Un análisis histórico del rock
como género subversivo para la expresión crítica
y el descontento social, político y cultural*
Sebastián Mesa Taborda**
Resumen
Históricamente el rock ha sido pieza clave en el desarrollo de
la protesta pacífica que se realiza desde las manifestaciones
culturales y artísticas. Desde sus inicios, se ha investido de dos
elementos que constituyen la esencia del género: la contracultura
y la disconformidad social. Sin embargo, dichas características
no siempre se mantuvieron como bandera izada dentro de este,
en tanto, dada la inmediata popularización del rock, surgieron
contextos propicios para que en muchas ocasiones este se viera
enfrascado en lógicas comerciales y por tanto perdiera este
carácter rebelde. Aun con ello, el rock ha seguido representando
una herramienta útil para exponer una problemática social, un
rechazo frente a algo o, simplemente, sentar una postura en la
realidad social.
Palabras clave: rock, contracultura, disconformidad social,
protesta pacífica.
* Ensayo realizado para el curso de Música y Política que se dicta en el pregrado de
Ciencia Política de la Universidad de Antioquia.
** Politólogo de la Universidad de Antioquia. Correo:
[email protected] 28
Revista de Estudiantes de Ciencia Política
N.o 21. Medellín, julio-diciembre de 2022
N.o 22. Medellín, enero-junio de 2023
ISSN 2339-3211
UN ANÁLISIS HISTÓRICO DEL ROCK COMO GÉNERO SUBVERSIVO PARA LA EXPRESIÓN CRÍTICA...
Introducción
El rock, como género musical, se ha posicionado históricamente como
un instrumento de irrupción social, tanto en términos musicales y culturales,
en tanto cambió para siempre la industria y la producción musical como en
mecanismos de protesta pacífica. Su origen estuvo determinado por la con-
fluencia de varios géneros y de raíces sociales completamente diversas para
su época. El rock surge a mitad del siglo XX entre la población negra de los
Estados Unidos, con la influencia de géneros como el blues, el jazz, el rhythm
and blues y el soul; géneros que inmiscuían temas como la segregación racial
que sufrían los afroamericanos, la desigualdad social y el panorama social de
la postguerra. Pero también, surge con la acogida de los jóvenes blancos que
posibilitaron la popularización del rock ‘n’ roll, género que musicalmente
fue la influencia más directa del rock como se conoce hoy en día.
Al tener estas raíces, este género configuró su esencia a partir del cuestiona-
miento de lo hegemónico, de poner en vilo las lagunas surgidas de la estructura
social, de desmantelar las formas de pensamiento imperantes. Por ello, se
inviste de dos componentes claves en su desarrollo histórico: la contracultura
y la disconformidad social (Carmona, 2019). En el desarrollo de este escrito
veremos cómo este género fue creciendo en popularidad hasta convertirse en
un fenómeno mundial, muchas veces atraído y encasillado en las lógicas del
mercado, pero casi siempre firme en sus dos características eje.
Cimientos, popularización y derivados del género
El rock and roll es, sin dudas, el antecesor directo del rock tal como se
conoce. Este género surgido en los años 50 como fusión de los ritmos afroa-
mericanos del rythm and blues y el góspel, y los ritmos autóctonos estadou-
nidenses como el country, posibilitó la aparición de un nuevo movimiento
socio-cultural que vendría a romper estándares y a marcar un antes y un
después en la música. Una moda que se extendió bajo formas disruptivas de
vestir, de expresarse y hasta de bailar; ritmos irreverentes que escandalizaron
a la sociedad conservadora de mitad de siglo.
Lo novedoso de este incipiente género es que era la primera vez que la mú-
sica era hecha por jóvenes y para jóvenes. El inicio del rock “marcó el inicio
de la cultura musical de la juventud, al inaugurar parámetros de diferenciación
drásticos con la cultura y la moralidad adulta imperante después de la Segunda
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SEBASTIÁN MESA TABORDA
Guerra Mundial” (Garay, 1996, pág. 3). Un fenómeno singular que configuró
nuevas identidades sociales y culturales y un sujeto juvenil activo e influyente.
“La juventud celebró su propia imposibilidad en el rock (...). El registro de la
diferencia fue el cuerpo y su política la diversión” (Grossberg, 1992, pág. 181).
Algunos de los más sobresalientes exponentes de este género fueron Elvis
Presley, Little Richard y Chuck Berry. Artistas que innovaron e imprimieron
un sello distintivo al género: la rebeldía en términos culturales.
Elvis, por ejemplo, escandalizó a diversos sectores recalcitrantes, quienes
veían en su baile algo provocador, sensual e irreverente; además, su forma de
vestir y de actuar marcaría una tendencia que recogerían otros artistas más ade-
lante para adoptar un estilo propio del rock. Mientras que a los demás artistas
del género se les tildó de satánicos y de promover la perdición de los jóvenes
(Vásquez, 2019). De esta manera, vemos cómo el rock desde sus cimientos se
vería expuesto a críticas y a controversias por su esencia, misma que se iría
apagando en ciertas épocas, pero que se reactivaría con gran vigor en otras. Así
describe Elena Piñeiro (2009) estos primeros años del género:
Para los jóvenes de los 50 y los 60 las normas y valores de sus mayores
habían perdido validez y su presunta rebeldía era una forma de poner
de manifiesto la necesidad de liberarse personal y socialmente de las
restricciones de la ley, las normas del estado, de la familia y de la socie-
dad, a través de nuevas formas culturales que desafiaran lo prohibido
(Piñeiro, 2009, pág. 3).
En los años 60, el rock se conformaría propiamente y daría un salto enor-
me en cuanto a acogida social se refiere, con agrupaciones provenientes de
Inglaterra, como The Beatles, The Rolling Stones y The Who (considerada la
santísima trinidad del rock), en lo que se denominó como la invasión británi-
ca. De esta etapa, el género adquirió forma, estilo y mayor fuerza, pero sobre
todo, marcó su ebullición al gran mercado; esto dio paso a que se posicionara
como el género más importante en la escena musical de Estados Unidos y el
Reino Unido. Con el impulso de estas bandas el rock obtuvo una gran acogida
y aumentó de popularidad; pasó de ser un fenómeno de clubes nocturnos y de
pueblos, a convertirse en una música que llenaba estadios.
En el aspecto musical, los años 60 rompieron con los viejos sonidos, lo que
dio cabida a la exploración de nuevos instrumentos y ritmos. El género, enton-
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UN ANÁLISIS HISTÓRICO DEL ROCK COMO GÉNERO SUBVERSIVO PARA LA EXPRESIÓN CRÍTICA...
ces, reafirmaba su carácter innovador e irruptor (Piñeiro, 2009), y a medida que
pasaban los años se hacía más pesado. Aunque se conservaba la influencia del
blues, fue mutando el tempo de las canciones, la distorsión de las guitarras, la
rudeza de la batería y los gritos del vocalista.
Imagen 1.
Elvis Presley bailando en su video musical
de la canción Jailhouse Rock.
Fuente: (Metro-Goldwyn-Mayer, 2001).
Aun cuando sucedía esta tendencia innovadora, en cuanto a lo musical se
refiere, el género no incursionaba todavía en el aspecto político y social en sus
canciones, por lo menos de forma explícita. Sólo algunas agrupaciones de ma-
nera muy tácita y dejada a la interpretación del oyente, se atrevieron a entablar
una lírica que denunciara los fenómenos sociales. No fue sino hasta finales de
la década del 60 que las letras incorporarían dicho factor.
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Por lo demás, los cambios musicales del rock al hard rock y al rock psi-
codélico, bajo un concepto más experimental y agresivo con bandas como
Led Zeppelin, Cream, The Jimi Hendrix Experience y Santana, por nombrar
algunos, dieron pie a que fuera emergiendo un subgénero del rock llamado
heavy metal. Subgénero que evidenció en su sonido el contexto social de
donde procedió, pues tal como lo señala Agnusdéi (2014), cada música da a
conocer el tejido social de donde emerge, tanto en su estilo rítmico como en
sus composiciones líricas.
Así, podría decirse que, el heavy metal es el reflejo patente de la sociedad
obrera e industrial de Birmingham de finales de los años 60, de su crudeza, de
la vida sombría de sus habitantes (Banger Films, 2011). Por dichas razones es
que el subgénero posee un sonido tan oscuro, tan terrorífico y tan innovador,
pero tan potente y violento al mismo tiempo, a tal punto de ser rechazado en
sus inicios por los críticos y expertos de música.
Para inicios de los 70, se presentaron varios aspectos que terminaron de
configurar la esencia del rock como género musical irruptor del orden. Di-
chos factores fueron: los movimientos de contracultura como el movimiento
hippie, la desconfianza en las instituciones del Estado y las protestas contra
la guerra de Vietnam. Aspectos que incorporarían el elemento político en el
rock que carecía años atrás; ahora el género sumaría preocupaciones sociales
y sentaría una posición clara al respecto.
A lo que se refiere a la cultura hippie como principal portavoz de contra-
cultura, hay que señalar que esta tuvo su gran auge y momento de éxtasis en
el festival de Woodstock en 1969, que congregó a más de 400 mil personas
y en el cual se vivenció un ambiente de armonía y liberación del cuerpo y la
mente (Correa, 2021). Este evento demostró la contracara de la sociedad, de
unos jóvenes que no querían ese orden tradicional, mojigato, conservador y
recalcitrante que les proponía la sociedad de aquella época.
El movimiento hippie y el movimiento antiguerra, se vio rodeado de bandas
como Creedence Clearwater Revival, que por primera vez expedían cancio-
nes de rock con un contenido político explícito. A este respecto, canciones
como Fortunate Son fueron trascendentes en este sentido en tanto criticaron
abiertamente al gobierno estadounidense y su participación en la guerra de
Vietnam, así como el reclutamiento de miles de soldados americanos que
provenían de familias pobres.
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Imagen 2.
Festival de Woodstock, Nueva York. 1969.
Fuente: (Clarín, 2021).
En esta canción, por ejemplo, se resalta que en las guerras no se hallan
soldados provenientes de la alcurnia, ni hijos de senadores, ni de militares,
ni de millonarios. La canción sintetiza la desgracia de quienes padecen la
guerra, de quienes son infortunados al no ser hijos de alguien influyente que
les obstaculice y salve de ir al campo de batalla: “Alguna gente nace con una
cuchara de plata en la mano (…) no soy yo hijo de un millonario (…) no soy
yo el afortunado”, reza la canción.
Bob Dylan, por su parte, fue otro abanderado en contra de la guerra. Este
autor compuso líricas desafiantes con un contenido antimilitarista y que cues-
tionaban la autoridad indolente de los políticos que dirigían su atención de lleno
a la guerra. En Master Of War, Dylan manifiesta, a partir de la vivencia de un
soldado raso, el repudio a estos señores de la guerra que sólo se enfocan en
construir el escenario bélico, en usar el presupuesto nacional para financiar las
bombas que destruyen ciudades, que acaban con vidas y mortifican la dignidad
humana: “(…) ustedes ajustan los gatillos para que otros disparen (…) cuando
las listas de muertos aumentan, ustedes se esconden en su mansión mientras la
sangre de los jóvenes se escapa de sus cuerpos y se hunde en el barro.”
Asimismo, pueden encontrarse otros ejemplos similares, como War Pigs de
Black Sabbath, incursionando en el subgénero ya expuesto del Heavy Metal;
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Give Peace a Chance de John Lennon, con un fuerte contenido antibélico e
Imagine, con la idea de una sociedad utópica y ultra pacifista; Unknown Soldier
de The Doors, etc. En fin, la etapa de la guerra y postguerra dio cabida para que
diferentes agrupaciones expresaran su sentir al unísono para que terminara el
conflicto bélico y exigiendo cambios sustanciales en la sociedad.
Imagen 3.
Yoko Ono y John Lennon con una pancarta
que alude al fin de la guerra de Vietnam.
Fuente: (Revista Vanity Fair, 2019).
En el declive de la guerra de Vietnam, surgieron bandas que, más allá de
incluir un mensaje político también se adentraban en temas mucho más filosó-
ficos. Pink Floyd fue uno de ellos y destacó como precursor de un subgénero
que incursionó musicalmente en terrenos no explorados y guiados por la experi-
mentación y sonidos que introyectan al oyente; este subgénero fue denominado
como rock progresivo.
La banda inglesa tiene una vasta discografía asociada a fenómenos políticos
y sociales. Evidencia de ello es el álbum conceptual “Animals” de 1977, donde
desarrolla una crítica mordaz a la sociedad inglesa de los 70, periodo en el que
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el país experimentó una alta inflación, desempleo y, al igual que en los Esta-
dos Unidos, se vivenciaba una fuerte violencia racial. El álbum se apoya de la
literatura de George Orwell y su libro “La rebelión en la granja” para realizar
una metáfora del contexto social de la época; de hecho, la imagen del álbum
es representada a través de un cerdo gigante flotando alrededor de una fábrica.
Así, al igual que en la literatura orwelliana, cada animal representa a cada
sector social: el perro como los burócratas, los cerdos como las autoridades
políticas y las ovejas como la sociedad en general. Sin embargo, el álbum no
refleja la sociedad de un régimen autoritario como sí lo hace el libro, sino que
más bien hace una crítica a la sociedad de consumo.
Imagen 4.
Portada del álbum Animals de Pink Floyd.
Fuente: (Nación Rock, 2019).
Consecuentemente, en el álbum posterior “The Wall” de 1979, Pink Floyd
habla, en esta composición, sobre el sistema educativo inglés y de cómo las
escuelas funcionan bajo la dinámica engranar al individuo en lógicas produc-
tivas cual si fuera una tuerca más en el engranaje, es decir, en aras de que se
adecúe para suplir las necesidades propias del modo de producción capitalista.
Gran parte de la lírica está basada en las vivencias del mismo Roger Waters,
guitarrista de la banda.
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El álbum, lanza una crítica al corazón de la sociedad liberal de los 70 y a
las estructuras e instituciones que auspician y forman para la guerra, desde las
escuelas hasta el gobierno. Allí, se manifiesta que, en el transcurso educativo,
el individuo sufre un proceso de alienación cuyo fin es ubicarlo y adiestrarlo
desde que está en una edad temprana, para que encaje primero en el entramado
social, y segundo, para que una vez llegada la guerra, su interiorización de
símbolos y jerarquías propias de una identidad colectiva y de idea de nación,
le lleven a pelear sin reproches y a sacrificarse en batalla.
Así, el álbum se remite a la educación como un proceso sine qua non fun-
ciona adecuadamente el sistema, es decir, el régimen educativo se presenta
como un instrumento necesario para crear un individuo útil en todas las di-
mensiones al modo de producción, y en ese sentido la escuela representa una
institución fundamental en dicho proceso. De suerte que, con una educación
funcional, o educación bancaria, como diría Paulo Freire (2010), se garantiza
la instrucción de individuos serviles y sin ninguna manifestación crítica, muy
necesarias para la reproducción de las relaciones de producción, y en la guerra
para la adhesión de peones necesarios para triunfar en combate.
La canción Another Brick in the Wall, refleja muy bien esto a través de
una metáfora, y expone que, al final no importa la subjetividad y la persona
en sí, sino su adaptación inmediata al sistema para que funcione acordemen-
te: “Papá ha volado a través del océano (…) Después de todo sólo era otro
ladrillo en la pared (…) No necesitamos ninguna educación, no necesitamos
que controlen nuestros pensamientos (…) profesores, dejen a los niños en
paz, después de todo no son más que otro ladrillo en la pared”.
Por lo demás, y como muestra de la actualidad del rock como género para
expresar inconformidad, Roger Waters recientemente, en el 2021, realizó un
cover de la canción El Derecho de Vivir en Paz de Víctor Jara, que contiene
un mensaje en contra de la guerra, en específico en contra de la guerra de
Vietnam, pero que el artista retoma en aras de apoyar las protestas vivenciadas
en Latinoamérica en el último lustro, repudiando el abuso de los carabineros
en Chile y en Colombia1.
1 Ver la canción en: https://www.youtube.com/watch?v=REe8D_A6uTw&ab_
channel=VictorJara-M%C3%BAsica
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Imagen 5.
Referida al álbum The Wall de la banda Pink Floyd. Allí esta extraña silueta
representa la imagen de un maestro.
Fuente: (Radiónica, 2017).
En continuidad, a finales de la década de los 70, e influenciado por los
sonidos pesados del hard rock y el estilo rudo del heavy metal, surgiría otro
subgénero del rock: el punk. Si las bandas y discos anteriores eran subversivos,
este movimiento lo fue por completo por donde se lo mire. La estética musical
se modificó a tal manera que la distorsión de la guitarra fue aún más áspera
y la voz de los cantantes fue mutando a gritos de rabia. Sentimiento que se
desataba como desaprobación total de la sociedad, de no querer participar de
las lógicas de ésta. Incluso la vestimenta de los punkeros se caracterizó por
ser irruptiva, por no sumarse a los estándares de la época ni a las bandas que
tenían mayor popularidad.
Como dato ilustrativo, Johnny Rotten miembro de una de las bandas pio-
neras del género, Sex Pistols, se paseaba por las calles de Londres con una
camisa que decía “Odio a Pink Floyd”2 como muestra de lo que representaba
el punk; es decir, un subgénero que expresaba rechazo a todo lo comercial y
hegemónico, pues ya Pink Floyd gozaba de una popularidad mundial.
2 Ver en: https://mariskalrock.com/actualidad/nick-mason-recuerda-la-camiseta-de-
johnny-rotten-sex-pistols-con-el-eslogan-odio-a-pink-floyd-y-dice-que-fue-un-motivo-
de-orgullo/
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El punk, como subgénero, desafió a toda autoridad, y en Inglaterra el ya
mencionado grupo Sex Pistols se atrevió a afrontar a la máxima autoridad de
dicho país: la reina Isabel II. Esto lo hizo a través de la canción God Save the
Queen y con una portada de álbum de rechazo a la monarquía. Mientras la
agrupación Queen hacía uso de esta canción de forma patriótica como himno
del Reino Unido a través del rock, los Sex Pistols criticaban a la corona y a la
sociedad que legitimaba el régimen fascista: “Dios salve a la Reina, el régimen
fascista; te han convertido en un idiota, una potencial bomba de hidrógeno”.
Esta canción desató polémicas en la sociedad inglesa y la banda fue censu-
rada y repudiada por los defensores del establecimiento (Rolling Stone, 2022).
Pero, en definitiva, como buen derivado del rock, el punk exaltó a más no poder
el sentimiento de inconformidad, de ser grotesco, irónico y de faltarle el respeto
a la autoridad sin importar las consecuencias; de desafiar lo hegemónico y pre-
sentarse como otro tipo de cultura, otra forma de percibir y de habitar el mundo.
Imagen 6.
Portada del álbum God Save the Queen de los Sex Pistols.
Fuente: (El País, 2010).
Más cercano a nuestros tiempos, es decir, a comienzos del milenio, algunas
bandas hicieron del rock un portavoz exclusivo para manifestar repudio y
apoyo a diferentes situaciones sociales. Ninguna banda como Rage Against
The Machine (RATM) se atrevió a exponer una posición política más explí-
cita. Para dimensionar un poco esto, hay que señalar que la banda apoyó de
manera constante y directa al Ejército Zapatista de Liberación Nacional.
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Mientras que en el año 2000, la banda hizo algo impensado: adentrarse al
corazón de Wall Street en Nueva York (máximo espacio representativo de la
bolsa de valores) para cantar contra el sistema a pesar de que esta no tenía
permiso para realizar dicho evento. Aquello, sumado a sus fuertes letras y
a su posición política, generó que la prensa los presentara como una banda
comunista (Escribano, 2020).
Imagen 7.
Rage Against The Machine en Wall Street.
Fuente: (El Confidencial, 2020).
En su canción Zapata´s Blood, RATM expresan su apoyo al movimiento
guerrillero de Chiapas: “Sangre de Zapata no se derramó en la vena en la deuda
de los más pobres, los más pobres, los más pobres saldremos, pagaremos para
reclamar nuestro nombre”. Mientras que en su canción Killing in the name,
la banda formula una crítica a la fuerza ejercida por parte de las instituciones
del Estado en contra de la población migrante, negra e indígena de los Estados
Unidos, infiriendo que aquellos mismos que portan uniformes oficiales son
los mismos que conforman grupos que expresan un odio punzante frente a
estos grupos minoritarios, como, por ejemplo, el Ku Klux Klan. “Aquellos que
murieron están justificados, por llevar una placa de policía, son los elegidos
blancos. Justificas aquellos muertos (…)”, reza la canción Matando en el
nombre (en español).
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Imagen 8.
Rage Against The Machine. El cantante Zach
de la Rocha porta una camisa del EZLN.
Fuente: (Alternavivo, 2021).
El rock en América Latina
Ahora bien, el rock en Latinoamérica, al igual que en las sociedades del
primer mundo, se ha posicionado como un mecanismo de protesta pacífica
que desafía las estructuras sociales. Si bien es un fenómeno que se enmarcó
de manera global y que tuvo una escena preponderante en Inglaterra y en
Estados Unidos como hemos visto, en América Latina, a raíz de los procesos
migratorios y de enfrascamiento en la cultura occidental, el género no fue
ajeno al fenómeno de expansión y presencia. Así, nuestra región también se
caracterizó por tener dos exponentes relevantes en la escena rockera desde que
este género hizo su traslado a la parte sur del río Bravo. Dichos exponentes
fueron Argentina y México.
En Argentina, país rockero por donde se lo vea, los exponentes del gé-
nero mantuvieron su firmeza ante las dictaduras militares. Muchos artistas
se vieron en la tarea de mantener una línea crítica blanda y no tan directa
como en Inglaterra y Estados Unidos, pues la dictadura era muy severa con
respecto a sus opositores. Las canciones entonces se formulaban como me-
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táforas, cual si fueran Pink Floyd con el álbum “Animals”, pero esta vez era
por imposición y necesidad si es que se quería realizar una sátira y crítica
contra el régimen dictatorial.
Así, entonces, el rock fue una ventana abierta por donde podían expresarse
los sentimientos de disconformidad con respecto al periodo de Rafael Videla,
dictadura que se propuso realizar un proceso de disciplinamiento social y
cultural que hizo que se reavivara el sentimiento de rebeldía que de por sí ya
tenía la juventud en Argentina (Carrasco, 2009).
Prueba de lo anterior, fueron las canciones de Charly García. En el álbum
“Clics Modernos”, el artista retrató el oscurantismo propio de los años de la
dictadura. Si bien el disco se hizo en una etapa de transición a la democracia,
Charly refleja de manera fenomenal las experiencias vividas en este duro
periodo del país. Demoliendo Hoteles, de dicho álbum, hace referencia a
las distintas vidas de los jóvenes de la sociedad argentina de aquellos días:
“Yo que crecí entre fachistas (…) Hoy paso el tiempo demoliendo hoteles,
mientras los plomos juntan los cables, cazan rehenes”.
Imagen 9.
La agrupación Serú Girán haciendo una protesta
en contra de la dictadura y la censura que sufría Argentina.
Fuente: (Diario Río Negro, 2020).
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Mientras los artistas como Charly solamente eran censurados y prohibidos,
muchos jóvenes sufrían persecuciones por su manera de pensar; por ello, mu-
chos recitales de este tipo de artistas fueron objeto de vigilancia por parte de
los militares donde se sacaba y desaparecía a los jóvenes por sus expresiones
críticas (Carrasco, 2009). Charly García, León Gieco, Luis Alberto Spinetta,
Serú Girán, Pappo Blues, etc., le dieron un portavoz a los miedos y luchas
de una generación que encontró en el rock un lugar donde refugiarse de los
males propios del sistema (Carrasco, 2009).
En años posteriores, en el restablecimiento de la democracia, otra gene-
ración del rock argentino emanó bajo la misma bandera de rebeldía, pero
esta vez con un panorama social diferente. Bandas como Bersuit Vergarabat,
Los Redondos, Los Violadores, La Renga, Los Fabulosos Cadillacs, fueron
exponentes de un rock nacional argentino muy marcado por la esencia dis-
conforme del género.
Bersuit Vergarabat en su tema Sr Cobranza y en Se Viene el Estallido,
dan prueba de la putrefacción de la cúpula política argentina de los 90, que
estaba infestada de casos de corrupción, de nexos con narcotraficantes y de
una inflación proveniente del gobierno de Raúl Alfonsín. Los Fabulosos
Cadillacs, se posicionaron como una banda también con un contenido social
bastante explícito con canciones como Manuel Santillán, Matador, Mal Bi-
cho, Desapariciones y Las Venas Abiertas de América Latina, esta última
como un llamado a despertar del letargo de dominación colonial y, claro está,
basada en el libro homónimo de Eduardo Galeano.
Por otra parte, el rock en México se vio bastante reprimido por las institu-
ciones del Estado. Desde su gran acogida en el festival de Avándaro en 1971
(que fue algo así como el Woodstock latinoamericano) el gobierno mexicano,
al ver la gran congregación que obtenía este género, vio en él una amenaza
para la seguridad del país, pues según éste podían surgir manifestaciones de
tipo político debido a las bandas que asumían un rol crítico frente al orden.
Bandas como el Tri con canciones como Políticos Ratas y Abuso de Auto-
ridad, retratan el contexto represivo y pérfido de la época: “vivir en México
es lo peor. Nuestro gobierno está muy mal. Y nadie puede protestar, porque
lo llevan a encerrar”, reza la letra de Abuso de Autoridad.
Además, las conductas y apariencias de los rockeros eran vistas con desdén
en tanto estos consumían marihuana, alcohol, sustancias alucinógenas e iban
con un aire desfachatado. Como consecuencia, la imagen del rockero sufrió
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UN ANÁLISIS HISTÓRICO DEL ROCK COMO GÉNERO SUBVERSIVO PARA LA EXPRESIÓN CRÍTICA...
una fuerte estigmatización y rechazo por parte de los sectores más conserva-
dores, e incluso, producto de ello, el gobierno mexicano de la época ejecutaría
medidas de represión y censura frente a este tipo de manifestaciones culturales
(Carmona, 2019).
Imagen 10.
Festival de Avándaro en México, 1971.
Fuente: (En Vivo, 2021).
Sin embargo, al pasar de los años este movimiento tuvo una acogida que se
extendió a lo largo y ancho del territorio mexicano, y las letras seguían siendo
críticas frente al entorno social. Y así lo hicieron bandas como, por ejemplo,
Panteón Rococó que expresa las consecuencias del neoliberalismo para el
mundo. En la canción La Carencia, la banda invita a reflexionar acerca de la
sociedad en que habitamos y cuestiona el papel de la gente pobre dentro del
sistema: “en un mundo globalizado la gente pobre no tiene lugar”.
Conclusiones
Así, hemos visto cómo la música puede inyectarse de contenido político y
puede ser disruptiva del orden político, social y cultural. El rock como expresión
de los sectores marginados de la sociedad ha acompañado a las manifestacio-
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nes pacíficas que alientan la transformación de la realidad en todo su trayecto
histórico y en diferentes partes del mundo. Si bien el género ha sufrido muta-
ciones que han olvidado la esencia misma de éste, se ha mantenido la llama de
rebeldía que lo caracteriza.
El rock, además, es fiel reflejo de que la cultura puede ser portadora de
movimientos amplios de protesta que se pueden acompañar, por supuesto,
con la manifestación directa de la acción colectiva. Pues la música, además
de servirnos como un medio para reflejar la realidad también permite asumir
posiciones frente a esta (Hormigos, 2012).
Este género musical ha pervivido a pesar de las dinámicas propias del sistema
que permite la evolución de la música hacia escenarios conformes y que, antes
que denunciar las falencias y fenómenos sociales, los reproduce y aletarga las
formas de expresión culturales que nacen a partir de la conciencia que expone
la música. Y con esto hay que denunciar que, aunque perviven géneros que
mantienen las mismas características del rock, hay otros que transmiten una
mayor simpatía para la reproducción del capital.
Pese a que el rock ha perdido en varias ocasiones su carácter crítico, se ha
conservado como una ventana abierta a la cual debemos recurrir para exponer
nuestro malestar con la realidad. El género debe pervivir con su esencia, pues
si la pierde, desfallece en su carácter transformador para enfrascarse en las
lógicas del mercado y convertirse en una mera mercancía (Echeverri, 2015).
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Título: Maternidad indígena
Año: 2019
Técnica: tierra sobre lienzo
MARIA DOLORES DEL PILAR CANO GONZÁLEZ
Artista plástica
