Barroco
El Barroco fue un período cultural que abarcó desde la segunda mitad del siglo
XVI hasta la primera mitad del siglo XVIII. Se difundió por toda Europa y América
Latina, así como por otras regiones colonizadas por los europeos. El barroco
contrastó con el Renacimiento por expresar una sensibilidad pesimista,
desengañada, crítica y compleja. Esto se debe a que literatura y el arte barrocos
representan una época inquietante desde el punto de vista psicológico, cultural
y social, además de político y económico. El barroco se puede definir como el
“arte de parecer”, ya en las artes, ya en la literatura. Tres elementos pueden ser
considerados fundamentales de su estética: el efectismo, la espectacularidad y
la emocionalidad. El término barroco se usó por primera vez a mediados del
siglo XVIII en pleno contexto de la Ilustración o Iluminismo. Originalmente, el
significado de barroco fue tomado de portugués antiguo, pues "barroco" designaba un tipo de perla de forma irregular.
En la época de la Ilustración, los iluministas Diderot y Rousseau usaron esta palabra para describir de manera peyorativa
el arte de ese período, al que consideraban estrambótico y confuso. Sin embargo, la historiografía posterior ha
reivindicado el valor estético de este período. Si algo caracterizó al barroco fue el principio del horror vacui, expresión
latina que quiere decir 'horror al vacío'. El arte barroco, en todas sus manifestaciones, gusta de los acabados abigarrados
y recargados, con lo que pretende llenar todo el espacio.
Impresionismo
La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere,
a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la
identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se
pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas
dan lugar a un todo unitario (algo que años después demostraría científica y
psicológicamente la Gestalt). Resumiendo, este movimiento se caracteriza por el
uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le
rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle
protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera las formas se diluyen
imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada
sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta. Por ello, y a partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon,
los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la luminosidad, el instante. El
impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de
formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba
colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se
podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibrancia. Esta
técnica inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas. Otro de los avances del impresionismo fue la
creación de nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas
leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan.
Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de
sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la obra.
Clasicismo
El clasicismo fue un movimiento cultural y una actitud que consistió en el deseo de recuperar los patrones estéticos de la
Antigüedad clásica, es decir, las formas artísticas y filosóficas que se desarrollaron en Grecia y Roma entre los siglos VIII
a.C y V d.C. El clasicismo surgió en la Edad Moderna y afectó a todos los campos del arte, desde la literatura y la música
hasta las artes visuales y decorativas, pero tuvo su apogeo en cada disciplina en diferentes momentos. El clasicismo
favoreció el retorno de motivos, relatos, escenas e ideales grecorromanos, especialmente mitológicos, que desplazaron
al imaginario religioso cristiano. La temática se concentró en hechos épicos de la
Antigüedad clásica y en la representación de los valores del Humanismo. Por
otro lado, el clasicismo introdujo características específicas en cada forma de
arte: El clasicismo se caracterizó por lo siguiente: Propuso volver a los valores
estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica: simplicidad, unidad, sobriedad,
racionalidad, armonía y mímesis (imitación de la naturaleza). Se manifestó en las
distintas artes: música, literatura, escultura, pintura, arquitectura, aunque no lo
hizo simultáneamente (la escultura, la pintura y varias formas literarias del
clasicismo fueron anteriores a la música clásica). Pretendía unmodelo de arte
universalista: idealista, armónico, claro, sobrio y equilibrado a través de las
proporciones matemáticas. Durante el Renacimiento, el clasicismo se relacionaba con el ideal universalista del ser
humano que conoce el mundo a través del intelecto.
Romanticismo
El romanticismo es un movimiento artístico y literario que surgió entre finales
del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX en Alemania e Inglaterra. Desde allí se
extendió a toda Europa y América. El movimiento romántico está basado en la
expresión de la subjetividad y la libertad creadora en oposición al academicismo
y el racionalismo del arte neoclásico. La importancia del romanticismo radica en
haber promovido la idea del arte como un medio de expresión individual. Dice el
especialista E. Gombrich que durante el romanticismo: «Por primera vez, acaso,
llegó a ser verdad que el arte era un perfecto medio para expresar el sentir
individual; siempre, naturalmente, que el artista poseyera ese sentir individual al
que dar expresión». Identifiquemos algunos rasgos comunes en términos de
valores, concepción, propósito, temas y fuentes de inspiración del romanticismo.
Subjetividad vs. objetividad. Se exaltaba la subjetividad, los sentimientos y los estados de ánimo sobre la
objetividad y el racionalismo del arte neoclásico. Se enfocaron en los sentimientos intensos y místicos, como
miedo, pasión, locura y soledad.
Imaginación vs. inteligencia. Para los románticos, el ejercicio de la imaginación era equiparable al pensamiento
filosófico. Por ende, revalorizaron el papel de la imaginación en el arte en cualquier de las disciplinas artísticas.
Lo sublime vs. belleza clásica. Se opone la noción de lo sublime frente a la belleza clásica. Los sublime se
entendía como la percepción de la grandeza absoluta de lo contemplado, que no solo place, sino que conmueve
y turba al no corresponder a expectativas racionales.
Individualismo. El romántico procura la expresión del yo, el reconocimiento de la identidad individual, de la
singularidad y la distinción personal. En la música, por ejemplo, esto se expresó como un desafío al público en la
improvisación artística.
Nacionalismo. El nacionalismo fue la expresión colectiva de la búsqueda de la identidad del individuo. En una
época de cambios vertiginosos, era importante mantener el vínculo con el origen, la herencia y la pertenencia.
De allí el interés por el folclor.
Hiperrealismo
Definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas
pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.
El arte hiperrealista se originó hacia finales de 1960 en respuesta a los
planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte
contemporáneo. Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro
en la exposición V documenta de Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado
un movimiento influyente y se mantiene activo. Para entenderlo mejor,
conozcamos las características, los autores y los trabajos más representativos del hiperrealismo. El hiperrealismo se basa
en la noción filosófica de la hiperrealidad, desarrollada en el siglo XX. Comprende que el cerebro humano es incapaz de
distinguir entre realidad y ficción. Aplicado al arte, el concepto de hiperrealidad nos acerca al simulacro, cuyo realismo
resulta más convincente que el mundo objetivo. La obra hiperrealista debe ser tan verosímil (realista) que parezca más
viva que la realidad conocida. Por ende, los artistas ocultan cualquier evidencia del proceso de ejecución por medio de la
perfección en los acabados. Nada puede interrumpir la sensación de estar ante una obra que aparenta vida propia. Así,
el hiperrealismo se separa de movimientos que exhibieron abiertamente sus procedimientos, como el impresionismo, el
postimpresionismo o el expresionismo abstracto, entre otros.
Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento artístico que surgió en Alemania en la segunda
década del siglo XX. Defendió un arte basado en las emociones y la experiencia
humana contra el racionalismo del impresionismo y el realismo, y procuró
representar el mundo subjetivo del artista de manera intensa e inquietante. Los
expresionistas a menudo estuvieron aislados entre sí, por lo que el expresionismo
no fue homogéneo y tuvo mucha diversidad de estilos. Algunas de sus
características en común fueron: Reaccionaba contra los principios del
impresionismo. En la visión expresionista, el arte representaba la emocionalidad
del artista y no los fenómenos del mundo físico (que había sido la principal
preocupación de los impresionistas). Esta intención comenzó en la pintura y migró
pronto hacia el resto de las artes.
Distorsionaba la realidad. Los expresionistas distorsionaban las formas y usaban colores vibrantes y alterados,
trazos violentosy pinceladas gruesas.
Sus temáticas giraban en torno a la condición humana. El expresionismo surgió en la Alemania de entreguerras,
sumergida en una crisis moral, política y económica que motivó una transformación de los lenguajes artísticos.
Sus obras tenían contenido simbólico. Las obras expresionistas buscaban provocar o generar conmoción,
inquietud e introspección. A menudo recurrían a las metáforas y los símbolos para establecer una conexión más
profunda con el espectador.
Buscaba [Link] expresionismo representó una ruptura con el pasado y un llamado a la libertad no solo en el
ámbito artístico, sino también filosófico y moral. Los expresionistas aspiraban a la libre expresiónde su arte y a
vivir de acuerdo a sus propias convicciones y principios.
Hacía énfasis en la subjetividad. El expresionismo se caracterizó por indagar en la experiencia y la expresión
individual para acceder a los pensamientos y emociones más profundas.
Sus temas eran emocionalmente intensos. Los expresionistas tendían a temáticas de fuerte contenido emocional
como la soledad, la miseria, la ansiedad, la ira, el conflicto, el miedo o la angustia.
Surrealismo
El surrealismo fue un importante movimiento artístico surgido en Francia a
finales de la década de 1910, que se proponía explorar de forma artística la
mente humana y la dinámica de los sueños. Surgió a partir de la herencia del
dadá y del impulso del escritor André Bretón (1896-1966), considerado su
fundador y principal exponente. Tuvo una amplia expansión y presencia en
todas las artes. El surrealismo se nutrió de muy diversas fuentes estéticas y
filosóficas: desde la transformadora y audaz poesía de Arthur Rimbaud (1854-
1891), Alfred Jarry (1873-1907) y Lautréamont (Isidore Ducasse, 1846-1869),
hasta la pintura de El Bosco (Jheronimus van Aken o Hieronymus Bosch, 1450-
1516), pasando por las exploraciones del dadá y la influencia de las recientes teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.
Lejos de ser un movimiento estático y uniforme, el surrealismo se afianzó en la búsqueda constante de nuevas técnicas,
objetos y perspectivas artísticas. En el campo literario supuso una enorme revolución del lenguaje. Se utilizaron métodos
como la escritura automática (desde el flujo libre del inconsciente) y las visiones poéticas oníricas (propias de los
sueños), para desafiar los límites de la lógica. El surrealismo tuvo gran trascendencia en Europa y América y fue
adoptadocomo un mecanismo artístico de liberación, capaz de dar voz a los silenciados y de decir lo que las normas
sociales y políticas obligaban a callar. Tuvo su apogeo antes de la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, la
mayoría de los surrealistas europeos se trasladaron a Estados Unidos y a América Latina, e introdujeron estas ideas en
sus nuevos contextos
Arte abstracto
El arte abstracto es una forma de expresión que propone un lenguaje basado en
formas, colores, líneas, gestos y texturas, en lugar de representar figuras
concretas del mundo visible (como lo hace el arte figurativo). Las formas
abstractas son tan antiguas y tan diversas como el arte mismo: hay registro de
ellas desde las primeras pinturas rupestres y su presencia es frecuente en
muchas manifestaciones de todas las épocas alrededor del mundo. El arte
abstracto como propuesta o corriente artística definida aparece en la primera
década del siglo XX, tras el cuestionamiento a la tradición artística occidental
que había comenzado en el siglo XIX. La disconformidad con los valores estéticos
heredados del Renacimiento promovió el rechazo de las reglas clásicas y
desarticuló la idea de que la creación artística debía estar sujeta a leyes o cánones. En cambio, propuso un lenguaje
visual basado en otras formas de percepción más libres, intuitivas o introspectivas. A pesar de que el arte abstracto
comprende una cantidad importante de tendencias, propuestas y estilos, sus características pueden sintetizarse en:
Alejamiento de la figuración. No busca sus referentes en la realidad visual. Procura expresar ideas y emociones o
despertar experiencias sensoriales a través de los elementos de la composición (puntos, líneas, colores, texturas
y formas).
Libertad creativa. Intenta liberarse de las reglas tradicionales del arte y de abrir la experimentación a técnicas,
materiales y elementos compositivos.
Foco en la subjetividad. Interpreta el arte como una experiencia subjetiva antes que técnica. Es decir, estimula la
idea de que tanto la creación como la percepción de una obra son acontecimientos íntimos en los que
intervienen sensaciones, recuerdos, creencias y emociones personales
Arte Pop
El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más
tarde, en 1960 en Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la
década de los años 80. Durante este tiempo, las obras creadas dentro de este
movimiento expresan una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en
ese momento. Por aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el
consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente. En aquel
momento, los artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se servían de
cualquier objeto que fuera representativo del consumismo. Por ejemplo,
empleaban carteles, artículos publicitarios, latas de conserva, botellas, etc. En
muchas de sus obras, se observa un efecto repetitivo, e incluso saturante. Estos aspectos reflejan el efecto anestésico de
la publicidad y el consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para embaucarnos en lo
meramente banal. A priori, puede parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste en un arte que tiene
mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad. Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de
sus obras, para crear conciencia en las personas.
