EXAMEN DE HISTORIA DE LA MÚSICA
T.14 Ópera
Durante el siglo XVII la ópera fue la representación artística más importante ya que unificaba
todas las artes en una sola obra, y cobra vida con la interpretación. Los textos de una ópera
eran conocidos como libreto, que era una pieza teatral en verso rimado o sin rima. Desde que
surgió en torno al año 1600 se ha convertido en el género más destacado del siglo XVII y XVIII y
sigue siéndolo hoy en día. La ópera fue una innovación que buscaba volver a la antigua tragedia
griega, mientras que a la vez es una mezcla de otros géneros que se crearon en la época. Antes
del surgimiento de la ópera hubo ciertos géneros que sirvieron como base para su creación,
llamados drama pastoral, comedia madrigal y el intermedio.
El drama pastoral era una obra teatral en verso con música y canciones intercaladas. Venía de
la antigua Grecia y Roma, trataban temas de amor idílico con ambientación rural y jóvenes y
doncellas características de este contexto, aunque también estaban presentes figuras
mitológicas. Estos temas pastorales atrajeron a poetas, compositores y mecenas. Las
primeras operas eran muy semejantes ya que se basaban en estos para la temática, estilo,
personajes etc.... Los madrigales también fueron importantes en su influencia, los
compositores de madrigales tenían experiencia expresando emociones y dramatizar los textos,
esto puso los fundamentos para la ópera, a veces los compositores agrupaban los madrigales
de una manera que representasen una sucesión de escenas, esto se conocía como comedia
madrigal. A pesar de todo el género que más influencio a la ópera, era conocido como
intermedio, que consistía en un interludio musical sobre asuntos pastorales, alegóricos o
mitológicos. Este género surgió por un problema que tenían los teatros de esa época ya que no
tenían cortinas entonces para ganar tiempo entre grandes cambios de escena se usaba esto
para ganar tiempo, eran 6 y se interpretaban antes, entre y después de los cinco actos de una
obra. Para ocasiones importantes los intermedios eran montajes que combinaban diálogos
musicales coral para solista e instrumental, danzas, vestuario, escenografía y efectos
escénicos, algo parecido a lo que combinan las óperas.
La camarata florentina también conocida como camarata Bardi fue un grupo de intelectuales,
músicos y poetas que se reunían en Florencia alrededor del siglo XVI bajo el mecenazgo del
conde Giovanni Bardi. Su objetivo era reformar la música inspirándose en la tragedia de la
antigua Grecia, uno de los miembros más destacados fue Vincenzo Galilei, padre del
astrónomo Galileo. En este periodo la casa de los Bardi se convirtió en un sitio en el que los
eruditos discutían sobre diferentes ciencias y los músicos ejecutaban música innovadora. Esta
camareta consideraba que la nueva polifonía renacentista no era apropiada por muy
sofisticada que fuera ya que pensaban que tantas voces haciendo contrapunto podían
dificultar la expresión musical del texto.
T.13 CARACTERISTICAS MUSICA BARROCA
El barroco dentro de la música se considera que va desde el año 1600 hasta el 1750, justo
después del renacimiento, en sus primeras aplicaciones a la música se veían como una música
disonante, no melodiosa, con cambios de tonalidad y compas caprichosos y extravagantes, pero
con el tiempo este término consiguió un significado más positivo.
Las principales características de este nuevo estilo consisten en:
La textura predominante del renacimiento fue la polifonía de varias voces individuales, pero en
esta nueva música se centraba en homofonía en la que resaltan más el tiple y el bajo y las voces
del medio hacen de relleno del tejido armónico
Bajo continuo: Con este sistema el compositor escribía la melodía y la línea del bajo pero dejaba
a Lois interpretes el relleno de los acordes y las voces interiores. L bajo y los acordes se hacían
con instrumentos de continuo (clavicémbalo, órgano o el laud). Al final del sXVII la línea del bajo
se reforzó con un instrumento melódico como la viola de gamba violonchelo o el fagot. A veces
cuando había que tocarse inversiones de las triadas o notas que no pertenecían se ponían cifras,
esta línea del bajo se llama bajo cifrado. La realización de un bajo así variaba dependiendo del
tipo de pieza, habilidad y el gusto del interprete quien podía improvisar.
Los compositores de este siglo a menudo combinaban voces con instrumentos que
interpretaban partes distintas, esto se denominado procedimiento del concertato en este
periodo las unión de voces e instrumento podía dar problemas de afinación. Normalmente los
cantantes y vilolinistas prefieran la entonación justa mientras que los de teclado utilizaban el
temperamento mesotonico y los instrumentos con trastes el temperamento igual estos tres
modos de afinación si se juntaban provocaron quejas.
La composición con bajo continuo condujo a considerar los sonidos consonantes como acordes
y no como conjuntos de intervalos por encima de bajo, esto llevo a contemplar la disonancia
menos como un intervalo entre voces y más como una nota que no encajaba en el acorde, como
resultado se toleró una variedad mayor de disonancias.
El cromatismo experimento algo parecido, el cromatismo se usaba en voces vocales para
expresar emociones, para sugerir la exploración armónica en las piezas instrumentales y para
crear sujetos característicos destinados a s elaboración en contrapunto imitativo.
En la época barroca se sustituyó la polifonía de voces iguales por una mayor relevancia en el bajo
incluso en el contrapunto imitativo las líneas melódicas estaban apoyadas en la importancia del
bajo dando paso al contrapunto conducido desde la armonía.
La música del barroco fue o muy métrica o libre, las barras de compas se volvieron usuales en
todos los tipos de música, usados para delimitar los compases y los dos tipos de ritmo flexible y
métrico se inutilizaron para crear contraste.
La polifonía ejecutada con instrumentos y voces igualo la importancia de estas dos.
Gran parte de la música barroca se concentra en el intérprete y la interpretación. Los intérpretes
del continuos improvisaban acordes, melodías e incluso contrapuntos por encima del bajo y
eras también muy común que las ornamentasen. hoy en día por ornamentación pensamos en
añadir decoración pero en el barroco lo consideraban como un medio para mover los afectos,
había dos maneras principales para hacerlo: 1, Fórmulas breves, llamados ornamentos como
trinos grupetos etc… y 2, embellecimientos más grandes como escalas, arpegios etc.…. Los
intérpretes aparte de añadir ornamentos también podían altérala de otras formas, Los cantantes
añadían a menudo cadenzas a las arias. Un aspecto que no se mantuvo constante fue la
organización armónica a principio se el siglo XVII usaban los ocho modos eclesiásticos o el
sistema expandido de doce modos codificado por Glareanus, pero en el último tercio de siglo
los compositores comenzaron a hacer música tonal, que ya operaba dentro el sistema de
tonalidades mayores y menores. El tratado de armonía de Rameau ofreció la primera
formulación teórica del nuevo sistema que estuvo en práctica durante más de medio siglo.
Como la versión renacentista del sistema modal, la tonalidad evolucionó gradualmente.
TEMA 12: Tipos de música instrumental: Música de danza, arreglos de música vocal,
composición sobre melodías preexistentes, variaciones y obras instrumentales abstractas.
Música de danza: Era la parte central de vida social, en este estilo, los intérpretes
improvisaban o tocaban de memoria las melodías. En el siglo. XVI muchas piezas bailables
se recopilaron en colecciones, en ellas los intérpretes improvisaban mediante la
ornamentación de una frase dada o la adición de una o más voces contrapuntísticas a la
melodía preexistente o a una voz en ellas bajo. Tenía 2 propósitos la música de danza, Danzar
en conjunto: era música funcional adecuada para acompañar a los bailarines, en este tipo la
melodía principal estaba en la voz superior a veces muy ornamentada o simple para dar
espacio a la improvisación, las voces eran textura homofónica con poca o ninguna interacción
contrapuntística. La mayoría de piezas para laúd o teclado, eran las más utilizadas y eran
pensadas para el disfrute del intérprete o los oyentes, tenía contrapunto más elaborado y
ornamentación escrita más detalladamente. Cada danza seguía un compás, tiempo,
esquema y forma particular, las secciones distintas, generalmente repetidas con 2,3 o más
secciones, su estructura eran frases claras y predecibles.
Arreglos de la música vocal: Los instrumentos doblaban o sustitutivas las voces de las
composiciones polifónicas, y los conjuntos instrumentales leían a veces obras vocales y la
ornamentaban la música vocal fue la mayor parte del material que los intérpretes ejecutan
cuando no estaban improvisando o acompañando. Los laudistas o intérpretes de teclado
hicieron arreglos de piezas vocales, a menudo lo escribían en tablatura. Los instrumentos de
cuerda pulsada no tenían la capacidad de mantener la nota por lo que los arreglistas volvían
a escribir la obra original con las particularidades del instrumento, para arreglar problemas
así
Composiciones sobre melodías preexistentes: Compositores de la segunda mitad del s XV
crearon muchas composiciones para conjuntos instrumentales a partir de melodías de
chanson que podían tocarse como música de fondo o por aficionados para su propio deleite.
Los organistas improvisaban sobre melodías del canto llano. Eran melodías litúrgicas para
tocar en ceremonias y sustituían partes que usualmente se cantaban
En las iglesias católicas las interpretaciones en las que 2 coros alternaban segmentos o
vesículas eran sustituidos por un coro (canto llano) que alternaba con un órgano (composición
o paráfrasis sobre un cantus firmus). En las iglesias luteranas alternaban entre la
congregación cantando al unísono y una composición polifónica para coro o órgano, los
organistas improvisaban las composiciones sobre versículos.
TEMA 11: El madrigal y la canción profana en el s XVI El madrigal italiano: fue el género
profanado de mayor importancia en la Italia del siglo XVI, los compositores pudieron
enriquecer el significado y el impacto del texto mediante la música, mediante el madrigal los
compositores pudieron explorar nuevos efectos. Fueron composiciones musicales sobre
poemas italianos de diversos tipos (sonetos a formas libres) La mayoría de los textos iban a
una sola estrofa con un numero moderado de versos de 7 o 8 sílabas con forma de rima
estándar o libre. No existen estribillos o versos repetidos, sus transiciones eran construidas
con música nueva para cada verso repetido. Los temas eran sentimentales, eróticos y
escenas o alusiones tomadas de poesía pastoril.
Contaban con gran variedad de texturas homofónicas y contrapuntísticas en una serie de
secciones que suceden sin solución de continuidad, todas las voces desempeñaban
esencialmente el mismo papel, los madrigales tempranos contaban con 4 voces, a mediados
del s XVI con 5 voces e incluso a veces con mas de 6 voces y es interpretado por un mismo
cantante en cada uno de sus voces, aunque los instrumentos doblaban u ocupaban a veces
las voces
Variaciones: Combinan el cambio con la repetición. Adoptan un tema dado y presentan una
serie de variaciones sobre el mismo tema, su objetivo era exhibir un grado de variedad que
se puede alcanzar a la hora de embellecer una idea básica.
Entretienen al oyente o interprete amateur con frases frescas e interesantes como para
demostrar la habilidad del interprete y del compositor. Los compositores escribieron e
improvisaron o variaciones sobre ostinatos
Obras instrumentales abstractas: Los interpretes de instrumentos comenzaron a cultivar
diversos tipos de musica con total independencia de los ritmos de danza o de las melodias
tomadas de otros géneros. La mayoría se desarrollaron a partir de hábitos de improvisación
en instrumentos polifónicos, otras de texturas imitativas provenientes de la música vocal. Usa
interludios en las iglesias o música de fondo y podían interpretarse o escucharse como un fin
en si mismo Compositores del s XV y s XVI escribieron piezas en un estilo similar a las
composiciones para conjuntos instrumentales a partir de melodías de chanson pero sin que
se conozca ninguna fuente, basada en general en una imitación combinada con un
contrapunto libre. SXVI aparecen composiciones que parecen ser improvisadas, al no estar
basadas en una melodía precisa, se desarrollaron libremente
Tocatta: forma principal para música con teclado
Ricercar: Sucesión de secciones imitativas semejantes al motete
Canzona: Género mas importante de música instrumental contrapuntístico S XVI
TEMA 10:
Coral Luterano: Himno estrófico cantado por fieles que incremento la participación de los
fieles en la misma. Originalmente constaba por un solo poema métrico, estrófico y rimado,
una sola melodía de ritmo simple cantada al unísono sin armonización ni acompañamiento-.
Era dirigido por un coro monofónico que podía enriquecer la armonía y el contrapunto de los
corales, consiguiendo enriquecer formas musicales de mayores dimensiones, era una obra
basada en un canto llano, la música eclesiástica del S XVI al S XVIII evolucionó a partir del
coral, la imprenta aportó mucho en su difusión y tuvo 4 fuentes principales: Adaptaciones del
canto gregoriano, canciones devocionales ya existentes en Alemania, contrafactura:
canciones profanas a las que añadían nuevos textos y las nuevas composiciones
Composición polifónica de corales
Pronto empezaron a escribir composiciones polifónicas de los corales con 2 propósitos: el
canto en grupo de los hogares y las escuelas para proveer música a los jóvenes para que
canten algo saludable. Con interpretación por parte del coro en iglesias, el coro podía cantar
estas composiciones corales que en ocasiones eran doblados por instrumentos y alternar
estrofas con el canto de congregación (al unísono y sin acompañamiento) Y añade cierto
variedad e interés a la música de los oficios. Muchas composiciones adoptaron las técnicas
de Lied tradicional, ubicando la melodía coral en el tema sin modificar y rodeandola de 3 o
más voces que se movian libremente.
Motetes corales: eran las composiciones más elaboradoras que tomaron técnicas del motete
franco flamenco, algunos utilizaron el coral como cantus firmus en notas relativamente cargas
rodeadas, otros desarrollaron cada frase del coral de forma imitativa en todas las voces.
Tema 9: Joaquín
Joaquín des Prez fue considerado el mejor musico de su tiempo S XVI y durante esa etapa
fue imitado por muchos y su musica fue recopilado en un gran numero de manuscritos
Sus motetes:Los mas de 50 motetes que Joaquín creo ejemplifican la diversidad de su estilo
en las que crea melodías conforme a los sentimientos que expresan las pasiones del alma
en la musica, la mayoría fueron de libre creación y sus textos se recitaron de diversos modos
utilizando diversas técnicas, desde imitación y homofonia hasta cantus firmus y la paráfrasis,
sus motetes se caracterizan por un clara proyección del centro tonal, texturas transparentes
y con mucha variedad, frases y secciones claramente delineadas, un elegante y hermoso
contrapunto , sensible recitación y representación y expresión del texto
Sus misas destacaron por su técnica y fueron muy variadas:
Usaba melodias profanas como cantus firmus (misa cantus firmus) contrapunto imitativo
(misa de imitación), no necesariamente de una sola voz donde reestructura todo (voces,
modelo y forma), tambien compuso misas basadas en el canto gregoriano en el que este
aparece en todos los movimientos( misa paráfrasis, canto llano embellecido y cambiado), no
es lo mismo que misa canto gregoriano), estaban basadas en canones dobles compuestos
de manera libre y también compuso mías paráfrasis que era una melodia monofónicas que
resulta parafraseada y aparece en todas las voces de la misa
Misa polifonica: misas compuesta polifonicamente
Misma cantus firmus: mov construidos alrededor de una melodía preexistente ubicada en el
tenor
Misa en canto llano:para cad mov un canto llano que tiene que ver con el té,a: kyrie sobre un
canto llano del kyrie etc…, los mov no tiene relación melódic
Sus chansons: muestran características del estilo de finales del siglo XV:
Claridad en su frases, la forma y la organización tonal, usa la imitación y la homofonia y tiene
una cuidadosa recitación del texto, algunas características de su generación es que
abandona las formas fijas, usa textos estróficos y poemas sencillos de 4 o 5 versos, usa 4, 5
o 6 voces y todas las voces poseen el mismo interés melódico y eran esenciales para el
contrapunto.
EL ESTILO DE PALESTRINA
Las obras de Palestrina representan la perfección del estilo sacro y reflejan el ideal
contrarreformista. Su estilo se refleja en sus 104 misas, entre las que 51 son de imitación, 34
de
paráfrasis, casi todas sobre un canto llano. 8 misas utilizan el cantus firmus, algunas pocas
son
canónicas y 6 misas, como la del Papa Marcelo, son de libre composición.
Su estilo melódico se parece al del canto llano, con frases amplias, ritmos variados y líneas
melódicas elegantes y las voces solían ir por grados conjuntos y si había saltos de más de
3era
se usaban grados conjuntos en la dirección contraria. Su contrapunto sigue las normas de
Zarlino, en las que las frases melódicas independientes coinciden en acordes consonantes
en
cada tiempo menos si hay retardos, también permitía disonancias si se abandonaban con
notas
de paso o auxiliares. Una de sus figuras más usadas es la cambiata, que suaviza disonancias
con saltos de tercera descendente hacia consonancias. La música de Palestrina evocaba
serenidad gracias a las frases ligeramente diatónicas y el tratamiento suave de las
disonancias,
aunque parezca que tenga un vocabulario limitado de armonías consigue gran variedad
mediante distintos posicionamientos de diferentes notas, esto muestra que Palestrina puede
crear variedad a partir de las mismas armonías.
Palestrina acentuaba plas palabras para que fuesen entendidas, solía poner una nota por
cada
silaba, aunque en Agnus Dei, De tiene un largo melisma, en movimientos con textos más
largos
compuso pasajes homofónicos para ser entendidos, esto creo contraste entre piezas más
largas
y otras más cortas que utilizaban polifonía imitativa.
Palestrina componía cada nueva frase con combinaciones diferentes de voces y reservaba
las 6
voces para los momentos importantes.
El ritmo de la polifonía del siglo XVI incluía tanto los ritmos de las voces individuales como el
colectivo de las armonías en cada tiempo de un compás, en cada voz variaban las duraciones
por lo que no se encontraban dos compases semejantes rítmicamente. Palestrina utilizaba
las
sincopas para unir las frases, cada frase comenzaba medio tiempo fuerte antes, después de
que
cadencie la frase anterior, manteniendo el movimiento hacia delante. Por todos estos rasgos
su
música era considerada el culmen de la música sacra
