1) El conductus nació como una nueva homorritmia con una melodía simple a
partir de la polifonía, que pasó con su textura?
Inicialmente, el conductus se caracterizó por tener una textura homofónica u
homorítmica, es decir: Todas las voces cantaban las mismas sílabas al mismo
tiempo, lo que lo diferenciaba del organum melismático de la Escuela de Notre
Dame (como el de Léonin o Pérotin), donde una voz (el tenor) sostenía largas notas
mientras las voces superiores cantaban melodías muy ornamentadas. En cambio, el
conductus ofrecía claridad textual y rítmica, algo muy importante para el
entendimiento del texto.
Evolución de su textura:
Con el tiempo, si bien el conductus mantuvo su homorritmia como característica
central, también:
Se incrementó la complejidad melódica de las voces, especialmente en los pasajes
de cauda (secciones melismáticas que podían aparecer al final de frases).
Estas caudae introdujeron momentos de mayor virtuosismo y separación rítmica, lo
que suavemente fue desdibujando esa homogeneidad inicial.
Algunas composiciones comenzaron a mostrar una textura más imitativa o
contrapuntística, aunque esto no era la norma.
2) El motete nace de las distintas propuestas polifonicas de la época, entre ellos
el conductus, las clausulas y el discantus. Que curiosidad gesta la utilización
de los textos del motete?
La gran curiosidad (y originalidad) del motete está en que, a diferencia de las formas
anteriores, cada voz podía tener su propio texto, y además esos textos podían ser:
Diferentes entre sí, en contenido y en idioma (por ejemplo, una voz en latín con texto
sacro, y otra en francés con texto profano).
Superpuestos sobre un tenor que solía mantener un fragmento melódico tomado del
canto llano (generalmente un fragmento de canto gregoriano, como de un
responsorio o antífona).
A veces, los textos comentaban o contrastaban con el texto del tenor, generando
una forma primitiva de polifonía semántica: dos o más ideas expresadas al mismo
tiempo.
¿Qué motivó esta curiosidad?
1. Juego intelectual y retórico: los compositores de la época, muchos de ellos
clérigos o estudiosos, disfrutaban de los retos formales y semánticos. Superponer
textos con sentidos distintos (o incluso contradictorios) era una forma de expresar
complejidad y sutileza teológica o filosófica.
2. Separación entre lo sacro y lo profano: el motete se convirtió en un espacio para
explorar temas profanos dentro de un marco musical sacro, como una especie de
collage. Esto reflejaba una sociedad en la que lo religioso y lo secular comenzaban a
coexistir en el arte.
3. Desarrollo de la notación modal y la precisión rítmica: permitieron mayor
independencia entre las voces, lo que hizo posible esta polifonía textual tan
compleja.
4. Experimentación con el lenguaje: el uso de varios idiomas (latín, francés, etc.) en
una misma pieza revelaba un gusto por la experimentación con los sonidos y
significados del lenguaje, muy característico del siglo XIII.
3) El hoquetus lanza una nueva perspectiva compositiva y posee una herramienta
fundamental en su composición, cuál es?
La herramienta fundamental del hoquetus es la interrupción rítmica alternada entre
voces, lo que se conoce como "hiccup" o “jadeo” (de hecho, hoquetus en latín
significa precisamente eso: hipo o salto).
¿En qué consiste concretamente esta técnica?
Se basa en una distribución fragmentada de una única línea melódica entre dos o
más voces.
Mientras una voz canta, la otra guarda silencio (indicado por pausas o rests), y
viceversa, generando un efecto entrecortado, como si la melodía se “pasara” de una
voz a otra.
Esta alternancia rítmica se vuelve una estructura compositiva en sí misma, no solo
un efecto superficial.
¿Por qué es una nueva perspectiva compositiva?
1. Rompe con la continuidad melódica tradicional, creando música que se construye
no solo con notas, sino también con silencios cuidadosamente distribuidos.
2. Introduce un enfoque casi mecánico o lúdico en la escritura polifónica, que influye
profundamente en el desarrollo del ars nova.
3. Es una de las primeras técnicas que trata el ritmo y el silencio como elementos
estructurales tan importantes como la melodía.
¿Dónde aparece el hoquetus?
En obras de compositores de Notre Dame como Pérotin, pero sobre todo se
desarrolla en el Ars Antiqua y Ars Nova
Guillaume de Machaut lo utiliza de forma magistral.
También aparece en formas vocales e instrumentales, y se desarrolla especialmente
en escuelas francesas.
4) En el siglo 14 aparece un nuevo arte a causa de cambios sociopolítica y
económicos, de que manera influye en las nuevas formas de componer?
En el siglo XIV, la música europea experimenta una transformación profunda debido
a una serie de cambios sociopolíticos, económicos y culturales, que dieron lugar a
un nuevo estilo musical conocido como el Ars Nova (Arte Nuevo), en contraste con
el Ars Antiqua del siglo XIII.
Cambios contextuales que influyen:
1. Crisis del orden feudal y debilitamiento del poder eclesiástico (la Iglesia deja de
ser el único centro de producción cultural).
2. Crecimiento de las ciudades y de una burguesía laica educada con poder
económico.
3. Guerras (como la de los Cien Años), epidemias (como la Peste Negra) y tensiones
políticas (como el Cisma de Occidente).
4. Aumento de la escolarización laica, con mayor acceso a la escritura y a
conocimientos matemáticos y filosóficos.
¿Cómo influyen estos cambios en las formas de componer?
1. Autonomía del arte musical:
El compositor comienza a verse como individuo creativo, no solo como servidor del
culto religioso.
Se desarrollan obras no litúrgicas, con textos profanos, muchas veces de contenido
político, moral o amoroso.
2. Mayor complejidad rítmica:
Gracias al tratado Ars Nova de Philippe de Vitry, se incorpora un nuevo sistema de
notación mensural que permite.
División ternaria y binaria del compás.
Superposición de distintos valores rítmicos (lo que permite isorritmia, sincopas,
prolaciones).
Más libertad rítmica y métrica en comparación con la rigidez del Ars Antiqua.
3. Isorritmia y estructura matemática:
En los motetes isorrítmicos, las estructuras rítmicas (talea) y melódicas (color) se
planifican con precisión matemática.
Esto refleja una cosmovisión más intelectualizada, casi arquitectónica del arte.
4. Separación de música vocal y música instrumental:
Se comienza a componer específicamente para instrumentos o se diferencian
claramente las funciones de cada uno.
5. Cultivo de formas fijas:
En Francia surgen las formes fixes (rondeau, ballade, virelai)
En Italia se desarrollan la madrigal, la ballata y la caccia.
Estas formas muestran una preocupación por la estructura formal cerrada y
simétrica, propia de una mentalidad racionalista emergente.
6. Lenguas vernáculas:
Aparece música escrita en lenguas como el francés, el italiano y el inglés, lo que
refleja la creciente importancia de las culturas nacionales.
5) Philippe Devitry sin duda inicia el marcado "arte nuevo" pero hay un
compositor particular que influye en esta nueva era, de que manera influye? Y
como influye en la música litúrgica?
Philippe de Vitry es el teórico clave del Ars Nova, pero el compositor más influyente
y representativo de esta nueva era es sin duda Guillaume de Machaut (ca. 1300–
1377).
¿De qué manera influye Guillaume de Machaut en esta nueva era musical?
1. Consolida la transición del Ars Antiqua al Ars Nova
Si Vitry proporciona las herramientas teóricas (nueva notación, mensuración rítmica),
Machaut las lleva a la práctica compositiva de forma magistral.
Explora al máximo las nuevas posibilidades rítmicas, melódicas y estructurales,
como la isorritmia, las formas fijas y el uso del contrapunto libre.
2. Desarrolla y perfecciona las formas profanas
Es el principal compositor de formes fixes francesas: rondeau, ballade y virelai.
Integra poesía y música con una unidad estética sin precedentes, ya que él mismo
escribía los textos de muchas de sus composiciones.
3. Introduce una nueva figura de compositor-artista
Machaut es uno de los primeros compositores que firma sus obras, y que organiza y
conserva su producción completa en manuscritos.
Se presenta como un autor consciente de su legado, algo muy moderno para su
época.
¿Cómo influye en la música litúrgica?
1. Compone la primera misa cíclica de autor que se conserva: Messe de Nostre
Dame
Esta obra, escrita hacia 1360, es la primera misa completa (con todas las secciones
del Ordinario) atribuida a un solo compositor, escrita como una unidad estilística
coherente.
Antes, las partes de la misa solían componerse de forma anónima y separada.
2. Aplica técnicas del Ars Nova a lo sacro
La misa utiliza isorritmia, complejidad rítmica y estructuras simétricas dentro del
contexto litúrgico.
Esto implica que los recursos de la música profana y secular pasan a formar parte
de la música religiosa, lo cual es una innovación enorme.
3. Establece un modelo para la misa polifónica posterior
La Messe de Nostre Dame influye directamente en compositores del siglo XV como
Dufay y Ockeghem, que seguirán escribiendo misas cíclicas sobre modelos
unificados.
