ESCUELA SUPERIOR DE FORMACIÓN

ARTÍSTICA PÚBLICA

“ERNESTO LÓPEZ MINDREAU”

Chiclayo

ENSAYO

LA MÚSICA ELECTRONICA COMO ARTE

FUTURISTA

Integrantes: Guzman Rojas Joanna.

Viera Reyna Piero.
Manosalva Chávez Katty.
Ordoñez Cortez Erika.

Docente:
Betty Pozo
Curso:
FILOSOFÍA DEL ARTE

Chiclayo- Perú
2023
 INDICE
INTRODUCCIÓN 3
CONTENIDO TEMATICO 5

CAPITULO I: DIAGNÓSTICO Y POSICIÓN HISTORICA DE LA MÚSICA

ELECTRÓNICA 5
1.1. 66
1.1.1. 66

1.2. 1010
1.2.1. 1010

1.3. 2413
1.3.1. 24

1.4. ¡Error! Marcador no definido.24

CAPITULO II: PROYECCIÓN COMO ARTE FUTURISTA 25

2.1. 2625
2.2. 2827

CAPITULO III: LA ELECTRÓNICA MÁS QUE UN SIMPLE GÉNERO 34

CONCLUSIONES 37

FUENTES DE INFORMACIÓN XXXIX

 INTRODUCCIÓN

La música ha existido desde la existencia del hombre hasta nuestros tiempos, pero solo la sociedad
es la única que determina su predominancia en determinados años históricos. Lo que ayer pudo ser
la música clásica, hoy puede ser el rock, el jazz, el pop o la música electrónica.

El hombre siempre ha buscado la forma de satisfacer sus necesidades, y ello lo ha llevado a

explorar más allá de sus límites, aquella situación se ve reflejado con la revolución digital,
permitiendo que se desarrolle en paralelo la música electrónica.

Pero ¿Qué es música electrónica?, existen muchos conceptos aplicados a este término desde ser
considerada un medio de creación musical hasta una tecnología musical. En esta situación nos
referimos al tipo de música que utiliza instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical
electrónica para su producción e interpretación, por lo general para este tipo de música se utilizan
dispositivos que producen sonidos electro-mecánicamente como el telarmonio, el órgano
Hammond y la guitarra eléctrica y también instrumentos puramente electrónicos como el theremin,
el sintetizador de sonido y el ordenador, entre otros.

Quizás en algunos años atrás, ya los compositores tenían la necesidad de crear sonidos diferentes a
los que producían los instrumentos tradicionales un ejemplo de ello es en el clasicismo con
“Sinfonía de los juguetes” de Mozart.

Las bases históricas en la cual se desarrolla esta música datan desde antes de cristo, pero quizás uno
de los datos más resaltantes es en 1910, con la primera composición reconocida como música
electrónica de Luigi Russolo, además en aquellas épocas desarrollo un escrito denominado “El arte
de los ruidos” donde nos explica que la música no debe limitarse a su simple reproducción sino a
su ampliación y enriquecimiento sonoro.

Al fin y al cabo, lo importante es escuchar la música, si uno no puede escuchar de que sirve leer y
escribir música sería algo inútil, como toda música mientras cumpla su regla básica “Transformar
la vida del ser humano en algo más agradable”

Sin embargo, no siempre ha sido aceptada este tipo de música por tal motivo hemos creído
conveniente conocer la aceptación social historia para luego poder proyectarla como un tipo de
música que se desarrollará y transcenderá en un futuro muy cercano.

Este trabajo está compuesto de dos capítulos: (1) diagnóstico y posición histórica de la música
electrónica; (2) Proyección como arte futurista . En el cual el primer capítulo se centra en redactar
un recorrido histórico de la música electrónica, describir y comparar el grado de aceptación en la

3
música electrónica desde el siglo XIX y el segundo capítulo se centra en redactar y proponer la
trascendencia de este tipo de música en un futuro cercano.

4
 CONTENIDO TEMATICO

CAPITULO I: DIAGNÓSTICO Y POSICIÓN HISTORICA DE LA MÚSICA

ELECTRÓNICA

La música ha existido en nuestras vidas desde los años más remotos, así como nosotros vamos
evolucionando porque no le darnos el placer al lenguaje del alma que también sufra dicha
transformación, casi toda la música que hoy en día escuchamos usa algún medio electrónico o
informático para trasmitirse. Así que porque no dejamos por un momento nuestros estereotipos y
simplemente disfrutamos cualquier tipo de música que para eso se hizo para hacer de nuestro
mundo un lugar más agradable.

Por eso presentamos a continuación los granitos de arena que hicieron que el reloj permitiera al
tiempo mostrarnos este tipo de música.

Cuenta la historia que la música con instrumentación autónoma tiene sus orígenes mucho antes del
nacimiento de Cristo, en aquellos años en la sociedad griega existía un instrumento hecho a base de
dos enlaces que afinaban un numero de cuerdas y debajo de él había una caja con dos agujeros,
además el viento hacia vibrar dichas cuerdas y estas emitan notas continuas, la cual llevaba por
nombre Arpa Eólica, utilizada para el ritual al dios de los vientos, Eolo.

En el siglo XVI,, en el escrito la “Musurgia Universalis” de Athanasius Kircher nos mostraba la

capacidad de un instrumento mecánico capaz de componer música.

5
 1.1. MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XIX

Para poder reconocer este tipo de música, primero comenzaremos desde el siglo XIX.

1.1.1. LA MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XIX

En el año 1857, Édouard-León Scott de Martinville mostró al mundo el primer dispositivo que
podía grabar sonidos “El fonoautógrafo”

En el año 1876, el hombre que se arrepentía de levantarse tarde, el que tenía ambiciones frustradas,
el que hizo experimentos en una bañera, el que creo el teléfono y un violín sin cuerdas, Elisha
Gray, que junto con Bell crearon el primer instrumento electrónico que ofrecía más de dos octavas
denominado electroarmonio o piano electromusical (Musical Telegraph). Lamentablemente no se
podía controlar la variabilidad del tono, cada oscilador solo tenía un tono fijo.

6
Durante los años 1876 y 1877, hizo conciertos con el Musical Telegraph por todo Estados Unidos,
la cantidad de espectadores que aclamaban por verlo eran demasiados.

Y en estos momentos te pones a pensar que algo tan aclamado por la sociedad en su tiempo no
pudo ser grabado, ni mucho menos lo pudiste escuchar, piezas perdidas en el tiempo que por más
que se intenten replicar jamás serán iguales o al menos no lo sabemos porque simplemente nunca
las escuchamos; solo alguien nos contó que alguna vez existió.

Scott fue el primer personaje conocido que influenció para que otros siguieran inventando este tipo
de artefactos como el 19 de febrero de 1878, Thomas Alva Edison mostró al mundo un dispositivo
que no solo podía grabar sonidos, sino que además podías volverlos y escuchar “El fonógrafo”,
aunque la calidad del sonido no era la mejor y solo se podía volver a reproducir una sola vez. ¡ Qué
triste, que la música quede perdida en el tiempo o solo se pueda escuchar una vez!

7
En el año 1880, Alexander Graham Bell y Charles Summer Tainter nos muestran su invento, capaz
de trasmitir sonidos por medio de emisiones de luz conocido como “FOTOFONO o
PHOTOPHONE” La idea principal de este experimento era que los pulsos del sonido se podían
convertir en pulsos de luz y estos podían volverse a convertir en sonidos nuevamente.

8
Aunque durante algún tiempo se siguieron utilizando los aparatos que utilizaban cilindros, esto
cambia el 8 de noviembre de 1887, Emile Berliner dio a conocer su invento que no grababa en
cilindros sino en discos planos de superficie de un cilindro o disco giratorio, en sus inicios estos
discos estaban hechos de vidrio, luego de zinc, y finalmente de plástico, el cual giraba en el
gramófono mientras que el brazo de este tenía una aguja que leía los surcos en el registro de
vibración y trasmitía la información al altavoz de este.

Hay inventores que no se abastecen creando un dispositivo, sino que necesitan perfeccionarlo, así
fue Berliner que junto con Elridge Johnson, los cuales llegaron a crear un motor de resorte para que
el gramófono de berlines permitiera que el disco girara a una velocidad uniforme y eliminara la
necesidad de funcionar con la mano.

En aquellos años, ya existían compositores que querían incorporar tecnología en el ámbito musical,
lo cual llevó al surgimiento de varios instrumentos, los primeros instrumentos emplearon un diseño
electromecánico.

9
Entre los años 1898 y 1899, Thaddeus Cahil diseñó un instrumento que genera sonidos electrónicos
y polifónicos llamado Telharmoniun(Telarmonio o Dinamófono), pero lamentablemente por su
inmenso tamaño nunca llegó a durar tanto en el mercado. Este instrumento permitió la creación de
otros instrumentos.

1.2. MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XX

1.2.1. POSICIÓN HISTORICA DE LA MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XX

En del siglo XX, la música electrónica que vivía a las sombras del romanticismo, o que era
prácticamente desconocida por la sociedad, comenzó a surgir:

En el año 1907, Ferruccio Busoni nos muestra un escrito en el que se estipulaba sobre cómo se
podía utilizar la electrónica para la composición de obras musicales en un futuro, dicho libro se
titulaba “Esbozo de una Nueva Estética de la Música”.

En el año 1910, Balilla Pratella critica la vida musical italiana del momento, esto se ve reflejado en
el manifiesto de la “Música Futurista”.

En el año 1911, surge la idea futurista sobre el valor del ruido, y el apego de considerar ciertos
sonidos como musicales, sonidos quizás como el de las grandes fábricas, de los trenes, de los
automóviles o aeroplanos, cuya idea se ve reflejado en el escrito de Balilla Pratella “Manifiesto
Técnico de la Música Futurista”, en el cual defiende el atonalismo, la enarmonía, la disonancia
total, el ritmo libre y la polifonía absoluta.

10
El 11 de marzo de 1913, el italiano Luigi Russolo escribe una carta para el músico Francesco
Balilla Pratella en el cual nos habla del ruido como un componente de la poesía musical futurista,
este escrito tenía por título L’arte dei rumori( el arte de los ruidos).

Russolo es considerado uno de los pioneros de la música futurista y posteriormente de la música

electrónica, él decía que ya era momento que el arraigado circuito de sonidos puros se dejara
conquistar por la diversidad de los ruidos-sonidos. Esta perspectiva musical, lo llevó a que entre los
años 1913 y 1921, trabajara junto con su asistente Ugo Piatti en crear los primeros instrumentos
sintonizadores de ruido o instrumentos generadores de ruido llamados Intonarumori.

Los Intonarumori estaban constituidos por una caja de madera con un altavoz de cartón o metal por
uno de los lados, además contaban con una manivela o botón para producir los sonidos, y una
palanca con la cual controlaban la altura en la parte superior de la caja, cada uno tenía un nombre
diferente de acuerdo a lo que se quería emular.

Russolo construyó el arco anarmonico que obtenía sonoridades inusuales de instrumentos de

cuerda convencionales. Además, desarrolló una notación musical adaptada a las necesidades del
instrumento.

En el año 1914, los intonarumori le permitieron a Russoli que empezara hacer conciertos por Italia
y Europa, se llevó a cabo el primer concierto sobre el arte de los ruidos en Milán, y en junio se
realizó otro en París. Lamentablemente debido a la segunda guerra mundial todos estos
instrumentos fueron destruidos.

Hay que recalcar que una de las obras más icónicas para intonarumori es “El despertar de la
ciudad” compuesta en 1913 por russolo para dos ururatori (instrumentos que aúllan), dos crepitori
(instrumentos que crepitan) y dos silbatori (instrumentos que silban).

11
Entre los años 1919 y 1920, el profesor León Theremin(Lev Sergeyevich Termen) creo el famoso
instrumento que simulaba la voz humana conocido inicialmente como “Aetherophone” , luego se le
cambiaria al nombre de “Theremín”. Cuenta la historia que este físico mientras investigaba sobre
las ondas electromagnéticas por petición del gobierno ruso, específicamente la detección del
movimiento a través de las ondas, descubre que la presencia de un objeto en un campo
electromagnético alteraba la frecuencia reproducida por el dispositivo, su curiosidad lo llevo a
utilizar esto para la creación de música.

El theremín fue uno de los instrumentos claves para el desarrollo de diversos inventos en aquellos
años, pero su principal aporte radica en su funcionamiento es decir refleja el sonido que se produce
cuando algo vibra. Dicha vibración se genera porque la complejidad del sistema de válvulas y
bobinas con el que se desarrolló produce corriente eléctrica, la cual crea un campo electro
magnético en las cuales las manos del músico interfieren al acercarse a sus antenas, direccionando
el balanceo de la corriente y creando ondas de sonido.

Sin qué las manos del músico tocaran a la musa, esta vibraba con tal fuerza que aquellos que la
oían pensaban que era magia y que hasta la actualidad sigue siendo uno de los instrumentos que
más se asimila a la voz humana. ¡Sorprendente No!

A finales del año 1928 en la ciudad de nuevo york, la historia de la música quiso que León
Theremín se cruzará con una Clara Rockmore de apenas 18 años, ella ayudó a que desarrollará y
perfeccionará este invento. Una de las modificaciones más relevantes fue la ampliación de rango de
octavas de 3 a 5, esto ayudó a que Clara pudiera interpretar piezas más rápidas y con mayor
precisión, además de poder controlar el tono y volumen de dicha ejecución. Clara es considerada la
primera concertista del theremín, valoraba a este como un instrumento melódico, su fidelidad a este
instrumento la llevó que a lo largo de su vida tratará dignificar dicho instrumento para que se
reconociera que estaba a la altura de cualquier instrumento clásico.

12
En el año 1929, se creó la Primera Suite Aerofonica para Theremín y Orquesta por el compositor y
teórico ruso-ucraniano Joseph Schillinger la cual es representada por primera vez por la Orquesta
de Cleveland y León Theremín como solista.

Paralelamente a este instrumento, en el año 1927 se desarrolló un dispositivo recubierto

magnéticamente para la grabación de sonidos cuyo inventor fue el estadounidense J.A.O’Neill

En el año 1928, el violonchelista francés Maurice Martenot crea un instrumento constituido por un
teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia, además de ello el ejecutante coloca el dedo
índice de la mano derecha en un anillo metálico, el cual determina la altura de la nota, esto permite
la realización de glissandos(deslizar, adorno que consiste en cambiar de un sonido hacia otro más
agudo o más grave, haciendo que se escuchen todos los sonidos intermedios posibles) y
vibratos(variación en un determinado tiempo de la altura o frecuencia de un sonido), además de su
facilidad para desplazarse por todo el teclado; la mano izquierda usa controladores situados en un
pequeño cajón que permite la diversidad de dinámicas y articulaciones de notas que se realizan y el
sonido al ser producido por electrónica necesita de un altavoz para su amplificación, este
instrumento llevaba por nombre “Ondas Martenot”, fue presentado en parís por primera vez.

Su importación fuera de España fue escasa por lo que se limitó a ser un instrumento de uso local,
este instrumento fue uno de los más aceptados en Francia gracias a su amplitud de sonidos y
síntesis sustractiva(un oscilador genera señales y después se filtran). Este instrumento permitió
posteriormente que se crearan los sintetizadores modernos, como el claviolin o el ondiolin, el
trautonio, el melocordio, electrófono, el ritmicon, el novacordio, el tutivox o el electronio pi.

13
En el año 1929, se compuso la ópera Mr Bloom por el pianista y compositor estadounidense
George Carl Johann Antheil, fue considerada la primera composición para dispositivos mecánicos
y electrónicos, aunque lamentablemente quedó inconclusa.

Paralelamente, en el año 1929 se construyó la primera empresa dedicada a la creación de

instrumentos electrónicos, quien estaba a cargo era el empresario, ingeniero e inventor Laurens
Hammond. Y uno de los instrumentos más relevantes de este inventor fue el órgano Hammond, el
cual comenzó a producir desde el año 1935 hasta 1978 basándose en los principios del
telharmonium para su creación.

En el año 1930, inició la transformación al sistema de grabación de sonidos ópticos cimentados en

células fotoeléctricas. Después de cinco años en el Berlin Radio Show se muestra el primer
magnetófono de cinta práctica “ El Magnetophon k-1” desarrollado por AEG(empresa alemana de
electrónica).

En los siguientes años mientras se suscitaba la segunda guerra mundial, aparece el mejoramiento de
la seguridad de las grabaciones magnéticas para lo cual se usaba la Técnica AC Bias, incorporando
frecuencias altas e imperceptibles permitiendo que, en el año 1941, el magnetophon K-4 extendiera

14
la curvatura de su frecuencia hasta 10 kHz, además de arreglar la relación entre la señal y el ruido
hasta en 60 dB, dicha investigación fue desarrollada por Walter Weber.

En el año 1942, se realizaba pruebas de grabación de estéreo por la empresa AEG. Lamentable,
debido a la guerra, varios de estos dispositivos fueron llevados a Estados Unidos por Jack Mullin,
esto permitió que Estados Unidos, fuera uno de los primeros en comercializar grabadores cinta
profesionales, entre ellos el Model 200 creado por Ampex.

Las oportunidades sonoras en el entorno musical, fueron creciendo gracias a la creación de la cinta
magnética de audio. Este sistema de grabación es considerado uno de los mejores de su época , ya
que proporcionaba la misma confianza y flexibilidad que las cintas de películas, además de la gran
ventaja que tenía sobre los otros dispositivos de la época , que era su coste barato. Este dispositivo
permitía que los audios se puedan reproducir de manera lenta, acelerada o inclusive al revés,
además de permitir su edición física generando loops indefinidos(unión de varios trozos de cinta)
que repiten incansablemente modelos de música pregrabada. Además, una de las diferencias más
notables con respecto a los medios mecánicos, es su fácil modificación para transformarse en
dispositivos de eco, generando gran calidad, efectos de eco y reverberación(duración de sonido en
un espacio tras terminar de reproducir una grabación) con la aparición de la amplificación del audio
y dispositivo de mezcla permitió que varias grabaciones se grabaran a la vez en otras cintas.

Estos descubrimientos permitieron que los músicos usarán las grabadoras de cinta o magnetófonos
para crear la llamada música concreta, la cual consistía en editar trozos de sonidos de la naturaleza
o procesos industriales simultáneamente grabados.

En el año 1950, se realiza el primer concierto exclusivamente de música concreta en la École

Nórmale de Musique de Paris, cuya realización estaba a cargo se Schaeffer, quien con apoyo de

15
Pierre Henry crearon la primera obra importante de música concreta “Symphonie pour un homme
seul”.

En el año 1951, por fin una compañía “RTF” crea el primer estudio dedicado a la elaboración de
música electrónica. Pierre Henry y Schaeffer, elaboraron la primera ópera para sonidos y voces
concretas “Orpheus”.

También en 1951, fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa
de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt gracias a que el físico
Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert
convencieron al director de la radio NWDR, Hanns Hartmann, la necesidad de un espacio para
compartir dicho arte.

En el año de 1952, Karlheinz Stockhausen laboro en el estudio de grabación de Schaeffer, lo cual

lo ayudó a posteriormente poder trabajar en Alemania en el Estudio de Música Electrónica de la
WDR de Colonia.

En el año 1953 se realizó la demostración pública de una sala de conciertos de la Radio de

Colonia, donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas, curos creadores de dichas piezas eran
Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.

16
En el año de 1949, se genera la idea de sintetizar música desde señales producidas electrónicamente
es allí donde nace la Elektronische Musik se diferenciaba de la Musique concrète francesa, porque
utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

Este nuevo concepto, logró transformar el estudio de música electrónica de Colonia en un emblema
del avant-garde o vaguardismo, además de la concatenación de sonidos generados electrónicamente
con instrumentos tradicionales. Entre sus principales compositores encontramos a Stockhausen y
Mauricio Kagel, y las composiciones más relevantes son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region
mit Orchester (1967). Los espectadores solían afirmar que los hacía sentir en otra dimensión, que
podían levitar e inclusive de estar en un mundo fantástico- datos que Stockhausen pregunto a sus
espectadores.

Así mismo entre los años 1953, cuando los primeros ordenadores empiezan aparecer utilizados para
componer música en el aspecto de contraposición y manipulación de creación de sonidos, comienza
a surgir la música estocástica con Iannis Xenakis, la cual consistía en un método compositivo que
empleaba sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos, es decir utilizaba diferentes
algoritmos de probabilidad para la creación de piezas bajo un set de parámetros. El utilizo papel
gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para
su composición Orquestal Metástasis(1953-1954)

En el año 1954, Stockhausen compuso Elektronische Studie II primera pieza electrónica en ser
publicada como banda sonora.

En el año,1955, surgen más estudios electrónicos y experimentales, fueron notables la creación de

estudios de fonología, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi y el estudio
de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de
Sonología en 1960.

17
1956, la banda sonora fue compuesta únicamente por circuitos caseros y magnetófonos
denominada Forbidden Planet, producida por Louis Y Bebe Barron.

1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló el programa Music, culminando un lenguaje de
síntesis directa digital.

1958 en el Reino Unido surge el BBC RADIOPHONIC WORKSHOP como uno de los estudios
más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor
Who, una de las artistas más influyentes de este periodo fue Delia Derbyshire.

1961, Josef Tal crea el Centre For Electronic Music en Israel en la Universidad Hebrea. Además,
LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado Iowa para
reproducir canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido un
sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro
CSIRAC, el primer computador en reproducir música, este último creado en agosto de [Link] de
las demostraciones a gran escala de lo que se conoce como computer music fue una emisión
nacional pre-grabada en la red NBC para el programa monitor, el 10 de febrero de 1962.

A finales del año 1963, Robert Moog también conocido como Bob Moog conocie al compositor
experimental Herbert Deutsch, quien en su búsqueda de nuevos sonidos electrónicos, inspiró a
Moog para que creara su primer sintetizador “El Sintetizador Modular de Moog”, presentado en la
convención de la sociedad de ingeniería de Audio en el año 1964 en los Ángeles.

Entre los años 50, 60 y la década de los 70 se evidenció el desarrollo de grandes marcos operativos
para síntesis informática.

Paralelamente entre los años 1958 y 1969, en Estados Unidos surgió la electrónica en directo fue
llevada a cabo por miembros de Milton Cohen’s Space Theater en Ann Arbor, Michigan. Los

18
Festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert
Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor.

En el año 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras composiciones de
música electrónica en vivo, la cual consistía en que los sonidos se producían utilizando cartuchos
de tocadiscos, los artistas se encargaban de insertar diferentes objetos en la abertura de un cartucho
y los manipulan de varias maneras como raspando, tocando, golpeando, etc. para que el sonido del
objeto sea recogido por el cartucho y luego alimentado a un amplificador y altavoz. La elección de
los objetos y los medios de manipulación se dejan enteramente a los músicos, y la partitura
proporciona solo los medios para determinar una estructura de tiempo para cada intérprete. La
puntuación consta de una serie de hojas transparentes en las que se dibujan patrones. Cada músico
superpone las transparencias y elabora su estructura temporal particular observando las formas en
que se cruzan las líneas y patrones dibujados en las hojas.

En el año 1970, Charles Wuorinen compuso Time’s Encomium convirtiéndose en el ganador del
Premio Pulitzer por ser una composición completamente electrónica. Además, en este año se
generalizó el uso de sintetizadores en la música rock.

En el año 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más
amplio, otros grupos y artistas que contribuyeron significativamente a popularizar la música creada
exclusiva y fundamentalmente de modo electrónico, entre ellos estaban Kraftwerk, Depeche Mode,
Jean Michel Jare, Mike Oldfield o Vangelis.

19
En el año 1979, la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI(COMPUTER MUSICAL
INSTRUMENT), el primer sistema práctico de sampler polifónico digital.

En el año 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una
interfaz a través de la que diferentes instrumentos. Además, en este año, un grupo de músicos y
fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través de la que diferentes
instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador principal, dicho estándar se
denominó MIDI(Musical Instrument Digital Interface).Después de tres años, la especificación 1.0
de MIDI fue finalizada. La llegada de la tecnología MIDI permitió que, con el simple acto de
presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un micro ordenador, se
pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma
sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el
compositor.

En el año 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7, el cual
utilizaba síntesis de modulación de frecuencia(síntesis FM), esta última probada por primera vez
por John Chowning en Stanford a finales del año 1960.

20
En una sociedad donde las luces solo proyectaban a los hombres y sus grandes logros, en una
sociedad esquematizada como patriarcal, la música electrónica permitió que las mujeres a pesar de
los prejuicios de la época, sobre pusieran su talento y que nos mostrarán hoy este paisaje musical
tan exquisito y diverso. Algunas de las mujeres más resaltantes de la música electrónica fueron:

En el año 1960, la escultora de sonido “Delia Derbyshire, logró ingresar a trabajar como asistente
de estudio de la BBC, quizás uno de sus aportes fue los efectos de sonidos creados sin tener
referencias de algún autor anterior que junto con Ron Grainer y Dick Mills sirvieron de música
para la serie de ciencia ficción Dr. Who. Los trabajos de Delia influenciaron de manera
exponencial en la Radiophonic Workshop.

En febrero de 1962, la ingeniería de audio Daphne Oram gana una ayuda económica para apoyar la
creación de la máquina “Oramics”, la cual hacía uso de una nueva técnica descrita como el sonido
dibujado, este equipo permitía al compositor dibujar un alfabeto de símbolos en película de 8 mm y
proyectarlos en dicho equipo para generar sonidos. Parecido a lo que ahora dibujamos beats y
manipulación de sonidos con software. Este fue el despertar para la visualización y creación de
música electrónica.

A finales del año 1970, la pianista y experta en el uso de la Buchla Analog Modular Synthesiser,
Suzanne Ciani compuso partituras de jingles para anuncios de distintas marcas como Coca Cola y
General Electric, sonidos como el de una botella al ser destapada y servida, así como su voz
aparece en el juego de pinball “Xenon”

En el año 1977, Ciani crea los efectos del disco de la Soundtrack de Star Wars y a principios del
año 1980, comenzó a grabar con New Age que mezclaban sonidos electrónicos con instrumentos
convencionales, esto le permito posteriormente crear su propio sello discográfico “Synthetic Wave”

Otra mujer visionaria de la música electrónica fue Eliane Radigue, cuyos trabajos sonoros eran
innovadores debido a los paisajes sonoros que comunicaban movimientos y cualidades espirituales,
era como si cada sonido te transportara hasta lo mas profundo de tu ser.

Pauline Oliveros, fue una de las visionarias que exploro con nuevas técnicas electrónicas las cuales
se ven influenciada por sus estudios de culturas nativo- americanas y religiones orientales; sus
composiciones incorporan usos ritualistas y meditativas evocándose en las ideas más profundas y
existencialistas; sus libros buscaron nuevas formas de explorar la música, entre las mas famosas
tenemos la “Conciencia Sónica” y “Escucha profunda”, esta última quería describir la manera de
grabar espacios atmosféricos y resonantes como catedrales, cuevas y grutas.

En el año 1977, se crea un violín con cinta magnética en el arco y un tape head de puente, aunque
posteriormente se usó el contacto con el arco para aumentar las secuencias de audio, cuya
desarrolladora fue Laurie Anderson. Ella solía usar en la mayoría de sus trabajos filtro vocal para

21
darle profundidad a su voz, además de usar un “Stalking Stick” que era un controlador MIDI o
instrumento inalámbrico con forma de bastón diseñado para reproducir sonidos, este permitía
romper sonidos el sonido en pequeños segmentos conocidos como granos para volverlos a
reproducir en órdenes diferentes.

En 1981, Laurie llega alcanzar segundo lugar en el ranking británico con su canción “O
Superman(FOR Massenet)” , cuya canción contaba con una mitad cantada y otra hablada.

La música electrónica en Japón tuvo sus primeros instrumentos fueron electrónicos como el ondes
martenot, el theremín o el trautonium que no eran muy conocidos en Japón desde la segunda guerra
mundial algunos compositores o creadores de la música tenían conocimientos de esos momentos
como Minao Shibata después de mucho tiempo diferentes músicos de Japón comenzaron a utilizar
los instrumentos electrónicos y la música electrónica

En 1940, tras el triunfo de la compañía SONY que es conocida en tokyo, había dos compositores
japoneses que eran toru takemitsu y minao shibata que libremente describieron sobre la música
electrónica.

La música electrónica se pensaba que no era importante, pero eso no es así la música electrónica
fue avanzando tiempo a tiempo, transcurso del tiempo fue mejorando su sonido como su
interpretación musical en esos tiempos.

Van pasando los años y la música electrónica sufre una transformación y gran progreso tecnológico
y compositivo muy abundante y relevante y se crearon modulares, sintetizadores, cajas de ritmos.

Todo empieza ya a en el siglo XX fue su primer dispositivo al ser grabado un sonido electrónico y
fue planteado en el año 1857 por Eduard león como en el año 1960 comienza a fluir de una manera
intensa en el mundo y en los últimos años la música electrónica ha tenido una publicidad y
popularidad al nivel mundial y han creado distintos estilos de música dentro del mismo género
musical

El esperado aficionado de la música electrónica fue un loops en una obra pionera que marcho
mucho un antes y un después de la música electrónica y fue firme desde su primer estudio
aficionado y apasionado musical desde su crecimiento y evolución sobre la música electrónica de
su género único.

Cubriendo desde el ciclo XX los loops era una gran identificación y especialmente una gran pasión
sobre la música electrónica y fue muy relacionada en el gran fenómeno musical sobre el baile las
principales conexiones musicales fueron el pop, rock expresaban su amor hacia la música
electrónica

22
Había docenas de obras y llegaron periodistas, productores y DJ para apreciar este hermoso y
mundo artístico musicalmente.

1.3. MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XXI

1.3.1. POSICION HISTORICA DE LA MÚSICA ELECTRONICA EN EL SIGLO XXI

La música electrónica para muchos es el desarrollo de los instrumentos musicales tangibles, por
ejemplo, puedo grabar una melodía en guitarra para hacer una canción de música electrónica.

La música electrónica no tiene limitaciones, una de las grandes virtudes es que puedes simular
instrumentos sin ser experto, por ejemplo, puedes tener un sonido de un saxo y puedes armar una
melodía, sin tener la necesidad de saber tocar el saxo.

Con el paso de los años estas dos grandes expresiones de la música electrónica dieron pie para un
sin fin de distintos géneros tales como, Tech House, Deep House,Drum’n’bass, Hardtrance, Acid,
Minimal, etc.

Como podemos apreciar la música electrónica nace a través de corrientes musicales ya existentes,
como el funk, soul, jazz, disco, new age, etc. Una de las grandes ventajas de este estilo es que no se
requiere instrumentos musicales sofisticados y caros con tan solo un sintetizador.

A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza. Lo
mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles.

Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música
electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.

Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de

elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador.

Surgen acontecimientos como las transformaciones del techno a principios del siglo XXI, el
nacimiento de géneros o fenómenos nuevos como el dubstep.

El comienzo del siglo XXI será recordado como una época de gran olvido, la música electrónica
vivió su infancia en las sombras, prácticamente desconocida por todo el mundo de todas las
corrientes del siglo XX, al llegar a principios del siglo XXI, la música electrónica era una realidad
sólida, aceptada, madura y central en el ecosistema sonoro del mundo .

La música electrónica que conocimos ha cambiado, y por el camino ha perdido buena parte de su
entusiasmo original y su capacidad de sorpresa, ya no estimula la imaginación como antes ni nos
bombardea con fantasías de un futuro más apetecible

23
Una de las transformaciones principales es la que tiene que ver con el hecho de que la propia
música, que en otro tiempo fue minoritaria e incomprendida por amplios sectores de público lo que
derivó en episodios de rechazo y desprestigio, sobre todo desde algunas posiciones reaccionarias
del rock, ahora está profundamente aceptada en el relato cultural del siglo XXI, sin que intervenga
ningún tipo de recelo o suspicacia.

La electrónica es un tipo de música perfectamente integrada en el paisaje: no incomoda, no asusta

y, sobre todo, no necesita explicarse .

1.4. DIAGNOSTICO DE LA MÚSICA ELECTRONICA ENTRE EL SIGLO XIX Y EL

SIGLO XXI

Para poder tener un diagnóstico sobre este tipo de música primero conoceremos sus características
principales :

Es considerada la música de máquinas, además de enfocarse más en la textura y ritmo que en la

melodía y armonía, es tan física, evitan la interpretación, superficie contra profundidad, es un viaje
al sonido y te traen el futuro y te sumergirá en ello.

La música electrónica no fue aceptada al comienzo del siglo XIX, no le veían futuro en música
como el techno, el pop, etc. porque en aquellos años preferían usar la tecnología en sí, que escuchar
música desarrollada por la tecnología.

En la actualidad, los mayores consumidores de música electrónica se encuentran en Estados

Unidos, dicha música está considerada entre los cinco géneros más aceptados por los jóvenes en
Alemania y alcanzó su mayor venta histórica en el año 2016, siendo el subgénero Techno el más
comercializado en aquellos años.

El término EDM, cuyo significado en la música es el de un conjunto de varios géneros de música

electrónica como la música de baile electrónico , música club , techno, dance. Este es utilizada en
el informe de referencia en la industria de la música electrónica “IMS Business Report 2017”
presentado en la última edición del International Music Summit, uno de los eventos profesionales
de la industria musical líderes de la música electrónica a nivel mundial que tiene ediciones en
varias partes del mundo en el cual se puede resaltar la evolución de las ventas de música
electrónica fue creciendo en diferentes lugares como en Latinoamérica, Norteamérica, Asia,
Australia y Europa con más grabaciones de la música electrónica el consumo de EDM fue en su
total de mayor aumento del 4% en el 2016 y del 3,4% en 2015 y el género se realizó en cima del

24
latino, convirtiéndose en el quinto más popular y general de esa generación dejando atrás el rock,
R&B hip hop, pop y country.

En streaming fue demanda por el EDM el cuarto género más escuchado y popular con un 6% y el
57% de sus ventas total de EDM fueron streaming fue el más alto de cualquier otro género de
Estados Unidos.

CAPITULO II: PROYECCIÓN COMO ARTE FUTURISTA

La música electrónica ha tenido gran popularidad, a nivel mundial, en los últimos 30 años y
continúa siendo uno de los géneros musicales más solicitados en la actualidad, pese al triunfo del
reguetón y de los ritmos urbanos.

Los dj’s se han encargado de seguir manteniendo este género activo ya que ellos usan este tipo de
consolas para crear música sin instrumentos reales.

Los más conocidos de ellos son David Guetta, Calvin Harris, The Chemical Brothers o Avicii son
algunos de los máximos exponentes del género.

Y estos artistas apoyados de los festivales de música electrónica tales como Tomorrowland, Sónar,
Awakenings Festival, BoomTown, entre otros, son la prueba de que este género musical tiene
mucha popularidad. Por lo cual un factor importante para su trascendencia son las productoras y los
avances tecnológicos en torno a ella.

2.1. PRODUCTORAS DE MÚSICA ELECTRÓNICA

ASTRALWERKS, en Estados Unidos cuyo creador fue Brian Lang, además desarrollan el
subgénero EDM y Dance. Este es el hogar de algunos de los DJs y productores más
importantes de la escena dance y electrónica. Fundada por Brian Lang en 1993,
Astralwerks ha editado algunos de los títulos más importantes de proyectos como The
Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Future Sound Of London, Hot Chip y hasta Jean
Michel Jarre, para llevarlos a Estados Unidos. Actualmente desfilan nombres como el
de Marshmello, Axwell & Ingrosso, Alison Wonderland, David Guetta, entre otros perfiles
de la escena EDM.

ULTRA MUSIC, en Estados Unidos cuyo creador fue Patrick Moxey, además desarrollan
el subgénero EDM. Surgió como una subdivisión de Sony Music para darle entrada a
producciones de electrónica, especialmente del dance. Aunque eventualmente las carreras

25
de Paul Oakenfold, Armin Van Buuren, Steve Aoki, Kaskade y Deadmau5, han pasado por
discográficas majors como Columbia y Universal, Ultra ha sido parte de sus respectivas
trayectorias.

ED BANGER RECORDS, en Francia, cuyo creador fue Pedro Winter, además desarrollan
el subgénero French-house. Pedro Winter, quien fue manager de Daft Punk, Ed Banger
Records es la cantera del electro house francés de los dosmiles teniendo en su catálogo a
proyectos como Justice, Breakbot, Mr. Oizo. y el fallecido Cassius.

OWSLA, en Estados Unidos cuyo creador es Skrillex, además desarrolla el subgénero

Dubstep. El sello fue creado en 2011 por Sonny Moore, mejor conocido como Skrillex,
quien emprendió su carrera como representante del dubstep en dicho país. En su catálogo
pueden encontrarse figuras como Porter Robinson, Zedd, Mija y el propio Skrillex.

COCOON RECORDINGS, en Alemania cuyo creador es Sven Väth, además desarrollaban

los subgéneros Techno y Minimal Techno. En el 2000, Sven Väth creó Cocoon para abrirle
un nuevo camino a talentos del techno como Ricardo Villalobos, Martin Buttrich, Marco
Carola y Richie Hawtin. Cada uno de estos DJs y productores se han consolidado en
festivales a nivel mundial, así como en los icónicos Boiler Room.

WARP RECORDS, en Inglaterra y cuyos creadores son Steve Beckett, Rob Mitchell,
Robert Gordon, además desarrollan el subgénero IDM, Experimental y Techno.

Como buenos amantes de lo no convencional, Steve Beckett, Rob Mitchell y Robert

Gordon, fundaron esta discográfica en Sheffield en 1989.

Dentro de su catálogo sobresalen nombres como los de Squarepusher, Flying Lotus,

Kelela, Mount Kimbie, Oneohtrix Point Never, el enigmático Aphex Twin y hasta el
legendario Brian Eno. Warp es la casa de los sonidos experimentales. Son los que alojaron
al subgénero más pretencioso de todos: el IDM (Intelligent Dance Music).

“La música se ha vuelto más rara y viene hacia nosotros en muchos aspectos, algo de lo
que estamos orgullosos”, le dijo Gordon a la revista Mixmag el año pasado sobre lo que
sucedía en el sello hace apenas unos años.

26
 2.2. AVANCES TECNOLÓGICOS EN TORNO A LA MÚSICA

Gracias a la tecnología, tenemos nuevos subgéneros que se han creado basados únicamente en
el uso de la tecnología. Los subgéneros de música electrónica se basan en el uso de
instrumentos electrónicos para crear sonidos y canciones que no serían posibles con los
instrumentos tradicionales. Electrónica, House, K-Pop, ‘chillstep’ y similares incluyen sonidos
y efectos sintéticos, y se están volviendo en sonidos cada vez más populares.

La tecnología también le ha dado un gran protagonismo a los dj’s, que toman canciones
normales y crean remixes y combinaciones, utilizando la tecnología para crear una perspectiva
fresca de las pistas. Si bien los dj’s una vez fueron mal vistos por la industria de la música,
ahora son considerados grandes artistas.

La Composición Algorítmica y nuevos medios requieren que la música ya deba programarse,

para lo cual se pueden utilizar programas como supercollider.

En el 1996, se crea un entorno y un lenguaje de programación capaz de proporcionar música

algorítmica, la programación interactiva y live coding(son conciertos donde el intérprete puede
ejecutar y modificar código fuente en marcha), de manera arbitraria permite la investigación
acústica ,dicho programa es conocido como SuperCollider.

La primera versión de este software se conoció en el año 2002 bajo la licencia de GNU Public
License. El lenguaje de programación de Supercollider se basa en la programación orientada a
objetos(POO, los objetos manipulan los datos de entrada para que resulten datos de salida
específicos) de Smalltalk( considerado un mundo virtual donde los objetos se comunican con
otros objetos enviando mensajes) y características similares de programación de la familia del
lenguaje de programación C.

Además de ello como en todo lenguaje de programación requieren de librerías y extensiones

para ayuda y entrada de objetos de sonidos, librerías como dewdrop_lip o JITLib ( permiten la
creación de música en vivo y la modificación de pseudo-clases y objetos).

27
El coding para el arte sonoro como perspectivas de arte cultural, consiste en generar procesos vivos
musicales, estos conceptos comienzan sus bases con un hombre que rompía esquemas no solo en la
música sino también la literatura, es decir para las artes en general, estamos hablando de John Cage
´s.

John Cage´s tenía la idea que los sonidos fueran ellos mismos, en pocas palabras el quería quitarse
de las decisiones al producirse música, por lo cual buscaba métodos para que los sonidos estén
libres de su voluntad subjetiva del artista, y para ello utilizaba varios elementos como el azar, tirada
de monedas o inscripciones en el papel, introducía sonidos del ambiente. Su famosa pieza 4´33 que
es puro silencio refleja lo que él quería expresar, que se escucharan los sonidos que rodeaban a los
espectadores.

Uno de los libros que utilizaba John Cage´s para componer era el I CHING, el libro de las
mutaciones de Richard Wihelm que es un oráculo chino para hablar de situaciones actuales o como
se van a desarrollar las cosas, en las cuales usaban el azar o lanzada de monedas para
determinarlas.

Una pieza famosa de este compositor es Music of Changes (Música de Cambio), la cual esta
compuesta por procesos enteramente al azar con el I CHING.

Una pregunta la cual los músicos actuales deberían hacerse es si utilizan la aleatoriedad en su arte o
composiciones. La aleatoriedad es composición del momento, no tiene que ver con las decisiones
de uno.

28
La relación que existe entre la tecnología y la producción estética se resumen en la frase “El medio
es el mensaje” de Marshall McLuhan, lo que quería dar a entender es que la tecnología es
constitutiva, que lo importante de los medios no es tanto que se está diciendo a través de ellos, sino
cómo esto nos transforman a nivel personal, nivel social como cambian las reglas del juego. Toda
tecnología genera diferentes patrones sociales, crean diferentes sujetos o distintas conciencias,
diferentes formas de percibir, de relacionarnos unos con otros, entre familia, con nuestra cultura,
nuestro ambiente y con nosotros mismos.

La tecnología genera diferentes percepción y estética musical, quizás la más importante vento se
llevó con la creación del fonógrafo propicio una revolución estética, ya que antiguamente el único
modo para conocer música era a través del registro de partituras o instrucciones para poder tocar y
gracias a creaciones como estas se podía apresar el sonido y manipularlo de maneras distintas,
podemos escuchar música en otros contextos, música sin que sea tocada en vivo, lo cual antes era
impensable entonces se puede decir que nos permite una manipulación distinta del sonido que antes
era impensable, una manipulación entre comillas física a diferencia de una manipulación
puramente lógica, es decir estructuras de armonías, de tonalidad que son estructuras lógicas de
ordenar sonido, la nota do en diferentes octavas tiene diferentes frecuencias, pero la llamamos la
misma porque tiene una estructura lógica en la cual ordenamos esa frecuencia pero una vez que
tenemos la escucha de la grabación, es decir la escucha del fonógrafo podemos ver el sonido de
manera físico y podemos manipularlo físicamente, y abrirnos a otro tipo de frecuencias , es decir
pensar más en términos de frecuencia que de notas, además de eso recordar que en el siglo xx se
dio el paso de la exclusividad del tono a la textura, es decir interesarse mas por la textura que por la
relación de los tonos. Un ejemplo es cuando un clarinete toca una nota do y un piano una nota do,
es la misma nota pero porque suenan distintos pues porque tiene una revestidura de armónicos y
otros sonidos incluidos que le da otra textura a ese sonido, dichas texturas es imposible de escribir
a nivel partitura pero una vez que tienes el medio de la grabación se vuelven mucho más
manipulables; otro ejemplo para ver esta énfasis es el paso de sonidos vocálicos(a, e, i, o ,u) que
son los que producen de alguna manera la primacía del tono a los sonidos consonantes estos
sonidos que llamaríamos ruidos.

Hay un paso de la música académica del siglo xx que hace énfasis en estas cosas que algunos
teóricos lo ven como influencia de la tecnología, como esta cambia nuestra manera de percibir las
cosas, también no es casual que en los años 1950 que muchos músicos que ya exploraban estas
tecnologías para componer podían relacionar su trabajo como lo hacían artes plásticas del siglo
XX, es decir artistas plásticos como los vanguardistas, los futuristas, los dadaístas, los surrealistas
es decir se desarrollaban de una manera más interdisciplinaria, tal vez mas conceptual, más
performativa, incluso no solo considera el sonido como un arte del tiempo que siempre fue
considerada por excelencia, lo cual la música hoy es considerada algo espacialmente, lo cual es una

29
revolución. Esto se permite debido a las revoluciones tecnológicas se puede tener diferentes
parlantes en diferentes lugares y producir que la sensación espacial a través de la cual estamos en
un ambiente sea parte de la pieza.

Entonces después la grabación y la síntesis sonora pueden proporcionar una nueva forma de tratar
el sonido y de relacionarse con el arte auditivo.

Entonces podemos decir que tecnologías como estas producen nuevos tipos de artistas que trabajan
con sonido, incluso este cambio enfocó al arte sonoro no solo con música sino también con sonido,
este último se refiere a algo más grande, es decir puede haber obras de arte que puedan implicar
texto, o muchas otras cosas.

“El fonógrafo no escucha como lo hacen los oídos que han sido entrenados para filtrar
inmediatamente voces, palabras y sonidos fuera del ruido, registra eventos acústicos en sí
mismos”- Friedrich Kittler en Gramaphone, Film, Typewriter(libro Grafono, Película y Máquina de
Escribir)

“El futuro de la música” de 1937:

“Yo creo que el uso de ruido para hacer música va continuar e incrementar hasta que lleguemos a
una música producida a través de la ayuda de instrumentos eléctricos que harán disponibles, para
propósitos musicales, todos los sonidos que pueden ser escuchados. Los métodos fotoeléctricos,
magnéticos y mecánicos para la producción sintética de música serán explorados. Mientras que en
el pasado el punto de desacuerdo fue entre la disonancia y la consonancia será, en el futuro
inmediato, entre el ruido y los así llamados sonidos musicales”- John Cage

Se puede ver reflejado que el aspecto tecnológico y esta revolución estética están muy
relacionadas, las nuevas posibilidades que plantean los medios proporcionan nuevas posibilidades
de entender y de producir la música o el sonido o el arte en general, entonces los lenguajes de
programación musical aparte de ser una herramienta, nos enseñan una forma distinta de pensar, de
hacer y percibir la música.

Entonces nos colocamos desde una postura reflexiva y nos preguntamos ¿Cuál es el futuro de
nuestra música? ¿Cuál es la relación del Perú con la modernización? ¿Tiene sentido que estas
tendencias se desarrollen en nuestro país?

Lo que si no podemos escapar es de que estamos en una sociedad globalizada, en la que no se

puede ignorar el contacto con la sociedad de afuera. Un ejemplo de esto es en esta pandemia en los
que todos estamos conectados a nivel económico, cultural y en muchos aspectos, vemos como las

30
tecnologías nos afectan y nos están cambiando y nos transforman a todos independientemente de
nuestra voluntad. Como dice el dicho aprendes a programar o te programan.

Además la sociedad es algo autopoyetico, quiere decir que siempre se esta creando así mismo, es
decir recreando nunca es solo copia de algo fuera o algo por el estilo, implica que conocimientos
como estas tecnologías producen situaciones nuevas, mientras hay una comunidad de diálogo, la
cual se produce de acuerdo a los interesas de dichas personas que están en diálogo, se produce algo
enteramente nuevo, obteniendo grandes posibilidades y ventajas económicas, por ejemplo en los
años 1950 era imposible tener un estudio electrónico si no había sustento económico y mucho
desarrollo tecnológico pero hoy en día necesitamos computadoras para poder realizar esto, pero hay
programas gratuitos como supercollider y su data es gratuito; solo necesita dedicación y tiempo
para su aprendizaje. Es decir, dichas tecnologías ofrecen plasticidad económica.

Otro aspecto importante en torno a la música es la inteligencia artificial, que no es necesariamente

lo que la gente se imagina. El término tiene varias acepciones, pero Ronald Gutiérrez, docente en la
maestría de Informática Educativa de la Universidad de la Sabana, lo define como “la toma de
decisiones basadas en argumentos de un sistema computacional”. Hay varias maneras de lograr
esto, pero la idea general es programar algoritmos que “aprenden” a identificar patrones después de
leer una larga base de datos y luego toman decisiones con base en estos. Entre más información
reciben, más se ajustan a lo que se espera de ellos. Algo medianamente similar a un bebé
aprendiendo a hablar. En ese sentido, la I.A. no es demasiado inteligente.

Pero sí puede componer melodías musicales. En 2016 la compañía de tecnología IBM creó Watson
Beat, un software que ha analizado millones de canciones y es capaz de producir una melodía
artificial. La idea es que los músicos la utilicen como guía cuando se sientan estancados o que
quieran probar cosas distintas. Estos le pueden pedir al programa un ritmo cualquiera sobre el que
pueden construir su propio tema musical. Watson incluso puede sugerir frases y palabras populares
para elaborar las letras de la canción.

La canción Not Easy de Alex Da Kid (una canción en donde, en palabras de la revista Rolling
Stone, “lo primero que te golpea es la emoción, la guitarra nostálgica, los coros emotivos”) fue
creada usando esta tecnología.

Watson es, quizás, el programa de I.A. más reconocido. Pero está lejos de ser el único. Jukedeck,
por ejemplo, crea canciones según el género, los instrumentos, la duración y velocidad que prefiera
el usuario. Luego venden la licencia de uso por $0,99 USD para personas naturales o $21,99 USD
para grandes empresas. También se pueden comprar los derechos de autor por $199 USD. Hoy, la
compañía ha creado más de 500.000 canciones y la usan varias empresas (como Coca-Cola o
Google) que buscan música de fondo para sus comerciales.

31
Un programa competidor, Amper, está componiendo, junto a la youtuber Taryn Southern, el primer
álbum hecho por I.A. El único trabajo humano que requiere Amper es que alguien ingrese los beats
por minuto, el ritmo, el tono y el estilo de música preferido. Y queda listo. Southern solo le agregó
su propia voz a la melodía de Amper para terminar el producto.

El álbum I Am AI saldrá, tentativamente, en la primera mitad de 2018. Pero ya está disponible en

YouTube la primera muestra.

Esta revolución tecnológica no afecta solo a la producción musical. El programa Landr, por
ejemplo, utiliza la I.A. para masterizar canciones automáticamente. Según los testimonios de
algunos usuarios en internet, este no alcanza la calidad de una masterización dirigida por un
humano, pero los resultados son bastante aceptables.

Gracenote, por otro lado, usa la I.A. no para hacer música, sino para distribuirla. Esta herramienta
digital identifica los sentimientos subyacentes en cada canción, así como los gustos musicales de
los usuarios y le vende esa información a servicios de música por streaming como Apple Music,
Amazon Music o Amazon Groove Music. Las “recomendaciones del día” de plataformas como
Spotify se basan en este tipo de tecnología.

La nueva apuesta de la industria, no es de extrañar que la industria musical está bastante interesada
en estas herramientas. El Laboratorio de Investigación de Sony Music, con apoyo del Consejo
Europeo de Investigación, creó un software de inteligencia artificial para producir canciones
llamado Flow Machines. El resultado, que publicaron en diciembre de 2016, fue de dos canciones,
una inspirada en The Beatles y otra en la música de Johann Sebastián Bach.

Y no es solo Sony. Grandes disqueras como Warner y Universal han invertido en startups de
programas similares. El legendario estudio de grabación Abbey Road Studios ha impulsado
diversas plataformas de Inteligencia Artificial como I.A. Music o Humtap por medio de su
incubadora de innovaciones tecnológicas.

En Colombia, IBM trabaja con Andrés Cepeda para componer la primera canción cooperativa entre
humano e Inteligencia Artificial de América Latina. “Nuestro sistema estaba ya muy alimentado
con música norteamericana, pero no tanto con pop latinoamericano como el que hace Cepeda”,
cuenta Jorge Vergara, CTO de IBM en Colombia. “Ha sido muy interesante ver como al principio
el software hacía cosas verdaderamente desastrosas a nivel musical, como un niño chiquito está
aprendiendo a hablar y dice algunas incoherencias, pero que va aprendiendo. Ha sido un trabajo
muy enriquecedor”, agrega. Todavía no hay fecha de lanzamiento del tema, pero Vergara asegura
que está casi listo y que el resultado lo tiene bastante satisfecho.

“El hecho de poder contar con una ayuda como la que me brinda Watson es como tener un
productor a mi lado que además está mucho más informado que yo”, dijo Cepeda en la

32
presentación del proyecto el noviembre pasado. “La posibilidad de comunicarse tan de cerca con
las emociones de la gente que escucha mi música es una gran oportunidad. Watson, cuando yo le
propongo un tema, empieza a explorar, a decirme cómo reacciona la gente que me escucha y esa
información privilegiada es valiosísima a la hora de componer”.

Los creadores de estas herramientas tecnológicas son muy enfáticos en afirmar que esto no
reemplazará a los artistas. “No creo que algún día llegue a hacerse música del mismo nivel por ahí.
Siempre hará falta la inspiración que nace de un sentimiento específico de una persona y que toca a
otra persona de la misma manera. Por eso es imposible que esta tecnología reemplace al artista.
Nosotros tenemos capacidades artísticas que una máquina no puede reproducir”, asegura Vergara.

“Puede que la Inteligencia Artificial nunca sea capaz de hacer muy buena música como la de las
composiciones humanas. ¿Por qué? Hacer canciones que mueven a las personas, que las haga saltar
y bailar, llorar y reír, requiere tocar ciertas fibras y entender las emociones”, agrega Mark
Mulligan, consultor de la industria musical, en conversación con el diario londinense The
Guardian.

Sin embargo, no deja de ser irónico que una de las funciones de estos programas sea, justamente,
conectar a los artistas con los que más les gusta y sienten sus oyentes según un estudio analítico de
lo que dicen en las redes sociales.

Por otro lado, la música producida por robots sí podría llegar a ocupar un lugar importante en la
producción de música de fondo o de productos audiovisuales. “Christopher Nolan no va a dejar de
trabajar con Hans Zimmer por ahora” dijo Cliff Fluet, quien trabaja con varias empresas de
producción por Inteligencia Artificial, a The Guardian. “Pero a las personas que, por ejemplo,
hacen videos para YouTube y no quieren que les quiten su material por violar derechos de autor,
seguramente la I.A. les será muy útil”.

De todas formas, esta tecnología está en una etapa muy incipiente de desarrollo. Faltará más tiempo
para poder ver cuáles serán sus verdaderos alcances dentro de la industria musical. Hasta ahora los
avances son bastante promisorios. En el momento, si un usuario le pregunta a Siri, el asistente
virtual de los sistemas operativos de Apple, si conoce a la popular supercomputadora de 2001:
Odisea del espacio, dirá: “Me temo que HAL tomó unas muy malas decisiones. Pero sí que sabía
cantar”.

33
 CAPÍTULO III: LA ELECTRÓNICA , MÁS QUE UN SIMPLE GÉNERO

El objetivo de la electrónica es hallar formas de pensamiento que aporten a nuevas manifestaciones

de la creatividad. Por ello lo primero a considerar es que la música electrónica no es mera categoría
de estilos, como un género o conjunto de géneros. Sería muy superficial definirla así, al igual que
limitarla a ser meramente un conglomerado de métodos como tal, aunque todas estas apreciaciones
están incluidas. La música electrónica es una red de mundos donde yacen entrelazados procesos,
consideraciones, ideas, herramientas. Trata básicamente de lo musical en los medios electrónicos .

Pues la música electrónica cuenta con fundamentos capaces para transformar lo previo nos da
posibilidades completamente nuevas. Podría pensarse que es el desarrollo natural de la música pero
no es simplemente una mejora de sus herramientas, una evolución de la mera técnica o un
florecimiento de géneros; se trata más bien de un encuentro profundo con el sonido en sus formas
fundamentales, más allá de la nota, la onda o el bit, aunque los incluya.

Entonces la música electrónica no es tan solo la música que se hace con aparatos electrónicos,
sino el hallazgo de lo musical a partir de lo electrónico, lo cual nos permite un medio para
descubrir un mundo creativo de posibilidades estéticas que no se limitan a sólo concepciones
previas de lo musical sino que además se permiten expandirlo desde lo que aportan en lo sonoro.

Al asumir esta compleja confluencia de estilos, procesos, herramientas y manifestación, la música

electrónica plantea un reto fundamental a la idea del timbre, en tanto le permite al músico anular la
dependencia de determinados instrumentos y abre la exploración tímbrica a su máxima potencia.

Esto es uno de los rasgos fundamentales de la música electrónica: entre sus procesos es elemental

el moldeado del timbre, el trabajo con ondas desde su pureza, pasando al control de granos y nubes

de estos, estructuras micro-rítmicas que tejen determinados procesos. Cuando moldeamos desde un

sintetizador, cuando esculpimos una grabación de campo o cuando sampleamos determinados

sonidos, estamos ejerciendo un proceso que más que ir sobre la línea tradicional de la melodía y el

ritmo, se adentra en el diseño del timbre en cuanto tal, en la forma del sonido en sí, evidenciada en

la idea del objeto como nube de partículas.

Así, la serie de procesos en que se ve envuelta en la música electrónica conduce a una concepción

del músico como escultor de sonidos. No solo los organiza o los sitúa dentro determinados

34
lenguajes, sino que los esculpe, fragmenta, exprime, retuerce, moldea. Así el músico electrónico no

piensa únicamente en notas o compases, sino que tiene también a su disponibilidad la envolvente,

la frecuencia, la síntesis, el procesamiento complejo, con ello cambiando radicalmente la función

de la composición a causa de extender la creación de timbres como nubes de granos, como

entramados de pulsaciones, resultados de modulaciones.

Con lo dicho, se hace obvia la idea de Trevor Wishart de considerar la posibilidad de creación
musical hoy como toda una química de lo sonoro. Como cuenta Roads en su conferencia, esta idea
es clara en el mundo de hoy, donde podemos generar, recolectar, combinar y alterar sonidos de
muchas formas, lo cual considera como la “posibilidad de evaporación, covalencia y mutación de
materiales sonoros”, donde la idea central es constantemente transformar el sonido, no dependiendo
de valores musicales como el solfeo, sino de posibilidades de lo musical desde la tecnología y las
nuevas concepciones de lo acústico-digital.

También hemos de tener presente que el nivel de abstracción de los sonidos en la música
electrónica en muchos casos se sale completamente de la idea estructural de una banda u orquesta,
por tanto la mezcla se concibe desde la libertad de organización del compositor según sus sonidos.
Así el proceso se asemejaba más al de un diseñador sonoro, que piensa en capas, en frecuencias, en
espacios dentro de los sonidos y entre sí. El músico puede o no pensar en frecuencias y una banda
puede o no considerar el proceso de mezcla. En muchos casos incluso el músico en sentido
tradicional, se limita a tocar y dejar un registro, que posteriormente un ingeniero de mezcla tratará.
En la música electrónica y en general en el estudio casero es habitual que esto se rompa, no solo
porque el mismo músico mezcla, sino porque la mezcla la puede integrar en el proceso mismo de la
edición, logrando una idea de bidireccionalidad donde una se beneficia de la otra.

35
 CONCLUSIONES

- La música electrónica desde el siglo XIX no tuvo un alto grado de aceptación , ya que era
considerada música para rituales satánicos o para drogadictos.
- La música electrónica quizás uno de sus puntos a favor en la actualidad, es que detrás de su
creación en la actualidad existen todavía humanos, lo que permite darle de cierta forma
sentimentalismo o emotividad.
- La música electrónica seguirá transformándose porque las tecnologías se siguen
desarrollando, ya que arbitrariamente se desarrollan en paralelo.
- La música electrónica se realiza por inteligencias artificiales, quizás uno de sus puntos
desfavorecedores sea el transmitir sentimientos, quizás esta situación cambie si algún día
los conceptos de Deep Learning, se aplican y se desarrollan junto a ella..

- La musica electrónica nos da plena libertad en la búsqueda de nuevos sonidos

- La electrónica nos permite trabajar bajo el concepto sonido puro

36
FUENTES DE INFORMACIÓN

Adamowicz , E., & Storchi, S. (2013). Back to the Futurists: The avant-garde and its legacy.
Manchester: UK:Manchester University Press.

Blanquez, J., Leon, O., & Reynolds, S. (2018). LOOP 1: HISTORIA DE LA MUSICA
ELECTRONICA EN EL SIGLO XX. PENGUIN RANDOM HOUSE.

IBIZA, I. (s.f.). INTERNATIONAL MUSIC SUMMIT. Obtenido de

[Link]

Reynolds, S. (2014). ENERGY FLASH:Un viaje a través de la música rave y la cultura club.
Contra Ediciones.

Sicko, D. (2019). TECHNO REBELS: LOS RENEGADOS DEL FUNK ELECTRONICO . Alpha
Decay.

Miguel Isaza (28/10/2016) Pensando la música electrónica (1): Diez consideraciones

fundamentales. obtenido de

[Link]
consideraciones-fundamentales/42377

37