HISTORIA

DEL
ARTE

LUISMI
CURSO 2020/2021
 1- EGIPTO
1-INTRODUCCIÓN
Egipto fue uno de los imperios más grandes e importantes de la antigüedad. Su aparición se data en
el 3000, cuando el rey Menes logró unificar el Alto y el Bajo Egipto. Se iniciaba así el reinado de la
primera de las treinta dinastías que tendía el imperio. El arte estaría al servicio del soberano y de los
dioses. Su cultura era teocrática, así como su sistema político.

Ya desde la antigüedad se había manifestado un interés por la cultura egipcia. Fue en el siglo V a.C.
cuando el viajero e historiador Heródoto de Halicarnaso recorrería el país del Nilo. Este escribiría
sobre la cultura, la política, la historia y el arte, entre otros. Su trabajo es de vital importancia, pues
gracias a sus escritos conocemos muchas obras de arte que él vio, pero que no han llegado a
nuestros días. Gracias a él perviven descripciones de edificios desaparecidos.

En la era romana Egipto suponía un exotismo atractivo para los grandes emperadores. Por ello
expoliaban obeliscos que traían a las grandes ciudades romanas, así como esculturas y otras
manifestaciones artísticas que eran reconocidas como botín de guerra.

En el renacimiento se iniciaron las primeras excavaciones arqueológicas para recuperar patrimonio

clásico. Fue entonces donde se descubrio ese arte faraónico que los romanos habían traído consigo.
No obstane, sue en el siglo XVIII y XIX cuando llegó el impulso definitivo en el descubrimiento de
la cultura Egipcia.

En 1789 las tropas Napoleónicas, en contexto de la guerra contra Gran Bretaña, invadieron Egipto.
Esta expedición se hizo acompañada de un total de 154 especialistas, entre los que se hallaban
botánicos, zoólogos, filósofos, historiadores... Los cuales tenían el objetivo de trabajar para conocer
ese país. El científico más importante fue Dominique Vivant Denon, a quien debemos el inicio de la
egiptología. Dominique llegó a ser, años más tarde, el primer director del museo del Louvre. Entre
sus obras hallamos Viaje al alto y bajo Egipto (1802), un total de 24 volúmenes con numerosas
láminas de distintos ámbitos: Arqueología, botánica... La gente del siglo XVIII nunca había visto
nada sobre Egipto, y supuso un impacto grande en la población culta, al descubrirse algo que no se

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había visto en siglos.

En 1799 el capitán francés Pierre-François Bouchard halló la Piedra Rosetta. Consistía en una estela
de granito negro que tiene escrito el decreto del faraón Ptolomeo V, hacia el año 169 a.C. El mismo
texto está escrito en jeroglífco, demótico y griego. Debido a que se conocía el griego fue posible
descifrar las otras dos lenguas, tarea que desempeño Jean François Champollion y que se dio por
finalizada en 1822. Gracias a la Piedra Rosetta conocemos el jeroglífico egipcio, el cual no se
conocía hasta esa fecha. Hubo otros intelectuales que también descubrieron la cultura egipcia.
La I Guerra Mundial paralizó los trabajos arqueológicos en Egipto, hasta que en 1922 Hogward
Carter descubriese la tumba de Tutankamón, la única tumba egipcia sin profanar.
El último gran impulso en el descubrimiento de la cultura egipcia se dio en 1952 de la mano de la
construcción de la Presa de Asuán. Numerosos templos egipcios fueron descubiertos allí, y fueron
trasladados. Un ejemplo es el templo de Abu Simbel, trasladado en 1963 a un lugar más seguro,
otro el templo de Dobed, el cual fue donado a Madrid para construir en ese lugar la presa.

Egipto es una estrecha franja fértil que se desarrolla en torno al río Nilo, con desierto a ambos lados.
Es un territorio que dependía plenamente de las crecidas del río, las cuales proporcionaban un suelo
fértil y cultivable. Ello le proporcionó al río la categoría de dios o de semidios.
CONDICIONANTES EN EL ARTE EGIPCIO
• Abundancia de piedra (caliza, granito, alabastro...) transportable a través del Nilo.
• Ausencia de madera, pero existencia de vegetales como palmeras, papiro o loto. Por ello en
sus templos hay muchas palmeras, recuerdo de los bosquecillos cercanos al río.
• Aislamiento geográfico, lo que supuso un arte conservador impermeable a influencias
exteriores. Cambió drásticamente con Akenatón, quien impuso una religión monoteísta que
desapareció tras su muerte.
POLÍTICA
La forma de gobierno del antiguo egipto era una monarquía teocrática. El faraón era un dios o hijo
de dioses (principalmente de Rah). Lo que le valía la consideración de un dios viviente. Podía tener
muchas esposas, pero solo una era la Gran Esposa, que reinaba junto a él. El faraón concentraba
todos los poderes existentes en la época: Gobierno, ejército y religión.

Su misión como jefe político era la de mantener el maat (orden y armonía). Para ello, contaba con
una serie de funcionarios que le ayudaban a gobernar el país. El más importante era el visir, que
siempre acompañaba al faraón. Había además gobernadores de provincias (nomarcas) y locales.
Como jefe religioso debía promover la construcción de templos, donde la ciudadanía realizaba
ofrendas. Estos templos estaban guardados por sacerdotes.
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 RELIGIÓN
La religión egipcia era politeísta, con dioses zoomorfos. Algunos de los dioses más importantes del
panteón son:
• Anubis: Dios de la muerte y la resurrección, aparece con una cabeza de chacal. La aparición
de Osiris le restó protagonismo y le dio un papel secundario.
• Amon-Ra: Dios de la creación.
• Ra: Dios del sol y del nacimiento de la vida.
• Osiris: Dios del inframundo, viste un sudario y tiene la piel de un muerto. Su aparición
restó protagonismo a Anubis.
• Isis: Hermana y esposa de Osiris, era la Gran Diosa Madre y la protectora de mujeres y
niños.
• Apis: Se le representaba como un toro. Era el dios de la fertilidad.
• Horus: Representado como un halcón o como un hombre con cabeza de este, es el dios de la
guerra y la caza.
Los egipcios creían en la vida después de la muerte. Tenían una firme creencia en el más allá. Había
que vivir de acuerdo con la ética para tener una nueva vida tras la muerte. Por ello se construían
tumbas, en las que depositaban sus pertenencias con el objetivo de poseerlas en el más allá, así
como abundantes cantidades de comida. Cuando el alma moría se presentaba a un tribunal de
muchos dioses presidido por Osiris. Ahí debía recitarse de memoria un texto dirigiéndose a cada
dios y prometiendo que se había obrado bien. Luego se colocaba el corazón en una balanza y al otro
lado una pluma. Si pesaba más la pluma, el individuo podía acceder al libro de los muertos. Si
pesaba más el corazón una fiera devoraba al individuo. Esta vida en el paraíso era accesible para
toda la población, pero no todo el mundo tenía la capacidad económica requerida para llevarse
consigo un ajuar tan grande como el de los faraones y funcnionarios. Existían una serie de
requisitos para sobrevivir en el más allá. El primero era que el cuerpo se conservase. Para ello se
momificaban siguiendo un extenso ritual narrado en el Libro de los Muertos. El cuerpo era
embalsamado y tratado para evitar la putrefacción. El embalsamador llevaba una máscara de
Anubis. Probablemente para evitar los malos olores. Las vísceras se guardaban en los vasos
canópicos, dejando el corazón aparte para pesarlo en la balanza. Después de esto el cuerpo era
introducido en un sarcófago, de donde luego era enviado a la tumba.

SOCIEDAD
La sociedad egipcia podría dividirse de la siguiente manera:

Faraón
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 Altos funcionarios
y sacedotes

Pueblo llano

Esclavos, de guerra o por nacimiento.

ETAPAS DE LA CIVILIZACIÓN EGIPCIA:

• Época tinita (3000-2600)
• Imperio Antiguo (2600-2180)
• Imperio Medio (2040-1780)
• Imperio Nuevo (1552-1070)
• Baja Época (631-31)

ARQUITECTURA
CARACTERÍSTICAS
 Arquitectura teocrática: Es una arquitectura marcada por sus creencias, y está al servicio
del faraón y de la religión, las cuales, en ocasiones, pueden llegar a unirse.

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 Colosalismo y grandiosidad: Edificios desproporcionados en relación a la función que
desempeñan. La finalidad de este colosalismo no era la máxima congregación de fieles, sino
una muestra de poder.
 Arquitectura arquitrabada o adintelada: La arquitectura se basa principalmente en líneas
horizontales, no en curvas. Sí conocían el arco, pero no les parecía estético, y lo utilizaban
mayoritariamente en construcciones subterráneas, como en el Serapeum de Saqqara.
 Columna como elemento sustentante principal: Inicialmente las columnas eran troncos
de árboles, lo que causó una necesidad de imitarlos cuando se comenzó a labrar en otros
materiales. Así, las columnas trataban de imitar la naturaleza. Encontramos distintos tipos de
capiteles:
o Lotiformes
o Papiriformes
o Palmiformes
o Campaniformes
o Con cabezas de dioses...
 Fusión de todas las artes: Esta arquitectura suponía la participación de escultura (relieve y
bulto redondo) y pintura al fresco. Esto se utilizaba para cubirir el interior, no con una
finalidad de estética, sino para transmitir un mensaje.
 Materiales:
o Adobe: Barro secado al sol. En la época tinita sería el material principal. Más
adelante se utilizaría fundamentalmente en la arquitectura residencial, pues era más
barato que materiales como la piedra.
o Piedra: A partir del Imperio Antiguo, la piedra (sobre todo caliza) se iría
imponiendo para realizar las grandes obras. Eran grandes bloques de piedra que se
tallarían para luego ser colocados sin argamasa.
o Madera: Su función sería mayoritariamente la de cubrir los edificios, no solo
residenciales, sino también otros edificios, como templos. La madera era la
techumbre. Preferentemente se utilizaba cedro de Líbano.

ARQUITECTURA
FUNERARIA
ÉPOCA PREDINÁSTICA
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En la época predinástica, los enterramientos eran fosos excavados en el suelo donde se depositaba el
cadáver y su ajuar, con algún recipiente que contuviese comida. Esta se tapaba con una techumbre
de madera o con un edículo de tierra. Al no estar la sociedad tan jerarquizada, los enterramientos de
una clase u otra no distaban mucho.

ÉPOCA TINITA
En la época tinita la sociedad ya estaba jerarquizada, y los nobles comenzaron a erigir mastabas:
estructuras de planta rectangular y de forma trapezoidal con los muros dispuestos en talud
(inclinados). Contenían una serie de entradas falsas con el fin de despistar a los profanadores de
tumbas. Solo una era la verdadera. En el interior:
 Capilla: A ella podían acceder los familiares para presentar alimentos al fallecido en su
peregrinación de ultratumba. También podían dárseles otras ofrendas
 Serdab: Sala cegada (sellada) en la que, en una hornacina o simplemente en la habitación,
se depositaba la imagen del poseedor de la tumba (generalmente un bulto redondo).
Garantizaba que el alma pudiese vivir en el más allá, pues esta necesitaba un lugar terrenal
en el que instalarse, bien en el cuerpo del difunto o bien en la estatua. Las paredes estaban
decoradas con relieves de las aficiones del difunto, con el fin de que pudiese realizarlas en la
otra vida.
 Cámara funeraria: Se accedía a través de un pozo excavado en el suelo, donde se
depositaba el sarcófago con el cuerpo del difunto. En ocasiones, el pozo se cegaba para
impedir el acceso a la cámara funeraria.

Las paredes estaban decoradas con relieves.

Según la capacidad económica del funcionario, noble o faraón esta mastaba variaba en tamaño.
Estas mastabas eran originariamente de adobe, pero a partir de la III Dinastía comenzaron a hacerse
de piedra => Muchas han sido utilizadas como cantera. El saqueo era algo habitual, y todas las que
conocemos han sido profanadas. Estos saqueadores no eran contemporáneos al difunto, pero no
solía pasar mucho tiempo hasta que una tumba fuese profanada. A los saqueadores les era impuesta
la pena máxima.
Un ejemplo es la Mastaba de Mereuka, en Saqqara. También en Saqqara se halla la Mastaba de
Shepseskaf.

IMPERIO ANTIGUO
ZOSER

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La ascensión al trono del faraón Zoser (III Dinastía) supondría uno de los periodos con más
esplendor de Egipto. Este faraón querría distinguir su tumba de la del resto del funcionarios, y
decidiría crear una superposición de seis mastabas, por primera vez, en piedra (caliza). El resultado
fue una pirámide escalonada de 60 metros. El arquitecto fue, según Manetón, Imhotep, visir del
faraón y juez. Es el nombre de arquitecto más antiguo conocido. Sabemos que es una superposición
de mastabas porque el interior sigue el modelo de éstas. Además, añadiría toda una serie de
innovaciones. Desde Zoser en adelante, cuando un faraón moría no era enterrado en la ciudad, sino
que tenía lugar una procesión hasta el embarcadero. De ahí, se le conducía por el Nilo (manera de
viajar de los dioses) en un último viaje hacia la necrópolis. Aquí, Zoser añadió también una serie de
innovaciones, parece ser que eran una imitación de su palacio, para que se sintiese cómodo en su
vida terrenal. El recinto funerario ya no se limitaba a la necrópolis, sino que conformaba una serie
de estructuras:
 Templo del valle: Se situaba junto al río, para recibir el cuerpo del difunto. En él se
momificaba el cadáver, y se preparaban sus vísceras en sus respectivos vasos canópicos.
 Avenida: Esta comunicaba el Templo del Valle con el complejo funerario. Podía estar
adornada con esculturas a los lados.
 Complejo funerario: Era un recinto amurallado. Contenía puertas falsas (14 en el caso de
Zoser) con el fin de despistar a los saqueadores. Estaba compuesto por distintas estructuras,
de las cuales, las más importantes son:
o Templo funerario
o Pirámide

Sus sucesores también seguirían este modelo de complejo funerario, como es el ejemplo del
complejo funerario de Hebset.

SNEFRU
Perteneciente a la IV Dinastía, el faraón Snefru llevaría a cabo numerosos intentos de crear la
pirámide perfecta. Hubo tres intentos, aunque otros autores señalan incluso a un cuarto:
MEIDUM
Era una superposición de 8 mastabas construídas con caliza que luego serían recubiertas con el fin
de crear una superficie lisa. La colina sobre la que parece asentarse son en realidad restos del
recubrimiento original. Tenía las caras lisas, pero actualmente dicho recubrimiento se ha perdido.
Esta pirámide no fue del agrado del faraón, y ordenó la construcción de otra.

PIRÁMIDE ACODADA
Ubicada en Dasur, esta pirámide destacó por su cambio de en inclinación. Probablemente, los
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arquitectos vieron que el ángulo que presentaba iba a elevar la estructura a un altura que correría
riesgo de derrumbe. Por ello se decidió rebajar la vertiente. Estaba recubierta con caliza blanca de
Tura, lo que reflectaba la luz del sol y aportaba un aire de misticidad. Tampoco gustó al faraón, y
debió construírsele otra.

PIRÁMIDE ROJA
Construída con granito rojo recubierto con caliza blanca de Tura, la Pirámide Roja es la tercera más
grande de Egipto. Esta sí fue del agrado del faraón, y fue enterrado en ella.

NECRÓPOLIS DE GUIZA
Pertenecientes también a la IV dinastía, el conjunto funerario de Keops, Kefrén y Micerinos ha
llamado la atención de egiptólogos de todas las épocas. Forman parte de un conjunto más grande, en
el que se hallan las 3 pirámides de las reinas y numerosas mastabas de funcionarios, con el fin de
que sirviesen a los faraones en la otra vida. Cada pirámide tiene su Templo Funerario, su avenida y
su Templo del Valle.
También se halla junto a este complejo la Ciudad de loso Trabajadores, donde se instalaron los
constructores de las pirámides. La arqueología ha podido determinar que eran hombres libres y bien
nutridos, y no esclavos. Según fuentes documentales, trabajar en la pirámide era una manera de
evitar pagar impuestos.

KEOPS
La pirámide de Keops fue la primera en ocupar la necrópolis. Con 146 metros de altura por 230
metros de longitud, la pirámide de Keops es la más grande de la historia de Egipto, y la edificación
más alta hasta la Edad Moderna. Cuenta con un total de 2,2 millones de bloques de piedra. Posee
una base cuadrangular orientada a los cuatro puntos cardinales. La entrada se halla a más de 15
metros de altura, y por ella se accede al interior. Descendiendo hacia la parte inferior, hay una
cámara inacabada. Tal vez fuese para despistar a los saqueadores, o tal vez el rey hubiese cambiado
de opinión. En sentido ascendente, lo primero que hallaremos es la Cámara de la Reina. Si
seguimos ascendiendo encontraremos la Cámara del Faraón.
Esta tumba fue profanada, y conservamos muy pocos restos. Entre los restos que han llegado hasta
nuestros días hallamos el sarcófago o la barca funeraria de Keops. Esta venía desmontada con las
instrucciones necesarias para armarla. El objetivo era que pudiese darse paseos en el más allá.

KEFRÉN
Con 143 metros de alto, por 216 de largo, la pirámide de Kefrén es la segunda más grande de
Egipto, aunque, debido a la orografía del terreno y a su inclinación mayor, parece la más alta del
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complejo. Se construyó basándose en las proporciones del triángulo sagrado egipcio. De ahí que
durante mucho tiempo fuese llamada la Gran Pirámide. Es la única que conserva parte del
recubrimiento blanco en la parte superior.
Junto a la avenida se hallaban dos grandes esfinges, probablemente talladas a partir de una roca ya
existente y posteriormente policromadas. Solo conservamos una, pero la arqueología ha logrado
determinar la existencia de otra. Su finalidad era amedrentar a los profanadores. Es probable que
portasen la cara del faraón, pues está vestida con el ureus, el nemes y la barba postiza. Junto al
Templo del Valle se halla el Templo de la Esfinge.

A inicios del siglo XIX, el explorador Giovanni Battista Belzoni fue el primer explorador occidental
en acceder a la pirámide, y solo halló unos huesos de vaca y una inscripción en árabe.

MICERINOS
Con 66 metros de altura, la pirámide de Micerinos es la más pequeña de las tres del complejo, ello
se debe a que el reinado de Micerinos se caracterizó por un periodo de crisis económica, y no pudo
costearse una pirámide más grande. Estaba recubierta con granito rojo y caliza blanca de Tura. En el
siglo XIX, la arqueología halló en la pirámide un ataúd antropomorfa de madera, con una momia en
su interior. Sin embargo, no pertenecía a Micerinos, sino que pertenecía al primer milenio a.C.
También se halló un sarcófago de basalto, pero se hundió en las costas de Cartagena cuando estaba
siendo transportada a Londres, por lo que no se puede asegurar que perteneciese a Micerinos.

I PERIODO INTERMEDIO
El inicio del Primer Periodo Intermedio supuso un debilitamiento del poder real y una
descentralización. Además, el faraón perdió su estatus de dios, y adquirió el de hijo de dios. El
poder fue transferido a las clases pudientes. Traducido a la arquitectura, las pirámides decrecieron
bruscamente en tamaño, y aumentó el de las mastabas de los funcionarios.

IMPERIO MEDIO
Políticamente, el Imperio Medio supuso la restauración del poder autoritario. Sin embargo, nunca
más volvería a haber pirámides. Destacarían ahora los mausoleos. El más conocido es el de
Mentuhotep, en Deir el-Bahari. Constaba de una avenida de más de 1 kilómetro, con árboles y
esfinges a los lados, que conducía a una estructura de dos terrazas hipóstilas superpuestas con una
pequeña pirámide. El mausoleo se hallaba en esta estructura. Detrás había un patio columnado que
conducía a un santuario excavado en el interior de la roca.

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 IMPERIO NUEVO
Viendo los faraones que todas sus tumbas eran profanadas, se decantaron por enterramientos más
discretos, con el fin de que pasasen desapercibidos. Estos, no serían visibles a primera vista. En este
periodo desaparecerían completamente las pirámides y mastabas.

HIPOGEO
Ahora los enterramientos se llevaban a cabo en el Valle de los Reyes o en el Valle de las Reinas, y
recibirían el nombre de Hipogeos. Estos eran cámaras sepulcrales excavadas en el interior de la
roca. Interiormente conservaban las mismas estancias que las pirámides y mastabas (serdab…), y se
cerraban para toda la eternidad. Sin embargo, este nuevo método para evitar saqueos no funcionaría,
pues todas fueron profanadas excepto la del faraón Tutankamón.
Se aprecia en estos hipogeos la fusión de todas las artes: Bultos redondos, relieves, frescos. A pesar
de que nadie podía apreciarlo, el faraón pensaba disfrutar lo allí representado en el más allá.

HEMISPEO
El hemispeo apareció también en este periodo, y era una fusión de tumba y templo hipóstilo.
Consistía en una avenida que conducía a un templo visible desde el exterior, que estaba adosado a
una roca, y una tumba excavada en esta.
El más conocido es el de la reina Hatsepsut, en Deir-el-Bahari. Fue construido por Senmut.

ARQUITECTURA
RELIGIOSA
Durante el Imperio Antiguo el templo estaría asociado a los conjuntos funerarios. Sin embargo, a
mediados del Imperio Medio empezaron a adquirir una identidad propia como lugar de culto y
reunión.
Ya en el Imperio Nuevo, el templo se convertiría en la tipología más representativa. Ya no tenía la
función funeraria (de rezar por el faraón), sino devocional. Los templos acogían la figura del dios, y

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en ellos tenían lugar los ritos dedicados a este. Puesto que la religión era politeísta, los templos
podían estar dedicados a una amplia variedad de dioses.
Los sacerdotes se encargaban de cuidar el templo, y periódicamente sacaban en procesión la estatua
de la divinidad con el fin de que bendijese la ciudad. En ocasiones, incluso aseaban, maquillaban o
daban de comer a la escultura. Poseían además siervos y tierra, con los que eran mantenidos.

Los templos se situaban junto al Nilo, y tenían una serie de dependencias:

 Embarcadero: Situado junto al Nilo.
 Avenida o dromos: Estaba flanqueada por carneros con una finalidad protectora. Unía el
embarcadero con la entrada al templo.
 Obeliscos: Había dos, uno a cada lado de la puerta de entrada. Simbolizaban los rayos del
sol y tenían también una función protectora.
 Colosos: En ocasiones, se colocaban adosados a los pilonos imágenes del promotor de la
construcción.
 Pilonos: Eran dos muros trapezoidales. En su frente se colocaban dos mástiles a cada lado, y
de ellos se colgaban banderas. Si estaban izadas, la imagen del dios estaba dentro. Si estaban
plegadas, estaba de procesión.
 Híptero: Patio a cielo abierto rodeado por pórticos, donde había altares para realizar
ofrendas o sacrificios. Todos podían acceder a él.
 Sala hipóstila: Cubierta por un techo de madera policromada sostenido por columnas, la
sala hipóstila solo era accesible para los nobles.
 Sala de la barca: En ella se guardaba una barca que era una peaña en la que el dios era
sacado de procesión, y simbolizaba la manera de viajar de los dioses (por el Nilo). Solo los
sacerdotes y el faraón podían acceder a ella.
 Santuario: Albergaba la imagen de la divinidad. Solo los sacerdotes y el faraón podían
acceder a ella.

Había además otras dependencias, como archivos, jardines o estancias domésticas de los sacerdotes
(vivían allí).
Los templos estaban amurallados, y la única manera de entrar era por el pilono. A medida que se
avanzaba el techo se rebajaba y el suelo se subía, por lo que cada vez había menos altura. Lo mismo
ocurría con la luz. Cuanto más cerca estaba de la divinidad, menos luz iluminaba la estancia. El
santuario estaba totalmente a oscuras. Estos templos estaban totalmente policromados, incluso la
imagen del dios.

Como ejemplo, hallamos el templo de Amón, en Karnak o el de Luxor.

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Había otro tipo de templos, erguidos por los faraones como agradecimiento por un hecho. Un
ejemplo es el Gran Speo de Ramsés II, o el Pequeño Speo de su esposa Nefertari, en Abu Simbel.
Fueron erguidos para agradecer la victoria en la Batalla de Qadesh, contra los hititas, pero también
para demostrar su poder y recordar a los hititas su derrota. Fueron descubiertos en el siglo XIX,
enterrados en su práctica totalidad. Con motivo de la construcción de la Presa de Asuán, los restos
fueron trasladados a una zona superior, a orillas de la presa.

El Gran Speo de Ramsés está dedicado a Re-Horus, la entrada está flanqueada por cuatro colosos
suyos (de uno falta la parte superior) de 21 metros de altura. Accediendo, se encuentra una sala
hipóstila flanqueada por grandes columnas osíricas. En los equinoccios, la luz incidía directamente
e iluminaba tres de las cuatro estatuas del templo. La imagen de Ptah permanecía siempre en la
oscuridad.
El Speo de Nefertari está dedicado a Hathor. En los colosos de la entrada aparecen Nefertari como
Hathor y Ramsés.

Existieron además otras tipologías, como observamos en el templo solar de Niuserre, en Abu Gurab.
Este estaba dedicado a Re, y mantiene en el centro una estructura que recuerda a un obelisco
piramidal.

En España se encuentra el Templo de Debod, trasladado recientemente con el fin de evitar su

destrucción con la construcción de la presa de Asuán.

ESCULTURA
CARACTERÍSTICAS
 Carácter religiosos y funerario: En Egipto la religión impregnaba toda actividad, por ello
la escultura estaba en relación con las creencias.
 Su finalidad no era la belleza: La escultura tenía otras utilidades, pero la belleza no era
necesaria, pues se buscaba un objetivo concreto (albergar el alma, representar a una
divinidad…).
 Garantizar la inmortalidad del difunto como finalidad principal: El alma necesitaba un
recipiente físico en el que residir. Todo desperfecto que sufriese la figura en el mundo
terrenal sería sufrido por el alma en el más allá => Las extremidades no sobresalen. Además,
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 el faraón crearía estatuas de trabajadores para que le ayudasen en la otra vida.
 Uso de materiales duraderos: Con el fin de garantizar que no hubiese desperfectos:
Granito, cuarcita, basalto, diorita… Para representar a personas de clase baja se solían
utilizar materiales perecederos.
 Inexistencia del concepto del arte por el arte
 Colosalismo
 Jerarquización: Puesto que no importaba la belleza ni el realismo, se representaba de
distinto tamaño a personas de distinta clase social. Esto se cumplía incluso dentro de un
mismo conjunto escultórico.
 Ley de la frontalidad: Servía para hacer más entendible lo que se estaba representando. En
ocasiones, un cuerpo se representaba de frente pero con la cabeza girada, o al revés. No
importaba siempre y cuando ayudase a entender la imagen.
 Simetría
 Solemnidad
 Mirada hacia el infinito
 Hieratismo: Indica eternidad.
 Atemporalidad: Indica también eternidad.
 Existencia de un canon matemático: Este era de 18 puños estando la figura en pie, y de 15
estando sedente.
 Diferencia en la piel según el sexo: Más oscura en hombres, y más amarillenta en mujeres
 Diferencia entre clase social:
o Escultura real: Búsqueda de la belleza ideal, con figuras jóvenes físicamente
perfectas. Tamaño grande.
o Escultura cortesana: Figuras más realistas. El rostro era ya identificable. Tamaño
mediano.
 Escriba: Era tan importante que se creó una tipología para él. Se le
representaba sentado con los pies cruzados y un papiro sobre las piernas.
Mantiene la actitud de estar escuchando lo que se dice para copiarlo.
o Escultura popular: Figuras muy realistas hasta tal punto que son una fuente para
conocer las vestimentas o adornos de la época. Figuras pequeñas.
 Variedad en el número de representantes:
o Individual
o Unidad familiar
o Dúo
o Tríada…

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  Variedad tipológica:
o Bulto redondo: Representaciones del faraón, también de trabajadores para que le
sirviesen en la otra vida.
o Relieve
 Rehundido (el más usado).
 Alto
 Medio
 Bajo

OTRAS TIPOLOGÍAS
ESTATUA CUBO
En el Imperio Medio surgió una nueva tipología denominada estatua cubo. Esta supone una
absoluta esquematización del individuo, reduciendo a un cubo la figura de los hombros a los pies.
Solamente sobresale la cabeza, y a veces las manos y pies. Estos cubos contenían inscripciones
Probablemente fueran exvotos para santuarios.

COLOSOS
Los colosos eran estatuas de faraones de grandes dimensiones (generalmente de 20-22 metros) que
se situaban a lo largo de las avenidas o dromos, así como en los pilonos de los templos. Podían estar
excavados en la roca, o estar hechos en otro lugar. En ese caso había que transportarlos. Para ello se
situaba la estatua sobre una estructura plana, la cual era hecha rodar mediante troncos. En el suelo
se colocaba una sustancia que ayudase a resbalar. Era necesaria mucha mano de obra que debía
coordinarse para transportarlo a la vez. También podía utilizarse ganado, pero era más difícil
mantener la coordinación.
Representaban poder.
En ocasiones, un coloso era erigido en honor a otra persona (por ejemplo, a un padre).

PERIODO DE AMARNA
El reinado de Amenofis IV supondría el único periodo en la historia de Egipto en el que se
produciría una revolución en el ámbito artístico. Este declararía una religión monoteísta que
rindiese culto a Atón, y se llamaría a sí mismo Akhenatón.
En las escenas familiares, se mostrarían rasgos más humanos, cotidianos e íntimos. Por ejemplo,
aparecería el faraón jugando con su hijo, representación que antes hubiese sido considerada una
irreverencia.
En el retrato del propio faraón, se producirían las siguientes características:
 Cabeza más alargada
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  Labios más gruesos
 Ojos más pequeños
 Vientre y cabeza más grandes.
Lo cierto es que no se ha encontrado, a día de hoy, el cadáver de Akhenatón. Por ello desconocemos
si estas representaciones tenían un origen físico.

A la muerte de Akenatón, le sucedería Tutankamón, en cuyo reinado se restablecerían los valores

artísticos anteriores.

PINTURA
CARACTERÍSTICAS
 Carácter religiosos y funerario. En las tumbas se pintaba todo aquello que el muerto recibiría
en el más allá.
 Su finalidad no era el belleza
 Inexistencia del concepto del arte por el arte
 Solemnidad
 Hieratismo
 Jerarquización
 Ley de la frontalidad
 Ausencia de perspectiva. Los egipcios no sabían representarla
 Diferencia en la piel según el sexo
 Dimensiones iguales a la escultura (18 puños de pie, 15 sedente)
 Color plano e intenso, sin degradación tonal
 Contornos bien marcados
 Predominio de la línea sobre el color
 Amplia gama cromática
 Gran variedad temática (caza, recolección, fiestas, ritos, jardines...). Había una muy
importante, que era el libro de los muertos.

El máximo desarrollo que experimentó la pintura tuvo lugar en los muros de las tumbas y de los
hipogeos, y era pintura parietal. Para realizar estos frescos, debía colocarse previamente yeso en la
pared. Estos murales estaban usualmente acompañados de escritura jeroglífica. Para los griegos,
esta escritura era sagrada, y todo lo que se contaba en ella cobraría vida en el más allá. Por este
16
motivo solo se contaban los aspectos positivos.

2- GRECIA
INTRODUCCIÓN
Grecia es la cuna de nuestra civilización actual a todos los niveles (política, filosofía, arte…). La
cultura griega es la unión de pueblos belicosos que llegaron a Grecia y Asia Menor entre el tercer y
el primer milenio a.C. derrotando a los pueblos autóctonos. Ello dio lugar a las culturas minoicas y
micénicas, que son los antecedentes de la cultura griega.
Siendo las tierras helenas son poco fértiles, pero gozando de un amplio contacto con el mar, los
griegos se abrieron al comercio, lo que generó una importante transfusión de cultura y
conocimiento. En el ámbito de la cultura, los griegos destacaron por ser los primeros en relatar sus
hechos y escribir de forma más sistemática. Gracias a ello conservamos obras como la Ilíada, la
Odisea o la Teogonía.

Al contrario que otros pueblos contemporáneos, los griegos poseían una visión diferente del hombre
y de los dioses. Existía un antropocentrismo, que colocaba al hombre como centro de todas las
cosas. Ello causaría un abandono de
17
En el ámbito religioso, abandonaron el zoomorfismo, cambiándolo por el antropomorfismo. Su
religión era politeísta, con una marcada jerarquía:
1. Zeus
2. Dioses del Olimpo: Apolo, Hefesto, Poseidón, Ares, Afrodita, Atenea, Dionisios…
3. Héroes, titanes, sátiros, ninfas, musas…

ARQUITECTURA
CARACTERÍSTICAS
 Abandono del colosalismo egipcio: E introducción de una arquitectura por y para el
hombre.
 Importancia del espacio exterior: Los egipcios no decoraban el exterior de muchas de sus
construcciones, pues no era importante. Para los griegos, el exterior era crucial, pues era un
arquitectura para ser vista.
 Búsqueda de la belleza: Esta se halla en la proporción, la medida y la armonía visual=>
Los arquitectos necesitarían poseer conocimientos en matemáticas y geometría. Estos
arquitectos, en ocasiones, no seguirán las normas matemáticas, pues van a ir más allá.
Introducirán efectos y correcciones ópticas con el fin de lograr un edificio perfecto:

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  Arquitectura adintelada o arquitrabada: Aunque los griegos conocían el uso del arco, su
uso no se extendería. La arquitectura griega se construía con líneas rectas y el menor número
de curvas => El principal elemento sustentante era la columna, formada por tambores.
 Materiales:
o Inicialmente: Madera y adobe.
o De la Epoca Arcaica en adelante: Arenisca, piedra (caliza) y mármol
(principalmente del Pentélico)
El uso de estos materiales => Levantar sillares de tipo isódomo dispuestos a soga y tizón sin
ningún tipo de argamasa y unidos con grapas de hierro.
 Policromía: Hoy perdida => En el renacimiento y movimientos posteriores se realizaban sin
pintura.
 Creación de los órdenes clásicos: Un orden es una combinación de reglas fijas mantenidas
durante un tiempo de los principales elementos arquitectónicos. Estos son:

DÓRICO ([Link])
Vitruvio cuenta que para su creación se inspiraron en los hombres, lo que aporta a la arquitectura
dórica un aspecto robusto y viril. Según el historiador del arte Blanco Freijeiro, este orden apareció
en Corinto.
 Partenón, en la Acrópolis de Atenas.

19
 JÓNICO ([Link])
Vitruvio cuenta que para su creación se inspiraron en las mujeres de Jonia. => Se relaciona con la
feminidad => Estructuras más esbeltas y menos robustas.
Este orden apareció en Asia Menor y las Islas Cícladas.
 Entre las volutas se hallan las ovas y los dentículos
 Orden Cariático: Es un suborden del jónico. En él, la columna es sustituída por una figura
humana. Puede ser cariátide (femenino) u atlante (masculino).
 Erecteion: Acrópolis de Atenas.

20
 CORINTIO ([Link])
Cuenta Vitruvio que apareció cuando Calímaco contempló un canasto con hojas de acanto sobre la
tumba de una muchacha, y quiso imitarlo en piedra. Al principio era considerado una variación del
jónico, y solo se utilizaba en interiores. Lo cierto es que guarda bastantes semejanzas con este,
siendo el arquitrabe igual que en el jónico.
El capitel está compuesto por volutas más pequeñas y hojas de acanto. Estas se disponen en dos
coronas con ocho centros. De los caulos brotan los caulículos.
 Templo de Zeus Olímpico, en la Acrópolis de Atenas

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 TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS
URBANISMO
Las ciudades griegas presentan una serie de características:
 La polis griega era considerada una obra de arte. Estaba organizada y diseñada para el
disfrute de sus habitantes. El arte ocupaba un lugar preferente en el bienestar ciudadano.
 Esa ciudad, por ello, presta atención a las perspectivas. Es decir, la relación con la
naturaleza y la topografía (dónde se coloca cada cosa). Cada edificio no era una estructura
individual, sino que formaba parte de un conjunto. No solo era importante que fuera útil y

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 firme, sino que fuera bello.
 Cada edificio tenía su función adecuada a las necesidades de la ciudad (religiosas,
administrativas…), así como de la incipiente democracia.
 Podemos distinguir dos zonas diferenciadas:
o Acrópolis: Significa parte alta de la polis. Se hallaba en la parte superior de la
ciudad, y era un recinto fácilmente defendible, en el que la población se podía
resguardar en caso de necesidad. Se hallaba aquí uno o más templos, entre los cuales
se encontraba uno dedicado a la deidad protectora, en el que, además, se guardaban
sus tesoros.
o Ágora: Era el centro cívico de la ciudad, un lugar destinado a la reunión, tanto
política, como comercial, como social. Estaba rodeado de stoas, soportales. Cuando
las inclemencias del tiempo impedían la reunión en el ágora, la vida social tenía
lugar en estas stoas. La palabra para designar la corriente filosófica del estoicismo,
deriva de esta construcción arquitectónica, pues bajo ella se reunían los estoicos para
predicar sus ideas (stoa poikilé). En el ágora había edificos recreativos (de ocio),
como gimnasios, estadios u odeones: edificios con una forma semejante a la del
teatro, destinados a concursos de canto. También había edificios oficiales. Las
viviendas de los aristócratas estaban situadas cerca del ágora. También la de los
comerciantes, aunque un poco más lejos.
ÉPOCA HELENÍSTICA
En la época helenística las ciudades llegaron al culmen de su desarrollo. Muchas ciudades
adoptaron el plano hipodámico, denominado así en honor a Hipodamo de Mileto. Era una forma de
distribuir correctamente el espacio mediante cuadrículas ortogonales. Una ciudad fundada durante
la época helenística fue Alejandría, diseñada por Pinócrates de Rodas. Alejandro Magno creó
muchas ciudades con este nombre, pero la más importante es la que se encuentra en Egipto.
Cuentan las fuentes que un alto faro la adornaba, este, de planta cuadrangular, medía
aproximadamente unos 140 metros, siendo una de las estructuras más altas levantadas por el
hombre antiguo. Por desgracia, no ha llegado hasta nuestros días. Mileto era otra gran ciudad en la
Época Helenística. Seguía el modelo hipodámico.
 Pérgamo también tuvo protagonismo. Contenía un altar destinado a Zeus, que a día de hoy
se halla en Berlín.
 Rodas también fue muy destacado. Según las fuentes un gran coloso que representaba a
Helios adornaba la ciudad. Un terremoto lo destruyó en el siglo II a.C.

TEMPLO
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El templo es el edificio más importante de la arquitectura griega. Ocupaba un lugar privilegiado
en la polis griega. Su función era la de albergar la imagen del dios, y ser la casa de este. Nunca la de
rendirle culto, pues los rituales se realizaban al aire libre, y muy pocas personas podían acceder al
interior del templo => Importancia del espacio exterior sobre el interior.
El antecedente del templo griego era el megarón, una construcción de madera y adobe que constaba
de un breve ámbito de acceso y una sala usualmente sustentada por cuatro columnas, con un hogar
entre estas. Este funcionaba como sala del trono en los periodos minoico y micénico, y fue con la
invasión doria cuando su función cambió a la de lugar de culto. Tal vez ya albergasen la imagen de
la divinidad. Los templos griegos propiamente dichos aparecieron a finales del siglo VIII y
principios del VII.

Se solían levantar sobre un basamento escalonado llamado krepis, que separaba lo religioso de lo
espiritual, y protegía de la humedad. Las escaleras inferiores son los estereóbatos, y la superior es el
estereóbato.

Según el número de columnas, estos templos podían ser:

 2: Dístilo
 4: Tetrástilo
 6: Hexástilo
 8: Octástilo
 9: Eneástilo
 10: Decástilo
 12: Dodecástilo

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Un ejemplo de tholos es el Tholos de Delfos. Sin embargo, la acrópolis más conocida es la de
Atenas.
 Durante la Época Arcaica ya existía una acrópolis, y tras la batalla de Maratón se erigió un
gran templo.
 En el 480, (II Guerra Médica) los persas arrasaron Atenas y, con ella, se destruyó la
Acrópolis. Aunque se decidió no restaurarla para rememorar aquella masacre llevada a cabo
por el enemigo.
 A pesar de lo decidido, en 450 Pericles la reconstruyó. Se utilizarían los mejores materiales
(mármol blanco del Pentélico) para aportarle nobleza y esplendor al conjunto. Sin embargo,
Pericles fue criticado por estar gastando demasiado dinero. Él pregunto al pueblo si así, era,
y este le respondió que sí, que dejase de gastar tanto dinero público => Dijo que lo pagaría
él con su dinero => El pueblo dijo que le permitía la construcción.
Lo mismo ocurrió con la estatua de Athenea Parthenós. Pericles la construyó con el oro de la
Liga de Delos, y convenció al pueblo argumentando que se podía fundir cuando fuese
necesario.
La acrópolis se compone de:
 Propileos: Tenía que solucionar un problema de desnivel, pues la acrópolis
estaba inclinada. Adosado a la izquierda había una pinacoteca. Adosado a la
derecha había una sala inconclusa.
 Templo de Atenea Niké: En anfipróstilo.
 Erecteion: Construído por Mnesiklés, se caracteriza por tener una planta
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 muy compleja y por poseer una tribuna cuyo entablamento está sostenido con
cariátides.
 Partenón: Es una de las obras más importantes de todos los tiempos,
construida por Ictinio y Calícrates, con relieve escultórico de Fidias. No solo
ha sido demacrado por el tiempo, sino que fue:
 Iglesia bizantina
 Mezquita
 Polvorín turco durante el Sitio Veneciano. En 1687 explotó.
 En el siglo XIX Lord Elgin se llevaría los frisos a Londres.
Contiene correcciones ópticas.

ARQUITECTURA FUNERARIA
Al contrario que Egipto, no existieron en Grecia tipologías funerarias fijas. La arquitectura funeraria
se basaba en sepulcros y mausoleos. Un ejemplo muy destacado es el Mausoleo de Halicarnaso
(353 a.C.), en las costas de Asia Menor. Está construido para Mausolo, rey de Caria, y su esposa.
Fue diseñado por artistas griegos. Se erigía sobre un pódium cuadrangular. Era una construcción
próstila de orden jónico que imitaba un templo. La cubierta era un remate piramidal coronado por
una imagen de Mausolo y su esposa.

TEATROS
Los teatros griegos supusieron una gran innovación. Al no conocer estos el arco, se excavaban en la
26
roca. Constaban de:
o Koilon ultrasemicircular: Donde se sentaban los espectadores
o Orchestra circular: Destinada al coro
o Proskenion: Donde se hallaban los actores
o Scene: Destinado a la decoración y al almacenaje de disfraces.

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 ESCULTURA
En el ámbito de la escultura, Grecia es uno de los periodos de mayor esplendor, aun cuando la
mayor parte de las obras que conservamos son copias romanas.
 Diversas funciones: Desde imaginería religiosa hasta imágenes votivas. Aunque sí existían,
el uso del retrato no estaría generalizado en Grecia hasta la época helenística.
 Búsqueda intencionada de la belleza formal: Los griegos tratarían (sobre todo desde la
Época Clásica) de crear obras perfectas físicamente y equilibradas espiritualmente. Existía,
por lo tanto, el concepto del arte por el arte (la búsqueda de la belleza en una obra).
 Medida humana: Los griegos consideraban que el hombre era el centro de todas las cosas,
por lo que todas las obras eran por y para él, con proporciones perfectas (canon).
 Tridimensionalidad: En Egipto las obras eran rígidas. En Grecia se trataría de que estas
fuesen vistas desde todos los ángulos, y serían hechas de modo que invitasen al espectador a
rodearla (mediante brazos estirados, miradas hacia los lados…)
 Naturalismo: Representar la realidad.
 Materiales: Principalmente mármol y bronce, casi siempre policromados, aunque a día de
hoy no conservemos dicho color. Tampoco lo conservaban los artistas del renacimiento y del
neoclasicismo, lo que les llevó a cometer el craso error de no policromar las esculturas en un
intento por asemejarse a las griegas.
 Evolución: Al contrario que en Egipto, la escultura griega evolucionaría con mucha
celeridad, pasando en cinco siglos del arcaísmo inicial al barroquismo helenístico. Además,
los griegos acumulaban las innovaciones.
 Era considerada una techné: Es decir, una obra de artesanía.

ÉPOCA ARCAICA
Ya en la Época Arcaica la figura humana era el centro atención y objeto de estudio permanente, si
bien es cierto que las influencias orientales impulsaron algunas producciones zoomorfas, como la
terraza de los leones del Santuario de Apolo, en Delos (c.650), hecha probablemente por escultores
de Naxos. La influencia oriental y, sobre todo egipcia, influyó fuertemente en el arte. Por ejemplo
en:
 La técnica de dibujar primero el contorno e ir cincelando hacia dentro

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  Tratamiento geométrico de la anatomía
 Colosalismo
Encontramos en este periodo kuroi y korai, los cuales todavía presentan ciertos arcaísmos en la
composición de las formas, y son anónimas. Estas obras estaban policromadas.
KUROI
 Figura masculina
 Desnudo
 Representan a atletas vencedores o soldados caídos en combate
 Colosalismo
 Hieratismo
 Frontalidad
 Modelo sencillo
 Pelo con arcaísmos
 Trenzas en la cabeza
 Sonrisa arcaica
 Manos pegadas al cuerpo
 Un pie adelantado <= intento de romper el hieratismo
 Kurós de Anavysos
 Moscóforo: Sería tomado como modelo del Buen Pastor por los cristianos, y sería
desubierto a finales del siglo XIX.

KORAI
 Figura femenina
 Vestida con:
o Peplo dórico de lana: Es tupido y largo. No permite averiguar las formas del cuerpo
femenino.
 Sobre los hombros puede haber un himatión (manto)
o Jitón: Túnica jónica. Suele ser de manga corta y permite averiguar mejor las figuras.
 Exvoto
 Arcaísmos en el pelo
 Mano en el pecho en actitud orante
 Dama de auxerre (c.650 a.C.): Mide 1.75 metros.
 Koré del peplo: Todavía restos de policromía.
 Hera de Samos

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 ESCULTURA CLÁSICA
 Clasicismo severo (480-450 a.C.)
 Clasicismo ideal (450-404)
 Corriente realista (404-323)

La escultura griega se caracteriza, en contraposición con la egipcia, por su rápida evolución pues, si
bien tres milenios no fueron capaces de cambiar el estilo escultórico en las tierras del Nilo, la
escultura griega experimentó en cinco siglos una evolución tan drástica que obliga a los
historiadores del arte a dividirla en numerosas etapas y subetapas. No obstante, los griegos siempre
tuvieron presente una característica fundamental: el antropocentrismo. Su objetivo fue siempre,
sin lugar a distinción entre periodos, representar al ser humano. Winckelmann, uno de los
estudiosos más importantes, sobre la escultura clásica, clasificaba este periodo como ejemplar,
modélico.

CLASICISMO SEVERO (480-450)

El clasicismo severo es el primer periodo en la historia de la escultura de la Época Clásica. Se
caracteriza por un intento de innovación, traducido así:
 Búsqueda de la belleza ideal, así como del naturalismo (que parezca realista, en este caso
sin dejar de ser bello)
 Abandono progresivo de la frontalidad y la rigidez
 Intento progresivo de representar el movimiento
 Intento progresivo de representar a la perfección la anatomía humana
 Separación de los brazos y piernas del esquema arcaico.
 Aparición de la técnica de los paños mojados.
 Funciones muy variadas: Nikés que conmemoran victorias, imaginería religiosa…

Un ejemplo de este clasicismo severo es el Auriga de Delfos, de un autor anónimo y técnica de

ensamblaje desconocida. Fue hallada en el Santuario de Delfos, y todo apunta a que se conservó
debido a que fue destruida y quedó sepultada bajo escombros. Formaba parte de un conjunto más
grande, aunque solo nos ha quedado el cuerpo mutilado del atleta ganador (lo sabemos porque lleva
una corona) y parte de las riendas y los caballos. En él se ve un intento por romper el hieratismo, así
como por separar los brazos del cuerpo.
Otro ejemplo es un bajorelieve titulado “El nacimiento de Afrodita”, perteneciente al trono de
Ludovisi. En él se representa a Afrodita emergiendo del mar a la vez que es asistida por las Horas.

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Fue hallado en 1887 en la Villa Ludovisi, en Roma. Vemos que presenta la técnica de los paños
mojados, la cual permite adivinar las formas del cuerpo sin necesidad de ver este desnudado, a la
vez que transmite sensualidad y erotismo.

CLASICISMO IDEAL (450-400)

Al compás de la hegemonía y la democracia Ateniense, que se tradujeron una época de esplendor
para la ciudad, floreció el arte. Las características de la escultura clásica ideal son las siguientes:
 Belleza ideal
 Aparición del escorzo y el contrapposto
 Dominio completo de la anatomía humana
 Naturalismo en las actitudes

En este contexto, tres escultores coetáneos despuntaron en el mundo del arte griego: Mirón,
Polícleto y Fidias.

1- Mirón
Era el más mayor de los tres y, por ello, el más arcaico. No era ateniense pero se sabe que recibió la
ciudadanía en algún momento de la Atenas de Pericles. Fue escultor y broncista. Su obra cumbre, el
discóbolo, supone el pistoletazo de salida de la escultura clásica, pues supone un avance decisivo en
el estudio de la escultura y del movimiento. Representa a un atleta realizando un movimiento en
potencia, segundos antes de lanzar el disco. Observamos, sin embargo, ciertos arcaísmos en esta
obra, como son la frontalidad (aunque es un bulto redondo, está preparada para ser vista desde un
punto óptimo), el estudio de la anatomía todavía no desarrollado en su totalidad y el rostro es
calmado, algo no apropiado para un atleta a punto de lanzar un objeto. Esta obra no ha llegado hasta
nuestros días, pero sabemos cómo era gracias a las numerosas copias romanas existentes.

2- Polícleto
No solo fue escultor, sino que, al igual que Mirón, fue también broncista. Teorizó sobre las artes en
una obra titulada kanon (canon), en la que se describía la manera correcta de esculpir al hombre
desnudo, así como las proporciones ideales en el cuerpo humano. Para él, esta correspondía a siete
cabezas (pues la cabeza era el elemento más importante del cuerpo). Su obra cumbre es el Doríforo,
cuya forma invita al espectador a rodearlo. Presenta un brazo en escorzo, con el que sostenía la
lanza, y contrapposto en las piernas. Es una escultura programática. Otra escultura suya es el
diadúmeno.
3- Fidias
Ya era en Atenas el más conocido y con más renombre, aunque tal vez se debiera a su estrecha
31
amistad con Pericles y a las alabanzas realizadas por Plutarco (cuyas obras suponen la mayor fuente
para conocer a Fidias), aunque probablemente dichas alabanzas se debiesen, precisamente, a su
relación con el político. Es el principal representante del clasicismo ideal. Dominó hasta el extremo
la técnica de los paños mojados, y sus materiales predilectos fueron el mármol, la piedra y las
estatuas criselefantinas (compuestas por un bastidor de madera y placas de marfil y oro a la vista).
La obra escultórica de su escuela puede divirse en:
 Figuras colosales de dioses, como la gran estatua criselefantina de Atenea Phartenós:
Con la piel de placas de marfil y los ropajes de oro. En determinadas horas del día, la luz del
sol incidía sobre la estatua, reflejando el oro. Pericles encargó esta estatua, y tuvo problemas
en la asamblea, pues se argumentaba que iba a ser construida con el tesoro de la Liga de
Delos, y que era un gasto enorme y excesivo. Pericles logró su construcción, argumentando
que podía ser fundida en cualquier momento para aprovechar el oro en casos de necesidad.
 Relieves del friso del Partenón: Es una genial obra escultórica en relieve que debemos a él
y a su equipo. Por un lado hallamos los frontones. El occidental muestra la disputa entre
Atenea y Poseidón por ser los guardianes de Atenas. Estos, aunque no puedan ser vistos por
detrás, no son relieves, sino bultos redondos. El oriental el nacimiento de Atenea.
Las metopas occidentales presentan la amazonomaquia, tal vez una alusión a sus luchas
contra los persas. Las orientales muestran la gigantomaquia. Al sur encontramos la
centauromaquia y al norte la destrucción de Troya. Dentro del propio Partenón hallamos
algo inusual: un friso interior recorre el templo. Este, también de Fidias, representa la
procesión de las Panateneas. En esta procesión se deambulaba por Atenas con un peplo que
las sacerdotisas de Atenea habían tejido. La romería concluía en el Partenón, con el ropaje
colocado sobre Atenea y el pueblo presentando sus ofrendas a la divinidad.

CLASICISMO REALISTA (404-323)

Tras el desastroso final de la Guerra del Peloponeso, Atenas perdió su hegemonía. Aquello supuso
un importante golpe en la mentalidad de los atenienses, que conllevó a una crisis de valores. El
periodo terminó con la muerte del gran conquistador Alejandro Magno. Su escultura se caracterizó
por:
 Humanización de las figuras
 Representación de lo costumbrista y anecdótico
 Abandono del idealismo en favor del realismo y del naturalismo.
 Pérdida de serenidad y calma en favor de la expresión del movimiento y los sentimientos

En este periodo tres autores lograron destacar en el ámbito de la escultura:

32
1- Praxíteles
En Praxíteles puede verse la gran revolución que supuso la corriente realista. Este abandonaría la
rectitud en sus obras en detrimento de una curva muy característica que transmitía languidez y
cierto abandono. Era la curva praxiteliana. Jugaba con los claroscuros tanto en la piel como en la
ropa, creando auténticos juegos de luces y sombras que aportaban a la escultura aires etéreos e
inefables. Además, fue el primero en representar el cuerpo femenino en desnudez (al menos cuyo
ejemplo conservemos), como vemos en su obra, la Afrodita del Cnido.
Además, supuso una innovación en la manera de representar a los dioses, que anteriormente hubiera
sido considerada irreverente, pues eran representados como comunes humanos. Así, Hermes
sostenía a un Dionisio bebé en Hermes con Dionisio niño y Apolo jugaba con una lagartija en el
Apolo Sauróctono.

2- Scopas:
Scopas destacó por su habilidad para representar los sentimientos y los movimientos violentos.
Sentía predilección por los pasajes dramáticos y trágicos, de ahí que sus personajes parezcan
auténticos héroes de tragedia.
Además, introdujo los estudios psicológicos en sus obras, pues muestran más que un rostro.
Muestran el carácter del individuo. Como ejemplos de su trayectoria hallamos la Ménade danzante,
donde se aprecia sentimiento y movimiento y la Cabeza de Meleagro, donde observamos un retrato
psicológico.

3-Lisipo:
Además de esculpir teorizó sobre las artes. Estableció un nuevo canon a través del cual la belleza
ideal radicaba en la altura de ocho cabezas superpuestas. Este modelo, además de transmitir
languidez, resaltaba la cabeza como elemento más importante del cuerpo. En su obra Apoxiómenos
se observa la calma tras el esfuerzo, pues aparece un hombre limpiándose el polvo con un strigilo,
concluida la competición. Ello no representaba tanta gloria como otras obras como el Discóbolo,
pues simbolizaba algo más común y menos despuntante. Otra de sus obras es Hermes atándose la
sandalia, donde se muestra al dios llevando a cabo una acción tan humana como esa. Esto hubiese
sido considerado irreverente en tiempos anteriores.

ESCULTURA HELENÍSTICA (323-31a.C.)

El gran imperio de Alejandro Magno expandió la cultura griega hasta lugares insospechados. Esta
época se caracteriza por:
 Pérdida del equilibrio y de la belleza ideal

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  Movimiento
o Posiciones inestables => Anatomía muy desarrollada
 Patetismo
 Realismo
 Estudio de las calidades (ropajes, piel...)
 Cualquier tipo de
o Edad
o Punto de vista
o Escena
 Predominancia del grupo escultórico sobre la figura individual
 Aparición del retrato

Desaparecen aquí los escultores individuales en detrimento de las escuelas, como las siguientes:
PÉRGAMO
La política bélica de Pérgamo se centraba contra los galos (celtas instalados en Anatolia). Por ello,
gran parte de las obras encargadas tendrían como finalidad conmemorar dicha victoria sobre sus
bárbaros (ya no con nikés, como se hacía anteriormente).
 Se representaba a los galos lo más fornidos posible, pues ello demostraba que Pérgamo
había ganado a esa gente tan ruda y fuerte. Estos estaban derrotados.
 Dramatismo.
 Galo moribundo, esculpido por la Escuela de Pérgamo.
 Altar de Zeus de la Acrópolis de Pérgamo, actualmente en Berlín: Planta en U. Los relieves
representan la lucha de titanomaquia.
RODAS
Rodas destacó por su gran comercio fluvial, que permitió a la ciudad experimentar un gran
desarrollo.
 Victoria de Samotracia, una Niké alada esculpida para ser colocada en la proa de un barco.
 Laocoonte y sus hijos, en el que se muestra a una serpientes marinas castigando con la
muerte al sacerdote troyano y a sus hijos. Su rostro no solo representa el dolor de la muerte
propia, sino también el pensamiento torturador de saber que sus hijos van a morir.
 Coloso de Rodas, instalado en el puerto de la ciudad, esta descomunal estatua de bronce era
una de las siete maravillas del mundo antiguo. En el siglo II a.C. 66 años después de su
contrucción, un terremoto lo derribó. Un oráculo afirmó que había sido obra de los dioses,
por lo que se decidió no reconstruirlo con el fin de no obrar en contra de la voluntad de
estos, y se dejaron los restos, los cuales fundieron los musulmanes en el siglo VII d.C. con el

34
 fin de reutilizar el bronce.

ESCUELA NEOÁTICA
Esta escuela trataba de recordar la armonía del periodo anterior.
 Apolo de Belvedere, en el que se observa a un joven idealizado.
 Venus de milo semidesnuda, sujetaba a Cupido en sus brazos los cuales, por desgracia, no
han llegado hasta nuestros días.

3- ROMA
Al contrario que Grecia, la mentalidad romana estaba al servicio de los conquistadores del mundo.
Su principal función era desarrollar un imperio militarista que iba a durar para siempre. Por ello
debían utilizarse los materiales si era con el fin de realizar obras para el imperio. Roma era una
sociedd muy urbanizada con Roma como centro político.
35
Puede dividirse en tres etapas:
 Monarquía (753-509)
 República (509-27 a.C.)
 Imperio (27 a.C. – 476 d.C.)
 Imperio romano de oriente (395-1453)

RELIGIÓN
Su religión contemplaba el culto a los antepasados, y cuando se conquistó Grecia se tomó gran parte
de sus dioses, cambiándoles el nombre.
A partir del Imperio se impuso el culto imperial (al emperador). De este modo se aseguraba una
unión del pueblo mediante el punto de vista religioso.
Sin embargo, en este mismo siglo aparecería el cristianismo. Este no aceptaba el carácter divino del
emperador ni del panteón romano, por lo que fue prohibido. Sin embargo, su influencia seguiría
creciendo hasta que en 313 el Edicto de Milán lo legalizaría. Más adelante, en 379 el Edicto de
Tesalónica lo establecería como religión oficial, lo que inauguraría una nueva etapa en el arte.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
 Antecedentes:
o Griegos: Aunque ya habían mantenido contacto con la Magna Grecia, en 197 a.C.
los romanos invadieron Grecia, y se dieron cuenta de que su cultura era
extremadamente rica y superior. Lo consideraban el culmen de la perfección, por lo
que lo tomarían como modelo a seguir. La transmisión de arte griego a Roma se
realizaría de dos maneras:
 Llevando a los autores griegos a Roma.
 Llevando obras de arte a Roma.
o Estuscos: Aportaron:
 Arco y bóveda: Que perfeccionaron los puentes, acueductos, cloacas y
cualquier construcción en general. De estos dereivaría la cúpula.
 Organización de los templos y de algunas tumbas.
 Uniformidad en el arte: La inexistencia de polis independientes en detrimento de un gran
imperio causó que todo el are dentro del imperio fuese similar.
 Arte estatal: El estado era el principal cliente, y el arte estaba al servicio del Estado.
 Pragmatismo sobre belleza ideal: El arte no será una herramienta para buscar la belleza
ideal, sino un vehículo de transmisión de las ideas políticas del Estado. La escultura no
debía deleitar, sino anunciar un mensaje polítco. Por ejemplo, se erigirían monumentales
36
 columnas cuya finalidad no era deleitar, sino conmemorar una victoria política.
Ya en el Imperio el emperador sería venerado y se exigiría un culto a este.

ARQUITECTURA
CARACTERÍSTICAS
 Carácter utilitarista: Salvo en monumentos conmemorativos.
 Arquitectura sólida y perdurable: Ello se debe a que los romanos tenían la convicción de
que el Imperio Romano no iba a derribarse nunca, por ello trataban de crear estructuras que
durasen para siempre.
 Fusión de utilidad y lo belleza: La arquitectura romana tenía un carácter decorativista y
suntuoso, pero también uno útil. Ambas funciones se unían en una estructura sólida. La
arquitectura estaba al servicio del Estado, pero también debía ser bella.

37
 Visión integral del edificio: Los romanos tenían una visión total del edificio, tanto en el
interior como en el exterior => Importancia de los espacios interiores.
 Carácter propagandístico: => Edificios colosales y monumentales
 Elementos sustentantes:
o Columna y pilastra: Uso de los tres ódrenes clásicos, más dos innovaciones:
 Dórico
 Jónico
 Corintio
 Toscano:
 Basa
 Fuste liso
 Capitel semejante al jónico, pero más pequeño y geométrico
 Compuesto:
 Capitel con volutas jónicas y hojas de acanto corintias.
o Muro:
 Opus Caementicium: Hormigón. Más barato y ligero que la piedra, cuando
solidifica es casi indestructible.
 Opus testaceum: Ladrillo cocido al horno
 Opus latericium: Adobe
 Opus cuadratum: Sillar
 Opus incertum: Manpostería
 Opus reticulatum: Piezas con forma piramidal cuya punta se incrustaba en
la pared, quedando a la vista la parte cuadrangular plana
 Opus spicatum: Piezas alargadas se colocaban de forma diagonal secante, de
modo que se creaban formas que recordaban a las espinas. Podía alternarse
con piezas horizontales y piedras.
 Recubrimiento con materiales nombres (mármol, bronce...): Puesto que
en la Antigua Roma la belleza era también importante, estas estructuras eran
revestidas con materiales nobles. Los romanos no consideraban que un
edificio estaba terminado hasta que no estaba revestido. Sin embargo, el paso
de los siglos y la ambición de los hombres han causado que hoy en día la
gran mayoría de las estructuras hayan perdido este recubrimiento, y estén
descarnadas.
 Elementos sustentados:
o Arcos

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 o Bóvedas:
 De cañón
 De media naranja (cúpulas)
Ello causó una arquitectura más dinámica y vertical que la griega

TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS
CIUDAD
La ciudad era el centro económico, social y político de la civilización romana
ABASTECIMIENTO
Estas ciudades satisfacían las necesidades de sus habitantes al:
 Estar abastecidas de agua mediante acueductos
 Poseer una red de cloacas, como la Cloaca Máxima, en Roma. Estas eran estructuras
abovedadas que servían para evacuar los restos dejados por los ciudadanos. Algunas de estas
cloacas perduraron tras la caída del imperio, manteniendo una relativa higiene en algunas
ciudades medievales. Un ejemplo es Zaragoza, en la cual, parte del alcantarillado sobrevivió
hasta la Alta Edad Media, permitiendo así mantener una relativa higiene.

PLANTA
Las ciudades romanas se organizaban en torno a dos ejes perpendiculares: cardus (norte-sur) y
decumanus (este-oeste). El resto de calles se organizaban en manzanas cuadradas o rectangulares
dispuestas regularmente en damero. La ciudad poseía una serie de dependencias:
 Foro: Situado en el eje en el que se encontraban el cardo y el decumano, era la plaza
principal de la ciudad. El centro religioso, político y comercial. Las urbes más grandes
fueron creciendo con el tiempo, principalmente desde el siglo I a.C., hasta tal punto que fue
necesario construir más foros. Así, Roma llegó a poseer 17. Entre ellos destacan el foro
Trajano, el Augusto y el de César. En estos foros se situaban los principales edificios:
o Curia: Destinada al gobierno municipal
o Basílica: Tribunal de justicia
o Templos
o Edificios lúdicos
o Monumentos conmemorativos
Extramuros de la ciudad se colocaban los anfiteatros, pues estos podían generar peleas de fanáticos,
y era conveniente que no se diesen en el interior de la ciudad.

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 VIVIENDAS
Los complejos residenciales en la Antigua Roma cambiaban según su emplazamiento:
CAMPO
Villa
Las clases pudientes romanas podían permitirse la construcción de villas en las que descansar lejos
de la civilización, y solían viajar a estas durante el verano, pues es cuando el calor se hacía más
notable en las ciudades. Durante todo el año, eran habitadas por trabajadores que se encargaban de
explotar los campos de labranza cercanos a esta, así como los bienes ganaderos. Distinguimos dos
partes:
 Villa rustica: Parte destinada a los trabajos ganaderos y agrícolas
 Villa urbana: Zona destinada a la vivienda del señor. Poseían un hipocaustum (sistema de
calefacción)
Un ejemplo es la Villa Adriana (S. II), en Tívoli. Esta poseía dos termas, dos bibliotecas, un tholos
dedicado a Venus y hasta una piscifactoría.

CIUDAD
Domus
Las domus eran viviendas unifamiliares de los patricios, cuyo diseño tiene un origen etrusco.
Presentan una planta rectangular de un solo nivel de altura, con pocas puertas y ventanas. Con el fin
de no mostrar los ladrillos o el cemento, se pintaban las paredes.
 Constaba de unas habitaciones únicamente comunicantes con el exterior, las cuales se
alquilaban a profesores, taberneros o comerciantes. En ocasiones estos vendían allí
productos de sus villas.
 El atrium era un patio central, en torno al que se disponían las distintas dependencias. Se
hallaba en este el lararium, un pequeño altar donde se realizaban las ofrendas a los lares,
manes y penates (espíritus que guardaban su hogar). Se guardaban aquí también las
imágenes de los lares, manes y penates.
 El tablinum cumplía la función de “oficina” en la que el pater familias se encargaba de los
negocios.
 El triclinium era el lugar destinado a la comida. Esta no se hacía en sillas, sino en sillones.
Los romanos pudientes comían recostados sobre estos.
 El perystilum, de importación griega, era un segundo patio trasero, en el que se hallaban
estatuas, fuentes y bellos jardines.

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 Insulae
Las insulae eran viviendas plurifamiliares cuyos orígenes se hallaban en la superpoblación y en las
condiciones económicas de Roma, y solían ser de alquiler. Las habitaciones eran pequeñas y poco
confortables, con ventanas y balcones al exterior. Aunque algunas plantas bajas eran de piedra, las
superiores eran de madera, al menos en las vigas. Ello causaba numerosos incendios. Por lo general,
no gozaban de las innovaciones arquitectónicas que supusieron las cloacas, y los residuos eran
lanzados a la calle por la noche.

TEMPLOS
CARACTERÍSTICAS
 Aumento de la importancia del espacio interior: Aunque no todo el mundo podía acceder
a él, los romanos tenían una visión más integral del edificio, por lo que sus templos poseían
tanto belleza interior como exterior.
 Planta:
o Cuadrangular
o Circular
 Influencias:
o Etruscos:
 Escalinata frontal de acceso
 Podium
 Pórtico delantero
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 o Griegos:
o Órdenes clásicos
o Disposición de las columnas:
 Períptera
 Pseudoperíptera
Un ejemplo es el Templo de la Fortuna Viril, (Roma), la Maisón Carrée (Nimes), el Templo de
Vesta (Tivoli), el Templo de César (Roma) o el Panteón de Agripa. Este último fue reedificado por
Apolodoro de Damasco, según ordenó Adriano, sobre una construcción anterior que databa de la
época de Agripa. Consta de una planta circular con frontones alternantes y entrantes y salientes,
sobre los que se erige una gran cúpula sobre tambor con 43 metros de diámetro, en la que se levanta
un óculo.
EDIFICIOS DE OCIO
TEATRO
La función del teatro era representar obras literarias, así como dar discursos políticos. Este teatro se
inspiraría en el griego, pero añadiría una serie de modificaciones:

GRIEGO ROMANO
Excavado en la roca Superposición de arcos
Koilon ultrasemicircular Cavea semicircular:
Orchestra circular Orchestra semicircular
Scenae frons y koilon no tienen por qué ser iguales La frons scaenae es igual de alta que la cavea
Existencia de un velarium para proteger del sol

La cavea se construía desde el suelo y, por medio de una serie de galerías abovedadas, se accedía a
ella a través de los vomitorios. Los espectadores se situaban según su posición social en la cavea, la
cual se divivía en:
o Ima: Patricios
o Media: Público masculino
o Suma: Mujeres y esclavos

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Un ejemplo es el teatro de Aspendos (Turquía), el de Emérita Augusta (España) o el de
Caesaraugusta (España).

ANFITEATRO
El anfiteatro no fue adquirido de ninguna otra cultura, pues fue una creación romana. Este era un
espacio destinado a las luchas de gladiadores con fieras y entre ellos. Tenía una planta elíptica. Un
podium separaba la arena de la cavea con el fin de evitar ataques y armas arrojadizas dirigidas a los
espectadores. Sobre esta cavea se levantaba un velarium. Bajo la arena existían una serie
subterráneos en los que se hallaban los gladiadores y fieras esperando la batalla. En ocasiones, las
fieras accedían a la arena siendo elevadas mediante poleas y trampillas.
El anfiteatro más grande del imperio era el Anfiteatro Flavio, también llamado Coliseo debido a un
coloso ubicado junto a este. Su construcción fue ordenada por el emperador Vespasiano, y la
concluyó su hijo Tito. Es el primer edificio con superposición de órdenes, que luego se imitaría en
épocas posteriores, como en el Palacio Rucellai. Por desgracia, este edificio y muchos más fueron
utilizados como cantera de las edificaciones medievales, y no ha llegado completo a nuestros días.

CIRCO
El circo estaba destinado a las carreras de caballos y, en determinadas ocasiones, a actividades
gimnásticas. Era una adaptación del hipódromo griego. Su planta era rectangular con un lado curvo.
En medio de la arena se colocaba la espina, un muro bajo dispuesto de forma longitudinal, que
marcaba el eje en torno al que debían correr los concursantes. Sobre este muro solía situarse un
obelisco tomado de Egipto. Había demás siete figuras que se accionaban tras cada vuelta,
usualmente delfines o huevos. A cada uno de los dos lados de la espina había un pilar cónico
denominado meta.
El ejemplo más representativo es el Circo Máximo (Roma), el de Mérida, el de Toledo o el de
Tarragona, prácticamente desaparecidos. El Circo Domiciano (Roma) ya no existe, y se emplazaba
donde actualmente se halla la Piazza Navona.

TERMAS
Las termas no fueron una importación de otra cultura, sino creación propia. Estas eran baños
públicos en los que los romanos pasaban su tiempo libre. Además, servían para la socialización. Los
espacios estaban claramente diferenciados según el sexo.
Arquitectónicamente, estas termas eran recintos rectangulares, usualmente protegidos por un muro
cuya finalidad era la de brindar intimidad.
El recorrido habitual era el siguiente:
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  Frigidarium: Agua fría
 Tepidarium: Estancia de temperatura templada, sin piscina.
 Caldarium: Agua caliente
El agua se calentaba mediante sistemas de brasas cercanas a la piscina.
Existía además otras dependencias, como:
 Apoditerium: Vestuarios, usualmente dotados de hornacinas en las que depositar la ropa y
las pertenencias antes de acceder a las piscinas.
 Natatio: Piscinas exteriores destinadas al nado.
 Caldera: En ella se calentaba el aire que circulaba bajo el suelo y por las paredes,
calentando determinadas estancias.
 Sudatorium: Sudatio según Vitruvio, eran lugares muy cálidos destinados a la sudoración.
 Palestra: Gimnasio.
 Letrinas: En las que se realizaban las necesidades fisiológicas.
 Salas de masajes: En ellas existían lugares donde la población podía tumbarse y sus
esclavos podían darles masajes, en ocasiones leyendo un libro.
 Jardines: En ocasiones con fuentes.

Las más grandes de Roma fueron las Termas de Caracalla, cuya construcción inició Septimio
Severo y concluyó Caracalla. Estas estaban lujosamente decoradas con mármoles y mosaicos de
diversos colores, metales preciosos, bellas fuentes…
Existen otras termas, como las de Bílbilis, Caesaraugusta, Ampurias o Itálica.

BASÍLICAS
La basílica romana fue una importación de la Grecia Helenística. Estas eran las sedes de la
administración de la justicia, pero también un lugar de reunión con el fin de llevar a cabo negocios
y comercio.
Constaban de una planta rectangular con tres naves separadas por columnas, y un ábside
semicircular al fondo. La nave central era más alta que las laterales, lo que permitía la entrada de
luz. La cubierta se componía de una bóveda de cañón en la central, y varias bóvedas de arista en los
laterales, con una bóveda de horno en el ábside.
El cristianismo exigía que los fieles accediesen al templo, y los templos tradicionales no estaban
preparados para acoger a una enorme cantidad de gente, por lo que cuando Roma asumió el
cristianismo, estas basílicas fueron tomadas como lugar de culto. En la Edad Media se siguió
utilizando este modelo para construir iglesias, y ha perdurado hasta nuestros días.

MONUMENTOS CONMEMORATIVOS
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Roma era un Estado militarista, y su objetivo era someter todo el mundo conocido a nivel político y
social. Por ello se requerían grandes monumentos que recordasen a los impulsores del Imperio.
Había varios tipos de monumentos conmemorativos.
ARCOS DEL TRIUNFO
Son una invención propia, y tienen su origen en los arcos de madera en los que se exponían las
armas y el botín de guerra, en los inicios de Roma. Estos eran efímeros, por lo que se crearían
grandes arcos pétreos en los que, en lugar de exponer los botines, se esculpirían los principales
hechos de la victoria militar. Dichos arcos se colocaban en lugares estratégicos con el fin de que
fuesen más visibles. También se colocaban en delimitaciones de fronteras e incluso sobre puentes.
Estos arcos del triunfo podían ser:
 De un vano
 De dos vanos
 De tres vanos, con el central más grande
 Cuatrifontes: Estructura más compleja, con cuatro lados y un arco en cada uno.

Destaca el Arco de Tito (Roma) que recuerda la toma de Judea, el de Septimio Severo y el de
Constantino.
En Hispania se hallan el de Medinacelli y el de Barà, ambos delimitando territorios.

COLUMNAS CONMEMORATIVAS
Las columnas conmemorativas son también una invención típica romana. Al igual que los arcos del
triunfo, su finalidad era rememorar sus victorias militares. Hallamos una evolución en estas:
 Columna rostral (República): Las primeras columnas conocidas datan de la era
republicana. Destacaron aquí las columnas rostrales, que servían para conmemorar batallas
navales. Se incrustaban en el fuste los espolones de bronce de las embaraciones enemigas
apresadas.
 Columna con relieve (Imperio): Aunque ya existían en la República (como vemos en la
Columna de Cayo Menio, del siglo IV a.C) fue en el Imperio cuando se desarrollaron las
columnas conmemorativas con relieves. En estas se esculpían los hechos más destacados de
una victoria.
La columna más destacada es la de Trajano, que funciona además de columbario del propio
emperador. Conmemora su victoria contra la Dacia. Su grado de realismo es tan elevado que se
puede reconstruir la historia de dicha victoria a través de la columna. Otro ejemplo destacado es la
de Marco Aurelio, para conmemorar su victoria contra los germánicos.

OBRAS DE INGENIERÍA
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 CALZADAS
Las calzadas romanas se crearon inicialmente para movilizar rápidamente tropas. Sin embargo,
terminaron siendo una gran vía por la que se esparcía el conocimiento, la cultura y los bienes
materiales, para lograr el fín último: el dominio político. Estas calzadas fueron la principal causa de
un comercio efectivo. Puesto que los romanos tenían la certeza de que su imperio iba a durar para
siempre, las construían con los mejores materiales. Había distintos tipos de calzadas:
 Terrenae: Construidas con piedra
 Glarea stratae: Empedradas con cantos rodados
 Silice stratae: Empedradas con piedras de mediano tamaño
Existían en las calzadas los denominados miliarios, que eran columnas en las cuales se explicaba a
cuánta distancia se hallaban las ciudades próximas. Se situaban cada mil passus romanos.
Un ejemplo es la Vía Apia, que conectaba Roma con el sur de la península itálica, o la Vía de la
Plata, que atravesaba la península ibérica de norte a sur.

PUENTES
Puesto que las redes de calzadas atravesaban ríos, fue necesario construir puentes. Estos eran
usualmente de piedra.
Consistían en uno o más arcos de medio punto que formaban en la parte superior una calzada
horizontal. Estaban, en muchas ocasiones, almohadillados. Con el fin de no destruirse, se colocaban
en dirección contraria al río los tajamares, que rompían el agua para que esta no impactase de lleno
contra los pilares que sostenían el puente. Al otro lado se colcoaban contrafuertes. Para cruzar valles
altos se hacían altas construcciones con pocos ojos. Para cruzar ríos muy amplios se construían
puentes de poca altura con muchos ojos.
Como ejemplos, hallamos el Puente de Alcántara, el de Córdoba, el de Mérida o el Puente Fabricio
(Roma).

ACUEDUCTOS
La función de los acueductos era conducir el agua hasta las ciudades. Se calculaba una pendiente
regular desde la fuente de agua hasta la ciudad, con el fin de que el agua discurriese por ella.
Cuando era necesario atravesar una montaña, esta se perforaba siguiendo la inclinación, y cuando se
cruzaba un valle, se trazaba un acueducto. Un ejemplo es el de Segovia, creado sin argamasa. Otro
ejemplo es el de Mérida, que combina dovelas blancas y rojas. Parece que esta combinación inspiró
la puerta de la Mezquita de Córdoba.

ARQUITECTURA FUNERARIA

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Los romanos solían colocar sus enterramientos a los lados de las principales vías que salían de la
ciudad. La mayor parte de los enterramientos eran colectivos (mausoleos). Aunque no existe una
tipología fija, muchos de los mausoleos se inspiraban en las tumbas de túmulo etruscas. Estas tenían
una base circular y una pared cilíndrica. La cubierta se componía por un túmulo recubierto de tierra,
en el que crecían plantas, generalmente cipreses. Un ejemplo es el Mausoleo de Augusto,
inspirándose en una tumba de túmulo, destinado a toda su descendencia. Otro ejemplo es el
Mausoleo de Adriano, también inspirado en estas tumbas. Se situaba en la otra orilla del Tíber, lo
que obligó a crear un puente específicamente para acceder a él. Este mausoleo estaba rematado por
una estatua del emperador en cuádriga. Posteriormente fue transformado en fortificación: el castillo
de San Ángel. Un ejemplo peculiar es la pirámide de Cayo Cestio, a imitación de las pirámides de
Egipto.

ESCULTURA
La escultura romana tomó influencias griegas y etruscas.
CARACTERÍSTICAS
GRIEGAS
 Influencias:
o Griegas: En el 197 a.C. los romanos invadieron Grecia. Fue entonces cuando vieron
que su escultura era el cúlmen de la belleza y la perfección, y se produjo un saqueo
de obras griegas, mostrando especial predilección por las helenísticas. Estas eran
llevadas a Roma, y se vendían en mercados de arte. Los patricios adquirían estas
obras y las emplazaban en sus villas o domus, no solo por su belleza, sino porque
reflejaban cierto estatus social y económico.
Además, muchos autores griegos llegaron a Roma, donde esculpieron según el
modelo helenístico, copiando obras griegas o creando otras nuevas.
o Etruscas: Realismo, especialmente en el retrato.
 Materiales:
o Mármol
o Bronce

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 o Terracota (en menor medida)
o Madera (en menor medida)
 Géneros:
o Retrato
o Relieve histórico
o Escultura funeraria
o Escultura religiosa
 Los artistas eran considerados artesanos

RETRATO
El retrato era el tema predilecto de los romanos.

ANTECEDENTES
 Antecedente: Imagenes maiorum
o Eran vaciados en yeso que se obtenían de mascarillas funerarias impresas en cera o
terracota sobre las caras de difuntos
o Se guardaban en el atrium
 Se sacaban en los entierros, para que vivos y muertos honrasen al difunto.
 Cuando se hacían sacrificios, se abrían las puertas del armario y este se
decoraba.
o Casi todos los retratos hallados son de viejos
o Facciones cadavéricas
o Realismo extremo

 Griego: Con la conquista de Grecia, se decidiría esculpir estos rostros en materiales nobles.
o Dulcificación de los rostros: Ahora se representaría a los difuntos como vivos, por
lo que desaparecerían sus rasgos cadavéricos.

CARACTERÍSTICAS
 Debía reflejar el estatus político y social del representado (sacerdote, cónsul...).
 Según su vestimenta, los retratos podían ser:
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 o Thoracatos: Vestían coraza militar
o Togatos: Vestían una toga
 A los emperadores se les representaba según sus poderes. Podía ser como:
o Pretor: Porta un rollo de la ley en la mano
o Cónsul: Manto consular. Se dirige al pueblo.
o Sumo sacerdore: Manto sacedotal y patena
o General: Viste una coraza
o Héroe o divinidad: Desnudo o semidesnudo, descalzo y con el atributo del dios con
el que se relaciona.
 Realismo
o Representación de todas las edades y sexos
 Predominio de la cabeza => Aumento de los bustos

EVOLUCIÓN
REPÚBLICA
Fue en la república cuando nacieron los retratos romanos. Sin embargo, la gran mayoría de los
conservados datan del siglo I a.C. Los retratos republicanos se caracterizaron por:
 Gran influencia de las imagenes maiorum
 Realismo
o Retratos de todas las edades
 Busto corto (cabeza y cuello)

Un ejemplo de retrato de la era republicana es el Patricio con imagenes maiourm (S. I a.C.).
IMPERIO
Durante el imperio, el arte se puso al servicio del emperador. Este necesitaba apoyarse de los
retratos como una forma de campaña política.
 Idealización: Sobre todo en retratos oficiales del emperador.
o El objetivo era representar el poder del emperador
o No debía representársele como era sino como debería ser. Suetonio afirma que debía
representarse a un emperador enérgico pero bondadoso.
o No existían retratos de ancianos, Pues aquello representaba debilidad.
o A pesar de ello, son reconocibles.
 Distribución de retratos del emperador por todo el Imperio: Ello recordaba a los
ciudadanos que el emperador estaba allí. De hecho, llegaron a producirse cuerpos en serie a
imitación de los griegos, a los que luego se adosaría la cabeza de un emperador concreto.
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Un ejemplo de ello es el Augusto Prima Porta (S. I a.C.). Conservamos una copia en mármol de un
original en bronce. La copia fue encargada por Livia, esposa de Augusto que, tras enviudar en el 14
d.C. se retiró a una villa a las afueras de la ciudad, en una zona conocida como Prima Porta. La obra
fue hallada en las excavaciones llevadas a cabo en dicha villa.
Augusto aparece como thoracato, como general máximo dirigiéndose a su ejército. Sin embargo,
vemos también que está descalzo, con un cupido a sus pies, con lo que indicaba sus orígenes
divinos, relacionados con Venus, Eneas y Rómulo. Porta el paludamentum en la mano, con el fin de
mostrar su coraza adornada, pues en realidad este se portaba generalmente sobre la coraza.
Con toda probabilidad, el artista que llevó a cabo esta obra se inspiró en el Doríforo de Policleto,
pues imita su posición corporal y su contrapposto.
Hay otros ejemplos, como Claudio como Júpiter o Tito como Pretor.

SIGLOS II y III
En los siglos II y III el retrato llegaría a su culmen.
 Cabellos con las barbas muy trepanadas
 Carnes muy pulidas y carnosas
 Claroscuros muy notables
Como ejemplos hallamos el retrato de Septimio Severo, o el de Cómodo como Hércules. Sin
embargo, el ejemplo más destacado es el Retrato Ecustre de Marco Aurelio. Es el único retrato
ecuestre de la época romana que se conserva, labrado en bronce y con una policromía perdida. No
fue destruído durante la Edad Media porque se le confundió con Constantino, legalizador del
cristianismo.
Los retratos ecustres tuvieron mucha importancia en Roma, hasta tal punto que terminaron estando
restringidos a la figura del emperador.

SIGLOS IV-V
En estos siglos la escultura en general experimentaría un gran declive.
 El cristianismo prohibiría la representación de determinadas tipologías.
 Hieratismo
 Esquematismo
 Pérdida de la técnica
Un ejemplo de esta época es el retrato de Constantino, o el del historiador Eutropio.

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 RELIEVE HISTÓRICO
El relieve histórico consistía en la representación de hechos históricos a través de imágenes,
tratando de aportar una visión realista y objetiva de los hechos. Es una creación totalmente romana,
pues, aunque ya existían algunos antecedentes en Grecia, estos aportaban un enfoque más divino y
menos histórico.
 Carácter narrativo y descriptivo
 No relata un hecho concreto, sino ciclos largos y completos (no relata batallas, sí guerras)
 Relieve continuo con un orden cronológico de principio a fin
 Relieve denso (utiliza muchos elementos, como personas, montañas, árboles...) con el fin de
ser lo más descriptivo posible.
Un ejemplo es el Ara Pacis (13 a.C.), altar destinado a sacrificios que conmemora la Pax Romana
traída por Augusto. Contiene relieves tanto en la parte interior como exterior. Alcanza tal grado de
realismo que se puede identificar a cada uno de los miembros del relieve. Contiene alegorías a la
paz, mostrando a una mujer sentada sobre unas armas, así como imágenes de Eneas y de la Loba
Capitolina amamantando a Rómulo y a Remo. Estas dos identificaciones tenían el objetivo de
relacionar a Augusto con unos orígenes míticos.

Otro magnífico ejemplo es la Columna Trajana. En el podium se colocaron las cenizas de dicho
emperador. Empezando por la parte inferior, se va narrando la campaña de Trajano contra los
Dacios. Alcanza tal nivel de detallismo que, basándonos en los escudos, podemos saber a qué legión
pertenece cada soldado. Se aprecia también cómo se levantan fortificaciones.

La Columna de Marco Aurelio narra su campaña contra los germanos. El relieve de esta sobresale
más del marco, pero posee un fondo liso.

ESCULTURA FUNERARIA
La escultura funeraria se desarrolló principalmente desde Adriano, cuando se impuso el rito de la
inhumación. Esta escultura se halla en sarcófagos. Estos estaban decorados solamente por tres caras,
pues la otra estaba adosada a la pared. Casi todas son relieves continuos. Había varios temas que
podían componer esta escultura:
 Mitológicos
 Bélicos
 Imago clipeata: Retrato del difunto. Esta costumbre de representar al difunto en su tumba
pervivió a la caída del Imperio Romano, como vemos, por ejemplo, en la tumba de Felipe el
Atrevido de Francia, y ha llegado hasta nuestros días.

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Un ejemplo es el Sarcófago Ludovisi, en el que se representa una batalla de bárbaros contra
romanos. Se advierte un fuerte horror vacui, con gran expresividad y abundancia de claroscuros.

ARTES DEL COLOR: PINTURA Y MOSAICO

PINTURA
La pintura romana es heredera de la griega en:
 Técnica: fresco
o Existía pintura de caballete, pero casi no conservamos ejemplos
 Temática:
o Paisajes
o Bodegones
o Episodios históricos...
 Estilo:
o De incrustación (origen helenístico): Sevía para pintar paredes de modo que
pareciese marmol revistiendo el muro. Esta técnica se copiaría en la Edad Moderna.
o Arquirectónico (o. romano): Consistía en la imitación de estructuras
arquitectónicas.
o Ornamental: Decoración muy fina que se desarrolla sobre fondos oscuros
o Fantástico: Reproduce arquitectura no real que simula los decorados teatrales
La fuente más importante para conocer la pintura romana es Pompeya, aunque existen otras fuentes,
como la Domus Aurea de Nerón, ubicada junto al Anfiteatro Flavio. Cuando los arqueólogos del
renacimiento penetraron en dicho palacio quedaron fascinados por las escenas representadas en las
paredes, a las que llamaron grutescos, su nombre proviene de grotta, que significa cueva, pues ellos
creían estar ingresando en una cueva. Muchos autores del renacimiento tratarían de imitar esos
grutescos.

MOSAICO
 Motivos:

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 o Vegetales o geométricos
o Geométricos
o Figurados
 Dos técnicas
o Opus tesselatum (o. griego): Romper grandes piezas formando teselas, y unirlas
creando dibujos
o Opus sectile (o. romano): Crear dibujos uniendo grandes placas de mármol.

4- ROMÁNICO
El románico es el primer arte común en toda europa, y se extendió gracias a la orden de Cluny, con
personalidades como Bernardo de Claraval, a través de las vías de peregrinación.

ARQUITECTURA
 Arquitectura
o Civil:
 Palacios (poco extendidos).
 Puentes (cubierta a doble vertiente): Puente de Cangas de Onís.
 Militar:
 Murallas: Murallas de Morella
 Castillos: Castillo de Loarre, Castillo de Morella
o Religiosa:
 Iglesias: Tipología más extendida
 Iglesias de peregrinación
 Monasterios

ARQUITECTURA RELIGIOSA
IGLESIAS
 Función:
o Congregar fieles
o Llevar a cabo reuniones y actos honoríficos, como coronaciones.
 Materiales:

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 o Piedra en sillar o sillarejo.
o En lugares donde no existía la piedra se podía construir con ladrillos de barro.
 Planta:
o Basilical
o De cruz latina
o Otras, como poligonal
 Portada: Poseía decoración escultórica, usualmente del juicio final, con el fin de recordar a
los feligreses el camino del pecado.
o Campanarios:
 Vínculo de Dios con los hombres
 Llamada a la oración
 Naves: Nave central más alta que las laterales.
o Existencia de una tribuna destinada a:
 Tránsito de peregrinos
 Repartir las cargas de manera más equitativa (razón principal).
 Policromía en fresco
 Simbolismo en el interior: El suelo quedaba en penumbra, mientras que la parte más alta
estaba iluminada. Ello recordaba la ascensión al cielo por medio del bien.
 Columnas y pilares: Con capiteles:
o Geométricos
o Advirtiendo a los feligreses de los pecados capitales
 Abovedación de toda la iglesia mediante un sistema pétreo: Anteriormente las cubiertas
eran de madera, por lo que muchas fueron destruídas por incendios (en la iglesia había
mucho fuego), por el peso de grandes nevadas o simplemente por la humedad.
o Bóveda de cañón: En la nave central, reforzadas por arcos fajones
o Bóvedas de arista: en las laterales.
o Bóvedas de horno: En el ábside
o Cimborrio en el crucero
Un ejemplo de iglesia románica es la Catedral de Zamora. Este modelo de iglesia caería en el olvido
y sería recuperado en el siglo XIX, donde hallamos obras como la Iglesia de Covadonga (Asturias).

MONASTERIOS
Los monasterios eran edificaciones alejadas de la civilización en las que habitaban comunidades
autosuficientes de frailes. Su vida se dedicaba a la oración y la meditación. Su dicho, ora et labora,
impuesto por San Benito de Nursia, refleja la vida de los monasterios. Destacó la orden de Cluny,
54
quien transmitió el románico por Europa.
Se situaban junto a ríos. A poder ser, debía existir una construcción anterior en la que los monjes se
refugiarían hasta que el monasterio estuviese construido. Sus dependencias se situaban alrededor de
un claustro central, en el cual se meditaba, se paseaba o se conversaba con los otros monjes. Era
importante porque permitía a los frailes disfrutar de la luz del sol, ya que rara vez salían al exterior.
Las principales dependencias eran:
 Iglesia: En ella tenían lugar los rituales
 Sala capitular:
o En ella el abad se reunía con los monjes para leer el capítulo diario de la regla y
distribuir las tareas.
o Tomar decisones importantes
o En ocasiones, los abades eran enterrados ahí.
 Scriptorium: Destinado a la copia de manuscritos
 Biblioteca: Estas eran, por norma general, muy pequeñas, y contenían una cantidad de
libros baja. Pero hay que tener en cuenta que transcribir un manuscrito era una tarea larga y
costosa.
 Cocina
 Refectorio: Comedor. Se comía en silencio mientras un monje leía los textos sagrados.
 Calefactorio: Constaba de una chimenea en la que se calentaban los monjes en invierno.
Comían verduras, siguiendo una dieta rígida. Esta se volvía algo más flexible si el monje
estaba enfermo, permitiéndole comer algo de carne blanca.
 Dormitorio: Era una gran habitación con camastros sobre el suelo en los que los monjes
dormían de manera colectiva, pues el concepto de privacidad en la Edad Media era distinto
al actual. Los más viejos dormían junto a los más jóvenes, para ayudarles en sus posibles
necesidades durante la noche. Aunque se solían situar junto al calefactorio, la humedad del
río hacía que las temperaturas en estos dormitorios fuesen generalmente bajas en invierno.
Periódicamente debían despertarse a rezar.
 Bodega
 Locutorio: Para conversar con sus allegados.
 Corrales y campos de cultivo

El ejemplo más sobresaliente de monasterio románico es el de Cluny (Francia). Este fue

destruido durante la Revolución Francesa, pues se le consideraba un símbolo del poder de la
Iglesia, por lo que conservamos poco más que el crucero de la iglesia.

55
 IGLESIAS DE PEREGRINACIÓN
Las Iglesias de peregrinación se situaban junto a las vías de peregrinación, como el Camino de
Santiago o las Vías Romeas (hacia Roma). Usualmente seguían las siguientes normas:
 Pilares compuestos
 Se solía destacar el crucero mediante cimborrios, en ocasiones sobre tambor.
 Girola rodeando el ábside. Su función era venerar las reliquias de los absidiolos.
o Absidiolos
 Tribuna para congregar fieles

Ejemplos de iglesias de peregrinación son San Martín de Tours, Santa Fe de Conques, San
Saturnino de Tolouse o Santiago de Compostela.

PECULIARIDADES REGIONALES
 Poitiers – Influencias bizantinas:
o Cúpulas sobre pechinas
o San Pedro de Angulema
 Inglaterra:
o Aspecto de fortaleza
o Primeros intentos de introducir bóvedas de crucería
o Catedral de Durham
 Alemania: Organización bipolar. La portada se asemejaba al ábside, y las entradas del
transepto a la gran entrada de la nave central.
o Catedral de Worms
 Italia - Influencias romanas:
o Mármol
o Baptisterio y campanario separados de la construcción
o Catedral de Pisa

56
 ESCULTURA
La Iglesia de Oriente se caracterizaba por la iconoclastía. El miedo en occidente a la iglesia oriental
seguía latente. Por ello, la Iglesia de Occidente sí permitió la imaginería religiosa. Así, podemos
hablar de escultura y pintura en el románico europeo.

ESCULTURA MONUMENTAL (RELIEVE)

 Se hallaba principalmente en:
o Portadas
o Capiteles de iglesias y claustros
 Carácter docente: Su principal finalidad era transmitir una idea
o Acorde a la filosofía realista
o No importa la belleza, sino la claridad del mensaje transmitido.
 Ley de adaptación al marco
 Esquema geométrico: Los esquemas son geométricos y simples. No consisten en grandes
elaboraciones.
 Antinaturalismo: En el que abundan las desproporciones y las posiciones extrañas.
 Temas:
o Religiosos
o Históricos:
 Batallas
 Justas
o Vegetales
o Animalísticos: Con existencia de animales fantásticos.
 Contenían una doble lectura: No veías al mono, sino que también veías el
vicio
 Mono: Vicio y pecado
 Sirena: Seducción
 Arpía: Soberbia
 Isocefalia (no se cumple siempre): Todas las cabezas están al mismo nivel, formando
líneas compositivas horizontales.
 Rigidez, hieratismo y esquematismo
57
  Jerarquía en los tamaños: Dios aparece siempre superior al resto de personas.
 Existencia de adornos: Como el ajedrezado jaqués (denominado así debido a que apareció
por primera vez en la ciudad de Jaca).
Existen distintas tipologías:
El claustro románico con la decoración escultórica más importante de España es el de Silos. Existen
otros ejemplos de escultura monumental, como el claustro del monasterio de San Millán de la
Cogolla

PORTADAS
Las portadas románicas nacieron en Borgoña, y alcanzaron su culmen en el siglo XII. Podían
contener temas del Antiguo y Nuevo testamento, así como hagiografías y bestiarios. Sin embargo, la
gran mayoría estarían decoradas con motivos del Maiestas Dómini, también llamado Pantócrator,
acompañado del tetramorfos.
Estas portadas eran abocinadas y poseían una serie de elementos comunes.

 Maiestas Domini:
o Cristo sedente.
o Dentro de una mandorla, que simboliza una dimensión superior.
o Hierático y distante.

58
 o Mirada al frente.
o En una mano porta una Biblia.
o Con la otra bendice levantando los dedos índice y anular.
 Tetramorfos: Representación de los cuatro evangelistas como cuatro animales.
o Marcos – León
o Mateo – Ángel
o Lucas – Buey
o Juan – Águila.
 Juicio final: Representa el Apocalipsis narrada en el Evangelio de San Juan, cuando Jesús
vuelve por segunda vez a la tierra. Se caracteriza por:
o Cristo sedente
o Tetramorfos
o 24 ancianos del Apocalipsis
o Bienaventurados a la derecha de Cristo. No existe diferenciación según la clase
social, dando a entender que tanto ricos como pobres podían acceder al cielo.
o Pecadores a la izquierda. Están desnudos y con cara de angustia.
Podía haber algunas palabras escritas con el fin de reforzar la idea que se estaba transmitiendo.

Otros aspectos que aparecían con relativa frecuencia eran:

 12 apóstoles (sobre todo en jambas).
 Santos a los que se tiene devoción (sobre todo en jambas).

ESCULTURA EXENTA
 No alcanzan un alto grado de perfección técnica
 Suelen ser madera policromada (también existen en piedra). Se conserva algún caso que se
recubrió con láminas de oro y plata, y algún otro de marfil.

VIRGEN CON EL NIÑO

En ella aparece la Virgen junto a su hijo, quien está en su regazo.
ROMÁNICO GÓTICO
Sedes sapientiae (sedente) Generalmente erguidos
No hay interacción entre madre e hijo Sí hay interacción
Jesús como adulto en menor tamaño Jesús como un niño
Miradas al frente Intercambio de miradas
Hieratismo Movimiento
59
Frontalidad No frontalidad
Falta de emociones Emociones
Virgen del Ger Virgen Blanca de Toledo
CRISTO CRUCIFICADO
ROMÁNICO GÓTICO
Jesús triunfal sobre la cruz Jesús doliente en la cruz
Brazos en T Brazos en V
4 clavos 3 clavos
Paño de pureza o túnica Paño de pureza más corto
Hieratismo y falta de emoción Dolor
Puede tener pintada una herida, pero no es Herida sangrante en el costado provocada por
habitual Longinus
No tiene corona de espinas Puede tener corona de espinas
Generalmente, madera. También puede existir Uso de otros materiales, como piedra.
en marfil u orfebrería.
Pecho hundido
Cristo de Carrizo, Majestad de Batlló Devot Crist

60
 PINTURA
La finalidad principal de la pintura románica era decorar las paredes de las iglesias. Existía también
pintura sobre tabla en frontales y antipendios, que preludiaría la pintura gótica.
 Didactismo
 Sometimiento al marco => Deformaciones
 Antinaturalismo
 Jerarquización
 Hieratismo
 Esquematismo
 Frontalidad
 Falta de perspectiva
 Predominio del dibujo sobre el color
 Paleta plana, sin degradado
 Colores fuertes
 Ausencia de detalles <= Mostrar lo importante
 Simbolismo
Uno de los conjuntos más importantes es el de Tahüll (San Clemente y Santa María), en Cataluña, o
Roda de Isábena, En Huesca. En 1913 se trasladó a Barcelona para evitar su expolio.
Otro ejemplo es la Basílica de San Isidoro de León, en el cual existe un panteón de los reyes con
frescos románicos.

61
 RENACIMIENTO
 Escala humana frente al colosalismo
 Horizontalidad
 Arco de medio punto
o Bóveda de cañón y crucería
o Cúpula
 Proporción y equilibrio
 Órdenes clásicos
 Planta longitudinal, pero también central
 No vidrieras. Interiores sobrios
 Austeridad en las decoraciones
 Redescubrimiento de Vitruvio
 Giorgio Vasari: Crítica al gótico
 Inicio de excavaciones arqueológicas con el fin de descubrir el arte clásico

BRUNELLESCHI
Arquitecto, pero también escultor y hombre culto (incluso trató de ser inventor).
 Realizó dibujos en los que trabajó la perspectiva lineal de la iglesia de San Lorenzo de Flo-
rencia. Edificó esta iglesia.
 Hospital de los inocentes de Florencia
 Capilla funeraria de la familia Pazzi
 Palacio Pitti:
o Se articula en torno a un patio central
o Bloque cúbico
 Cúpula de Santa María de las flores.
o Iglesia gótica
o No se conocía una manera de erigir una cúpula tan grande

62
 o Se llegó a proponer llenarla de tierra. Cuando se le preguntó cómo la sacaría dijo que
mezclasen monedas entre ella, y los pobres harían el trabajo.
o 1418: Concurso. También se presentó Ghiberti
 Presentó un innovador proyecto: la cúpula de doble pared. Ayudado, entre
otros, de Donatello.
 Para que no le robasen la idea no lo presentó completo
o Interior con ocho paños nervados y frescos
o LA MÁS GRANDE DEL MUNDO CON
 114 METROS
 37000 TONELADAS
 +4 MILLONES DE LADRILLOS

LEON BATISTA ALBERTI

 Fue teorizador. Escribió de re aedificatoria, que trata de seguir un esquema similar al de
Vitruvio. En todas las obras que llevará a cabo reflejará su teorización.
 Arquitectura religiosa:
o Templo de San Francisco en Rímini, dedicado a Segismundo Malatesta, quien había
tomado Rímini. Por ello es comúnmente Templo Malatesiano.
 Primer edificio religioso con un esquema arquitectónico pagano. (Arco del
triunfo de Augusto, en el propio Rímini)
o San Andrés de Mantua (c. 1470).
 Fachada como Arco del Triunfo (Arco de Tito, en Roma)
o Santa María Novella (Florencia)
 Arquitectura civil:
o Palacio Rucellai, (Florencia)
 Tiende a ser un bloque cúbico.
 Patio central
 Proporción, simetría y equilibrio
 Los vanos se disponen de una manera rítmica. Son conocidas como “venta-
nas albertinas”
 Es el primer primero edificio renacentista con superposición de órdenes, a
imitación del coliseo.
 Cada piso está separado por entablamentos.

ESCULTURA DEL QUATTROCENTO

63
Nace también en Florencia, hacia el 1400, cuando el resto de Europa estaba todavía enclavada en el
gótico.
 BÚSQUEDA DE LA PERFECCIÓN
 Antropocentrismo => Estudio del cuerpo humano
=> Desnudo.

 Escultura con identidad propia. No dependiente de la arquitectura: Al contrario que en

la Edad Media, la escultura deja de depender del muro. Ya no es parte del grupo colaborati-
vo de un edificio.
 Mímesis: Se inspira en la naturaleza.
 Idealización: Al igual que la escultura griega, trata de imitar la naturaleza, pero tiende a la
idealización, pues busca la perfección.
El hombre es el centro de la obra de arte.
 Carácter tridimensional: Que se había perdido en la Edad Media. Las esculturas tienen
una composición que invita a ser rodeada.

DONATELLO
 “Padre del renacimiento”
 Dominaba todos los materiales, tanto en técnicas de cincelado como en la cera perdida, co-
mo en el trabajo de madera o terracota
 Gran conocimiento del arte clásico, lo que se plasmó en su obra.
 David (Florencia)
o Primer desnudo del renacimiento.
o Contrapposto
o Curva praxiteriana.
o Lo encargaron los Medici para colocarla en el patio interior de su casa. Avisando a
todo el que entre ahí de que son una familia inteligente, como David, que con una
honda ganó a un hombre enorme.
 Retrato ecuestre de Il Gattamaelatta (Padua)
o Primer retrato ecuestre del renacimiento (aunque ya existían intentos anteriores en el
gótico como:
 Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre)
 Condottiero della scala (Italia)
 El jinete de Bamberg (Alemania)
La innovación de Donatello radicó en que se inspiró en los romanos para realizarla.
o Imitación del de Marco Aurelio
o Menor perfección
 El caballo no tiene la pata levantada para evitar desestabilización y derrumbe
de la pieza
64
  Único punto de vista óptimo (lateral) mientras que el Marco Aurelio gira le-
vemente la cabeza del caballo y el brazo del emperador para invitar a rodear-
la.
 Crucifijo de la Santa Cruz
 María magdalena
Otros artistas seguirían este género, como Verrochio, con el retrato del Condottiero Colleoni, en
Venecia.

LORENZO GHIBERTI
 Puertas del Baptisterio de Florencia, que Miguel Ángel llamaría Puertas del Paraíso.
o Cobre
o Combinación de alto, medio y bajo relieve => Profundidad y perspectiva

PINTURA DEL QUATTROCENTO

Al igual que el resto nace en Florencia. No fue tan brusco, pues ya en el gótico la pintura había
sufrido importantes novedades. Autores como Giotto habían puesto los primeros peldaños de la
escalera, que llegarían a la perfección durante el renacimiento.
 Perspectiva: Ya en el gótico existían intentos de añadirla, y en el quattrocento llegaría a su
culmen
 Luz: creada con
o Difuminación
o Distintas tonalidades de colores.
 Se rompe con la frontalidad: Con las figuras que se distribuyen con naturalidad en el espa-
cio.
 Aunque sí pintura religiosa, también retratos y temas históricos o mitológicos
 Línea sobre el dibujo

FRA ANGELICO
Era dominico.
o La anunciación c.1425.
o Tabla al temple
o Coloca a los personajes en una loggia (lonja) renacentista, para crear espacio y profundidad
y parecerse a los romanos. Está actualmente en el prado.

MASACCIO
o La Trinidad (1426-1428).
o Fresco en la iglesia de Santa Maria Novella (Florencia).
o Importantísimo avance a la hora de representar profundidad en el espacio

65
 o Recreación de un arco del triunfo que enmarca la obra
 Se prolonga en una bóveda => Perspectiva lineal.
o Plasma es espacio de una manera magistral.

PIERO DELLA GRANCESCA

o Díptico de los señores de Urbino
o Los señores de perfil (a imitación de los medallones romanos)
o Ropajes opulentos de la época
o Hay realismo
o Degradación tonal => Sombras
o Profundidad, generada con un paisaje, que resulta ser los territorios sobre los que go-
bierna.

BOTTICELLI
o La Primavera
o Nacimiento de Venus (Florencia).
o Muestra el momento en que la diosa acaba de nacer del mar y el Céfiro soplando la
ha llevado a la orilla, y es vestida por una hora.
o Más artísitco y menos matemático

ANDREA MANTEGNA
o Alto nivel de cultura sobre la antigüedad clásica, y lo demostró en sus obras.
o Cámara de los esposos (Palacio Ducal de Mantua)
o Fresco
o Pintado en su totalidad.
o Lo encargo Ludovico Gonzaga. Recrea al propio Ludovico en una estancia del pala-
cio, y muestra en la escena la opulencia en la que viven. Dentro de los lunetos se re-
presentan emperadores romanos, que son el modelo a emular para estos señores. Es-
tán ahí como ejemplo a seguir. También están en los lunetos los trabajos de Hércules,
para fijarse en un personaje relevante de esa cultura.
o Lamentación sobre cristo muerto
 Intento de escorzo que no alcanza un nivel elevado de perfección

CINQUECENTO ([Link])
A finales del siglo XV Florencia tuvo una crisis. Los Médici perdieron el poder y se produjo una
revuelta protagonizada por Savonarolla => El centro político se traslada a Roma, donde los Papas
querrían demostrar su poder financiando obras de arte. Era el máximo jefe religioso, pero también
político. Entre estos destacarían Julio II, León X… Venecia también sería importante.
66
 ARQUITECTURA
BRAMANTE
 San Pietro in Montorio, en 1503.
 Lo encargaron los Reyes Católicos de España.
 Montorio es el lugar donde San Pedro había sufrido martirio, y se inspira en los “martyria”
paleocristianos.
 Tiene una planta central circular.
,
A comienzos del siglo XVI Roma tenía todavía una Basílica Paleocristiana. En el cinqueccento
Sixtro V trató de reformarlo, pero no lo logró. Cuando Julio II llegó al poder, le encargaría a
Bramante el proyecto de la basílica más grande de la cristiandad: La basílica de San Pedro del
vaticano, hacia 1506. Era un proyecto de planta central, de cruz griega. Había una entrada en cada
lado de la cruz, y un gran cúpula donde se juntaban los brazos.
RAFAEL
Continuaría el Vaticano. Establecería una planta de cruz latina.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI
En la profunda transformación urbana que sufrió Roma se pondría la nota de atención en las plazas.
las plazas cobraron un especial protagonismo. Estas permitían reunir a la población, pero también
tenían un gran simbolismo: se realizaban en ellas actos importantes.
Un ejemplo es la Plaza del Campidoglio, que en época romana había sido el centro político y
religioso de la Roma Imperial. Estaba ahí el templo de Júpiter, el edificio del senado… Ahora, en el
siglo XVI, era un punto muy importante en la ceremonia de la posseso, es decir, cada vez que se
elegía un nuevo pontífice, este salía en procesión desde la basílica de San Juan de Letrán hasta San
Pedro, pasando por el palacio del senatorio. Para demostrar su poder se creó la plaza del
campidoglio, para entrar al Palacio del Senatorio por el otro lado, Ahora no se entraba a ese palacio
desde el foro, sino desde ahí.
Se le encargó a Miguel Ángel en 1538 diseñar esta plaza. Concluídas las obras se colocó la estatua
ecuestre de Marcco Aurelio ahí, para reafirmar ese poder de los antiguos emperadores.

A Miguel Ángel se le encargaría, después de a Bramante y Rafael, continuar el proyecto del

vaticano. Restablecería la cruz griega y crearía la gran cúpula.
 Entrantes y salientes, preludiando el barroco.
 Orden cotintio
 Cúpula de doble pared, como en Florencia
 Tambor y linterna
PALLADIO
 Tratadista
 Creó su propio movimiento: Palladianismo. Destacó por sus villas, pero también construyó
templos.
 Villa Capra
 Villa Barbaro
 Primer autor en introducir los pórticos clásicos a las villas, hechas a imitación de las villas
romanas, pues los burgueses querían parecerse a ellos.

67
  Iglesia del redentor
 Basílica de San Jorge el Mayor, en Venecia

VIGNOLA
 Arquitecto ya perteneciente al manierismo, que incorpora elementos clásicos pero también
otros que preludian el barroco.
 Tratadista
 Villa Julia para el Papa Julio III
 Il Gesú
o Iniciada tras el Concilio de Trento, siguiendo las normas impuestas por este
o Modelo de iglesia jesuítica
o La fachada fue diseñada por Giacomo de la Porta al morir Vignola sin la iglesia aca-
bada

ESCULTURA
MIGUEL ÁNGEL
Él siempre dijo que era escultor. Se formó en el taller de los Ghirlandaio, y logró entrar en el taller
de San Marcos, patrocinado por los Médici. Tmb podía participar en las tertulias de la academia que
promovía esta familia, dirigida por el filósofo Marsilio Ficino (neoplatonista, que tmb lo defendía
Miguel Ángel). Que los Médici le permitieran entrar ahí le formó mucho. De esta época data Los
centauros, Baco o La Piedad (1498-1500), en S Pedro del Vaticano. El tema ya era muy común,
pero destacó por su perfección técnica (sobre todo en los ropajes) y su manera de expresar los
sentimientos. No parece el cuerpo de un hombre que ha sufrido, sino que es bello e idealizado. Está
hecho con Mármol de Carrara tallado. Trata de mostrar un dolor contenido. No es una virgen
llorando al cielo, sino a una mujer ensimismada con los ojos bajos en su sufrimiento íntimo. Reduce
el paño de pureza a la mínima expresión, para mostrar más anatomía humana.
Otra obra cumbre es el David (1501-1505). Es una obra encargada por la República de Florencia,
para mostrarlo como ejemplo de las virtudes cívicas de ese gobierno. La victoria por medio de la
inteligencia política. Es un bulto redondo con mármol de carrara. Está dispuesto en Contrapposto.
Tiene la terribilitá en su rostro, esa tensión interna que se suele expresar con los ojos, el entrecejo
fruncido y los labios apretados. Acaba de ver a Goliat. Anatómia perfecta. Él hacía disecciones de
cadáveres, y labra cada vena, cada músculo. Hay movimiento en potencia. M Ángel era muy
soberbio, se creía el mejor. Fue a Carrara a buscar un bloque, y un señor le dijo que no lo cogiera,
porque tenia una forma larga y estrecha, y no le iba a servir, y el entonces dijo si pues los cojones.
Era muy poco sociable, y tenía la idea de que todos le hacían bullying. Lo encerró en su taller y no
la sacó hasta la tuvo acabada. La exhibieron cuando estuvo acabada en Florencia la sacó a la plaza
de Florencia y la tapó con el telón. Cuando la destaparon le dijo un hombre que la nariz estaba mal,
que la arreglase. Él había firmado un contrato. Si la liaba podía ir a la cárcel. Entonces hizo que
modificaba la escultura soltando polvo de cal. Entonces bajó y el hombre le dijo que ahora estaba
bien.

También trabajó para Julio II, haciéndole un sepulcro. Julio II encargó a MA su sepulcro y a
Bramante el Vaticano. Este estaría justo debajo de la cúpula de San Pedro, sobre la tumba del
apóstol. M. Ángel proyectó un sepulcro con más de 40 esculturas. Se lo encargó en 1505, pero en
1507 le dije que deje de hacer eso, que lo mandará a pintar la Capilla Sixtina. Entonces él huye a
Florencia. El papa manda al ejército, y los florentinos le hacen regresar. Sin embargo, Julio II murió
pronto y el sepulcro terminó siendo una tumba en una pequeña iglesia en Roma. Está el Moisés en

68
el centro, pero también Lea Y Raquel, que aluden a la vida activa y contemplativa, por las que
destacó Julio II. En la parte superior hay más esculturas.

También hizo sepulcros para la familia Mécici, en Florencia, que estarían en la Iglesia de San
Lorenzo. Hizo dos sepulcros, el de Julián de Médicis y el de Lorenzo de Médicis, este último
aparece representado como un gran filósofo.
En 1513 esculpió El esclavo rebelde.

 Terribilitá
 Non finito

PINTURA DEL CINQUECCENTO

Da vinci era el arquetipo de hombre renacentista: científico y humanista. Trató de crear una
máquina para volar, y una para ir por debajo del agua. Fue él quien utilizó el sfumato, e inventó la
perspectiva aérea, la cual vemos en la Última cena, para el refectorio del monasterio de Santa María
de las Gracias de Milán (1495-1497). Aunque estaba en un monasterio, sería el señor de la ciudad,
Ludovico Sforza, quien estaría muy interesado en su realización. Hay muchas últimas cenas, pero
esta ha llamado la atención. Plasma la perspectiva lineal, se genera creando profundidad con las
puertas de los lados y el techo. En principio se inicia con la técnica al fresco. Trató de hacer un
experimento al fresco para que no se secase tan rápido y poder pintar más despacio, que salió mal, y
la pintura está en muy mal estado. La pared se desconcha. Se dice que le gustaba ir a zonas
pobladas y quedarse con la cara de alguien, y a veces se quedaba horas con el pincel en la mano
delante de la pared, pensando cómo pintar. Además, normalmente todos los autores representaban a
los apóstoles de la última cena tranquilos, y a Judas, quien había traicionado por 30 monedas a
Jesús, lo ponían al otro lado de la mesa. Leonardo decidió representar el momento en el que Jesús
decía: “Uno de nosotros me va a traicionar” y todos se quedaban patidifusos. Se ve cómo todos se
comunican en grupos de 3. Judas aparece sin mostrar la cara, con una bolsa de dinero en la mano. El
prior le pedía finalizar ya, pero él decía que no encontraba la cara de un ser tan perverso para
traicionar a Jesucristo, así que al final decidió no mostrarle la cara.

La Gioconda es muy importante. Es un retrato de la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo,

llamada Lisa Gherardini. De ahí vienen su nombre de Mona (señora) Lisa. Utilizó aquí el sfumato.
Él no dibujaba los perfiles, sino que simplemente los difuminaba, pero no hay dibujo. Por eso de
lejos parece que sus facciones se difuminen. Detrás coloca un paisaje de fondo, en la que se ve la
perspectiva aérea que plasma el aire interpuesto entre los ojos y los objetos, incluso adquiriéndoles
una tonalidad azulácea.

Miguel Ángel es otro gran genio. Trabajó en la capilla de San Pedro del Vaticano y en la plaza del
Campidoglio. El propio Julio II le encarga hacer su tumba en 1505. Pero cuando solo llevaba 3 años
el papa le encarga pintar la Capilla Sixtina, llamada así porque había sido promovida por Sixto IV.
Miguel Ángel lo rechazó porque él se definía como pintor, pero al final lo hizo. Entre 1508 y 1512
fue pintada, y en ella Miguel Ángel tendría que pintar la bóveda, porque en las paredes laterales ya
había pinturas al fresco realizadas en el siglo XV con escenas del antiguo y nuevo testamento. Le
encargó pintar un apostolado en los laterales y un cielo estrellado en el centro. Para demostrar su
habilidad decidió realizar un proyecto más complejo. Hizo arquitectura fingida formada por arcos
que apoyan en pilastras. Entre estos arcos quedan nueve espacios rectangulares en los que realiza
nueve escenas del génesis, desde la creación hasta la embriaguez de Noé. Entre las pilastras coloca
figuras de profetas y sibilas. En los lunetos los antepasados de Cristo. Se basa en la línea y el
dibujo. Es una pintura de un marcado sentido escultórico, y hace grandes estudios anatómicos. Años
más tarde, bajo otro pontificado, sería cuando realizaría el frente de esa misma capilla (1534-1541),
69
con un solo tema: El Juicio Final. De Dios (incluido evidentemente) hacia arriba estaba el espacio
Celestial. Bajo él el espacio terrenal. En el celestial está la Virgen y la gente disfrutando. Bajo
Cristo, los Ángeles del Apocalipsis, mediante el toque de Trompeta, hacen resucitar a los muertos.
En la parte izquierda inferior las almas suben al cielo. En la izquierda, en violentos escorzos las
almas malas caen a la barca de Caronte, que los llevará al infierno. En los lunetos vemos elementos
de la pasión. Aunque es algo plano, se aprecia movimiento.
El Jesús, joven, levanta violentamente su mano derecha en un intento por arrojar a los pecadores al
infierno. Los santos muestran terror mediante la colocación de sus manos sobre la cara.
A excepción de la Virgen, todos estaban desnudos. Fue Volterra (Braguetón) quien se encargó de
pintar posteriormente las vestimentas, pasada la Contrarreforma (1545-1563)
RAFAEL SANZIO
Rafael Sanzio no puede quedarse sin mencionar. Mientras Miguel Ángel pintaba la Capilla Sixtina,
él embellecería algunas estancias de residencia del Pontífice. Una de ellas es la Estancia de la
Signatura (Vaticano), donde se le daba validez oficial a los documentos. Pintó la Escuela de Atenas,
porque refleja perfectamente ese nuevo pensamiento humanista, visto desde la óptica humanista, en
la que se intenta conciliar la cultura grecolatina con la teología cristiana. Es el momento en el que
los filósofos griegos son recuperados y leídos bajo un prisma cristiano. Se hizo (1508-1511),
tratando de imitar un edificio de Atenas. En el centro Platón señala hacia arriba, y Aristóteles señala
hacia el suelo. Parecen mantener una conversación filosófica. Todos los personajes son eminencias
del conocimiento de la antigüedad, está Averroes, el único medieval. Tienen caras de gente real, por
ejemplo, retrató a Bramante o al propio Rafael. Los arcos los reproduce a la manera de lo que está
haciendo bramante en el proyecto del Vaticano. Aparece también Alejandro Magno.

VENECIA
Aunque el centro cultural estaba en Roma, el resto del territorio Italiano tenía otros focos
importantes. Venecia despunta en el género de la pintura con una escuela donde el dibujo pierde
importancia a favor del rico colorido y de la luz.
 Los pigmentos se aplican en forma de manchas, y esta nueva manera de hacer es la que lue-
go se va a imponer en la pintura barroca europea de los siglos XVII y XVIII.
 Claroscuro
 Se hacían formas blandas y suaves.
 Gusto por el lujo (representa ricas joyas, vestidos… en los personajes)
 Escenarios grandilocuentes (grandes, lujosos…).
 Temática religiosa, mitológica, retrato. Pero también desarrollaron el género del desnudo, la
música (gente tocando instrumentos) o el paisaje. Los principales pintores fueron Giorgione,
Tintoretto, Veronese, Tiziano…
Tiziano es uno de los más importantes. A él debemos la Venus de Urbino, que nos ubica en el
interior de una lujosa estancia palaciega, con columnas, casoni (donde las casadas guardaban su
ajuar de boda), tapices, suelo de mármol… En el centro, sobre un diván, una joven desnuda nos
mira sin ningún tipo de pudor. Para destacar más la piel blanca coloca detrás una cortina verde
oscuro. Pero destacaría por sus retratos. Todo importante noble o rico quería un retrato suyo, y solo
salió dos veces de Venecia. En una de ellas, Carlos V le encargaría la creación de un retrato para
conmemorar su victoria en Mühlberg para conmemorar su victoria en la Liga de Esmalcalda.
Recrea muy bien esos cielos encapotados y lúgubres, con gran fidelidad a la hora de reproducir el
caballo negro (que en realidad era así), los arreos del caballo o la armadura que lucía, estos dos
últimos están en el museo del ejército de Toledo. Como vemos, había mucha fidelidad a la hora de
representar la realidad. Lo pone sobre un caballo, comparándolo con Marco Aurelio.
GIORGIONE
Fue otro gran autor veneciano. Personaje muy misterioso que solo vivió 33 años.
70
  La tempestad (1508). Obra misteriosa

TINTORETTO
 La virgen con el niño
 La glorificación de San Roque
 La huida a Egipto

BARROCO
Al igual que el renacimiento, el barroco surge en Italia. Es un estilo que también llegará a América
Latina. Si el renacimiento se basa en la razón, el barroco va dirigido a los sentidos. Quieren captar
la atención del espectador a través de la vista, del oído, del olfato… Domina lo emocional sobre lo
racional. Además, tiene una raíz ideológica, y cambia dependiendo de si estamos en zona católica o
protestante. En la católica el arte va a ser utilizado para exaltar una iglesia triunfante, y se va a
seguir utilizando la imagen (tanto escultórica como pictórica) como un medio de propaganda para
reafirmar el mensaje religioso. Dentro de la Iglesia Católica hay muchas órdenes, muchas de ellas
defienden el arte como una manera de difundir sus ideas. Loa Jesuitas, fundados por Ignacio de
Loyola, fueron los más destacados en este ámbito propagandístico. Los monarcas también serían
mecenas, utilizado para demostrar poder y exaltar su potencial. Destacó aquí Luix XIV, el rey Sol,
con el fantástico palacio de Versalles. En los países protestantes, ese arte no va dirigido a la iglesia,
sino a una clientela de carácter burgués, que muestra predilección en el campo pictórico por temas
costumbristas.

ARQUITECTURA
 Frente a la horizontalidad, estadismo o regularidad del renacimiento, el barroco se definiría
por la búsqueda del movimiento en todos sus elementos.
o Planta
 Elíptica
 Circular
 Paredes que pierden el sentido plano, y se curvan, dejando paredes cóncavas
o convexas, con entrantes y salientes.
 Estas paredes causan efectos lumínicos, con claroscuros
 Frontones partidos, grandes cornisas, entrantes y salientes…
 Columnas: Los soportes, que pueden seguir siendo clásicos, son en ocasiones dotados de
movimiento. Un ejemplo es la columna salomónica, que retuerce el fuste en espiral
 Se mantienen las cubiertas abovedadas (bóvedas de cañón, cúpulas), pero con elementos
decorativos muy recargados.
 Materiales: Piedra, mármol, estuco, bronce… En países como España, que estaba en crisis,
los palacios eran sobre todo de ladrillo.
 Desarrollo del urbanismo. Al tener murallas, es difícil crear grandes espacios, porque elimi-
nas espacio residencial. Sin embargo, aquí se crearon grandes plazas presididas por un edifi-
cio principal (iglesia, palacio), para mostrar la grandeza de la ciudad. Serían los espacios cí-
vicos más importantes donde se congrega la población.

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  Varía según el país:
o Italia: Estará a la cabeza de las principales manifestaciones arquitectónicas.
o Francia: Barroco más clásico que despuntará en los palacios con jardines decorados
con fuentes y estatuas.
o España: A pesar de la pobreza del país, se intentaría paliar esta pobreza con decora-
ción. Po ejemplo, el Salón de Reinos del Retiro, donde Velázquez realiza las grandes
obras.

BERNINI
Fue un napolitano, hijo de un escultor que despuntó en numerosas artes. No solo fue arquitecto,
también un magnífico escultor, pintor, urbanista y poeta. En ocasiones es definido como el Miguel
Ángel del Barroco.
Características de su arte:
 Preferencia por plantas centralizadas (elipse sobre todo)
 Tratamiento de superficies arquitectónicas como esculturas, logrando una perfecta relación
con ambas
 Uso del orden gigante
 Alternancia de frontones (curvos y rectos)
 Utilización de vanos oblicuos
 Fusión del espacio natural y el urbano
 Es un barroco clásico, pues utiliza los elementos de la arquitectura renacentista, respetando
las proporciones en los órdenes y las reglas de la composición.
 Su barroco se basa en el efecto de movimiento e ilusionismo.
Trabajó San Pedro del Vaticano, concluida por Carlo Maderno (no en la iglesia, sino en la plaza). En
1656, Alejandro VIII le encargó a Bernini la construcción de la plaza de San Pedro del Vaticano,
que debía cumplir tres condiciones o criterios.
 Debía ser funcional. Es decir, muy amplia para acoger a todos los fieles que peregrinan ha-
cia Roma.
 No debe tener puntos muertos
 Se debe poder profesionar en ella en días de lluvia.
Bernini dio una solución novedosa nunca vista hasta el momento. De la fachada hecha por Maderno
parten dos tramos rectos convergentes que se prolongan a través de dos brazos curvos, que en
realidad son columnatas porticadas. Por dentro de estos porches se podía procesionar en días de
lluvia.
Por encargo del pontífice Urbano VIII realizaría también el Baldaquino. Hecho con bronce dorado,
esta obra estaba flanqueada por cuatro columnas salomónicas que rematan en volutas que conducen
hasta el orbe o la esfera de la parte superior.
Otra obra suya es San Andrés del Quirinal (Roma), el noviciado de los jesuitas en Roma. Como
vemos, es una fachada cóncava. Entre los muros va abriendo capillas que son alternantemente
redondas y rectangulares. Ese movimiento es acompañado por las paredes, que tienen una
curvatura. La planta es coronada por una bóveda elíptica. Todo se curva, todo adquiere movimiento.

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 BORROMINI
Hijo de un cantero, tuvo la suerte de trabajar en las obras de San Pedro del Vaticano, al servicio de
Maderno primero, y como asistente de Bernini después. Sin embargo, era atormentado y
desequilibrado, de carácter fuerte, y chocó con Bernini. Nació una enemistad que duraría toda una
vida.
Al contrario que Bernini, la obra de Borromini es una crítica al clasicismo y al orden: Lo que debe
ser grande lo hace pequeño, lo que debe ser entrante lo hace saliente. Ondularía entablamentos,
haría nuevas formas para capiteles… Un ejemplo de ello es la escalera del palacio Barberini
(Roma). Normalmente son de rampas rectas o de caracol, pero él la hizo elíptica. Dobla las piedras
como si fueran blandas. Otro ejemplo es la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (Roma).
Consta de una fachada ondulada que parece estar moldeada. Tiene tres calles: cóncava, convexa y
cóncava, lo que genera zonas onduladas y zonas en penumbra. Ese movimiento se traduce en la
planta. Ya ni siquiera es elíptica, sino que une tramos curvos con otros rectos, y lo traduce a la
cubierta.

FRANCIA
No solo la Iglesia, también los grandes Estados utilizarían el arte para demostrar su poderío
económico frente a las grandes potencias. Esto se advertiría en el reinado de Luis XIV. Se crearían
reales academias (de pintura, de escultura y de arquitectura), las cuales impondrían una serie de
normas que todos debían seguir. En Francia el barroco era más clasicista, con menos ondulaciones y
otras características del renacimiento. En Francia destacarían los palacios, en los que todos los reyes
europeos se inspirarían. Es la manifestación más clara de ese poder absoluto del monarca y de ese
gusto institucional de sus promotores. Mientras el palacio italiano tiende a la planta central y un
patio en el centro, el palacio francés suele presentar una planta en forma de U que se abre a un
patio, y en el que tienen un papel protagonista los jardines que se disponen en la parte posterior, con
esculturas y jardines. Mientras que los palacios italianos (y también españoles) son un cuerpo
compacto, en Francia hay distintos volúmenes. Los jardines forman parte del complejo, y son tan
importantes que sin estos no se entiende el palacio.

El modelo a seguir y el palacio más importante del momento sería Versalles. El precedente de dicho
palacio es el palacio de Vaux-le Vicompte (1656-1661), proyectado como residencia de Nicolás
Fouquet, superintendente de finanzas (ministro de economía) de Luis XIV. Fouquet contrató al
arquitecto Louis Le Vau, al pintor Charls Le Brun y al jardinero André LE Notre (poner circunflejo
en la o). Cuentan las fuentes que se inauguró desmesudaramente, con fuegos artificiales, una
comedia de Molière, tenedores de oro… Luis XIV se sentía avergonzado de que uno de sus
ministros mostrase semejante riqueza, y le confiscó el palacio, llevándose a los tres artistas para que
creasen el palacio de Versalles. Versalles era un pabellón de caza, y decidió transformarlo en un
gran palacio. Hubo tres fases:
1. En 1661 comenzaron las obras. Los autores son los anteriores, pues se los llevó para que tra-
bajaran ahí.
2. 1678: Jules Hardouin-Mansart asume la dirección de las modificaciones. Construye la gran
fachada al jardín y las salas más conocidas, como los salones de la guerra y de la paz o el
salón de los espejos, así como una capilla palatinan.
3. ¿1684?: Luis decretó

Tiene tres niveles de altura, es recto salvo tres balcones que se adelantan, pero sin ondulaciones ni
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columnas salomónicas. Es algo más estático, más sereno, más clasicista. El salón de los espejos
tenía la finalidad de amedrentar a embajadores de otros países, mostrando el poder de Francia.

Otros países como España lo copiarían, por ejemplo en la Granja.

CENTROEUROPA
En el norte protestante (Las provincias unidas principalmente) optarán por un arte más civil y
menos religioso. Mientras que en el sur habrá principalmente iglesias y monasterios.
 Ostentació y lujo
 Gusto por el movimiento
 Claroscuro
 Color
Destacó Neumann, con su Iglesia de los 14 Santos. Esta destaca por una innovación en las
cubiertas, pues no se basan en bóvedas de cañón, sino en bóvedas que simulan movimiento. Se
observa aquí una fusión de las artes, pues la pintura decora las bóvedas y cúpulas, y la escultura
adorna el edificio. Otro ejemplo son el Monasterio de San Gallen (Suiza), o la Iglesia de San Carlos
Borromeo, en Viena.

ESPAÑA
Destacan el Palacio de Riofrío (Segovia) o la Granja (Segovia), con la Sala de los mármoles o sus
grandes jardines.
ESCULTURA
 Naturalismo (tratará de mostrar la realidad tal cual es, sin idealización).
 Escultura teatral (frente al equilibrio teatral, apuesta por gestos, expresiones, pasiones)
 El escultor usa movimiento, y si es espontáneo e imprevisible mejor. Ocasiona líneas abier-
tas de brazos y piernas.
 Línea serpentinata (se trata de usar)
 Los ropajes se agitan con movimiento adquiriendo movimiento y provocando contrastes lu-
mínicos.
 Materiales: En países ricos materiales como mármol y bronce… En países pobres como Es-
paña, salvo en la corte del rey, se usaría madera policromada, usualmente estofada encara-
mada.
 Estudio de las calidades (sabemos si es un ropaje, una ropa fina…)
 Técnica perfecta. No se puede alcanzar un grado de perfección mayor.
 Géneros:
o Altares
o Tumbas
o Mausleos
o Retratos
o Fuentes (que demuestran la incipiente importancia del urbanismo)

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 o Imágenes religiosas (con nuevas iconografías, pues se habían producido nuevos san-
tos, como San Francisco Javier, para los cuales se necesitarían nuevas iconografías).

BERNINI
Es el gran definidor de la escultura Barroca.
 Al igual que Miguel Ángel, él se sentía sobre todo escultor.
 Cultura:
o Conoce a la perfección la escultura clásica.
o Tenía una gran cultura. Conoce la mitología y los hechos históricos, porque sabe per-
fectamente sobre lo que está esculpiendo. Por ejemplo, cuando esculpe a Apolo y
Dafne, demuestra que conoce la historia.
 Era capaz de esculpir los estados del alma. No solo esculpir una anatomía perfecta, sino el
estado anímico (triste, sorprendido, atemorizado, sorprendido).
 Esculpía todos los géneros del barroco (imágenes, mitología, fuentes…)
 Perfección técnica
 Su obra es muy colorista. No significa que la policroma, sino que en una misma obra utiliza
materiales de diversos colores (mármol de distintos colores, bronce… en una misma obra).
 El rapto de Proserpina, Hades captura a Proserpina y se la lleva al inframundo.
 Apolo y Dafne, Apolo se enamora (debido a una flecha de oro) de Dafne, quien recibe una
flecha de plata y, por ello, siente repulsión hacia él. Ella, no pudiendo escapar, le pide a su
padre que lo transforme en Laurel.
 David, Al contrario que los de MA y Donatello, representa un cuerpo en movimiento, con
los músculos contraídos y el ceño fruncido. “Mismo tema, diferente solución”.
 También llevó a cabo sepulcros, como el de Urbano VIII en SP del Vaticano. Es colorista,
pues el Pontífice está hecho en metal, y junto al arca fúnebre, hay dos mujeres en mármol de
carrara, que representan caridad y justicia, representando las virtudes del Papa.
 También haría sepulcros para Alejandro VII, también en el Vaticano. Bajo él se dispone una
puerta real para acceder a otra dependencia. La puerta está integrada en la obra. El pontífice,
en mármol de carrara blanco, está genuflexo, orante. Bajo él, en jaspe, hay una gran cortina
que se pliega para dar paso a la puerta. A los lados se encuentran alegorías en mármol de ca-
rrara: la caridad, verdad, prudencia y justicia, aludiendo a las virtudes del Pontífice. Justo
bajo la cortina hay un esqueleto que simboliza la muerte, realizado en bronce dorado, que le-
vanta la mano saliendo de la cortina mostrando un reloj de arena, para mostrar al pontífice
que su fin en la vida terrenal está próximo.
 Altar de Santa Teresa. Es, quizá, el altar más espectacular de los realizados en todo el barro-
co europeo, en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma. La
familia Cornaro, dueños de la capilla, encargarían la Capilla a Bernini. A los lados hay una
especie de palcos en los que se retratan los propios miembros de la familia Cornaro, que es-
tán viendo de primera mano el espectáculo que acontece mientras lo comentan entre ellos.
Está colocada estratégicamente para que los rayos del sol iluminen la obra, y existe una pin-
tura de un cielo abierto en el techo, del que unos ángeles aparentan descender. Santa Teresa

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 siente una flecha ardiente clavada en su corazón, y Bernini logró transmitir eso. Tratamiento
magnífico de los pliegues.
 Cátedra de San Pedro, dispuesta en la cabecera del altar, sustentada por los padres de la
Iglesia latina. No tiene un uso tan útil, sino que sobre todo busca mostrar su poder.
 Retrato del Cardenal Borghese, quien había encargado Apolo y Dafne y el rapto de Proser-
pina. Le expresó ¿vero troppo?.
 Retrato de Luis XIV, no solo retratado a la moda de la época, sino con un aire altivo. Mira a
un lado, típico barroco.
 Fuente de los Cuatro Ríos, en la Piazza Navona. Es una estructura rematada por un obelisco,
bajo el que se colocan cuatro gigantes que simbolizan los ríos Danubio, Granjes, Nilo y Río
de la Plata, simbolizando la universalidad de la Iglesia Católica, extendida por todo el mun-
do. Cada gigante presenta rasgos físicos y está acompañado de plantas o animales que nos
permiten situar cada uno de los ríos.
 Constanza Buonarelli, una muchacha de clase media normal, que era su novia, está simple,
sin tocados ni adornos.
(tuvo una primera fase “manierista”)
ESPAÑA
Destacaron personajes como Pedro de Mena o Alonso Cano.

PINTURA
 Realismo
 Predominio del color sobre el dibujo (como ya ocurría en el renacentismo veneciano).
 Importancia sublime de la luz.
 Movimiento
 Composiciones (manera de componer los objetos representados), complejas, asimétricas y
con diagonales.
 Destaca la corriente tenebrista de Caravaggio, que se caracteriza por utilizar fuertes contras-
tes de luces y sombras, donde la principal figura es Caravaggio.
 También destacó la corriente del barroco decorativo, con grandes decoraciones murales con
efectos ilusionistas.

TENEBRISMO. CARAVAGGIO.
Michelangelo da Caravagio es su mayor exponente.
 Plasmar la realidad con absoluta fidelidad => Es un pintor naturalista. Tomaba como ejem-
plo gente corriente de la calle.
 Manera muy peculiar de pintar.
o En la vocación de San Mateo se ve cómo era su técnica. Ilumina la escena desde una
de las esquinas superiores y esa luz atraviesa el cuadro en diagonal. Las partes que
quedan iluminadas son las que él dibuja, y las partes que no reciben luz quedan com-
pletamente ocultas. Hay fuertes contrastes de luces y sombras.

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  Realismo aplicado también a personajes religiosos, representados como personas corrientes
(también con ropajes barrocos, como vemos en la Vocación de San Mateo) La iglesia mostró
su descontento respecto a ello.
o La vocación de San Mateo, para la Capilla Contarelli, en la Iglesia de San Luis de los
Franceses, en Roma. Es el momento que Jesús llama a San Mateo para que sea su
discípulo. Tuvo problemas por representar así a los divinos.
 La muerte de la Virgen. Según la tradición, la Virgen se dormía y ascendía a los cielos, pero
no moría. Él si la representó muriendo. El foco de luz se centra en la mujer muerta, pero los
otros personajes tienen una penumbra progresiva. La virgen tiene una corona de divinidad
casi imperceptible, lo único que nos indica que es alguien sagrado. Tomó como ejemplo para
representar a la virgen a una presunta prostitura que se había ahogado en el Tíber. Esto
muestra realismo extremo. María Magdalena llora junto a la virgen, ataviada a la moda del
siglo XVIII, y con la luz alumbrándole también a ella. Los apóstoles que aparecen de fondo
casi no tienen luz = No protagonismo.

BARROCO DECORATIVO
Grandes bóvedas decorativas que parecen ampliar el espacio real e, ilusoriamente, crear
profundidad. Un ejemplo es la Adoración del Santo Nombre de Jesús, de Gaulli. En Il Gesú, iglesia
creada por Vignola. Hay un cielo abierto donde aparecen las insignias con el nombre de Jesús, y
está ocurriendo la expulsión de todos aquellos que se sublevaron contra Jesús, entre ellos Lucifer,
en violentísimos escorzos. Parece que van a caer encima del espectador.

Otro ejemplo es el Triunfo de San Ignacio, de Pozzo, (cubriendo la bóveda de San Ignacio (de
Loyola). Dibuja una arquitectura en la que aparece San Ignacio, con personajes como San Francisco
Javier, y con alegorías de los continentes.

PINTURA DE LOS PAÍSES BAJOS

En el siglo XV había dos grandes focos en la pintura italiana, que eran Florencia y Siena, y
despuntaban unos primeros flamencos. A finales del siglo XIV las Provincias Unidas se
independizaron de España, acentuándose el sentimiento nacional. El credo protestante no admitía la
imaginería religiosa, por lo que los géneros serían escenas costumbristas, bodegones, retratos…
PROVINCIAS UNIDAS (HOLANDA). EL RETRATO
Sobresalió Rembrandt, pintor, pero también grabador y dibujante excepcional. Instalado en
Ámsterdam y pintando allí amasó una gran fama y riqueza, lo que le permitió reunir una gran
colección de arte. Tenía una pintura alegre y colorida.
Sin embargo, en los años 50, su esposa falleció dando a luz, así como el niño. Ese gran golpe de la
vida lo volvió todo amargo. Cambió su carácter, su manera de pintar… Hizo que su pintura se
tornase más profunda y espiritual, con pintura más rápida y pastosa, con tonos más pardos y
oscuros. A través de sus cuadros expresaba ese tormento y sufrimiento personal por la pérdida de
sus seres queridos, que hizo que sus temas se volviesen menos agradables al público => Pérdida de
clientela => Ruina progresiva. Moriría en la más absoluta pobreza y soledad.
Géneros: Creaba todos los géneros, retrato, cuadro religioso, mitológico, paisaje…
Una obra es Lección de Anatomía del Doctor Tulp. (1632). Es un retrato colectivo (de mucha gente
a la vez). El gremio de cirujanos le encargaría la realización de esta obra, pero no estaban todos
sentados delante de una mesa, como podría esperarse, sino realizando el oficio. Composición
piramidal. La luz se centra en el cadáver, quien tiene una piel de color mortecina. Los científicos,
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últimamente, han afirmado que los nervios mostrados son reales. Los nombres de los que aparecen
en el retrato aparecen en una lista que porta un hombre en la mano. En esta misma línea hallamos la
Ronda de Noche. Retrata a una compañía militar dispuesta a iniciar una ronda, pero no se muestra a
cada uno con su puesto de mayor o menos importancia. Por ello, no gustó a los mecenas que
encargaron el retrato y pagaron alto precio por ello. También hay clarooscuros.
VEERMER DE DELFT
 La joven de la perla
PEDRO PABLO RUBENS
Es quizás el pintor más completo del barroco europeo. Va a desarrollar todo tipo de géneros, de
pintura religiosa a mitología, retrato, paisaje o vida cotidiana. Tuvo una gran cultura humanista y
una educación refinada, lo que le permitiría servir como diplomático por toda Europa, donde retrató
a algunos de los personajes más importantes del momento. En 1600 viajaría a Italia, donde se vería
influido por la pintura musculosa de Miguel Ángel, la pincelada suelta veneciana, y el tenebrismo
de Caravaggio. Por ello tiene un gusto hacia las composiciones dinámicas buscando siempre el
ritmo curvo o las formas agitadas.
Una de sus obras más destacadas es Las Tres Gracias, de tipo mitológico, pues muestran a tres hijas
de Zeus. Es una escusa para mostrar el desnudo femenino, pues las mujeres a penas aparecen
cubiertas por un velo transparente que las enlaza. Muestra las cosas como son, por ello no son
preciosas.
VELÁZQUEZ
Nace en 1599 en Sevilla. A los 12 años ingresará como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco,
pintor cuya pintura se basa en el dibujo. Sin embargo, poco a poco, Velázquez se va a ir separando
de esa manera de componer y va a dar más importancia al color y a la pincelada libre. Contrajo
matrimonio en 1618 con Juana Pacheco, hija del pintor.
Sus primeras obras tienen pintura lineal con pinturas costumbristas con naturalismo. Se advierten
fuertes contrastes de luces y sombras y muestra preferencia por tonos terrosos. Destaca aquí la Vieja
friendo huevos.
La gran habilidad que tenía le permitió viajar a Madrid y trabajar al servicio del monarca. Él iría
escalando posiciones hasta ser nombrado pintor de cámara del rey, el cargo más importante que
un pintor podía conseguir. Por ello realizaría principalmente retratos, donde ya se advierte esa
evolución con una pincelada más suelta y fluida, y una temática cromática más variada.
Además, viajaría a Italia, gracias al consejo que Rubens (en España de misión diplomática). Gracias
a ese periplo se dejaría influir por los grandes artistas de la península itálica. Fruto de ese primer
viaje es la obra de La fragua de Vulcano (1630). Su pincelada cada vez más colorido.

Al regresar a España tendría que hacer muchos lienzos para la familia real. Retratos con un carácter
cortesano, con un gran retrato psicológico. Destacó Las Meninas (1656), pintado en el Alcázar de
Madrid, que fue incendiado en la nochebuena de 1734. Capta de manera magistral la perspectiva
tanto lineal como aérea. Muestra una magistral incidencia de la luz a través de las ventanas, que
reflejan lo efímero. Velázquez tiene el atrevimiento de mostrarse en primer plano, ejerciendo su
profesión

EXAMEN
1- Arquitectura funeraria egipcia
2- La Virgen del Canciller Rolin
3- Catalogación
1- Las puertas del infierno
2- Templo malatestiano
3- Laocoonte y sus hijos
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 4- Retrato de Paulina Bonaparte
5- Santa Capilla de París
6- Los burgueses de Calais
7- Rubens con su primera esposa
8- Trono Ludovisi
9- Ábside de San Clemente de Tahull
10- El descendimiento, de Van der Weyden

Nota del examen: 9,5.

Nota final: 10. Matrícula de honor.

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 FUENTES:
Blanco Freijeiro, Antonio, El arte griego, Madrid, Anaya, 1990.
Janson, HW, Historia general el arte: 1. El mundo antiguo. Madrid, Ed. Alianza Forma. 1990.
Janson, HW, Historia general el arte: 2. La Edad Media. Madrid, Ed. Alianza Forma. 1996.

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