¿Qué es el Rococó?

El Rococó fue un movimiento artístico que tuvo lugar en Francia para luego extenderse
por diferentes lugares de Europa entre los años 1730 y 1770. El movimiento estuvo
presente en las diferentes artes (música, cultura, escultura, arquitectura) y representa
la vida aristocrática de aquella época.
El Rococó se caracterizó por una elección de colores claros (en especial el blanco),
colores luminosos y suaves. Intenta reflejar el aspecto agradable, exótico, sensual y
refinado de las cosas y casi no utiliza los contrastes.
El movimiento se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que buscaba
mostrar la vida aristocrática del momento, y las relaciones sociales eran el eje principal
de su estilo de vida ostentoso.
Origen del nombre Rococó
Existen dos teorías respeto del origen de su nombre:
Por un lado se dice que el nombre nació cerca del año 1797 y surgió producto de una
broma pues el nombre rococó intenta unir dos palabras francesas “rocaille” (concha
marina) y “Baroque” (roca) porque los primeros diseños eran de aspecto irregular
semejantes a conchas marinas o rocas.
Por otra parte se dice que el nombre proviene de la palabra “rocalla”, tipo de
decoración realizada con plantas y rocas que son semejantes al estilo que utilizó el
movimiento rococó.
Diferencias entre Barroco y Rococo
Algunos autores confunden el estilo barroco con el posterior rococó. Esto sucede
porque existen diferencias sutiles entre uno y otro movimiento. Desde el punto de
vista estético este se caracteriza por la abundancia de formas, adornos y curvas.
Por otra parte el barroco representa el poder absolutista, mientras que el rococó
representa a la burguesía y la aristocracia.
También el barroco eligió escenas de pesimismo y oscuridad y el rococó se encargó de
mostrar la alegría y ostentar la felicidad aristocrática y libre de problemas.
Estilo del rococó
Se caracterizó por una elección de colores claros (en especial el blanco), colores
luminosos y suaves. Intenta reflejar el aspecto agradable, exótico, sensual y refinado
de las cosas y casi no utiliza los contrastes.
Se inclinó por expresar temas de la vida cotidiana y las relaciones humanas. Posee un
estilo recargado que expresa el sentimiento de libertad de la sociedad aristocrática.
Expresión del rococó
Es un movimiento que expresa la vida social. No se detiene en la observación de la
vida de los seres inmortales o monarcas (como ocurría en tiempos anteriores) sino
más bien intentaba ejemplificar la forma en que los seres humanos vivían durante
aquellos años. Así se muestran viviendas, objetos personales, fiestas o reuniones,
dejando en evidencia la ostentación de aquella sociedad.
Teatro del rococó
Se presenta en casi todas las expresiones artísticas ya que este movimiento intenta
mostrar la vida aristocrática del momento y las relaciones sociales eran el eje principal
de su estilo de vida ostentoso.
Influencia religiosa del rococó
No se caracterizó por expresar una corriente o pensamiento religioso en particular,
más bien durante este período se deja de lado la influencia religiosa.
Tipo de composición del rococó
Todas las representaciones expresan alegría, frescura y sensualidad.

Mobiliario y objetos decorativos

La temática ligera pero intrincada del diseño rococó se adecúa mejor a los objetos de
talla reducida que a la arquitectura y a la escultura. No sorprende por lo tanto que el
Rococó francés fuera utilizado sobre todo en el interior de las casas. Figuras de
porcelana, platería y, ante todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando
la alta sociedad francesa quiere adecuar sus casas al nuevo estilo.
El Rococó aprecia el carácter exótico del arte chino y, en Francia, se imita este estilo en
la producción de porcelana y vajilla de mesa.
Los diseñadores franceses, como François de Cuvilliés y Nicolas Pineau, exportan el
estilo a Múnich y San Petersburgo, mientras el alemán Juste-Aurèle Meissonier se
trasladó a París, si bien hace falta considerar a Simon-Philippe Poirier como el
precursor del Rococó en París. El Rococó inglés tiende a ser más moderado. El
diseñador de muebles Thomas Chippendale mantiene la línea curva pero menos
ampulosa que la del mueble francés. El mayor exponente del Rococó inglés fue,
probablemente, Thomas Johnson, un escultor y proyectista de muebles ubicado en
Londres a mediados de 1700.
Pintura del rococó
Tuvo su auge en la década de 1730. Las temáticas específicas de la pintura del rococó
ronda temas como el amor, mitos, paisajes, aventuras amorosas y reuniones sociales.
También se pueden ver figuras mitológicas que surgen en tonalidades suaves de color
pastel en contraste con la vida cotidiana también representado en los mismos
cuadros. Esto otorga un aspecto sensual y delicado a la pintura.
Arquitectura del rococó
Se caracteriza por marcar una notable diferencia entre los exteriores e interiores. El
interior será un lugar de fantasía y colorido muy recargado, mientras la fachada se
caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las
fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas
molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante
en las edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos
alas bajas y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso en un
parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones
encadenados, en contra del típico edificio «bloque», propio de la etapa anterior.
En este momento la ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la
puertaventana o «ventana francesa», obteniendo una interrelación entre interior y
exterior que consigue la ideal fusión con la naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se
descartan los marcos en ángulo recto, demasiado rígidos, y se adoptan ventanas
arqueadas. Se elimina o reduce el uso de esculturas monumentales, limitándolas a la
ornamentación de los jardines.
En cualquier caso, el aspecto más destacable de los interiores rococós es la
distribución interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y
una distribución muy sencilla. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con
una marcada funcionalidad, combina ornamentación, colores y mobiliario.
Escultura
La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas del rococó. Étienne-
Maurice Falconet (1716–1791) es considerado uno de los mejores representantes del
Rococó francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada
escultura de porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo
Falconet era director de una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos
amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea
curva y asimétrica.
El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con
el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El semidiós es
transformado en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en
flechas que golpean el corazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el
estuco. En este periodo podemos mencionar a los escultores franceses Jean-Baptiste
Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle.
Música
El estilo galante fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre
la música barroca y la música clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras.
La música rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en
Francia. Puede ser considerada como una música muy intimista realizada de forma
extremadamente refinada. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede
citar a Jean Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, Carl Philipp Emanuel Bach y
Johann Christian Bach.
Artistas destacados del rococó
Dentro de los artistas más importantes de este movimiento se encuentran:
Watteau, Jean-Antoine
Fragonard, Jean-Honoré
Francois de Cuvilliés
Jean-Baptiste Simeón Chardin

MATERIALES
Las bases textiles de la época son el Lino, la Seda, los Brocados, los Damascos.
Textiles gruesos de seda entrelazados con hilos de oro y plata y Terciopelos.
Entre las paletas de color utilizadas en este movimiento se encuentran los tonos
neutros, suaves, también colores pasteles.
LA MODA FEMENINA
Según los investigadores del Instituto de Indumentaria de Kioto (2004) el espíritu
esencial de la moda rococó residía en la elegancia, el refinamiento y la decoración,
pero también había elementos caprichosos y extravagantes, así como coquetería. En
contraposición a la digna solemnidad de la indumentaria del siglo XVII, el atuendo
femenino del siglo XVIII era a la vez ornamentado y sofisticado. Simultáneamente, la
gente también ambicionaba un estilo de vida cómodo que le permitiera pasar horas
de ocio en acogedores salones, rodeada por sus cachivaches y sus muebles favoritos.
Para satisfacer estas necesidades más cotidianas, también surgió un estilo de vestir
relativamente más relajado e informal. Dentro de este nuevo estilo surgió el corpiño,
con grandes pliegues que fluían desde los hombros hacia el suelo sobre una falda
redonda. Aunque el corpiño iba bien ajustado por un corsé, la túnica tableada y suelta
daba la impresión de comodidad y relajación. Después del vestido volante, el otro
atuendo femenino típico del rococó era el llamado vestido a la francesa (robe a la
Françoise), y este estilo persistió como traje de etiqueta hasta la época de la
Revolución. A lo largo del Rococó, los elementos básicos femeninos fueron un vestido
con falda y sobrefalda y un peto triangular que cubría el pecho y el estómago bajo la
abertura frontal del vestido. Estas prendas se llevaban encima de un corsé y de un
guardainfante, que eran los que le daban forma a la silueta, (a palabra corse – no se
conocía en el siglo XVIII, pero lo utilizamos aquí para referirnos a la prenda de ropa
interior reforzada con varillas de ballena, llamada corps – cotilla – o corps a baleine –
cotilla de ballena). Estos fueron los componentes básicos de la indumentaria
femenina, que sólo variaron en sus detalles decorativos, década tras década, hasta la
Revolución Francesa. (Suoh, 2004)
Pintores como Jean Antoine Watteau, Nicolás Lancret y Jean François de Troy captaron
estos espléndidos vestidos con todo lujo de detalles y pintaron desde las puntadas
individuales del encaje hasta el intrincado calzado. En la pintura: “El comerciante de
arte Gersaint” Watteau captó de forma espectacular los elegantes vestidos de la época
y el delicado movimiento de sus pliegues, así como sus tersas y suaves texturas de
raso y seda. Aunque no fue él quien los diseñó, estos pliegues dobles en la espalda
más adelante se conocieron como “pliegues Watteau”.
Los extravagantes tejidos de seda producidos en Lyon resultaron esenciales para la
moda rococó. A partir del siglo XVII el gobierno francés apoyó la diversificación de la
producción de tejidos de seda en Lyon mediante el desarrollo de nuevos mecanismos
para los telares, así como de tecnología para el tinte. Los tejidos de seda franceses
ganaron una reputación de máxima calidad y sustituyeron a los productos de seda
italianos que habían dominado el mercado en el siglo anterior. A mediados del siglo
XVIII, la edad de oro del rococó, la amante de Luis XIV, madame de Pompadour,
apareció en retratos llevando exquisitos vestidos confeccionados con tejidos de seda
de la más alta calidad. En el retrato de François Boucher, titulado Madame de
Pompadour (1759, The Wallace Collection; Londres; ilust. pág. 56) lleva un típico
vestido a la francesa, con la abertura frontal del mismo sobre un corpiño muy
ajustado.
Bajo la sobrefalda se puede observar la falda y un peto triangular. El peto está
adornado en forma escalonada con cintas (échelle), lo que acentúa la forma del busto,
que queda levantado y moldeado por un corsé de una forma muy seductora. Además,
unas engageantes de encaje de la mejor calidad adornan puños del vestido, y este, en
su totalidad, está enriquecido con volantes, encaje, cintas y flores artificiales.
Aunque se podría decir que la ornamentación es excesiva, los elementos conservan un
equilibrio armonioso y representan el espíritu más sofisticado y delicado del rococó.
(Suoh, 2004)
El corsé y el guardainfante
A lo largo del siglo XVIII, la silueta de la mujer fue moldeada por la ropa interior como
el corsé y el guardainfante. En la época rococó la parte superior del corsé fue bajando
hasta dejar el pecho parcialmente al descubierto. El corsé ya no comprimía todo el
torso, sino que más bien hacía subir el pecho, que asomaba entre un delicado remate
de encaje en la parte del escote.
La forma antigua del guardainfante era acampanada, pero a medida que las faldas se
fueron ensanchando (hacia la mitad del siglo XVIII), se fue modificando y se dividió en
dos mitades, a la derecha e izquierda de la falda. Aunque el enorme y poco práctico
guardainfantes resultante era muchas veces objeto de caricatura, a las mujeres les
encantaba esa moda. En la corte, el guardainfante ancho finalmente se convirtió en
elemento obligatorio de la indumentaria.
Traje Flotante: Es un vestido amplio, suelto, y que no marca la cintura, el petillo
acordonado es la abotonadura del vestido hecha a partir de cordones sueltos. Tiene
mangas amplias.
En estos vestidos se encuentran los motivos pastorales que predominan en los
diseños de la época. La Mantilla es una prenda adicional que cubre los hombros y la
cabeza.
Vestido a la francesa: En el traje predomina el cuello de encaje o cintas junto con un
escote pronunciado. Se complementa con una capa con hay pliegues de watteau y
mangas pagodas. El corpiño con petillo incluido resalta la figura y hace verla mas
amplia gracias a los tontillos. Se complementa con un tocado y el cabello empolvado
Vestido Polonesa En el traje a la polaca o polonesa es un vestido entallado en la
cintura que es mas cerrado, tiene mangas planas y lazos de decoración. Cuenta con
pliegues y drapeados en la falda y sobrefalda ademas de textiles con motivos
florales.Es el vestido en donde se ve el rococo en su máximo esplendor.
ACCESORIOS:
•Pelucas altas y joyas como anillos de exquisita procedencia además sus cuellos tenían
cintas o finos pañuelos.
•El abanico y el parasol eran indispensables, acompañados de sombreros con pedrería
y flores, entre mas grandes mas arriba estaban en la sociedad.
CLAZADO FEMENINO:
Los zapatos tienen diseños extravagantes con telas hiladas con ora y hebillas con
pedreria y un pequeño y grueso tacón.

LA MODA MASCULINA
Clases sociales altas: La casaca masculina es la chaqueta que era confeccionada con
materiales como seda brocada, tiene mangas que no llegan a las muñecas rectas sino
con una ampliación, tiene una faldilla que cae hacia las rodillas y esta decorada. Se
acompaña con un pañuelo de seda, un chaleco con detalles de encaje y en hilos de
oro, con abotonadura y calzones cortos acompañados de medias hasta la rodilla
traje militar: El atuendo militar cuenta con la casaca masculina de terciopelo, con
cinturones y cintas dependiendo del rango al que pertenecían así como las insignias
correspondientes. Se acompaña con un chaleco con abotonadura y calzones cortos
con hebilla y de medias hasta la rodilla.
ACCESORIOS MASCULINOS:
•Los hombres usaron pelucas grandes con raya en medio y pelo largo con bucles que
caiam sobre los hombros.
CALZADO MASCULINO:
Los zapatos eran generalmente de cuero, con algo de tacón y cerrados adelante con
dos lenguetas abrochadas con una hebilla.
Las hebillas se usaron mucho y fueron completamente indispensables y simples para
el calzado masculino.