Estudiante: MIRANDA APAZA NATALY KEITH.
Fecha: 24/feb/25
Artistas Visuales reconocidos mundialmente
GASTÓN UGALDE
Gastón Ugalde (1944-2023) dieron como resultado el surgimiento de un
artista ingenioso y resolutivo. Aunque tenía la opción, al igual que María
Luisa Pacheco en los años 50, de emigrar a Nueva York y establecerse allí
como artista, prefirió quedarse y crear desde su propio país. Con esta
decisión abrió camino a un tipo de arte que no era ni el figurativo ni el
abstracto; se trataba del arte contemporáneo, un lenguaje aún un tanto
alienígena para ciertos sectores del público hasta el día de hoy.
Ser un artista contemporáneo significaba no temer a la experimentación
radical, y así fue como todo comenzó para Ugalde. Él exploraba diversas
formas de expresión a través de diferentes medios, técnicas, lenguajes y
conceptos, lo que lo llevó a desarrollar un arte verdaderamente
experimental.
La vida y obra de Gastón Ugalde están profundamente entrelazadas,
reflejando su espíritu de experimentación tanto en el arte como en su vida
cotidiana. En una larga entrevista que le hicieron en el 2022[1], recordó que
había escalado por primera vez el nevado del Illimani a sus 62 años, que
vivió en comunas junto a otros hippies en Canadá, y que fue el único
boliviano en estar presente en el legendario Festival de Woodstock de 1969
en Nueva York.
El paradigma del ser hippie marcó fuertemente su manera de relacionarse
con el mundo. Un amante de la aventura, nada afecto a las convenciones,
Ugalde menospreciaba los valores rígidos del sistema y los roles asignados
según las clases sociales.
La mayoría de las personas lo ven al hippie de manera menoscabada, pero
no. Los hippies son los que han contribuido a lo que somos ahora: el
internet, el desarrollo, la comunicación. Son unos pensadores.
También era un artista energético: se movía con las energías, necesitaba de
su terruño para recargarse. Su forma de producir requería respirar el aire de
La Paz, la cercanía de las montañas, el contacto con los símbolos locales, las
noticias del lugar y de la vida urbana boliviana con todas sus
contradicciones entre tradición y modernidadGastón Ugalde ha participado
en más de 300 exposiciones colectivas y en más de 60 exposiciones
individuales en diferentes países de América y Europa. Asimismo, ha
obtenido numerosos premios nacionales e internacionales, tanto en pintura
como en video.
CECILIO GUZMAN DE ROJAS
Cecilio Guzmán de Rojas (Potosí, 1899-La Paz, 1951) es, qué duda cabe, el
artista boliviano más importante e influyente de la primera mitad del siglo
XX. Su pintura inscrita en la tendencia indigenista definió la identidad
artística del país, ejerciendo una influencia determinante sobre los artistas
posteriores. Su objetivo, según declaró, fue crear un “estilo nacional”, tarea
difícil en un país que hasta las primeras décadas del siglo XX había
arrastrado, en palabras de Teresa Gisbert, la pesada herencia del clasicismo
europeo.
Su innegable talento y su fuerte personalidad permitieron a Guzmán,
además, ubicarse entre las figuras más influyentes del medio cultural
boliviano durante más de 20 años. A su retorno al país en 1929, tras un
viaje formativo a Europa, se posicionó como docente y director de Academia
de Bellas Artes de La Paz y como figura pública de gran influencia se rodeó
de intelectuales, literatos y artistas.
Como resultado, ya en vida fue sujeto de una fascinación particular que en
las décadas siguientes se concretaría en un mito en el que frecuentemente
el dato histórico se entremezcla con la fantasía de visiones idealizantes.
Este fue muy difundido en la bibliografía boliviana por periodistas e
historiadores empíricos cuyas informaciones adolecen por lo general de
respaldo documental. En lo que sigue, se señalarán algunas de las
cuestiones abiertas en las biografías del artista con el objetivo de señalar la
necesidad de efectuar indagaciones más precisas y completas sobre su vida
y su obra.
Con todo, como han señalado varios análisis, el arte Guzmán alcanzó su
propio lenguaje bebiendo de las influencias del costumbrismo de sus
maestros españoles, de las corrientes vanguardistas como el cubismo, el Art
Decó, el Art Nouveau y el simbolismo aún vigentes en Paris, y del
expresionismo de la Europa central, todas combinadas con el deseo de
conseguir un arte original y propio inspirado en las culturas indígenas
representadas por Tiwanaku (Ver el ensayo “El estilo es la nación” (2019) de
Valeria Paz).
ENRIQUE ARNAL
Nació en 1932 en Potosí. Pintor autodidacta, comenzó su
actividad artística con exposiciones en Bolivia y otros países
de América y Europa. Dibuja en blanco y negro, usando el
pincel y la tinta china. Su pintura, inspirada en el cubismo,
interpreta el pétreo mundo andino, acercándose a los
mercados de las ciudades. En 1994 y 1995 trabajó en
distintas series que incluyen las figuras de gallos, toros,
caballos y desnudos —presentes también en su pintura—, así
como algunos paisajes altiplánicos. El trabajo del pintor Enrique
Arnal se sitúa dentro de las producciones de arte contemporáneo
latinoamericano que buscaban emanciparse de la pintura clásica de
principios de siglo, aquella pintura hija de la academia europea. Para
Arnal el arte es una expresión vinculada a la vida espiritual. A este
artista le interesa universalizar lo local, lo cotidiano. Puede notarse
en su pintura una influencia picassiana, pero Arnal se enfoca a las
temáticas nacionalistas, en ocasiones dotándola de una “sustancia
poética andina”.[6] Las representaciones más comunes de Arnal son la
figura humana (hombres y mujeres), animales, paisajes y
representaciones abstractas. Arnal trabajó de forma primordial con
colores oscuros, tonos tierra acompañados de grises y negros. Sin
embargo, algo que caracteriza a muchas de sus pinturas, es que esta
cromaticidad oscura se acompaña con notorios destellos de color
aplicados en zonas específicas: morado, amarillo, rojo o azul. El
corpus de trabajo de Arnal es muy diverso, y, a pesar de que no se
ciñe en tiempos específicos, si se puede hablar de ciertos periodos.
Cabe mencionar que hay series de representaciones que están
presentes en la producción de Enrique Arnal casi toda su carrera
GIL IMANÁ
Gil Imaná Garrón (Sucre; 16 de julio de 1933[1]-La Paz; 28 de enero de
2021) fue un pintor muralista boliviano[2][3][4] y el primer pintor
latinoamericano que tuvo una exposición individual en el Museo del
Hermitage de San Petersburgo, en Rusia en 1971
Fue el primer pintor boliviano cuya obra fue vendida en las famosas casas
de subastas Christie's y Sotheby's. En el año 2014 recibió la más alta
distinción que otorga el Estado Plurinacional de Bolivia, la Orden del Cóndor
de los Andes en el grado de Caballero.
En 1971 hizo una exposición en la galería Jacques Massol con un elevado
reconocimiento y la galería publicó un libro sobre su [Link] Imaná
organizó la exposición de arte boliviano en el Museo de Arte Moderno de
París. En 1977 tuvo una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes
de la Ciudad de México.
El artista representó a Bolivia en el Museo de Arte Moderno de París, Francia;
en la Galería Nacional de Arte de Washington y en el Museo de Arte de Quito
en Ecuador.
En septiembre del 2016, después de sesenta y siete años de vida artística,
realizó su centésima exposición individual en "Artespacio CAF".[6]
Imaná realizó más cien exposiciones individuales y doscientas exposiciones
colectivas, ha participado en bienales como las de Sao Paulo, México, Lima,
Quito, Cuenca, Córdoba, Montevideo, Maracaibo, Miami y Venecia.
ARTURO BORDA
Arturo Calixto Borda Gozálvez (La Paz, Bolivia; 14 de octubre de 1883-La Paz
17 de junio de 1953): pintor, retratista, paisajista, escritor y activista
boliviano. Sus obras pictóricas se encuadran en el movimiento simbólico
prevaleciente a principios del siglo XX; su creación literaria abarca poemas,
narraciones y ensayos. Asimismo, Borda participó activamente en la vida
sindical obrera del país guiado por el credo anarquista y socialista. Su obra
comprende cerca de cinco mil cuadros y dibujos, que podrían clasificarse en
cuatro grupos: paisajes, retratos, obras simbólicas y bodegones. Borda es
reconocido por la expresividad y simbolismo con los que plasmó sus ideas
sobre el arte y la vanguardia, cuestionando la sociedad de La Paz en su
época, y por su aproximación existencial hacia el oficio artístico en Bolivia.
Su obra simbolista se ve influida por elementos locales como el Illimani, la
kantuta y la estética en La Paz a principios del siglo XX.
