EDAD MEDIA

 Canto Gregoriano: Siglo 6 / 10

 Referentes: Papa Gregorio, San Ambrosio.

• Canto monódico: una sola línea melódica cantada por monjes.

• No existe un ritmo preciso debido a la ausencia de métrica.
• Giros melódicos y finales de frase corresponden a una estructura modal
• Cantos al servicio de la iglesia en los cuales lo importante era la letra
(rezos). Los instrumentos eran secundarios.
• Se cantaba en latín.
• Música funcional: de acuerdo a lo que dice el texto.
 Gregorio: propone repertorio de música litúrgica codificada por la iglesia
para unificar el canto en todos sus dominios.

Existían tres formas de cantar:

1. Melismático: Había poco texto. La silaba de una palabra se alarga.
Ej: Aleluyaaa
2. Silábico: A cada sílaba le correspondía una nota. Eran rezos con
mucha letra.
Neumático: Es mucho más corto que el melismático. 1 sílaba 3 o 4 notas.

Prácticas dentro del servicio litúrgico:

1. Responsorial: El sacerdote canta solo y el coro responde.
2. Antifonal: Entre los coros se proponen y responden. El sacerdote no
participaba.
3. Directo: No está la presencia del coro. El sacerdote canta o habla solo.
4. Todo lo que era en tres se consideraba perfecto, por el “Padre, el hijo y el
Espíritu Santo”, lo imperfecto era en dos.
 Teoría Gregoriana propone 8 modos eclesiásticos:

Modos auténticos Modos plagales (comienza una

4ta más abajo que el auténtico.
Modo Dórico Modo hipo dórico
Modo Frigio Modo hipo frigio
Modo Lidio Modo hipo lidio
Modo Mixolidio Modo hipo Mixolidio

• Nota Finalis: Nuestra tónica

• Nota tenor: Genera tensión (dominante) / nota que sostiene la
melodía.

MÚSICA PROFANA:
Afuera del templo, el pueblo se expresaba a través del canto y la danza. Esto era
protagonizado por hombres de muy diversa extracción social y procedencia
cultural. Incremento de instrumentos musicales, danzas que se empiezan a
escuchar canciones sobre temas de la actualidad. La música ficta se hace, no se
escribe, los instrumentos duplicaban la voz.

Goliardos (Siglo 11/ siglo 12): Eran estudiantes vagabundos que migraban
de una escuela a la otra. Sus canciones eran pertenecientes al repertorio
gregoriano, por ende, sus textos estaban en latín. Sus canciones giraban en
torno a la mujer, al buen comer y el buen beber.
Juglares (siglo 10): Pertenecientes a la baja sociedad, eran hombres o
mujeres que vagabundeaban solos o en pequeños grupos, recibiendo
escasos beneficios para vivir a cambio de cantar, tocar instrumentos, hacer
malabarismo, etc.
La música que tocaban y cantaban era música que ya existía. Su trabajo era entretener al
pueblo. Así mismo, eran muy criticados por la nobleza y la iglesia por el lenguaje que
utilizaban.
 Con la llegada de ambos grupos se produce un cambio profundo en la función social de
la música de funcionalidad religiosa/ética a música que entretiene y en la que participa el
mismo pueblo.

Trovadores: Aparecen en el sur de Francia en el siglo 12. El movimiento

incluye tanto a miembros de la nobleza como a “gente común”, todos
unificados por su devoción a la poesía y a la música. En sus letras lo
fundamental es el tema del amor. Sus letras eran en Provenzal (francés
antiguo).
Los troveros: Comienza a fines del siglo 13 y florece, en general, en
círculos aristocráticos. A sí mismo, un artista humilde podía ser aceptado en
clase alta si tenía un gran talento. Lengua Francesa.
Los minnesänger: Surge en tierras Germanas. Las canciones de amor son
más abstractas y con un tinte más religioso, ya que este estilo se adapta a
la idiosincrasia Germana.

En cuanto a las formas, estos tres movimientos producen una gran variedad de
estructuras musicales, relacionadas siempre con la poesía.

TEXTURA POLIFÓNICA
La polifonía es el arte de combinar simultáneamente los sonidos y las
melodías de varias voces e instrumentos para formar un todo armónico.

Polifonía primitiva: Siglo 9: Alterna textura monódica y polifónica.

Las formas musicales más interesantes de este período son:

• Órganum Paralelo (siglo 9/10): Consistía en tomar una melodía

gregoriana (Voz principal) y a la misma, añadirle una segunda voz
(organal) a distancia de 4ta o 5ta. Era una forma distinta de cantar el
repertorio litúrgico tradicional.

• Organum Melismático.

• Voz principal y voz organal

 Conceptos:
 Discantus: movimiento contrario de las voces.
 Gymel: Movimiento similar al Organum, pero en 3ras o 6tas. También
llamado falso bordón (falso bajo). Ejemplo: estoy en Do pero el bajo esta
en sol
 Movimientos Acórdicos: Siglo 12 todas las voces se mueven de la misma
forma.

ARS ANTIQUA

Escuela de Notre Dame: Siglo 12/13. París es la capital musical.

Referentes: Leonin, Perotin
 Organum duplum:2 voces
 Organum Triplum: 3 voces
 Organum Cuadruplum: 4 voces.
 Motete.

ARS NOVA
 Referentes: Machaut (primero en escribir misa completa), Vitry
 Polifonía,
 Mayor densidad textual,
 Hoquetus (hipo en contratiempo),
 Unidad formal y temática,
 Conciencia más precisa del tiempo,
 Riqueza en lo rítmico con valores más pequeños,
 Incorporación de voces,
 Armonía experimental (modal camino a lo tonal).
 Tenor lleva las melodías (papel más importante)
 Isorrítmia: Color (melodía) / Tálea (ritmo)

Motete: (Siglo 13) origen religioso y profano. Composición en latín que no está
vinculada al ordinario de la misa. Surge de partes de una composición religiosa
con desarrollo melódico en la última silaba de una palabra. (amén, aleluya).
Diferentes textos, voces e idiomas al mismo tiempo. Sensación de que nunca
acaba.

Motete isorritmico: Siglo 14. Con todas las características anteriores al motete
(polifónico, mayor densidad textual, hoquetus). Repetición de un mismo motivo
rítmico.

Polifonía francesa: Siglo 14. (etapa de armonía experimental) Balada, madrigal,

rondeaux.

Géneros polifónicos:
 Francia = Ars nova Italia = Trecento
Rondeaux Escuela Temprana Escuela Tardia
Ballade Caccia (usos de Ballata
cannon)
Virelai Madrigal
Italia: dos escuelas. Temprana (Piero, Giovanni Decassia, Jacobo Davologna),
Tardía (Bandini).

RENACIMIENTO
Etapa en medio de la música modal y tonal. Influencia de 3 escuelas (lugares de
practica musical constante)

• Borgoña: brinda mucho trabajo a la actividad musical.

• Flandes: (norte de Francia), organización polifónica en términos tonales.
• Inglaterra: uso de 3ras y 6tas paralelas
• Referentes: Claudio Monteverdi , Josquin des Prés, Giovanni Pierluigi da
Palestrina, Tomás Luis de Victoria,

Música renacentista:

 Se escucha el acorde completo.

 Música limpia, clara,
 Acordes dulces,
 Claridad en las cadencias.
 Obras en tonalidad menor y final en mayor.
 Surge el término “a capella” canto puro en las iglesias donde no existían los
instrumentos.
 Mucha actividad musical, músicos trabajan por encargues de la iglesia y
eran muy bien pagos.

ESTILOS DE LA ÉPOCA
Madrigal: musicalización de un poema o texto. Es una especie dramática que nos
lleva a la opera.

Frótola: Conciencia mayor en cuanto al movimiento de voces. Sensación de que

la obra nunca termina.

Música instrumental: los instrumentos remplazan las voces. El órgano dobla lo

que canta el coro y hay momentos en los que existe un dialogo entre el coro y el
órgano (concierto). Etapa de mucha improvisación.

Cantata: Cantar

Tocata: tocar (tocaba uno solo)

Fantasía: demostraba virtuosismo del músico.

Preludio: composición seria. Ejemplo: calentar antes de tocar una obra.

Madrigalismo: representar lo que dice el texto a través de la música.

Reforma y contra-reforma de la música renacentista:

 Reforma: Luthero traduce a alemán. Musicaliza textos bíblicos.

 Contra reforma: iglesia amenazada por los fieles por lo que Palestrina
se vincula a la iglesia y se vuelve una textura más clara.

BARROCO TEMPRANO
 Siglo 16/17
 Referentes: Monteverdi, Vivaldi, Bach
 Se producen cambios a nivel formal y estructural que son claves para lo que
se viene.
 Textura: monodia acompañada (para cantar exclusivamente), la monodia
tiene más libertad y está más vinculada al texto. En este periodo se retoman
texturas (monodia), y textos antiguos, lo que produce el nacimiento de la
ópera

Elementos que forman parte del barroco:

Opera: peso en la masa coral. Era lo más popular y se daba en los teatros. Se
cantan los textos. Hay mucha participación de orquesta, plagado de madrigalismo,
uso de acordes mayores, menores y disminuidos dependiendo de lo que dice el
texto.

Oratorio: opera, pero religiosa. Hay textos bíblicos. Los instrumentos están al
servicio de los textos.

Cantata: formato más pequeño en masa. Se daba para la alta sociedad

(palacios).

Tocata: Instrumental. No estaban instaladas las intensidades. (forte/piano)

Sonata (Género): implemento de tonalidad. Había otra idea en cuanto a la

velocidad, dinámica y afinación. (partituras con muchas fusas que se leían mucho
más lento)

°Aparece el cifrado.

°Melodías más pausadas.

°Música programática: música en función a escenas, textos, imágenes. música

que se crea para algo que ya existe.

Música instrumental:
 Misa para órgano: organista acompaña al coro, normalmente duplicaba las
voces. órgano hace las cosas que la voz no puede hacer. Antes que comience la
misa, el organista toca una obra para darle la tonalidad al coro.

Clavinista o bajo continuo: es el sello de la música barroca. Siempre está

presente, rellena la armonía de todo lo que sucedía, tocaban acordes con rítmica
que acompañaban a la obra. Surge el bajo cifrado.

BARROCO

TIPO DE BAJO DEFINICIÓN ÉPOCA/COMPOSITORES USO

Bajo Continuo Técnica armónica Barroco (Bach, Vivaldi, Acompañamiento

(Basso con improvisación Handel) en música
Continuo) sobre la línea de instrumental.
bajo.

Bajo Secuencia repetida Barroco (Pachelbel, Bach) Crear estabilidad

Obstinado de notas en el bajo armónica, se
(Bajo repite a lo largo
Perpetuo) de la obra.
Bajo en Acordes completos Barroco, Clasicismo Acompañamiento
Acordes o arpegios como armónico con
base armónica. acordes
completos.
Bajo melódico Línea de bajo con Clasicismo, Romanticismo Contrapunto,
función melódica y (Bach, Beethoven) más complejo
barroco, armónica. que el bajo
armónico.
Bajo en Pedal Nota sostenida o Barroco, Romanticismo Crear tensión y
repetida mientras (Beethoven, Wagner) estabilidad
las voces armónica.
superiores
cambian.

Opera: surge la primera ópera. Es una gran obra previa a su aparición oficial. Presentaba
personajes, partes totalmente corales y orquestadas, marcada presencia de Madrigalismo. Se
deja de hablar de modos para hablar de tonalidades. La calidad y cantidad de acordes cobran
total relevancia según los momentos de la obra y las dinámicas que esta desarrolla.

Aparece el cifrado y los acordes con 7mas.

Composición seriada: dividida en partes

Aparece la sonata: algo que sonaba bien. Composición instrumental para un grupo
reducido de instrumentos.

 Sonata da Camera: suite de danzas: Minué, Gigas, Sarabanda.

 Sonata da quiesa (de iglesia): Servicio litúrgico: 1er movimiento= Rápido

2do movimiento= Lento

3er movimiento: Rápido

 Sonata (genero): constituida por pocos instrumentos de cuerda.

 Suite barroca: sucesión de danzas
 Concerto= dialogo entre orquesta y solista
 Concertó grosso= referido a la masa instrumental

Fuga: impulsada por el alemán Dietrich Buxtehude) contrapunto imitativo de un sujeto.

Tiene tres partes:
exposición, desarrollo y re exposición.

Exposición: del sujeto. Son episodios cortos. Finaliza cuando todas las cuerdas hayan
presentado el sujeto.

Desarrollo: sujeto presentado en otras tonalidades.

Características de la orquesta típica barroca:

• Una base firme de cuerdas

• El sonido continuo del órgano que rellena armonías.
Efectos de contraste, especialmente dinámicas y timbres. A menudo se usaban sonidos brillantes.

BARROCO TARDÍO

Suite, sonata y concerto: pensado para un grupo pequeño de instrumentos. Suite y

sonata van a dar origen a la sinfonía.

Se trata de conservar la tonalidad.

CLASICISMO
 Siglo 18
Referentes: Hyden, Mozzart, los hijos de Bach.

Aparece la escuela de clasicismo o rococó, se empieza a utilizar el piano para

descartar el clave.

• 3 elementos que definen el periodo clásico: consolidación de la tonalidad

(modos M y m), de la forma musical y la textura homófona.

Melodía acompañada: el clave comienza a desprenderse de los acompañamientos.

Aparece la sonata como género en grupos más pequeños (dúos, tríos, cuartetos)

Forma sonata: estructura clara y determinada. (repeticiones, etc)

Bitematica/tripartita: exposición, desarrollo, re exposición.

Composiciones seriadas: pensadas con movimientos

contrastantes.
2 temas: A y B. A tiene más peso en lo rítmico y B en lo
melódico.

Mozart: no tomaba la voz como algo vocal sino como un instrumento más de la
orquesta.

Tocata: se tocaba en instrumento de tecla.

Sonata: como genero instrumental pensada para un grupo reducido de

instrumentos. Ejemplo: sonata para violín y piano. 3 o 4 movimientos, el primero
destinado a la forma sonata que adquiere su perfección en este periodo,
conformándose de la siguiente manera:
Tiene 3 secciones: exposición, desarrollo, re exposición.

 Exposición: presenta 2 temas bien definidos.

 Desarrollo: se genera un juego entre parte de esos dos temas o es libre.
 Re exposición: vuelve a la tonalidad original.
 Finaliza con una coda.

Elementos de una composición clásica:

 Homofonía: (claridad) melodía c/ acompañamiento = 2 capas.

Sonata, sinfonía, concierto.

Desprendimiento del acorde de triada.
Cadencia de la cadenza: momento de improvisación y virtuosismo.

Cuarteto de cuerdas (Haydn: violin 1, violin 2, viola y violoncelo) y sinfonía.

Opera: (Gluck y Mozzart) textos basados en historias reales. Sus personajes eran
las condesas, príncipes, etc. En el siglo 18 hubo una incorporación del coro, lo
que generaba una fuerza más trágica.

Rondó: A-B-A-C-A-D-A-B-A

Bajo Albertino: Figura arpegiada de acompañamiento con patrón específico.

Acompañamiento en obras de teclado y cámara

ROMANTICISMO
Fin Siglo 18/ comienzo 19

Referentes: Chopin (basaba en el piano), Schubert (introduce el Lied:

composiciones para piano y voz. El piano acompañaba y conversaba con la voz con
impronta de piano romántico.

o Evolución de las propuestas de compositores anteriores (Vivaldi)

o La melodía se libera y vuela. El resto de los instrumentos acompaña.
o Mayor unidad en obras con motivos que se repiten
o Mayor virtuosismo técnico
o Acordes con mayor color y tensiones para enriquecer las melodías.
o Desarrollo fundamental de piano y violín.
o Se amplía la orquesta en cuanto a la familia de metales (trompeta, trombón,
corno, y tuba)
o Textura más densa (registro más grave al incorporar los
metales)
o Expansión de melodías con saltos más grandes y el uso de
cromatismos.
o Melodías más tiernas y apasionadas, más liricas.
o Casi desuso del contrapunto.
 o Modulaciones por enarmonia.
o Fuertes contrastes musicales.
o Uso de sincopas para conseguir efecto potente y exagerado.
o Instrumentos más comunes: metalofón, gong suspendidos, campanas, platillos y
tambores.

• Rupturas en el sistema de organización musical que hasta el momento era tonal para entrar
en el plano del atonalismo.
• Hay un momento de transición entre la música tonal y atonal donde se empiezan a utilizar
estructuras antiguas ejemplo: el modo mixolidio (7mo grado descendido). Tiene una
sonoridad más blanda debido a la carencia de sensible.
• Escala de tonos enteros (escala mágica). Ejemplo: claro de luna – Debussy

• Existen 3 tipos de músicas programática para orquesta: Programa sinfónico, Obertura de

concierto, poema sinfónico.

SIGLO XX
Música impresionista:

o Los matices están bien presentes, las cuerdas se “agrandan” y se “achican”.

o En cuanto a cadencia, no están muy presentes.
o Esta música da la sensación de que no se termina.
o Los compositores buscan explorar desde la tímbrica de la orquesta tanto en el
impresionismo como en el expresionismo (este último surge en Alemania). (Bolero de
Maurice Ravel)
o Música programática y descriptiva, acordes (especialmente los cromáticos), no cumplen
una función armónica sino una función de color.
o Acordes disonantes resuelven en otros acordes disonantes le dan un efecto borroso a
la armonía, uso de escalas exóticas, modales, pentatónica o la escala de tonos enteros.

Características del periodo: Tímbrica, armonía, uso de 3ras y superposición de modos

antiguos.

Música expresionista:
Arnold Schönberg: creador de la escala dodecafónica (12 sonidos de la escala
no se repiten). La música que utiliza esta escala juega mucho con los extremos
de la escala.
 La escala se tocaba de una manera libre, lo que dio resultado al atonalismo (ausencia
total de tonalidad).

Armonías disonantes, líneas melódicas frenéticas (furiosas), grandes saltos, contrastes

violentos y expresivos, instrumentos ejecutados con gran fuerza y en sus extremos,
elevado grado de tensión.

Toda composición tiene sentido de unidad.

Contrapunto disonante: polifonía dodecafónica.

Cage: preparaba el piano colocándole cosas en las cuerdas del arpa. (cartones, tornillos,
etc.)

También lo desafinaban para que suenen microtonos. De este modo se produce un

retorno a los modos antiguos.

Las texturas siguen existiendo como homofonía y polifonía. La monodia dejó de existir.
Los matices siguen existiendo. La melodía tiene grandes saltos.

Neo clasicismo: (nuevo clasicismo) se usaban estructuras del clasismo (sonatas,

sinfonías, etc.) pero con un sistema atonal.

Sonata 4’33

Barroco Cuerdas Instrumentos

Clasismo Maderas
Melodía
Romanticism Metales
o
Barroco
Siglo XX Patrón rítmico fijo. Contiene la
Percusión
melodía
Clasismo Patrón depende del acorde
(3ras y 5tas). Limita la melodía
Romanticism Grandes saltos intervalicos y
o cromatismos. La melodía se
libera, vuela y el resto
acompaña.