UNIDAD EDUCATIVA DON BOSCO EL PRADO

EDUCACIÓN MUSICAL

EL CLASICISMO MUSICAL – EL ARTE DEL EQUILIBRIO

Integrantes:
• Melissa Norelys Lisme Garcia
• Alan Matias Mena Canaviri
• Damaris Estrella Sanga Martinez
• Luciana Cardenas Cespedes
• Nicolás Erick Molina Maydana
• Sarahy Andreina Villca Balcazar

Profesor: Dennis Chipana

La Paz - Bolivia
202
Índice
1 Introducción general ........................................................................................................ 2
2 Contexto Histórico y Cultural ........................................................................................... 5
3 Características Generales del Clasicismo Musical LUCIANA ........................................ 6
4 Formas Musicales ........................................................................................................... 6
4.1 Formas Musicales - Definición .................................................................................... 6
4.2 Elementos de las Formas Musicales: ......................................................................... 6
4.3 Clasificación de las Formas Musicales ....................................................................... 7
5 Formas Musicales Instrumentales .................................................................................. 8
5.1 La Sonata .................................................................................................................... 8
5.2 Forma Sonata .............................................................................................................. 9
5.3 4.3. La Sinfonía.......................................................................................................... 10
5.4 Estructura típica de una sinfonía:.............................................................................. 11
5.5 4.4. Concierto ............................................................................................................ 11
5.6 4.6. Otras Formas Estructurales ............................................................................... 12
5.7 1. La ópera clásica .................................................................................................... 13
5.8 2. El oratorio .............................................................................................................. 14
5.9 ....................................................................................................................................... 15
5.10 3. La misa .............................................................................................................. 15
5.11 ..................................................................................................................................... 15
5.12 4. El lied (incipiente) .............................................................................................. 16
6 La Orquesta del Clasicismo SARAHY .......................................................................... 16
6.1 Características de la Orquesta del Clasicismo ......................................................... 16
6.2 Secciones: ................................................................................................................. 17
7 Principales Compositores del Clasicismo ..................................................................... 18
7.1 Ludwig van Beethoven (1770-1827) ......................................................................... 18
7.2 Joseph Haydn (1732–1809) ...................................................................................... 19
7.3 Marianne von Martínez (1744–1812) ........................................................................ 20
7.4 Maddalena Lombardini Sirmen (1745–1818) ........................................................... 22
7.5 Maria Anna Mozart (1751–1829) .............................................................................. 23
7.6 Clara Schumann(1819-1896) .................................................................................... 24
7.7 Elizabeth (Eliza) Billington (1765 – 1818) ................................................................. 25
7.8 Antonio Salieri (1750–1825) ...................................................................................... 26
8 El Legado del Clasicismo .............................................................................................. 27
9 Comparación: Barroco vs. Clasicismo vs. Romanticismo ........................................... 29
9.1 Contexto Histórico ..................................................................................................... 29
10 Conclusión ..................................................................................................................... 32

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1 Introducción general

El Clasicismo musical es un periodo fundamental en la historia de la música occidental que

abarca aproximadamente desde el año 1750 hasta 1820. Se sitúa cronológicamente entre dos
grandes movimientos: el Barroco, que lo precede, y el Romanticismo, que lo sigue. Cada uno
de estos estilos representa una forma distinta de entender la música, y el Clasicismo, en

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particular, se distingue por su búsqueda de la armonía, el equilibrio, la claridad y la belleza
formal. No es casual que esta época también coincida con el auge del pensamiento racional e
ilustrado en Europa.
Romanticismo
Fue un movimiento cultural y artístico que surgió en Europa a finales del siglo XVIII y principios
del XIX, caracterizado por la exaltación de los sentimientos, la pasión, la imaginación y el
individualismo. Se opuso al Neoclasicismo y la Ilustración, que priorizaban la razón y el
equilibrio. En lugar de ello, el romanticismo valoraba la subjetividad, la naturaleza y la libertad
creativa.
Barroco
Fue un período cultural y artístico que se desarrolló en Europa entre el siglo XVII y principios
del XVIII, caracterizado por una exuberancia decorativa, dramatismo y pasión. El término
"barroco" se asocia a la forma irregular de una perla y a un estilo que rompía con la armonía y
el equilibrio del Renacimiento.
Durante este periodo, los compositores comenzaron a alejarse de la complejidad y el exceso
decorativo característico del Barroco, para dar paso a una música más simple, elegante y
comprensible. Las melodías se volvieron más claras, simétricas y fáciles de seguir. Las frases
musicales empezaron a organizarse en estructuras balanceadas, similares a oraciones dentro
de un discurso lógico. En este sentido, la música clásica de este periodo busca no solo
conmover al oyente, sino también hablarle con claridad y orden.
Una de las grandes innovaciones del Clasicismo fue la consolidación de formas musicales bien
definidas, como la forma sonata, la sinfonía, el concierto y el cuarteto de cuerdas. Estas formas
ofrecían un marco estructurado que permitía desarrollar ideas musicales de manera lógica y
coherente, algo muy valorado en una época profundamente influenciada por los ideales de la
Ilustración, que promovía la razón, el progreso y el conocimiento accesible.
La sonata
Es una estructura clave para la composición instrumental, especialmente para piezas como
las sonatas para piano, sinfonías y cuartetos. Es una forma que se estructura en varios
movimientos, siendo el primer movimiento, el allegro, el que suele seguir la forma sonata-
allegro.
La sinfonía
que floreció en el siglo XVIII y principios del XIX, fue una forma musical orquestal de gran
importancia, caracterizada por su estructura formal y su enfoque en la claridad y el equilibrio.

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Se diferencia de la sinfonía de otros periodos por su enfoque en la forma sonata, sus
movimientos rápidos y lentos, y su énfasis en la melodía acompañada

El Concierto
es una forma musical que se caracteriza por la interacción entre un instrumento solista y una
orquesta. Es una pieza en la que se destacan las habilidades del solista, quien es acompañado
por la orquesta. El concierto clásico suele tener tres movimientos, con una estructura que se
basa en la forma sonata en el primer movimiento

En este contexto también se produjo un cambio muy importante en la relación entre la música
y la sociedad: comenzó a surgir el concepto de música para todos. Hasta entonces, la música
había estado casi exclusivamente al servicio de la nobleza o de la Iglesia. Sin embargo,
durante el Clasicismo empezaron a proliferar los conciertos públicos, y el compositor empezó
a ser visto como un artista independiente, capaz de crear obras no solo por encargo, sino
también por inspiración personal o con la intención de llegar a un público más amplio.
Además, se consolidó la orquesta moderna, con una distribución instrumental más equilibrada
y funciones más definidas para cada sección. La música dejó de ser un acompañamiento
secundario para convertirse en un arte con identidad propia, cuidadosamente estructurada y
destinada a generar tanto placer estético como reflexión intelectual.
2. Importancia del Clasicismo Musical
El Clasicismo musical tiene una importancia enorme en el desarrollo de la música occidental
por varias razones fundamentales:
En primer lugar, representa un punto de equilibrio entre emoción y razón. Después del
dramatismo intenso y la ornamentación del Barroco, los músicos clásicos buscaron una
expresión más natural, clara y mesurada. La música debía conmover, sí, pero también debía
tener sentido, ser lógica y transparente en su estructura. Esta idea se resume muy bien en una
frase que podría considerarse el lema de la época:
“La música debe agradar y conmover, pero también ser lógica y clara.”
En segundo lugar, durante este periodo se establecieron muchas de las formas musicales que
serían la base para el desarrollo posterior del Romanticismo, y que incluso hoy en día se siguen
utilizando, estudiando y apreciando. La sinfonía, el concierto para solista, el cuarteto de
cuerdas y la ópera cómica son algunos de los géneros que alcanzaron su madurez durante el
Clasicismo y que siguen siendo pilares fundamentales del repertorio clásico.

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También es importante destacar que el Clasicismo musical refleja de manera directa las ideas
y valores de la Ilustración, el gran movimiento intelectual de la época. Se creía en la posibilidad
de un mundo más racional, más justo y más ilustrado, y la música, al igual que la ciencia, la
política o la filosofía, debía contribuir a ese ideal. Por eso, se valoraban tanto la claridad, el
orden y la belleza lógica de las composiciones: eran reflejo de un pensamiento más amplio
que aspiraba a mejorar la condición humana.
Finalmente, el Clasicismo marcó el inicio de la profesionalización del compositor como figura
reconocida socialmente. Figuras como Haydn, Mozart y Beethoven no solo destacaron por su
talento, sino también por su capacidad para crear un lenguaje musical propio, combinando
tradición e innovación, forma y expresión. Con ellos, la música alcanzó niveles de perfección
técnica y expresiva que aún hoy admiramos.
En conclusión, el Clasicismo musical no solo representa un periodo de gran belleza artística,
sino también una etapa de transición crucial entre dos mundos: el arte al servicio del poder y
el arte como forma de expresión individual y universal. Su legado sigue vivo en las salas de
conciertos, en los conservatorios y en el corazón de quienes valoran la música como un
equilibrio entre emoción, razón y belleza.
2 Contexto Histórico y Cultural

El clasicismo surgió en un momento en que Occidente dejaba atrás el pensamiento medieval,

marcado por la religión, el control de la Iglesia y el feudalismo. A esa ruptura se le llamó
Renacimiento.

Las transformaciones del Renacimiento (movimiento que recibió ese nombre por simbolizar un
nuevo nacimiento de la cultura clásica, opacada durante siglos por la Iglesia) estuvieron
determinadas por sucesos trascendentales. Los más importantes fueron la invención de la
imprenta, el encuentro con el continente americano y el surgimiento de nuevos Estados
europeos.

Estos hechos tuvieron consecuencias culturales, económicas, sociopolíticas y filosóficas que

desgastaron el discurso religioso y provocaron el surgimiento del Humanismo, un nuevo ideal
que tuvo como centro al ser humano y el uso de la razón para el conocimiento de los
fenómenos.

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Junto con el auge del mecenazgo civil (es decir, de los patrocinantes artísticos no religiosos),
el Humanismo y sus cambios impulsaron un nuevo arte que volvió su mirada hacia el pasado
de la Grecia y Roma antiguas.

3 Características Generales del Clasicismo Musical LUCIANA

● Melodía: Clara, cantable y equilibrada.

● Textura: Homofónica (melodía principal + acompañamiento armónico).

● Frases simétricas: Generalmente de 4 + 4 compases.

● Dinámica expresiva: Uso de crescendo, diminuendo y contrastes.

● Formas estructuradas: Uso de la forma sonata y otras formas definidas.

● Acompañamiento: Desaparición del bajo continuo barroco.

El clasicismo se caracterizó por lo siguiente:

● Propuso volver a los valores estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica:

simplicidad, unidad, sobriedad, racionalidad, armonía y mímesis (imitación de la
naturaleza).
● Se manifestó en las distintas artes: música, literatura, escultura, pintura, arquitectura,
aunque no lo hizo simultáneamente la escultura, la pintura y varias formas literarias
del clasicismo fueron anteriores a la música clásica.
● Pretendía un modelo de arte universalista: idealista, armónico, claro, sobrio y
equilibrado a través de las proporciones matemáticas.

4 Formas Musicales

4.1 Formas Musicales - Definición

Las formas musicales son las diferentes estructuras u organizaciones que utilizan los
compositores para crear una obra musical. Son como las "plantillas" o "esquemas" que les
permiten organizar la música y darle una estructura.

4.2 Elementos de las Formas Musicales:

Duración y partes: La duración es el tiempo total de la obra. Se puede dividir en partes
reconocibles por motivos melódicos o armónicos (como parte A, parte B). En obras complejas,
como las sinfonías, hay movimientos que funcionan como secciones independientes pero
conectadas entre sí por un mismo motivo o intención.

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Tempo: Es la velocidad de interpretación, medida en pulsaciones por minuto (PPM o BPM).
Existen términos específicos para indicar diferentes velocidades, como Andante (76-108 ppm).
Métrica musical: Representada por una fracción al inicio del compás, indica la estructura
rítmica de la obra. Algunas formas musicales son identificables por su métrica, como el vals
(¾).
Instrumentación: Se refiere a los instrumentos para los que fue compuesta la obra. Por
ejemplo, el concierto destaca un instrumento solista con orquesta, y la ópera se enfoca en el
canto y la narración.
Motivo: Es la intención o función de la obra. Muchas formas musicales nacen de propósitos
específicos, como la polonesa (baile tradicional), el canto gregoriano (litúrgico) o el ballet
(teatral).
4.3 Clasificación de las Formas Musicales
Si debemos clasificar las formas, podríamos obtener 3 grupos grandes: formas instrumentales,
vocales y mixtas.

4.3.1 Formas musicales instrumentales

Son obras musicales que se interpretan solo con instrumentos, sin voces ni canto.

Ejemplos:

● Sinfonía: para orquesta, con varios movimientos.

● Sonata: para uno o pocos instrumentos, con estructura clara.

● Concierto: destaca un instrumento solista acompañado por orquesta.

4.3.2 Formas musicales vocales

Son obras pensadas para ser cantadas por voces humanas, con o sin acompañamiento
instrumental.

Ejemplos:

● Ópera: obra teatral cantada con orquesta.

● Canto gregoriano: canto litúrgico sin acompañamiento.

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 ● Coral: composición para coro.

4.3.3 Formas musicales mixtas

Son aquellas que combinan instrumentos y voces, trabajando juntos para expresar una idea
musical completa.

Ejemplos:

● Canciones populares: voz con acompañamiento (guitarra, piano, etc.).

● Oratorio: obra vocal con orquesta, generalmente religiosa.

● Cantata: parecida al oratorio, pero más corta.

5 Formas Musicales Instrumentales

5.1 La Sonata

Otra de las formas musicales del clasicismo es la sonata que fue quizás la forma más
difundida durante la época. Era destinada a ser interpretada por un solista o un dúo
(instrumento melódico y piano) con una estructura determinada por cuatro movimientos
basada en un tema principal. Esta estructura consta de la presentación, exposición,
desarrollo y recapitulación (a veces coda) de dicho tema. Ejemplo: Sonata para piano
en do menor Hob. XVI/20, L33 de Franz Joseph Haydn.

• Primer Movimiento (Allegro):

El más complejo y dramático. Generalmente en forma sonata
(exposición, desarrollo y recapitulación). Presenta los temas principales
y el carácter de la obra.
• Segundo Movimiento (Andante, Adagio o Largo):
Lento y melódico. Contrasta con el primero, ofreciendo un momento de
expresión más íntima y tranquila.
• Tercer Movimiento (Minueto o Scherzo) – opcional:
Movimiento de danza. El minueto es elegante y formal, mientras que el
scherzo (usado por Beethoven) es más rápido y juguetón.

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 • Cuarto Movimiento (Allegro, Presto o Rondo):
Final rápido y brillante. Puede estar en forma de rondó, sonata-rondó o
forma sonata, cerrando la obra con energía.

5.2 Forma Sonata

La forma sonata —también llamada forma allegro de sonata— es una de las estructuras
más importantes y utilizadas en la música instrumental del Clasicismo y el Romanticismo.
Se emplea principalmente en el primer movimiento de obras como sonatas, sinfonías,
cuartetos de cuerda y conciertos, aunque su influencia alcanza muchas otras
composiciones posteriores.

Su éxito se debe a su claridad estructural, coherencia narrativa y gran capacidad

expresiva, permitiendo al compositor crear contrastes, tensiones y resoluciones que cautivan
al oyente. Aunque la forma ha sufrido transformaciones a lo largo del tiempo, mantiene una
estructura base común dividida en tres partes principales:

5.2.1 Exposición

En esta sección se presentan los temas principales de la obra, como si fueran los personajes
de una historia. Suele incluir:

● Primer tema o sección A, en la tonalidad principal (por ejemplo, Do mayor).

● Transición, que introduce inestabilidad armónica y modula hacia una nueva

tonalidad.

● Segundo tema o sección B, en una tonalidad contrastante, como la dominante

(Sol mayor) si la obra está en modo mayor, o el relativo mayor en el caso de una
obra en modo menor.

● Codetta o sección de cierre, una conclusión que reafirma la tonalidad del segundo
tema y prepara el paso al desarrollo.

A veces se incluye una introducción lenta antes de la exposición, especialmente en obras

de Beethoven y compositores posteriores.

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 5.2.2 Desarrollo

Es la sección más libre y creativa. Aquí, los materiales temáticos de la exposición (o incluso
temas nuevos) se transforman, modifican y reelaboran mediante técnicas como:

● Modulaciones frecuentes, que generan inestabilidad tonal.

● Fragmentación de motivos, secuencias, cambios de modo (mayor a menor o

viceversa).

● Uso de contrapunto, progresiones armónicas y otras herramientas para intensificar

el discurso musical.

El desarrollo a menudo culmina con una pedal de dominante, creando tensión que se
resolverá en la siguiente sección.

5.2.3 Reexposición

La reexposición recupera el material de la exposición, pero con un cambio fundamental:

ambos temas (A y B) aparecen ahora en la tonalidad principal, resolviendo así el conflicto
tonal planteado al principio.

También pueden producirse variaciones en la instrumentación, la longitud de las frases, o

incluso en el orden de aparición de los temas (como ocurre en la forma sonata con
reexposición invertida).

Esta sección suele concluir con una coda, que refuerza la conclusión de la obra y, en algunos
casos, puede funcionar como un segundo desarrollo por su intensidad y elaboración.

5.2.4 Tipos de Sonata

Todas las piezas que utilizan la forma sonata, estan divididas y reciben un nombre en
especifico:
● La estructura de sonata aplicada a un instrumento recibe el nombre de Sonata.
● Una sonata para cuatro instrumentos (2 violines, violas y violoncellos) se llamó
Cuarteto.
● Una sonata aplicada a orquesta se llama Sinfonía.
● Una sonata aplicada a un instrumento solista acompañado de orquesta se Ilama
Concierto

5.3 4.3. La Sinfonía

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Compuesta para interpretar con orquesta completa (orquesta sinfónica), es quizás una de las
formas más grandiosas de la música clásica. Se compone de cuatro movimientos que buscan
una curva dinámica en variedad y desarollo. Sus movimientos pueden varían levemente entre
sinfonías, un ejemplo de esta estructura puede ser: sonata, movimiento lento o lírico (como el
lied), scherzo o minueto y finalmente, rondó. La sinfonía busca la excelencia en exposición de
melodía, texturas y dinámicas en la combinación de sus instrumentos.

5.4 Estructura típica de una sinfonía:

1. Allegro: Movimiento inicial, rápido y enérgico. Presenta y desarrolla los temas

principales.
2. Adagio: Movimiento lento, de carácter tranquilo y melódico. Ofrece un momento de
calma.
3. Menuetto o Scherzo: Movimiento rítmico y moderado. El menuetto es típico del
periodo clásico; el scherzo, más dinámico, del periodo romántico.
4. Finale: Movimiento final, rápido y vigoroso. Cierra la sinfonía con fuerza y a menudo
retoma ideas anteriores.

5.5 4.4. Concierto

El concierto es una de las formas musicales del clasicismo más destacadas. Es una
composición para varios instrumentos, pero con la idea de hacer relucir a un solista o solistas
específicos. Los conciertos tienen partes en las que los instrumentos juegan dinámicamente
pero también momentos en donde el instrumento principal tiene la oportunidad de mostrar su
virtuosismo o color característico. En ocasiones, incuso se dejaba un espacio abierto a
improvisación.
El concierto es como una sonata pero para orquesta con solista. Sus movimientos son tres.
Se suprime el minueto o scherzo que se utilizaban en la sonata y la sinfonía.

● Primer Movimiento (Allegro): En forma sonata con doble exposición: primero toca la
orquesta y luego el solista. Incluye una cadencia, donde el solista demuestra su
virtuosismo.
Segundo Movimiento (Andante, Adagio o Largo): Es lento y expresivo, con un
enfoque lírico que resalta la interacción entre el piano y la orquesta.
Tercer Movimiento (Allegro o Presto): Final rápido y brillante, con carácter festivo.
Suele tener forma de rondó o sonata-rondó, mostrando energía y destreza.

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 5.5.1 Esquema Primer Movimiento

1. Exposición Orquesta
2. Exposición Solista
3. Cadencia
4. Desarrollo
5. Reexposición
6. Coda

Antes la cadencia era improvisada, pero muchas veces se desvirtuaba la obra por lo que a
partir de Beethoven los compositores comienzan a escribirla para los solistas

Ejemplo: Concierto para Violín No.3 de Mozart.

4.5. Cuarteto de Cuerdas

Un cuarteto de cuerda es un conjunto musical de cuatro instrumentos de cuerda, usualmente

dos violines, una viola y un violonchelo, o una pieza escrita para ser interpretada para dicho
grupo. El cuarteto de cuerdas es ampliamente visto como una de las formas más importantes
de música de cámara, teniendo en cuenta que muchos de los compositores renombrados a
partir del siglo XVIII escribieron obras para cuarteto de cuerda

● Movimiento I – allegro, forma de sonata.

● Movimiento II – adagio, forma de lied, de sonata o tema y variaciones.
● Movimiento III – allegretto, 3 tiempos o ternario, forma de minueto y trio, y después
forma de scherzo a partir de Beethoven.
● Movimiento IV – presto, forma de rondo, rondo sonata o rondo variado.

5.6 4.6. Otras Formas Estructurales

● Forma sonata: Exposición, desarrollo, reexposición.

● Forma rondó: A-B-A-C-A (tema principal regresa).
● Tema con variaciones: Una melodía se transforma sucesivamente.
● Forma ternaria (ABA): Muy usada en movimientos lentos y minueto.

5. Formas Musicales Vocales

Durante el Clasicismo (aproximadamente 1750–1820), la música vocal dejó de ser un mero

ejercicio técnico para convertirse en un espejo de la vida cotidiana y de las aspiraciones

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humanas. Más allá de la perfección formal y la claridad estructural, los compositores buscaron
conectar directamente con el público, transmitir emociones accesibles y contar historias que
resonaran con los oyentes de todos los niveles sociales. A continuación, exploramos con
mayor profundidad y con un enfoque más cercano las principales formas vocales de la época:
5.7 1. La ópera clásica

La ópera en el Clasicismo se convirtió en un auténtico fenómeno de masas. No era solo un

espectáculo para las élites: los teatros se llenaban de personas de todos los estratos sociales,
ansiosas por emocionarse con la música y el drama humano que se representaba en escena.

5.7.1 Ópera seria

5.7.1.1 Temática y estilo

Las historias solían basarse en mitos griegos, leyendas históricas o episodios de gran
trascendencia moral. Los personajes eran casi arquetípicos: reyes, héroes y diosas luchando
contra sus pasiones y destinos. Esto permitía que, desde la butaca, el público reflexionara
sobre valores universales.

5.7.1.2 Ejemplos y anécdotas

Imagina asistir a una función en Viena y escuchar a una soprano encarnar a la reina del
inframundo; su aria –con melismas delicados y trazos de virtuosismo– podía hacer temblar a
más de uno, no solo por la técnica, sino por la intensidad emotiva que transmitía. Compositores
como Christoph Willibald Gluck, con obras como Orfeo ed Euridice (1762), revolucionaron la
ópera seria al priorizar la expresión dramática sobre la ostentación vocal. En lugar de alargar
notas para lucimiento personal, los cantantes comenzaban a moldear su canto para servir
mejor al argumento.

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 5.7.2 Ópera bufa

5.7.2.1 Naturaleza popular

Contrario a la solemnidad de la ópera seria, la bufa hablaba de la vida cotidiana: amores

imposibles, enredos familiares, personajes cómicos con los que cualquiera podía identificarse.
Las arias y dúos estaban salpicados de momentos humorísticos, logrando risas espontáneas
entre el público.

5.7.2.2 Conexión con el público

No era extraño que un obrero, un comerciante o incluso un campesino se sintiera atraído por
los personajes de la ópera bufa porque veían reflejados sus problemas: un joven enamorado
que no conseguía el visto bueno de su padre o una criada con más ingenio que su propio amo.
Wolfgang Amadeus Mozart dejó huella en este género con Le nozze di Figaro (1786) y Don
Giovanni (1787), donde cada personaje –desde el aristócrata hasta el sirviente– tenía su
momento para brillar. Durante los intermedios, la gente comentaba con entusiasmo las
ocurrencias de la trama y tarareaba las melodías al salir a la calle.

5.8 2. El oratorio

Aunque el oratorio está emparentado con la ópera por su estructura (arios, recitativos, coros),
su principal rasgo distintivo es que carece de puesta en escena. Se escucha en el recinto de
la iglesia o en salas de conciertos, sin vestuarios ni decorados teatrales, pero con toda la
solemnidad que la música sacra exige.

5.8.1 Espacio y atmósfera

Al entrar en una iglesia, el oyente se veía envuelto por el eco de las piedras antiguas, el
incienso y la iluminación tenue de los velones. En ese entorno, la música cobraba un aura casi
mística: los coros y solistas narraban pasajes bíblicos, historias de santos o episodios de
redención, buscando conmover el corazón y fortalecer la fe.

5.8.2 Compositores destacados

Joseph Haydn se destacó con oratorios como The Creation (1798), donde describía, con
vívidos recursos musicales, el Génesis. La población escuchaba cómo los timbales

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retumbaban para evocar la creación de la Tierra o cómo el coro imitaba el canto de los
animales. Wolfgang Amadeus Mozart, por su parte, compuso el Réquiem (inconcluso en vida),
una obra que trasciende lo estrictamente religioso para ahondar en la fragilidad de la existencia
humana y el anhelo de consuelo.

5.9
5.10 3. La misa

Aunque la misa tiene raíces medievales, durante el Clasicismo adquirió un nuevo brillo gracias
a la habilidad de los compositores para fusionar el respeto al texto litúrgico con la búsqueda
de melodías sencillas que emocionaran sin complejidad excesiva.

5.10.1 Estructura y propósito

Una misa clásica constaba de las partes fijas: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y
Agnus Dei. Cada sección respondía a un momento específico del rito, y debía ser entendible
para los fieles, al mismo tiempo que embellecía la ceremonia.

5.10.2 Testimonios de la época

Imagina a un campesino en Salzburgo conmovido al escuchar un coro de niños entonar el

“Gloria” de Mozart, mientras los rayos de sol se filtraban por las vidrieras de la catedral. No
necesitaba entender cada palabra en latín, porque la música, con sus crescendos y pasajes
serenos, hablaba directamente al alma.

5.10.3 Obras emblemáticas

Franz Joseph Haydn compuso sus famosas misas (p. ej., la “Missa in Angustiis”, 1798) durante
un periodo de guerras napoleónicas; aún así, buscaba infundir esperanza a través de la
música. Beethoven, aunque más conocido por sus sinfonías, también dejó una Missa solemnis
(1823) que, con su intensidad dramática, iba más allá de lo meramente litúrgico, para
convertirse en una meditación profunda sobre lo divino y lo humano.

5.11

15
 5.12 4. El lied (incipiente)
Aunque solemos asociar la gran floración del lied con el Romanticismo temprano, es en el
Clasicismo tardío donde aparecen sus semillas: pequeñas piezas para voz y piano, pensadas
para ser interpretadas en salones privados, reuniones familiares o veladas entre amigos.
Características tempranas
A diferencia de las grandes óperas o misas, el lied es íntimo. Imagina a una joven del burgués
vienés sentado al piano, tocando una sencilla melodía mientras un amigo o familiar leía un
poema en alemán. Esa brevedad y cercanía permitían que la música flotara en el ambiente sin
pretensiones de grandilocuencia.

5.12.1 Evolución y sensibilidad

Compositores como Carl Philipp Emanuel Bach y Muzio Clementi experimentaron con
canciones cortas que dejaban entrever la potencial fusión entre texto y melancolía. El piano,
aún considerado un lujo en las casas, ofrecía acompañamiento cálido y flexible: con un simple
arpegio podía sugerirse la brisa otoñal o el murmullo de un riachuelo.

5.12.2 Qué buscaba el oyente

En esas reuniones de amigos, el público no solo escuchaba la voz y el piano, sino que
participaba activamente: aplaudía suaves, pedía otra canción o comentaba la emoción que les
había provocado un verso. Era un espacio compartido donde la música servía de vehículo para
la amistad y el intercambio cultural.
6 La Orquesta del Clasicismo SARAHY

La orquesta del clasicismo fue un elemento fundamental en la evolución de la música clásica,

y su desarrollo marcó un cambio significativo en comparación con la orquesta barroca. Aquí te
cuento más sobre sus características, estructura y evolución:

6.1 Características de la Orquesta del Clasicismo

● Tamaño y Composición:
- La orquesta clásica era generalmente más pequeña que su predecesora barroca.
Mientras que las orquestas barrocas podían incluir un gran número de músicos, las
orquestas clásicas solían estar compuestas por unos 30 a 40 instrumentistas.
- La composición típica incluía cuerdas, maderas, metales y percusión, aunque el
número exacto de músicos variaba según la obra y el compositor.

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● Sección de Cuerdas:
- La sección de cuerdas era la más numerosa y fundamental en la orquesta.
Normalmente incluía dos grupos de violines (primeros y segundos), violas, violonchelos
y contrabajos.
- Los instrumentos de cuerda proporcionaban tanto melodía como armonía, siendo
responsables del cuerpo sonoro principal.

● Instrumentos de Madera:
- Los instrumentos de madera, como flautas, oboes, clarinetes y fagotes, comenzaron
a ganar prominencia durante este periodo.
- El clarinete, en particular, se convirtió en un instrumento esencial en las composiciones
clásicas debido a su versatilidad y timbre único.

● Instrumentos de Metal:
- Trompetas y trombones comenzaron a ser utilizados más frecuentemente. Las
trompetas se usaban para acentos dramáticos y fanfarrias.
- En general, los metales eran menos predominantes que en épocas posteriores.

● Percusión:
- Aunque la percusión no era tan común como hoy en día, instrumentos como los
timbales fueron utilizados ocasionalmente para añadir color y drama a las
composiciones.

6.1.1 Funciones y Roles en la Orquesta

- Director: Aunque el concepto de un director formal no estaba completamente

establecido hasta el siglo XIX, algunos compositores asumían el rol de guiar a la
orquesta.
- Primer Violín: A menudo lideraba la sección de cuerdas y ayudaba a coordinar los
ensayos.
- Concertino: Era el primer violín que interpretaba las partes más difíciles y tenía un papel
importante en las interacciones con otros instrumentos.

6.2 Secciones:

● Cuerdas: Violines I y II, viola, violonchelo, contrabajo.

● Vientos madera: Flauta, oboe, clarinete (nuevo), fagot.

● Metales: Trompas, trompetas (sin válvulas).

17
 ● Percusión: Timbales (instrumento más frecuente).

7 Principales Compositores del Clasicismo

7.1 Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Fue un compositor alemán cuyas innovaciones marcaron la transición entre el Clasicismo y el

Romanticismo musical. Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770 dentro de una familia
vinculada a la música de corte: su abuelo era Kapellmeister y su padre, tenor e instrumentista.
Desde muy joven recibió clases de Christian Neefe, convirtiéndose en organista y luego
clavecinista de la corte, y publicó sus primeras composiciones para teclado y piano antes de
cumplir trece años.

En 1787 intentó viajar a Viena para estudiar con Mozart, pero debió regresar a Bonn por la
enfermedad de su madre, quien falleció poco después. A la muerte de su madre y,
posteriormente, de su padre, Beethoven asumió la responsabilidad económica de su familia.
En 1792 se estableció definitivamente en Viena para formarse con Haydn, Albrechtsberger y
Salieri, donde pronto ganó reputación como virtuoso del piano e improvisador.

Durante la década de 1790 y principios de 1800, Beethoven publicó sonatas célebres como
Pathétique (1798) y Claro de luna (1801), dedicadas a mecenas de la alta sociedad vienesa,
y compuso música de cámara que hoy se considera cumbre del género. Su primera sinfonía
vio la luz en 1800; la Segunda en 1802, donde ya aparecía su reemplazo del minueto por un
scherzo. Entre 1803 y 1806 escribió la Tercera o “Eroica”, la Cuarta, Quinta y Sexta
(“Pastoral”), consolidando su fama como compositor radical que ampliaba las formas
sinfónicas y la importancia de los motivos.

Poco a poco Beethoven comenzó a perder la audición (desde 1798), confirmándose su sordera
total hacia 1818. Aunque este hallazgo lo sumió en una profunda crisis (reflejada en el
Testamento de Heiligenstadt, 1802), siguió componiendo a través de un fuerte sentido interno
del sonido. En 1805 creó su única ópera, Fidelio, revisada en 1814. En 1806 escribió el
Concierto para violín y los cuartetos Razumovsky; en 1809, el Concierto para piano
“Emperador”.

Entre 1811 y 1812 compuso la Séptima y la Octava sinfonías, obras muy celebradas por su
energía y belleza. Su Novena Sinfonía “Coral” (1824), con el célebre “Himno a la alegría” de

18
Schiller, marcó un hito histórico: fue la primera sinfonía en incorporar voces. A pesar de su
sordera, dirigió el estreno en mayo de 1824, y la pieza influyó profundamente en la posteridad.

En sus últimos años, ya enfermo y aislado, creó sus últimos cuartetos, sonatas y la Missa
solemnis (1823), obras de gran introspección y ambición estructural. Beethoven murió en
Viena el 26 de marzo de 1827, dejando un legado que transformó la música: sus aportes a la
forma sinfónica, la escritura de motivos, el empleo narrativo de los movimientos y la inclusión
de coros abrieron el camino a todo el Romanticismo y a la evolución de la música occidental.

7.2 Joseph Haydn (1732–1809)

Fue un compositor austríaco clave en la formación del estilo clásico. Nacido el 31 de marzo de
1732 en Rohrau (Baja Austria), procedía de una familia humilde; su padre era carnicero y su
madre hilandera. A los ocho años ingresó en el coro de la catedral de San Esteban en Viena,
donde recibió formación musical básica: canto, teclado y teoría.

Tras quedar fuera del coro por su voz cambiada, Haydn trabajó como violinista y maestro de
capilla itinerante hasta 1757, cuando obtuvo el puesto de vicekapellmeister en la corte del
príncipe Paul Anton Esterházy. A la muerte de éste, su hermano Nikolaus I mantuvo a Haydn
en la misma posición, otorgándole más libertad. Durante casi treinta años (1758–1790)
compuso bajo ese mecenazgo, escribiendo una enorme cantidad de música de cámara,
sinfonías, conciertos y obras sacras. Fue ahí donde Haydn asentó las bases de la sinfonía y
el cuarteto de cuerda, mereciéndose el título de “Padre de la Sinfonía” y “Padre del Cuarteto
de Cuerda”.

En la década de 1790, obligado a mudarse tras la disolución de la corte esterházy, viajó a

Londres donde estrenó sus Sinfonías “Londinenses” (Nos. 93–104), obras que consolidaron
su fama internacional. Regresó a Viena en 1795 y, a partir de entonces, ejerció brevemente
como profesor de Ludwig van Beethoven y mantuvo amistad y mutua admiración con Mozart
(1756–1791), de quien tomó prestados recursos expresivos, y a quien influyó en el uso del
humor y la ironía dentro de la forma clásica.

Entre sus obras más destacadas se cuentan:

19
 ● Sinfonías: escribió 104 numeradas, entre ellas las “Le Matin”, “Le Midi” y “Le Soir”
(Nos. 6–8), la “Militar” (No. 100), la “Réforme” (No. 98) y la “Sinfonía del Adiós” (No.
45), famosa porque los músicos apagan sus instrumentos progresivamente para pedir
vacaciones al príncipe.

● Cuartetos de Cuerda: compuso 68, entre ellos los “Québécois” (Op. 50) y los
“Imperiales” (Op. 76), donde perfeccionó el diálogo entre los cuatro instrumentos y
consolidó la estructura de cuatro movimientos.

● Conciertos: para violín (No. 4 en re mayor, 1778) y para piano (por ejemplo, los dos
Madrid, composiciones tempranas de 1766), así como conciertos para cello y varios
más en estilo de concierto grosso.

● Música Sacra: la “Misa en si bemol mayor” (Hob. XXII: 11, 1779) y la monumental
“Misa en mi bemol mayor” (Hob. XXII: 9, 1796–98), ambas encargos de cofradías
vienesas.

● Óperas y Oratorios: aunque su reputación radica más en música instrumental,

compuso óperas como Armida (1784) y oratorios como La Creación (1798) y Las
Estaciones (1801), obras que refleja la influencia angloholandesa tras sus visitas a
Inglaterra.

Hacia el final de su vida, Haydn se dedicó a la enseñanza y a revisiones de obras pasadas.

Falleció el 31 de mayo de 1809 en Viena, durante la ocupación napoleónica, y fue sepultado
en una fosa común (posteriormente sus restos fueron exhumados y reinterados con honores).
Su legado radica en haber sentado las bases del lenguaje sinfónico y camerístico del
Clasicismo, influyendo directamente en Mozart y Beethoven. Su estilo se caracteriza por la
claridad formal, el uso ingenioso del contrapunto dentro de estructuras equilibradas y una
notable capacidad para el humor musical (a menudo a través de inesperados cambios de
dinámica o síncopas). Gracias a Haydn, la orquesta clásica consolidó su plantilla, el cuarteto
de cuerda alcanzó madurez expresiva y la sinfonía se transformó de forma experimental a
forma establecida, estableciendo un modelo que perduró durante todo el siglo XIX y más allá.

7.3 Marianne von Martínez (1744–1812)

Compositora, pianista y cantante austríaca del periodo clásico,Marianne von Martínez, también
conocida como Marianna Martines, fue una compositora, cantante y pianista nacida el 4 de

20
mayo de 1744 en Viena, Austria, y fallecida en la misma ciudad el 13 de diciembre de 1812.
Fue una de las pocas mujeres de su tiempo que logró reconocimiento en el mundo de la música
clásica, un campo dominado casi exclusivamente por hombres.

Nacida en el seno de una familia culta con conexiones dentro de la nobleza vienesa, Marianne
creció en un ambiente propicio para el desarrollo artístico. Desde pequeña mostró un gran
talento musical. Su familia vivía en el mismo edificio que el poeta Metastasio, quien fue una
figura clave en su educación: la apoyó, la impulsó y la presentó a varios músicos importantes
de la época.

Entre sus maestros se encuentran Joseph Haydn, quien le dio clases de música cuando él
mismo vivía en el ático del edificio familiar, y Niccolò Porpora, un destacado compositor y
maestro de canto italiano. Marianne también estudió con Johann Adolph Hasse y Giuseppe
Bonno, lo que le permitió formarse con algunos de los mejores músicos de su tiempo.

Fue una niña prodigio, y a lo largo de su vida llegó a ser reconocida por su talento tanto como
intérprete como compositora. Tocaba el clavecín y el piano con gran habilidad, y también era
una soprano destacada. Fue invitada a actuar en la corte imperial de Viena y en otras casas
nobles, lo cual era muy inusual para una mujer compositora de la época.

Su estilo musical se enmarca dentro del Clasicismo vienés. Escribió obras en diversos
géneros, incluyendo música sacra, sinfonías, cantatas, sonatas para teclado y motetes. Sus
composiciones muestran claridad formal, elegancia melódica y una sólida técnica
contrapuntística.

Entre sus obras más destacadas se encuentran:

● Sonatas para clavecín

● Misa en do mayor
● Magnificat
● Motetes sacros
● Cantatas profanas y religiosas

A pesar de su éxito y talento, Marianne von Martínez nunca se casó, lo que le permitió
dedicarse plenamente a su carrera musical y mantenerse activa en los círculos culturales
vieneses. En su casa organizaba salones musicales frecuentados por figuras notables, entre
ellos Mozart, Haydn y Gluck. Incluso el joven Beethoven participó en algunos de estos
encuentros.

21
Después de su muerte en 1812, su obra cayó en el olvido durante mucho tiempo, como ocurrió
con muchas mujeres compositoras. Sin embargo, en las últimas décadas ha habido un
renovado interés por su música, y hoy se la reconoce como una figura importante dentro del
panorama musical del siglo XVIII.

7.4 Maddalena Lombardini Sirmen (1745–1818)

Violinista, compositora y cantante italiana del periodo clásico, Maddalena Laura Lombardini
Sirmen nació en Venecia, Italia, el 9 de diciembre de 1745 y falleció alrededor de 1818. Fue
una destacada violinista, cantante y compositora del Clasicismo, reconocida en su tiempo por
su virtuosismo instrumental y por haber roto barreras como mujer en el ámbito de la música
profesional.

Maddalena ingresó desde muy joven en el Ospedale dei Mendicanti de Venecia, una institución
benéfica y musical para niñas, donde recibió una formación musical rigurosa. Este tipo de
escuelas eran conocidas por formar a mujeres músicas de gran nivel. En el Mendicanti estudió
violín, canto y composición.

Más tarde, recibió apoyo y orientación del célebre violinista y compositor Giuseppe Tartini,
quien la consideró una de sus alumnas más prometedoras. Tartini incluso le escribió una
famosa carta sobre el arte de tocar el violín, donde le da consejos técnicos y filosóficos sobre
la interpretación.

Lombardini se destacó especialmente como violinista virtuosa, una rareza en su tiempo, ya

que era muy inusual que las mujeres tocaran el violín en público, y aún menos que
compusieran para este instrumento. A mediados de la década de 1760, comenzó una exitosa
carrera como solista por Europa, ofreciendo conciertos en ciudades como París y Londres,
donde fue muy bien recibida.

En 1767, se casó con Ludovico Sirmen, también músico y violinista, y juntos realizaron giras
como dúo. Sin embargo, Maddalena continuó usando su propio nombre artístico, señal de su
reputación independiente.

Como compositora, escribió principalmente música instrumental, destacando sus:

● Seis conciertos para violín

● Seis cuartetos de cuerda
● Sonatas para violín y bajo continuo

22
 ● Tríos y dúos para cuerda

Su música sigue los principios del Clasicismo: equilibrio formal, claridad melódica y elegancia.
También muestra gran habilidad técnica y un profundo conocimiento del violín, fruto de su
formación y experiencia como intérprete.

En sus últimos años, se dedicó más al canto y a la enseñanza. Aunque con el tiempo su obra
fue olvidada, hoy en día se la considera una de las primeras mujeres violinistas y compositoras
en alcanzar fama internacional y una figura pionera en la historia de las mujeres en la música.

7.5 Maria Anna Mozart (1751–1829)

Pianista y clavecinista austriaca, hermana de Wolfgang Amadeus Mozart, Maria Anna

Walburga Ignatia Mozart, conocida familiarmente como "Nannerl", nació el 30 de julio de 1751
en Salzburgo, Austria, y murió el 29 de octubre de 1829. Fue una destacada pianista y
clavecinista del periodo clásico, y hermana mayor del célebre compositor Wolfgang Amadeus
Mozart.

Desde muy temprana edad, Nannerl mostró un talento musical excepcional. Fue educada por
su padre, Leopold Mozart, un músico y pedagogo riguroso que escribió un influyente tratado
sobre el violín. Al igual que su hermano, Maria Anna recibió formación en teclado, composición
y teoría musical.

Durante su infancia y adolescencia, viajó por Europa con su familia dando conciertos como
niña prodigio. En muchas de esas giras, especialmente entre 1762 y 1769, Nannerl fue
presentada como igual en talento a Wolfgang, y su virtuosismo al piano fue ampliamente
elogiado por el público y la nobleza.

Sin embargo, a medida que crecía, las expectativas sociales de la época comenzaron a limitar
sus oportunidades. A diferencia de su hermano, Nannerl no pudo continuar su carrera musical
como solista una vez que alcanzó la edad adulta, debido a las normas sociales que restringían
el papel de la mujer en el ámbito profesional. Su padre priorizó la carrera de Wolfgang, y se
esperaba que ella cumpliera con su rol tradicional como esposa y madre.

Aun así, Maria Anna continuó tocando, componiendo y enseñando música de forma privada.
Aunque no se conserva ninguna de sus composiciones, existen referencias que indican que

23
escribió obras que su hermano admiraba sinceramente. En cartas familiares, Wolfgang elogió
su música y la animó a seguir componiendo, lo que sugiere que tenía una voz creativa propia.

En 1783, se casó con Johann Baptist Franz von Berchtold zu Sonnenburg, un magistrado viudo
con cinco hijos. Vivió con él en St. Gilgen y tuvo tres hijos propios. Después de enviudar,
regresó a Salzburgo, donde pasó sus últimos años como profesora de música, muy respetada
localmente, pero alejada de la vida pública que en su juventud había conocido.

Maria Anna Mozart vivió hasta los 78 años, mucho más que su hermano, y aunque su carrera
fue interrumpida por las limitaciones sociales de su tiempo, hoy se la reconoce como una figura
clave del entorno musical del siglo XVIII, y como una mujer de talento comparable al de los
grandes músicos de su época.

7.6 Clara Schumann(1819-1896)

Clara Schumann de soltera Wieck (1819-1896) nació en Leipzig, Alemania, de una madre
cantante de talento y un padre difícil y dominante que, sin embargo, fue un profesor de gran
renombre de piano que la empujó a convertirse en una niña prodigio. A los 14 años, dio el
estreno de su propio Concierto Piano , con la dirección de Mendelssohn. A los 18 años se
había convertido en una de las principales virtuosas de Europa; una crítica anónima informó:
"En sus manos creativas, el pasaje más ordinario, el motivo más rutinario adquiere un
significado significativo, un color, que sólo pueden dar aquellos con el arte más consumado".

Conoció a Robert Schumann cuando vino a estudiar con el Sr. Wieck en 1830. En 1840, Clara
y Robert se casaron, por las fuertes objeciones de Wieck. Durante los primeros años de su
matrimonio, ella consiguió componer algunas canciones y piezas de piano , pero cuando la
familia se trasladó a Düsseldorf en 1853, ella se volvió significativamente más productiva,
componiendo varias obras importantes, incluyendo su Op. 20 Variaciones sobre un tema de
Robert Schumann y Seis canciones, Op. 23. Tuvo ocho hijos y se hizo cargo de muchas de
las responsabilidades del hogar.

Como principal sostén de la familia, Clara Schumann hizo giras y dio conciertos prácticamente
toda su vida. Estableció nuevos estándares de actuación que continúan hasta hoy, incluyendo
la interpretación de recitales y conciertos de memoria. Era una improvisadora talentosa, que
algunos estudiosos creen quemiércoles la llevó a tender un puente entre sus personalidades
como pianista y compositora. En sus recitales, promovió a compositores contemporáneos, en

24
particular a su Robert y al joven Johannes Brahms, y también interpretó música menos
conocida de Bach y D. Scarlatti. A lo largo de los años, dio 238 conciertos con el titán del violín
Joseph Joachim por toda Alemania e Inglaterra, durante los cuales se hicieron especialmente
famosos por sus interpretaciones de las sonatas para violín de Beethoven. Fue a través de
Joachim que los Schumann conocieron a Brahms, que se hizo muy cercano a la familia
Schumann. Trágicamente, Robert sufrió un colapso mental en 1854, intentó suicidarse y fue
internado en un asilo, después del cual nunca más lo volvió a ver. Murió allí dos años y medio
después a los 46 años. Clara compuso poco en los años siguientes a la muerte de Robert,
dejándonos sólo 23 obras publicadas.

disposición para cualquier comentario o sugerencia que desee realizar. Atentamente,

Si hubiera compuesto más, Clara Schumann podría haber alcanzado las alturas artísticas de
su marido compositor, que a menudo la animaba. La pareja incluso escribió una obra juntos,
12 Canciones de Liebesfrühling (Primavera del amor, poemas de Friedrich Rückert), su Op.
12 y su Op. 37; tres de 12 eran de ella. Componer fue sólo una pequeña pieza de su notable
vida artística, pero es la principal forma en que el público de hoy puede explorar su rico legado.
"Componer me da un gran placer", escribió. "No hay nada que supere la alegría de la creación,
aunque sólo sea porque a través de ella se ganan horas de olvido de sí mismo, cuando se vive
en un mundo sonoro."

7.7 Elizabeth (Eliza) Billington (1765 – 1818)

Una de las cantantes más reconocidas de la ópera inglesa del siglo XVIII, Elizabeth Weichsel,
más conocida por su nombre artístico Eliza Billington, fue una célebre soprano inglesa nacida
en Londres en 1765. Hija de músicos, desde pequeña mostró talento para el canto y el piano.
Se casó con el contrabajista James Billington, y adoptó su apellido como nombre artístico.
Destacó en los principales teatros de Londres e Italia durante el periodo del clasicismo musical
(1750–1820), especialmente por sus interpretaciones de óperas italianas. Su voz refinada y su
dominio técnico la convirtieron en una de las cantantes más admiradas de su época. A pesar
de ciertas controversias en su vida personal, fue una figura muy influyente en la escena
operística.

Carrera artística:

25
 •Comenzó su carrera en Londres, donde destacó por su técnica vocal refinada y
expresividad dramática.

•Se presentó en los teatros más importantes, como el King’s Theatre y Covent Garden.

•Fue especialmente admirada por su participación en óperas italianas, interpretando

papeles exigentes con gran destreza.

•A finales del siglo XVIII, se trasladó a Italia, donde perfeccionó su estilo y alcanzó aún
mayor reconocimiento.

Reconocimiento y legado:

•Fue considerada una de las mejores sopranos de su tiempo.

•A pesar de ciertos escándalos y rumores sobre su vida personal, fue muy respetada
por su talento vocal y presencia escénica.

•Su estilo marcó la transición entre el canto barroco y el bel canto romántico.

Muerte:

•Murió en Venecia en 1818, dejando una huella importante en la historia del canto lírico.

Eliza Billington no compuso música, pero su voz y talento interpretativo fueron fundamentales
para dar vida al repertorio clásico, especialmente en la ópera. Como muchas cantantes
célebres de su tiempo, ayudó a consolidar la ópera como uno de los géneros más importantes
del clasicismo musical.

7.8 Antonio Salieri (1750–1825)

Compositor, director y maestro italiano-austríaco del Clasicismo

26
Salieri nació en Legnago, Italia, y fue llevado a Viena siendo adolescente, donde desarrolló
toda su carrera musical. Fue alumno del compositor Florian Leopold Gassmann y rápidamente
ganó fama en la corte de los Habsburgo. Se convirtió en maestro de capilla imperial y uno
de los compositores de ópera más importantes de su tiempo, especialmente en Viena y
París.

Compuso tanto óperas serias como cómicas en varios idiomas (italiano, alemán y francés). Su
ópera más famosa fue "Les Danaïdes", muy aclamada en Francia. También escribió música
sacra y obras instrumentales.

Además de su labor como compositor, fue un prestigioso maestro de música: enseñó a

grandes figuras como Beethoven, Schubert, Liszt y Czerny.

En el siglo XX fue injustamente recordado por la leyenda de que envidiaba a Mozart,

supuestamente hasta el punto de haberlo envenenado, aunque no hay evidencia histórica de
eso. Hoy se reconoce su verdadero valor musical y su importante influencia pedagógica.

8 El Legado del Clasicismo

● Formalización de las formas (sonata, sinfonía, cuarteto).

● Fundamento de la música académica moderna.
● Influencia en compositores del Romanticismo (Schubert, Brahms).
● Sus obras siguen interpretándose en todo el mundo.
Legado del Clasicismo

● Orquesta Moderna

El Clasicismo definió la configuración básica de la orquesta sinfónica que usamos hoy,

incorporando instrumentos específicos y roles definidos.

Influencia en movimientos posteriores:

•Inspiró a corrientes como el Neoclasicismo (siglo XVIII) y el academicismo.

•También influyó en el Renacimiento, que revalorizó la cultura grecolatina.

Consolidación del racionalismo:

•Promovió el uso de la razón y el pensamiento lógico como guía del

conocimiento y la creación artística.

27
 •Esta idea fue clave en la Ilustración y en el desarrollo de la ciencia moderna.

Sistema de reglas estéticas:

•Dejó un conjunto de normas y estructuras que todavía se estudian en retórica,

poética y teoría del arte (como las unidades de tiempo, lugar y acción en el teatro
clásico).

Canon de autores clásicos:

•Gracias al clasicismo, se consolidó un canon literario de autores “ejemplares”

como Homero, Virgilio, Horacio, Sófocles, entre otros, que siguen siendo estudiados.

Desarrollo del arte académico:

•Su influencia fue clave en la creación de academias de arte que enseñaban

normas clásicas de composición, dibujo, escultura, arquitectura y literatura.

Arquitectura monumental y simbólica:

•Inspiró edificaciones públicas y gubernamentales con columnas, frontones y

proporciones clásicas, como en París, Londres, Washington, Roma.

● Formas Duraderas

Las formas como la sinfonía y la sonata establecidas en este periodo siguen siendo
fundamentales en la música clásica contemporánea.

● Influencia Posterior

● Compositores del Romanticismo y épocas siguientes se fundamentaron en la técnica y

estructura clásica para expandir la expresión musical.

● Estilo Apreciado

Hoy en día, el Clasicismo es valorado por su elegancia, accesibilidad y la perfección

formal que representa dentro del repertorio musical.

Influencia en movimientos posteriores

28
 - Inspiró a corrientes como el Neoclasicismo (siglo XVIII) y el academicismo.
- También influyó en el Renacimiento, que revalorizó la cultura grecolatina.
- Consolidación del racionalismo
- Promovió el uso de la razón y el pensamiento lógico como guía del conocimiento y la
creación artística.
- Esta idea fue clave en la Ilustración y en el desarrollo de la ciencia moderna.

Sistema de reglas estéticas

- Dejó un conjunto de normas y estructuras que todavía se estudian en

retórica, poética y teoría del arte (como las unidades de tiempo, lugar y acción en el
teatro clásico).

- Canon de autores clásicos

- Gracias al clasicismo, se consolidó un canon literario de autores

“ejemplares” como Homero, Virgilio, Horacio, Sófocles, entre otros, que siguen siendo
estudiados.

- Desarrollo del arte académico

- Su influencia fue clave en la creación de academias de arte que

enseñaban normas clásicas de composición, dibujo, escultura, arquitectura y literatura.

- Arquitectura monumental y simbólica

- Inspiró edificaciones públicas y gubernamentales con columnas,

frontones y proporciones clásicas, como en París, Londres, Washington, Roma.

9 Comparación: Barroco vs. Clasicismo vs. Romanticismo

9.1 Contexto Histórico

Barroco
● La música estaba al servicio de los reyes y de la iglesia.
● Era usada para mostrar poder y grandeza.
● Vivíamos en un mundo de monarquías absolutas y mucha religión.

Clasicismo

29
 ● Surge con la Ilustración, una época que valoraba la lógica, la razón y el orden.
● Nace la clase media, y la música comienza a llegar a más personas.
● Se organizan los primeros conciertos públicos.

Romanticismo
● El mundo cambia mucho: hay revoluciones, guerras y movimientos sociales.
● La gente empieza a expresar sus emociones, miedos y pasiones.
● El arte se vuelve más personal e individual.

Comparación
● El Barroco se centra en mostrar poder, el Clasicismo busca orden y equilibrio, y el
Romanticismo expresa emociones profundas y libertad personal.

9.2. TEXTURA MUSICAL (Cómo se combinan las voces o melodías)

Barroco
● Se usaban varias melodías al mismo tiempo (polifonía).
● Cada instrumento o voz tenía su propia línea musical.

Clasicismo
● Se usa una melodía principal acompañada por acordes (homofonía).
● Todo está pensado para que la melodía principal se entienda bien.

Romanticismo
● Se mezcla polifonía y homofonía según la emoción.
● A veces una sola melodía, otras veces muchas juntas.

Comparación
● El Barroco mezcla muchas melodías a la vez, el Clasicismo da claridad a una sola
melodía, y el Romanticismo usa ambos estilos según lo que quiera transmitir
emocionalmente.

9.3. Dinámicas (Volumen en la Música)

Barroco
● Los cambios de volumen eran bruscos: fuerte o suave, sin intermedios.

30
 ● No había crescendo o diminuendo (subir o bajar gradualmente).

Clasicismo
● Se empieza a usar el crescendo y diminuendo.
● El volumen cambia de forma suave y controlada.

Romanticismo
● Cambios de volumen muy marcados y expresivos.
● Puede pasar de muy suave a muy fuerte para causar emoción.
● Comparación
● En el Barroco, el volumen cambia de golpe. En el Clasicismo, cambia de forma suave
y lógica. En el Romanticismo, el volumen refleja emociones y puede ser extremo.

9.4. Formas Musicales (Tipos de Composiciones)

Barroco
● Fuga, suite, oratorio, cantata, concierto grosso.
● Música con estructuras muy rígidas y repetitivas.
Clasicismo
● Sonata, sinfonía, cuarteto, concierto solista.
● Formas más claras y con desarrollo musical ordenado.

Romanticismo
● Lied, poema sinfónico, miniaturas, óperas largas.
● Algunas formas clásicas se mantienen, pero también aparecen formas libres.

Comparación
● El Barroco usa formas complejas y estructuradas, el Clasicismo usa formas claras y
ordenadas, y el Romanticismo busca formas libres y expresivas.

9.5. Instrumentación (Qué instrumentos se usaban)

Barroco
● Clavecín, violines, órgano, laúd.
● Orquestas pequeñas y uso del bajo continuo.

Clasicismo
● Aparece el piano (reemplaza al clavecín).
● Se forma la orquesta clásica con cuerdas, vientos y percusión.

31
 Romanticismo
● Orquesta mucho más grande.
● Más variedad de sonidos (harpas, trombones, más percusión...).
● El piano se vuelve el instrumento más importante para los compositores.

Comparación
● El Barroco usa instrumentos antiguos y orquestas pequeñas, el Clasicismo tiene
orquestas más completas y ordenadas, y el Romanticismo expande la orquesta con
nuevos sonidos y más fuerza.

9.6. Papel del Compositor

Barroco
● El compositor era como un empleado de la iglesia o la corte.
● Componía por encargo, no por gusto personal.

Clasicismo
● Algunos compositores aún trabajaban para nobles, pero con más libertad.
● Empiezan a hacer conciertos públicos.

Romanticismo
● El compositor se ve como un artista libre, un genio que expresa sus emociones.
● Vive de su música, vende partituras, da conciertos, no depende de un patrón.

Comparación
● En el Barroco, el compositor servía a los poderosos. En el Clasicismo, tiene más
independencia. En el Romanticismo, el compositor es un artista libre y emocional.
10 Conclusión

El Clasicismo musical, conocido como el arte del equilibrio, representa un momento clave en
la historia de la música occidental. Surgido en un contexto de transformación cultural e
intelectual, reflejó los ideales de la Ilustración: claridad, orden y proporción. Sus características
generales, como la búsqueda de la belleza a través de la simplicidad y la forma, se expresaron
con fuerza en las obras instrumentales y vocales de la época.

Formas como la sonata, la sinfonía, el concierto y el cuarteto de cuerdas permitieron el

desarrollo de una estructura musical coherente y lógica, donde cada movimiento cumplía una
función dentro del todo. Del mismo modo, las formas vocales como la ópera, el oratorio y el

32
lied comenzaron a destacar por su expresividad y su conexión con el texto. La orquesta clásica
evolucionó hacia una formación más equilibrada, con secciones bien definidas, dando lugar a
nuevas posibilidades sonoras.

Los grandes compositores del Clasicismo —Haydn, Mozart y Beethoven— no solo

perfeccionaron estas formas, sino que también dejaron una huella duradera que influenció a
generaciones posteriores. Comparado con el estilo recargado del Barroco y la intensidad
emocional del Romanticismo, el Clasicismo se mantiene como un modelo de armonía y
racionalidad.

En definitiva, el legado del Clasicismo no solo transformó la manera de componer y escuchar

música, sino que elevó este arte a un nuevo nivel de universalidad y perfección formal, valores
que siguen inspirando hasta hoy.

33