PROGRAMA PROFESIONAL EN PRODUCCIÓN MUSICAL PRO 3 AÑOS

Institución: Instituto de Estudios Técnicos de Lima (LITS)

Duración: 3 años (6 módulos semestrales)
Modalidad: 100% en línea
Certificación Final: Diplomado Profesional en Producción Musical
Carga horaria por módulo: 16 semanas

INTRODUCCIÓN AL PROGRAMA
La música del siglo XXI se produce en un universo tecnológico, creativo y
global. Este Programa Profesional en Producción Musical está diseñado para
formar creadores integrales capaces de producir obras musicales con un
enfoque artístico, técnico y empresarial. Con una metodología activa,
colaborativa y orientada a proyectos reales, este programa online te conectará
con la industria musical contemporánea y te dará las herramientas para
construir una carrera sostenible.

¿QUÉ HACE UN PRODUCTOR MUSICAL MODERNO?

El productor musical moderno es un agente creativo, técnico y gestor que lidera
el proceso de creación sonora desde la concepción artística hasta la
publicación. Colabora con artistas, arreglistas, ingenieros, sellos y plataformas.
Domina DAWs, sintetizadores, mezcla, narrativa sonora y estrategias de
difusión.

PERFIL DE INGRESO
Este programa está dirigido a:
• Músicos empíricos o formales.
• Productores autodidactas.
• Creadores sonoros, DJs, beatmakers.
• Comunicadores, realizadores audiovisuales.
• Interesados en la industria musical.
Requisitos:
• Interés por la música y la tecnología.
• Conocimientos básicos de computación.
• Acceso a equipo básico de producción (laptop, interfaz, micrófono,
auriculares).

PERFIL DE EGRESO
El egresado será capaz de:
• Diseñar, producir, grabar, mezclar y publicar proyectos musicales.
 • Colaborar profesionalmente en la industria musical y audiovisual.
• Crear su propio portafolio y marca artística.
• Entender el negocio musical y sus modelos de gestión.

ÁREAS DE DESARROLLO PROFESIONAL

• Producción discográfica.
• Composición para audiovisuales y videojuegos.
• Sonido para cine, TV, teatro y medios interactivos.
• Publicidad sonora.
• Producción en vivo.
• Educación musical.
• Sello discográfico propio o freelancing internacional.

VALOR DIFERENCIAL DEL PROGRAMA

• Formación integral 360°: técnica + artística + empresarial.
• Enfoque creativo e interdisciplinario.
• Desarrollo de marca personal y sostenibilidad de carrera.
• Proyectos reales + portafolio profesional desde el inicio.
• Mentorías con expertos activos en la industria.

METODOLOGÍA DE ENSEÑANZA
• Learning by doing.
• Clases sincrónicas y asincrónicas.
• Trabajo por proyectos.
• Evaluación continua.
• Masterclasses y laboratorios creativos.

ESTRUCTURA CURRICULAR POR MÓDULOS

MÓDULO 1: Introducción a la Producción Musical

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Fundamentos del Lenguaje Musical
Objetivo: Comprender los elementos básicos de la música (ritmo, melodía,
armonía).
Enfoque: Lectura, escritura musical y entrenamiento auditivo inicial.
Resultado: Capacidad de analizar estructuras simples y crear bocetos
musicales.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Introducción al DAW (Digital Audio Workstation)
Objetivo: Familiarizarse con software de producción musical (Ableton Live, FL
Studio o Logic Pro).
Enfoque: Interfaz, grabación, edición básica, MIDI.
Resultado: Crear un beat instrumental sencillo desde cero.
Herramientas: Ableton Live / FL Studio / Logic Pro, plugins gratuitos (Spitfire
LABS, Kontakt Player), interfaz de audio, micrófono condensador, auriculares
cerrados.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Historia del Sonido en Medios
Objetivo: Reconocer el papel del sonido y la música en medios como cine,
publicidad y videojuegos.
Enfoque: Escucha activa, análisis de fragmentos audiovisuales, exploración de
estilos.
Resultado: Ensayo audiovisual con ejemplos comentados.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Introducción a la Industria Musical
Objetivo: Comprender la cadena de valor de la música (producción,
distribución, promoción).
Enfoque: Modelos de negocio, plataformas digitales, primeros pasos como
artista independiente.
Resultado: Mapa de carrera personal y plan de acción inicial.

PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 1

Proyecto: Producción de una pieza musical original de 1 minuto.
• Composición e interpretación en DAW.
• Breve pitch creativo y reflexión del proceso.
• Presentación en showcase online del grupo.
Evaluación:
• Participación en clase y foros: 20%
• Trabajos prácticos semanales: 40%
• Proyecto final y pitch: 40%

PROYECTO INTEGRADOR FINAL

En el último semestre, cada estudiante desarrollará:
 • Un álbum, EP o soundtrack completo.
• Documentación del proceso creativo y técnico.
• Plan de lanzamiento.
• Presentación pública (pitch + showcase online).

MÓDULO 2: Lenguaje Sonoro y Digital

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Estructuras Musicales Contemporáneas
Objetivo: Estudiar formas musicales modernas, estructuras de canciones y
música popular.
Enfoque: Análisis formal de canciones, estructuras AABA, verso-coro, puentes,
hooks.
Resultado: Diseño de estructura musical original.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Edición y Diseño Sonoro
Objetivo: Comprender las técnicas básicas de edición digital, manipulación de
audio y diseño de sonido.
Enfoque: Uso de efectos, edición por regiones, automatizaciones, capas de
sonido.
Resultado: Edición creativa de audio en una pieza de 30 seg.
Herramientas: DAW (a elección), FabFilter Suite, Valhalla Reverb, Kontakt,
iZotope Elements.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Sonido y Narrativa Visual
Objetivo: Entender la relación entre sonido, música y acción en pantalla.
Enfoque: Ejercicios de scoring, sincronización de efectos, ambientación.
Resultado: Musicalización de un clip audiovisual de 1 minuto.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Creatividad y Composición
Objetivo: Estimular la creación musical personal mediante herramientas
compositivas y técnicas de ideación.
Enfoque: Motivación creativa, escritura colaborativa, ejercicios de composición
con límites.
Resultado: Composición breve basada en consigna creativa.

PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 2

Proyecto: Composición y producción completa de un tema musical
estructurado.
 • Integración de forma, diseño sonoro y DAW.
• Adaptación para formato videoclip o publicidad breve.
• Presentación comentada del proceso.
Evaluación:
• Participación en clase y foros: 20%
• Trabajos prácticos semanales: 40%
• Proyecto final y presentación: 40%

MÓDULO 3: Producción Creativa y Musicalidad

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Armonía Moderna y Progresiones
Objetivo: Comprender y aplicar conceptos de armonía funcional, modal y
contemporánea.
Enfoque: Análisis de canciones populares, jazz, neo-soul, y aplicación en DAW.
Resultado: Composición de progresiones armónicas funcionales y modales.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Producción Vocal y Arreglos
Objetivo: Dominar el registro, edición y producción de voces en diferentes
estilos.
Enfoque: Uso de autotune, armonización, capas vocales, doblajes, FX vocales.
Resultado: Producción vocal completa con mezcla preliminar.
Herramientas: Melodyne, Antares Auto-Tune, Nectar, DAW principal, plugins
de efectos vocales.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Climas Sonoros y Ambientación
Objetivo: Crear paisajes sonoros inmersivos mediante texturas, pads y
ambientes.
Enfoque: Diseño de atmósferas para escenas audiovisuales, series,
videojuegos.
Resultado: Producción de una escena ambiental con capas de sonido y
musicalización sutil.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Identidad Artística y Concepto Musical
Objetivo: Desarrollar una estética musical y visual propia.
Enfoque: Referencias, branding sonoro, moodboards, storytelling.
Resultado: Desarrollo de una propuesta artística original (nombre, sonido,
concepto, imagen).
 PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 3
Proyecto: Producción integral de una canción con enfoque creativo
personal.
• Arreglo, grabación vocal, mezcla preliminar.
• Moodboard visual + manifiesto artístico.
• Presentación en showcase temático.
Evaluación:
• Participación y entregas semanales: 40%
• Proceso creativo documentado: 20%
• Proyecto final + presentación: 40%

MÓDULO 4: Producción para Medios Audiovisuales

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Estética del Sonido en la Imagen
Objetivo: Comprender la función estética y narrativa del sonido en contextos
visuales.
Enfoque: Análisis de escenas de cine, publicidad y videojuegos desde la
sonoridad.
Resultado: Ensayo crítico + mapeo de recursos sonoros en una escena
audiovisual.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Sincronización y Edición de Audio para Video
Objetivo: Sincronizar audio con video profesionalmente.
Enfoque: Uso de timecode, spotting, postproducción básica, efectos
sincronizados.
Resultado: Video con mezcla sincronizada de sonido directo + FX + música.
Herramientas: Reaper / Pro Tools / Adobe Audition, Izotope RX, Final Cut o
DaVinci Resolve para referencia visual.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Scoring para Cine, Series y Juegos
Objetivo: Componer e implementar música para narrativas visuales.
Enfoque: Temas, leitmotivs, tensión, transiciones, loops y adaptabilidad sonora.
Resultado: Banda sonora original para un corto o animación.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Gestión de Proyectos Audiovisuales
Objetivo: Aprender a gestionar el flujo de trabajo y los entregables de una
producción sonora para medios.
Enfoque: Planificación, comunicación con equipos audiovisuales, cronogramas,
entregas.
Resultado: Carpeta de proyecto audiovisual con lineamientos profesionales.

PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 4

Proyecto: Composición y producción de la banda sonora original para un
cortometraje o teaser.
• Sincronización, mezcla, efectos y música original.
• Pitch creativo y carpeta de proyecto.
• Presentación en festival interno de cortos musicales.
Evaluación:
• Entregas semanales: 40%
• Coordinación y gestión del proyecto: 20%
• Banda sonora final + presentación: 40%

MÓDULO 5: Proyecto Profesional + Industria

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Curaduría y Cohesión Sonora
Objetivo: Diseñar un concepto artístico cohesivo a nivel estético y musical.
Enfoque: Selección de repertorio, coherencia estilística, referencias visuales y
sonoras.
Resultado: Moodboard y propuesta creativa para un EP o proyecto temático.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Mezcla y Mastering Profesional
Objetivo: Aplicar procesos avanzados de mezcla y mastering para
publicaciones comerciales.
Enfoque: Ecualización, dinámica, espacialidad, cadenas de mezcla,
preparación para plataformas.
Resultado: Mezcla y master final de 1 o 2 tracks originales.
Herramientas: Pro Tools / Logic / Ableton, FabFilter Total Bundle, iZotope
Ozone, Waves, SoundCloud, Spotify for Artists.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Producción para Publicidad y Marcas
Objetivo: Diseñar piezas musicales para spots, jingles y branding sonoro.
Enfoque: Brevedad, claridad, tono de marca, adaptabilidad a distintos medios.
Resultado: Producción de 2 piezas musicales para publicidad o identidad
sonora.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Negocios de la Música y Modelos de Gestión
Objetivo: Comprender el ecosistema legal, económico y comercial de la
industria musical.
Enfoque: Contratos, distribución, regalías, booking, estrategias de
lanzamientos.
Resultado: Plan de negocios para proyecto musical propio.

PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 5

Proyecto: Desarrollo de un EP o producción sonora profesional con
identidad de marca.
• Selección y curaduría de tracks.
• Producción, mezcla, master y branding.
• Pitch profesional ante jurado externo + dossier comercial.
Evaluación:
• Participación activa y entregas por etapas: 40%
• Branding y estrategia de negocio: 20%
• Proyecto final + presentación: 40%

MÓDULO 6: Proyecto Integrador Final y Portafolio

Duración: 16 semanas

Bloque: Teoría y Estética Musical

Asignatura: Análisis y Retroalimentación Creativa
Objetivo: Desarrollar pensamiento crítico y autocrítico sobre el propio trabajo y
el de otros.
Enfoque: Espacios de escucha, análisis formal y retroalimentación constructiva.
Resultado: Informe analítico sobre la evolución personal y decisiones estéticas
del proyecto.

Bloque: Tecnología Musical

Asignatura: Postproducción y Preparación para Distribución
Objetivo: Preparar técnicamente un proyecto musical para su difusión y
distribución.
Enfoque: Normalización, metadatos, formatos, plataformas, prevención de
errores técnicos.
Resultado: Master final y archivos listos para distribución (audio y visuales).
Herramientas: DistroKid, Amuse, Tunecore, Canva Pro, Bandcamp, YouTube
Studio.

Bloque: Producción para Medios Audiovisuales

Asignatura: Video Promocional y Visual Storytelling
Objetivo: Diseñar y producir un video de presentación del proyecto musical.
Enfoque: Trailer, teaser, contenido para redes, storytelling visual.
Resultado: Video breve (1–2 min) que presente el concepto y estética del
proyecto final.

Bloque: Cursos Transversales

Asignatura: Portafolio Profesional y Proyección de Carrera
Objetivo: Construir un portafolio digital con identidad profesional para mostrar a
sellos, clientes y audiencias.
Enfoque: Bio profesional, perfil visual, demos, logros, enlaces y contacto.
Resultado: Portafolio alojado en web o red profesional + plan de acción post-
egreso.

PROYECTO FINAL DEL MÓDULO 6

Proyecto: Desarrollo completo de una producción profesional (EP,
soundtrack, show o campaña sonora) con presentación y portafolio.
• Música original + mezcla/master final.
• Identidad visual + storytelling.
• Video promocional.
• Pitch ante panel de productores y agentes.
Evaluación:
• Entregables por fases: 30%
• Portafolio profesional: 20%
• Presentación + pitch final: 50%
MÓDULO 1
BLOQUE: TEORÍA Y ESTÉTICA MUSICAL
Asignatura: Fundamentos del Lenguaje Musical
Objetivo: Comprender los elementos básicos de la música: ritmo, melodía y
armonía.
Enfoque: Lectura, escritura musical y entrenamiento auditivo inicial.
Resultado: Capacidad de analizar estructuras simples y crear bocetos
musicales.
Contenidos Temáticos
1. Elementos fundamentales del sonido
• Altura: Es la propiedad que permite distinguir sonidos agudos de
graves, determinada por la frecuencia (Hz). Una nota aguda tiene una
frecuencia alta (como un silbido), mientras que una grave tiene una
frecuencia baja (como un bombo).
• Duración: Se refiere al tiempo durante el cual se mantiene un sonido.
Puede medirse en valores rítmicos (negra, blanca, etc.) y se relaciona
directamente con la organización temporal de la música.
• Intensidad: Es la energía del sonido, percibida como volumen. Se
expresa en dinámicas (piano, forte) y es crucial para la expresividad.
• Timbre: La "textura" del sonido que permite distinguir una guitarra de un
saxofón, incluso tocando la misma nota. Depende de armónicos,
envolvente y material del instrumento.

Ejemplo real: "Clocks" - Coldplay

• Altura: Riff de piano con notas repetidas (Mi-Si-La). Pocas notas, pero
muy reconocibles.
• Duración: Corcheas constantes, creando un pulso estable que impulsa
la canción.
• Intensidad: Crece gradualmente; inicia suave y gana energía con la
entrada progresiva de la batería y bajo.
• Timbre: Piano con delay y reverb, creando un efecto etéreo y brillante.
2. Ritmo y métrica
• Compases simples (2/4, 3/4, 4/4): Basados en subdivisiones binarias.
Usados en pop, rock, funk.
• Compases compuestos (6/8, 12/8): Subdivisiones ternarias. Comunes
en baladas, folklore, y estilos épicos.
• Pulsación: Latido constante de la música. Base de todo el ritmo.
 • Subdivisión: División del pulso en unidades menores. Por ejemplo: una
negra se divide en dos corcheas.
• Acentos: Notas que se destacan por su energía o posición.

Ejemplo real: "Seven Nation Army" - The White Stripes

• Compás de 4/4, ritmo simple y repetitivo.
• El riff de bajo está construido sobre negras, acentuando el primer y
tercer tiempo.
• La batería acentúa el "backbeat" (tiempos 2 y 4), creando groove.

Ejercicio sugerido: Grabar con percusión corporal (palmas y golpes en el

pecho) un ritmo en 4/4 con subdivisiones en corcheas. Crear loop básico en
DAW.
3. Melodía
• Escalas mayores y menores: Base de la organización tonal. La mayor
se percibe como alegre, la menor como introspectiva.
• Motivo: Fragmento melódico pequeño, repetible y transformable.
• Frase: Unidad musical completa, equivalente a una oración.
• Intervalos: Distancia entre dos notas. 3ra menor (triste), 5ta justa
(estable), 7ma mayor (tensa).
• Contorno: La forma visual y auditiva que traza una melodía.

Ejemplo real: "La Valse d'Amélie" - Yann Tiersen

• Construida sobre la escala de Do mayor.
• Contorno ondulante, repeticiones con leves variaciones.
• Motivos sencillos pero cargados de emocionalidad.

Actividad: Crear una melodía de 8 compases en Do mayor inspirada en el

tema de "Amélie", usando piano MIDI y grabarla en el DAW.
4. Armonía básica
• Tríadas:
o Mayor: 1º + 3ª mayor + 5ª justa.
o Menor: 1º + 3ª menor + 5ª justa.
o Disminuida: 1º + 3ª menor + 5ª disminuida.
• Progresiones comunes:
o I-IV-V-I (muy clásica, conclusiva).
o II-V-I (básica en el jazz, con cadencia elegante).
 • Tonalidad: Relación jerárquica de acordes y notas alrededor de una
tónica.

Ejemplo real: "Let It Be" (The Beatles) y "With or Without You" (U2)
• Ambas usan I-V-vi-IV (en Do mayor: C-G-Am-F), una progresión
emocionalmente estable.

Actividad: Reproducir la progresión I-V-vi-IV en diferentes tonos con un

instrumento virtual y crear una base armónica para una canción propia.
5. Notación y lectura musical básica
• Figuras rítmicas: Redonda (4 tiempos), blanca (2), negra (1), corchea
(1/2), semicorchea (1/4).
• Pentagrama: 5 líneas donde se escribe la música.
• Claves: Clave de Sol y Fa (instrumentos graves).
• Compases: 4/4, 3/4, 6/8 y su representación en partituras.
• Lectura digital: Herramientas como MuseScore, Flat.io y Noteflight
permiten escribir y reproducir partituras.

Ejemplo real: "Smoke on the Water" - Deep Purple

• Riff icónico que se puede leer en notación tradicional o tablatura.
• En notación rítmica: negras, corcheas, silencios.

Actividad: Transcribir el riff en MuseScore y compartirlo en clase.

6. Entrenamiento auditivo inicial
• Intervalos: Práctica de reconocer por el oído saltos entre notas. 4ª justa
= "Here Comes the Bride", 5ª justa = "Star Wars".
• Dictados melódicos: Escribir pequeñas melodías que se escuchan.
Comenzar con 3-4 notas.
• Dictados rítmicos: Reproducir patrones en 4/4 con negras y corcheas.
• Herramientas:
o Tenuto (web/app)
o EarMaster (software profesional)
o Teoria.com (gratuito y didáctico)

Actividad: Práctica diaria de 10 minutos con app + bitácora de progreso

auditivo.
Resultados esperados del bloque:
• Comprensión funcional del lenguaje musical.
• Lectura y escritura de estructuras simples.
• Capacidad para crear bases melódicas y rítmicas propias.
• Mayor agudeza auditiva para reconocer patrones.
BLOQUE: TECNOLOGÍA MUSICAL
Asignatura: Introducción al DAW (Digital Audio Workstation)
Objetivo: Familiarizarse con software de producción musical profesional como
Studio One, Logic Pro, Ableton Live o FL Studio.
Enfoque: Conocimiento de la interfaz, flujo de trabajo, grabación de audio,
programación MIDI y edición básica para producir una pieza musical corta
desde cero.
Resultado esperado: El/la estudiante será capaz de crear un beat
instrumental sencillo, grabando y editando audio y MIDI, aplicando efectos
básicos y exportando su producción.
Herramientas: Studio One 6 / Logic Pro, Spitfire LABS, Kontakt Player (versión
gratuita), interfaz de audio, micrófono condensador, auriculares cerrados.
contenidos temáticos
1. ¿Qué es un DAW y para qué sirve?
Un DAW (Digital Audio Workstation) es una estación de trabajo digital que
permite la grabación, edición, mezcla, secuenciación y masterización de audio
y MIDI. Es el eje central de la producción musical moderna, permitiendo a
productores, ingenieros y músicos trabajar con un nivel de precisión, flexibilidad
y creatividad sin precedentes.
Funciones principales:
• Grabar audio (voz, instrumentos en vivo).
• Programar secuencias MIDI e instrumentos virtuales.
• Aplicar efectos de procesamiento (ecualización, reverberación,
dinámica).
• Automatizar parámetros.
• Exportar proyectos en formatos estándar para distribución.
Relevancia: El DAW ha democratizado la producción musical. Desde artistas
independientes hasta ganadores del Grammy, todos utilizan DAWs para sus
procesos creativos y técnicos. Hoy es posible producir un álbum completo
desde casa con herramientas profesionales.
Ejemplos reales de DAWs populares:
• Logic Pro: favorito en entorno Apple, usado por artistas como Billie
Eilish y Finneas.
• Studio One: usado en producción contemporánea por su flujo intuitivo y
mezcla avanzada.
 • Ableton Live: ideal para música electrónica y presentaciones en vivo.
Usado por Deadmau5, Flume.
• FL Studio: popular en hip hop y trap. Usado por Metro Boomin, Martin
Garrix.

Actividad: Crear una presentación comparativa entre 3 DAWs analizando:

• Interfaz y facilidad de uso.
• Tipos de producción donde destaca.
• Plugins nativos.
• Casos de uso reales.
• Entorno creativo: ¿está pensado para estudio, directo o ambos?
Formato: Canva o PDF.
2. Interfaz y flujo de trabajo
Conocer el entorno visual de un DAW es fundamental para agilizar el proceso
creativo y técnico.
Elementos comunes en todos los DAWs:
• Secuenciador (arrangement view): Donde se organizan clips de
audio/MIDI a lo largo del tiempo.
• Mezclador (mixer): Controla niveles, paneo, inserción de efectos.
• Navegador: Biblioteca de sonidos, loops, efectos, presets.
• Piano roll: Edición de notas MIDI, duración, velocidad.
• Rack de efectos/instrumentos: Plugins insertables en canales.
Creación de una sesión:
• Nombre del proyecto.
• Selección de tempo, compás y resolución.
• Inserción de pistas según la necesidad (audio o MIDI).
• Guardado y organización en carpetas ("Audio", "Mixes", "Renders",
"Stems").

Ejemplo real: En Studio One:

1. Crear una sesión de 100 BPM.
2. Insertar pista de bombo, caja y bajo.
3. Nombrar las pistas correctamente.
4. Guardar con nombre: "01_BeatNombre_TuNombre".
3. Grabación de audio y configuración inicial
Pasos clave:
1. Configurar la interfaz de audio:
o Seleccionar el driver adecuado (ASIO para Windows, Core Audio
para Mac).
o Elegir entradas y salidas.
2. Conectar el micrófono condensador:
o Usar entrada XLR.
o Activar phantom power (48V).
3. Control de monitoreo:
o Usar auriculares cerrados para evitar feedback.
o Ajustar ganancia sin clipear.

Actividad: Grabar una lectura breve (2-4 líneas) con micrófono

condensador y exportar la toma con normalización a -1dB.
4. MIDI y programación de instrumentos virtuales
Diferencia entre audio y MIDI:
• Audio: Grabación de ondas sonoras (voz, instrumentos).
• MIDI: Instrucciones digitales que indican qué nota tocar, cuándo y cómo.
Piano roll:
• Espacio visual para insertar notas.
• Permite ajustar duración, posición, velocidad (dinámica).
Instrumentos virtuales recomendados:
• Spitfire LABS: biblioteca gratuita con sonidos cinemáticos y
emocionales.
• Kontakt Player: plataforma para cargar instrumentos virtuales gratuitos
o de pago.

Ejemplo real: Crear una secuencia de 4 compases con acordes Do - Sol -

La menor - Fa utilizando el piano de LABS. Cuantizar a corcheas.
5. Edición básica de audio y MIDI
Técnicas clave:
• Cortar, copiar y pegar clips (Ctrl/Cmd + X/C/V).
• Mover por compases y subdivisiones.
 • Activar el "snap to grid" para alinear en tiempo.
• Aplicar fade in/out a grabaciones.
• Crear crossfade entre tomas.
• Automatizar volumen (fade out al final), paneo (L-R).

Actividad: Grabar dos frases de voz, cortar palabras clave, reorganizarlas

para crear una "nueva frase poética", aplicar fades y automatización de
volumen.
6. Introducción a efectos y procesamiento básico
Efectos esenciales:
• EQ (TDR Nova): elimina frecuencias no deseadas (ej. graves en una
voz).
• Reverb (Valhalla Supermassive): agrega espacio y profundidad.
• Delay: crea repeticiones para ambiencia.
• Compresión (OTT, nativa): controla la dinámica del sonido.
Cadena de señal:
• El orden afecta el resultado.
• Ejemplo: EQ → Compresor → Reverb → Delay.

Ejemplo real: Aplicar EQ a una voz para limpiar graves, luego reverb para
ambiente y compresión suave para nivelar el volumen.
7. Exportación final del proyecto
Tipos de exportación:
• Mezcla estéreo: archivo único final (WAV, MP3).
• Stems: exportación por pistas (uso para remix, mezcla externa).
Términos importantes:
• Normalización: ajustar el nivel máximo sin distorsión.
• Headroom: espacio entre el pico máximo y 0dB (ideal: -3dB a -6dB
antes de masterización).

Actividad: Exportar el beat creado en clase en formato WAV 44.1kHz/24bit,

nombrado: "Beat_Nombre_Apellido_ddmmaa.wav", e incluir metadatos básicos
(título, autor, tempo).
Resultado esperado del curso
Al finalizar esta asignatura, los estudiantes estarán capacitados para:
• Manejar un DAW a nivel básico.
• Grabar y editar audio y MIDI.
• Utilizar plugins de efectos gratuitos.
• Exportar una producción musical simple con criterio técnico.
BLOQUE: PRODUCCIÓN PARA MEDIOS AUDIOVISUALES
Asignatura: Historia del Sonido en Medios
Objetivo: Reconocer y valorar el papel del sonido y la música en distintos
medios audiovisuales, como el cine, la publicidad y los videojuegos,
comprendiendo su evolución histórica, funciones narrativas y estilos estéticos.
Enfoque: Trabajo con escucha activa, análisis de fragmentos audiovisuales
representativos, discusión crítica y producción de un ensayo audiovisual
reflexivo con ejemplos comentados.
Resultado esperado: El estudiante desarrollará un pensamiento crítico y
estético sobre la función del sonido y la música en los medios audiovisuales,
produciendo un ensayo audiovisual con ejemplos reales que ilustren sus
reflexiones.
Contenidos Temáticos Detallados (ampliados y ejemplificados)
1. Introducción al sonido en los medios
Sonido diegético vs. extradiegético:
• Sonido diegético es aquel que los personajes escuchan dentro del
universo narrativo (diálogos, pasos, puertas).
• Sonido extradiegético no pertenece al mundo narrativo, sino que es
incorporado por el creador para reforzar la narrativa (música de fondo,
narrador).
Funciones del sonido:
• Narrativa: aporta información sobre lo que ocurre, anticipa eventos (uso
de leitmotivs).
• Emocional: intensifica estados de ánimo (música melancólica, sonidos
disonantes para tensión).
• Ambiental: construye espacios (sonidos urbanos, selva, interiores).
• Informativa: entrega datos al espectador (efectos diegéticos realistas,
fondos sonoros de contexto).
Historia breve:
• Era del cine mudo: música en vivo (pianistas o pequeñas orquestas).
• 1927: "The Jazz Singer", primer filme con sincronización de audio.
• Evolución a estéreo, Dolby Surround, 5.1, 7.1, Dolby Atmos.

Ejemplo real: Secuencia de "Up" (Pixar, 2009): escena que resume la vida
de la pareja protagonista. Sin diálogos. El uso de la música extradiegética
("Married Life", compuesta por Michael Giacchino) narra emocionalmente la
historia. La ausencia de efectos enfatiza la conexión emocional.
2. Historia del sonido en el cine
Transición al cine sonoro:
• "The Jazz Singer" marcó el hito en 1927.
• Retos iniciales: sincronización de audio, posicionamiento de micrófonos,
estética sonora.
Bandas sonoras clásicas:
• Max Steiner ("Lo que el viento se llevó"): pionero del uso temático.
• Bernard Herrmann ("Psicosis"): uso de disonancias y texturas para el
suspenso.
Cine contemporáneo:
• Diseño sonoro como narrativa (Walter Murch, Gary Rydstrom).
• Uso del silencio como herramienta expresiva.
• Ambientaciones digitales: manipular sonidos orgánicos para crear
universos (ej. "Blade Runner 2049").
Roles clave:
• Compositor/a: diseña el score musical.
• Diseñador/a sonoro: crea y manipula sonidos.
• Editor/a de sonido: organiza, limpia y sincroniza los elementos.

Actividad: Comparar "Psicosis" (1960) de Hitchcock (música orquestal,

leitmotiv violento, función psicológica) con "Dunkerque" (2017) de Nolan
(minimalismo, tempo continuo, diseño envolvente). Analizar cómo el sonido
refuerza la tensión y el ritmo narrativo.
3. Música y sonido en publicidad
Funciones:
• Memorización: jingles pegajosos ("I'm Lovin' It" de McDonald's).
• Asociación emocional: música que evoca emociones o nostalgia.
• Posicionamiento: estilos musicales alineados con el público objetivo.
Recursos comunes:
• Jingles: melodías breves con letra.
• Branding sonoro: logotipos auditivos (ej. Intel Inside, Netflix).
• Licencias: uso de canciones populares (costoso pero efectivo).
Aspectos sonoros:
 • Ritmo y tempo: influyen en la percepción del mensaje.
• Tono: color emocional del mensaje (mayor: energía; menor: intimidad).
• Psicología: la música puede activar memorias, estados de ánimo,
deseos.

Ejemplo real:
• Jingle de Intel: 5 notas icónicas, simple, memorable, tecnológico.
• Netflix: "ta-dum" reconocible en todo el mundo. Refuerza marca.

Actividad: Seleccionar un spot publicitario global y uno local. Analizar:

• Estilo musical.
• Funcionalidad narrativa.
• Percepción del consumidor.
• Alineación con la identidad de marca.
4. Sonido en videojuegos
Evolución:
• 8-bit (chiptunes): sonidos simples por limitaciones técnicas (ej. Mario
Bros).
• Años 90: música sintetizada, samples.
• Actualidad: grabaciones orquestales, ambientación 3D, interactividad.
Música dinámica:
• La música cambia según acción o estado del jugador (exploración,
combate).
• Ejemplo: Halo ajusta la instrumentación según la intensidad del juego.
Diseño sonoro:
• Foley digital: pasos, puertas, objetos.
• Ambientes: selvas, ciudades, interiores.
• Eventos interactivos: sonidos que responden en tiempo real.
Middleware:
• FMOD / Wwise: software que permite integrar audio al motor del juego y
controlar parámetros como intensidad, ubicación, disparadores.

Ejemplo real:
• The Legend of Zelda: BOTW: uso del silencio para destacar paisajes,
eventos musicales puntuales.
 • The Last of Us: composición de Gustavo Santaolalla, minimalismo
emocional.
5. Estilos y géneros sonoros por medio
Cinematográfico:
• Orquestal ("Star Wars").
• Experimental ("Birdman" y su percusión jazz).
• Minimalista ("The Social Network").
Publicitario:
• Pop comercial (Coca-Cola).
• Loops electrónicos breves (Spotify ads).
• Música stock o libre de derechos.
Videojuegos:
• Retro ("Celeste").
• Adaptativa ("Journey").
• Cinemática ("God of War").

Actividad: Elaborar una tabla comparativa con tres columnas (Cine -

Publicidad - Videojuego) y registrar:
• Estilo musical predominante.
• Ejemplo de obra.
• Propósito expresivo.
BLOQUE: CURSOS TRANSVERSALES
Asignatura: Introducción a la Industria Musical
Objetivo: Comprender de forma integral el funcionamiento de la industria
musical contemporánea, desde la producción hasta la monetización de una
obra. El estudiante conocerá los actores, procesos y herramientas clave para
iniciarse como profesional o artista independiente.
Enfoque: Trabajo con casos reales, mapas conceptuales, análisis de modelos
de negocio y plataformas actuales. Diseño de un plan de acción personalizado
que conecte sus objetivos artísticos con el ecosistema musical.
Resultado esperado: Elaboración de un mapa de carrera personal,
identificando oportunidades, necesidades y estrategias a corto, mediano y largo
plazo.
BLOQUE: CURSOS TRANSVERSALES
Asignatura: Introducción a la Industria Musical
Objetivo: Comprender la cadena de valor de la música, desde la producción
hasta la distribución y promoción, y comenzar a delinear una estrategia
personal como artista o profesional del sector.
Enfoque: Exploración de modelos de negocio, plataformas digitales, casos
reales y construcción de una hoja de ruta profesional.
Resultado: Elaboración de un mapa de carrera personal y un plan de acción
inicial.
Contenidos Temáticos Detallados
1. Panorama general de la industria musical
Evolución histórica:
• Del vinilo a la cinta, el CD, el MP3 y finalmente el streaming. Cada etapa
transformó los modelos de consumo y distribución.
• Cambios clave: digitalización, caída de ventas físicas, auge de
plataformas como Spotify y YouTube.
Nuevo paradigma digital:
• Accesibilidad: Cualquiera puede grabar y subir música desde su casa.
• Sobreoferta: Millones de canciones compitiendo por atención.
• Descentralización: Menor dependencia de sellos discográficos
tradicionales.
Áreas de acción profesional:
• Producción, composición, interpretación, promoción, gestión,
sincronización musical, docencia, consultoría, programación de
contenidos.
El artista como marca y emprendimiento:
• Construcción de identidad visual, propuesta sonora, narrativa.
• Importancia del marketing personal, redes sociales y comunicación.

Ejemplo real: Billie Eilish y Finneas: producción desde casa, coherencia

visual/musical, redes sociales como motor de difusión, acuerdos estratégicos
con Interscope.
2. La cadena de valor musical
Etapas clave:
1. Composición: derechos de autor, registros, publishing.
2. Producción: preproducción, grabación, mezcla y mastering.
3. Distribución: plataformas digitales (Spotify, Apple Music), servicios
como CD Baby, TuneCore, ONErpm.
4. Promoción: comunicación en redes, género y target, prensa musical,
curadores de playlists.
5. Monetización: shows en vivo, merch, regalías, sync, Patreon, NFTs,
crowdfunding.

Ejercicio aplicado: Cada estudiante desarrolla la cadena de valor para un

sencillo propio, identificando:
• Roles necesarios.
• Costos estimados.
• Aliados potenciales.
• Estrategia de promoción.
3. Modelos de negocio musical actuales
Artista independiente vs. firmado:
• Independiente: control creativo, mayor responsabilidad.
• Firmado: mayor inversión inicial, pero menos libertad.
Sellos discográficos:
• Majors (Sony, Universal, Warner).
• Indies (Domino, Sub Pop, Nacional Records).
Autogestión 360°:
• Producción, promoción, booking, diseño, finanzas.
Plataformas clave:
• Spotify: playlists editoriales, algoritmos, canvas.
• YouTube: monetización, visual identity, shorts.
• Bandcamp: venta directa.
• TikTok: viralidad, trends, hooks musicales.
• Patreon: comunidad y financiamiento directo.
Branding y posicionamiento:
• Narrativa personal.
• Estilo gráfico.
• Interacción con la audiencia.

Ejemplo real: Natalia Lafourcade: de artista pop firmada a creadora

independiente con fuerte identidad, comunidad fiel, apoyo institucional y
proyección internacional.

Actividad: Comparar a Kevin Kaarl (independiente, lo-fi, TikTok, giras

autogestionadas) con Dua Lipa (pop global, firmada, mega campañas).
Analizar:
• Modelo de ingresos.
• Estrategia digital.
• Nivel de independencia.
• Riesgos y beneficios.
4. Derechos y propiedad intelectual básica
Tipos de derechos:
• Derecho de autor: letra y música (quien compone).
• Conexos: quien interpreta o produce.
• Fonograma: grabación maestra.
Registro de obras y contratos:
• Entidades nacionales (INDECOPI, DNDA) e internacionales.
• Contratos de edición, producción, distribución, sincronización.
Sociedades de gestión colectiva:
• ASCAP, BMI, SESAC (EE. UU.).
 • APDAYC (Perú), SADAIC (Argentina), SACM (México).
Licencias y sincronización:
• Uso de música en cine, publicidad, videojuegos.
• Ejemplo de sincronización: "Heroes" de Bowie en spot de Nike.
5. Plataformas digitales y estrategia inicial
Algoritmo y metadatos:
• Keywords, estilo, portada, categoría.
• Impacto en recomendaciones.
Estrategia de lanzamiento:
• Teasers visuales.
• Pre-save en Spotify.
• Lyric videos, reels y TikToks.
Métricas clave:
• Streams.
• Engagement (likes, comentarios, shares).
• CTR (Click Through Rate).
• Retención de audiencia.
Herramientas:
• Spotify for Artists.
• YouTube Studio.
• Canva, Mailchimp, Metricool, Soundcharts.

Actividad: Diseñar una estrategia de lanzamiento para una canción propia.

Incluir:
• Calendario semanal de publicaciones.
• Imagen gráfica.
• Colaboradores.
• Material audiovisual sugerido.
Proyecto Final: Mapa de carrera y plan de acción personal
Producto: Documento visual que contenga:
• Diagnóstico personal (skills, redes, herramientas).
• Metas a 1, 2 y 5 años.
 • Estrategia de diferenciación.
• Acciones mensuales.
• Recursos y aliados.
Formato sugerido: Canva, mural interactivo, presentación PDF.
BLOQUE: TEORÍA Y ESTÉTICA MUSICAL
Asignatura: Estructuras Musicales Contemporáneas
Objetivo: Estudiar y comprender las formas musicales actuales, con énfasis en
la canción popular, electrónica, urbana y experimental. Los estudiantes
analizarán estructuras formales, fórmulas melódicas y dinámicas de
construcción emocional, con el fin de componer obras propias con una
arquitectura sólida y creativa.
Enfoque: Análisis formal de canciones populares, comparación entre géneros,
comprensión de elementos estructurales como el hook, el drop, el puente o el
build-up. Ejercicios de diseño estructural guiado y libre.
Resultado esperado: Creación de una estructura musical original (bosquejo
estructural y maqueta base) aplicando recursos formales estudiados.
1. Fundamentos de la forma musical
¿Qué es la forma en música?
La forma musical es el esquema organizativo que da sentido estructural a una
obra. Sirve para articular ideas musicales de manera coherente y atractiva para
el oyente.
Conceptos clave:
• Repetición: Reforzamiento de ideas musicales.
• Variación: Transformación de un motivo para generar interés.
• Contraste: Introducción de elementos diferentes para mantener la
atención.
Forma cerrada vs. forma abierta:
• Forma cerrada: Predominante en la música clásica. Ej.: sonata, fuga.
• Forma abierta: Más común en la música popular. Ej.: verso–coro, libre.

Ejemplo real:
• Sonata K.545 de Mozart: exposición – desarrollo – reexposición (forma
cerrada).
• “Shape of You” – Ed Sheeran: verso – pre-coro – coro – verso – pre-coro
– coro – puente – coro (estructura cíclica abierta).
2. Estructuras de canción popular
Formas comunes:
• Binaria (AB): dos secciones contrastantes.
• Ternaria (ABA): retorno de la sección inicial.
• Rondó (ABACA): se alternan secciones nuevas con una repetida.
Formato moderno:
• Intro – verso – coro – pre-coro – puente – outro.
• Hook: elemento melódico o lírico memorable.
• Breakdown, drop: secciones energéticas (EDM/urbano).

Ejemplos reales:
• “Someone Like You” – Adele: AABA + puente emocional.
• “Smells Like Teen Spirit” – Nirvana: intro – verso – coro – verso – coro –
puente – solo – coro.
• “Tusa” – Karol G & Nicki Minaj: mezcla de versos cantados y rapeados,
hook vocal fuerte, estructura híbrida.

Actividad aplicada: Analizar tres canciones de géneros distintos, identificar

sus secciones y crear un esquema visual con colores y etiquetas.
3. Análisis formal aplicado
Herramientas: esquemas, mapas, códigos de color.
Técnicas de análisis:
• Escucha repetida con identificación de frases y secciones.
• Identificación de cambios de textura, tempo o dinámica.
• Comparación entre diferentes grabaciones/versiones.

Ejemplo real:
• “Bohemian Rhapsody” – Queen:
o Intro (voz y piano)
o Balada lírica
o Pasaje operático
o Rock pesado
o Outro coral

Formato de análisis: línea de tiempo + bloques con etiquetas (Intro, Verso,

Solo, etc.).
4. Estructuras en géneros electrónicos y urbanos
Características:
• Basadas en loops.
• Progresiones graduales: build-up → drop.
 • Poca narrativa lírica, mucho foco en textura y dinámica.
Elementos clave:
• Loop: patrón rítmico o melódico que se repite.
• Build-up: acumulación de energía.
• Drop: momento de liberación o clímax.
• Breakdown: disminución de intensidad para reinicio.

Ejemplos reales:
• “Levels” – Avicii: progresión hacia el drop con modificación de capas.
• “Safaera” – Bad Bunny: múltiples cambios de ritmo y estilo, collage de
beats.

Actividad aplicada: Diseñar estructura para una pieza electrónica: intro –

build-up – drop – break – outro. Representarla visualmente.
5. Creatividad estructural: deformar para crear
Exploraciones avanzadas:
• Estructuras libres (A-B-C-D, sin repeticiones).
• Inspiración en cine, poesía, literatura.
• Uso del collage y la narración no lineal.
Artistas de referencia:
• Björk: estructuras que siguen una narrativa emocional más que formal.
• Radiohead: alternancia de secciones inesperadas.
• Rosalía: mezcla de tradición (copla, flamenco) con formas
contemporáneas.

Ejercicio aplicado: Diseñar una estructura para una canción experimental

usando un guion visual, inspirada en un poema o película.
Herramientas de Apoyo
• Canva: para esquemas de estructura.
• Notion / Milanote: para organización de ideas.
• DAW (Studio One, Ableton Live): para crear maquetas de estructura.
Proyecto Final del Curso
Producto: Estructura original de una canción o pieza instrumental que incluya:
• Nombre de cada sección (Intro, Verso, Coro, etc.).
• Duración estimada en segundos/compases.
• Características musicales (tempo, dinámica, instrumentación).
• Boceto en DAW (uso de loops, MIDI o audio grabado).
BLOQUE: TECNOLOGÍA MUSICAL
Asignatura: Edición y Diseño Sonoro
Objetivo: Comprender y aplicar técnicas básicas de edición digital de audio y
diseño sonoro, explorando herramientas fundamentales de manipulación de
sonido para medios creativos como música, cine, videojuegos y arte sonoro.
Enfoque: Se trabajará a partir de grabaciones simples y materiales sonoros
propios para editarlos, transformarlos y estructurarlos mediante procesos
digitales. Se introducirá al estudiante en la lógica del diseño sonoro a través de
capas, efectos, automatizaciones y síntesis básica.
Resultado esperado: Producción de una pieza de 30 segundos que combine
edición creativa y diseño sonoro con fines narrativos o expresivos.
Contenidos Temáticos Detallados
1. Introducción a la edición digital de audio
• ¿Qué es editar audio? Es el proceso de manipular grabaciones
sonoras con propósitos técnicos (corrección) y creativos
(transformación). Incluye corte, mezcla, montaje, transformación, entre
otros.
• Regiones y clips: Son fragmentos de audio dentro de una pista que
pueden moverse, cortarse y procesarse. Cada clip representa un
“evento” sonoro editable.
• Herramientas básicas:
o Tijera: divide clips para seleccionar partes específicas.
o Deslizamiento: permite cambiar la ubicación de un clip en la línea
de tiempo.
o Crossfade: evita clics o cortes abruptos entre regiones.
o Rejilla (grid) y snapping: permite alinear eventos al tempo o
métrica del proyecto.

Ejemplo real: Edición de una entrevista en un podcast. Se eliminan

muletillas, silencios incómodos y errores; se ajusta el ritmo para mejorar la
experiencia auditiva.

Actividad práctica: Importar una grabación vocal en Studio One o Logic

Pro. Aplicar cortes precisos, mover clips y usar fundidos cruzados para mejorar
su fluidez.
2. Automatizaciones y dinámica de mezcla
• Automatización: Técnica para programar cambios automáticos en
parámetros como volumen, panoramización o efectos.
 • Curvas de automatización: Líneas que definen valores a lo largo del
tiempo. Usan puntos de control, rampas lineales o curvas suaves.
• Dinamismo expresivo: Automatizar elementos permite crear
transiciones emocionales, generar tensión o enfatizar ciertas frases.

Ejemplo real: En “Rolling in the Deep” (Adele), se automatiza el delay para

que solo se aplique en la última palabra de cada verso, aumentando el
dramatismo.

Actividad práctica: Tomar una pista de batería. Automatizar el volumen

para crear una entrada gradual (fade-in), y el paneo para hacer que el hi-hat se
mueva de izquierda a derecha.
3. Uso de efectos creativos (FX)
• Efectos de tiempo: Reverb, Delay y Echo para simular espacios,
generar ambiente o repetir sonidos.
• Efectos dinámicos: Compresión para controlar el rango dinámico, Gate
para limpiar silencios, Sidechain para crear bombeos rítmicos (típico en
electrónica).
• Efectos espectrales: EQ para modificar el contenido frecuencial; filtros
para limpiar o acentuar rangos (como el paso alto en voces); distorsión
para agregar armónicos.
• Plugins gratuitos recomendados:
o Valhalla Supermassive (reverb/delay espacial),
o TDR Nova (ecualizador dinámico),
o OTT (compresión multibanda extrema),
o TAL-Reverb (reverberación vintage).

Ejemplo real: Sigur Rós usa efectos en capas para crear atmósferas
envolventes. El uso de reverb largo sobre guitarras limpias crea un sonido
etéreo característico.

Actividad práctica: Aplicar tres efectos diferentes sobre una voz cruda
para transformar completamente su atmósfera: EQ para brillo, delay para eco
emocional, y reverb para profundidad.
4. Diseño sonoro por capas (layering)
• Concepto: Superponer varios sonidos para construir un evento sonoro
complejo. Cada capa cumple una función: ataque (inicio), cuerpo
(sustancia), atmósfera (entorno).
• Aplicación: Muy usado en producción musical, cine y videojuegos.

Ejemplo real: Un golpe dramático para trailer combina:

 • Golpe metálico (ataque),
• Subgrave sintetizado (cuerpo),
• Reverb congelada o reversed crash (atmósfera).

Actividad práctica: Diseñar un swoosh o riser para una transición

audiovisual combinando al menos tres sonidos grabados o sampleados.
5. Manipulación del audio: transformación creativa
• Timestretching: Cambia la duración sin afectar el pitch. Útil para
adaptar samples a nuevos tempos.
• Pitch shifting: Cambia la afinación sin modificar la duración. Se usa
para armonizar, crear efectos vocales o cambiar el carácter de un
sonido.
• Reverso: Invertir una muestra para obtener efectos surrealistas o
transiciones misteriosas.
• Warp (Ableton) / Flex (Logic): Herramientas para manipulación
temporal avanzada.

Ejemplo real: En canciones de Billie Eilish, fragmentos de voz son

invertidos y reverberados para generar intros con texturas oscuras y únicas.

Actividad práctica: Tomar una frase hablada y transformarla en un

ambiente abstracto aplicando pitch shifting, reverso, reverb y compresión.
6. Introducción al Foley y sonido incidental
• Foley: Técnica de grabar sonidos “de la vida real” para reforzar acciones
en medios audiovisuales (pasos, roces, objetos).
• Objetos caseros: Papel arrugado como fuego, tela como viento, golpes
con madera como impactos.
• Sincronización básica: Usar líneas de tiempo para alinear sonidos con
eventos visuales.

Ejemplo real: En un corto animado, se crean pasos usando arroz seco

dentro de una caja y sincronizándolos con el movimiento del personaje.

Actividad práctica: Grabar 3 sonidos cotidianos con un celular (papel,

vidrio, tela) y editarlos para sincronizarlos con un video de 10 segundos.

Herramientas y Software
• DAWs: Studio One 6, Logic Pro, Ableton Live.
• Plugins: TDR Nova, Valhalla Supermassive, OTT, SoundToys (demo).
• Apps complementarias: Audacity, OcenAudio, Field Recorder
(Android/iOS).
 • Interfaz de audio + micrófono condensador para grabaciones de
calidad.

Proyecto Final del Curso

Producto: Pieza sonora de 30 segundos (puede ser intro de podcast, efecto
para corto, soundscape, etc.) que incluya:
• Al menos 3 tipos de efectos (uno de cada categoría: tiempo, espectral,
dinámico).
• Uso de automatizaciones (volumen, paneo, efecto).
• Diseño por capas (mínimo 3 sonidos combinados).
• Una presentación descriptiva (intención, herramientas, referencias).
Evaluación:

• Originalidad.

• Uso técnico correcto de herramientas.

• Calidad de mezcla y edición.

• Claridad en presentación y justificación creativa.

Resultado Esperado del Curso

Al finalizar la asignatura, los estudiantes:
• Comprenderán el flujo básico de edición y diseño sonoro en un entorno
digital.
• Dominarán herramientas de manipulación y procesamiento de audio.
• Serán capaces de producir sonidos expresivos a partir de grabaciones
simples.
• Estarán listos para colaborar en proyectos musicales, cinematográficos o
interactivos donde el sonido tenga un rol narrativo.
BLOQUE CREATIVIDAD Y COMPOSICIÓN

Objetivo general:
Estimular el pensamiento creativo y la expresión musical personal, aplicando
herramientas compositivas, estrategias de ideación y métodos colaborativos
para generar una composición breve original.

Enfoque:
Exploración creativa con enfoque práctico. El curso combina escritura individual
y colaborativa, desafíos con restricciones y análisis de obras inspiradoras para
fomentar una voz artística propia.

Resultado esperado:
Composición breve (1–2 minutos) basada en una consigna creativa,
acompañada de una bitácora de proceso.

1. Creatividad musical: mitos, bloqueos y hábitos

▪️ ¿Qué es la creatividad?
Creatividad es la capacidad de generar ideas nuevas y valiosas. En música,
esto implica:
• Explorar sonidos no convencionales.
• Combinar elementos diversos (géneros, timbres, texturas).
• Transformar estructuras, frases o escalas en nuevas composiciones.
En lugar de buscar originalidad absoluta, se trata de lograr expresividad
auténtica mediante procesos personales y significativos.

▪️ Mitos comunes sobre la creatividad musical

Mito Realidad

Se puede entrenar como un músculo con práctica

“La creatividad es innata”
constante.

“Debo esperar la Crear rutinas estimula la inspiración. Componer es

inspiración” también disciplina.

“Las ideas deben salir La mayoría de ideas iniciales son borradores

perfectas” valiosos para pulir.

▪️ Técnicas para desbloqueo creativo

• Escritura libre: improvisar sin juzgar (grabar ideas sin evaluar).
 • Mapas mentales: conectar palabras, sonidos o imágenes que disparen
ideas.
• Collages sonoros: unir grabaciones caseras, ruidos u objetos para
crear un paisaje sonoro.
• Método "20 ideas malas": escribir a propósito 20 ideas "malas" para
desinhibirse.

Ejemplo real:
Björk, en sus álbumes Vespertine y Biophilia, graba sonidos de la naturaleza
islandesa y pequeñas frases vocales durante caminatas. Luego las edita,
armoniza y transforma en capas musicales.

Actividad práctica:
Durante una semana, grabar una idea musical diaria:
• Puede ser una melodía vocal, un ritmo corporal, una palabra susurrada.
• Usar celular o grabadora.
• Sin editar ni juzgar: solo observar lo que aparece.

2. Técnicas de ideación musical

▪️ Brainstorming musical
Aplicar el pensamiento divergente para:
• Escribir 10 motivos melódicos en 5 minutos.
• Improvisar patrones rítmicos sin filtro.
• Jugar con sílabas o palabras fonéticamente atractivas.

▪️ Componer con límites

Los límites funcionan como motores creativos. Ejemplos:
• Componer solo con tres notas.
• Usar un compás inusual (5/4, 7/8).
• Limitarse a un instrumento o a sonidos grabados de la cocina.

▪️ Fragmentación y expansión
 1. Crear una célula melódica (2-4 notas).
2. Aplicar técnicas:
o Inversión: cambiar la dirección de las notas.
o Ritmización: variar las duraciones.
o Transposición: mover a otra tonalidad.

Ejemplo real:
En "Everything in Its Right Place" de Radiohead, Thom Yorke parte de un
patrón simple en 10/4 repetido como mantra. La armonía es mínima pero la
textura evoluciona con capas y efectos.

Actividad práctica:
Componer una pieza de 45 segundos con:
• Solo 3 notas permitidas.
• Un ritmo constante.
• Sin batería ni armonía añadida.

3. Lenguaje compositivo básico

▪️ Construcción musical
• Motivo: célula mínima (2–4 notas).
• Frase: 4 u 8 compases que completan una idea.
• Sección: agrupación funcional (verso, coro, puente).

▪️ Melodía y armonía
• Usar escalas mayores, menores y modos como base.
• Probar progresiones simples: I–IV–V, i–VI–III–VII.
• Aplicar variaciones para mantener el interés.

▪️ Textura y timbre
• Superponer sonidos: voz + sintetizador + campo sonoro.
• Elegir timbres por contraste (seco/húmedo, agudo/grave).
 • Introducir cambios de densidad para crear momentos intensos o
íntimos.

Ejemplo real:
“La Valse d’Amélie” de Yann Tiersen parte de una melodía simple, que varía su
ritmo y cambia de registro a medida que avanza. Usa piano, cuerdas y
acordeón para generar nostalgia y movimiento.

Actividad práctica:
Crear una pieza de 60 segundos usando:
• Una frase melódica de 4 notas.
• Variaciones de ritmo, tempo o instrumentación.
• Contrastes texturales: momentos llenos vs. momentos vacíos.

4. Composición colaborativa
▪️ Ventajas
• Acceso a ideas diferentes.
• División de roles: cada persona fortalece una parte.
• Motivación por compartir y publicar.

▪️ Desafíos
• Diferencias de visión.
• Acuerdos sobre arreglos, edición o publicación.
• Requiere comunicación clara y gestión emocional.

▪️ Herramientas colaborativas online

• Soundtrap / BandLab: producción online simultánea.
• Noteflight / Flat.io: escritura colaborativa de partituras.
• Google Docs / Miro / Milanote: para notas de composición.

Ejemplo real:
Billie Eilish y Finneas trabajan en casa:
• Ella crea letras y melodías.
• Él graba, armoniza y produce.

Actividad práctica:
• Formar parejas.
• Uno envía una grabación vocal (melodía original).
• El otro armoniza, añade un acompañamiento o base rítmica.

5. Composición basada en consignas

▪️ Estímulos no musicales:
• Una imagen, un olor, una palabra abstracta.
• Un color o una pintura.
• Un texto breve o fragmento poético.

▪️ Escritura por bloques

• Crear secciones: inicio → desarrollo → clímax → cierre.
• Usar contrastes emocionales entre ellas.

▪️ Ejemplos de consignas:
• Componer con solo percusión corporal.
• Traducir en sonido la idea de “espejo”.
• Hacer una pieza en 5/4 con sonidos metálicos y sin batería.

Ejemplo real:
En El Mal Querer, Rosalía toma una novela medieval y la convierte en álbum
conceptual. Cada canción corresponde a un capítulo. Usa palmas flamencas,
voces distorsionadas y producción electrónica.

Actividad práctica:
• Elegir una imagen emocionalmente potente.
 • Escribir una pieza que traduzca esa emoción en sonido.
• Opcional: añadir texto hablado o ambientación.

Herramientas sugeridas

Categoría Ejemplos

DAWs gratuitos Soundtrap, BandLab, Studio One Prime

Notación musical MuseScore, Flat.io, Noteflight

Grabación rápida Voice Memos, AudioShare, Evernote

Apps generativas Ecrett Music, Humtap, Tonic

Proyecto Final del Curso

Producto esperado:
Composición de 1 a 2 minutos basada en una consigna (libre o asignada).
Debe incluir:
• Estructura formal clara.
• Desarrollo de elementos como motivo, textura, dinámica.
• Bitácora del proceso creativo.

Entrega:
• Audio (.mp3 o .wav).
• Partitura o guía (opcional).
• Bitácora en PDF o Canva.
• Presentación opcional en PowerPoint, Genially o video.
BLOQUE: TEORÍA Y ESTÉTICA MUSICAL

Asignatura: Armonía Moderna y Progresiones

Duración: 4 semanas
Objetivo: Comprender y aplicar conceptos de armonía funcional (tonal), modal
y contemporánea en contextos creativos y de producción musical.
Enfoque: Desde la teoría hasta la aplicación práctica en DAW y análisis
musical.
Resultado esperado: Composición original de progresiones armónicas
funcionales y/o modales integradas en una maqueta armónica.

1. Fundamentos de la armonía funcional

¿Qué es la armonía funcional?

La armonía funcional es un sistema que organiza los acordes dentro de una
tonalidad, asignándoles funciones específicas: tónica, subdominante y
dominante. Este sistema se basa en el principio de tensión–reposo, donde
los acordes generan diferentes grados de tensión que finalmente resuelven en
la tónica, produciendo una sensación de cierre o estabilidad.

Concepto clave: Un acorde no existe solo, su función se comprende en

relación a la tónica.

Estructura funcional básica:

• Tónica (I): Punto de reposo y estabilidad. (Ej. C mayor)
• Subdominante (IV): Introduce movimiento y prepara la tensión. (Ej. F
mayor)
• Dominante (V / V7): Genera la tensión máxima, deseando resolver en I.
(Ej. G o G7)

Progresiones comunes:
• I–IV–V–I → Cadencia clásica.
• ii–V–I → Progresión pilar del jazz.
• I–vi–IV–V → Empleada en baladas pop.
• vi–IV–I–V → Cadencia de éxito en canciones pop modernas.

Ejemplos reales:
Canción Progresión Tonalidad

Let It Be – The Beatles I–V–vi–IV C–G–Am–F

All of Me – John Legend vi–IV–I–V Em–C–G–D

Stand by Me – Ben E. King I–vi–IV–V A–F#m–D–E

🕊 Actividad práctica:
1. Componer dos progresiones armónicas:
o Una en modo mayor (ej: C mayor).
o Otra en modo menor (ej: A menor).
2. Implementarlas en un DAW usando un piano virtual o un pad.
3. Analizar sus funciones armónicas y sensaciones generadas.

2. Introducción a la armonía modal

¿Qué es un modo?
Un modo es una variante de la escala mayor o menor que, al comenzar desde
un grado diferente, cambia su centro tonal y color emocional. Aunque
comparten las mismas notas, su distinta organización crea distintas
sensaciones.

Por ejemplo: C mayor (jónico) y A menor (eólico) tienen las mismas notas,
pero emociones muy diferentes.

Tabla de modos y ejemplos:

Modo Carácter Ejemplo musical

Jónico Brillante “Do-Re-Mi” – The Sound of Music

Dórico Menor cálido “Get Lucky” – Daft Punk

Frigio Tenso, exótico “Sad But True” – Metallica, flamenco

Lidio Luminoso “Dreams” – Fleetwood Mac

Mixolidio Mayor bluesy “Sweet Home Alabama” – Lynyrd Skynyrd

Eólico Menor nostálgico “Zombie” – The Cranberries

Modo Carácter Ejemplo musical

Locrio Inestable Jazz vanguardista, cine experimental

Aplicaciones creativas:
• Dórico: Neo Soul, hip-hop instrumental, progresivo.
• Mixolidio: Funk, rock clásico, electrónica experimental.
• Frigio: Trap latino, flamenco, metal alternativo.

🕊 Actividad:
1. Crear una progresión de 4 compases en modo Dórico (ej: D Dórico).
2. Usar un sintetizador eléctrico o pad suave para destacar la atmósfera.
3. Incluir la 6ª mayor como nota característica en la melodía.

3. Progresiones armónicas contemporáneas

Más allá del sistema tonal:

• Acordes por cuartas (quartal harmony): en lugar de terceras, se
apilan cuartas → suenan ambiguos, modernos.
• Progresiones no funcionales: los acordes se conectan por textura,
color, timbre o repetición, no por función.
• Sustituciones armónicas:
o Tritono: sustituye dominante por acorde a tritono de distancia.
o Acordes relativos: intercambio entre tonalidades mayores y
menores (ej. I ↔ vi).
o Dominantes secundarios: V7 de otro grado (ej. V7/vi →
resuelve en vi).

Ejemplos estilísticos:

Estilo Características armónicas

Neo-soul Acordes extendidos (maj7, 9, 11), inversiones suaves

Jazz moderno Acordes sin tónica, movilidad modal, tensión controlada

Estilo Características armónicas

Trap / R&B Menores con tensiones, acordes suspendidos, flotantes

Ejemplos reales:
• “Untitled (How Does It Feel)” – D’Angelo: uso de voicings suaves, sin
resolución explícita.
• “Come Through” – H.E.R. & Chris Brown: progresión modal con pads y
efectos ambientales.
• “Nights” – Frank Ocean: cambios modales que dividen el track en dos
mitades emocionales.

🕊 Actividad:
1. Elegir una canción R&B contemporánea.
2. Analizar su progresión y voicings.
3. Recrear una versión adaptada en DAW con tus sonidos.

4. Aplicación en DAW: diseño armónico

Implementación práctica:
• Instrumentos virtuales: elegir timbres con intención emocional (Rhodes
= cálido, strings = dramático, pads = etéreo).
• Automatización: manipular volumen, reverb, filtros para dar movimiento
y evolución.
• Secciones diferenciadas: intro (atmosférica), verso (estable), coro
(brillante), bridge (contrastante).

Diseño por capas:

• Capa base: progresión principal (piano, pad, Rhodes).
• Capa de color: sintetizadores con efectos, texturas.
• Capa melódica: notas sueltas con extensiones (9ª, 13ª), efectos
flotantes.

🛠 Herramientas sugeridas:
 • Plugins: Spitfire LABS, Keyscape, Analog Lab.
• DAWs: Studio One, Ableton Live, Logic Pro.
• MIDI Packs: MIDIChordPacks, Unison MIDI Chord Collection (para
aprendizaje).

🕊 Actividad:
Diseñar en DAW una progresión armónica modal o contemporánea de 16
compases, usando:
• Al menos 2 capas de instrumentos.
• Automatización de volumen, filtro o reverb.
• Grabación o edición MIDI.

5. Composición de progresiones armónicas propias

Proceso creativo:
1. Modo / Tonalidad: elegir según intención (tristeza = eólico, energía =
mixolidio).
2. Emoción objetivo: ¿qué quiere transmitir la música?
3. Esbozo de progresión: sin juzgar, probar combinaciones.
4. Color armónico: añadir inversiones, extensiones o suspensiones.
5. Forma musical: estructurar en partes (A–B–A, A–B–C).

Consejos creativos:
• Alternar modos (ej. empezar en Dórico y cerrar en Eólico).
• Crear progresiones circulares (que no cierran del todo).
• Usar acordes sin tónica explícita para generar ambigüedad.

🕊 Actividad final:
1. Componer una progresión original (4 a 8 compases).
2. Grabarla o programarla en DAW.
3. Exportar audio y explicar las decisiones (modo, función, intención
emocional).
 4. Entregar mapa de acordes.

Herramientas y Recursos Didácticos

Herramienta Función

HookTheory Visualización de progresiones

TonedEar / musictheory.net Entrenamiento auditivo y teoría

Spitfire LABS Pads, texturas armónicas gratuitas

Ableton / Studio One / Logic Producción y diseño en DAW

Canva / Notion Bitácora visual y esquemas armónicos

Proyecto Final del Curso

Producto:
Una pieza armónica funcional o modal de 1 minuto, que incluya:
• Mínimo 3 acordes distintos.
• Implementación en DAW.
• Diseño estructural (intro–desarrollo–cierre).
• Mapa visual de acordes.
• Bitácora de decisiones creativas.

Formato:
• Audio .mp3 o .wav
• Mapa de acordes en PDF o Canva
• Bitácora escrita o visual
• (Opcional) video explicativo del proceso