión y la disponibilidad de discos de gramófono en el mercado masivo significó que las
grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su
tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un
gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se
utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el siglo xix, el enfoque en las
partituras restringió el acceso de la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer
música y poseían pianos e instrumentos, en el siglo xx, cualquier persona con radio o tocadiscos podía
escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Esto permitió a las personas de
bajos ingresos, que no podían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta
música. También significaba que las personas podían escuchar música de diferentes partes del país,
además de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó
a difundir los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos
y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la
música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores
utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la
música clásica. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la
música artística del siglo xx. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dio
lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica
acusmática44 ​ y música concreta. La grabación de sonido también fue de gran influencia en el desarrollo
de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se
distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia
en la música rock, porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un
sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de
instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis Armstrong,
Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo xx y durante la
segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical
estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur de Estados
Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África
Occidental del estilo es evidente en el uso de notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota
swing.45 ​

La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock
and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.46 ​El sonido del rock a menudo
gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una
sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan
como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el
bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o,
desde la década de 1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a
usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas como el Roland TR-808
y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década
de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware
computarizado y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los
sintetizadores de software y las aplicaciones de música de computadora permiten crear y grabar variados
tipos de música, como música electrónica de baile en su propia casa, agregando instrumentos
muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de
géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando
música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.
Cultura y música
Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales.
La mayoría de las especies animales también son capaces de
producir sonidos de una forma organizada para comunicar
una gran variedad de mensajes. Lo que define a la música de
los hombres no es tanto el ser una combinación «correcta» (o
«armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser
una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social
determinado.
Violinista en la catedral de Dublín.
Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales
de diversos pueblos y culturas tengan en común, es
importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música,
en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre
todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la
música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio
publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música
determinada desempeña en un contexto social determinado, podemos ser más precisos a la hora de definir
las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no
son las de nuestra sociedad.

La mayoría de las definiciones de música solo toman en

cuenta algunas músicas producidas durante determinado lapso
en Occidente, creyendo que sus características son
«universales», es decir, comunes a todos los seres humanos
de todas las culturas y de todos los tiempos. Dice
Schopenhauer, «(la música) repercute en el hombre de
manera tan potente y magnífica, que puede ser comparada a
una lengua universal, cuya claridad y elocuencia supera a
todos los idiomas de la tierra».47 ​ La Música, representación alegórica de
la música, diseñada por Józef Gosławski
Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», en un edificio en Varsovia.
puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el
ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las
frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas,
y que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir como
bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así,
por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es exclusivo
de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de
la cultura occidental[cita requerida] porque representa un estadio más «avanzado» o «superior» de la
«evolución» de la música.

La división del trabajo en la práctica musical occidental contemporánea distingue a esta cultura de otras.
Históricamente, los compositores e intérpretes solían ser una misma entidad.48 ​ Sin embargo,
investigaciones recientes (Scientific Reports, 2024) indican un cambio hacia patrones musicales más
repetitivos y accesibles en respuesta a su consumo a través de plataformas de streaming preferidas por la
sociedad actual. En paralelo, los intérpretes contemporáneos tienden a estar más orientados hacia la
autoexpresión.49 ​

La notación musical occidental

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música
occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo,
es a partir de la música de la Edad Media (principalmente
canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos
definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo
lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de
los usuarios.
Fragmento de uno de los himnos
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa dedicado al dios de la música Apolo, en
gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que Delfos, Grecia. El templo oracular era
representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se una acrópolis y fue construido en su
honor. Este fragmento contiene la
leen en relación con un pentagrama (del griego «πεντα»,
notación musical introducida por los
«penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas), que al
helenos, situando las notas por sobre las
comienzo tiene una clave que tiene la función de atribuir a estrofas (a modo de «cancionero
una de las líneas del pentagrama una determinada nota popular»).
musical. En un pentagrama encabezado por la «clave de sol
en segunda línea» nosotros leeremos como sol el sonido que
se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido que se escribe en el espacio
entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan
fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son las de:

do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz, el do central del
piano),
sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por encima del do
central), y
fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical
que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del
pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que
tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo
blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca
pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en
la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc. Cada
una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada
partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda
corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será
3
representado por una negra, etc. Así, una partitura encabezada por un 4 estará dividida en compases en
4
los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 8 tendrá
cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de
blanca, etc.

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé
la subdivisión por tres, que será indicada con tresillos. Cuando se desea que a una nota o silencio se le
agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la
nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de
una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos
convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de
una «f» (forte, fuerte) o una «p» (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se
indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio,
moderato, andante, allegro, presto.

Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico

La música es un arte, llena de bellos paisajes, donde el aire de detiene y se vuelve loco el paisaje,

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor rendimiento a

nivel cerebral. Las lecciones musicales activan ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la
concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele
mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a
dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea
piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la
Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos
musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce
que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El
legendario científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la
única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este
instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y
velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales.50 ​

A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje de otros
idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen
mucho que ver con las variaciones del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento
distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los
diferentes idiomas.51 ​
Véase también
Portal:Música. Contenido relacionado con
Música.
Música clásica
Música navideña
Mujeres en la música
Música surrealista
Solfeo
Cultura de Europa#Música
Historia de la ópera

Notas y referencias
Notas

a. Véase Historia de la notación en la música El canto de los ángeles (obra de William

occidental. Bouguereau), siglo xix.
b. Antes de la invención de la imprenta, toda la música
anotada se copiaba a mano.
c. El contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval.
d. La música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un
término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo v hasta la década de
2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos.
e. Un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía.

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