El Portafolio:

La llave de todo artista

para entrar al mundo
profesional
Por Jaime Vargas Rivas

Profesor Salomón Balut Bugueño

Julio 2020
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 Índice
Introducción. 6
Problema y Objetivos. 7
Planteamiento del problema. 7
Solución. 7
Objetivo. 7
Objetivos secundarios. 8

Marco Teórico. 9
Branding en la animación. 9
Orígenes del portafolio en la animación. 14
Portafolio y Reel, diferencias. 15
La autogestión en tiempos globalizados. 16
Contrato o freelance. 17

Capítulo 1, Identidad y marca: el branding del portafolio. 19

Paleta de colores. 22
Fuentes tipográ cas. 24
Composición de la galería. 26
Logo, Bordes, texturas de fondo, etc. 28
Sitios web vs redes sociales como portafolio. 30

Capítulo 2, Los tres principios

fundamentales para entender un buen portafolio. 32
Calidad no cantidad. 32
El dilema de los estilos visuales. 34
Apego vs aprendizaje. 37

Capítulo 3, Preparando la muestra:

material atractivo, original y especializado. 40
Trabajo atractivo. 40
Trabajo original. 48
Trabajo especializado. 52
La creación de nuevos contenidos para el portafolio y la autocrítica. 54

Capítulo 4, Portafolios web y físicos. 57

El portafolio web. 57
El portafolio físico. 58
El portafolio en tableta digital. 59
La presentación del portafolio. 60

Conclusión. 62

Bibliografía. 64

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 Introducción
El portafolio es un instrumento que ha sido utilizado por décadas en diversas disciplinas, incluidas
las que nos atañen: animación e ilustración. No es entonces, una sorpresa, que este sea recurrente
en culturas donde el mercado audiovisual es extremadamente activo.
Un portafolio consiste en una galería personal y especializada que muestra los trabajos ilustrados
del autor, sean sketch, diseño de personajes, storyboard, coloreado, etc. Aunque a primera vista
pareciera estar más relacionado con la ilustración, el portafolio es un recurso utilizado por direc-
tores y animadores profesionales, por ello, puede ser un poco sorprendente el desconocimiento
que hay en nuestro país acerca de este instrumento.
La importancia del portafolio de animación/ilustración no debe ser menoscabada, pues le per-
mite a un creativo dar a conocer sus fuertes y talentos artísticos de manera rápida, e caz y conci-
sa, todo esto con el n de sembrar interés en cualquier posible empleador o público. Esto es vital,
sobretodo en una industria donde el tiempo no abunda y la hiperconectividad de internet ha
aumentado las oportunidades, pero también la competencia. Claramente, producir una galería
con tanto potencial requiere estudio, investigacion y un sacri cio de tiempo comparable al de
crear de un proyecto personal.
Ahora bien ¿Cómo se puede producir un portafolio profesional que este a los estándares de la in-
dustria mundial? Esto puede resultar difícil para una persona que no esté familiarizada del todo
con este concepto, por lo que en esta tesis, se hace un análisis, no solo estructural, pero además
conceptual, de todos los detalles y características que esta herramienta artística posee, mediante
el uso de ejemplos y explicaciones tanto cercanas como entendibles para un estudiante o egre-
sado.

Para esto se estudiaran conceptos tan importantes como el branding, que consiste en identi car
la identidad del artista en relación con su trabajo y darle un sentido de valor, tanto en sentido
estético como de negocio. También se analizaran los conceptos de calidad, estilo y apego, como
una forma de esclarecer la percepción por sobre el trabajo artístico propio y ajeno. Se estudiaran
métodos de selección para ser asertivo a la hora de presentar piezas artísticas atractivas, origi-
nales y especializadas (incluso si esto conlleva a la creación de nuevo material) y nalmente se
evaluara la importancia de la autocritica y los distintos formatos para presentar un portafolio.

En el océano de las artes audiovisuales hay tantos portafolios como creadores, por lo que resulta
imposible crear una plantilla que, por defecto, se acomode a cualquier artista. Por lo que el
estudio en esta tesis le permitirá a cualquier artista, sin importar su estilo, contenido o área de
interés, realizar su propio portafolio desde cero.
Con todo lo mencionado anteriormente, si el portafolio es un método tan e caz ¿por qué no
está consolidado aun en la industria audiovisual chilena? ¿el portafolio signi ca el quiebre de la
incertidumbre laboral de un artista? ¿cómo saber que piezas artísticas están acorde a un tono
profesional?

Interrogantes como las anteriores son completamente naturales y, en el resto de esta tesis, se
esclarecerá cómo y por qué, el portafolio es la llave de todo artista para entrar al mundo pro-
fesional.

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 Problema y Objetivos
Planteamiento del problema:

La animación es un mercado relativamente nuevo en Chile -15 años, aproxima-

damente-, lo que ha signi cado que tanto los que la ejercen como los que la estu-
dian desconozcan conceptos tan importantes y comunes en países donde la anima-
ción es una industria fructífera, como el portafolio. Tampoco hay clases dedicadas
especialmente al branding ó “cómo venderse de manera profesional”, excepto en
carreras más enfocadas a la economía. El artista, aun habiendo egresado con las
habilidades y conocimientos sobre softwares, es ignorante a la hora de mostrar
su trabajo de modo profesional, por lo que ingresar al mundo laboral puede ser
una di cultad. Esto puede sonar irónico en un mundo donde internet y las opor-
tunidades abundan, pero es una realidad que está justi cada por su contexto.

Solución:

La solución sería poder transmitir y esclarecer el concepto de Portafo-

lio y Branding a quienes estén realmente interesados en ingresar al mun-
do laboral y además, mejorar la industria, pues al haber herramientas como
el portafolio, que posean una limpieza superior, no solo se utiliza un méto-
do más e caz a la hora de elegir artistas, sino además ampliamos el paisa-
je del mercado de la animación en Chile, tanto en profesionalismo como calidad.

Haber estado todo un semestre en Columbus College of Art And Design (CCAD), una de
las 50 mejores universidades que ejercen animación en los Estados Unidos -país que, por
cierto, tiene un mercado de animación extremadamente activo- me signi có aprender,
en la clase SODA sobre la importancia del portafolio y cómo crearlo con calidad profe-
sional. Esta tesis es, quizás, es la oportunidad perfecta para compartir ese conocimiento.

Objetivo:

Formular una tesis que sirva como guía a cualquier egresado o estudiante de animación,
con el n de crear su propio portafolio e ingresar de manera segura al mundo laboral.
Busco ser lo más inclusivo posible, por lo que presentaré una guía por ca-
pítulos donde cada uno se re era a un elemento de la estructura del por-
tafolio. Utilizare para ello ejemplos tanto personales como de distintos ar-
tistas ya egresados de carreras artísticas. Esta tesis busca impulsar a todo
artista, independientemente del tipo de contenido o estilo visual que posea.

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Objetivos secundarios:

-De nir el concepto de branding en el animador (Identidad y Marca).

- Enumerar en un orden lógico las partes de un portafolio.
- De nir una identidad atractiva y vendible, y mostrarla en forma de layout.
- Estudiar, analizar y comparar ejemplos ya existentes, sean estos aconsejables o no.
- Aprender a seleccionar y separar el trabajo que es apropiado y el que no para un
Portafolio.
-Desarrollar autocrítica.
- Organizar una muestra de imágenes precisa y atractiva.
- Determinar el área de trabajo de interés de cada artista.
-Producir un portafolio en formato físico y digital.

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 Marco Teórico:
1 -Branding en la animación-

En el mundo hay muchos tipos de productos y servicios, todos existen para suplir
necesidades tales como alimentación, vestimenta o entretenimiento, entre otras. Sin
embargo en la vida cotidiana, a la hora de ir al supermercado se pueden apreciar
varios tipos distintos de un mismo objeto, está claro que ningún bien de consumo es
único en su clase, por lo que todo producto posee un sello que le permite diferen-
ciarse del resto, esta es la marca, la cual cumple la función de resaltar mediante una
identidad y permite a los consumidores asociar rápidamente sus necesidades con
un producto, ya sea por su relación de calidad, precio o contenido, por dar algunos
ejemplos.

Hay cientos de marcas asociadas a cientos de productos, bienes y servicios distintos.

La animación, al ser una industria dedicada al entretenimiento, se entrelaza direc-
tamente con este fenómeno, denominado Branding, tanto a nivel general (indus-
tria) como a nivel particular (artista).

Branding (Del ingles Brand, “Marca”) consiste en el estudio y proceso mediante el

cual, no sólo se produce una marca que posea realce por sobre el resto, si no tam-
bién en una identidad que satisfaga tanto las necesidades del consumidor, como la
dirección del artista, dueño o conglomerado que representa.

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Los primeros ejemplos de Branding se remontan a miles de años en el pasado, des-
de los autores mesopotámicos marcando sus vasijas, hasta los egipcios marcando
animales de ganado para diferenciarlos, claramente, la presencia de competencia
en un sistema económico empujó a los trabajadores a destacar por sobre los otros.

10
Hislop M. (2001) de ne Brandind como: “El proceso de crear una relación o cone-
xión entre el producto de la compañía y la percepción emocional de los clientes con
el propósito de generar segregación entre la competición y construir lealtad entre
los clientes” (Branding 101, p.21). En esta de nición se puede rescatar la siguiente
dualidad: Existe lo que queremos mostrar y lo que percibe la gente, el Branding nos
ayuda a realizar una conexión entre ambos.

Ahora bien, es un tema que claramente tiene mucho que ver con la economía y la
producción de las grandes empresas. Claramente podemos ver ejemplos de Bran-
ding en canales o cadenas de televisión, pero entonces nacen las pregunta ¿Cómo
afecta esto a los artistas singulares, egresados o estudiantes? ¿Por qué debería ser de
importancia un tema cuyo origen no es plenamente artístico?
Es justamente ese paradigma el que se debe cambiar: no hace falta que poseas
un conglomerado, cadena o una empresa para empezar a verte a ti mismo como
una marca con identidad que sea vendible y destaque por sobre el resto. Esto no
debe ser entendido como una práctica anti artística, si no como un empoderamien-
to en un mundo donde abunda la competencia laboral y el paisaje de este está en
constante mutación. Seas artista independiente (Freelance) o bajo contrato, debes
poseer Branding, o sea, verte a ti mismo como una marca y una identidad.

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 -Marca e identidad-

Ambos conceptos deben ir tomados de la mano, pues aunque se expresan de modo

distinto, conforman la unidad de tu branding, en la dualidad artista y profesional.

Entiende la marca como “Hey, esta es la razón por la cual debes contratarme”
mientras que la identidad responde la pregunta “¿Quién soy y porque soy tan dis-
tinto a todos los demás?”. Esto no debe ser visto en menos, sobretodo en el mundo
laboral de la animación actual, donde gracias a la globalización e internet, varias
personas a miles de kilómetros de tu ciudad pueden aplicar al mismo trabajo que
tu y obtenerlo, algo impensado hace 20 años.

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Ahora bien, sin importar que tan clara tengas tu identidad como artista y profesio-
nal, debes volver esto algo tangible, especialmente, si hablamos de algo tan íntimo
como una identidad. Claramente no puedes presentarle todos tus trabajos y anima-
ciones a un profesional durante una entrevista. El mundo en el que vivimos es ocu-
pado y estas personas no tienen (ni deben tener) la paciencia y tiempo para revisar
cada uno de tus trabajos. Tampoco puedes escarbar entre tu arte hasta encontrar
algo que le guste o que capte el interés de tus posibles clientes, entonces ¿Cómo hacer
que el resto te conozca como marca-artista?

Es ahí cuando entra el material de Branding, la versión tangible y visual de todo

lo que hemos mencionado anteriormente. Es aquí donde se funden los conceptos de
marca e identidad artística, pues es tan importante la estética visual de tus produc-
tos (ilustraciones, logos, animaciones, etc) como qué tan atrayente sean, comercial-
mente, estos mismos.

El material de Branding se puede dividir en estas categorías:

-Tarjeta comercial
-Sitio web
-Curriculum
-Carta de presentación
- Reel
-Portafolio

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Estos últimos dos mencionados, debido a la forma que tienen de armarse, son más
extensos y representan tanto un desafío como un pilar fundamental. Son una carta
de presentación, corta, clara y precisa, a cualquier posible cliente, siendo el portafolio
el indicado para mostrar diseños de personaje, fondos, storyboard o cualquier tipo
de ilustración a un cliente.

2- Orígenes del Portafolio en la Animación-

En los años 70, el comité de la asociación canadiense de profesores universitarios,

CAUT (Canadian Association of Universitary Teachers) acuñó el término “Teaching
Dossier” que más tarde, Los Estados Unidos cambiarían a “Portafolio”.
El Portafolio es un instrumento visual, utilizado por artistas de todo tipo (fotógrafos,
arquitectos, diseñadores, etc) el cual nace como respuesta a la necesidad de presen-
tar tu trabajo de manera profesional y ordenada. Debe ser entendido como una
tarjeta de presentación de tu identidad y marca en forma de galería y presentación
de tus mejores trabajos visuales.
Es sabido que Walt Disney fue quien impulsó la animación como la industria que
conocemos hoy, en gran parte, mediante ensayo y error, un ejemplo claro de esto son
el Storyboard y Animatic los cuales nos ahorran tiempo y recursos.
Con esto dicho, en un mundo tan vivo, lleno de oportunidades y proyectos como el
de la animación, el portafolio es la manera más e caz y rápida de presentarnos.

rdar que en el mundo artístico, pesa mucho más la calidad de tus trabajos artísticos
que un historial presentado en un Curriculum, mostrar lo que eres capaz de hacer y
tenerlo siempre a la mano de cualquier interesado, ya sea en una reunión o en algún
evento, es por ende, de suma vitalidad.

Para cualquier egresado de animación digital, el portafolio es la herramienta pro-

fesional por excelencia, este puede contener material original de ilustración, diseño
de personajes, diseño de background, storyboard, concept art, entre otros productos
visuales.

Lo que buscamos mediante esta galería, es generar interés en cualquier posible em-
pleador, sembrando la semilla del interés y la curiosidad por nuestras capacidades
artísticas.

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3- Portafolio & Reel, diferencias-

Ahora bien, debemos estar informados de la existencia de otro material de branding

tan importante como el Portafolio. Aunque de naturaleza distinta, el Reel cumple
la misma función, mostrar tu marca e identidad (branding) y recopilar tus mejores
trabajos con el n de conseguir una entrevista, o en el mejor de los casos, un puesto
en el proyecto/empresa que tanto te interesa. Sin embargo el Reel es un producto
audiovisual. Este no se presenta como una galería de imágenes, si no como una pe-
lícula corta que muestre tus capacidades, ya sean animación de personajes, efectos
especiales, animación de elementos, stop motion, 3D, entre otros.
Obviamente, no puedes presentar diseños de personaje o storyboard en un reel, como
no puedes presentar animación de personajes en un portafolio, como se mencionó al
inicio, ambos responden a naturalezas distintas.

Reel y Portafolio, aún respondiendo a necesidades distintas, deben ser entendidos

como hermanos, como un escudo y espada a la hora de combatir, de manera sana
pero consciente, la competencia del mundo profesional, pues con ambos, un creativo
puede hacer visible el talento, intereses y sobretodo, fuertes artísticos.

Con esto dicho, el Portafolio, al ser algo que nace directamente del artista, se debe
trabajar con seriedad, cuidado y limpieza en cada detalle, este nivel de manejo por
sobre cualquier resultado solo es posible mediante un proceso conocido como la au-
togestión.

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4- La autogestión en tiempos globalizados

La autogestión, que por de nición signi ca “administración autónoma” es el pro-

ceso, método, habilidad y estrategia mediante el cual el (singular) o los (plural).
Autogestión. (S.f). En Wikipedia. Recuperado el 6 de Mayo de 2020 de https://
[Link]/wiki/Autogesti%C3%B3n

En otras palabras, más sencillas, es producir desde cero y de manera autónoma, un

producto o logro (por ejemplo, un libro o película) sin la necesidad de ayuda ex-
terna para el manejo de recursos (como una editorial o un estudio, en los ejemplos
mencionados anteriormente).

La autogestión como fenómeno ha crecido mucho en los últimos años, pues la

internet nos ha permitido producir, contactar y comunicar como nunca antes se
había podido.

En los tiempos de hoy poseemos muchos recursos para producir material artístico,
pero esto también signi ca que la competencia los poseerá también.
Toda esta competencia mencionada anteriormente no debe ser vista de manera
hostil, si no como una realidad de la cual todos aquellos egresados y entendidos de
la animación digital son parte, muchos de tu competencia pueden tener tantos o
más sueños y metas como tu.

Todos desean ganar este juego y el portafolio es entonces, una carta que bien juga-
da, puede signi car la victoria.

Un buen portafolio es, entonces, un logro auto gestionado, debe ser hecho por las
propias manos del artista y su contenido creativo, de inicio a n.
Ahora bien, en un paisaje como el medio audiovisual, que ofrece tantas posibilida-
des y cambios, no se debe entender esta mutación como algo negativo, sino como
parte de la esencia de las artes y la cultura, misma que posee el artista, por lo que
es importante tener consciencia de que hay más de una forma de ejercer una pro-
fesión artística, dependiendo de los principios, necesidades, horarios y habilidades
de cada creativo.

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5 -Contrato o Freelance-

El objetivo de nuestro portafolio es conseguir esa entrevista que tanto queremos,

o mejor aún, un puesto en la empresa, estudio, proyecto o canal al que estemos
postulando. Hay que estar consciente de que, una vez se logre esto, vas a traba-
jar bajo un contrato que, en términos simples, se hará cargo de detallar tanto tus
privilegios como obligaciones. Estar contratado signi ca estabilidad por un tiempo
extenso.

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Sin embargo, en este mundo globalizado mencionado anteriormente, donde se po-
see los recursos para auto gestionar proyectos personales y piezas visuales, no se debe
limitar la posibilidad del trabajo como Freelance, el cual se ha vuelto un terreno
accesible para muchos. Al no verte anclado con un contrato, ser Freelancer conlleva
muchas libertades, así como responsabilidades, desde manejar tus horarios y fechas
de entregas, hasta tus recursos.

La importancia es entender, que ya sea empleado bajo la estabilidad de un contra-

to, o con la liberta de un artista independiente Freelancer, ambas formas de estar
empleado perfectamente posibles, no tiene por qué ser una mejor que la otra, tan
solo se debe entender que cada una conlleva a distintas libertades y responsabilida-
des. Un portafolio bien realizado, con material atractivo e identidad, es el que abre
paso a estas instancias.

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 Capítulo 1
Identidad y Marca: el Branding del portafolio

Cuando hablamos de Branding en el portafolio del (de la) animador(a), debemos

entenderlo como la identidad visual de este(a); la identidad visual no solo es la base
estructural del portafolio, sino también del (de la) profesional que está detrás.

El portafolio debe ser un re ejo de los ideales del artista, y estar siempre provisto de
limpieza, claridad y profesionalismo.

¿Cuáles son los ideales y metas del artista?, ¿Qué cosas le inspiran?, ¿Qué estilo visual
lo caracteriza?, ¿Es el artista alegre y relajado, o más bien serio y apasionado?, ¿Hay
alguna identidad cultural detrás? Estas y otras preguntas deben ser tomadas con
calma y naturalidad; no hay duda de que una identidad artística, al ser un re ejo
de la persona, puede mutar a través del tiempo.

Por otro lado, no se debe soslayar que, si bien reconocer esta identidad puede ser
tarea fácil para algunos, no deja de constituir un proceso personal para cada creati-
vo y sin duda, obligatorio, sobre todo a las puertas del mundo laboral, pues de nirá
cómo el entorno profesional – empleadores y otros profesionales – percibe al artista.

Una vez que se tiene conciencia de esta identidad, el siguiente paso es buscar formas
de transmitirlo a través del diseño de nuestro portafolio.
¿Qué impacto o sensación se desea generar en el público o clientes? Claramente, una
que re eje al autor del portafolio. ¿Cómo se puede generar esta sensación?

Desde siempre, los seres humanos hemos evolucionado para percibir el entorno y los
distintos estímulos que nos rodean. Hace cientos de años, guras y colores podrían
generarnos placer o terror. La sensibilidad humana y el espectro de sensaciones que
percibimos, no solo son un fenómeno social, sino también una respuesta evolutiva, y
no deben ser subvalorados; muy por el contrario, entenderlos es una de las bases del
artista, pues permite a este transmitir de manera clara una variedad de contenidos.
Un ejemplo de esto, es el Efecto Kiki y Bouba, descubierto en 1929 por el psicólogo
Wolfgang Köhler, donde se presentan dos guras de colores y se le pide al los entre-
vistados que señalen cuál de las guras se llama Kiki y cual se llama Bouba, como

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resultado, en un 98% de las veces, se señala a Kiki como la gura puntiaguda de
color cálido y a Bouba como la gura redondeada de colores fríos. Esto cobra mu-
cho sentido al ser ligado con la percepción humana: las letras del nombre “Kiki” son
puntiagudas, así como la fonética de la palabra, es más cortante y los colores cáli-
dos son asociados con la energía y movimiento, mientras que las letras en la pala-
bra “Bouba” son más redondas, la pronunciación fonética más relajada y los colores
fríos se asocian con la calma.

Ahora bien, siendo el portafolio una herramienta profesional en que claridad y lim-
pieza son esenciales, no hay nada de malo en mostrar a través de él una identidad
que podría ser ruidosa y disidente, o una más festiva e informal. Si el artista siente,
por ejemplo, que los arcoíris son parte de su identidad, se debe traspasar esto a un
contexto maduro y profesional.

Un ejemplo es Aaron Salazar, exponente del comic chileno independiente y el gra ti;
su portafolio simula una libreta escolar, tanto en formato físico como digital, y trans-
mite una sensación independiente y de constante aprendizaje, muy característica
del género punk.

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Otro ejemplo es el portafolio de Bishop Taylor, creador de su marca independiente
“Garish Goat”, que expresa su devoción por temas como el ocultismo, los videojuegos
y los juegos de mesa, con un diseño elegante pero amistoso, incluyendo el logo de su
marca y distintas ilustraciones en forma de galería.

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Dicho todo lo anterior, en el diseño general de nuestro portafolio, entre otros aspec-
tos, se pueden observar:

- Paletas de colores.
- Fuentes.
- Composición de la galería.
- (Opcional) Logo, bordes, texturas de fondo, etc.

Independientemente de si el artista desea establecer una marca o no, el entendi-

miento y manejo de estos puntos debe ser concebido y tratado con la misma serie-
dad que se aplica a una marca comercial, pues ello permitirá al autor tanto resaltar,
como ser el a su identidad de manera rentable.

1) Paletas de colores
Esta expresión viene de las paletas de madera utilizadas por los pintores de la an-
tigüedad, para tener a disposición y seleccionar los colores de sus pinturas. Estas son
usadas hasta el día de hoy, pero, sin dudas, la expresión ha evolucionado a algo más
extenso, con medios digitales y distintas formas de arte, popularizándose más allá de
la pintura sobre lienzo.

(ABC, 2007-2020, “De nición de paleta de colores”, [Link]

de [Link]/general/[Link])

Sabemos que el espectro de luz visible por el ojo humano es bastante variado y las
sensaciones que cada mezcla de color genere en el receptor puede variar según
como los colores se ordenen o presenten. Esto ha llevado a los diseñadores a crear
conjuntos de color que son propios de cada proyecto, producto o creación artística;
son las actualmente denominadas “Paletas de colores”.

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Ahora bien, ¿Cómo podemos aplicar este conocimiento en nuestra identidad artísti-
ca, para después hacerlo parte de nuestro portafolio?

Una clave para comprender mejor el color es entender que, social y culturalmente,
se han asociado con sus relativos en la naturaleza.

Un ejemplo característico es el rojo, que tiende a ser percibido como un color

poderoso y pasional, asociado al amor o la lujuria (gracias a guras como los
corazones o las rosas) pero también al peligro (al estar presente en el fuego o la
sangre). No debería sorprendernos, entonces, verlo en los signos “PARE”, inde-
pendiente del país o idioma.

Otro ejemplo es el color amarillo, energé-

tico pero invasivo a la vista (asociado a la
electricidad, el sol y el oro), o el azul (aso-
ciado a la calma e inmensidad del océano
y el cielo).

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Considerar este y otros principios del color será de gran ayuda; es extremadamente
recomendable un estudio previo del color. No obstante, se puede trabajar en un
portafolio sin ser un experto en este ámbito gracias a herramientas online de domi-
nio público que ayudan a producir paletas de colores atractivas y funcionales.

2) Fuentes Tipográ cas

En diseño y tipografía, “una fuente tradicionalmente ha sido un conjunto comple-
to de tipos o caracteres de un determinado tamaño (…) y un diseño especí co…”
(Wikilengua en español, “Fuente - Tipografía”, recuperado el 25/5/2020 en http://
[Link]/[Link]/Fuente_(tipograf%C3%ADa) )
En otras palabras, una fuente es el tipo de diseño de letra que se utiliza para es-
cribir documentos, principalmente digitales. Algunos ejemplos conocidos son las
fuentes Arial, Berlin Sans FB, Bauhaus 93 o algerian. Cada una tiene en grosor,
tamaño, curvatura y presencia/ausencia de serifa, las características que le dan su
propia identidad visual.

La selección de una fuente es, al igual que en una paleta de colores, algo mera-
mente estético y puede variar de artista en artista; pero hay puntos clave que
pueden ayudar en la construcción de un mejor portafolio.

No se debe limitar – en este ni en ningún otro aspecto – la creatividad del artista.

Hay cientos diseños de fuentes que pueden impulsar el tono del portafolio e inno-
var en elementos como este puede hacer la diferencia entre recibir la atención de
un público de posibles empleadores, o perderse entre los otros cientos de portafolios.

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Ahora bien, es cierto que hay fuentes más aceptadas que otras en contextos forma-
les; esto es un trabajo de mera investigación. Fuentes como Comic Sans o Papyrus
no son bien vistas en contextos profesionales. El uso de estas fuentes, aún riesgoso,
es posible, dependiendo del tono que se le desee dar a la galería, pero no es para
nada recomendado.

Otro aspecto que se debe tener presente es que un portafolio (tanto físico como
digital) está pensado para ser visto por una variedad de personas, por lo que lo
usual es utilizar una letra clara y fácil de leer por cualquiera. Las letras que simulan
manuscritos o caligrafía no son del todo recomendadas por esta misma razón, al
igual que las que posean un diseño demasiado cargado visualmente, como lo es,
por ejemplo, la fuente Jokerman, festiva e iconográ ca.

Nunca olvidar que, en el portafolio, el texto debe estar presente para enaltecer la
muestra, como en los títulos de las piezas o sus descripciones, si así se requiere. Se
recomienda utilizar una sola fuente, y aunque es riesgoso, pueden usarse dos, pero
deben tener un diseño similar para mantener una consistencia.

Hay sitios web que facilitan el acceso a fuentes de dominio público y/o gratuito, así
como otras que se pueden adquirir tras una compra. En estos sitios, los creativos
pueden probar fuentes para después descargarlas y utilizarlas; es extremadamente
recomendable, más allá de si la fuente es gratuita o no, dar crédito al autor.

Por último, si no se encuentra ninguna opción que se acomode a las necesidades e

identidad del artista, existen aplicaciones y sitios web que otorgan la posibilidad de
crear fuentes tipográ cas propias, esta puede ser una buena opción si se desea dar
otro paso en términos de identidad, pero no debe ser entendida como algo necesa-
riamente obligatorio.

25
 3) Composición de la galería
Ahora que se han de nido paleta de colores y fuente, el siguiente gran paso es la
composición, pero ¿Qué es la composición? En el diseño, se de ne como “la dispo-
sición de los distintos elementos dentro del espacio visual de manera equilibrada y
ordenada, con el n de transmitir un mensaje al público objetivo.” (Mique, “¿Qué
es la composición en el diseño grá co?”, recuperado el 02/6/2020 en [Link]
[Link]/que-es-composicion-diseno-gra co/ )
Cuando hablamos de composición en el portafolio, debemos entenderlo como la
mezcla del fondo con los elementos de la galería; asimismo, cabe destacar que, al
referirnos a una composición “equilibrada y ordenada”, esto no debe ser tomado
de manera literal. Hay muchas formas de componer en el diseño que no son exclu-
sivamente simétricas. Es igual de importante, como la misma de nición destaca,
transmitir un mensaje e identidad, en este caso, el branding del autor del portafo-
lio, al receptor.

Al tener de nidas tanto la identidad como el tono del artista, este puede diseñar
un portafolio que se acomode a aquellos. Muchos eligen soluciones genéricas por
miedo a la experimentación, sin darse cuenta de que el portafolio es un espacio
libre para el creador. Lo importante es pensar fuera de la caja de arena, pues esto
puede signi car originalidad por sobre la competencia.

Durante años se han utilizado distintos tipos de reglas para componer, como por
ejemplo, los tres tercios o la composición asimétrica o basada en guras; aunque
estos métodos se aplican principalmente a medios como la fotografía, el paisaje y
la cinematografía, estudiarlos puede ayudar a generar soluciones creativas. ¿Tal
vez el artista desea presentar sus trabajos como si fuesen una página de comic? O
¿con un paisaje en el fondo?

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Una cualidad importante que debe tener el portafolio como carta de presentación
de trabajos artísticos, es que sea fácil de navegar (independientemente de si está
en formato digital o físico). Utilizar fondos o texturas no debe ser considerado como
incorrecto, solo se debe dar por entendido que el portafolio es un puente a las obras
del autor, por lo que el diseño no debe distraer ni confundir; muy por el contrario,
mientras más sencillo y navegable sea, mejor. Asimismo, el número de elementos en
la galería tampoco debe ser muy alto, sino más bien una selección de lo mejor.

Un buen ejemplo de portafolio preciso y bien compuesto es el de Genevieve God-

bout, que eligió una paleta de colores extremadamente sencilla para su branding
y, aunque utiliza una fuente tipográ ca de nida, su portafolio pone el foco y los
colores en sus ilustraciones, las cuales, aunque sean de distintas dimensiones, están
presentadas de tamaño similar; además, su galería se navega en modo vertical.

Otro ejemplo es el de Chumani Bowser, quien amén de usar una fuente tipográ ca
distinta, pero igual de legible, ha elegido una paleta más colorida, la cual además
se ve re ejada en sus obras, lo que genera una sensación de unidad entre el diseño
del portafolio y las obras presentadas en él.

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Para empezar a diseñar la propuesta general, se puede empezar desde el lápiz y
el papel; pero también existen sitios web gratuitos especializados en la creación de
portafolios online, los cuales ofrecen plantillas o, si así se requiere, un manejo total de
de los elementos, en concordancia a como éste desea presentar la marca/brand del
artista.

4) Logo, bordes, texturas de fondo, etc.

El límite, cuando se trata del portafolio, está en la imaginación de su dueño. Aunque
no son obligatorias, otras herramientas de branding pueden ser de gran ayuda para
reforzar la identidad e independencia del creador.
Utilizar un logo es muy recomendable, pues refuerza la idea de marca e identi-
dad. Si el logo está bien diseñado (expresivo, pero no necesariamente sobrecargado),
puede servir para que la gente lo recuerde y asocie al artista en situaciones futuras.
No hace falta decir que el logo, como representación de su marca, debe seguir la
línea estética del artista, incluyendo la paleta de colores. Algunos ejemplos de logos
atractivos son los de TheyCallhimCake, Amanita Design y Signey Gale.

28
Si se desea dar otro paso, para el diseño general del portafolio se pueden utilizar
bordes, texturas, un banner o incluso fondos; todo esto, si no se desea utilizar nece-
sariamente un color plano, o si se opta por algún tipo de marco para cada imagen.
Esto debe ser tomado con cuidado, ya que puede constituir un arma de doble lo.
Nunca se debe olvidar que un diseño simple y fácil de navegar puede ser más atra-
yente que uno sobrecargado. Lo mejor que se puede hacer es empezar con un diseño
sencillo y, poco a poco, ver cuáles elementos vale la pena agregar y cuáles no.

Un ejemplo de un portafolio más cargado pero atractivo es el de Joe Muray, un di-

rector de animación que lleva años trabajando en la industria (reconocido por crear
La Vida Moderna de Rocko y El Campamento de Lazlo) cuyo portafolio web posee
un banner con sus dibujos y un texto de introducción a la derecha de su sitio, ade-
más, las ilustraciones de su galería (algunas personales, otras parte de proyectos en
los que ha trabajado) se pueden visualizar tanto en formato vertical como en forma
de diapositivas al hacerles click. Toda esta sobrecarga de elementos podría sonar
contraproducente, sin embargo no hacen de su portafolio algo negativo, pues este
posee su propia armonía y enaltece lo que realmente desea mostrar, sus trabajos.

Se debe tener en cuenta al nal que artistas como Joe Murray poseen trayectoria,
para un artista recién egresado, al poner los pies en el área profesional, le es más re-
comendable un diseño minimalista y directo, tan solo no se deben cerrar las puertas
a la experimentación.

29
 Sitios web vs redes sociales como portafolio
Existen muchos sitios web dedicados especí camente a la creación de portafolios
online, los cuales dan muchas libertades en todos los puntos mencionados anterior-
mente. Dicho esto, no se debe confundir un portafolio profesional con la utilización
de redes sociales (como Instagram, Tumblr o Deviantart), las cuales no son para
nada recomendadas en un contexto formal, muy por el contrario, pues al poseer
un carácter recreativo, no están pensadas como un espacio, ni independiente, ni lo
su cientemente serio o profesional.

30
Como contraste, los sitios web pensados para realizar portafolios no solo son fáciles
de personalizar, si no que signi can poseer un dominio en la internet, no ser un nú-
mero dentro de una red social, si no el dueño de su propio espacio en la web, esto es
un sello de empoderamiento y formalidad.
Con todo esto dicho, no se busca opacar el alcance y utilidad de las redes sociales,
estas son ideales para la distribución, contacto y auto publicidad, simplemente se
las debe concebir como lo que son, pues lo que el entorno profesional requiere es un
portafolio.

En síntesis, para tener un branding exitoso y que este se vea re ejado en el portafo-
lio, se deben tener en cuenta los siguientes puntos a la hora de concebirlo:

-Una paleta de colores acorde al estilo e identidad del artista.

-Una fuente (o dos) que represente(n) la intención que se busca dar.

-Una composición (tanto en diseño de fondo, como en disposición de la galería) que

sea coherente y navegable.
- Un logotipo que represente la marca/brand del artista. (Recomendado pero op-
cional)

- Bordes, texturas, banner o cualquier elemento que de na al autor. (Opcional)

Lo que nalmente se puede extraer, al revisar los puntos anteriores, es que el por-
tafolio no es solo una galería de imágenes, sino un espacio personal que representa
libertad e independencia en la industria; esa es la esencia del branding. En cada por-
tafolio, el artista se puede expresar libre y profesionalmente, e, incluso en el proceso
de construcción, un animador y/o ilustrador puede de nir mejor aun su propia iden-
tidad profesional.

31
 Capítulo 2
Los tres principios fundamentales para entender
un buen portafolio

Ahora que el animador y/o ilustrador ha entendido la importancia del branding y

se concibe a sí mismo no solo como a cionado al dibujo, sino con la identidad de un
artista y la seriedad de una marca, el próximo paso es preparar la muestra de ma-
terial artístico en el portafolio.

Sin embargo, antes de entrar profundamente en este ámbito, debemos consignar

que hay tres principios que están presentes de manera intrínseca en un buen porta-
folio profesional, por lo que es de vital importancia que se revisen y se vuelvan parte
– si así se puede decir – de la losofía de cada creador y profesional/egresado.

Calidad, no cantidad
Una idea que está grabada en el inconsciente colectivo actual, es que la cantidad
predomina por sobre la calidad, o - en un contexto más nacional -, “Más vale que
sobre a que falte”. Esta idea, posiblemente alimentada por una sociedad marcada
por el consumo, donde la abundancia y el exceso son sinónimos de éxito y grandeza,
ha ganado mucha fuerza gracias a los medios y las redes sociales. Pero, en el con-
texto del portafolio profesional de un animador/artista, esta idea no podría ser más
errada.

Un portafolio, más allá del estilo o identidad del artista, es un espacio personal y
solemne, donde cada pieza artística brilla por sí misma y no compite por sobre las
demás. Tomando una expresión del dicho citado, no es bueno que “sobre”; muy por
el contrario, todo el material presente debe ser disfrutable y tener una coherencia,
incluso si corresponde a habilidades y contenidos distintos.

Asimismo, al utilizar un espacio online (como lo sería un portafolio web), tampoco

se pierden ni tiempo ni espacio en destacar por sobre otros usuarios, al contrario de
cómo sería si se tratase de una red social. La ausencia de competencia y constante
actualización forzada permite al artista poder resaltar las obras necesarias en su
portafolio.

32
Esto también debe ser entendido como un punto de vista más estratégico y de lim-
pieza profesional. Un posible empleador de algún estudio o compañía no tiene el
tiempo para navegar por los cientos de dibujos de distintas personas, especialmente
en tiempos tan recargados como los actuales. Al contrario, un portafolio extrema-
damente sobrecargado en contenido puede ser contraproducente o incluso llegar a
parecer poco agradable para alguien que busca un contacto directo y natural con
el talento de otro profesional.

Será mucho más agradable y atractivo para cualquiera apreciar 5 ilustraciones con
potencial, que rebuscar entre 20, de las cuales solo un puñado represente realmente
una promesa laboral.

El ejemplo anterior no debe ser tomado de manera literal, pues 5 no es un número

estándar e ideal; esto dependerá de cada artista, pues, al nal, lo que se debe tener
en cuenta es que una de las esencias del portafolio es mostrar habilidades y capa-
cidades de manera directa, precisa; no ostentosa en cantidad o tamaño, pero sí en
contenido y talento.

Un caso en que se prioriza cantidad por sobre calidad es el del portafolio del artista
chileno “Puklin” quien, además de utilizar una red social como única forma de ga-
lería, sobrecarga esta con dibujos que no permiten apreciar realmente su fuerte. En
casos como estos, un posible empleador no podría apreciar el verdadero talento del
artista debido al exceso de contenidos.

33
 El “dilema” de los estilos visuales
Un tema muy común en artistas principiantes es el denominado “dilema” de los esti-
los. ¿Cuál estilo visual es mejor que otro, profesionalmente hablando? ¿Cómo puedo
lograr ser atractivo y destacar con lo que dibujo?, y muchas otras interrogantes que
tienden a surgir.

Sin embargo, aun siendo un tema que para algunos puede tornarse delicado, mu-
chos no comprenden la naturaleza subjetiva de este asunto y cómo, además, respon-
de a muchos factores tanto internos como externos que se deben tener en cuenta.
El concepto del “estilo”, aunque sobreexplotado por muchos, es bastante abstracto y
ha mutado a través de la historia de la humanidad, pues de los aspectos que se con-
sideraban positivos y novedosos en el pasado, algunos pueden haberse convertido en
clásicos; otros, sin embargo, han pasado a ser comunes o incluso han sido olvidados.
Para cada creativo(a), sobre todo en el caso de los más famosos(as) animadores(as)
o diseñadores(as), desarrollar un estilo propio y atractivo no es un trabajo de meses,
sino de años o incluso décadas, pues requiere ensayo, error, práctica y aprendizaje.
Este proceso, aunque es lento, no se debe desmerecer ni tampoco acelerar.

Si echamos un vistazo a “La Gioconda” o “La Mona Lisa” de Leonardo da Vinci

(1503), nos damos cuenta de que no solo estamos en presencia de una de las pinturas
más clásicas y famosas de la Humanidad, sino también de un manejo del color, la luz
y sombra, y el naturalismo, superior a muchos artistas de la época. No sorprende que
se haya convertido en un ícono cultural y que además esté valorada en 713 millones
de dólares (ActitudFem,”Los 5 Cuadros más Caros del Momento” 2020. [Link]
[Link]/guia/vida-y-estilo/donde-ir/los-5-cuadros-mas-caros-del-momen-
to#:~:text=El%20cuadro%20m%C3%A1s%20caro%20de,Da%20Vinci%20en%20
el%20s.

34
Sin embargo, si a esta obra se la compara visualmente con el diseño de “Bob
Esponja”, personaje creado originalmente por Stephen Hillemburg, puede sonar
irrisorio que su creación y la licencia de esta, aún poseyendo un estilo visual tan
simple en comparación con la Mona Lisa, esté valorado en 8 billones de dóla-
res (AdAge, “How Spongebob Turned into a 8 Billion Franchise”). [Link]
com/article/media/nickelodeon-s-spongebob-8b-kid-franchise/137866#:~:text=-
But%20beyond%20just%20TV%20longevity,as%20it%20were%20%2D%2D%20
down.)

35
Entonces, ¿Qué hace mejor a un estilo? ¿El realismo hace mejor a La Mona Lisa? ¿O
es el éxito económico y cultural de Bob Esponja lo que hace de su estilo algo “mejor”?

La respuesta es muy simple: ambos son perfectos a su manera, pues responden a

necesidades, contenidos, públicos y hasta épocas distintas; por ende, no existe algo
como un “buen” o un “mal” estilo, sino más bien se trata de un manejo de reglas y
técnicas en son de lo que se desea transmitir. En otras palabras, la importancia
está en aprender y aplicar distintas técnicas de dibujo de carácter universal (colo-
reado, anatomía, perspectiva…) a las creaciones propias - independientemente de
qué tan naturalista, exagerado, idealizado o surrealista sea el contenido que se está
creando -, pues esto reforzará la intención y mensaje/contenido de ellas.

Este cambio de paradigma es muy importante, pues ayuda al autor a tener una
visión mucho más clara y real por sobre su trabajo y el de los demás.

Un ejemplo de este entendimiento aplicado en un portafolio es el de Rodney Green-

blat, un artista visual y músico de San Francisco, California, conocido por diseñar el
universo de “Parrapa the Rapper” y “Um Jammer Lammy” para Play Station. A
través de su arte, Greenblat muestra una estética lúdica e infantil con un muy buen
manejo del color, la que resulta muy atractiva para ciertos públicos y logra resaltar
bajo su propia esencia.

36
 Apego versus aprendizaje
Finalmente, se debe entender la importancia de abrir los brazos al cambio y el
aprendizaje.
Esto puede parecer fácil de decir, pero muchas veces signi ca un replanteamiento
del artista hacia sí mismo y su trabajo. Muchos temen cambiar o incluso cuestionarse
ciertos hábitos y formas de pensar, pues el apego a lo conocido signi ca una zona de
confort.
Esto no tiene, en principio, nada de malo, en el siguiente sentido: estamos de acuerdo
en que el arte no debe ser un proceso incómodo, menos aún tortuoso; muy por el
contrario, no hay nada errado en sentirse cómodo y orgulloso con el trabajo propio.
Sin embargo, este sentimiento de satisfacción no debe basarse en la conformidad
excesiva, pues, de ser así, solo logrará trabar y limitar al artista.

37
El plantear nuevos desafíos signi ca movimiento y aprendizaje. En el contexto del
portafolio, esto implica que el “resultado nal” no siempre va a ser nal: el portafolio
es una extensión del lado más profesional del creador como tal, y cambia junto a
este. Si se desea replantear una identidad o producir obras principalmente para ser
mostradas en el portafolio, incluso dejando de lado obras antiguas, esto no debe ser
visto como algún tipo de traición al pasado, sino como la oportunidad que cada uno
se da de evolucionar.

Sin embargo, no todos entienden el cambio como una forma de mejorar, como es el
caso de Jaime Galo de “Comics Huemulín”, quien busca emular la época dorada del
cómic chileno; tiene su portafolio en un sitio web sobrecargado, desordenado y que
no responde a ninguna estética especí ca, además de ser difícil de navegar, tiene
sus ilustraciones cargadas a la derecha sin motivo aparente. Estas son características
contraproducentes para cualquier portafolio y no permiten demostrar si el dueño de
este portafolio realmente vale la pena para algún posible empleador. En situaciones
como esta, la obstinación y el apego es la muerte del aprendizaje y la creatividad.

38
En síntesis, los tres conceptos que serán de gran utilidad de aquí en adelante y que
son fundamentales para la preparación de un portafolio exitoso, son:

- Calidad por sobre cantidad: no hay un número de nido, pero para seleccionar
los trabajos de una galería, se debe ser directo y preciso.

- No juzgar un estilo como bueno o malo, sino más bien esforzarse en aprender
y aplicar técnicas, y así, en el camino, de nir un estilo original.

- Aprendizaje por sobre apego. Es bueno estar dispuesto a cambiar el diseño o

enfoque del portafolio, pues la obstinación juega en contra.

39
 Capítulo 3
Preparando la muestra: Material atractivo, original
y especializado.

Ahora que se han de nido principios clave para el entendimiento de un portafolio,

es hora de enfocarse en armar la selección de este; para ello, nos enfocaremos en
tres “pilares”, El trabajo atractivo, original y especializado.

Estos pilares son de una naturaleza selectiva, por lo que los tres principios vistos
anteriormente - calidad por sobre cantidad, estilo, y aprendizaje sobre apego - se
verán presentes en todos ellos.

1) Trabajo atractivo:
¿Cómo saber qué material es atractivo para un portafolio?
Todo profesional de la animación y/o ilustración sabe que hacer del dibujo un hábi-
to, es fundamental; en efecto, es lo que hace la diferencia entre un profesional apli-
cado y un mero a cionado.

Estar constantemente produciendo contenidos - desde bosquejos de anatomía y pai-

sajes, hasta storyboard e ilustración, entre otras cosas -, no solo refuerza contenidos
ya conocidos, sino, que, además, permite al artista practicar y aprender en nuevas
áreas que para un a cionado al dibujo serían territorio desconocido.

Es, entonces, muy normal para un profesional con este hábito, tener a su disposición
una alta cantidad de material que, para su suerte, puede ser presentado en su por-
tafolio; sin embargo, como se vio anteriormente, no basta con poseer gran cantidad
de contenido. Es por esto que el artista debe aprender a no tratar todas sus piezas
por igual, pues no todo producto o resultado artístico tiene el mismo valor.

¿A qué se re ere esto? A priori, puede sonar antiartístico y causar un poco de confu-
sión, pero se debe evaluar que este enunciado hecho en el párrafo precedente res-
ponde al contexto que nos atañe, o sea, el de un portafolio de industria. Por ejemplo,
un compilado de 100 dibujos de estudio anatómico puede ser invaluable para el
aprendizaje personal, pero no lo hace, necesariamente, la mejor opción para repre-
sentar al artista en una galería, pues no está - ni tiene que estar - pensado para ser
desplegado en una galería.

40
¿Esto convierte a los bosquejos en malos candidatos para el portafolio? Por supuesto
que no. Todo dependerá del artista y de la limpieza y profesionalismo de sus obras.
Usando el mismo ejemplo anterior, puede tener mucho más valor un bosquejo que
muestre verdaderos conocimientos de anatomía, que una ilustración acabada, pero
que no signi que una promesa.

El portafolio es un espacio donde el creativo dice: “Esto es lo que soy capaz de hacer”
de manera implícita mediante sus piezas artísticas, por lo que no puede estar sujeto
a subjetividades. Por mucho que el artista sienta aprecio por ciertas obras suyas, si
estas no presentan una verdadera capacidad o promesa, la mejor opción será de-
jarlas fuera de la selección.

Este predicamento de no tratar todas las obras de la misma manera puede signi-
car alguna especie de con icto, pero debe ser visto como una conveniencia, una
ocasión para renovarse. Si una obra visual muy apreciada no está a un nivel real-
mente presentable, es la oportunidad perfecta para rehacerla. Esto no debería ser
un problema para alguien que, como mencionamos anteriormente, tiene un hábito
de trabajo.

Un ejemplo acerca del cual se puede re exionar es el portafolio de la artista Mc-

Kenzie Bigley, el que consta principalmente de bosquejos anatómicos de animales
y seres humanos. Este portafolio posee más de diez conjuntos de dibujo distintos y,
aunque algunos realmente muestran que la creadora posee un vasto entendimien-
to y manejo de la anatomía y el movimiento, hay otros que no se igualan en nivel.
En un portafolio, esto es fácil de corregir, pues las imágenes que ocupen espacio o las
que puedan devaluar la calidad general, se pueden remover fácilmente.

41
Otro buen consejo para poder seleccionar el material verdaderamente atractivo, es
enganchar al espectador lo más rápido posible, o sea, la primera impresión.

Psicológicamente hablando, las primeras impresiones tienen una gran importancia

para el ser humano, pues ayudan a producir respuestas y soluciones rápidas. Esta
característica, aunque originalmente evolutiva, no es ajena a la sensibilidad artística.
Cuando se arma un portafolio, es esencial “enamorar” al espectador lo más rápido
posible. Aunque en algunos casos se ha dicho que “lo mejor va para el nal”, generar
interés inmediato es uno de los nes del portafolio.

Sin embargo, separar el material según su atractivo inmediato no es su ciente, pues,

al estar en un entorno con tantos creadores, más de una vez será necesario dejar de
mirar hacia adentro y hacer una comparación con el panorama y los otros pro-
fesionales de la industria.

Este punto puede ser engañoso para algunos y debe ser tomado con cuidado, pues,
como vimos anteriormente, cada portafolio presenta identidades y capacidades dis-
tintas. Si la comparación con otros profesionales busca la imitación, esta solo desem-
bocará en frustración; sin embargo, si lo que se busca es igualar la calidad personal
mediante el aprendizaje, se pueden lograr grandes avances.

42
¿Qué tiene el arte de otros portafolios que el mío no? ¿Qué características utilizan
quienes presentan un portafolio a la hora de seleccionar? ¿Qué nivel de limpieza es
adecuado en mis ilustraciones? ¿Cómo puedo aplicar todo esto, manteniendo mi
identidad? Estas, entre otras, son algunas interrogantes muy necesarias a la hora de
revisar las galerías de otros colegas.

Obviamente, no existe el portafolio perfecto, por lo que este ejercicio puede ser in-
cluso más fructífero si se recurre a más de un autor para dicha comparación.

Un ejemplo de esto sería el trabajo de Justin Schulz, quien realiza principalmente

arte de comic tradicional. El autor sabe que su trabajo, aun siendo muy atractivo,
no puede ser presentado en formato de fotografía, pues este no tiene la limpieza
ni el profesionalismo de un portafolio, por lo que el autor no duda en escanear sus
obras y, de ser necesario, darles un retoque digital.

43
Finalmente, otro punto importante para poder fortalecer el atractivo del portafolio
es conocer al cliente, saber qué vender/ofrecer a este.

¿A qué nos referimos al hablar del cliente? Se sabe que el portafolio es un espacio
donde cada artista muestra su habilidad. Eso no signi ca que la presentación no
pueda tener un enfoque o estar dirigida a un cliente especí co; muy por el contrario,
si se presenta una ocasión, ya sea un evento o entrevista con un estudio o trabajo
especí co, es ideal que el autor del portafolio pueda ofrecer/vender sus habilidades
de la mejor forma posible.

Crear un portafolio único es la opción ideal y más intuitiva; sin embargo, la plasti-
cidad de este formato no debe ser desperdiciada, pues permite que la muestra se
adapte a todo tipo de situaciones y oportunidades.

Las empresas y estudios están constantemente buscando talentos alrededor del

mundo. Si, hipotéticamente hablando, Net ix publicara en su sitio web que está en
la búsqueda de un diseñador de fondos/background, no hay nada de malo en editar
o incluso crear un portafolio totalmente nuevo, adaptado a las necesidades de ese
cliente especí co.

En caso de darse a la tarea de crear un portafolio para un público, situación o cliente

especí co, no basta la mera observación. Es de vital importancia estudiar con cui-
dado al cliente, pues cada uno posee su propia identidad y además, está sujeto a
tendencias.

44
Según la RAE, identidad se de ne como “conjunto de rasgos propios de un individuo
o una colectividad que los caracterizan frente a los demás”
REAL ACADEMIA ESPAÑOLA: Diccionario de la lengua española, 23ª ed., [versión
23.3 en línea]. < [Link] [28/06/2020].

Cada empresa y estudio tiene su propia identidad. Esta les ayuda a ser diferen-
tes de la competencia, por lo que el trabajo de un artista será mucho mejor recibido
si impulsa y/o se adecua a esta identidad. No se le puede vender a Cartoon Network
lo mismo que se le vendería a MTV: ambos no tendrían la misma reacción hacia un
mismo portafolio.

Asimismo, se debe entender que los medios están sujetos a tendencias, las que
cambian a través del tiempo. Para poder entender esto, podemos hacer un para-
lelismo entre las tendencias artísticas de la animación durante los años ‘90, inicios
del los 2000 y comienzos del la década del 2010. En cada década se presentó un
producto masivamente exitoso y que de nió, durante mucho tiempo, la tendencia
atractiva de ese entonces.

Tres buenos ejemplos para visualizar estas tendencias en la animación durante las
décadas mencionadas, son, respectivamente, Ren & Stimpy, Bob Esponja y Hora de
Aventura.

Durante los años noventa, muchas cadenas de televisión, principalmente enfoca-

das en la audiencia infantil mediante animación, estaban buscando renovarse. Esta
época representó el nacimiento de dos grandes de la industria, conocidos como Car-
toon Network y Nickelodeon. Este último encontraría el éxito al estrenar, el 11 de
agosto de 1991, una serie llamada “The Ren & Stimpy Show”, conocido como “Ren
& Stimpy” en Latinoamérica. El programa, dirigido por John Kricfalusi y Bob Camp,
contenía un estilo visual disidente para todo lo que se había creado en los años ‘80,
además de altas cantidades de Gross Out Humor. Muy pronto, Ren & Stimpy se con-
vertiría en tendencia, y tanto dentro como fuera de la cadena intentarían replicar
su éxito.

45
Ya a nales de los ’90 e inicios del los 2000, Bob Esponja llegaría a las pantallas de
Nickelodeon, volviéndose uno de los productos animados más exitosos hasta la fe-
cha. No era raro en ese entonces que un estudio o empresa estuviese buscando a “su
propio Bob Esponja”, lo que se vio re ejado en muchas series de comedia infantil que
derivaban de la fórmula de este referente.

Asimismo, se popularizó el anime en América, gracias a series como Dragon Ball Z y

Pokémon. Algunas de estas, aunque estrenadas durante los ‘80 en su país de origen,
llegarían a América a causar mucha repercusión en los ‘90-2000 con una estética
visual estilizada, una narrativa basada en arcos por sobre episodios y más acción.

No era extraño, durante este período, que el anime de acción como Dragon Ball Z,
o la comedia episódica como Bob Esponja fueran lo que más se buscaba replicar.

Finalmente, no fue sino hasta el año 2010 que llegó un producto que cambió la
tendencia hasta lo que conocemos hoy. Hora de Aventura, de Pendleton Ward,
vio la luz el 5 de abril del ese año, en la cadena Cartoon Network de Warner Bros.
Entertainment. Esta serie tomaría el anti-humor y la comedia surrealista, conocidos
durante las décadas anteriores y los perfeccionaría, además de mezclarlos con esté-
ticas minimalistas y la utilización de subtramas para conectar cada episodio, algo no
utilizado con frecuencia durante las décadas anteriores en la animación comercial
occidental.

46
Estas tendencias siguen mutando de manera orgánica a través del tiempo y aun-
que, en algunos casos, pueden conllevar a prácticas corporativas con las que mu-
chos artistas estén eventualmente en desacuerdo, su inclusión en un portafolio -aun
manteniendo una identidad propia- puede ser una verdadera oportunidad si se
habla de un cliente especí co.

Los conocimientos sobre identidad y tendencia solo se pueden adquirir tras

una investigación. Esta es una tarea que cada profesional que busque el éxito debe
tener presente. Asimismo, el n de estas investigaciones no es la imitación y homoge-
neidad absoluta, sino más bien, otra herramienta para impulsar el atractivo y éxito
de un portafolio, si este se desea adecuar a un cliente o situación especí ca.

Un ejemplo sería el portafolio de la artista Sidney Gale, quien, independientemente

de ya poseer un portafolio web, preparó uno especí camente para el evento de ani-
mación CTNx, en el cual se presentan tanto grandes estudios como Disney, Cartoon
Newtork, Nickelodeon, Net ix y Sony Pictures Animation, entre otros, como estudios
y artistas independientes.
Su muestra de trabajo, aun siendo original, buscaba adecuarse más a las identida-
des de estos empleadores potenciales y presentaba, principalmente, concept art de
personajes, pues es el trabajo con el que la artista se siente más cómoda.

47
 2) Trabajo original
Creaciones propias de cada autor en su portafolio

La originalidad es una idea predominante en el mundo de las artes y está muy

ligada con todos los puntos anteriores (estilo, atractivo, primera impresión). Sin em-
bargo, ¿qué se debe entender por trabajo original en un contexto de portafolio?

Este punto no hace necesariamente alusión a la capacidad inventiva y creativa de

cada artista, sino que, principalmente, se re ere a los contenidos de la muestra. Las
ilustraciones y trabajos no deben transgredir derechos de autor o propiedad inte-
lectual; muy por el contrario, deben ser creaciones auténticas y no hacer alusión a
propiedades intelectuales ajenas. Esto se aplica a todo tipo de obras, sean ilustra-
ciones de background, diseño de personajes, concept art u otros.

Aunque el Fan Art es muy bien recibido en las redes sociales, no es para nada
recomendado en un portafolio y puede ser incluso contraproducente; no tanto por
problemas legales, sino más bien porque puede generar confusión en algún posible
empleador, al no saber este si el dueño del portafolio es el propietario de aque-
lla obra o personaje representado, o si el artista ha estado involucrado, de algún
modo, en el desarrollo de este.

Asimismo, tampoco es recomendable la utilización de marcas registradas de co-

mida, ropa u otros, sin importar si estas están representadas en modo de sátira u
homenaje.

48
Un ejemplo de esto es la artista Chumani Bowser, quien utilizó imágenes que inclu-
yen personajes de “Splatoon”, una marca registrada de Nintendo. Estas ilustraciones
presentan una calidad muy profesional y admirable, pero la utilización de esos per-
sonajes, cuyos derechos ya están registrados y protegidos, no está para nada reco-
mendada en este contexto.

Lo mencionado no debe ser visto como una tragedia. El fan art o la sátira son muy
bien recibidos en situaciones y medios no tan formales como la presencia en redes.
Además, un artista con un nivel como el presentado en el ejemplo anterior no ten-
drá problema en demostrar sus capacidades con otros trabajos que contengan per-
sonajes e íconos personales.

49
Aun así, hay excepciones a esta regla. Si se es el creador de una propiedad intelec-
tual, o si se ha estado involucrado, en el pasado, en la creación de otra, es una virtud
dar a entender eso en el portafolio. Asimismo, si el trabajo sigue siendo fan art, pero
ha sido reconocido de algún modo formal por el dueño de dicha propiedad intelec-
tual - como lo sería, por ejemplo, ganar un concurso-, no hay ningún problema con
su presencia en el portafolio, siempre que lo mencionado anteriormente esté claro.

Hay artistas más osados, que utilizan estos trabajos fuera de las excepciones men-
cionadas anteriormente; es el caso de Tohad, un artista de internet enfocado en el
concepto de background. Situaciones como las de este creativo funcionan por una
serie de factores; para empezar, se trata un profesional con trayectoria que posee un
vasto curriculum. Además, la mayoría de sus obras no son de propiedad intelectual
ajena, y las que sí lo son no buscan imitar el estilo visual del material de origen, sino
enaltecer sus propias habilidades y conocimientos de luz, sombra, perspectiva, etc.

Es muy bueno aspirar a este nivel, pero mientras se trate de un creador recién egre-
sado, que está produciendo su primer portafolio, no es recomendable tomar accio-
nes tan arriesgadas.

50
Principalmente, el portafolio está pensado para mostrar trabajos profesionales
que ya fueron realizados (hayan sido bajo contrato o freelance) ; no hay nada in-
correcto con esta práctica; es, de hecho, la ideal e indicada.

Generalmente, hay empresas o estudios que mantienen en secreto los trabajos en

progreso de sus proyectos. Esto es bastante común; pero una vez el proyecto esté lis-
to, lo ideal es que, si fue exitoso y bien logrado, se incluya sin dudar en el portafolio.
Van a ser muy pocos (o ninguno) los casos en que una empresa o estudio restrinja
al autor el uso de material creado con sus propias manos, por lo que muchos profe-
sionales no dudan en participar de proyectos que pueden incluso no ser de su total
interés, con el n de nutrir su portafolio.

Finalmente, otro elemento que puede ser tentador de incluir en un portafolio es

el trabajo universitario. Esto debe ser tomado con cuidado, pues aunque -al igual
que el punto anterior- no es recomendable, sí tiene excepciones y puede ser mucho
más permisivo que el fan art.

Pero, ante todo, ¿por qué no es recomendable el trabajo universitario? Las razones
son sencillas y fáciles de entender, aunque principalmente pasan por un tema de
limpieza, pues no se espera asociar al artista con alguna universidad o centro de
aprendizaje; la idea es, de hecho, generar un aire de independencia.

Asimismo, hay trabajos universitarios que requieren incluso la presencia del logo del
establecimiento/universidad donde fueron creados, lo que va en contra de la men-
cionada independencia.

También se tiene que entender que un trabajo realizado en la universidad, sin im-
portar su calidad, es principalmente el trabajo de un alumno, es decir, un pupilo en
proceso de aprendizaje, por lo que cualquier trabajo universitario será tomado con
esa seriedad.

Debemos mencionar que el trabajo de universidad no está estrictamente prohibi-

do, pues, aunque este mismo enunciado puede sonar contradictorio, es posible que
una obra o pieza artística universitaria esté al nivel de un profesional; sin embargo,
ocasiones como estas tienden a presentarse relativamente poco y no es bueno correr
riesgos de tener un portafolio que pueda ser visto como poco profesional.

51
Con todo lo ya dicho, si un universitario desea comenzar con la creación de su por-
tafolio, lo más recomendable es que trabaje en crear contenidos para esta galería,
aparte de sus trabajos universitarios. Por otro lado, si el alumno desease incluir uno
de sus trabajos, deberá evaluar bien la calidad de este. Recurrir a un profesor es-
pecializado para recibir orientación puede ser lo más adecuado en estos casos; por
ejemplo, puede sucederle a un estudiante que uno de sus trabajos universitarios no
alcance el nivel adecuado para ser presentados, pero tal vez pueda ser pulido hasta
alcanzar una calidad profesional, lo que le ahorraría tiempo y recursos. Cada caso
es particular y no se debe dudar en pedir ayuda/opiniones, pues estas pueden nutrir
más el portafolio y esclarecer dudas.

Al n y al cabo, se debe entender que rellenar un portafolio solo con trabajos uni-
versitarios es realmente poco profesional y puede traer muchas limitantes o ser in-
cluso contraproducente. Cuando se trata de contenido original y propio, se debe ser
maduro y autocrítico, pues la salida más rápida y fácil, en este contexto, no es la
correcta.

3) Trabajo especializado
Especialización por sobre la variedad

Una clave para el éxito siempre será presentar la especialización del artista en su
portafolio, es decir, cuál o cuáles son sus fuertes. Cada portafolio debe responder a
la pregunta: ¿Cuál es el bene cio de contratar a este artista, o hacerlo parte de una
empresa o estudio?

Cada profesional tiene uno o más fuertes que se desarrollan y nutren con el paso
del tiempo; es responsabilidad de cada uno conocer el suyo, pues es la fortaleza del
artista la que principalmente se debe explotar y exponer con orgullo en el portafolio.

Ahora bien, ¿por qué es tan importante centrarse en un fuerte y no en varias habi-
lidades? Ciertamente, tiene mucho sentido pensar que se pueden alcanzar muchas
más áreas de interés si se tiene un portafolio variado; sin embargo, la realidad fun-
ciona de manera distinta.

El presentar muchas técnicas o habilidades distintas puede demostrar una falta de

habilidad concreta. Además, el presentar demasiados elementos distintos hace que
la atención por cada compita, siendo esto distractor o poco atrayente para el obser-
vador. Recordemos que el portafolio busca ser directo y conciso; busca enganchar,
no confundir.

52
También se debe entender que en el océano del mundo profesional hay muchos
creadores distintos, muchos de los cuales se desempeñan en áreas similares el uno del
otro. Por ello, ir a la segura con un punto fuerte siempre será más asertivo, incluso
desde un ángulo estratégico, pues permitirá resaltar las verdaderas habilidades del
artista por sobre otros. No sucedería así con un portafolio que, aun presentando mu-
cha variedad, no contenga ilustraciones realmente prometedoras o atractivas. Dicho
de una forma más coloquial: “Quien mucho abarca, poco aprieta”.

Si se evalúan los ejemplos vistos anteriormente, se podrá notar que, en efecto, cada
artista busca presentar uno o dos fuertes principales, ya sean bocetos anatómicos,
concept art, background, storyboard u otros.

En el caso hipotético de que un diseñador de personajes esté preparando su porta-

folio, un muy buen ejercicio sería el de compararse con otros artistas que ejerzan la
misma especialidad de manera exitosa, como por ejemplo, el caso del creador She-
naniganza, quien es popular en este ámbito y ya ha trabajado en proyectos.

La manera en la que Shenaniganza presenta sus diseños de personajes (con mucha

limpieza y sin fondo) ayuda a resaltar la silueta de estos y los hace el mayor fuerte
de su portafolio.

53
Todo lo mencionado debe ser tomado con mucho cuidado y no de una manera
determinista, pues no signi ca que un portafolio deba limitarse a una sola prác-
tica o habilidad. Al crear un portafolio, no se busca que el autor límite sus propias
ambiciones. Está claro que muchos creativos tienen grandes y variadas aspiraciones
que no pueden ser representadas en la gama de una sola técnica o práctica. No se
debe olvidar que las artes se funden unas con otras: un portafolio de arte conceptual
puede contener animales y paisajes, así como uno de storyboard puede contener
color si el autor así lo desea. A lo que se debe aspirar nalmente es a que la galería
presentada posea imágenes con una calidad equivalente y que se esté transmitien-
do uno o varios fuertes, sin que estos compitan, es decir, que el portafolio responda
a un lenguaje coherente y que sugiera una dirección fuerte. Si a esto se le incluye
material original y una poderosa primera impresión, entonces se está hablando de
un portafolio fuerte.

-La creación de nuevos contenidos para el portafolio y

la autocrítica-
Luego de lo mencionado en los tres puntos anteriormente (trabajo atractivo, origi-
nal y especializado), es altamente probable que un animador o ilustrador que está
realizando su primer portafolio, o que nunca ha tenido experiencias profesionales, se
dé cuenta de una verdad un tanto difícil, y es que, a la hora de crear un portafolio,
sí o sí se debe generar nuevo material y contenido exclusivamente para este.

54
El portafolio, al ser una herramienta laboral, debe ser atractivo, único y prometedor
para cualquier empleador. Esto será difícil de lograr con piezas que no sean original-
mente pensadas para ese n.

Un profesional con experiencia previa tendrá mucho material para incluir en su por-
tafolio, e incluso en estas situaciones, es sabio producir nuevos contenidos que le ayu-
den a actualizar su galería o llevarla por una línea más deseada. Por esta misma
razón, un egresado o primerizo en la creación de un portafolio muy rara vez tendrá
su cientes artes grá cas para incluir en su galería.

¿Signi ca esto que lo más recomendado es crear nuevas ilustraciones para el porta-
folio? En efecto, sí, aun con todas las implicancias de esa pregunta.

Ya se ha dejado claro que un portafolio debe ser tomado con seriedad; no es una
simple carpeta o compilado de dibujos; es la llave para abrir las puertas del éxito
laboral. Para muchos ha sido y será así, por lo que se le debe dar este carácter o
importancia.

Concebir el trabajo con esta seriedad permitirá al artista dedicar el tiempo necesario
a la creación o actualización de su portafolio. Si a este se le aplican cuidadosamente
los conocimientos, consejos y pilares ya mencionados, el tiempo dedicado al portafo-
lio será una inversión a corto plazo que bene ciará a su mismo autor.

Hay muchos métodos de organización y cada creativo aplicará a ellos el tiempo que
requiera, independientemente de si es un par de meses, un semestre o incluso un
año.

Otro elemento importante en la vida de cualquier ser humano es la autocrítica, y

más aun en el contexto de un artista. El ser crítico consigo mismo y su creación le hará
tener una visión más real de su entorno y su trabajo. Ninguno de los consejos y ejem-
plos mencionados podrá ser de utilidad si el artista no es crítico y realista él mismo.

El efecto Dunning-Kruger, publicado por los psicólogos David Dunning y Justin Kruger
en el año 1999, es un sesgo cognitivo según el cual los individuos con escasa habilidad
o conocimientos sufren de un sentimiento de superioridad ilusorio, considerándose
más inteligentes que otras personas más preparadas, midiendo incorrectamente su
habilidad por encima de lo real. Este sesgo se explica por una incapacidad metacog-
nitiva del sujeto para reconocer su propia ineptitud.

55
Por el contrario, los individuos altamente cuali cados tienden a subestimar su com-
petencia relativa, dando por sentado erróneamente que las tareas que son fáciles
para ellos también son fáciles para otros.
(Efecto Dunning-Kruger en Wikipedia, recuperado el 04 de Julio de 2020 de https://
[Link]/wiki/Efecto_Dunning-Kruger)

Nadie está libre de padecer este sesgo; un patrón muy común en caracteres inma-
duros es el conformismo y sobrecon anza en sí mismos; esto solo refuerza la idea de
que no se tiene nada que aprender. Muchos artistas jóvenes tienden a esta postura,
incluso -y contradictoriamente-, en períodos de aprendizaje como el universitario.

De estar en una situación así, es bueno llamar a la re exión personal e identi car si
la falta de progreso se debe a algún factor externo, ya sea pereza, miedo a salir de
la zona de confort o simple desorganización, pues estos malos hábitos estancan a un
potencial talento profesional.

Un profesional de llega a una posición destacada con trabajo, dedicación, perseve-

rancia y organización, incluso si esto signi có sacri car buena parte de su tiempo.
Esas cualidades se verán presentes en su trabajo y su portafolio.

El tener presente el efecto Dunning-Krugger no es una postura derrotista, todo crea-

dor/artista tiene la libertad y merece el placer de disfrutar de sus propias obras y
creaciones. Tan solo que nunca debe perder la avidez y deseo de aprender y ser
mejor.

56
 Capítulo 4
Portafolios Web y Físicos

Como ya se ha visto, el portafolio no posee una estructura estándar (como lo serían

“El viaje del héroe” para un escritor, o el estudio de perspectiva y punto de fuga
para un dibujante), por lo que no se puede hacer una “plantilla” que sea perfecta y
aplicable para cada identidad; muy por el contrario, los principios del portafolio son
mucho más abstractos, lo que le permite mucha más libertad y adaptación.

Por esto mismo, ha llegado la hora de revisar los tres formatos más recomendados
del portafolio; no olvidemos que, como fue mencionado anteriormente, un portafo-
lio se puede adaptar a distintas situaciones y oportunidades.

Estos formatos tienen sus diferencias, fortalezas y debilidades, por lo que entenderlos
permitirá un mejor manejo de los recursos visuales a la hora de presentarlos.

El portafolio web
Es el más común y conocido actualmente. Consiste en un espacio web, como un sitio
o dominio, donde el artista posea independencia y exclusividad. Hay muchos sitios
web que ofrecen plantillas editables para el portafolio artístico, con el n de ajustar-
se a la identidad personal de cada creativo. Hay otros autores que pre eren contra-
tar a un programador y hacer sus propios sitios web desde cero.

El portafolio web es el formato más recomendable, pues, en el mundo globalizado

en que vivimos, tener este espacio es sinónimo de interconectividad, mayor veloci-
dad y comodidad a la hora de compartir contenidos; más aún, con el auge de in-
ternet y los Smartphone, todo el mundo puede acceder a distintos contenidos desde
casi cualquier lugar.

Si se desea postular a algún cargo o simplemente se quiere compartir las creaciones

artísticas personales, es mucho más fácil compartir un enlace que adjuntar varios ar-
chivos. Asimismo, al ser un espacio propio en la internet, signi ca que no se va a estar
compitiendo con ningún otro artista, como sucedería en una red social.

Este formato de portafolio no solo permite maneras creativas de presentar el tra-

bajo, como las vistas en ejemplos anteriores, sino que otorga la oportunidad de
almacenar varios trabajos con una calidad muy alta. Esto conversa muy bien con
la ilustración digital.

57
Además, los portafolios web permiten ser un nexo para el artista, donde él puede
compartir enlaces a sus otros espacios web relacionados con su trabajo, que en el
caso de un animador podrían ser su reel, sus lmes u otros espacios no necesaria-
mente enfocados a la presentación de su arte, como redes sociales o merchandising.

Obviamente esta exclusividad tiene un precio, por lo que estos sitios requieren de
constante mantención y, por su naturaleza más seria y profesional, pueden implicar
limitaciones para que un artista se exprese constantemente. Muchos artistas tienen
portafolios web y además utilizan redes sociales u otros sitios web para presentar
noticias, trabajo en progreso o proyectos que no calzarían en un portafolio web.

El portafolio físico
Este formato, por su parte, es el más antiguo y consiste en llevar los trabajos en un
maletín o carpeta que cumpliría la función de compilar las creaciones en modo
de galería. Principalmente, son los trabajos originales, en particular si se habla de
alguna técnica especial como acuarelas, collage, etc.

Por esta misma razón, el cuidado que estos trabajos deben tener es muy alto;
muchas carpetas utilizan sobres transparentes para proteger el arte de cualquier
suciedad o desgaste.

Este formato es especialmente apreciado en artistas tradicionales, pues permite ver

en primera persona cualquier detalle relevante y de importancia. Pero eso no sig-
ni ca que el trabajo digital no pueda ser impreso y presentado; muy por el contra-
rio; si se presenta trabajo digital, solo se debe considerar imprimirlo con la calidad
indicada.

A diferencia del portafolio web, el físico no posee la misma conectividad, pero no

debe recibir mantención económica cada cierto tiempo (como lo sería renovar
mensualmente una licencia online). Esto lo hace un formato bastante amigable e
íntimo, pero limitado.

Más allá de la hiperconectividad de la internet, los bene cios entre ambos portafo-
lios son bastante similares, por lo que, aunque el portafolio web es algo obligatorio
en estos tiempos, el formato físico es bastante recomendado si se busca otro tipo de
acercamiento con la audiencia.

58
 El portafolio en tableta digital
Algo muy común es la mezcla de los dos formatos descritos, cuyo resultado es un
portafolio en formato digital, presentado en una tableta.

El fuerte de la utilización de una tableta es que se puede tener acceso al portafolio

online del artista en cosa de segundos y, de no haber cobertura, él puede además
poseer su galería en una carpeta dentro del almacenamiento interno del dispositivo.
No dejemos de mencionar que, si el artista desea presentar sus trabajos de anima-
ción o efectos especiales, las tabletas también pueden reproducirlos en formato de
video.

Además, el hecho de utilizar una tableta es mucho más cómodo y compacto que
un maletín y permite apreciar el arte con mayor detalle que un teléfono inteligente.

Este formato sería posiblemente el más recomendado; sin embargo, se debe tener en
cuenta la inversión que implica adquirir el dispositivo. Una tableta que cumpla con
las capacidades de almacenamiento y velocidad necesarias no es económica, por
lo que la utilización de tableta es extremadamente recomendada en artistas que
realmente vayan a sacar provecho de este formato, ya sea que tienen un hábito de
dibujo constante o que ya llevan tiempo en distintos trabajos, por lo que una inver-
sión como esta seria justi cada.

59
Tal vez una tableta puede ser elegante y atractiva, pero no es el formato ideal para
un artista recién egresado. Lo que nalmente se debe evaluar es que cada artista
debe saber reconocer entorno y contexto para presentar su trabajo.

Siempre es bueno poseer un espacio digital estable al que cualquier interesado pue-
da recurrir, pero tampoco se debe menospreciar la utilización de un formato físico, el
cual, además de accesible, puede resultar mucho más cercano y certero a la hora de
intentar presentar conocimientos en las técnicas de cada ilustración.

La presentación del portafolio

Como fue mencionado en capítulos anteriores, el portafolio se puede presentar en
una cantidad de situaciones y contextos muy distintos; de hecho, sería muy errado
pensar que un portafolio se debe, por obligación, presentar en un solo formato o que
es riesgoso cambiarlo.

Si un artista se presentara a una ocasión especial, como lo sería una entrevista con un
cliente especí co, un evento, o si simplemente está más interesado en cierto tipo de
oportunidades, es más que recomendado que prepare su portafolio para adecuarse
a esto, pues nunca se debe pensar que hay una “versión nal” de este mismo. Es bue-
no tener la mentalidad de que un buen portafolio siempre estará mutando; a veces
regresando a versiones anteriores, a veces avanzando, pero siempre dando lo mejor.

Si se es un animador digital o un director de animación, siempre es aconsejable el

acompañamiento de otros elementos importante de branding, como lo serian un
reel y una tarjeta de contacto, en caso de sembrar interés en algún posible cliente o
empleador.

Es importante para el creativo conocer todas las instancias en las que se puedan
presentar estas oportunidades: ferias arte independiente, festivales de cine o eventos
masivos de cine y contenido audiovisual. Cualquiera puede ser una oportunidad
para desplegar, siempre de manera respetuosa, un portafolio.

A primera vista, parecerá mucho más común encontrar estas oportunidades en paí-
ses más desarrollados, donde la industria audiovisual es fructífera, sin embargo, no se
debe menospreciar el panorama local, muy por el contrario, pues cada vez son más
los espacios que se van dando para los creadores, simplemente es cosa de investiga-
ción y voluntad.

60
Toda experiencia es valiosa para un artista, desde hacer presencia o lobby, hasta po-
der tener un portafolio revisado por un profesional, por lo que nunca se debe tener
una expectativa más que la de aprender.

El portafolio, al ser una galería que tributa al artista y las habilidades de este, no
debe ser de ningún tipo especí co más que lo que su autor considere apropiado, por
ejemplo, algunos creativos están interesados en mostrar su trabajo digital, prestán-
dolos en forma de impresiones o tableta, mientras que otros pre eren dar a conocer
sus habilidades tradicionales llevando ilustraciones originales. Así como estos ejem-
plos, puede haber muchas otras preferencias para presentar un portafolio, por lo
que ninguna opción es errada. Las únicas oportunidades donde solo se podrá presen-
tar un portafolio web son, obviamente, las postulaciones online, lo que es otra clara
muestra de la importancia de contar con más de un formato de portafolio.

61
 Conclusión

Durante todo este recorrido se han revisado muchos ámbitos, ejemplos y consejos
sobre la creación de un portafolio, el cual es una creación propia de cada artista y
parte de su identidad o branding.

Claramente, no hay una única fórmula para crear un portafolio, sino conceptos y
principios que cada persona interesada en la creación de este, debe asimilar y apli-
car a su propia manera. El primero de estos conceptos y, sin duda, el de vital im-
portancia como base, es el branding, pues entenderlo, con todas sus implicancias,
ayudara al autor a concebirse a sí mismo con la identidad y seriedad tanto de un
artista, como de una marca, y como consecuencia, vender su trabajo y habilidades
más e cazmente.

Una vez la identidad está de nida, hay tres principios que ampliaran la manera en
la cual el artista percibe el material artístico, tanto personal como de su entorno:
la calidad por sobre la cantidad, el reconocer las virtudes de los distintos esti-
los visuales y abrir su mente al aprendizaje por sobre el apego. Estos principios,
aunque son un desafío personal para cada persona, permitirán una visión más ho-
nesta y madura a la hora de seleccionar trabajos para su portafolio.

Al haber adquirido estos puntos de vista, llega la hora de preparar esta galería co-
nocida como portafolio, cuyo n es dar a conocer el máximo potencial de su autor.
Para esto, se deberá recurrir a trabajo atractivo –entendiendo tanto las implican-
cias culturales, como las tendencias que se pueden estar presentando-, material
original –o sea, la utilización de arte que no infrinja derechos de autor o que pue-
da confundir al espectador- y trabajo especializado –que impulse la identidad e
intereses reales del artista de manera más especi ca que general-. En muchos casos
-por no decir todos- la creación de un portafolio acorde a estos criterios, implicará la
creación de nuevas piezas artísticas para este.

Sin embargo hay tantos portafolios como artistas en la industria, y como consecuen-
cia, distintas oportunidades y contextos en los que un portafolio se puede desplegar.
Por lo que tener conocimiento de los distintos formatos que este posee, le permi-
tirá al artista un mejor manejo de las instancias para presentarse, acorde al tipo de
arte que produce o trabajo/cargo en que está interesado.

62
Una idea que sobresale, nalmente, es que la creación del portafolio, aun siendo un
instrumento profesional y laboral, no es un producto de mera frialdad estratégica;
muy por el contrario, la producción de este, debido al cuidado y tiempo que puede
signi car, es comparable a la de cualquier proyecto artístico, sea audiovisual o ilus-
trado, como una animación, cómic, videojuego, etc.

El portafolio es, entonces, una extensión del artista, pero también una obra en sí
misma, que busca no solo abrir puertas, sino además transmitir un mensaje; generar
una conversación entre un emisor y un receptor, cuyos contenidos e ideas trascienden
de lo verbal; este es un fundamento de cualquier obra artística.

Se debe tener en cuenta que un portafolio, aunque es una herramienta muy valiosa
para ayudar al artista en su desempeño, no es lo único necesario para que él/ella
alcance el éxito, pues es la actitud del artista la que podrá llevarlo a conversaciones
y oportunidades futuras.

Esto es un llamado a la re exión personal: el portafolio no es todo lo que representa al

artista, simplemente es una herramienta que tributa y hace visibles sus habilidades.
Esto signi ca que cualquier creativo es, primero, una persona antes que un creador
de contenidos. Ser respetuoso y educado siempre será un principio fundamental en
la vida, por lo que, en este contexto, nunca se debe obligar a nadie a que revise un
portafolio; siempre será mejor preguntar, generar interés, dejar que las cosas se den
naturalmente.

Si a una buena educación se la complementa con amar el trabajo propio, esforzarse

por mejorar, disciplina y constancia, entonces el artista puede esperar un futuro,
aunque incierto, resplandeciente y lleno de oportunidades.

63
 Bibliografía

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Para mi papá, mi mamá y mi
hermana. Para mis amig@s , para
todos quienes me han enseñado y
ayudado a mejorar.
Para los artistas que me inspiran. Muchas Gracias!