Etapas
En cuatro etapas se divide el Barroco musical, cada una de diferentes características
• El Barroco temprano (1580-1630). La policoralidad, típica de la música religiosa,
en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical
• El Barroco medio (1630-1680). La nueva ópera pasó de ser un espectáculo
aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la
libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos
• El Barroco tardío (1680-1730). La plena adopción de las fórmulas tonales, a
partir de la escuela boloñesa y La extensión del estilo de concierto, aplicado a la
ópera y a la música instrumental
• La transición al Clasicismo (1730-1750). A finales del Barroco hay varias
tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia
de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer
Stil) alemán; Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann
Sebastian Bach, es considerado el padre de la sonata clásica
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o
ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
• El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con
adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura
idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
• La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y
la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las
segundas.
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias
instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y
el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres
habitual en el Renacimiento.
• El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las
ya escritas, en forma de ornamentación.
Basso continuo
• Un instrumento que hace acordes (órgano,
clavicembalo, o a veces el laúd o el arpa)
• Otro instrumento toca una línea melódica
grave (cello, viola de gamba, o fagot)
• El resto hacen la melodía (instrumentos
agudos)
• Tres planos sonoros
Basso continuo
• Un instrumento que hace acordes (órgano,
clavicembalo, o a veces el laúd o el arpa)
• Otro instrumento toca una línea melódica
grave (cello, viola de gamba, o fagot)
• El resto hacen la melodía (instrumentos
agudos)
• Tres planos sonoros
Definición de oratorio
Por oratorio se entiende, en general, una obra que llena todo un programa
de concierto, normalmente de índole sacra, para solistas, coro y orquesta, y
que se ejecuta de manera no escénica es decir, concertante.
Uno de los testimonios más tempranos que se han conservado es la
“Representación del alma y el cuerpo” de 1600, de Cavalieri, son recitativos,
coros y danzas, es decir, con los recursos estilísticos de la nueva ópera (era
una “ópera sacra”); este paralelismo es típico de la historia del género: una y
otra vez las influencias de la ópera influían, asimismo, sobre el oratorio.
La figura central del oratorio es la del narrador, quien por medio de
recitativos (tenor, con bajo continuo) expone el texto bíblico o la acción
como hilo conductor para los diversos números musicales. Los temas
provienen del Antiguo Testamento, a veces también del Nuevo o de las
leyendas de los santos. Las partes literarias de composición nueva se
adjudican a los solistas o al coro.
Historia y Oratorios Famosos
La escuela napolitana, con Alessandro Scarlatti (1660-1725), siguiendo el
modelo operístico, introduce en el oratorio el recitativo “secco”, el recitativo
“accompagnato” y el “aria-da-capo”. La culminación de este desarrollo lo
constituyen los oratorios de Händel en Londres, por primera vez en idioma
inglés.: Esther (1732), El Mesías (1742), Judas Macabeo (1746) y muchos
otros. El oratorio de Händel combina, en mezcla barroca, el espíritu
mundano y una gran dignidad con la intimidad y el pathos.
En Alemania, en el s.XVII, Schütz escribió sus “Historias” (de la Resurrección,
de la Navidad), semejantes a oratorios. En el s.XVIII la palabra bíblica se
versificó a veces, añadiéndose canciones, arias y coros.
El Oratorio de Navidad, de J.S.Bach (1733/34) se sale de este marco. Es un
ciclo de 6 cantatas; el texto bíblico se alterna con versos libres en coros,
accompagnati y coros.
LA CREACIÓN DE HAYDN
La Creación, de Haydn, irradia un optimismo esclarecido, y sabe
combinar el texto bíblico con la religión mundana y el mito de la
redención de la humanidad. Haydn trabaja asimismo con rasgos
descriptivos, por ejemplo, con un sombrío do menor en el
rudimentario movimiento de la representación del caos, virando en
cambio hacia la tonalidad de Re mayor con el surgimiento de la luz.
Tres arcángeles exponen el texto bíblico en escuetos recitativos-
seccos, y los trozos musicales están numerados como en la ópera de
números: se alternan recitativos accompagnatos con arias y coros,
estos últimos polifónicos y barrocamente fugados, ad maiorem Dei
gloriam.
La disposición general es tripartita (en el Barroco era, en general,
bipartita) y trata de la Creación de la tierra y las plantas, de los
animales y el hombre, y la vida de la primera pareja en el Paraíso,
constituyendo un único canto de gratitud.
Impacto del oratorio de Haydn
La Creación de Haydn tuvo un éxito a escala mundial. Suscitó
numerosas fundaciones de coros y favoreció el ulterior cultivo del
oratorio (también fuera de la iglesia), Beethoven (Cristo en el Monte
de los Olivos, 1800), Spohr y, en especial, Mendelssohn (Paulus, 1836;
Elías, 1846) escribieron oratorios para lo cual imitaban sobre todo a
Händel. El Paraíso y la Peri (1843) de Schumann elabora un tema
legendario profano, pero también en esta obra se oculta el
mencionado mito de la redención como en la Leyenda de Santa Isabel
de Liszt (1862), cuyo tema se halla notablemente emparentado con el
Tannhauser de Wagner.
También en Francia, el oratorio (drame sacré, mystere) siguió gozando
de gran predilección en el s.XI: Berlioz (L’Enfance du Christ, 1854),
Saint-Saëns, Franck, y otros produjeron obras con todas las conquistas
de la orquesta romántica (descripción musical, técnica del leitmotiv)..
Los oratorios suelen contener:
- Una obertura.
- Solos de instrumentos.
- Varias arias, cantadas por los solistas vocales.
- Recitativos, generalmente empleados como adelanto del
argumento.
- Coros, frecuentemente monumentales y destinados a transmitir un
sentido de gloria.
Es común que entre los instrumentos para los coros del oratorio se
encuentren los timbales y las trompetas.
Historia y origen
La cantata nació en Italia durante el primer tercio del siglo XVII. En sus
inicios, era una pieza musical compuesta para ser cantada, en contraste
con la sonata, diseñada para ser tocada instrumentalmente. Estas
primeras cantatas eran obras breves y generalmente estaban
compuestas para una sola voz acompañada por unos pocos
instrumentos. La temática era predominantemente secular, explorando
los temas del amor y la naturaleza, reflejando así las tendencias
literarias y artísticas del Barroco temprano.
La cantata en el contexto religioso
Con el tiempo, la cantata encontró un hogar en la iglesia, evolucionando
hacia formas más complejas y extendidas. Compositores como J.S. Bach
en Alemania, transformaron la cantata en una pieza fundamental de la
liturgia protestante, incorporando coros, solistas, y una rica
ornamentación instrumental. Las cantatas sacras de Bach, por ejemplo,
son consideradas algunas de las obras más profundas y espiritualmente
ricas de toda la música clásica.
En el Barroco
Durante el período Barroco, la cantata experimentó una transformación
significativa. Compositores como Johann Sebastian Bach y Georg
Friedrich Händel elevaron la cantata a nuevas alturas, especialmente
con sus contribuciones al género religioso. Bach, en particular, es
famoso por sus cantatas sacras, que escribió para los servicios
dominicales de la iglesia, incorporando textos bíblicos y corales
luteranos.
CARACTERÍSTICAS DE LA CANTATA
Estructura y forma
Una cantata típicamente se organiza en varios movimientos, incluyendo
arias, recitativos, y coros. La aria ofrece melodías expresivas y
emocionales, mientras que el recitativo se asemeja más a la
declamación hablada y sirve para avanzar la narrativa. Los coros, por
otro lado, añaden una dimensión comunitaria a la obra.
Temas
Las cantatas pueden ser tanto sacras como seculares. Las sacras se
centran en textos religiosos o espirituales, mientras que las seculares
exploran una amplia gama de temas, desde la mitología hasta los
eventos cotidianos y emociones humanas.
Obras emblemáticas
Johann Sebastian Bach es quizás el compositor más emblemático asociado con
la cantata. Durante su vida, Bach compuso más de 200 cantatas, muchas de las
cuales fueron escritas para servicios religiosos dominicales. Su obra no solo
demostró una maestría técnica sin precedentes sino que también profundizó
la capacidad de la música para expresar lo divino y lo humano.
Aunque la popularidad de la cantata disminuyó después del Barroco,
compositores del siglo XIX y XX, como Mendelssohn y Britten, continuaron
explorando y renovando el género. Estas cantatas más modernas a menudo
reflejaban los estilos y preocupaciones de sus respectivas épocas, desde el
romanticismo hasta la modernidad, manteniendo viva la tradición de la
cantata.
A medida que nos adentramos en el siglo XX y más allá, la cantata siguió
evolucionando, abrazando tanto la tradición como la innovación. Este período
vio la creación de obras que desafiaban las convenciones y expandían los
límites del género, manteniéndolo vibrante y relevante en el panorama
musical contemporáneo.
Johann Sebastian Bach: cantatas sacras
Bach compuso más de 200 cantatas sacras, siendo algunas de las más notables
«Jesu, der du meine Seele» (BWV 78) y «Herz und Mund und Tat und Leben»
(BWV 147), que contiene el famoso coro «Jesu, Joy of Man’s Desiring«.
La pasión tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es
el evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos.
Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas,
mientras que otros personajes (discípulos, pueblo…) son interpretados por el
coro. Al igual que el oratorio no tiene representación escénica.
TEMAS
La pasión es un género musical que trata de la pasión y muerte de Cristo. El
texto se basa generalmente en alguno de los cuatro evangelios: según Mateo,
Marcos, Lucas y Juan.
TIPOS
PASIONES MOTÉTICAS
El texto bíblico relacionado con la Pasión de alguno de los evangelios se musicaliza en
su totalidad de forma polifónica. Siguiendo la tradición del motete, la pasión se divide
en varias secciones. Algunos compositores que escribieron pasiones motéticas
fueron: Jacob Obrecht, Leonhard Lechner, Christoph Demantius.
PASIONES RESPONSORIALES
La narración es presentada por el evangelista, que es el solista principal. Es éste el
tipo de pasión más antigua. En muchos casos, aparecen al principio y al final un coro
introductorio y un coro final que anuncian el inicio y el fin de la pasión.
PASIONES ORATORIAS
En éstas, los cantantes son acompañados por el bajo continuo o por un grupo
instrumental u orquesta. Se introducen elementos de la ópera y del oratorio, como el
recitativo las arias da capo, los ariosos, coros y piezas instrumentales Las pasiones
oratóricas más importantes son la Pasión según Juan de Georg Böhm, la Pasión según
Marcos de Reinhard Keiser.
ORATORIOS DE PASIÓN
En el siglo XVIII y XIX aparece un tipo especial de pasión, que no utiliza directamente el
texto de alguno de los evangelios, sino sólo textos libres relacionados con el
sufrimiento y la muerte de Cristo. Su estructura y concepción son relativamente libres
y no siguen necesariamente la secuencia de sucesos según las narraciones bíblicas. Tal
es el caso del oratorio Der Tod Jesu.
J. S. Bach
El compositor más destacado de
este género es J.S.Bach, con dos
obras fundamentales: La pasión
según San Mateo y La pasión
según San Juan.
Georg Philipp Telemann
Otro compositor importante
del Barroco, fue Georg Philipp
Telemann (1681-1767) , quien
escribió 44 pasiones.
