URUGUAY / AÑO 1 / Nº 2 / JUNIO 2008 / EJEMPLAR DE DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Leopoldo Nóvoa / Educación artística visual /

La caricatura como una de las bellas artes /
La Pupila Museo Gurvich / Cándido Portinari / ArteBA 2008 /
Arthur Danto / A 40 años del Mayo francés /
La rotura de la máquina de entender /
Maurice Merleau-Ponty: 1908-2008 / Grafías

Leopoldo Nóvoa / Dominante verticale à relief et creux, 1988. (cat. 49)

 Unimos Uruguay y Argentina
en 50 minutos

Terminal de ómnibus Tres Cruces 4003939 / Wilson Ferreira Aldunate 1341 9019597

 / La Pupila junio 2008 / nº 02

La Pupila sumario

4- Leopoldo Nóvoa

8- Educación artística visual

10 - La caricatura como una de las bellas artes

13 - Museo Gurvich

14 - Historias del arte: Cándido Portinari

16 - ArteBA 2008.

18 - Arthur Danto: El temblor de la retina

20 - Arte, compromiso y poder

26 - La rotura de la máquina de entender

28 - Maurice Merleau-Ponty: 1908-2008

29 - Grafías

Uruguauy / Año 1/ Nº 2 / Junio 2008 / Ejemplar de distribución gratuita

staff / Colaboran en este número

Sonia Bandrymer en San José, Montevideo y Lavalleja y editó el libro Sin pecado de Eros (2004) y La suspensión del tiempo (2007).
(Montevideo, 1958). Docente de Historia, educadora un adorno (Buenos Aires, 1998). Figura en la selección 100 Contemporary Artists
e investigadora. Ha sido Coordinadora Gral. del (Petru Russu & Umberto Eco).
Museo Municipal “Juan Manuel Blanes” y del MAPI. Daniel E. Chamberlain
Miembro del comité científico de las publicaciones de la (Canadá, 1948). Profesor en la Queen’s University, de Kingston, Fernando Miranda Somma
Cátedra María Luisa Bemberg de la Facultad de Filosofía Ontario. Enseña hermenéutica fenomenológica, así como lengua, (Uruguay, 1968). Docente universitario del Instituto
y Letras de la Universidad Nacional de Cuyo Mendoza literatura y culturas hispánicas. Su Narrative perspective Escuela Nacional de Bellas Artes (UDELAR). Diploma en
(Argentina). Directora de Agendarte. Becaria de la in Fiction: A phenomenological meditation of reader, Estudios Avanzados en Educación Artística de la Facultad
Escuela Internacional de Yad Vashem en Jerusalem. text, and world (1990), examina el impacto de la filosofía de de Bellas Artes (Universidad de Barcelona, España).
Merleau-Ponty en la interpretación literaria. Actualmente, sus
Juan Barcia investigaciones se centran en la dimensión temporal de la percep- Diego Recoba
(Montevideo 1945). Artista visual, escultor. Psicólogo, ción según las tradiciones narrativas orales y escritas. (Montevideo, 1981). Estudiante de Letras. Ha realizado
Psicoanalista. Estudió en el taller de Clever Lara con José trabajos críticos sobre literatura uruguaya. Uno de ellos sobre
María Pelayo y fue alumno y discípulo de Guillermo Olga Larnaudie el poeta Raúl Zaffaroni fue publicado en un trabajo por Pablo
Fernández. Estudió Economía en la Universidad de (Montevideo, 1941). Crítica de arte, investigadora en Historia Rocca (2005). Colaborador en la sección cultura de La Diaria.
la República, y Psicología en el Instituto de Filosofía del Arte Nacional. Arquitecta egresada de la UDELAR. Curadora
Ciencias y Letras (UCUDAL). de muestras de artistas nacionales en Uruguay y en el exterior. Mario Trajtenberg
Es miembro de la Sección Uruguaya de AICA. Entre numerosas (Recife, Brasil 1936). Periodista, crítico, docente. Entre 1956
Jaime Clara actividades, integró la Unidad Ejecutora para la Protección del y 1962, fue cronista literario y jefe de las páginas cine-
(San José, 1965). Periodista cultural, caricaturista. Patrimonio Histórico, Edilicio y Ambiental de Montevideo. matográfica y teatral de Marcha. Entre 1962 y 1966, fue
Licenciado en ciencias de la comunicación (UCUDAL). asistente de Programación en el Servicio Latinoamericano
Fue productor periodístico del programa En vivo y en Oscar Larroca de la BBC de Londres, responsable de la producción de
directo de CX 8 Radio Sarandí y del Centro Montecarlo (Montevideo, 1962). Artista visual. Participó en bienales de programas sobre cultura y arte en Gran Bretaña. Escribió
de Noticias (1997-2001). Escribió en numerosas publi- Gráfica (Cali, Ljlubjana) y fue seleccionado por el MNAV para para numerosas publicaciones culturales en el exterior del
caciones de nuestro medio. Expuso de forma individual muestras en el exterior (Cagnes-Sur Mer). Autor de La mirada país y actualmente escribe para El País Cultural.

Redactor responsable: Gerardo Mantero, gmantero@[Link]; La Pupila tiene un tiraje de 2000 ejemplares que se distribuyen
Directores: Oscar Larroca, larroca1@[Link], Gerardo Mantero. gratuitamente en las siguientes instituciones culturales:
Gerente Comercial: Pablo Tate. Diseño: RL/D. Impresa en Uruguay. La Pupila

La Pupila es de edición bimestral. Dalmiro Costa 4288, Montevideo, ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES, FACULTAD DE HUMANIDADES,
MUSEO NACIONAL DE ARTES VISUALES, MUSEO JUAN MANUEL
Uruguay. Tel: 614.25.84. Ministerio de Educación y Cultura Nº 2192-08.
BLANES, INSTITUTO GOETHE, CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA, MUSEO
Distribución gratuita. La responsabilidad de los artículos y reportajes pu-
GURVICH, MAPI, SALA DE EXPOSICIONES DEL MTOP, MUSEO TORRES GARCÍA, MUSEO DE ARTE
blicados en La Pupila recaen, de manera exclusiva, en sus autores, y sus CONTEMPORÁNEO, MUSEO ZORRILLA, GALERÍA DE LA CIUDADELA, SUBTE MUNICIPAL, CABILDO,
contenidos no reflejan necesariamente el criterio de la dirección. LIBERTAD LIBROS, DODECÁ, [Link]. Y UNIVERSIDAD CATÓLICA

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 

Leopoldo Nóvoa ///

Razones e intenciones de una propuesta curatorial

Olga Larnaudie

H
acía varios años –por lo menos seis– que Salto le aportó nuevos manejos técnicos y le de la prédica del vasco Jorge de Oteiza en su
me había propuesto trabajar en una ex- abrió puertas inesperadas. breve pasaje por Montevideo.
posición sobre la obra de Leopoldo Nóvoa En los textos de prensa acerca de la actividad Ciertas interrogantes, e incluso posibles res-
en el Uruguay, en el contexto de una investiga- de las artes plásticas en Uruguay, se maneja- puestas, se encontraban por lo tanto ya for-
ción a esta altura ya extensa sobre los años 60, ba entonces el tema de las influencias prove- muladas cuando enfoqué, a través de la figura
que tiene una buena cuota de autorreferencia. nientes del exterior para explicar la inserción de Nóvoa, la cuota de “herencia española” en
Fue en esa década que las artes visuales me de un sector del arte uruguayo en el área del los pintores de esa época, a partir de la pre-
ganaron para siempre, que empecé a seguir arte nuevo o “arte otro”, y se destacaba la sencia en Montevideo de muestras de ese rico
con regularidad las exposiciones e ingresé al presencia de la nueva pintura española, y momento del arte español, más lo mucho que
espacio de la “crítica de arte”. la figura de Tapies. A fines del año 2003, se llegó a las Bienales de San Pablo.
¿Por qué interesarme en forma especial en el realizó en Santiago de Chile un encuentro Otras preguntas y posibles respuestas fue-
“aquí” del artista gallego-uruguayo que dejó regional convocado por el Centro Cultural de ron surgiendo a lo largo de la investigación.
este país hace más de cuarenta años, y tuvo la España de esa ciudad. Se trató de responder Redimensioné así en este recorrido la situación
mayor parte de su actuación y reconocimiento allí, a través de la presencia de investigado- de Nóvoa como exponente de una “pintura ga-
en otros lugares? Las razones –varias– se fue- res de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay y un llega” en sus primeras exposiciones en Buenos
ron encadenando. Voy a intentar aclarármelas español, a la hipótesis formulada por Emilio Aires, y las influencias de Torres García y Luis
en este prólogo, que tiene que ver más con los Ellenaii acerca de la influencia del informalis- Seoane. Se hizo más fuerte la reconocida in-
motivos y formas de un trabajo curatorial que
con la obra de Nóvoa.
Leopoldo Nóvoa aparece en esta publicación a
través de una entrevista; se realizó ya la expo-
sición y queda un nutrido catálogo. Me puedo
permitir entonces, en el contexto de una tarea
cumplida, para bien o para mal, analizar los
por qué y los tiempos de esa voluntad perso-
nal que pudo concretarse en la medida en que
se integró en los proyectos del Centro Cultural
de España.
Nóvoa empezó a existir para mí a través del
mural del Cerro, en mis tiempos de recien-
te estudiante de arquitectura. Me encontré
entonces con una nueva escala de participa-
ción de los artistas plásticos en propuestas
arquitectónicas, y con una audacia expresiva
removedora, que ampliaba el horizonte de
quienes admirábamos entonces las acciones
conjuntas de arquitectos y artistas afines al
Taller Torres García, o la poética de Dieste sin-
gularmente adherida a sus propuestas cons- mo español, y en particular de Tapies, en las cidencia del pasaje de Oteiza por Montevideo.
tructivas. iDe la obra pictórica de Nóvoa no vi obras presentadas por artistas de la región a Fue posible precisar los vínculos de Nóvoa con
entonces casi nada. Fue desde ese momento la 1ª Bienal Americana de Arte de Córdoba otras figuras en ambas capitales del Plata, y
para mí una referencia visual en catálogos y patrocinada por Industrias Kaiser Argentina, el peso de su obra en otros artistas. Nos en-
revistas que informaban de su intenso traba- que había sido inaugurada en julio de 1962. contramos, además, con una intensa relación
jo y sus éxitos, hasta hace once años, cuando Abordé allí el supuesto vínculo con el infor- de Nóvoa con figuras de la generación del 45,
estuvo aquí su muestra en el Museo Nacional malismo español del envío uruguayo mos- con su inicial inclinación literaria y su actuación
de Artes Visuales, como síntesis de su trayec- trando las realizaciones de los artistas en como caricaturista político en ambas ciudades
toria pictórica. Pero estuvo además presente, esos años, relativizando esa incidencia inne- –vinculada al exilio español en Buenos Aires y a
en forma significativa, en algunos tramos de gable en el proceso de la abstracción en la la prédica del diario Acción en Montevideo–.
mis investigaciones acerca del arte uruguayo pintura uruguaya, con sus diversas vertien- La opción de las obras a exhibir, que es otro
de los años 60. tes y filiaciones. En la medida en que la op- tema, tuvo que ver con lo disponible en este
En algunos escritos de Hilda López –figura ción “abstracta” dio lugar a una producción medio y con la voluntad de dar cuenta de la
intensa y exigente hasta la intolerancia– apa- variada en posturas y abierta a influencias variedad de técnicas y temáticas manejadas
recía Nóvoa, cuyo quehacer ella aceptaba con varias. Incluí en ese análisis la obra de dos por Leopoldo Nóvoa en esos pocos años.
entusiasmo, y con el que compartiera el ma- españoles, el catalán Agustín Alamán, y el
gisterio de Jorge de Oteiza. Nóvoa estuvo en la gallego Leopoldo Nóvoa, que iniciaron su ac- i
Supe también de su trabajo en las Termas del Arapey, que
narración de Lacy Duarte acerca de sus prime- tividad pictórica en el Uruguay de entonces logré conocer “en vivo” hace bastante poco.
ros pasos en la pintura, cuando su pasaje por y no estuvieron en Córdoba. Hablé también ii
Investigador argentino que reside en Santiago de Chile.

 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// Entrevista a Leopoldo Nóvoa

© A. Persichetti
El “arte-otro”, de un caballero andante
Leopoldo Nóvoa, pintor y escultor nacido en Pontevedra en 1919, se estableció desde temprana
edad en Uruguay y vivió aquí entre 1938 y 1965. La muestra que organizara el Centro Cultural de Es-
paña de una parte de su producción rioplatense, ofició de marco para que la Intendencia capitalina
lo declarara visitante ilustre. La Pupila aprovechó la breve estadía del pintor en Montevideo para
realizarle un reportaje exclusivo. Poseedor de un encanto personal no exento de una crítica posición
ante el sujeto y el mundo, el octogenario artista relató las peripecias de su vida y el proceso en la
construcción de un vasto lenguaje transitado entre la caricatura y su obra mural.

Gerardo Mantero

-¿Como fue que se instaló en Uruguay? ñeros como Onetti, Flores Mora…? En esa época funda la revista “Ápex”,
Yo nací en Galicia, pero mi padre y abuela eran Bastante tiempo después de pasar por la donde colaboran, entre otros, Torres
uruguayos. Desde muy niño mi imaginación Facultad de Derecho, efectivamente, trabajé García, Juana de Ibarbourou, Onetti…
estuvo poblada por sus expresiones y relatos allí como dibujante en la página política Con Torres García tuve un contacto cuyas
que nos acercaron a nuestras raíces uruguayas, (donde, según había calificado Peloduro, huellas se podrían encontrar aún en la
sobre todo teniendo en cuenta que la familia yo había inventado “la caricatura que no se obra actual. Lo visitábamos los tres (con
de mi abuela era gente de campo, de Durazno. parece”). Fue allí donde confraternicé con ellos, Maggi y Flores Mora) cuando íbamos a re-
Tenía diecisiete años cuando desembarqué en con Maggi, Flores Mora, Zelmar Michelini, tirar la colaboración y yo iba solo para oír-
Montevideo, desertando del ejército al llamar- Jorge Batlle, Fleitas, Julio [Link] (que le hablar de arte mientras escuchábamos
me a filas el general Franco. Mi familia vino entonces era solo “Julito”, por ser el mas joven), el violín de Horacio o el piano de Manolita.
años después cuando, a su vez, mi padre fue Hierro Gambardella, etc., etc. Y tantos que no Salía de ahí con la sensación de haber
expulsado de España donde ejercía la función menciono pero con quienes nos reuníamos estado en un templo. En esa época, ade-
de Cónsul del Uruguay. los sábados al salir de la redacción a tomar la más de pintar, yo escribía. Seguramente
famosa “uvita” en el bar del Mercado Central estaba en el momento en que lo que se
-¿Qué recuerdos tiene de aquella vieja donde además yo tenía mi taller de pintor, o llama”vocación” no estaba definida, aun-
redacción de Acción donde tenía compa- del pintor que habría de llegar a ser. que llegué a publicar algo en APEX y más

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 

Entrevista a Leopoldo Nóvoa ///

© A. Persichetti
tarde en Buenos Aires en idioma gallego, pero me insistieron mucho con sus ideas… Volviendo a la pintura, luego de lo que
crónicas de carácter antifranquista. estoy seguro que vos les vas a convencer, sería su etapa figurativa, comienza
aunque no te van a entender”. Yo tenía el otra donde la materia, la luz y el mono-
Después realiza el mural del estadio del apoyo de Orozco, y en cierto modo, también cromismo son sus características mas
Club Atlético Cerro, ¿Qué recuerda de de la directiva que quería lo mejor para el sobresalientes.
aquello? club. Pero el realizar el mural fue una cosa Cuando terminé el muro del Cerro estaba
Tengo muchísimos recuerdos, pues la milagrosa. Lo quise hacer (y lo hice) con acostumbrado a ver la incidencia de la
realización de esa obra, que podemos ca- materiales de recuperación, pero con infini- luz sobre los materiales. De manera que
lificar de gigantesca, duró casi dos años y tos problemas a cada paso. Varias veces se comencé a hacer cortes a la tela, por detrás
alcanzó 600 metros de superficie, sin contar interrumpió el trabajo debido a todas esas le ponía materiales que tomaban una ex-
el entorno que también fue terminado dificultades. presión según la luz con todas sus variantes.
conjuntamente. La obra que, como Maggi En realidad, la luz siempre fue imitada en
comentó, era “el monumento que el senador En aquella época ya era una obra avan- la pintura pero lo que quería no era repre-
Luis Tróccoli se construyó a si mismo”, sufrió zada porque es una combinación de sentarla. Era la luz en sí. Cualquier cosa que
muchos avatares económicos y artísticos. mural escultórico con una instalación venía por detrás quedaba con un relieve ilu-
Hubo sí, una fuerte oposición a mi proyecto, que prolonga la lectura del muro. minado. De manera que la luz la incidía. Yo
lo que creó muchas dificultades a medida Había un entorno, el muro se prolongaba en movía luego la luz y la situación del cuadro
que la obra avanzaba. Posteriormente, un entorno que ahora está deshecho. Hay cambiaba completamente. Exactamente lo
empezaron a salir comentarios elogiosos fotografías de la época donde se ve que el que sucedía en el muro según la trayectoria
en la prensa extranjera y nacional que terreno está tratado con el mismo lenguaje del sol. Después le incorporé la aplicación
tranquilizaron lo que en su tiempo fue que el muro. de materiales, desgarraduras, cenizas,
polémico. Ahora, con nuevos directivos y el cordeles, alambres. Yo trataba, trato de ex-
apoyo del actual ayuntamiento, se estaría El mismo esquema compositivo en presar lo que podría ser mi cosmovisión del
en condiciones de terminar y, sobre todo, de donde se combina la piedra con otros mundo, de una sociedad que está al borde
conservar en buenas condiciones. materiales lo repitió en el “Mural de la del agotamiento y de la catástrofe. En todas
cantera” del parque Santa Margarita, partes se están produciendo una serie de
Le plantearon pintar una historia del en La Coruña. desgarraduras humanas… de una tragedia
deporte en imágenes. Ahí contaba con más medios. Materiales… enorme. Y eso yo trato de explicarlo y de
Eso era lo que proponía la gente del esta- en fin, pude trabajar. En La Coruña tampoco expresarlo con la materia y con el color que
dio, dibujar un mural con atletas y todo lo lo terminé pero fue por otras razones. Este la materia produce.
referente al tema. Eso que me pedían yo mural tiene las raíces de su significación en De pronto, era una pintura “no figurativa”.
no lo quería hacer. De manera que el arqui- la continuidad del mural del Cerro. Los he En aquella época se luchaba por la escuela
tecto Orozco, que en aquel momento era el unido en una obra que he estado realizando figurativa o por la escuela abstracta. A partir
arquitecto del estadio, me dijo: “Mirá, yo te durante veinticinco años como un culto a de ahí transité por distintos estilos porque
voy a solicitar una entrevista con el club y vos la existencia nómade de mis antepasados, iba captando el arte de mi tiempo. En ese
te arreglás con ellos. Yo ya les conté que sos un homenaje a inmigrantes de los dos sentido me influyeron distintos movimientos
un artista muy moderno y ellos escucharon, continentes. y artistas de entonces: Alberto Burri…

 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// Entrevista a Leopoldo Nóvoa
Antoni Tapies, Lucio Fontana… resantes. El primero cuando vinieron dos volqué a la abstracción, a raíz del empujón
Tapies también y otros españoles que se periodistas de “Cruzeiro Internacional” de que me dio Oteiza.
inspiraron en Burri. Fue un médico italiano Río de Janeiro, que fotografiaron el mural
que se llevaron preso los americanos y lo del Cerro e hicieron un reportaje de cuatro Usted tiene una extensa trayectoria de
internaron en un campo de concentración. En páginas a todo color, y eso ayudó para trabajo en los dos continentes: América
ese lugar fue que hizo los primeros trabajos que el club no estuviera tan en contra del y Europa, fundamentalmente. ¿Qué sig-
con hierros, latas, maderas quemadas y toda proyecto. Había aparecido un argumento, nificado tiene el arte para usted y qué
clase de deshechos. Fue componiendo cosas de que el mural podía valer la pena, por lo diferencia percibe en los dos lugares?
descompuestas; ese fue el creador de verdad menos publicitariamente. Después apare- De los artistas, ninguna. De los seguidores,
en el arte matérico. cieron otros en Europa en libros y revistas. críticos, sí, pero no citemos a nadie. Una cosa
Fontana... Los cortes que hacía en sus Ese fue el momento, para mí, más impor- es tener talento, oficio y otra es ser creador
obras no son heridas. No hay drama. Pero tante, pues fue el momento de partida para y es aquí que por períodos el centro artístico
volviendo a los otros, son varios los artistas el “arte otro”, en donde sumé todas esas pasa de un continente a otro sin que ello
que trabajan así. En Italia, a esa escuela se experimentaciones. Y luego, cuando Michel tenga ninguna importancia. Y en cuanto a mi
llamó “Arte póvera”, que fue la influencia Tapié vio el mural y se sorprendió de que en percepción artística, sobre todo, a partir del
mayor que tuve en ese momento. Quiero este país hubiera obras de esas característi- “Arte póvera”, me fui corriendo de lo que se
decir que fui un pintor no concentrado en cas. Entonces me dijo: “Véngase a París, que puede llamar mi ideología política de centro
un estilo específico. Fontana me influyó yo lo voy a apoyar, soy asesor de una galería izquierda hasta lo que se puede llamar de
en los aspectos formales, pero más aún importante y lo voy a hacer entrar”. Sin izquierda…; como una manera de examinar
Manzoni... también el “manifiesto blanco”. embargo, mi primera exposición en París la la sociedad y el momento en que vivimos…
hizo la galería Edouard Loeb, que fue uno
Usted viaja a Francia en ese período. de los “marchands” históricos y con quien ¿Usted se define como alguien de extre-
Cuando terminé el mural del Cerro, realicé los trabajé hasta su muerte. ma izquierda?
murales de las Termas del Arapey y de allí me No, porque la extrema izquierda va ne-
fui a París. ¿Qué edad tenía entonces? cesariamente acompañada de la acción.
Cuarenta años… Estaba en plena posesión Recordemos la reflexión de un gran artista
Luego sucedió un hecho dramático, de mis facultades. Tapié que fue el inventor como Antonio Machado que resume en su
como fue el incendio de su taller en de la frase “arte otro”, y se sorprendió que elogio a Lister la frustración de tantos inte-
París. aquí hubiera artistas que estuvieran en sin- lectuales: “Si cambiar pudiera mi pluma por tu
Pero eso fue muy posterior. Mi taller funcionó tonía sin saberlo… Yo estuve siempre muy pistola de capitán, contento moriría”.
unos años y luego se incendió. Todo se perdió atento a los trabajos de mis contemporáneos,
en el fuego, cientos de obras como las que para aceptar o para rechazar. ¿Qué significa realmente eso para
se expusieron ahora en el Centro Cultural Después del incendio, no tenía mucho para usted?
Español. mostrar. Mi razón de ser fue trabajar, y Es que no se puede definir. Es como el mar-
trabajé mucho, muchísimo. Después de esa xismo, es un concepto universal que trata
¿Como reaccionó ante ese infortunio? obra vino otra pintura de espacios muy des- de sustituir a este tremendo desastre que
¿Quiso reconstruir la obra que venía ocupados. En eso me influyó Oteiza, de quién se llama capitalismo: esa negación total del
haciendo, o tomó otra dirección? fui muy amigo. Lo frecuenté en París, y más pensamiento humanista. Un capitalismo
No, no. Algunos compañeros, pintores, me en España. Era un apasionado y me influyó que sigue empobreciendo materialmente
prestaron su taller, y me dieron un poco constantemente. Esos espacios vacíos de los y espiritualmente al ser humano. ¡Es una
de dinero para comprar cobre. Empecé con que hablaba… me influyó tanto como Torres construcción tan nefasta!, que empobreció
grabado para no pensar en el incendio; la García en ese momento. En cierto momento a millones de seres humanos en todos los
manera de lograr eso era empezar a trabajar yo estaba pintando una draga y Oteiza me continentes…
enseguida. dice: “Para ti eso es una draga, pero para mi
eso es abstracción. Ahora quiero que hagas ¿Esa fase del capitalismo también se ve
¿Cuáles fueron los períodos o los mo- un cuadro, pero sin dragas”. Así fue, pinté el reflejada en el arte?
mentos que fueron determinantes en cuadro que me pidió, se lo mostré y me dijo: Hay seres que son artistas y anticapitalistas
su extensa trayectoria? “Pues esto es lo que tu haces, eres un pintor pero eso no se ve reflejado necesariamente
Yo viví dos momentos que son muy inte- abstracto”. A partir de ese momento me en su obra…

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 

Educación artística visual ///

Acerca de lo que
debemos considerar
Fernando Miranda

L
a primera respuesta que habitualmente una comprensión de lo educativo artístico a nivel Es decir, cuando la imagen pierde una aparente
se tiene a fin de comprender la educación visual pensando en ciudadanas y ciudadanos especificidad técnica que estamos entrenados a
artística es creer que ésta, solo –o princi- comunes. decodificar como imagen artística y se “confunde”
palmente– se refiere a la formación del artista o Además, y sin pretender redundar sobre las con elementos cotidianos o con la manipulación
del profesional del arte. Difícilmente se considere condiciones de las artes visuales contemporáneas, de éstos en un determinado sentido.
inicialmente la importancia y lugar de esta forma- y más acá del “fin del arte” (dado que ya mucho
ción con relación a la integralidad de la educación se ha escrito sobre el más allá de tal fin), sí me 2) La ruptura de los espacios tradicionales
de mujeres y hombres; y mucho menos a la nece- interesa apuntar algunos elementos que entiendo de exposición que reforzaban el aura de la obra de
sidad de la comprensión, la crítica y la acción de necesarios en la construcción de la mirada sobre arte en términos de la generación de un entorno
ciudadanas y ciudadanos comunes en esta época la situación de la educación artística visual y que “apropiado” para la contemplación, el recogimien-
de exacerbación de lo visual. ejemplificaré con algunas imágenes tomadas de to y el contacto directo del espectador con la obra.
Dentro del sistema educativo, pero aún también espacios directamente vinculados a la producción (IMAGEN 2)
en otros ámbitos de educación, la tendencia de imágenes artísticas o emplazadas en espacios
dominante es la del desarrollo más o menos dedicados con ese fin. Espacios, a su vez, más o 3) La síntesis de esa doble ruptura de duda sobre
profundo de ciertas habilidades prácticas o menos generalizados en su accesibilidad y no la obra y su emplazamiento; sobre su esteticidad
manuales; en general dirigidas al acercamiento dirigidos estrictamente a un público específico o y su ubicación; en la construcción de espacios y
a alguna técnica o lenguaje de producción de entrenado particularmente. modalidades de relación con el espectador, la
imágenes visuales o a la comprensión de ciertos De esta manera, me interesa señalar de manera crítica, el mercado, que se rearman y reconstruyen
elementos formales en apariencia comunes a esa indicativa y sin pretensión exhaustiva: con ámbitos tradicionalmente diversos de lo
producción. artístico o al menos demarcados claramente en su
Pero, en épocas de superproducción de imágenes 1) El estatus de duda sobre lo artístico, cuan- condición concreta. (IMAGEN 3)
(que ni el propio Benjamin hubiera imaginado do nos referimos a un conjunto de obras, imáge-
en La obra de arte en la época de su repro- nes, lenguajes, técnicas, que abren a la recurrente 4) La participación del espectador como
ductibilidad técnica) esta visión acerca de la pregunta de: “¿esto es arte?”. (IMAGEN 1) constructor del sentido de la propia obra o imagen
educación artística visual resulta absolutamente visual, contradiciendo la contención de la artis-
estrecha e insuficiente para abarcar las necesida- ticidad en aquella en sí misma, y descargándola
des de formación de las personas. en la construcción relacional con los públicos.
El pronto dominio de diversas posibilidades de (IMAGEN 4)
repertorios visuales conlleva la necesidad de es-
tablecer abordajes educativo artísticos que con- Algunas consideraciones generales sobre la
templen el exponencial inventario de imágenes educación artística visual
visuales que se producen, reproducen, circulan, En este marco de situación, me importa señalar
comercializan, y navegan en tiempos de fotologs; algunas consideraciones generales, no necesaria-
webs; playstations; programas de intervención de mente exhaustivas ni únicas, pero si fundamen-
imágenes; cámaras digitales;... tiempos en que los tales para una conceptualización abarcativa de
teléfonos ya ni siquiera son para hablar sino para la educación artística visual... y, porqué no, como
tomar imágenes fijas o en movimiento. fundamento de una política educativa pública y
Si no pensamos en esta condición -agregada a abierta en este campo.
las características propias del campo artístico Con esto no estoy abogando por la estatización del
contemporáneo en específico-, corremos el riesgo arte, pues sería caer en nuevas formas de fun-
de trasladar aquel conocido mito de la lechuza: cionalismo o adecuación; por lo que me interesa
iniciaremos el vuelo de la reflexión en el crepúscu- promover la instalación del disenso; la llamada de
lo de los acontecimientos. IMAGEN 1- Angelina Camelo; Fernanda Gomes; atención; la imperfección y la ruptura de lo públi-
Por ello, estas aproximaciones conceptuales que Natascha Otoya (2007) “Quero tudo o que eu nao preciso”; co como un espacio de costumbre.
presentamos se refieren no sólo a la educación Belo Horizonte, Brasil / fotografía tomada por el autor del texto Por tanto, señalo aquí algunos puntos notorios
artística “profesionalizante” o “práctica”, sino a en el Palacio de las Artes de Belo Horizonte para este argumento.

 / La Pupila junio 2008 / nº 02

IMAGEN 2- Erika Bernhard; Noel Langone (2007) “Burocratismo” Centro Cultural Plataforma - MEC; IMAGEN 3- S/A (2005) “Máquina de Arte; Buenos Aires, Argentina / fotografía tomada por el autor.
Montevideo, Uruguay / imagen cedida npor los artistas.

a) La educación artística visual debe observar y dirigida o de iniciados en el sistema del arte, en vigentes, coincidentes o contrapuestas, sobre las
promover la experiencia estética, en tanto ayudar- tanto las personas se relacionan con aquellas características de la enseñanza, el aprendizaje y
nos a reconocer las formas que nos proporcionan imágenes más allá de la frecuentación de los los contenidos de esta educación.
esa experiencia; y aún más cuando estamos frente espacios establecidos en el sistema. En este sentido, encontramos aún en nuestro
a imágenes apreciadas socialmente como formas e) La educación artística visual, así como el arte medio una sistematización insuficiente sobre una
legítimas de arte. y la experiencia estética, no son elementos sub- multiplicidad de prácticas y propuestas vinculadas
Es básico que el sentido de esta educación tenga sidiarios o transversales para la comprensión de al campo de la educación artística; sistematización
en cuenta que las imágenes visuales en general, otras disciplinas o la adquisición de otros conoci- que debería ser básica para la construcción colec-
y las obras de arte en particular, sustenten la mientos más importantes. tiva de proyecciones generales en este campo.
posibilidad de engarzarse a la experiencia vital Tal educación (y la creación y la apreciación) inte- g) Si suscribimos las necesidades de crítica y
de mujeres y hombres sin distinciones elitistas de gra la posibilidad humana en el sentir y el hacer, formación con relación a la educación artística
arte culto y popular. es la experimentación vital de lo visual y de lo trascendiendo al conjunto de producciones de
b) Las artes visuales forman parte del amplio artístico, pero es su trascendencia en la posibilidad la cultura visual contemporánea, procuremos, al
repertorio de la cultura visual contemporánea comprensiva del mundo. mismo tiempo, generar una actitud indagatoria
pero agregan la posibilidad de la ocurrencia f) Es fundamental para repensar la educación que trascienda, como acontece en muchos casos,
transformada. artística visual revisar los implícitos que se ponen la producción artística personal. Se establecería
La imágenes visuales instauran una oportunidad en juego en la relación educativa en torno al ob- así la importancia de nuevos territorios de desa-
de poner en común un mundo instaurado desde la jeto arte como conocimiento; a las concepciones rrollo de la educación artística y las consecuentes
creación, sea que ésta remita a un ser anterior (real prácticas que esto conlleva; su relación con los
o ideal; social o material; no importa en este caso); lenguajes y manifestaciones tradicionales del
sea que refiera a la posibilidad de sublimación de arte y con la incorporación de diversas tecnolo-
una condición sensible insostenible en la realidad gías actuales.
por sus extremos trágicos, dramáticos o de riesgo. h) Finalmente, un objetivo de orientación de la
Por esto, la necesidad de la educación artística vi- educación artística visual debe ser el de quebrar
sual, y su importancia, (como la del arte) está en su la distinción que separa al productor de arte de
posibilidad de modificar la mirada de las personas. quien lo enseña (cuando no son coincidentes).
c) La educación artística visual debería orientarse Y esto, seguramente, debe hacerse desde la for-
a la necesaria suspensión de la autoridad tanto mación inicial del artista y el educador; ya que los
como a la posibilidad de la transformación. En practicantes del campo de la educación artística
tanto sostengamos una ubicación ecléctica, hete- necesitan abordar con crítica, reflexión y sistema-
rogénea y crítica sostendremos, al mismo tiempo, tización los problemas del método: lo cualitativo,
la mencionada suspensión de aplicar a la materia lo colaborativo, lo social y las relaciones estable-
(o a la idea) la forma única de la autoridad. cidas con el/los objeto/s de estudio, de cualquier
Esta condición abre el permiso a la pregunta condición que éstos sean.
acerca de dónde se condensa lo estético, y a sus
posibles respuestas (combinadas o superpuestas): En síntesis, me ocupa la educación artística en su
en la condición de libre interpretación, en la hete- vinculación con la experiencia estética como rela-
rogeneidad, en la participación del espectador, en ción vital entre el sujeto y la imagen, y fundamen-
la propia suspensión de la forma sobre la materia. talmente en un entorno de presencia extrema de
d) Si las imágenes visuales en general, y las obras lo visual, de la proliferación de artefactos que la
de arte en particular, son un continuo de posibili- producen, reproducen o circulan; y de la construc-
dad a la interpretación, entonces la inclusión de la ción social no sólo de la propia imagen sino del /
educación artística visual en la formación integral de los sujeto/s que se relaciona/n con ella.
de todas las personas tiene que ver con la prioriza- Por esto, la educación artística visual, para ejercer
ción referida de la experiencia estética, por sobre su papel crítico y transformador debe considerar
la colección, la crítica, o la muestra. IMAGEN 4- Sebastián Alonso; Martín Craciun (2007) “HOR- (y esto también ha de ocuparnos) las maneras
Esta condición afecta necesariamente la apertura MIGÓN / Acción y representación en el espacio público” MAPI; de construcción de los públicos; las miradas y la
de lo educativo artístico por sobre la atención Montevideo, Uruguay / imágenes cedidas por los artistas. interpretación de las imágenes.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 

La caricatura ///

De la caricatura
considerada como
una de las bellas artes
Jaime Clara

Los Olimareños. Carlos Palleiro

El poeta Oliverio Girondo. Fermín Hontou Joaquín Torrres García. “Menchi” Sábat La senadora. Arotxa

E
l título pertenece a una cita del escritor cubano Alejo Carpentier en tarea del caricaturista exactamente la del artista clásico?” Y respondió que
un artículo sobre la caricatura norteamericana, publicado en la revis- “los dos ven la verdad perenne detrás de la superficie de la mera apariencia
ta “Letra y Solfa”, en noviembre de 1956. Y no es una exageración. exterior. Los dos tratan de ayudar a la naturaleza a llevar a cabo su plan.
Para Carpentier, “la caricatura ha logrado, en los Estados Unidos, una Uno puede tratar de visualizar la forma perfecta y plasmarla en su trabajo,
calidad de factura y de contenido difícil de igualar.” Alude en ese artículo el otro aprehende la deformidad perfecta y así revela la esencia absoluta
a Saúl Steinberg, al que define como “caricaturista de ‘cosas’, tanto como de la personalidad. Una buena caricatura, como toda obra de arte, es más
caricaturista de hombre” y que hace pensar “en el nivel que ha alcanzado un parecida a la realidad que la vida misma”.
arte, considerado hasta ahora como arte menor, en la multiplicación de sus Los historiadores recuerdan que Leonardo da Vinci representó una
enfoques satíricos.” Los caricaturistas norteamericanos de aquella época ruptura con los modelos universales establecidos en su época. Se opuso
–mitad del siglo XX- eran elogiados por el escritor cubano, que indica que al concepto de “belleza” ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza
“cuyas ocurrencias diarias están constituyendo una suerte de recuento de las con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo
angustias del hombre civilizado en esta época.” El artículo menciona como grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, consi-
“caricatura” al llamado dibujo satírico, de situación, que no siempre tiene derados las primeras caricaturas de la historia del arte.
un personaje conocido como protagonista. Para el escritor Honoré de Balzac “la caricatura es un recurso agresivo y
Casi diez décadas después, si bien la caricatura ganó espacios, todavía cordial”. Para Emil Dovifat, la caricatura es “cargar e insistir y es en sí la
es considerada un arte menor. Es “un modo de expresión que dispone de exageración satírica de las particularidades propias de personas o circuns-
argumentos propios para decir las cosas”, argumentó Carpentier en el tancias, señaladas de forma certera o impresionante”.
mismo artículo. La caricatura es una búsqueda de equilibrios, de armonía dentro de la
Los orígenes de la caricatura vienen de lejos en el tiempo. Las crónicas fisonomía de un personaje, exagerando determinados rasgos, agran-
mencionan al italiano Annibale Carracci como el que comenzó esta tra- darlos o hacerlos visibles de alguna manera. Esos rasgos pueden ser
dición artística. En el siglo XVI fue inventado el concepto caricatura, que de la fisonomía del caricaturizado o algo vinculado a la actividad que
proviene de caricare, que significa “cargar”. Carracci se preguntó: “¿no es la realiza, a una situación, a un hecho noticioso que lo involucre. El punto

10 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// La caricatura

Chaplin. José Gurvich

(Gentileza de R. Orzuj y la Fundación Gurvich)
Golda Meier. Raquel Orzuj, 1985

Marcel Marceau. Al Hirschfeld

Franz Kafka. Rep (Miguel Repiso) Gallinal y Pacheco. Pieri, 1982

es que esa exageración lleva, generalmente, un vínculo cómico “cuando

no se le toma como objeto sino como simple medio por el cual el dibujante
presenta a nuestros ojos las contorsiones que ve en la naturaleza”, dice
Uruguayos
Henry Bergson en su ensayo “La risa”.
El crítico Ernst Gombrich menciona un aspecto que es clave en la carica- Podemos definir a Uruguay como tierra de caricaturistas. Sin
tura, cuando dice que “si hay un tipo de imagen que se queda muda sin embargo, esta forma de expresión plástica no ocupa los lugares de
ayuda del contexto y el código, es la caricatura política”. Es fundamental preferencia que debería a juzgar por los nombres que participan de
que el espectador conozca la situación que se dibuja. Además, ponía esa lista de notables dibujantes. Desde Hermenegildo Sábat (abue-
de manifiesto la trascendencia de la labor del dibujante cómico cuando lo) de la revista “Caras y Caretas” de finales del siglo XIX, su nieto y
escribió que “el dibujante por desdeñable que sea su calidad artística, homónimo Hermenegildo Sábat (Menchi), radicado hace cuarenta
tiene más probabilidades de impresionar en una campaña de odio que el años en Buenos Aires, pasando por los actuales Rodolfo Arotxarena
orador de masas y el periodista”. (Arotxa), Fermin Hontou (Ombú), Horacio Guerriero (Hogue),
Charles Baudelaire, que tiene un formidable ensayo sobre la caricatura Francisco Graells (Pancho) dibujante en el diario francés “Le Monde”,
y la sátira (ver reseña en pág. 29), indicó que “sin duda alguna, una
Tunda Prada (Tunda), Jorge Satut, Domingo Ferreira (Mingo), Pedro
historia general de la caricatura en sus relaciones con todos los hechos
Seoane, o los emblemáticos Leonardo Galeandro, Jorge Centurión
políticos y religiosos, graves o frívolos, relativos al espíritu nacional o a la
moda, y que han agitado a la humanidad, resultaría una obra gloriosa e (Cent), Julio E. Suárez (Jess), Diógenes Hequet, por nombrar solo
importante”. Para el notable caricaturista norteamericano Al Hirschfeld, algunos. Pero además es justo mencionar la cantidad de artistas
“una caricatura es algo que tiene una idea literal, un punto de vista. Con plásticos para quienes la caricatura ha sido en algún momento una
los años, dijo, simplemente me he preocupado sobre la línea, formando salida laboral en la prensa o un placer no disociado de su profesión.
un espacio. Una caricatura no depende de la calidad, sino de la idea. Si es En este último caso la lista sería interminable.
una idea buena, cualquiera puede hacerlo”.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 11

Gonzalo Fonseca ///

Gonzalo Fonseca:
“Sobre los Muros”
En el próximo número de La Pupila, nos internaremos en el análisis de la obra de Fonseca.
A continuación, detallamos todas las actividades que se han planificado en torno a su obra.

uno de los mejores escultores del siglo XX. Entre las obras que integrarán
la muestra están las pertenecientes a colecciones públicas y privadas de
Uruguay, Venezuela, coleccionistas privados de Estados Unidos y legado
del artista. A estas actividades se le sumará la presentación del catálogo.

Exposición “Tradiciones en tránsito”.

“Sobre los muros”: ciclo de exposiciones sobre la obra de Del 10 de julio al 17 de agosto. Museo de Historia del Arte.
Gonzalo Fonseca (1922-1997). Varios artistas a partir de una mirada al constructivismo desde la con-
Comprende diversas actividades a través de las cuales el público uru- temporaneidad.
guayo tendrá la posibilidad de apreciar obras nunca antes expuestas Artistas que participan: G. Serra / M. Larrosa / D. Batalla / L. Balbuena /
en nuestro medio. Se realizará entre los meses de junio y agosto de F. Méndez / Curaduría colectiva.
este año en los principales museos. El Ciclo cuenta con el auspicio del
MEC, el Ministerio de Relaciones Exteriores, el Ministerio de Vivienda y Exposición: “En la mística de la pintura”.
Ordenamiento Territorial, IMM y Junta Departamental de Montevideo. Del 17 de julio al 17 de agosto. Museo Torres García.
Gonzalo Fonseca en contrapunto con Joaquín Torres García. Diálogo
El ciclo de exposiciones integra: entre dos creadores. Presenta obras suyas y de Torres García correspon-
dientes al periodo de formación del artista en el TTG.
Exposición “La sombra del arquitecto”,
del 26 de junio al 26 de julio. Actividades académicas:
Subte Municipal. Artistas consagrados y nuevos artistas en relación En el Centro Cultural de España, dos seminarios y una mesa redonda con
con la obra de Fonseca. Curaduría de Gustavo Tabares y Fernando la participación de especialistas nacionales y extranjeros.
Loustaunau. Seminario: Legado de Gonzalo Fonseca
Se trata de generar miradas contemporáneas sobre la obra de Fonseca, Primera jornada, miércoles 23 de julio de 16 a 18 hs:
en el entendido de que esta reinterpretación de destacados represen- Graciela Sapriza.+ Fernando Loustaunau + Federica Palomero (Ve).
tantes del campo del arte actual dará nueva circulación de sentido en Segunda jornada, jueves 24 de julio de 16 a 18 hs:
torno a este legado. Kosme de Barañano (Es) + Alicia Haber + Gabriel Peluffo
Artistas que participan: F. Arnaud / S. Santángelo / A. Bidart / M. Whyte Mesa redonda: Encuentros con Gonzalo Fonseca
/ E. Cardozo / P. Atchugarry / M. Bustelo / M. Verges / F. Hontou / M. J. Jueves 24 de julio 19:30 hs. Kosme de Barañano
Ambrois / E. Vila / A. Campanella / J. Bassi. Javier Bassi / Elena Fonseca / Pablo Fonseca /Toto Gurvich/ Roberto
Sapriza /
Exposición de obra pictórica y escultórica de Fonseca. Modera: Santiago Tavella
Del 3 de julio al 3 de agosto. Museo Nacional de Artes Visuales. Habrá actividades Educativas que se realizan con el apoyo del Programa
La muestra coloca especial interés en su formación en el Taller Torres de Inclusión Social (MIDES-MEC) y el Programa para Mediadores
García y la obra desarrollada en NY y Seravezza que lo posicionó entre Culturales (MEC).

12 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// Museo Gurvich

Una gran obra y un Museo para todos

Gerardo Mantero

E
l Museo Gurvich abrió sus puertas en el York: “Aquellas personas o instituciones que
año 2005 a impulso de la “Fundación tengan interés de remitir obras de maestros
Gurvich”, creada por la viuda del artista uruguayos, lo pueden hacer a través del
Julia Añorga de Gurvich, y dirigida por su hijo Museo generando un pequeño porcentaje
Martín, con el objetivo de promover y difun- para la fundación. A su vez, la casa de rema-
dir la obra del pintor nacido en Lituania en tes también dona parte del porcentaje que le
1947. Para la creación del museo, ubicado en cobra a sus clientes”.
la Plaza Matriz, la fundación donó una suma Todos esos esfuerzos van dirigidos a mante-
considerable de dinero y el usufructo por un ner un espacio de relevancia para la cultura
mínimo de cinco años de cinco colecciones y la ciudad y para valorizar la actitud de la
permanentes de óleos, obras sobre papel, familia de Gurvich que, luego de su genero-
murales, esculturas y objetos, más el bene- so aporte, necesita la respuesta de la socie-
ficio de todos los derechos de autor sobre la dad que les demuestre que la propuesta es
reproducción de obras de Gurvich con fines apoyada. Nada de esto sería posible si no
remunerativos. escuelas de contexto crítico, que fue creado se exhibiera diariamente lo que es la mayor
Para conocer en profundidad la actualidad y a partir de una gran articulación horizontal. fortaleza del proyecto: la obra de Gurvich.
los proyectos del Museo, conversamos con su El traslado se realiza en camionetas de Poseedor de un lenguaje de gran singulari-
directora ejecutiva, Silvia Listur. Cutcsa o del MEC”. dad y autenticidad donde se transparentan
Lo primero que destacó Listur, fue la labor En cuanto al manejo del museo, la directora nítidamente todas las influencias que lo
decisiva que le cupo a la viuda de Gurvich en nos explica “El Museo cuenta con obras nutrieron artísticamente y que forman
el momento de la muerte del artista, cuando representativas de cada una de las series de parte de su herencia: la iconografía judía,
se estaba preparando una gran exposición en Gurvich. Tenemos también obras en présta- el universalismo constructivo, las huellas
el museo Judío de Nueva York. Para la misma, mo de la colección de la familia o de otras indelebles de su admiración por el Bosco,
se había enviado una parte importante de generosas personas que nos permite rotar el Chagall o Brueghel. Su carácter composi-
su obra desde Uruguay, y por tanto se daba acervo. El mayor dinamismo en cuanto a las tivo, donde los ritmos, la línea y el dibujo
la compleja situación de tener la obra em- muestras lo llevamos a cabo en la planta alta, son los elementos característicos y un trata-
balada en la aduana, a nombre del artista donde se realizan exposiciones temporarias miento del color lúdico con una paleta alta
repentinamente fallecido. En esa difícil situa- (naturalezas muertas del artista, Gurvich en que contradice su formación torresgarciana,
ción, la Sra. Julia Añorga, decide suspender Nueva York, murales del taller Torres García, muestran la versatilidad de un creador que
la muestra y regresar el envío a nuestro país. una muestra de caricaturas de Guillermo mantiene la intensidad y rigurosidad en la
Allí, se traza uno de los principios rectores Fernández, su mural de Morini). El criterio rec- tela, el papel, la cerámica y el mural. En el
que explica la existencia del museo, como tor es trabajar con maestros contemporáneos a museo se puede apreciar todo su itinerario
es la preservación de una obra para que sea Gurvich, o maestros latinoamericanos que no artístico y palpar el espíritu de este hijo de
disfrutada por su comunidad. hayan sido muy conocidos.” emigrantes pobres que tuvo que trabajar en
Listur recuerda que cuando estaban mon- una fábrica desde niño. Aquél Gurvich que
tando el museo, Totó (viuda de Gurvich) Las proyecciones a futuro del museo pasan se instaló en el Cerro donde trabajó e im-
decía “yo quiero que (el museo) sea un por dos vertientes; la primera es seguir pro- partió clases, se traduce en una institución
lugar del pueblo”. Tal vez esta actitud moviendo la obra en el exterior. Es en esa cultural que tiene una política de apertura e
explique cómo esta institución privada se dirección que están encaminadas muestras integración social.
ha transformado en un lugar de interés en Israel y Estados Unidos. La otra preocu- El paso del tiempo es determinante en el
público: “nosotros tenemos un compromiso pación tiene que ver la consolidación de un arte y la vigencia tiene que ver con paráme-
con la sociedad que tiene que ver con una proyecto sustentable que asegure la perma- tros inalterables: “El devenir de los tiempos
actitud de vigilancia e interés para con los nencia del museo. En la actualidad, “Existen no forma categorías, sino [Link] pintor
demás, y eso se ve reflejado desde la lim- sponsoreos que no son suficientes. En el en este siglo no esta en mejores ni peores
pieza de las instalaciones, al rigor con que futuro la forma de operar tiene que ser una condiciones que el pasado o en el futuro.
se organizan todas las actividades”, señala mezcla de apoyos institucionales, sponsors, y Una nueva fisonomía de arte es un valor. El
Listur. Ese compromiso con el papel social de generación de recursos propios provenien- valor lo determina el artista, ya sea en un
del arte, lleva al museo a instrumentar tes de la venta de entradas, reproducciones, tiempo individualista o anónimo, primitivo
un proyecto de “Inclusión Social” dirigido etc”. Una de las formas novedosas que se o civilizado, pues siempre es un hombre que
a los que por su contexto socioeconómico estan instrumentando en esa dirección, realiza el arte y ese hombre artista, es lo que
no pueden acceden a estos ámbitos: tiene que ver con el próximo remate de arte en definitiva determina el valor”, expresaba
“Tenemos un programa que trabaja con seis latinoamericano en Sotheby´s en Nueva José Gurvich.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 13

Historias del arte ///

Imágenes negociadas:
Una mirada sociológica a través
de los retratos de Cándido Portinari
Sonia Bandrymer

E
l sociólogo brasileño Sergio Miceli es el autor del libro “Imágenes retratado con relación al campo literario, social o político, uno necesita
Negociadas: Retratos de la Elite Brasileña (1920 –1940)” del otro como soporte de un proyecto afín. Es en ese sentido que para
publicado en San Pablo en 1996. Su trabajo parte de una interpre- Miceli, los retratos son imágenes negociadas entre los artistas y los
tación sociológica de la producción retratística de Cándido Portinari. retratados, recobrando la especificidad sociológica de esta práctica
Estudia los procesos de diferenciación social y cultural, describiendo artística de larga data.
los actos del pasado tal como fueron vividos en su momento por los El retrato sería, para la época, la construcción de una forma específica
protagonistas, asumiendo como premisa que las relaciones humanas se de poder rentable y no únicamente en términos económicos. Portinari
producen en un estado difuso y de gran complejidad. se consagraría como modelo de artista “Modernista” al mismo tiempo
que en Brasil avanzaba el régimen de Getulio Vargas y se procesaba la
Los retratos son puntos de análisis estratégicos, espacios de cruza- empresa de descubrimiento cultural de las figuras de la “brasilidad”.
miento donde se condensan energías que unen un mayor espectro
posible de sentidos culturales y relaciones sociales. Exponen un juego Resultan sugestivos los indicios que se pueden extraer al comparar
de legitimidades en tensión: el artista con relación al campo artístico; el los distintos retratos de María, la mujer de Portinari (una uruguaya

Retrato de Nicolás Guillén. Retrato de Olegario Mariano

(Imagen tomada del Proyecto Portinari) (Imagen tomada del Proyecto Portinari)

14 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// Historias del arte

Retrato de la Sra. Matarazzo Retrato de María Portinari.

(Imagen tomada del Proyecto Portinari) (Imagen tomada del Proyecto Portinari)

de 19 años que conociera en París en 1930). Se puede vislumbrar la Annateresa Fabris, Historiadora y Crítica de Arte, en un ensayo publi-
ascendente posición del pintor en el campo artístico brasileño y del cado en el 2003 en la UFRGS titulado “La guerra de las imágenes”,
matrimonio Portinari en la estructura del espacio social. A cada retrato indica que en los archivos del Proyecto Portinari existen evidencias
le aplica una misma lente que sistemáticamente enfoca en primer lugar documentales sobre el “mecenazgo” ejercido por el poeta Olegario
la proximidad o distancia entre Portinari y el retratado. El autor trabaja Mariano a favor de Portinari, corroborando así la tesis presentada por
por series de cuadros que reúne acorde al tipo de negociación: aquellas Miceli en 1996. Lamentablemente, el más perjudicado por la polémica
en que el artista imprimía vigor a su competencia de pintor; los clientes fue el público, que sin haber leído el libro o visto la exposición comenzó
preferenciales: escritores; pintores; damas de la elite tradicional; el Pre- a ser informado en forma parcial. El Jornal do Brasil en un artículo del
sidente de la República; diplomáticos, intelectuales o feministas. El año 23 de junio - días antes de la apertura de la muestra, anunciaba: “Porti-
1945 marca un período de cambio, se percibe una fuerte subordinación nari sobre fuegos cruzados” en una polémica suscitada por “una extraña
al mundo de la política. En esa etapa sus retratos son de productores sociología”, todo esto sin informar sobre la opinión de cada una de las
culturales: poetas, periodistas y críticos. partes. La polémica se mostraba como un asunto: entre “portinaristas y
Su análisis es estructural al generar contrastes sistemáticos que van antiportinaristas”, “una discusión crítica sobre el Modernismo”, “Portinari
de lo particular a lo general. Primero entre diferentes versiones de como artista oficial del régimen de Getulio Vargas”. De esta manera el
retratos de una misma persona hechos por Portinari que a posteriori diario creaba dos bloques antagónicos estereotipados: Miceli/Amaral
son contrastados por trabajos de otros artistas. También los contrapone versus Werneck de Castro/Portinari/Pedrosa/Scliar.
con fotografías, caricaturas, y otros soportes posibles de trasmisión de
imágenes. La individualidad del artista no es reductible a un modelo Lamentablemente el autodiscurso de los opositores a exposición
general y su éxito no se debe a la aplicación racional de “fórmulas-re- no permitió un genuino debate sobre las “versiones consagradas”,
sultados”. Miceli repasa las ambigüedades, los dilemas, las dificultades, abriendo cauces para más de una visión posible sobre el modernismo
las pulsiones, las energías sociales condensadas en las telas. y sobre Portinari. Se le puede discutir a Miceli que para explicar su te-
sis necesitaba del libro ya que la exposición por si misma no la plan-
La polémica Exposición “Imágenes Negociadas”. teaba. Obviamente que el libro no constituía una amenaza ya que
Dos años después de publicado el libro, Sergio Miceli sería el curador fue leído entre las cuatro paredes de la academia, pero la exposición
de la exposición homónima presentada por el Centro Cultural Banco do tenía condiciones para causar un corto circuito en el campo artístico.
Brasil en Río de Janeiro entre el 2 de julio y el 11 de octubre de 1998. La La polémica sirvió en la medida que la cultura brasileña debió dejar
visión de Miceli fue objeto de un ataque virulento por parte de Moacir de razonar desde el punto de vista de glorias intocables, estereotipos
Werneck de Castro que se posicionó contra la exposición antes de su y mitos fundadores. Micelli continúa investigando el modernismo en
apertura. Werneck de Castro encontraba en la tesis de Miceli una inten- San Pablo. Trabaja sobre los modernistas, artistas de carne y hueso,
cionalidad explícita: la de demostrar que el género “retrato” es un foco ambivalentes, contradictorios, que conviven con los mecenas y sus
generador de corrupción de los artistas en ese período. Sin duda que a vicios, sus gustos barrocos, sus escapes mundanos, su distribución de
Werneck de Castro le molestaban algunas consideraciones dedicadas al privilegios. A estos los unen vínculos mercantiles, políticos, de heren-
circulo de amigos de Portinari, figuras exponenciales de la cultura de la cia, de amistad, de enemistad y en buena medida de subordinación.
época como: Olegario Mariano, Manuel Bandeiras y Mario de Andrade. Ahora sí, con todo el material expuesto, queda abierto el debate.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 15

El agua y el aceite /// Arte y mercado

arte BA´08
Decimoséptima Edición (29-05 al 2-06;
La Rural, Buenos Aires)

Oscar Larroca

L
lamada a convertirse en una de las
ferias de arte más relevantes del mundo
(junto a Arco, Art Brussels, Art Basel, o
FIAC), ArteBA convocó en su última edición a
ochenta y una galerías de todo el continente
y a casi ochocientos artistas. Un encuentro
anual donde los inversionistas, diseñadores,
artistas, agentes artísticos, freaks y curio-
sos, se dan cita. Un escenario donde no
faltaron los consagrados (Xul Solar, Berni, John de Andrea. “Sitting woman”.
Ferrari, Noé, Testa, Nigro, Seguí, Roux), ni las Polyester, resinas, mesa de madera. Medidas variables, 1973.
alianzas entre arte e historieta (Rep dibujó
sobre un mural ante el público presente),
ni las galerías que aspiran a incorporarse por el sacrosanto mercado, incluyendo las Allochis y Santiago Porter. Y hablando de
en el circuito de ventas (By Appointment, bienales internacionales, por más que sus gustos, ArteBA demuestra que un mercado
Club del dibujo, Cordón Plateado, Cultura curadores se afanen en maquillarlas con más expansivo que el uruguayo puede
pasajera, Ed Contemporáneo). Cuatro mesas discursos ideológicos de diverso calibre. A apostar a la segmentación de las tendencias
de ponencias bajo el lema “Arte Global/Arte la postre, un considerable porcentaje de la con un nivel decoroso y alejado de la obra
Latinoamericano: nuevas estrategias” y producción artística visual contemporánea de bazar (que, obviamente, también los hay
homenajes a destacadas figuras de la plástica termina siendo legitimada –aunque no en Buenos Aires). Nuestro mercado se halla
argentina (Kosice, Iommi, Testa, Lozza y solamente- por intereses asociados al capital. subordinado a una acotada franja de com-
Povarché) se sucedieron durante cuatro días. A diferencia de ediciones anteriores, se pudo pradores y acorralado por una depreciación
ArteBA se completó con el espacio “Open observar un número no desdeñable de pin- de los valores en las obras de los artistas
Space” (mayoritariamente instalaciones) y la tores que vienen apostado a la figuración de vivos. Para contrarrestar esa adocenada
muestra anual de premios otorgados por los corte “realista”: Pablo Ferrer, Patricia Claro, realidad -también presente en otros países
patrocinadores (Premio Petrobras de Artes Nicole Tijoux (Chile), Tito Monzón (Perú), latinoamericanos-, ArteBA puede ser una
Visuales, y Premio Paradigma digital- Mc Daniela Boo, Juan Becú (Argentina), Viviana ventana abierta.
Station). Zargón (Costa Rica) y Melissa Mejía Rizik
Uruguay va marcando una gradual presencia (República Dominicana). Más que un retorno Rarezas
en esta feria con Galería del Paseo (Cardillo, meramente anacrónico o de estrategias En el espacio “Barrio Joven Chandon” (un es-
Fischer, Vila), Galería Sur (Legrand, Cardozo, vinculadas al gusto del público consumidor, pacio que premia a las galerías emergentes)
López, Costigliolo), más el espacio “en se trata de una constatación fundada en se pudo ver una exposición de fotografías
préstamo” de la argentina Galería Palatina la incipiente necesidad del artista y del y videos de quien fuera el manager de la
para célebres maestros uruguayos (Gurvich, espectador de recuperar la estética y, porqué banda New York Dolls y del grupo Sex Pistols:
Figari). El Estudio de curaduría y producción no -de paso- de ir ajustando la cintura ante el empresario-artista Malcolm Mc Laren.
artística Harto_ Espacio también exhibió sus los futuros virajes que pronostican algunos ¿Qué hacía allí el manager de la agrupación
trabajos. pensadores del primer mundo. En definitiva, insignia del punk?, es una pregunta que se
no perder el tren. La fotografía también puede contestar a la luz del cinismo de aque-
Tendencias marcó su presencia con una vuelta de tuerca llos que levantaron en los ´70 la bandera de
Óleo, acrílico, dibujo, acuarela, fotografía y hacia cierto registro surrealista y mágico, más la emancipación. Destruir los ideales que se
grabado inundaban los stands. El arte bidi- cerca de la obra de Jeff Wall o de Sam Taylor- decían defender para luego ser fagocitados
mensional sigue siendo el chivo expiatorio Wood que de las experimentaciones visuales por el mercado, es la respuesta por elevación
del “arte comercial”, pues se sostiene que las (anamorfosis, superposición de imágenes, del propio Mc Laren: “El punk, los Sex Pistols,
llamadas “artes tradicionales” son mercade- texturas) propias de la década del noventa. destruyeron más de lo que crearon”.
rías más fáciles de vender. Y quizá sí, directa- Los trabajos más relevantes en esta técnica En el stand de la galería Zavaleta Lab, se en-
mente “la obra para colgar en la pared” sea pertenecían a Nicola Constantino, Nicolás contraba a la venta la escultura hiperrealista
la más representativa en este tipo de ferias. Branca, Cristina Fresca, Silvana Lacarra, “Sitting woman” (1973) del escultor esta-
Pero bueno es señalar que todos los espacios Ananké Assef, Marcos López, Laura Ortego, dounidense John de Andrea. Con el cabello
del arte contemporáneo están atravesados Mariana Cortés, Fabiana Barreda, Leandro suelto y el vello púbico recortado, “Sitting

16 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 Arte y mercado /// El agua y el aceite

León Ferrari. “Clarinete”.

Espuma de poliuretano y diversos objetos.
Medidas variables, 2008.

Silvana Lacarra. “Autorretrato I”.

C-print. 170 x 50 cm. 2008.

woman” es una obra que puede considerarse Páez Vilaró es al Uruguay: glamour y pasado para proveer sus necesidades y que eso se puede
decadente y alejada de las modas (tiene prestigioso. Es que, a falta de una bienal que hacer en el contexto de normas claras y reglas de
35 años), o emblema de uno de los últimos los acicale y cobije, ArteBA funciona como juego perfectibles y, porqué no, tendientes a la
ismos del siglo XX, según el cristal con el cual la exitosa vitrina donde las vacas sagradas posibilidad de hacer justicia de esa transacción,
se mire. Desde el punto de vista de la factura también se dan cita. En la otra esquina del estaremos de acuerdo en que Mercado puede
técnica, no es una pieza que se encuentre pabellón de La Rural, Cuauthémoc Medina, ser también una gran cosa. (…) Creo que en su
a la altura de otros trabajos del autor o de Rosa Olivares, Tanya Barson, Luis Pérez mayoría las instituciones del arte son engreídas
algunos exponentes del movimiento, como Oramas, Lynn Zelevansky, Olivier Debroise, maquinarias desde las que ignorantes vacíos de
Duane Hanson o, más recientemente, Ron Inés Katzenstein, y otros emisarios del arte poesía se transforman en apóstoles de la buro-
Mueck. Como se ve, el mercado de esta parte institucional, debatían sobre las nuevas cracia más idiota. Es un peligro que corremos
del mundo no sólo legitima a los nuevos pro- estrategias de inserción en el mundo para el todos, terminar serviles a cualquier industria
ductores (para exportarlos) sino que también arte latinoamericano. de narcisismo de las que abundan”. Volviendo
recicla una buena parte de la obra artística a lo que expresamos anteriormente, estas
que expulsan los circuitos comerciales de las El mercado ferias no están libres de que se las asocie,
metrópolis. Un ida y vuelta permanente. Para Florencia Braga Menéndez (crítica, ga- en mayor o menor grado, con fundaciones
lerista y miembro del comité de selección de o museos que cultivan intereses espurios
El jet set “Barrio Joven Chandon”): “Hay “mercado” y (legitimaciones sujetas a modas, especula-
Rodeada de periodistas y de incondiciona- “mercado”. Si reconocemos que el comercio de ción, tráfico barato de mercadería). Por lo
les, se hizo ver la estrella (en ocaso) Marta nuestro trabajo bien puede ser una cosa respe- pronto, es necesario que todo artista conozca
Minujín. La autoproclamada “pionera del tuosa y noble, si aceptamos que desde siempre el campo de juego y sus reglas para saber
pop argentino” es a la Argentina, lo que el hombre necesitó cambiar bienes con sus pares qué es lo que se gana o se pierde.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 17

Filosofía ///

El temblor de la retina
Arthur C Danto: Unnatural Wonders: essays from the gap between art and life.
New York, Columbia University Press, 2007 (384 págs).
Mario Trajtenberg

D
esde la fatídica fecha de 1984, en que no “narrativa” del arte ha perdido coherencia; ha Aparece Artemisia Gentileschi, protago-
se cumplió la profecía de George Orwell llegado a un “fin de la historia”. nista de un escándalo sexual a principios
–un mundo en que todos estaríamos El presente volumen carece de la unidad de del siglo XVII y de la notoriedad aun mayor
bajo el control del Gran Hermano-, Arthur aquél y está constituido por una selección de de ser una mujer y una artista considerable
C. Danto es conocido como el generador de artículos aparecidos entre 2000 y 2004 bajo la desde los 17 años.
una visión negativa de la historia reciente forma de comentarios que reflejan la actua- Más cerca de nosotros, Danto dirige la
del arte. Veinte años antes, la “Brillo Box” de lidad de la producción artística, sobre todo a mirada sobre artistas de los cuales todavía no
Andy Warhol había impuesto al público la través de lo que pudo verse en ese período en se ha dicho todo, tales como Giacometti con
nueva identidad de una pintura que no puede las galerías y museos de Nueva York. Con este sus figuras adelgazadas hasta la pura espiri-
distinguirse de un producto industrial para el criterio entran varios artistas de otras épocas, tualidad, el Picasso de los dibujos eróticos y los
consumo; en este caso una caja de esponjas que le sirven a Danto para reexaminarlos con alemanes de la primera posguerra –Christian
de acero, en otros la etiqueta de una lata de el lente de su sensibilidad y su conocimiento Schad, Max Beckmann- testigos, en registros
sopas Campbell, o un retrato de estrellas de de la historia –y no sólo de la historia del arte. opuestos, de un presente desastroso que
la publicidad como Marilyn Monroe o Jackie Es así como aparece Tilman Riemenschneider, conducía inexorablemente al nazismo.
Kennedy. con sus tumultuosas figuras en madera de tilo Después de haber lanzado su desafío
Danto quiso que su proclamación del “fin que se salvaron apenas de la furia iconoclasta ideológico, Danto ha pasado algún tiempo
del arte” fuera una liberación para artistas y de la Reforma. Aparece también Jean-Siméon recomponiendo el prestigio de artistas
público; en lo sucesivo quedaban abolidos los Chardin, con sus visiones de paz doméstica y generalmente despreciados por la crítica
estilos, la sucesión temporal y racional de las rutina culinaria que sirvieron como consuelo “seria”. Uno de los más célebres es Norman
escuelas y “todo estaría permitido”, como dice luego de la derrota francesa en la Guerra Rockwell, el ilustrador de tapas del Saturday
Dostoievsky de la ausencia de Dios. Pero, con de Siete Años, y de alivio ante los grandilo- Evening Post y creador de una larguísima
una punta de ironía, Danto agrega que no ha cuentes cuadros históricos del academicismo serie de imagenes pintorescas y sentimen-
sido el primer filósofo en anunciar el fin del dieciochesco. tales de la vida norteamericana. “La Historia
arte y dedicarse luego –en las muy leídas co- era el cubismo, el futurismo, el surrealismo, el
lumnas del semanario The Nation- a la crítica expresionismo abstracto. Y él, ¿qué pintaba?
de arte. El fin del arte, aclara, no es la muerte Babysitters, recién casados, papás y mamás
del arte. G.W.F. Hegel, un ilustre antecesor cincuentones, adolescentes flacuchos, tipos
de este profesor de filosofía, ya había dicho pintorescos, perritos, limpiadoras, policías
que el arte “en su vocación más alta, es y sigue amigables, médicos de cabecera, Santa Claus.
siendo cosa del pasado”. “Ni él ni yo –comenta Los verdaderos artistas estabam dedicados
Danto- supusimos que la práctica de la crítica a la historia del arte. Él se pasaba en su casa
de arte quedaba invalidada por esta tesis.”. pintando cuadros.” Esta evocación nostálgica
Y, en la tremenda serie de Conferencias sobre de un artista muy popular, que mereció una
estética que vino después, Hegel demostró ser retrospectiva en el museo Guggenheim,
un peso pesado de esa crítica. apunta un gusto desafiante por los márgenes
En realidad, agrega Danto, Hegel creía que del arte respetable, que no proviene de un
el arte ya no cumple la función primordial de descuido o ignorancia de la moda de los
satisfacer las necesidades espirituales más salones, sino de todo lo contrario: casi un
altas del hombre, como ocurría en Grecia o hastío del expresionismo abstracto y una
la Europa medieval; esa función ha pasado a añoranza de la figuración.
cumplirla la filosofía. En aquellas épocas, el Esta reacción se ejerce sobre un artista
arte hacía patente, a través de imágenes, lo como Jeff Koons (“un charlatán” según el New
que el hombre necesitaba saber sobre sí mis- Yorker), héroe de la banalidad y del kitsch has-
mo y el mundo en el que cree vivir. Nosotros ta un punto que no se sospecha sin haber visto
tenemos que interpretar lo que ellos compren- las páginas de internet que le están dedicadas
dían inmediata e intuitivamente. (dicho sea de paso, el libro habría ganado con
En su Después del fin del arte1, Danto algunas ilustraciones). Su arte publicitario,
desarrolló esta idea y relató el choque de la sus aparatos domésticos inútiles y minuciosa-
aparición del arte pop en 1964, que desvió su mente confeccionados, sus óleos, serigrafías
carrera de la filosofía a la crítica de arte. Con y esculturas en diversos materiales –cristal,
una densa elaboración teórica, sitúa en la his- porcelana, acero cromado- y sus figuras infla-
toria el proceso que lo llevó a buscar “estructu- bles revelan la sed de imágenes hiperrealistas
ras narrativas objetivas de cómo se desarrollan Barney Newman. Onement III. que ha dejado el paso del expresionismo
los eventos humanos”, concluyendo que la Oleo, 182,5 x 84,9 cm. 1949 abstracto, y si el éxito comercial sirviera para

18 / La Pupila Junio 2008 / nº 02

 /// Arthur Danto

el espectador por sus enchastres de chocolate (que parecen otra cosa) y

las cosas que hace con la comida en sus videos: un comentario de recha-
zo, opina Danto, a las imágenes conformistas y sentimentales del cine.
-Renee Cox expone una enorme foto de sí misma, desnuda, con los
brazos extendidos, que el entonces alcalde Rudolph Giuliani fulminó
como sacrílega por su alusión a la Ultima Cena.
-Barnett Newman hace en Onement 1 una declaración de sencillez y
despojo visual: un plano de color único, con una rajadura pintada de arri-
ba abajo. Las Estaciones de la Cruz, pintura blanca y negra sobre fondo
Joan Mitchell. Sin título. Óleo, 185 x 185 cm. 1986.
del lienzo sin preparación, está compuesta en forma similar por franjas
verticales, que en las estaciones 12 y 13 se convierten en un dramático
negro uniforme, otra vez casi completamente blanco para la 14, imagen
juzgarlo habría que considerarlo uno de los grandes de la actualidad. Las de Cristo entregando el alma como cuenta San Mateo. Danto llama a
imágenes pornográficas de Koons y su mujer están apenas desmentidas Barnett Newman “uno de los últimos grandes tipos”.
por el material con que trabaja, el cristal, y por el obvio atractivo y la -Joan Mitchell, casi la única mujer del expresionismo abstracto,
juventud de la pareja. creadora de manchas con espeso pigmento y también tonos esfu-
Además de los grandes de la filosofía, que miran por encima del mados; fue más allá de lo que Duchamp llamaba “un temblor de la
hombro de Arthur Danto en cada uno de sus juicios, hay en sus artí- retina”, fiel hasta su muerte en 1992 a una abstracción pura que iba
culos presencias obsesivas y fantasmales, principalmente la de Marcel pasándose de moda. Su arte, dice Danto, era “memorable y urgente” y
Duchamp, uno de los introductores del dadaísmo en Nueva York y descu- para confirmarlo pueden mirarse algunas de las reproducciones ofreci-
bridor de los objets trouvés –un orinal, una rueda de bicicleta- que ayu- das por el servicial Google.
daron a difundirlo. Esa presencia vela sobre los gestos zen de Yoko Ono, -En el otro extremo de un arte no representativo, las imágenes racio-
la viuda de John Lennon, y sobre los conjuntos heterogéneos de Fluxus, nales y geométricas de Robert Mangold, con sus misteriosos firuletes
una corriente difícil de identificar salvo en su rechazo de la “obra de arte” inscritos en planos monocromos y una serie de “columnas” que a Danto
como objeto. Motivada por la enseñanza de dos maestros que no tienen le parecen más bien torres como las que cayeron para siempre en 2001.
nada que ver con el arte visual, el compositor aleatorio John Cage y D.T. -El Cremaster Cycle de Matthew Barney es una serie de cinco
Suzuki, el divulgador del Zen, cuenta entre sus muchos practicantes a películas de distinta duración; la más larga y menos soportable, la
George Maciunas, que dio su nombre al grupo Fluxus y afirmó que “si tercera del ciclo, dura más de tres horas. No es obligatorio verlas una
el hombre pudiera experimentar el mundo que lo rodea de la misma a continuación de otra, y quizá haga falta algún respiro para asimi-
manera como experimenta el arte, no habría ninguna necesidad de arte, lar su exuberante complejidad de símbolos masónicos y referencias
artistas ni otros elementos improductivos.” El arte, comenta Danto, no es anatómicas. Algunos de los personajes son el ajusticiado Gary
un precinto especial de la realidad sino una manera de sentir cualquier Gilmore, interpretado por el propio Barney, el mago Harry Houdini
cosa: la lluvia, el rumor de la multitud, un estornudo, el vuelo de una (Norman Mailer) y un actor/actriz de sexo indefinido llamado Marti
mariposa.” Las corrientes “minimalista” y “conceptual” no podrían haber Domination. El ciclo se proyectaba en el museo Guggenheim, que
llegado más lejos. también figura como escenario.
Antes de transitar esa distancia –o en forma simultánea-, Danto hizo
regularmente la crónica de todas las exposiciones que pautaron la des- Esta crónica puede hacer muy poco más que exponer la variedad de
cendencia (o la decadencia) del expresionismo abstracto y tuvieron lugar estímulos de un medio como el de Nueva York y el rigor con que Arthur
en los años abarcados por esta antología. No todos los artistas estaban Danto se ha orientado en ellos a lo largo de los años, ayudado por su sa-
vivos en ese momento. Algunas de las descripciones ayudan a paliar la ber filosófico y estético, su ojo y su memoria. “Aún cuando tenga reservas
ausencia de fotografías. a propósito de la obra que comento, como a veces ocurre”, declara al final
-Sean Scully, en las cajas que cuelga a un ángulo recto con la pared, de su colección de crónicas, “mi tarea es dar a los lectores algo en qué
cultiva franjas, como el francés Daniel Buren en el Palais-Royal de París, pensar sobre el arte, sobre la vida y sobre las relaciones entre ambos”.
pero son franjas “vibrantes, pictóricas”, con anchos y tonos diferentes.
-Paul McCarthy no vacila en apelar a la repugnancia que pueda sentir 1
Barcelona, Paidós, 1999.

Junio 2008 / nº 02 La Pupila / 19

/// A cuarenta años del Mayo francés

Arte, compromiso y poder

A lo largo del siglo XX, las actividades de los productores de hechos culturales estuvieron a caballo entre la
defensa de la independencia creadora y el advenimiento ante el poder. En un siglo XXI donde el tablero cayó
en pedazos y la premisa es la geoidiocia del “vale todo”, ¿es pertinente hablar de compromiso artístico?

“Si por ejemplo hoy existiera un Antonin Artaud,

sería una curiosidad apasionante que podría ser financiada:
entonces, o bien se suicidaría, volvería por su propia
voluntad al hospital psiquiátrico, o bien se volvería él
también una estrella que sale en la televisión.”
Cornelius Castoriadis
Oscar Larroca

R
obert Fripp afirmaba que con la desapa-
rición física de John Lennon se disuel-
ven los últimos ideales éticos de una
generación. Para el líder de King Crimson,
el deceso del ex-beatle termina de sepultar
los valores del “hombre nuevo” supuesta-
mente forjados a fines de la década de 1960
junto a la Era de Acuario y el Mayo francés.
Prisioneros de su propio pragmatismo, los
artistas de las más variadas disciplinas fueron
adaptándose a los nuevos lineamientos
del sistema. Los que quisieron resistir estas
reglas y no pudieron cayeron en la autoexclu-
sión, mientras otros terminaron quitándose
la vida.
Cambiaron los temas abordados, en parte
por específicas razones históricas y en parte
por oportunismos frívolos. A pesar de ello,
algunos artistas mantienen una actitud
comprometida ante las miserias de siempre e
intentan intervenir críticamente en las trans-
formaciones culturales que lleva adelante el
capitalismo.
Desde otro ángulo, hay fuertes razones de
peso para considerar que, a menudo, ni
siquiera son suficientes las buenas inten-
ciones de algunos artistas de masas, como
Peter Gabriel, Bono o Sting denunciando
las secuelas de las dictaduras, o los recitales
multitudinarios a favor de causas nobles,
como el We Are The world, Live-Aid y el G-8.
Los espectadores de esos espectáculos sedan
durante algunas horas sus conciencias para
volver a formar parte de la maquinaria de-
nunciada en los mismos.
Resumiendo: 1) algunos creadores, luego de
los fracasos libertarios de la década de 1960,
abandonaron todo tipo de confrontación y se
sumaron a una temática hedonista, ajena a

Fotografía de Guy Le Querrec/Mágnum, 1968.

20 / La Pupila Junio 2008 / nº 02

 /// Arte, compromiso y poder
cualquier compromiso; 2) otros artistas conti- colectiva, pero al combatir indirectamente Baudrillard (“un sistema que se halla en trance
núan denunciando los males endémicos de la los valores de la modernidad a horcajadas de destruir las bases del ser humano”).
sociedad, pero su esfuerzo en formar opinión del hedonismo, se convirtieron ellos mismos Luego de finalizada la década de 1960, sin
es escaso, quizá porque rozan el panfleto en ultraindividualistas (2). La inversión de embargo, muchos ciudadanos y artistas se
o porque su mensaje es ambiguo y se grita este enunciado canónico, fraguado en casi llamaron a sí mismos “apolíticos” (ni capita-
desde las entrañas mismas del sistema. todos los ámbitos sociales, definió el rumbo listas, ni adversarios de la sociedad de con-
de la cultura occidental. Para Sandino Núñez, sumo, por ejemplo), debido a los siguientes
El desencanto con el sistema “…el capitalismo deja de estar bajo el signo factores (3):
europeo de lo burgués-ilustrado y pasa a 1) Por carencia intelectual. No se logró
Hace exactamente cuarenta años las calles estar bajo el signo estadounidense de la masa visualizar que detrás de la ofensiva belige-
parisinas exigían “la imaginación al poder”. mediática, incluidos sus tópicos sagrados como rante a la herencia autoritaria, el que terminó
En las fachadas del barrio latino convivían la liberación sexual de la tiranía calvinista y la agonizando fue el sujeto moderno, no el
consignas de Trotsky, Debord, Sartre, Bretón, masificación de la cultura…” autoritarismo. (Evitando un juicio de valor
el Che y Mao. “Un hombre no es estúpido o El arquetipo burgués basaba su moral en tres acerca de esta pérdida, el imperio coloca so-
inteligente: es libre o no lo es”, gritaban los virtudes: el ahorro, la utilidad y la finalidad. bre la misma un manto de invisibilidad. Eso
muros. Los estudiantes, inspirados en accio- El Mayo francés impugnaba cada uno de esos supone una contraofensiva poderosa para
nes de cambio radical como la Revolución principios. Frente al ahorro y la contención hacer visible esa agonía. Pero, una vez más,
Francesa de 1789, hablaban de cambiar sexual, patrocinaba el gasto orgasmático (“lo los tiempos y las urgencias individuales se
la vida hasta las últimas consecuencias, contrario al fascismo es el orgasmo”, teorizó alzaron con la paciencia y la reflexión crítica.)
aunque se regocijaron más en el slogan que Wilhelm Reich); frente a la renuncia, el pla- 2) Por frustración y debilitamiento. La
en el compromiso profundo con las ideas de cer sin espera. El ahorro se reveló entonces construcción del “hombre nuevo” se convirtió,
Marcuse o Castoriadis. El Mayo del ´68 sig- equivalente a la represión sexual (la castidad para las generaciones posteriores, en una
nificó la cristalización conjunta del malestar de la mujer hasta la boda), y la “utilidad” o la meta utópica. Pero, en palabras de Octavio
obrero, el fastidio estudiantil con la conser- “finalidad” se manifestaron como la marca Paz, asistimos “a un nihilismo complaciente,
vadora política gaullista y la detonación de la desilusionada del proyecto y de la acción. no al nihilismo trágico que había pensado
“grifa de lo joven”. Frente al ahorro restrictivo, propuso el gasto; Dostoievsky, o bien Nietzche”.
contra el ascetismo, el hedonismo producido 3) Por procedimientos ortodoxos. Las
Consecuencias (I): el “neoencanto” con por las drogas (legales y prohibidas), y ante propuestas políticas de los gremios de la
el sistema el futuro, el presente. La síntesis de estos cultura quedaron reducidas a retóricas
elementos (hedonismo, gasto, presente) anacrónicas, colaborando de ese modo en
“Como histéricos, ustedes reclaman configura la cultura de consumo. Por el licuar (y nunca un vocablo más ajustado en
un nuevo amo. Lo tendrán”. contrario, tanto el ahorro económico, como la era de la modernidad líquida) la polisemia
Jacques Lacan la aprehensión profunda ante una obra de de algunos términos como “compromiso”,
El reverso del psicoanálisis, Seminario XVII arte, o la distensión con un grupo de amigos, “imperialismo” y otros, que suenan caducos.
(1969-1970). requieren de constructos pacientes. Tiempos Los partidos supuestamente progresistas no
y profundidades reflexivas que no son útiles supieron advertir a tiempo que la lucha no
Para Vicente Verdú, el ensayo de Daniel Bell a los intereses prácticos del capitalismo. sólo debía librarse en el terreno estrictamen-
titulado Las contradicciones culturales Por esa razón, el slogan publicitario de una te político, sino en el campo cultural. Así,
del capitalismo (1976), se puede convertir tarjeta de crédito (“Porque la vida es para la cultura de las hamburguesas, la basura
en su obra más reveladora “si se lee en sentido vivirla hoy”) y los efectos de la cocaína (“para televisiva (droga apadrinada bajo el socaire
inverso”. En lugar de alterar el mecanismo estimularse al toque en una fiesta”), apuntan de la libertad de expresión) y los oropeles de
del sistema, como creían Bell y los jóvenes a suprimir la espera y satisfacer la inmedia- un paraíso artificial, ocuparon finalmente el
del ‘68, se registró un superaccidente de cuyo tez: el gozo ahora. lugar dejado vacante por la ausencia de mo-
arrojo el imperialismo salió rejuvenecido. En delos contraculturales reales. Esto también
efecto, poco tardó el sistema en fagocitar Consecuencias (II): El árbol y el bosque explica, en alguna medida, la estrepitosa
esa rebeldía y digerirla (1), creando un caída de los países socialistas.
contraefecto asaltado por un modo de vida Maldecir en el siglo XXI la sociedad de con- 4) Por procedimientos heterodoxos. En
fundado en el placer. Así, el consumismo fue sumo resulta, para muchos, tan romántico 1968, Roland Barthes proclama “la muerte
un infiltrado en la celebración del orgasmo, como marxista (o ambas cosas), pero a la luz del autor” y en 1992, Francis Fukuyama
la aventura y la libertad sin límites. del comportamiento de nuestra sociedad, hace lo suyo con “el fin de la historia”; un
Presurosos por declarar la “muerte del sujeto siguen vigentes las consecuencias del consu- decreto que se configuraría en la “primera
moderno”, los revolucionaros no sólo cola- mismo dadas por Luis Aranguren (“un re- intervención ideológica de confesada derecha
boraron en eliminar las hipocresías básicas duccionismo economicista de la vida”) y Jean tras la Segunda Guerra Mundial”, según
del arquetipo burgués, sino que también
barrieron con valores morales históricos que,
en cierta medida, permitieron esa denuncia.
© Arbiza, “Mayo del 68“ (2008)

Para Verdú, una de las paradojas, por tanto,

es la siguiente: los líderes del Mayo francés
repudiaban con vehemencia la sociedad
de consumo, siendo ellos, por excelencia,
grandes consumistas (del tiempo, del sexo,
del ocio, de los mass media). Sacudieron la
historia y fueron promotores de la revolución

Junio 2008 / nº 02 La Pupila / 21

/// A cuarenta años del Mayo francés
Amir Hamed. Estos y otros desarrollos teó-
ricos abonaron el terreno para una gradual
disolución de los contratos y consensos en
los que se sustentaba el proyecto ético de la
modernidad.
No obstante las genuinas diferencias polí-
ticas, religiosas o ideológicas presentes en
toda civilización, estos factores facilitaron los
espacios cerrados en el marco de los reclamos
raciales, de sexo (4), de medio ambiente, o
de “opción sexual”. Luego, una nueva frag-
mentación que atravesó horizontalmente
todos los espacios anteriores (en Uruguay,
por ejemplo, existe una docena de colectivi-
dades de afrodescendientes). No se trata de
desconocer el legítimo derecho de aquellos
que se sienten afines con una causa o incluso
a una moda para afirmar su personalidad,
pero, como se puede observar, la fragmen-
tación en el seno de otra fragmentación
es contradictoria con los intereses que se
persiguen, pues mientras todos gozan de “la
libertad más absoluta” para accionar, recla-
mar un espacio o reunirse, corren el riesgo de
promover la intolerancia y la disolución de
fuerzas mediante la falsa oposición (5) y el
cortoplacismo.

La respuesta líquida
Instalación de Martin Creed titulada “Obra 227: luces encendiéndose y apagándose”. Obra ganadora del Premio Turner en el año 2001.
Decíamos anteriormente que se había
producido un viraje que definió el rumbo
de la cultura occidental. Charly García en la aggiornamiento de las técnicas de oculta- Fernando Cabrera, Asamblea Ordinaria, y
portada de la revista “Gente” (años después miento y maquillaje utilizadas por el imperio. tantos otros); incluso, sin comprometerse
de parodiar esa publicación en La grasa de Debemos admitir que en esta nueva era (“la directamente en temas sociales específicos.
las capitales), Mercedes Sosa cantando en era de la mentira”, denuncia Saramago) es La banda de rock uruguayo “Trotsky
un acto político de Cristina Kirchner, artistas imprescindible renovar métodos para no Vengarán” explica que su música –cuya
plásticos figurando en las páginas “sociales” caer en el debilitamiento o la frustración. consigna es “diversión, pogo y agite”- no
de revistas de moda, etc. El “pensamiento En cambio, la “maniobra de las metástasis” busca satisfacer ninguna identidad ni de
débil” (poroso, maleable, efímero) del soció- en el marco de una estrategia liviana sólo transmitir mensaje alguno en beneficio de
logo italiano Gianni Vattimo es tomado como evoca la visible desesperación de quien no los ciudadanos. Sebastián Teysera, cantante
herramienta y argumento para justificar quiere quedar por fuera de los parámetros de “La Vela Puerca”, agrega que “el rock ya
estos virajes. Empero, compartir los mismos legitimadores. casi no propone librar grandes batallas (…)
tics del sistema posiblemente promueva el el trasfondo ideológico que tenía antes ya
descreimiento del receptor al transmitirle La respuesta (supuestamente) inofensiva está casi extinto”. Para Walas, el vocalista de
mensajes imprecisos. Al mismo tiempo, el “Massacre”, ello supone una pérdida: “como
mero hecho de compartir un estrado con “El rock se hizo un gran negocio el rock es un gran negocio, lo fueron vaciando
un político, salir fotografiado en la página y ya no cachetea a nadie” . de contenido. Lo que fue una bomba de tiempo
de sociales o almorzar “pour la gallerie” con Diego Capusotto. en los 60 y 70 es hoy en día una bomba de
el presidente de una Nación, no favorece tiempo, pero de juguete”. El director de teatro
ninguna circunstancia ni modifica esquema De la mano de una teoría que avala el “fin del Gabriel Calderón sostiene una postura similar
alguno (“Y aunque te inviten a su mesa, no arte” y el “fin de la historia” (ambas, deriva- pero la explica de la siguiente manera: “Creo
estarán de tu lado”, advierte Fito Páez en das de Hegel), los artistas contemporáneos que ha aparecido un nuevo teatro que no
“Gente sin swing”). Cualquier determinación se enfrentan ante la disyuntiva de las falsas se preocupa tanto de los llamados “temas
ética que se adopte estará filosóficamente oposiciones: divertido/obsoleto, transgresor/ políticos” estrictamente. Hoy por hoy, la guerra
sujeta a una u otra manera de insertar al complaciente, comprometido/ acartonado, política, si es que hay algo así, ya no se da en
hombre en su entorno, pues el hecho de que politizado/libre. Es cierto, el poder del arte la escena. Y esto ha liberado al teatro de la
hayan caído varios muros, no significa que reside en situarse en un ángulo oblicuo con carga de sólo poder decir lo que otros callan.
ciertas ideas puedan caer en descrédito. El respecto a la norma cultural aceptada, pero Este nuevo teatro, no es ni bueno ni malo, ni
capital, la alienación de masas, las ansias de se puede ser profundamente transgresor mejor ni peor que aquél, pero sin dudas es más
poder, la manipulación política, la inequidad –por ejemplo– sin rendir pleitesía a los libre y eso nos hace más libre a todos”.
social y los conflictos bélicos, son hechos modelos exógenos vigentes (como han hecho El artista verdadero, que puede ubicarse en
que mantienen plena vigencia a pesar del Ernesto Vila, Jorge Lazaroff, Leo Maslíah, cualquier punto del pentagrama ideológico

22 / La Pupila Junio 2008 / nº 02

 /// Arte, compromiso y poder
mítica banda inglesa, Eduardo Espina agrega:
“antes, cuando la música no había muerto,
eran ellos los provocadores que conmociona-
ban al poder institucional. Hoy representan su
mimesis inversa. (…) Los rebeldes de antaño
se regodean ahora en los salones del fasto
político ejerciendo el mismo desparpajo que
tres décadas atrás se comía al mundo y vendía
una imagen corrosiva de la rebeldía. El cinismo
se convirtió en uno de los platos principales
del menú.”
Los artistas visuales que transitan por el mis-
mo camino, admiten gradualmente el cam-
bio de rumbo y asumen sin mayores traumas
su acritud. Dirigen empresas (algunos cotizan
en la bolsa) y compran galerías, bazares o
fábricas de cuadros en China y Tailandia.
Adquieren y exhiben artefactos como aspira-
doras, relojes, pianos, pelotas de baloncesto,
etc. de marcas reconocibles (Jeff Koons,
Sherrie Levine, Jenny Holzer), compran obras
de otros para intervenirlas y quintuplicar su
precio (Jake y Dinos Chapman) o diamantes y

Damien Hirst. “Por el amor de Dios”. 8601 diamantes de 1.106,16 quilates y cráneo de platino. 2007.

y sentirse identificado o no con un “arte elegidos por los artistas, sólo la calidad de
comprometido”, es igualmente un alerta sus obras dirá si las posiciones “descompro-
sobre la conciencia social, si evita condicionar metidas” contribuyeron con la libertad
sus libertades frente a los espejismos (no del individuo o solo sirvieron para
obstante, decir artista “verdadero” o “revo- domesticarlo. Si bien hay excepciones que
lucionario” es una redundancia, pues todos justifican la regla, los disparos al aire siempre
aquellos artistas comprometidos con su dejan caer el proyectil en algún lugar… o en
propia ética, llegan a serlo). De esta suerte, alguna cabeza. Dicho de otro modo; no todos
si bien no alcanza con tener buenas inten- pueden ser Leonardo, o Giorgio Strelher, o
ciones, deberíamos admitir que tampoco Lennon: se puede “vengar a Trotsky” o se
alcanza necesariamente con las malas (las puede volver a asesinarlo en un sticker de
desprovistas de todo supuesto compromiso treinta pesos.
ideológico) porque, a fin de cuentas, quedan
algunas magníficas obras. ¿O acaso Leonardo El éxito
Da Vinci no trabajó para un Sforza? Por lo
tanto, es de orden consignar que, más allá Ya no habrá revolución, es el fin de la utopía.
de la subordinación (directa o indirecta) al ¡Que viva la bijoutería!
clero, a la nobleza, a la burguesía o a convic- Joaquín Sabina
ciones fundadas en la “libertad creativa”; el
verdadero arte, el que solo se evoca desde las Como la mercantilización del arte y el
entrañas, prevalece. dominio valorativo de las instituciones
Pero, como nada es tan simple, la teoría del mediadoras repercuten drásticamente, otros
“fin del arte” es igualmente política aunque artistas “no comprometidos”“pragmatizan”
se quiera tapar el sol con el dedo. Es decir, sin remordimientos sus estrategias y se
siempre habrá, aunque no se perciba o se configuran en hombres de negocios que
quiera, un compromiso con alguna causa. disfrutan del éxito y los esplendores materia-
Así, un arte que “no libra grandes batallas” les. Los Rolling Stones, por ejemplo, cantan
y que se siente “emancipado de los temas en fiestas privadas para multimillonarios y
colectivos” es inofensivo únicamente en exigen, a los hoteles donde se hospedan, que
cierto sentido: habida cuenta de la genuina las sábanas sean de algodón egipcio (entre
elección e intencionalidad de los contenidos de un extenso listado de caprichos). Sobre la

Junio 2008 / nº 02 La Pupila / 23

/// A cuarenta años del Mayo francés
joyas de elevado importe (Damien Hirst). En
los llamados artistas “emergentes” es menos
ostensible la metamorfosis -tal como la so-
brellevaron algunos revolucionarios y artistas
de la década de 1960- dado que descubren
con alivio y beneplácito el nuevo salvocon-
ducto descrito por Espina: el cinismo.

El “cinismo ético” o el nuevo Diógenes

“Bien habló el que dijo al cínico que hacía

ostentación de sus harapos: A través de las
roturas de tu vestido descubro tu vanidad.”
Jaime Balmes, Historia de la filosofía (6)

Varios artistas legitiman “a sola firma” expre-

siones artísticas inexistentes, como lienzos
completamente blancos rubricados por el
autor, o paredes desoladas de una galería
de arte firmadas por otro. Sin embargo, esos
artistas que prescinden del objeto (Gabriel
Orozco, Jaustin Gignac, Fareed Armaly, el dúo
González-Torres, Philippe Parreno) no están
dispuestos a fundirse ellos mismos en el
vacío, en el anonimato (7). La grandeza de la “El tiempo terminó oxidándolos, aunque los
obra de Rafael Barradas reside en la obra en precarios destellos han sobrevivido al metal
sí misma, no en que perteneciera a un señor de la época. (...) El cinismo se convirtió en
uruguayo cuyo documento rezaba “Rafael uno de los platos del menú. La ambivalen-
Barradas”. Ahora, como no es este el caso, cia ante el espejo dejó de ser genuina. Hace
pues no hay “manufactura original” (sólo tiempo que no lo es”. Eduardo Espina.
paredes, o telas, o camas), la única manera Mick Jagger, caricatura de Al Hirschfeld.
de justificarlos como arte es mediante la
inversión obra-autor: visibles artistas que, rrosiva mirada a la neurosis y la alienación de indirectamente, ya forma parte de esa con-
obviamente, no están dispuestos a pagar el la urbe congestionada (frente a lo cual sólo fabulación al reconocerse como enfermo de
caro precio de perder su grifa y quedar por cabe el retorno a la naturaleza), los “cínicos su época, parasitado por la atmósfera que lo
fuera del régimen de reconocimientos. Al éticos” dicen que para hablar de suciedad rodea; y en segundo lugar, porque capitaliza
mismo tiempo, explican que luchan contra hay que ensuciarse (ningún retorno a nada). la credibilidad mínima aceptable ante el
el sistema al eliminar todo rastro del objeto Explica Camnitzer: “…la idea de prostituirse aparente combate al mercado. En suma: la
comercializable. Pero esto es una falacia: a sabiendas es mejor que prostituirse incons- ética, al igual que el aceite, no es soluble en
cualquier individuo, como Damien Hirst, cientemente. (…) Con el “cinismo ético” logré, los líquidos del cinismo.
puede cubrir un cráneo con diamantes, pero al menos, fabricarme la ilusión de que puedo
sin la marca de su apellido (la garantía seguir manteniendo mis ideas puras o que, por Distintas variables
que asegure la propiedad), esos diamantes lo menos, las puedo identificar”.
(signo de clase) no acrecientan su inversión Como se ve, se trata de un oximorón -o un Otros artistas realizan novedosos entreteji-
en el mercado del arte. Y por supuesto nuevo tipo de cinismo que comporta una fal- dos. Siguen creyendo que producen hechos
que Martin Creed no puede comercializar sa conciencia ilustrada, como sostiene Peter culturales “libres” y comprometidos compi-
las vacías paredes que “expuso” en la Tate Sloterdijk- que intenta licuar esa posición tiendo “al mismo nivel” del sistema. En 1974
Gallery: el retorno económico de Creed tran- bajo el supuesto (absoluto e inapelable) de afirmaba Nam June Paik: “Tras el mayo del
sita por caminos indirectos, pero todos ellos que es imposible no prostituirse y no conta- 68, pensé que el tiempo de las barricadas ya
relacionados con la centenaria ley capitalista minar la capacidad creadora. Es cierto que se había cumplido. No se puede lanzar piedras
de oferta y compra. el artista se ve sometido a fuerzas contra- cuando los otros tienen helicópteros, satélites
Para no sucumbir en el “cinismo a secas” que dictorias, como la de expresarse y al mismo y abogados. Los artistas deben situarse al
hoy caracteriza a los Rolling Stones, estos tiempo ganar dinero; esto le obliga a fundar mismo nivel que las empresas”. En 1995, Abel
artistas apelan al “cinismo ético” en respuesta novedosas relaciones entre cultura y capital. Prieto (presidente de la Unión de Escritores
a las estrategias caducas (temas, estilos) y Y nunca es absolutamente libre: es esclavo y Artistas Cubanos) solicitaba asociarse
a quienes se han aliado directamente con de múltiples variables entre las que se puede “al capital extranjero con el fin de generar
el poder. Al igual que los cínicos griegos, los hallar o no el sometimiento al mercado. El y redistribuir los beneficios con un principio
“cínicos éticos” como Hirst utilizan recursos “cinismo ético”, en cambio, caricaturiza estas socialista.” En sintonía con este enunciado,
expresivos diversos donde no faltan la discusiones y tranquiliza la conciencia de sus Ticio Escobar proponía, en 1988, “tergiversar
parodia o la sátira, para escandalizar (?) y voceros. En primer lugar, porque quien lo el arte posmoderno para que sirva a los propó-
denunciar (?) las reglas y convenciones socia- aplica sabe que no denuncia la complicidad sitos latinoamericanos” (8). Ingresar al vientre
les del establishement. Pero, a diferencia de “de las instituciones y cánones culturales de de la bestia para poder combatirla configu-
aquellos, que se constituyen como una co- los museos” (Fredric Jameson) sino que, raría una buena causa, pero muchas veces

24 / La Pupila Junio 2008 / nº 02

 /// Arte, compromiso y poder
la propuesta se agota en la preocupación de cobijar una mirada anciana, ni de agitar muchas obras descremadas (no todas, es nece-
cosmética. El profesor Juan Fló responde a las fantasmas desde las lágrimas del sujeto sario admitirlo) no dejarán memoria ni rúbrica.
intenciones de Escobar: “es posible pensar que moderno. Una cosa es la siesta aldeana y Dejando de lado las alianzas ocasionales de
quienes adoptan esta estrategia lo hacen como reclamar autoridad para guiar la moral; diverso origen (el ritual, la danza, la publici-
una solución transaccional ante el hecho de pero otra muy distinta es que nos fuercen a dad, la moda de pasarela) y las alianzas “éticas”
que a muchos artistas no es posible indu- abrir los ojos como a Alex, el personaje de puestas en boga por la posmodernidad, sus
cirlos a que rechacen lo que creen que es La naranja mecánica, sólo para consumir autores no podrán impedir, a la postre, que
el lenguaje vigente y que, aunque sólo les cultura light, materia gris desgrasada o este tipo de arte quede reducido a un conjunto
sirva para sedar sus conciencias, les cabe el “pensamiento débil”. “Que nadie subestime de argumentos yertos para consumo de estu-
expediente de marcar políticamente su obra”. la impertinencia: es con mucho la forma dios sociales y antropológicos.
Para muchos pensadores, argumentos como más humana de llevar la contra en medio
el de Fló suponen un diagnóstico anclado del exceso de debilidad moderna y posmo- Mañana
en un análisis marxista ortodoxo (9). Sin derna”, decía el poeta y performer Héctor
embargo, en función de los resultados, los Bardanca. Así, a cambio de la impertinencia Sin el ánimo de solicitar facturas por los
mismos le facilitan la razón a Fló, pues la y de estrategias éticas renovadas ante el fracasos de la generación que reclamaba “sa-
aparente neutralidad del sistema “para ser autoritarismo y el nihilismo post-sesentista; cudir la historia” podemos decir que, desde
desestabilizado y permitir el cuestionamiento asistimos a una transgresión de cartón cierto enfoque, no somos más libres después
de sus códigos simbólicos” es una mera qui- pintado, a la era de las relaciones con del ´68. Como se ve, el compromiso social, el
mera. Es poco probable llevar caminos de edulcorante. A la era del “hacé la tuya” (que arte y el poder, se solapan y establecen vasos
investigación y de combate con las mismas en verdad es “hacé la mía”); del arte biode- comunicantes y confusos.
armas que provee la cultura hegemónica: la gradable que se desliza sin dejar huella, del
mimesis y las metástasis. En líneas generales arte fácil de llevar puesto (prét a porter). Para contrarrestar la advertencia de Robert
(y no dogmáticas), los ácidos digestivos del Del arte dietético. Fripp que dice que el deceso de Lennon
estómago de la bestia han sido más eficaces termina de sepultar los nobles valores que
que algunas bienintencionadas espadas. “Somos un conjunto dietético (…) habitaban en el espíritu del hombre moder-
consume que no hay peligro. no en general y del artista contemporáneo
Diet art (cero caloría) Nuevas mentes descremadas en particular, quizá debamos crear circuitos
viviendo una nada dietética.” alternativos y levantar la mirada por encima
Un país que adolece de reflexiones profun- Dietético, Soda Stéreo (1984) de las urgencias y los desencantos para
das, induce a la relajación y a la adopción luchar contra esta época que alienta el
ligera -en su doble sentido de inmediata y Aún caminando por la cornisa del dogma pragmatismo salvaje mientras espera el fin
superficial- de recetas ajenas. No se trata positivista, no sería apresurado aventurar que de la historia.

1) Una conclusión a la que han arribado, entre otros, además de Verdú, Régis Débray, Luc hegemónica. El exceso de protagonismo, cierta actitud autoritaria y pereza intelectual
Boltansky, Zygmunt Bauman y Gilles Lipovetsky. (llamada 2), impiden identificar el problema de base.
2) Sin caer en moralismos estériles ni de reconstruir “la moral del capitalismo”, como pre- 6) “Antístenes empezó a enseñar en un lugar llamado Cynosarges, o templo del Perro
gona, de forma oportunista, Nicolas Sarkozy; este tipo de revueltas emancipadoras abrió Blanco; de aquí se los llamó cínicos: perros (…). Sócrates había establecido que el bien
una caja de Pandora dejando el camino abierto a los excesos como marca registrada de “lo supremo es la virtud, y que a ésta debe posponerse todo; pero su discípulo Antístenes adul-
joven”. Se confundió libertad absoluta con intolerancia; queja con expresión; escepticismo teró esta verdad, diciendo que el hombre sólo debe cuidar de la virtud, despreciando todo
con indiferencia; pensamiento alternativo con pensamiento liviano (“debajo del pavimento, lo demás. Inferir, como los cínicos, que nuestras casas deben ser un tonel, nuestros vasos la
la playa”, rezaba un graffiti); nihilismo con conformismo; propuestas lúdicas con frivolidad; mano, y que para las necesidades de la vida no debemos atender a las relaciones sociales, es
transgresión con mimesis; terapia con creación. una exageración no prescrita por la virtud. Bajo las exageraciones cínicas se ocultaba un gran
3) Es necesario subrayar que estos cuatro factores se desprenden del análisis del Mayo fondo de orgullo: la vanidad.“ Jaime Balmes.
francés y no necesariamente de otros enfrentamientos producidos por esa misma década 7) Algunos ocultan su verdadera identidad, como el misterioso artista británico“Bansky”
(la revuelta de México que culminó en la matanza de Tlatelolco, el “otoño caliente” del ´69 (una de cuyas acciones más conocidas fue pintar el muro que separa Israel de Cisjordania)
con las ocupaciones fabriles en Italia, el levantamiento del cordobazo, las protestas estu- quien vendió a fines de 2007 algunas de sus pinturas en 300.000 euros.
diantiles en Uruguay, o la misma Revolución cubana). 8) Revista Casa de las Américas, La Habana, Cuba, julio de 1988.
4) “Las palabras tienen género (y no sexo) mientras los seres vivos tienen sexo (y no 9) “… me lleva a temer caer en una ancianidad de la mirada, ancianidad de la que mi
género)”. Jean Baudrillard. amigo Juan Fló no esta totalmente a salvo.” Gabriel Peluffo (Brecha, 9 de febrero de 2007).
5) El enemigo (no el hombre ante la mujer, ni la raza blanca, ni el empresario, ni el he- “Evidentemente no es el profesor Fló un hombre formado en “estos tiempos”. Marcelo Rossal
terosexual, ni las distancias intergeneracionales) sigue siendo, primordialmente, la cultura (Brecha, 16 de mayo de 2008).

Junio 2008 / nº 02 La Pupila / 25

Desde la fóvea ///

La rotura de la máquina de entender

“Todo el mundo sabe que los buenos perdieron”,
dice Leonard Cohen. ¿Es el anuncio de nuevas
exequias? Un visionario texto de G. K. Chesterton,
escrito hace ocho décadas, es el disparador
utilizado por el psicoanalista Juan Barcia para
examinar la prostitución del lenguaje. Quizá, la
verdadera muerte que se quiere ocultar detrás
de la crisis de los metarrelatos.

Juan Barcia

S
i un pensamiento es pensamiento, sólo si da lugar a otro pensamien-
to para otro o para sí, detengámonos en éstos que son hoy -por lo
contrario a aquello que parece ser lo que ahora abunda- una lúcida,
bellísima y delicada pieza de Museo. En 1926, hace ochenta y dos años,
G. K. Chesterton, en un artículo titulado Straws in the wind, presagia,
anuncia y previene acerca de lo que llamó “La próxima herejía”.

“Llamo comunicaciones malignas a las que comúnmente son llamadas

buenas comunicaciones. Quiero decir comunicaciones rápidas, elabora-
damente organizadas que van a cada rincón de la Tierra y en cada rincón
de la Tierra van corrompiendo los buenos modales. Solo basta ver a un
norteamericano en España y compararlo con un español en España. El
Litir Olivera. “Lo que sea. Lo que venga”.
campesino castellano, en su parda y rectangular aldea de arcilla cocida,
lleva esa corona de todas las culturas que llamamos buenos modales. Es
decir, que tiene libertad con dignidad y dignidad con hospitalidad. Un “Llamo Capitalismo al espíritu que se enorgullece de vender cien som-
hombre me dijo ‘Si por casualidad recibe al Rey de su Patria, no se olvida breros de París a cien campesinos españoles sin pensar qué es lo que está
de que él es el Rey de su casa’. El norteamericano de la especie a la que haciendo o qué cosa está desplazando. Algunas herejías viven más que
refiero siempre tratará a la casa como un hotel de inferior calidad.” otras. Y esta malignidad, práctica del Capitalismo, durará mucho más
tiempo y hará mucho más daño que el breve interludio de la anarquía
“El mundo moderno se ha convertido en un mero enredo de comunicacio- bolchevique. La próxima herejía será un ataque contra la moral y está
nes, un sistema de hacer correr paquetes sin abrirlos nunca. llegando de la viva y exultante energía de los ricos, decididos a gozar
Son comunicaciones cosmopolitas, vengan de donde vengan, vayan hasta el final, sin papistas ni puritanos ni socialistas que les detengan.
donde vayan, y el problema es que van a todas partes. Al menos que la Serán cuando gobiernen, exactamente lo que son cuando comercian: los
libertad, la experiencia y el instinto lo tomen en cuenta, toda la vida del enemigos de la belleza, la dignidad y la decencia”.
mundo se marchitará. Un gran número de mujeres españolas, jóvenes
y viejas, usan la antigua mantilla española en lugar de cualquier otro “La locura del mañana, no está en Moscú sino en mucho mayor medida
tocado o gorra, mientras otras usan sombreros del uniforme y aburrido di- está en Manhattan. Todo aquel que no ve que existe el inmediato peligro
seño dictado desde New York o París. La mantilla pertenece a la tradición de que esta mentalidad gobierne al mundo, no puede ver los signos de los
del verdadero tejido como existió entre los griegos, es decir, que es libre, tiempos”.
flexible y variable. Porque es simple es multiforme. Casi podríamos decir
que porque es simple es complejo. Una mujer la llevará de una manera y Hoy, al decir de Ignacio Lewkowicz en su formidable texto Pensar sin
otra de otra diferente. En cambio, usted no puede tomar el último som- Estado (2005), “En el crepúsculo de las ideologías y en el mediodía de las
brero de París y tirarlo desde un lado o empujarlo desde otro, o sacárselo opiniones, es muy difícil pensar”. Vale la pena preguntarse, ¿qué pasó?
y volverlo del revés. Es vulgar porque es una copia; en otras palabras, está El ciudadano, aquel que proviene de 1789, el de la declaración de los
estandarizado en el auténtico espíritu del comercio norteamericano. Con derechos del hombre, el que vino haciéndose a sí mismo en derredor
esos sombreros, las españolas se vuelven menos españolas, se ven menos del eje del desarrollo del Estado, y que gobernaba, trabajaba, fundaba
lindas y, lo que es natural cuando el motivo es el snobismo, se ven mucho familias y hacía arte, ahora ha devenido mero espectador. Testigo
menos damas. No se trata simplemente del adorno de la cabeza, sino de mudo de la acción de otros que, ante la muerte de la política –que fue
la propia cabeza, para no mencionar el corazón”. construcción colectiva- si puede, consume. Ese yo, ese sujeto de pen-

26 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// La rotura de la máquina de entender
samiento hijo de aquel tiempo de solidez, guaje”, que en su desbarranque, ahondó la la función del pensamiento y su potencia por
está en vía de su ocaso. En este tiempo, la ley permisividad tornándose así instrumento la vía del “emputecimiento del lenguaje”, el
jurídica fue desligándose de la ley simbólica imprescindible e implacable. Así, si el impe- inventor de la trampa se asegura entonces que
profunda que nos sostuvo. Así, inmersos rialismo devino “globalización”, la política aquel que era ciudadano del Estado-Nación,
ahora en una fluidez gaseosa e insólita, nos “ajuste de las variables internas frente al aquel del estado sólido de las cosas, el del
atraviesan la dispersión, la contingencia y la acontecer global”, el arte “lo que sea”, la tiempo industrial y político, devenga ahora,
incertidumbre como elementos esenciales enfermedad y la desolación “efectos sociales idiota. Entonces, sumido en la convicción
que caracterizan la subjetividad contemporá- no esperados”, la tortura “procedimiento de íntima de su condición de inmortal flotará en
nea: ese yo de hoy. Antes, frente a cualquier interrogatorio permisible para elevados fines el aire, al decir de Remo Bodei, como “un yo-
experiencia de crisis de cualquier carácter, de investigación”, la muerte en la guerra globo aerostático pagado de sí, deseoso de toda
se sabía, aunque fuera por definición, que “daño colateral”, el miedo, la angustia, la felicidad, indiferente a todo, excepto a sí mismo,
volveríamos a un estado diferente pero bronca, los celos y el conflicto “stress”, el pronto a mimetizarse en el ambiente social
habitable. refugiado “combatiente enemigo ilegal”, circundante”. Inmerso ahora en su condición
A las crisis de las democracias sudamericanas pasmada, el ya lelo, flotará catastróficamente
de los años 70 y 80, siguieron dictaduras en su fatuidad, como un hijo natural de la
feroces que con dolor, esperanza, bronca, modernidad contemporánea. Dice Baudrillard,
pena, miedo, duda, incertidumbre y anhelo, “si el simulacro no oculta la verdad sino que
sabíamos que terminarían. Y terminaron. No el simulacro es lo verdadero”, el lelo, víctima
nos es difícil, entonces, asociar la noción de fatal, vive (de verdad) en “Second life”: www.
crisis a la política, al desarrollo de la produc- [Link].
ción o del pensamiento. Hoy, con Baudrillard: “Ha habido una orgía
total, de lo real, de lo racional, de lo sexual,
Demos un paso. Evoquemos por un instante de la crítica, de la anticrítica, del crecimiento
el mito de Pandora. y de la crisis del crecimiento. Hemos recorrido
La humanidad había vivido armoniosa y todos, la producción y reproducción virtual
Pandora abrió la caja, liberando todas las de objetos, de signos, de mensajes, de ideolo-
desgracias humanas (la pobreza, el crimen, el gías, de placeres. Hoy todo está liberado; las
vicio, la locura, la mentira). Cerró la caja justo cartas están echadas y nos reencontraremos
antes de que saliera la esperanza y corrió a colectivamente ante la pregunta crucial: ¿qué
decir que no estaba todo perdido. hacer después de la orgía?” Con variadas
Habida cuenta de que aún en la desazón y intenciones, hemos mirado sin ver y oído sin
el desconcierto, no nos habita una visión escuchar. Y en la mera repetición de palabras
apocalíptica del mundo (y que parece no insensatas, plenos de presunción infundada
haber salidas si no nos hacemos cargo de lo y grotesca, hemos hablado sin decir. Así,
que parece ir siendo la verdadera realidad), hemos perdido -entre tantos otros- nada
demos otro paso. Imaginemos que también la perversión –desterrada por cambio de menos que el pensamiento crítico. Lo terrible
la esperanza salió de la caja. Entonces lo nombre y por decreto en la década de 1980- es también entonces que, en la pandemia,
que era crisis será otra cosa. Será catástrofe, “parafilia” y la pedofilia (violación sexual nadie está libre de haber sido atravesado. El
y nuestro antiguo modo de pensamiento, a un niño) “underage”, algo está pasando. nosotros que fuimos ya no es. La “máquina”
aquel construido durante siglos ya no nos Inversamente, solo las nociones de dinero de ahora no es la que antes representaba y
servirá. La realidad, destruida entonces la y de fama son las que, en lugar de vaciarse significaba el Estado nacional que era como
máquina de entender - como en la vivencia de sentido, se hinchieron, saturándose de un tablero poblado de reglas, de piezas
de la guerra- no podrá ser pensada y queda- significación. Si “veinte valientes marines gubernamentales, políticas, industriales,
remos al borde de que no produzca sentido. fueron asesinados por un execrable cobarde artísticas, filosóficas y de contrarios, tensio-
Será la perplejidad la que nos habite y que, iraquí”, algo pasó. Si un artista realiza lo nes y diferencias que hacían así, posible el
al decir de Lewkowicz, “esta vez vino para que llama una obra de arte, que consiste en juego. No. Ahora, en su quebrantamiento,
quedarse”. atar y matar un perro por lenta inanición, y el Estado que era tablero y juego, devino
Si el Estado tradicional devino Estado técnico otro expone enfermos agónicos y cuerpos mera pieza hegemónica en un único casillero
administrativo, si el gobierno es gerencia de personas recién fallecidas y lo hacen en desde el que pareciera que una especie de
y no representa ya más el lazo social, y si una galería de arte bajo la mirada indolente rey pavoroso, mutado y xenoforme, traviste
donde había proceso hay mero itinerario; ya -cuando no de admiración- de los agentes el mundo a su antojo y provecho voraz. Dada
no será este el Estado que nos ahijó, cobijó, artísticos, algo pasó. la alteración descomunal, no conocemos –si
abrigó y acompañó para la construcción de El científico estadounidense Nicholas las hubiera- ahora las reglas.
nuestra condición de sujetos junto a nuestros Negroponte vino a estas tierras a pontificar: ¿Cuánto tiempo más aparentaremos dormir
pares. Así, la descomposición y el desbara- “Tenemos que remplazar la palabra educación aquellos que creemos venir despertando? Ante
tamiento del Estado impiden, ahora, la vieja por la palabra laptop”. Esto no es un mero el fomento permanente de la perplejidad y
confianza en la razón, en el progreso y en un cambio de palabras. Es un ucase. Es una impo- la locura, la disidencia parece ser el escudo
orden del mundo. sición concreta para precipitarnos a un abismo imprescindible. Si la historia y la vida siguieran
Este quebrantamiento del Estado no hubie- sin nombre. Hay inversionistas que invierten siendo aun, también conflicto y combate, el
ra podido darse sin que concomitantemente el sentido de las palabras y de ese modo desafío parece ser el de inventar otro nosotros,
a otras operaciones, no hubiera habido vulneran gravemente la vieja atadura entre las hecho con artesanía y forjado con lo que hay y
lo que llamo el “emputecimiento del len- palabras y las cosas. Atacada así, bestialmente, no con lo que del fárrago quedó.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 27

A 100 años del nacimiento de Maurice Merleau-Ponty: 1908-2008 ///

Merleau-Ponty: filósofo francés

David Chamberlain

U
na de las principales cuestiones que mundo en su obra depende de la profundi- atención y luego de nuevo hasta el lienzo. De
rigen gran parte de la obra del filósofo dad de su conciencia. La profundidad es una ese modo vincula las ojeadas parciales sobre el
francés Maurice Marleau-Ponty es su dimensión primaria de la percepción que tema que ha elegido con un todo que en ningún
empeño en considerar que la filosofía y la determina también en qué medida podemos instante ha existido. Al contemplar atentamente
ciencia se asientan en un contacto con el interactuar con el mundo a distancia. el cuadro, la mirada de la persona que lo con-
mundo, directo y previo a cualquier reflexión. Una revisión en profundidad del mundo pro- templa recorre el lienzo acomodando sutilmente
Para Marleau-Ponty, cuya filosofía se basa en piciará que seamos conscientes de algunas de los objetos desplazados y dando unidad a las
la fenomenología de Husserl, nuestra vida es sus facetas que hasta entonces quedaban fuera múltiples ojeadas sobre los diferentes colores,
una constante interacción con un mundo que de nuestro alcance. Según Merleau-Ponty, el líneas, contrastes, masa, espacios vacíos y
está siempre presente antes de que se pueda pensamiento cartesiano limita la vista a la in- relieves. El fenómeno de visibilidad por el que
iniciar cualquier meditación filosófica. Este el pintor y el mundo se solapaban se solapa
interés por reflejar nuestra experiencia direc- a su vez sobre el espectador y el cuadro y, en
ta del mundo abre su primer estudio impor- ese movimiento de vaivén de la percepción, el
tante sobre la percepción, Phénoménologie cuadro adquiere vida y con ello el cuerpo que lo
de la perception (1945), así como la última contempla comprende su significado y alcanza
obra que publicó, el ensayo L´oe-il et también su propio significado. Merleau-Ponty
l´esprit (1964). subraya la idea de que, al contrario de lo que
La idea de la percepción que tiene Marleau- se suele pensar, es el cuadro, y no la fotografía,
Ponty como apertura al mundo e interacción el que reproduce fielmente nuestra percepción
con él sitúa al cuerpo humano en el centro de su cotidiana del mundo.
filosofía. Para él, el cuerpo no es simplemente Naturalmente, la filosofía de Merleau-Ponty
un objeto entre otros que hay que estudiar de hace referencia a las artes visuales en general.
manera abstracta, ni una máquina que procesa No obstante, el pintor que más le atrae es
la información que recibe del mundo que la Cézanne, porque es el que más se presta al
rodea. Es una región dinámica de percepción proyecto del filósofo de recuperar un contacto
sensorial que está orientada hacia el mundo. primitivo con el mundo. Cézanne no se con-
Esta teoría del cuerpo como obra de arte, junto tenta con incorporar la naturaleza a su pintura.
con el fenómeno de la visibilidad, confiere a las Pretende integrar su visión en la naturaleza
artes visuales una posición privilegiada en el hasta tal punto que sus cuadros sean capaces
proyecto de Marleau-Ponty de dar categoría filo- de devolver esa naturaleza a la persona que los
sófica a nuestra implicación en el mundo previa mediatez del mundo táctil al modelar intelec- contempla. Logra esto centrándose en el modo
a la reflexión. El artista no crea una reproducción tualmente la visión según el sentido del tacto. en que la naturaleza adquiere forma, y es el
o un parecido de la naturaleza que ya existe La fenomenología de Merleau-Ponty pretende nacimiento de esa forma lo que le ofrece al es-
como entidad preconfigurada. Cuando crea un liberar la vista de lo táctil con el fin de que pectador a través de la organización espontánea
cuadro, interactúa con el mundo, básicamente pueda adentrarse por el mundo a distancia de las deformaciones coherentes que nuestros
a través del sentido de la vista; más que ningún y permitir que el mundo interactúe con sus ojos encuentran en sus cuadros. Las aparentes
otro sentido, la vista subraya la interrelación facetas distantes. Sin embargo, la distancia no distorsiones de sus obras se deben a su empeño
entre el ser humano y la naturaleza porque no es sólo algo que medimos en términos geomé- en que el cuadro contenga la sensación de las
hay forma de separar el acto de ver de la faceta tricos, sino también algo que se encuentra en cosas cuando éstas se van ordenando y avanzan
del mundo que se ve. El pintor, al prestar su la periferia de nuestra área de conciencia. hacia la totalidad significativa, o motivo, de
cuerpo al mundo, incorpora la naturaleza en su Así pues, el artista ha de procurar incorporar la naturaleza que dirigió la obra a través de la
cuadro. Mientras están inmersos en diferentes el mundo a su cuadro y presentárselo a otras percepción del artista. En este sentido, el estilo
escenas, los artistas suelen darse cuenta de personas. A diferencia de la fotografía, la pintura de Cézanne refuerza el concepto clásico del arte
que el hecho de ver y lo visto se solapan. A este no capta una faceta del mundo tal como era en según el cual el ser humano forma parte de la
fenómeno lo denomina Marleau-Ponty “visibili- un momento determinado, sino que llama la naturaleza y no es ajeno a ella. La presentación
dad”, es decir, la inseparabilidad de la percepción atención de la persona que la contempla sobre del tema del cuadro permite que la persona que
y el mundo en el que adquiere forma un cuadro. el proceso según el cual el artista percibió el lo contempla experimente y revise su implica-
Por lo tanto, a través del sentido de la vista, el mundo. Hay vida en un cuadro y movimiento en ción primordial con la naturaleza en la vida. De
artista visual se abre al mundo y se entreteje con su dibujo precisamente porque el pintor ofrece este modo, Cézanne consigue con su pintura lo
él. Cuando un pintor está inmerso en una obra, múltiples visiones a lo largo del tiempo de una que siempre ha sido el objetivo de la filosofía de
la visibilidad se impone y el solapamiento del escena que cambia constantemente. Cuando Merleau-Ponty.
sujeto que ve y lo visto disipa la distinción entre está pintando, las rápidas ojeadas parciales del En el concepto que tiene Merleau-Ponty de
los dos polos de la percepción. artista van desde el lienzo hasta las diferentes la visibilidad y en su dialéctica sobre el sujeto
La capacidad del artista para incorporar el facetas del mundo que le han llamado la que ve y lo visto, se detectan las teorías y el

28 / La Pupila junio 2008 / nº 02

 /// Maurice Merleau-Ponty: 1908-2008

Maurice Merleau-Ponty nace en Rochefort-sur-Mer, Charente Maritime,

Francia, el 14 de marzo de 1908. Imparte sus enseñanzas desde 1931
hasta 1933 en el liceo de Beauvais y desde 1934 hasta 1935 en el de
Chartres. Desde 1940 hasta 1944, al tiempo que ocupa la cátedra
de Filosofía del Lycée Carnot de París, participa activamente en la
resistencia. Desde 1945 hasta 1948 enseña Filosofía en la Universidad
de Lyon; desde 1942 hasta 1952 es catedrático de Psicología Infantil
y de Pedagogía en la Sorbona, París, y desde 1952 hasta 1961,
catedrático del Collage de France de París. Junto con Jean-Paul Sartre
y con Simone de Beauvoir funda el periódico Les Temps Modernes.
Muere en París el 3 de mayo de 1961.

Cézanne. “El monte Santa Victoria”. Óleo, 54 x 65 cm. 1880.

método de Hegel. No obstante, como señalan Hubert y Patricia Dreyfus en significado primario” (L´ oeil et l´esprit). En la medida en que la pintura
su introducción a la edición en inglés de Sens et non-sens, Merleau-Ponty celebra el nacimiento del mundo a través de la interrelación de nuestro
existencializa a Hegel y el movimiento del pensamiento hegeliano hacia cuerpo con él, el arte genera una filosofía de historicidad primordial basada
un ideal absoluto queda contrarrestado por un movimiento inverso. Dentro en las cosas en sí y en la percepción de su propio proceso.
de este discurso, la filosofía del arte de Merleau-Ponty no se plantea el arte
visual como un objeto de investigación filosófica, sino como una motivación El presente texto cuenta con la autorización expresa de Editorial Cátedra para publicación en La
esencial para el proyecto de volver a insertar la filosofía en el “tejido del Pupila (propiedad del texto de Routledge -Taylor and Francis Grau- para Ediciones Cátedra).

Grafías Oscar Larroca / Diego Recoba

Lo cómico Arte, ¿líquido? Pensadores clave

y la caricatura. Zygmunt Bauman. sobre el arte:
Charles Baudelaire (1855) Sequitur, Madrid, el siglo XX.
La balsa de la medusa, 2007 114 pp. Chris Murray (ed.)
Madrid, 1988. 138 pp. Ensayos Arte Cátedra.
Madrid, 2006. 326 pp.

Este volumen reúne los tres ensayos que La obra teórica de Zygmunt Bauman (Poznan, 1925) Este es el segundo volumen de Pensadores
Baudelaire dedicó a este tema: De la esencia de esta de moda. Su libro La modernidad líquida (1999), clave sobre el arte (el primero abarca el pe-
la risa y en general de lo cómico en las artes plás- lo catapultó a la difusión masiva, a los que siguieron El ríodo comprendido entre la antigüedad clásica
ticas, Algunos caricaturistas franceses y Algunos amor líquido (2005), La vida líquida (2006), El mie- y el final del siglo XIX). Dirigido a aficionados en
Caricaturistas extranjeros. Se agrega además el do líquido (2007) y Tiempos líquidos (2007), entre estética, historia del arte y artistas visuales, esta
texto De la caricatura y en general de lo cómico en una veintena de títulos editados en poco más de catorce compilación del escritor Chris Murray recoge, a
las artes. Se trata de un sesudo análisis de la risa años. Su concepción de lo “líquido” discurre, aunque de través de un experto grupo de historiadores (en
a la que mueven las grotescas y deformadas figu- forma denunciatoria, por la misma senda del pensa- su mayoría estadounidenses), las posiciones,
ras de este género artístico. La crítica, el humor miento débil, con cierto paralelismo a Todo lo sólido las conjeturas y los diagnósticos sobre el arte
y la gráfica a la luz de la historia y de ejemplos se desvanece en el aire (1988), de Marshall Berman. formulados por cuarenta y nueve pensadores
concretos: Daumier, Logarth, Goya, Gavarni, Tomando como contraparte lo sólido, todos los valores del siglo XX. Ordenados alfabéticamente, cada
Charlet, Monnier, J. J. Grandville y Cruikshank. madurados en la modernidad se convierten en informes, entrada es acompañada por la biografía del in-
Dice el poeta francés: “Lo que bastaría para acomodaticios, gaseosos (aquí podemos recordar El arte telectual citado, entre los que se hallan: Adorno,
demostrar que lo cómico es uno de los más claros en estado gaseoso, de Yves Michaud, 2003). Para ello, Benjamin, Barthes, Baudrillard, Croce, Danto,
signos satánicos del hombre y una de las numero- Bauman apela a la simbólica figura de una huella, efí- Focillon, Foucault, Freud, Gombrich, Hauser,
sas pepitas contenidas en la manzana simbólica, mera, dejada en el mar. Sobre el final de Arte, ¿líquido? Kristeva, Merleau-Ponty, Read y Worringer,
es el unánime acuerdo de los fisiólogos de la risa el editor Francisco O. de Michelena y el pintor peruano entre otros. Una selección pergeñada desde el
sobre la razón primera de ese monstruoso fenóme- Braun-Vega denostan duramente a Bauman: como Norte con visos de best seller que no deja de
no. (…) También habría que decir: la risa viene “lo líquido” no es una grifa que conlleve ningún honor, ser profundamente ágil y didáctica. Un libro
de la idea de la propia superioridad. ¡Idea satánica Braun-Vega afirma que es el propio Bauman quien cae ineludible para aquellos que quieran reunir en
como la que más! Orgullo y aberración.” (p. 23). Un en esa figura, y no la pintura del peruano (todos quieren un solo volumen el pensamiento -producido
título clásico de unos de los poetas mayores de la zafar del lazo). Un libro bienintencionado pero realmente en la centuria pasada- más relevante sobre el
modernidad francesa. O.L. líquido: desaparece rápidamente una vez leído. O.L. tema. O.L.

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 29

 Grafías Diego Recoba, Oscar Larroca

Torres García Las aventuras de la El fin del arte.

and Cercle et Carré. diferencia. Donald Kuspit (2004), Akal
The Creation of Constructive Pensar después de Nietzsche Arte contemporáneo.
Universalism. Paris 1927- y Heidegger. Gianni Vattimo. Madrid, 2006, 158 pp.
1932. Pedro da Cruz. 1994, Barcelona, Península, 2002.
228 pp. 271 pp.

Publicado en Suecia hace catorce años, este libro El eje que atraviesa todos los trabajos en este li- “Cuando la mierda apareció en el arte, la desublimación
del crítico Pedro da Cruz es el producto de inves- bro del filósofo italiano (Turín, 1936), es la noción regresiva produjo su postarte más consumado”, dice el
tigaciones en Montevideo, París y Lund (Suecia) de “diferencia” entendida como problema filo- filósofo e historiador Donald Kuspit, uno de los más
sobre la obra de Joaquín Torres García. Aquí sófico. Como reza el título, son dos los nombres agudos críticos de arte en la actualidad e integrante de
examina, entre otros asuntos, la primera exposi- que retienen su atención: Nietzsche y Heidegger. la comisión que selecciona al curador de la Documenta
ción de arte constructivista en 1930 y la revista El autor desarrolla esa noción a la luz del cues- de Kasell. Kuspit sostiene -a contramano de otros
Círculo y Cuadrado (el órgano publicitario de tionamiento de la idea clásica del fundamento autores- que el arte ha llegado a su término porque
la AAC) como continuadora de Cercle et Carré. En unificador por los dos filósofos germanos. En ha perdido su carga estética. El arte ha sido sustituido
seis capítulos, da Cruz comparte con el lector una ellos, Vattimo ve a dos pensadores fundamentales por el “postarte”, una nueva categoría visual que eleva
detallada información sobre la vida y la produc- a la hora de explicar las crisis de los metarrelatos lo banal por encima de lo enigmático, lo escatológico
ción teórica del maestro uruguayo, a lo que se que daban sentido al conocimiento científico y el por encima de la creatividad. A diferencia del carácter
deben agregar las cuarenta y cinco ilustraciones arte. Así, intenta poner en debate la crisis de la entrópico del arte moderno, el arte posmoderno ha
que acompañan la profusa lectura. Las exigencias filosofía, el discurso histórico, el arte y la noción degenerado en una expresión de estrechos intereses
académicas de la Universidad de Lund permitían contemporánea de las mismas para cuestionar la ideológicos. Como reacción a esa vacuidad, Kuspit
la publicación de esta tesis de doctorado, en ambición de lograr un pensamiento integral que señala el futuro estético y humano que traen los
idioma sueco, inglés, francés y alemán, pero no abarque todo el conocimiento. Quizá, no sea esta Nuevos Viejos Maestros y menciona algunos artistas
en español. El autor eligió el idioma inglés porque la obra más adecuada si se quiere entrar de lleno contemporáneos figurativos dentro de esta línea.
daba más posibilidades de difusión que el sueco. en la posición del autor a la luz del debate sobre Sobre el final de este trabajo, reflexiona: “Si ser moder-
De todas maneras, esta planeada para su publica- la posmodernidad (El fin de la modernidad no significa poner en cuestión la idea de inmortalidad e
ción y posterior difusión en Uruguay, una versión sería el más específico). Significa, en cambio, una incluso dudar de su posibilidad..., entonces ser posmo-
actualizada en castellano. Mientras tanto, este referencia valiosa para todos aquellos interesados derno significa perder todo interés por la inmortalidad”.
trabajo se halla disponible en Libertad Libros y en la discutida vigencia de dos autores clave del Para algunos, un conservador; para otros, un adelanta-
en el Museo Gurvich. O.L. existencialismo. D. R. do; para todos, imprescindible. O.L.

Cisplatino. Diálogos con la Ombú & Dilo.

Diego Tapié / Cultura Uruguaya. Histeria Patria.
Pablo Zignone. Montevideo, Ediciones El Manicero desde
Montevideo, de la Plaza, 2007. 1981 hasta el presente.
Apocalipta, 2008. 311 pp. Montevideo, Cruz del Sur
Alma Zen, 2007. 95 pp.

Parido en suelo uruguayo, nace la historia de un Esta selección de entrevistas publicadas en El País Dibujado por Fermín Hontou (Ombú) y con guión
nuevo héroe: Cisplatino. Se trata de una historieta Cultural se configura en una obra importante por su de Carlos di Lorenzo (Dilo), El Manicero (1981) dio
dibujada por Diego Tapié y Pablo Zignone, siguiendo carácter “radiográfico” del sentir cultural uruguayo. sus primeros pasos en la revista Opción; luego en la
las pautas del dibujante norteamericano Alex Ross. Es singular en cuanto permite reconocer periplos, revista de humor El Dedo, y más tarde en la sucesora
Prácticamente no hay antecedentes en Uruguay trayectorias de vida, evoluciones lineales y quiebres Guambia. En 2007, El Manicero nuevamente es im-
de una faena de esta naturaleza: la técnica elegida abruptos. Es una obra con la cual reflexionar sobre preso en la blanca página de papel como consecuencia
consiste en dibujar las siluetas tomando como base el tiempo que nos toca vivir en este mundo y, parti- de haber obtenido uno de los Fondos Concursables del
una serie de fotografías siguiendo las instrucciones cularmente, en este suelo. La entrevista realizada a MEC. Esta vez, a modo de selección y con un sentido
que marca el guión. Las figuras son un poco hieráti- María Esther Gilio es el umbral mediante el cual se tributo a Fontanarrosa, Tabaré (el historietista, no
cas debido, quizá, a la ausencia de movimientos en aborda este recorrido de encuentros, evocaciones el presidente), Julio E. Suárez y Hergé, entre otros.
los modelos fotografiados, mientras el abundante magistrales, documentos, homenajes y manifiestos El Manicero es uno de esos personajes clave para
detalle del dibujo (intentando que éste se asemeje artísticos. Son los casos de Eduardo Darnauchans, entender, una época específica en una sociedad; en
a la realidad) logra una suerte de “hiperrealismo Alfredo Zitarrosa, Guillermo Fernández, Jaime Roos, este caso, fines de la dictadura y comienzos de la
mágico”. La historia trata sobre un blandengue de Luis Camnitzer, o Julio C. Da Rosa, entre otros. Si bien reinserción democrática (1982-1990). Pertenece a una
la provincia oriental del siglo XIX, cuyo cuerpo es en algunos diálogos el entrevistador asoma en de- época en que los políticos describían a Uruguay como
encontrado en la Cordillera de los Andes y reani- masía y en otras la prosa se torna en una charla para un “país en vías de desarrollo”. Algunas cosas quedaron
mado en nuestros días. Aquí, pasa a luchar por el entendidos, Diálogos con la Cultura Uruguaya es en el olvido (como esta frase), y otras en la memoria
bien pero es atormentado por difusos recuerdos y valiosa como obra de referencia. El lector (el “tercero (como esta obra gráfica). Con su zoológica galería de
por la incomodidad de vivir desfasadamente en un silencioso” de toda entrevista) disfruta del placer de personajes, sus autores son los responsables de des-
tiempo que no es el suyo. Un gran proyecto gráfico ser testigo de un abanico representativo de nuestra menuzar el tema de la identidad sin más herramientas
de manufactura nacional. D. R. cultura. D. R. que el virtuosismo plástico y literario. D. R.

30 / La Pupila junio 2008 / nº 02

junio 2008 / nº 02 La Pupila / 31