SALA
LEOPOLDO
LUGONES
CINE MÉXICO 70
Seis largometrajes inéditos en Argentina
Del martes 15 al domingo
27 de abril se llevará a
cabo en la Sala Leopoldo
Lugones del Teatro San
Martín (Av. Corrientes 1530)
un ciclo denominado Cine
México 70. El programa
está integrado por seis
largometrajes inéditos en
nuestro país, en copias
enviadas especialmente
desde México, e incluye
títulos de realizadores como
Luis Alcoriza, Jorge Fons,
Jaime Humberto Hermosillo,
Raúl Araiza y José Estrada.
El ciclo está organizado
por el Complejo Teatral de
Buenos Aires, dependiente
del Ministerio de Cultura
de la Ciudad, junto con
Fundación Cinemateca
Argentina e IMCINE, y con
el apoyo de la Embajada de
México en Argentina.
“La producción
cinematográfica mexicana
conoció un momento de
auge a mediados de los
años setenta del siglo XX,
auspiciado por distintas
instancias del gobierno
de la época, que se vio
obligado a abrir espacios
para la disidencia y la
crítica en los medios, las
artes y la cultura en general
después de los trágicos
sucesos acontecidos en
México durante las revueltas
estudiantiles de 1968 y 1971.
Como consecuencia de
esta apertura, numerosos
cineastas emergentes
aprovecharon las
favorables circunstancias
de producción para filmar
largometrajes que aportaron
una mirada radicalmente
distinta del país, tanto de
su realidad social inmediata
como de episodios
especialmente incómodos
para la historia oficial.
Una feliz circunstancia
adicional para el cine
mexicano de los 70 fue
la colaboración creativa
entre las viejas glorias de la
‘Época de oro’ y los nuevos
talentos que se consolidaron
durante todo ese decenio.
En las seis películas que
conforman este ciclo
encontramos a actrices que
llegaron a tener papeles
protagónicos en Hollywood,
como Kati Jurado, y
actores provenientes del
teatro experimental que
irrumpieron con fuerza
desconocida, como Sergio
Jiménez; consagrados
maestros de la cine-
fotografía, como Gabriel
Figueroa, y actores icónicos
como Pedro Armendáriz Jr.
e Ignacio López Tarso. De
esta manera, Cine México
70 le ofrece al público
argentino una oportunidad
única para apreciar, por
primera vez en conjunto,
esta etapa tan productiva e
insumisa del séptimo arte
en México”. (Héctor Orestes
Aguilar, agregado cultural de
la Embajada de México en
Argentina).
Martes 15
A las 15 y 21 horas
Domingo 20
A las 18 horas
Cascabel
(México, 1976)
Dirección: Raúl Araiza.
Con Sergio Jiménez, Bruno Rey,
Norma Herrera.
(105’; DCP).
Alfredo, un director de cine,
es contratado para dirigir
un documental sobre los
indígenas chamulas. Los que
lo contratan le aseguran total
libertad creativa si él a su
vez respeta el guion. Alfredo
toma el trabajo e inicia la
filmación, pero se siente
culpable y cobarde pues
el guion falsea la realidad.
Mientras filma, experimentará
serios problemas
existenciales y familiares.
“El periodo presidencial de
Luis Echeverría (1970-1976)
llegaba a su fin. El lema de su
sexenio –“Arriba y adelante”–
se ajustaba a la perfección
a esa suerte de renovación
cinematográfica emprendida
por un Estado cuyo objetivo
era el integrar efectivos
cuadros de producción y lanzar
a varios jóvenes realizadores
que en breve se convertirían
en eficaces cineastas. De
ahí que realizadores como
Felipe Cazals, Arturo Ripstein,
Gabriel Retes, José Estrada,
Raúl Araiza, Jaime Humberto
Hermosillo y otros más
mantuvieran un alto nivel
(…). El echeverrismo logró
cerrar con un film clave que
mostró con claridad las
contradicciones del régimen.
Cascabel (1976), ópera prima
del realizador de televisión y
director de teatro Raúl Araiza,
puede ser considerada el
emblema de un sexenio que
transformó el cine mexicano
y a su vez, centró las bases
de su derrota como industria.
La historia de un impetuoso
cineasta debutante a quien
le encomiendan la dirección
de un documental de encargo
sobre la selva lacandona y
sus habitantes se convirtió en
el fiel reflejo de las políticas
fílmicas echeverristas: crítica a
los vicios del sistema, impacto
comercial, sensacionalismo,
mensaje edificante y al mismo
tiempo de honesta denuncia
social. En Cascabel, Araiza
considera la idea de una
película dentro de otra película
como forma de generar un
debate polémico sobre la
corrupción gubernamental,
mediante una mezcla de
documental y ficción dentro y
fuera de la pantalla”. (Rafael
Aviña, Cascabel: obra clave del
echeverrismo).
Martes 15
A las 18 horas
Jueves 24
A las 15 horas
Viernes 25
A las 18 horas
Maten al león
(México, 1977)
Dirección: José Estrada.
Con Jorge Rivero, David Reynoso,
Lucy Gallardo.
(129’; DCP).
Basada en una novela del
escritor guanajuatense Jorge
Ibargüengoitia, Maten al león
intenta representar una sátira
política hacia el contexto de
los países latinoamericanos
que han sufrido dictaduras
militares. En una isla ubicada
en el mar Caribe, el mariscal
Belaunzarán se encuentra al
final de su cuarto y último
mandato estipulado por la
constitución. La oposición
propondrá entonces a un
nuevo candidato, Pepe
Cussirat, playboy y amante
del deporte. Mientras tanto,
Belaunzarán logra evadir
tres intentos de asesinato
por parte de sus opositores.
Suntuosamente fotografiada
por Gabriel Figueroa en
locaciones de Puerto Rico,
Maten al león fue la película
más costosa realizada hasta
entonces en la historia del cine
mexicano.
“Gabriel Figueroa es uno de
los personajes clave del cine
mexicano. En otros países
con industria cinematográfica
el director de fotografía no
ocupa en la publicidad de
una película más que un
lugar muy secundario. En
México, a Figueroa se le ha
concedido siempre un rango
a la altura y a veces superior
al del director. Después de
todo, Figueroa es el hombre
del cine mexicano que más
premios internacionales ha
conquistado para su país. (…)
Figueroa lo había aprendido
todo de dos grandes fotógrafos:
Eduard Tissé, el director de
fotografía de Eisenstein en
¡Que viva México! (1933), y
Paul Strand, el fotógrafo de
Redes (1935, Fred Zinnemann);
pero anterior a todo esto
existía la experiencia visual de
la escuela mexicana de pintura
muralista: Diego Rivera, José
Clemente Orozco, David Alfaro
Siqueiros. Figueroa desarrolló,
pues, a imagen y semejanza de
sus maestros, una fotografía
con tendencia pictórica”.
(Néstor Almendros, Cinemanía.
Ensayos sobre cine).
Miércoles 16
A las 15 y 21 horas
Sábado 26
A las 18 horas
La pasión según Berenice
(México, 1976)
Dirección: Jaime Humberto Hermosillo.
Con Pedro Armendáriz Jr., Martha Navarro,
Blanca Torres.
(99’; DCP).
Berenice, una joven viuda,
trabaja como maestra en una
academia comercial. Vive
en una casa en la ciudad de
Aguascalientes, acompañando
a su madrina Doña Josefina.
Luego de conocer al sobrino
de su madrina, un apuesto
médico llamado Rodrigo, su
vida sufrirá una transformación
radical.
“Ya en este film temprano,
el maestro Hermosillo tiene
decisiones firmes de puesta en
escena: acierta cada vez que
utiliza música extradiegética,
prioriza el tiempo del registro
y no tanto el montaje y cuando
entiende que puede jugar
con la continuidad del relato
no teme en incluir alguna
que otra secuencia tanto del
orden de lo imaginario como
de lo onírico (o hacer que una
secuencia que tiene lugar en
otro film proyectado en un
cine se torne indistinguible
del propio film en desarrollo),
ejemplos que delimitan una
poética deliberada por parte
del autor. Véanse, además,
los travellings para seguir a
los protagonistas en la calle,
o todos los desplazamientos
en interiores; el control sobre
el espacio como superficie
dramática es indesmentible”.
(Roger Koza, Con los ojos
abiertos).
“Tanto en La pasión según
Berenice como en Naufragio
(1977), el flujo del deseo
se desarrolla pese a su
imposibilidad. En ambas
películas sus protagonistas
femeninas construyen su
atracción por los varones
a partir de su fantasía;
ellos son los objetos de su
deseo, los vemos a través
de su mirada, vemos sus
cuerpos, pero también
entendemos esa ruptura
entre el plano de la fantasía
y la realidad: no pueden
quedarse con ellos porque si
así fuera la fantasía misma
se traicionaría. La fantasía,
como el deseo, no puede
regirse ni institucionalizarse,
escapa de todo intento de
categorización; en ese sentido,
el cine de Jaime Humberto
Hermosillo también escapa
de cualquier categoría, sale
de clase". (Karina Solórzano,
Jaime Humberto Hermosillo: El
deseo fuera de clase)
Miércoles 16
A las 18 horas
Viernes 25
A las 15 horas
Domingo 27
A las 21 horas
La casta divina
(México, 1977).
Dirección: Julián Pastor.
Con Pedro Armendáriz Jr., Ignacio López Tarso,
Ana Luisa Peluffo.
(110’; DCP).
Crónica de la guerra de castas
que tuvo lugar en Yucatán en
el siglo XIX, donde la tierra y
las personas eran propiedad
de los hacendados, quienes
se autonombraban “casta
divina”. Por un lado, el general
Salvador Alvarado organiza
la revolución; por otro, los
hacendados arman al coronel
Ortiz Argumedo para defender
su autonomía.
“A mitad de su sexenio (1970-
1976), el presidente Luis
Echeverría hizo a un lado a
los productores y refundó el
cine oficial. Fueron creadas
las compañías productoras
estatales y la industria del cine
abrió plenamente sus puertas
a nuevos directores y, en
consecuencia, al cine de autor.
En esa circunstancia surgieron
o se consolidaron talentosos
directores (nacidos a fines
de la década de 1930 o a
principios de la siguiente), con
los cuales Pedro Armendáriz Jr.
empezó a trabajar y en algunos
casos ha seguido trabajando
toda la vida, como Jorge Fons,
Jaime Humberto Hermosillo,
Arturo Ripstein, Julián Pastor.
La relación entre actores y
directores comenzaba a ser
otra. El actor no era ya una
entidad pasiva que se limitaba
a escuchar instrucciones
y ponerlas en práctica. Se
discutían los libretos –incluso
con el escritor y el director
de fotografía–, se trabajaban
en común los personajes y
las relaciones entre ellos,
y el director generalmente
aceptaba las propuestas de los
actores". (Gerardo de la Torre,
Pedro hijo de Pedro).
Sábado 19
A las 14.30 y 20.30 horas
Miércoles 23
A las 20.30 horas
Longitud de guerra
(México, 1975)
Dirección: Gonzalo Martínez Ortega.
Con Pedro Armendáriz Jr., Bruno Rey,
Narciso Busquets.
(142’; DCP).
En 1886, en el estado de
Chihuahua, los tomochitecos,
encabezados por Cruz Chávez,
deciden practicar sus propios
ritos religiosos. Esto provoca
la ira de las autoridades
políticas y religiosas de la
región, quienes responden
sustrayendo dos cuadros del
templo en el que profesan
los insubordinados. Los
tomochitecos protestan y
son acusados de rebeldía
política y de burlarse de la
iglesia; entonces entra en
acción el ejército federal, el
cual emprende una labor de
exterminio. Un viejo militar, sin
embargo, los ayudará.
“Longitud de guerra es una
de las pocas películas en la
historia del cine mexicano que
se enfrenta a las convenciones
del cine histórico desde una
perspectiva absolutamente
subjetiva, rabiosamente
solidaria y emocional por
parte de su realizador. A
Gonzalo Martínez Ortega,
por su parte, no le interesa la
crónica, sino la visión de la
rebelión de Tomochic desde
adentro. Armado de su cámara
en formato Panavision, el
realizador se mete entre los
hombres y mujeres de un
pueblo airado que pondrá
un hasta aquí a los muchos
abusos que padecía, sentando
además un precedente
importante para el estallido
revolucionario de 1910”. (José
Antonio Valdés Peña).
Sábado 19
A las 18 horas
Domingo 20
A las 15 y 21 horas
Fe, esperanza y caridad
(México, 1974)
Dirección: Alberto Bojórquez, Luis Alcoriza,
Jorge Fons.
Con Katy Jurado, Fabiola Falcón,
Milton Rodríguez.
(113’; DCP).
Film compuesto por tres
historias, en la que cada una
lleva el nombre de una virtud
teologal. En la primera de
ellas, Fe, una mujer viaja a
una ciudad distante en busca
de un milagro para salvar a su
marido de una enfermedad.
En Esperanza, un hombre
acepta ser clavado en una
cruz, como parte del vía crucis,
con la esperanza de ayudar
a su madre. Caridad cuenta
la historia de una ciudad
perdida, donde la caridad de
una anciana millonaria provoca
una serie de incidentes
terribles. Éste último relato,
dirigido por Jorge Fons (célebre
por su versión fílmica del
cuento de Mario Vargas Llosa
Los cachorros, de 1973) y
protagonizado por Katy Jurado,
está considerado uno de los
mejores cortometrajes de la
historia del cine mexicano.
También resulta de gran
interés el segundo relato,
Esperanza, dirigido por Luis
Alcoriza, de fuerte inspiración
buñueliana.
“Luis Alcoriza es uno de
los valores de más porvenir
del reciente cine mexicano,
aunque antes de iniciar su
carrera como director tenía
ya una larga carrera en
otras ramas de la industria
cinematográfica. Alcoriza
comienza como actor,
interpretando nada menos
que la figura de Jesucristo
(...). Después hace una
carrera como argumentista y
guionista, sobre todo con Luis
Buñuel, con el que colabora
en casi todas sus películas
mexicanas. Cuando Alcoriza
se independiza de Buñuel y
escribe guiones para otros,
o toma sus primeras armas
como director (Tlayucán,
1962; Tiburoneros, 1963), ya
no puede desprenderse de
la influencia del maestro.
Alcoriza resulta así un Buñuel
sin Buñuel y, como los buenos
discípulos de los grandes de la
pintura clásica, las imitaciones
valen casi tanto como los
originales”. (Néstor Almendros,
Cinemanía. Ensayos sobre
cine).
“Era una época en la que
Luis Alcoriza trabajó mucho
con Escorpión, la compañía
productora. Él tenía muchas
ganas de hacer Esperanza,
la historia del faquir, que
había sido un caso real
muchos años antes. Luis
me pasó el argumento de
Caridad: una señora que vivía
haciendo la caridad, y que
por hacerlo desata una serie
de hechos que son cada vez
más y más atroces. (…) Es
una historia muy dolorosa
porque las circunstancias van
apoderándose del destino de
estas personas. Mi película
habla de muchas cosas, habla
del destino, pero también
de la forma en que somos,
habla de por qué somos unos
padres tan crueles. Los padres
tienen una capacidad de
crueldad infinita". (Jorge Fons,
entrevistado por Juan Antonio
de la Riva).
