SIMBOLISMO.

Fines de siglo XIX en Francia y Bélgica

«Enemigo de la enseñanza, la falsa sensibilidad y la objetividad».

Jóvenes artistas cansados de los movimientos realistas que reaccionan contra

el materialismo y el pragmatismo de la sociedad industrial, reivindicando la
búsqueda interior y la verdad universal y se sirven de los sueños que gracias
a Freud ya no conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un
medio de expresión de la realidad.

El mundo es un misterio por descifrar, y el artista debe trazar las ocultas

correspondencias que unen los objetos sensibles. De contenido poético.

Un idioma pictórico abstractivo. Formas lineales, ornamentales y una

composición antinaturalista. Los une el deseo de crear una pintura no
supeditada a la realidad, en donde cada símbolo tiene una concreción propia
en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura
única y su originalidad, no estriba en la técnica, sino en el contenido.
Se decanta hacia una espiritualidad cercana a posiciones religiosas y místicas.
La fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la objetividad.

Colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural.

Colores pasteles, junto con la difuminación del color.

Temática: interés por lo subjetivo, lo irracional (romanticismo). No se quedan

en la apariencia física del objeto, ya no pretenden plasmar el mundo exterior
sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La
pintura es el medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de
las ideas del individuo.

La mujer fatal. Surge nuevas relaciones. Imágenes muy emotivas, como la casi
violenta visión de la pasión amorosa de Klimt.

El Simbolismo es el precursor del tan cercano Modernismo. Derivará a

principios del XX en el Art Nouveau.
 Gustave Moreau (1826 - 1898)
En 1847 ingresó a la Real Escuela de Bellas Artes de París. Intentó 2 veces obtener
el Premio Roma, pero fracasó, motivo por el cual decidió abandonar la Academia.

Fue profesor de L’École des Beaux-Arts de París hasta su muerte, en ella tuvo como
alumnos, a Henri Matisse, a Georges Rouault y otros futuros pintores fauves.

Una visión particular sobre la belleza, el amor y la muerte.

Huysmans (escritor relevante del movimiento) dijo: “Su pintura es la de un

decadente, la de un ser sensitivo para quien lo irreal poseyó siempre mayor
relevancia que lo real”.

“El simbolismo, reaccona contra el impresionismo. En una sociedad en decadencia,

el simbolista busca evadirse de esa realidad que ellos habían reflejado: la vida
social burguesa. Utilizan la temática mitológica y los “símbolos”.

Su mundo está poblado de adolescentes andróginos y mujeres fascinantes y

perversas. Muestra cierta predilección por lo monstruoso. Interés por lo oriental
tanto en la elección de los temas como en la ambientación decadente de sus
cuadros, evoca arte de la India.
Edipo y la esfinge (1864). Salomé (1876)
El elefante sagrado 1882. Cántico de cánticos 1893.
 Odilon Redon (Francia 1840 –1916)
Va hacia la representación de ideas (estética surrealista). Cultivó un estilo de colores
puros y una temática fantasiosa, una síntesis entre el sueño y la vida.

Recibió formación como escultor y grabador. En 1870 se unió al ejército para servir
en la guerra franco-prusiana. Después de la guerra trabajó exclusivamente a carbón.

Admirador de Poe, su relación con la literatura le llevaría a ilustrar varios libros de

su amigo Baudelaire. Mantuvo una estrecha relación con científicos como Armand
Clavaud (quien le hace estudiar anatomía, osteología y zoología), o Charles Darwin.
Todas estas influencias se reflejarían en su trabajo.

En 1884 fue uno de los fundadores del Salón de artistas independientes, para poder
exponer con libertad, separadamente del Salón oficial de París.

Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en B y N, rondando los 50 años, sus
litografías se tornan más luminosas, hasta alcanzar el color de las acuarelas y óleos.
Sus temas siguen siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y
científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.
 Una extraordinaria serie de dibujos y litografías que él llamaría "Los Negros".
“Mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos
vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible.“

Da rienda suelta a su fantasía, mezclando mitos paganos con materialismo científico, animales
imaginarios con maquinaria de la Revolución industrial. Su iconografía poética de lo corriente
derivado en extravagante y místico.

Caliban, 1881. Espíritu del bosque, 1890

El baño de Venus 1900.

Flores 1903.
Devoción cerca de un arbusto rojo 1905. Mariposas 1910.
Pandora 1914.
Uno de los más notables
representantes del movimiento
Gustav Klimt
modernista de la secesión vienesa.
(Austria 1862-1918)
Pintó lienzos y murales con un estilo
muy ornamentado, que también
manifestó en objetos de artesanía.

Afín a cierto ideario romántico,

encontró en el desnudo femenino una
de sus más recurrentes fuentes de
inspiración. Sus obras están dotadas
de una intensa energía sensual.

Se convirtió en un personaje muy

valioso en la alta sociedad vienesa, y
estuvo relacionado con los más
notables círculos intelectuales del
momento.

La naturaleza abiertamente erótica de

sus obras solía verse "suavizada" por
un enfoque alegórico, o simbólico.
Nunca destacó por su carácter teórico.

Dánae, 1907
 Su energía creativa fluye en el desarrollo de la
ornamentación, decorativa basada en dorados y
elementos de vivos colores, con formas fálicas
encubiertas.

Significativo valor expresivo de la línea en su obra, en

dramáticas composiciones (extraños puntos de vista,
planos verticales y cortes atípicos) subrayan el carácter
innovador de su plástica.

Pese a su imagen de libertino, llevaba su activa vida sexual

discretamente. Atraídos por su fama, algunos clientes
acudían a su casa y descubrían que era muy selectivo al
aceptar un encargo. Una vez admitido, iniciaba su trabajo
con largas meditaciones y prolongadas sesiones de
posado de modelo.

La mujer era el tema. Representó muchas facetas del

carácter femenino, sentía predilección por la mujer
agresiva y dominante: la femme fatale.

Realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad

envueltas en pieles.
 El retrato de Adèle Bloch-Bauer I
Su "etapa dorada" le acercó a la crítica y un gran éxito Fue sólo gracias a su talento que
comercial. Muchas de sus pinturas incorporan pan de oro. en 1876, con 14 años, recibió
una beca para estudiar en la
Escuela de Artes y Oficios de
Viena, donde se formaría hasta
1883 como pintor y decorador
de interiores.

Comenzó su carrera como

pintor de interiores en grandes
edificios públicos, desarrollando
ya algunos temas alegóricos que
se convertirían en un rasgo
distintivo de su obra.

Fue nombrado miembro

honorario de las universidades
de Múnich y Viena, y para
cuando en 1892 su padre y su
hermano murieron, él estaba en
condiciones de soportar la carga
económica de sus parientes.
 En 1894, Klimt había recibido el
encargo de crear 3 pinturas para
decorar el techo del Aula Magna de
la Universidad de Viena.
Filosofía, Medicina y Jurisprudencia
fueron muy criticadas por lo radical
de su enfoque y representación,
que algunos consideraron
"pornográfica".

Protestaron políticos,
personalidades del mundo del arte
y la moral pública. La universidad
decidió no colocar las obras y éste
no volvería a admitir encargos a
partir de entonces.
Por desgracia las obras fueron
destruidas por las SS durante su
retirada, en 1945.

Adaptaba la forma clásica de la

alegoría y su simbolismo
convencional, dándole forma con su
propio lenguaje plástico,
abiertamente sexual y de matices
provocativos.

El beso (1907-1908)
 Provocadora y llena de turbadora energía,
La bailarina 1916. un desafío dirigido a los críticos de su obra
más conservadores: coronado con una
conocida sentencia de Schiller:

“Si no puedes agradar a todos con tus

méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar
a muchos es malo”

Fue un pintor enérgico y arrebatado:

“Cada noche venía a casa, tomaba la cena
en silencio y se iba a la cama… Cuando
había descansado, retomaba con tal
ímpetu el trabajo que a menudo
pensábamos que las llamas de su
genialidad lo consumirían vivo…”

Los paisajes se caracterizaban por el

mismo refinado diseño ornamental y por
un enfático uso de motivos compositivos.
El espacio pictórico aparece «aplanado»
de un modo muy rotundo.
Vida y muerte 1916.
 Camille Claudel (Francia 1864 - 1943)
Desde niña fue una apasionada de la escultura, jugaba con barro y
esculpía a las personas que la rodeaban (familia).

Su padre trabajaba con Paul Dubois (Director de la Escuela Superior

de Bellas Artes de París). En 1882 la admite en la Escuela para
perfeccionar su técnica. Se encuentra con Auguste Rodin y empieza
a trabajar en su taller, posa para él y colabora en la realización de las
figuras de La puerta del Infierno. El rostro y el cuerpo de Camille
invaden las obras de Rodin volviéndola más carnal, más viva y dulce.

La 1° biógrafa de Rodin (Judith Cladel), no nombra a Camille -sus

padres desconocían la relación amorosa-, pero sí describe su
relación: «La hizo venir al taller, la inmiscuyó en sus propios trabajos
y durante 4 años, ella fue su constante colaboradora, le confiaba el
modelar las manos y los pies de las figuras que él componía.»

En 1883, Camille tenía 19 años y Rodin 43. Frecuentaban los

ambientes artísticos y culturales y pasaron juntos largos períodos
fuera de la ciudad, sin embargo a Rodin se le relacionó con Rose
Beuret, esta situación sería la inspiración de una de las obras más
importantes de Camille: La edad madura. En este conjunto
escultórico, se muestra arrodillada y suplicante, la nombra
L'Implorante: ella dirige sus manos hacia Rodin, quien le da la
espalda mientras una mujer mitad ángel mitad bruja se lo lleva.
A pesar de la separación, Rodin continúa la protección artística de Camille, envía cartas
de recomendación a los críticos de arte más destacados y busca respaldo, la proponen
para encargos de monumentos públicos y la invitan a los salones de vanguardia.

Mientras sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen artículos sobre ella en las revistas
de arte, en medio de una crisis emocional, se encierra en su taller, se aleja del mundo
y en diciembre de 1905 realiza su última gran exposición.

Sus crisis nerviosas se agudizaron y comenzó a destruir sus obras, vivió recluida en
medio de la miseria. El único que la apoyaba era su padre, quien se negó r a internarla.
A la muerte de su padre, la internan en el Hospital psiquiátrico donde, a pesar de su
recuperación, nunca salió.

Pasó encerrada los últimos 30 años de su vida. Su familia prohibió que recibiera visitas
y nunca fueron a verla. Falleció en 1943 y fue enterrada en una tumba sin nombre

En 1988 la película: Camille Claudel, dirigida por Bruno Nuytten, protagonizada por
Isabelle Adjani y Gérard Depardieu en los papeles de Camille Claudel y Auguste Rodin.

En 2013 otra película sobre Camille Claudel es dirigida por Bruno Dumont (narran, sin
sustento histórico, algunos días del encierro mientras espera la visita de su hermano)

El Museo Camille Claudel abrió sus puertas el año 2017 cerca de París.
Concebida en 1886, modelada inspirándose en
un texto épico hindú llamado Shakuntalá,
narraba el reencuentro con su esposo,
después de una separación causada por una
maldición.
La denominó Sakountala, la presentó en el
Salón de París en 1888 y recibió por ella una
mención honorífica.

En 1905 gracias al apoyo de su mecenas, la

condesa de Maigret,​ pudo ejecutar la pieza en
mármol, llamándola Vertumno y Pomona.

Fue fundida en bronce por Eugène Blot en el

mismo año, y presentada en el Salón de Otoño
con el nombre de El abandono.

Un referente sobre cómo la artista

plasmó su vida personal en su obra
escultórica.
 Cloto o Clotho
Se conocen 2 versiones: una de 1893 en
yeso, otra ya perdida de 1897 en mármol.

En la mitología griega, Cloto es una de las

hijas de Zeus. Se interpreta como una
personificación del destino. Conmovedora
por la plasticidad de sus formas, tremenda
y desgarradora, desprende tormento,
tristeza y soledad.

Representa a Cloto como una decrépita

anciana, con la cabeza sin pelo, ligeramente
de lado, las facciones afiladas y los ojos
hundidos en unas cuencas marcadas. Se
encuentra atrapada en sus propias redes.
 El gran vals (bronce).
Se conocen 2 versiones: una
realizada en 1903 con los dos
personajes desnudos,
rodeados con un gran manto
espumeante (desaparecida) y
una realizada en 1905 donde
la desnudez de la mujer es
cubierta hasta la cintura.​

Representa a una pareja que baila sin intercambiar una sola mirada, prisioneros de su
soledad, con las cabezas reclinadas.
Hombre inclinado
François-Auguste-René Rodin (1840 -1917)
Considerado como el padre de la escultura moderna, su importancia se debe
a la ruptura con el canon académico. Eso no significa que el artista no
conociera o dominara las reglas de la estética de su tiempo, sino que su
concepción del arte le permitió inaugurar una nueva etapa.

Cuando Rodin incursionó en el ambiente artístico parisino de mitad del siglo

XIX la escultura en los textos académicos se definía como una imitación
selectiva y palpable de la naturaleza. Cuando Rodin murió, el concepto de
escultura había sido redefinido como algo que imita la vida a través de la
amplificación y exageración del todo.

Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor, fue también
su compañera durante algunos años, su modelo y su musa, inspirando obras
como Amor fugitivo.

En 1886 Rodin realiza el busto de Camille, llevando una cofia a manera típica
de una novia de Berry y la titula El pensamiento.
El rostro de Camille siempre tiene una mirada perdida.
Amor fugitivo
La aurora El pensamiento

Camile con el gorro frigio

 A los 14 años su padre lo envió a la Escuela
Imperial Especial de Dibujo y Matemáticas, donde
aprendió anatomía, a modelar y dibujar de
memoria. Aprendió técnicas tradicionales y ganó
premios. Intentó entrar en la Escuela de Bellas
Artes 3 veces pero sin éxito; comenzó su carrera
afuera de los canales institucionales.

En 1855, tras ganar una medalla de bronce en su

clase de dibujo, empezó a modelar en arcilla y por
ese entonces dedicó tiempo a practicar sus
habilidades en el Museo del Louvre.

En 1863, etapa a la que corresponde la gestación

de la obra La máscara del hombre de la nariz rota.

Es la estética que caracterizaría su obra.

Rechazada por el jurado del Salón de París en

1865, la obra representa a Bibi, un hombre de un
barrio parisino cuya vida está narrada en los duros
surcos de su rostro.
 La edad del Bronce
Dedicó gran parte de su juventud a acumular
conocimientos sobre anatomía humana que
en más de una oportunidad le valieron la
envidia y el descontento de los escultores
reconocidos.

Célebre fue el escándalo en torno a esta

escultura, se dijo que debido a su perfección,
los moldes habían sido sacados directamente
del cuerpo del modelo y no de una arcilla
hecha por el artista, como se debe hacer en el
método del vaciado en bronce.

Tal acusación era deshonrosa para cualquier

escultor y Rodin, contando con la ayuda de
amistades influyentes, como Edgar Degas,
logró salir de la disputa no solo victorioso, sino
con una fama que le puso inmediatamente
entre los artistas más importantes de París.
 Las esculturas más emblemáticas se
reprodujeron en varios tamaños y materiales.
El Pensador cuya medida original era de cerca
70 centímetros; en 1898 fue reducida a 38 y en
1904 agrandada a monumento de 2 mts.

Trabajaba según el método tradicional (su

taller fue uno de los últimos que se pueden
considerar como tal). Realizaba las piezas en
yeso, cera o barro, una vez satisfecho con la
creación, sus asistentes se encargaban de
reproducir la obra en yeso. A partir de estos
moldes era posible sacar obras de mármol o
encargar la fundición en bronce.
Hacia 1900 trabajaban en el Taller alrededor de
50 asistentes. Poder entrar en su estudio era
motivo de prestigio.

Lo que buscaba era la expresividad, sin

importar las reglas anatómicas. Podían
considerarse acabadas obras con una sola
parte del cuerpo.
 La puerta
En 1880 se comisionó una puerta decorativa
que representara la Divina Comedia de Dante del Infierno.
para el futuro Museo de Artes Decorativas.

Le dieron a disposición un taller y representó

su mayor reto plástico. Un monumental
grupo escultórico que mide 6 metros de alto,
4 de ancho y 1 de profundidad.
Contiene unas 300 figuras cuyas dimensiones
varían entre los 15 cm y 1 metro.

A partir de La puerta en yeso (conservada),

se han realizado 8 fundiciones de esta obra.

Una reflexión sobre la condición humana, con

sus luces y sombras. Romanticismo y
simbolismo, una innegable inspiración en el
poeta maldito Charles Baudelaire y Dante
Alighieri.

Algunas de las figuras fueron reproducidas de

forma independiente, como es el caso de
El pensador.
 Rodin también modernizó la manera de concebir a los monumentos públicos. Fue uno de los
primeros artistas en atreverse a cambiar la manera en que los héroes solían ser representados.
En lugar de esculpir el valor y el porte, dio espacio a los miedos y las frustraciones

Los Burgueses de Calais.

 A nivel conceptual, criticó la
idealización de la academia
que cambiaba la realidad para
rendirla más agradable.
Esta supuesta mejoría para
Rodin era una falsificación; la
academia en su afán de
producir formas perfectas se
alejaba de la realidad.

Para él era
importante ver la
naturaleza como
tal, dirigió la
atención hacia lo
verdadero y en
ello resaltó la
belleza.