ESCUELAS DE TECLADO DE LOS SIGLOS XVI XVII Y XVIII

SIGLOS → XVI XVII XVIII

ESPAÑA Antonio de Cabezón Se destaca el Padre Antonio

1510-1566 repertorio para Soler (1)
guitarra 1729-1783

William Byrd
1542-1623 George Friderich
INGLATERRA John Bull Henry Purcell Händel
1562-1628 1658-1695 1685-1759
Orlando Gibbons
1583-1625

Francois Couperin
FRANCIA Jacques Champion 1668-1733
de Chambonnières Jean Ph. Rameau
(1601-1672) 1683-1764

Andrea Gabrielli
1510-1586
Giovanni Gabrielli Girolamo Doménico
ITALIA 1557-1612 Frescobaldi Scarlatti (2)
Claudio Merulo 1583-1643 1685-1757
1533-1604
Gerolamo Diruta
(aprox.1554-
después de 1610)

Samuel Scheidt
1587-1654
ALEMANIA Johann Jacob Johann S. Bach (3)
Froberger 1685-1750
1616-1667
Dietrich Buxtehude
1637-1707

(1) (R) Esta letra es usada para identificar la obra del Padre Antonio Soler en la edición
del Padre Samuel Rubio que comprende 6 volúmenes con 99 sonatas publicadas hasta la
fecha de la publicación (1957-1962)
(2) La Editora Ricordi publicó en 1906 las obras completas de D. Scarlatti (545), en 11
volúmenes, agrupadas en suites. Su redactor fue Alessandro Longo (L) (1864-1945), pianista
y compositor italiano. Esta numeración fue superada años más tarde (1953) por Ralph
Kirpatrik (Kk) (1911-1984), pianista y clavecinistas norteamericano. Escribió una biografía de
Scarlatti e hizo una revisión del catálogo de Longo. La lista de Kirpatrik recoge 555 obras.
Otras ediciones: Goldenweisser, Czerny, Hans Bülow y Tausig.
(3) El catálogo que se utiliza en la actualidad de la obra de Bach, BWV (Bach Werke
Verzeichnis) fue realizado en 1950 por el musicólogo alemán Wolfgang Schmieder (1901-
1990).

INTRODUCCION
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La primera mitad del siglo XVIII se caracterizó por un florecimiento del arte de los instrumentos
de teclado. La música de este período tiene fundamentalmente un valor histórico. Inicialmente
recibió la influencia de instrumentos de cultura más antigua como el órgano y el laúd. Este
último tuvo gran difusión como instrumento hogareño con un repertorio de pequeñas piezas
para canto y baile; melodías basadas en cantos populares, con elementos virtuosísticos.

El gran número de danzas populares que van a encontrarse en la música de los siglos XVI
XVII y XVIII deben su origen a la música para laúd del siglo XVI. Probablemente ya engrosaban
el repertorio de laúd mucho antes de imprimirse las tablaturas. Las danzas aparecen con más
frecuencia en sus lugares de origen pero apenas formaron parte de la música instrumental, su
divulgación fue internacional.

En ITALIA, las más frecuentes eran Pavana (lenta, binaria) y Gallarda (más movida, ternaria).
También Passamezzo, saltarelo, villanello, voltam piva, calata. En FRANCIA: Courant,
Braule. INGLATERRA: Jig ALEMANIA: Allemanda

Este fenómeno sirvió de etapa preparatoria para la Suite.

Asimismo usaban variaciones muy difundidas posteriormente en el repertorio para clave.

Durante estos dos siglos se usaban los medios de composición empleados para el laúd, en
ocasiones, las mismas obras escritas para laúd eran ejecutadas en el clave

La digitación

Del laúd y otros instrumentos de cuerda hereda el clave la digitación. Usando los dedos más
largos sobre los más cortos. La digitación con el uso del pulgar se le atribuye a Bach pero lo
cierto es que otros autores también habían mostrado ya su inquietud sobre este fenómeno.

 En 1650 Jean Denise en su “Tratado sobre la afinación de la Espineta” le da gran

importancia a la utilización del pulgar.
 Rameau y Scarlatti también escriben sobre el tema (buscar Scarlatti prólogo a su
primera edición sonatas)

Desde los años 30 del siglo XVIII, varios intérpretes de teclado comienzan a utilizar este
principio de la digitación llamado italiano el cual se divulga rápidamente por Inglaterra,
Francia, Alemania y resultó determinante ya que:

 Promovió el desarrollo de la técnica de los instrumentos de teclado.

 Ayudó a resolver muchas dificultades técnicas.
 Influyó sobre el desarrollo de la factura de los instrumentos de teclado y contribuyó a
su posterior complejidad.

Separación del órgano de los instrumentos de teclado: Gerolamo Diruta contrapuso los
instrumentos de teclado al órgano como los instrumentos laicos a los religiosos con su tratado
IL TRANSILVANO

AUTORES PUBLICACIONES TRATADOS APORTES

Sus TIENTOS Y
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DIFERENCIAS fueron
los primeros esbozos
Antonio de de especies de fugas
Cabezón y variaciones
1510-1566 primitivas
en la historia de los
instrumentos de
teclado
“Libro de Cifra
Nueva para
Luis Venegas de teclado, harpa y
Henestrosa vihuela”
(editor) publicado en
1510-1570 1557
(138 composiciones)

Hernando de Obras de música

Cabezón (hijo de para tecla, arpa y
A. de C.) vihuela de Antonio
1541-1602 de Cabezón (1578)

“Declaración de
Juan Bermudo instrumentos
1510-1565 musicales”
1549
“Libro llamado Arte
de tañer fantasía
Tomas Santa así para tecla como
María para vihuela”
1510-1570 Publicado 1565
IL TRANSILVANO
contrapuso los
Gerolamo Diruta instrumentos de
teclado al órgano
(aprox.1554- como los laicos a los
después de 1610) religiosos.

AUTORES PUBLICACIONES TRATADOS APORTES

Parthenia o “La
William Byrd primicia de la
1542-1623 primera música que
John Bull jamás fue publicada
1562-1628 para virginal” (1611)
Orlando Obras de estos
Gibbons autores
1583-1625

“Sobre la
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Jean Denise afinación

de la espineta”
1650
Consolida la Suite
para clavecín con
Jacques las 4 danzas
Champion de fundamentales,
Chambonnières llevada a su
1601-1672 culminación por
Bach.
“El Arte de tocar el
Francois Clavecín”
Couperin 1717
1668-1733
Tratado Teórico
“Metodología de la
Mecánica de la
Jean Ph. Rameau digitación” y
1683-1764 otros destacados
tratados sobre
armonía y teoría de
la música
Sus Sonatas para
Doménico clave tuvieron una
Scarlatti repercusión vital en
1685-1757 la formación y
desarrollo de la
futura técnica
pianística

Precursor de la suite
Johann Jacob alemana para clave.
Froberger Logró predominio
1616- 1667 de este instrumento
en el sur de
Alemania.

George Friderich Peculiar tratamiento

Händel de la suite para
1685-1759 teclado

Figura más
importante del
barroco musical
Johann S. Bach europeo. Hizo
1685-1750 aportes relevantes
en todos los
géneros que cultivó.

Un aspecto sumamente importante en esta época era la Improvisación. Este era un elemento
inseparable del intérprete de la época que además era el compositor y en muchas ocasiones
también el director de la orquesta.

La gran importancia de estas escuelas radica en las obras de estos autores donde
encontramos el germen de formas que fueron trabajadas por Bach, los clásicos y hasta
nuestros días.

Características comunes a todas las Escuelas

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 Influencia de la música para laúd, órgano, vihuela en el caso de España en la música

para clave.

 Formas de composición similares: Variaciones, Suites, fugas primitivas, danzas.

 Utilización de temas folclóricos.

 Utilización de ornamentación muy variada.

ESPAÑA SIGLO XVI (RENACIMIENTO)

Bajo la corte de Carlos V y Felipe II la corte española se convirtió en un importante centro

comercial. Muy cultivada la música instrumental. Han llegado hasta nuestros días numerosas
tablaturas de aquella época, la mayoría para laúd o vihuela, arpa y algunas contienen obras
para teclado. El término teclado fue utilizado en el mismo sentido que “Klavier” (en alemán)
o sea, no se especificaba para qué instrumento de teclado. En esa época laúd e instrumento
de teclado eran aún muy cercanos.

Existen dos grandes colecciones impresas en tablatura dedicadas fundamentalmente a la

música para teclado.

1. “Libro de Cifra Nueva para teclado, harpa y vihuela” (138 composiciones)

publicado en 1557 por Luis Venegas de Henestrosa (editor)
Este libro posee un tipo de tablatura considerada como novedosa (cifra nueva).
Las notas de la escala diatónica están indicadas por números del 1 al 7.
Entre mucha variedad de composiciones aquí aparece representada la forma Tiento
que proviene del italiano ricercare o fantasía.
Los compositores representados en esta recopilación son fundamentalmente
españoles.
 Francisco Pérez Palero
 Pedro Vila
 Pedro de Soto
 Antonio de Cabezón

2. La publicación de “Obras de Antonio de Cabezón” (1578) realizada por su hijo

después de su muerte.

Asimismo existen dos tratados que comentan aspectos de la composición y de la

interpretación de los instrumentos de teclado.

1. “Declaración de instrumentos musicales” 1549 de Juan Bermudo.

2. “Libro llamado Arte de tañer fantasía así para tecla como para
vihuela” Publicado en 1565 por Tomas Santa María.

Antonio de Cabezón (1510-1566). Organista ciego, el más grande de España en su época.

Desde 1543 fue músico de cámara y capilla de la corte de Felipe II. Escribió Tientos y
Diferencias, en estas últimas siguió el estilo establecido por los vihuelistas especialmente Luis
de Narvaez, es decir, estas obras no incluían el tema aisladamente ya que eran temas
conocidos, de canciones populares, por eso se comenzaba directamente por la primera
variación. Su estilo era puramente instrumental, a pesar de que esta era una época en que la
técnica vocal ejercía su influencia sobre casi toda la música.

Su obra puede dividirse en tres categorías

1. Breves obras litúrgicas usadas en relación con la misa.
2. Tientos (tentar, probar, preludiar), eran obras más extensas, de estilo contrapuntístico.
3. Diferencias: Quizás las más interesantes de estos tres tipos. Se conocen 9 grupos,
de ellas 3 sobre la tonada popular “Guardame las vacas” y otras como.
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 “La Gallarda Milanesa”

 “ La Pavana italiana”
 “El canto del caballero”
Estas últimas basadas en una canción popular que sirvió igualmente de inspiración para la obra
de teatro de Lope de Vega “El Caballero de Olmedo”

Ej: Audición de Tientos y Diferencias de A. de Cabezón.

Padre Antonio Soler (1729-1783)

Al hablar del siglo XVIII en España, hay que mencionar D. Scarlatti quien dedicó a este país su
período de madurez como creador y maestro incorporando en sus obras elementos de la
música nacional española; a su vez influencio a su alumno, el compositor, organista,
clavecinista Padre Antonio Soler que será la figura más relevante de la música para teclado en
España en este periodo. Su formación musical la comenzó desde niño. En 1752 se ordenó
como sacerdote y pasó a ser organista del Monasterio “El Escorial”, maestro del coro y
compositor. Este cargo como músico lo mantuvo durante el resto de su vida.
Escribió abundante música para orquesta pero lo más trascendente son sus Sonatas para
teclado.

Características de sus Sonatas (más de 80)

 Como las de Scarlatti, poseen un solo movimiento.

 Muy influenciadas por las de su maestro.
 Conservan la misma estructura y el mismo espíritu estilístico.
 Tratamiento modulatorio y la elaboración que conducía a la futura sección de
desarrollo.
 Ambiente español inseparable de su lenguaje: ritmos, giros melódicos.

Su obra “Llave de la modulación y antigüedad de la música” editada en Madrid en 1762.

Expone un concepto sobre la modulación que supera la mentalidad barroca sobre este tema.

De gran importante resulta su “ Fandango” […] para clave, donde ya utiliza en el título el
nombre directo de la danza. En una lección de maestría artística, plasma el folklore auténtico
como ejemplo sin par; el virtuosismo latente está en función de los pies de los “bailaores”
imaginarios con múltiples variaciones de ritmo excitante y frenético […]

[…] Entre las obras del Barroco instrumental europeo que dimanaron del folklore, el Fandango
para clave, de Soler, es el máximo exponente de la época […] (p.101) “Historia de la Música”
II M.A. Enríquez y J. M. Bidot.

La técnica de la escritura robustece con brillantez las posibilidades del instrumento, que deja su
carácter intimista para convertirse en pregonero del bullicio propio de los saraos. Y el resultado
es una invitación al baile, una experiencia plena de colorido para el oyente y un reto para los
clavecinistas consagrados.

Ej 1: video de Fandango. Buscar partitura

Ej 2: Audición Sonatas del Padre Soler.

Interprete: Mario Raskin: Estudio música, clave y composición en el conservatorio nacional de

Buenos Aires, donde nació. Vive en Paris desde 1983. Ha hecho presentaciones como solista y
música de cámara en Europa y América. Su talento y temperamento lo han hecho merecedor
de un prestigio como intérprete del repertorio barroco, clásico y contemporáneo.

INGLATERRA (Virginalistas Ingleses)

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Esta escuela surge antes que la francesa. Inglaterra parece haber sido el primer país que liberó
la música de los tempranos claves, de la música para órgano. En la época de Shakespeare
(XVI_XVII) surgió una verdadera y creativa escuela de virginal. Gran cantidad de música de J.
Bull, O Gibbons, W. Byrd fue publicada en Inglaterra en 1611 en la primera compilación de
piezas para clavecín (Parthenia) o “La primicia de la primera música que jamás fue
publicada para virginal”

Usaban temas folklóricos, tipo de variación florida, ornamentada, con títulos evocativos, empleo
de la suite, piezas para virginal, melodías muy adornadas, polifónicas

Figuras representativas

William Byrd (1543-1623) . Es quizá el compositor británico más importante del periodo
isabelino. Nació probablemente en Lincoln, de cuya catedral fue organista entre 1563 y 1572,
año en que comenzó a trabajar en la Chapel Royal. En 1575 la reina Isabel I concedió a Byrd y
a su maestro, Thomas Tallis, el monopolio de imprimir y vender partituras musicales, negocio
que pasó a Byrd tras la muerte de Tallis en 1585. A pesar de ser católico, en una Inglaterra
protestante, Byrd gozó de la veneración nacional. Demostró una maestría, en la composición
de todos los géneros musicales, tanto vocales como instrumentales. Su música sacra en latín
se considera lo más importante de su obra. Sus más de 140 piezas para virginal ayudaron a
establecer la escuela inglesa de composición para este instrumento. Al igual que en el resto de
los compositores británicos de su tiempo, la armonía y estilo de Byrd fueron más bien
conservadores si se comparan con la evolución que ya se estaba dando en otros países,
especialmente en Italia. Mostró en sus obras la maestría en la composición polifónica, obras
de una profunda carga emocional.

John Bull (1562-1628). Compositor, organista y clavecinista británico; uno de los más
grandes virtuosos de su tiempo. Entre 1582 y 1583 combinó los cargos de organista y director
del coro de Hereford con varios trabajos en Londres, entre ellos el de organista de la reina. Se
doctoró en música por las universidades de Cambridge y Oxford. Su maestría con los
instrumentos de tecla, así como su habilidad para construirlos, le permitió ganarse la vida en
los Países Bajos. Desde 1617 hasta poco antes de su muerte, fue organista de la catedral de
Amberes. Las composiciones que conservamos de él son esencialmente para instrumentos de
tecla. Escribió obras de dificultades técnicas que muestran indicios de su maestría como
ejecutante. Las estructuras contrapuntísticas, complejidades rítmicas demuestran su calidad
como compositor.

Orlando Gibbons (1583-1625). Uno de los principales compositores británicos de la última

época renacentista. Nació en Oxford y fue organista de la Chapel Royal (1604), virginalista de
la corte real (1619) y organista de la Abadía de Westminster (1623). De sus composiciones
para virginal cabe destacar piezas de danza como la pavana "Lord Salisbury", fantasías
contrapuntísticas y variaciones de melodías populares. Su música fue conservadora, por
ejemplo, sus madrigales poseen una severa estructura contrapuntística característica de las
rigurosas técnicas de composición religiosas.

Henry Purcell (1659-1695). Su genio situaría al barroco musical inglés a la altura de los
demás países europeos. Organista, niño cantor, virginalista, uno de los compositores ingleses
más destacados. Escribió suites para virginal con melodías ampliamente ornamentadas. En
sus obras utiliza elementos barrocos franceses e italianos y formas musicales tradicionales
inglesas. Se destacó en la producción de obras de cámara, obras para ámbito teatral,
religioso y domestico así como canciones y duetos. Destacada resulta su opera Dido y Eneas
(Londres, 1690).

FRANCIA (Clavecinistas franceses)

El inicio del auge del clavecín en este país se corresponde con el auge del laúd. El desarrollo
de la Escuela de Clavecín en Francia está estrechamente ligado con las condiciones de vida
de la corte y de los salones de la nobleza. El arte en general se usó para glorificar el poder real
y crear una aureola alrededor del Rey Sol (Luis XIV). En estas condiciones se desarrolló el
arte Rococó: Admiración por el decoro exterior, finura y efecto por encima de lo profundo del
contenido, el arte de la miniatura, los pintores creaban sus cuadros en pequeño formato, esto
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podemos apreciarlo claramente en las obras de F. Couperin en el sentido de la estructura de

las formas y la excesiva ornamentación.

Rococó se empleó para la música de las primeras décadas de ese periodo. Sin duda alguna se
puede considerar […] las piezas genéricas de F. Couperin, con sus ornamentaciones refinadas,
como equivalente del movimiento arquitectónico de ese nombre. La palabra rococó se usó en
un principio en Francia a comienzos del siglo XVIII para describir la arquitectura que suavizaba
las formas angulares y cuadradas del periodo post renacentista con arabescos curvados
(“rocailles” u “obra de conchas”) Historia de la Música Occidental 1 Donald Jay Grout

Rococó: Movt. Artístico nacido en Francia (entre aprox. los años 1730 y 1760. Gusto por los
colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la
mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente en los temas
galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata
temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es
agradable, refinado, exótico y sensual. Supuestamente se trataría de una asociación de las
palabras francesas "rocaille" y "baroque" (barroco), la primera de las cuales designa una
ornamentación que imita piedras naturales y ciertas formas curvadas de conchas y mariscos.
(De Wiki 2015)

La primera figura notable del clavecín en Francia fue:

Jack Chambonnieres (1601-1672) Fundador de la escuela francesa de instrumentos de

teclado. Consolida la Suite para clavecín la cual tiene su cúspide en las creaciones de Bach.
En el siglo XVII las danzas se hacen más independientes y la Suite se convierte en serie de
danzas unidas por la misma tonalidad. La madura Suite de fines de este siglo y comienzos del
XVIII representó un ciclo cuyas partes son 4 danzas fundamentales (Allemanda, Courante,
Sarabanda y Giga). En este mismo orden, cada una de diferente carácter y de origen nacional.

Danzas de la Suite

Allemanda: Alemana. En 4 tiempos. Comienza con anacrusa. Carácter tranquilo y suave.

En la suite a menudo tiene carácter de preludio.

Courante: Conjuntamente con la Giga, danza más viva de la Suite. Comienza en anacrusa
generalmente. Existen dos tipos: Courante Francesa. Compás de 6/4 ó 3/2. Courante
Italiana: en 3/4 ó 3/8.

Sarabanda: Española. En 3 tiempos. Danza más lenta de la suite. Frecuentemente de

carácter triste, majestuoso o patético. Suele tener estructura en acordes.

Giga: Inglesa. Compás de 3 ó 6/8. Danza más viva de la suite. Emplea ritmos con puntillo o
compás de división ternaria.

Estas danzas eran obligatorias pero además podían encontrarse otras como:

Minuet : Francés. Danza ceremoniosa en compás de 3/4 . Moderato.

Gavota: Moderato. Compas de compasillo con anacrusa de 2 negras.

Bourré: Rápida, en compás de compasillo con anacrusa de una negra.

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Passepied: Alegre. En 3/8 ó 6/8.

Aire: No tiene carácter de danza

Con menor frecuencia aparecen:

Louré: Moderato. En 6/4. Notas con puntillo.

Anglaise: Rápida, en compasillo.

Polonesa: En 3/4 . Moderato

Estas danzas opcionales generalmente aparecen emparejadas, repitiéndose la primera danza

después de la ejecución de la segunda, haciendo esta última papel de trío, recordando los
tiempos en que tales composiciones estaban escritas a tres voces y eran ejecutadas por tres
instrumentos.

Ej:Audiciones

Francois Couperin (1668-1733). Llamado Le Grand (el grande), miembro de una ilustre
familia de cinco generaciones de músicos. Compositor, clavecinista y organista francés, cuyas
obras destacan dentro de la música francesa del periodo barroco. Sobrino de Louis Couperin,
nació en París en 1668. Su padre, Charles, heredó de Louis el puesto de organista en la iglesia
de San Gervais de París (puesto que perteneció a la familia Couperin hasta 1826). Charles
murió en 1679 y a François se le educó para ocupar su puesto; a los diecisiete años comenzó a
trabajar y varios años más tarde también fue organista de la capilla real y director de música de
la corte de Luis XIV.

Su obra para clavecín, en 4 volúmenes, agrupadas en ORDRES u ORDERS contiene 254

piezas (editadas 1713/ 1716/ 1722/ 1730) constituyen un monumento de la música francesa
para teclado que influyó en compositores posteriores como Johann Sebastián Bach. Contienen
grupos de pequeñas piezas elegantes, satíricas o profundas, basadas por lo general en ritmos
de danza. Su arte es descriptivo. Logró crear impresiones de la naturaleza. Frecuente en su
música las armonías arpegiadas y figuraciones con puntillo. Melodía sensible. Mucha
ornamentación. Gracia y delicadeza. Expresión y color. Algunas obras imitan sonidos o
movimientos (los molinillos, la mandolina, las tejedoras).

Ej: Audiciones de F.Couperin

Su tratado "El arte de tocar el clavecín" (1716-1717) es un documento imprescindible sobre

la técnica de teclado del siglo XVIII, de valor didáctico y artístico, ofrece orientaciones sobre la
enseñanza e interpretación de sus obras. Introdujo en Francia la sonata para trío, aunque
desarrolló este género italiano con un tratamiento típicamente francés en la melodía y la
ornamentación. De su obra destaca la colección Les nations (1726) y los doce conciertos para
clavecín e instrumentos (1714-1724).

Jean Philippe Rameau (1683-1764). Clavecinista, uno de los principales compositores

franceses del siglo XVIII y eminente teórico musical. Nació en Dijon, donde su padre trabajaba
como organista de la catedral. Se dice que a los 7 años podía leer cualquier pieza de música
para clave. Viajó a Italia a los 18 años; a su vuelta a Francia trabajó como organista en
diferentes ciudades, sobre todo en Clermont-Ferrand, donde permaneció hasta 1722, año en
que escribió su Tratado de armonía, la obra que constituye la primera gran síntesis de la
armonía. Por primera vez aparece la idea de la inversión de los acordes. En 1723 se trasladó
a París para enseñar clavicémbalo y teoría musical. Fue el maestro de clave más reconocido y
se convirtió, además, en organista en el noviciado de los jesuitas y en la iglesia de Sainte Croix
de la Bretonnerie. Sus primeras composiciones incluyen piezas de teatro, música sacra y
música para clavicémbalo. En 1731 fue nombrado director de la orquesta privada de un rico
financiero y mecenas musical, Jean Jacques de la Pouplinière, lo que le permitió dedicarse a la
ópera. Entre las 30 óperas de Rameau se encuentran obras maestras del teatro lírico francés
como las tragedias Hipólito y Aricia (1733), Cástor y Pólux (1737), Dárdano (versiones de 1739
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y 1744) y Zoroastro (1749), las óperas-ballets Las Indias galantes (1735), Las fiestas de Hebé
(1739) y La princesa de Navarra (1745), así como la comedia Platea (1745). Tanto su
orquestación como su forma de utilizar la armonía para conseguir efectos dramáticos son
intensas e innovadoras. Rameau se vio involucrado en diferentes polémicas cuando su música
fue atacada primero por entusiastas de Jean Baptiste Lully, que pensaban que su obra
moderna traicionaba el legado de este compositor, y más tarde en la década de 1750 por los
modernistas como Jean-Jacques Rousseau, que defendían la ópera italiana de Gian Battista
Pergolesi. (De Wiki) ?

Escribió tres colecciones para clave agrupadas en 5 suites. En este compositor aparece la
forma danzaría más libre, desarrollada y virtuosa. Lo nuevo en su obra está relacionado con
las imágenes que se apartan del rococó. De gran importancia es su tratado teórico
“Metodología de la mecánica de la digitación” dedicado al desarrollo técnico. Sus piezas
de clave en forma de concierto (1741) para dos violines y clavicémbalo se encuentran entre las
primeras obras que confieren al teclado un papel solista en lugar de limitarlo al
acompañamiento. Los libros teóricos de Rameau, que él consideraba su producción más
importante, sistematizan las prácticas armónicas de los 100 años anteriores a él y los
conceptos teóricos codificados que han seguido siendo básicos para la armonía europea hasta
1900. Todo ello le ha valido el sobrenombre de El Descartes de la música.

Ej: Audiciones de Rameau