Historia del teatro:

el teatro en la edad media

La cultura en la Edad Media, abarcando desde el siglo V hasta
el XV, estuvo influenciada por un pensamiento teocrático
centrado en Dios e Iglesia, y la consolidación de lenguas
romances. El teatro medieval se dividió en religioso y profano,
representado por juglares y bufones. Este artículo explorará la
fascinante cultura medieval, destacando el teatro y su
legado en el arte histórico.

La cultura en la Edad Media

La Edad Media es un periodo de tiempo en la historia de la
humanidad que abarca desde el siglo V hasta el siglo XV,
marcado por dos acontecimientos históricos: la caída del
Imperio romano en el año 473 bajo los godos, y la caída de
Constantinopla en el años 1453 bajo los turcos.
Dos elementos importantes van a condicionar el arte en este
período histórico: por un lado el sistema de pensamiento
teocrático, en el que todo giraba en torno a Dios y a la
Iglesia, hasta el punto de que iglesias y monasterios se
convertirían en los ejes de la cultura medieval; y por
otro la consolidación de las lenguas romances, como el
castellano y el catalán, con sus manifestaciones literarias,
dejando cada vez más de lado el latín, que hasta entonces era
la única forma de comunicación culta.

Los dos ejes del Teatro en el

medievo
La caída del Imperio Romano supuso la ruptura con las formas
teatrales grecolatinas, y a medida que la Edad Media
avanzaba, el teatro adoptó nuevas formas de hacer. Podemos
dividir el teatro de esta época en dos claras tendencias:

El teatro religioso
Nace de los tropos litúrgicos (frases dialogadas de los textos
sagrados), con especial relevancia en dos festividades
cristianas: La Pascua y La Navidad. Estas manifestaciones
evolucionaron a formas como los “Milagros”, los “Misterios “
o los “Autos sacramentales” , y con el tiempo se añadirán
también temas nuevos como la asunción de la Virgen o las
vidas de santos. Cuando empezaron a incorporarse chistes,
expresiones soeces y posturas provocativas, el teatro se vio
obligado a abandonar las Iglesias y salir a las plazas. También
contribuyó el hecho de que los gastos en representaciones
eran pagados por los gremios , que competían entre ellos
para hacer representaciones cada vez más espectaculares.

Forman parte también de esta idea de teatro religioso las

“Danzas de la muerte”(de un carácter más popular y
satírico) y el teatro en procesión sobre carros, típico de la
festividad del Corpus. Sacar las representaciones religiosas a
la calle en forma de procesión fue la forma que encontró la
Iglesia para incorporar personajes que representaban el mal ,
ya que no podía hacerse dentro de los templos para evitar la
profanación.

El teatro profano
Está representado por los juglares, los bufones y los mimos,
que son herederos directos de la tradición teatral latina. A
diferencia de los trovadores (poetas, cantantes y recitadores
de sus propios versos), los juglares cuentan toda clase de
historias y leyendas, hacen malabarismos y acrobacias.
Representan espectáculos en plazas públicas y castillos. A
menudo, los mensajes de los juglares eran de carácter sexual
y de crítica a la religión. Debemos a los juglares y a los
bufones la conservación de una de las formas teatrales más
antiguas y populares: el teatro de títeres, que les servía
para hacer personajes variados. Esta especie de muñecos o
marionetas, eran los verdaderos protagonistas de las
aventuras narradas por los juglares.

De los misterios a los juegos de

escarnio
Con la consolidación de las lenguas romances nos llegan los
primeros textos teatrales. Ya en el siglo X, hay una producción
notable de “consuetas” en toda Europa. Estos son textos que
indican el vestuario, las acciones y las réplicas de los
personajes de las representaciones religiosas, enmarcadas en
los ciclos de pascua o navideños. La “consueta” del “Misterio
de Elche” es la más representativa por haberse representado
sin interrupción hasta la actualidad. Trata de la subida al cielo
de la Virgen María en cuerpo y alma. Engloba la tradición de
los misterios asuncionistas que se representaban por todas
las tierras valencianas, catalanas y baleares, donde quedan
restos escritos en las catedrales de Tarragona, Valencia y
Mallorca. Su importancia radica en el hecho de que es un
texto vivo, que ha mantenido su forma original y que aún hoy
día tiene el poder de emocionar.

La vertiente profana del teatro medieval lo constituyen los

“Juegos de escarnio” o fiesta popular en la que un día al
año se permitía a la gente cambiar de personalidad o de
estatus social. “El sermón del obispillo” fiesta en la cual el
último acólito hace de obispo, es un ejemplo de subversión
del orden social propio de las fiestas lúdico religiosas. Otras
formas de parodias del orden establecido son las fiestas de
carnaval, donde las mujeres hacían de alcaldesas, u otras en
las cuales los esclavos y los tontos gobernaban durante
veinticuatro horas.

El actor medieval
De entrada , tanto en el teatro profano como en el teatro
religioso, los papeles femeninos eran representados por
hombres. Por ejemplo, para interpretar el papel de las tres
María, mujeres que intervenían en la pasión, los sacerdotes se
ponían en la cabeza el amito (lienzo blanco con una cruz que
utilizaban los clérigos en los oficios divinos) y aflautaban la
voz. Aún así hay que desmentir el tópico y recordar que había
juglaresas anónimas y trovadoras como la condesa de Día.

Un teatro, sin duda lleno de contrastes, y que ha supuesto

parte del legado de nuestro teatro actual y por ello, no
debemos de perder.

Características del teatro medieval

El teatro medieval tiene las siguientes
características:
Prolongación del culto religioso: El teatro medieval surgió
íntimamente ligado a la Iglesia y sus representaciones litúrgicas
principalmente en latín. Lentamente, se fue secularizando y alejando
del altar. Con el tiempo, surgieron los actores profesionales que se
ganaban la vida representando obras frente a un público, que
buscaba entretenerse y no solamente vincularse con lo sagrado.

Los tropos como precursores. Los tropos eran elementos

dramáticos y musicales que se sumaban a las representaciones
litúrgicas de la Pasión o del nacimiento de Cristo. Con el tiempo, se
fueron separando de su contexto original y se desarrollaron de
manera independiente como formas teatrales fuera de la iglesia. Por
ejemplo: el Quem quaeritis, un texto dialogado entre el ángel que
guarda el sepulcro de Cristo y las tres Marías.
Intención moralizante. Las obras medievales tenían una clara
intención moralizante y carácter didáctico para aumentar la devoción
y para enseñar al pueblo algunos pasajes del evangelio.

Uso de la alegoría. En el teatro medieval se utilizaba con frecuencia

la alegoría para representar conceptos abstractos como los vicios, las
virtudes o la muerte.

Carácter anónimo. La mayoría de las obras teatrales de este

período son anónimas.

TRANSICIÓN AL RENACIMIENTO
En las últimas décadas del siglo XV aparecen el panorama del teatro
castellano unos autores que suponen la transición desde las formas
medievales de teatro hacia lo que será el teatro renacentista y, más
en general, el teatro de los Siglos de Oro

TEATRO RENACENTISTA
El teatro renacentista es el conjunto de obras dramáticas que se produjeron
en el Renacimiento, un movimiento artístico y cultural que surgió en el siglo
XIV en Italia y que continuó hasta principios del XVII. El Renacimiento
marcó una época de profunda transformación en las artes, donde la
exploración del ser humano y el redescubrimiento de la cultura clásica
dieron lugar a un florecimiento sin precedentes en el teatro. En este tiempo,
las obras no solo reflejaron la realidad social, sino que también incorporaron
elementos de la metafísica, la historia y la literatura, provocando un cambio
en la manera en que se percibían y se representaban las emociones
humanas y la vida en general. La fusión de las tradiciones griegas y
romanas con la creatividad de dramaturgos contemporáneos resultó en un
periodo vibrante que aún resuena en el teatro actual.

El Renacimiento surgió en Europa entre los siglos XIV y XVII, como una
respuesta a los rígidos dogmas de la Edad Media, abrazando un enfoque
humanista que celebraba la razón, la ciencia y el arte. Este movimiento
cultural y artístico se inició en Italia y, a medida que se propagó por Europa,
alteró no solo las bellas artes, sino también el teatro. En el contexto italiano,
la recuperación de obras originales de la antigüedad clásica permitió a los
dramaturgos renacentistas explorar nuevas temáticas y estilos, instigando
un cambio radical en la producción teatral.

Se caracterizó por la renovación estética y la inclinación a estudiar e imitar

el arte y las ideas de las culturas de la antigua Grecia y la antigua Roma.
Por eso, en el teatro renacentista se retomaron el estilo, las reglas y los
subgéneros clásicos.

Sin embargo, esto no supuso un quiebre total con la tradición medieval,

puesto que se continuaron escribiendo y representando obras de la época
anterior y la religión siguió siendo predominante en la sociedad, aunque, en
algunos casos, desde una nueva concepción de la fe, como ocurrió con el
protestantismo o el misticismo.

En la primera mitad el siglo XVI se pueden observar dos

tendencias principales: Por un lado, está la continuidad del drama
religioso medieval, con muchos elementos populares. Y, por otro lado,
surge el drama profano, inspirado en obras grecolatinas y en la
influencia de las compañías italianas que estaban por aquel entonces
recorriendo España. Las primeras compañías surgieron por imitación
de compañías italianas de la comedia dell´arte extendiendo su
modelo cómico y popular.

En torno a la segunda mitad del siglo XVI irá surgiendo un teatro

profesional a cargo de compañías estables. Estas empiezan a
representar en los primeros corrales de comedias, patios interiores de
las viviendas en los que se había levantado un escenario. A esta
segunda mitad pertenecen autores como Lope de Rueda o Miguel de
Cervantes.

En esta centuria también se intentó adaptar el teatro español a la

tragedia clásica mediante la imitación de los modelos grecolatinos
para intentar satisfacer al público. Su principal novedad fue que
añadirían temas propios de la historia nacional. El escaso éxito de
estas obras se atribuye a que sus autores fueron en su mayoría
conversos o descendientes de ellos, ya que atacaban la forma de vida
y la ideología del cristiano viejo. A este grupo pertenecen Lupercio
Leonardo de Argensola y Juan de la Cueva, que introdujo como
novedad el romance en el teatro (La muerte del rey don Sancho).

Todos estos intentos, en el siglo XVII, serán aprovechados, pero sobre

todo mejorados, por Lope de Vega, quien, como veremos, forjará la
fórmula definitiva de nuestro teatro.

De profesión: Trabajar en el teatro comenzó a ser una profesión

algo más digna y estable en el siglo XVI lo que significo un cambio de
estatus significativo para los artistas.

La evolución de la actuación teatral

La actuación teatral experimentó una transformación significativa

durante el Renacimiento. Las compañías de teatro se volvieron cada
vez más profesionales, y la figura del actor comenzó a adquirir mayor
relevancia y prestigio. Aportando habilidades interpretativas más
complejas, los actores comenzaron a dominar técnicas que les
permitían expresar emociones y desarrollar personajes con mayor
autenticidad. En este sentido, actores como Richard Burbage se
convirtieron en figuras icónicas de la escena, marcando el camino
hacia una nueva era en la interpretación teatral

Además, la estética de la presentación teatral evolucionó

drásticamente. Los escenarios se ampliaron y se comenzaron a
utilizar distintos estilos de escenografía y vestuario, lo que enriqueció
la experiencia visual del teatro en el Renacimiento. Las
representaciones no eran solo un medio para contar historias, sino
una forma de arte que combinaba danza, música, y elementos
visuales impresionantes que cautivaban a los espectadores. Esto, a su
vez, ayudó a popularizar el teatro entre diferentes clases sociales,
convirtiéndose en un entretenimiento accesible.
BARROCO Y ROCOCO

Extravagancia. Lujo. Grandeza . Estas son solo algunas de las

palabras que quizás te vengan a la mente al pensar en el arte barroco
y el rococó: dos estilos de arte y arquitectura en Europa.

Aunque el Rococó evolucionó del Barroco (y sus definiciones pueden

definirse de forma imprecisa), ambos períodos son, de hecho,
distintos y separados, con fuertes influencias y significados culturales
propios. Sin embargo, sus características similares y la superposición
de períodos temporales quizás expliquen por qué el arte Barroco y el
Rococó suelen confundirse.

¿Qué es el arte barroco?

El arte barroco surgió alrededor del año 1600, unos 70 años después del fin del
Renacimiento temprano en Francia y del Alto Renacimiento en Italia. Se dice
que este período duró unos 150 años
Se cree que el término «barroco» surgió de la palabra
italiana barocco , que los filósofos medievales usaban para referirse a
un « obstáculo en la lógica esquemática ». Barroco más tarde se
convirtió en un término para cualquier idea retorcida o proceso de
pensamiento complejo.
 Iglesia de Wies, Alemania. Imagen vía Wikimedia Commons .

Características del arte barroco

Comparado con los motivos más clasicistas y el espacio pasivo en las
obras renacentistas, el arte barroco fue quizás “contorsionado” en el
sentido de que era sorprendentemente diferente. Las pinturas
barrocas eran ilusionistas (compartían el espacio físico con el
espectador y proporcionaban múltiples y cambiantes vistas), mientras
que las esculturas y la arquitectura estaban adornadas con
ilustraciones. Juntas, las obras barrocas crearon una unidad
decorativa en las iglesias y otros espacios en los que se veían
comúnmente.

¿Qué es el Rococó?
El rococó surgió en Francia a principios del siglo XVIII, donde ya se
habían producido indicios de ruptura con el barroco, con su propio
estilo barroco francés. El rococó no se asociaba, por supuesto, con la
iglesia, sino con el rey francés Luis XV. El movimiento se extendió
posteriormente a otros países europeos a lo largo del siglo XVIII.

Características del arte rococó

Aunque el rococó surgió del arte barroco, sus artistas se alejaron del
simbolismo dramático del poder eclesiástico del barroco. En cambio,
se centraron en elevar con elegancia el poder y la clase de la
aristocracia francesa. El rococó representaba la alta moda secular .

El movimiento artístico rococó, que surgió principalmente a través de

la decoración de interiores, vio cómo los pasteles reemplazaban la
vívida luz y sombra del Barroco; la luz se hizo presente y dispersa, no
oculta. Las pinturas rococó suelen mostrar escenas joviales de la élite
de la sociedad, ya sea en casa o retozando en verdes prados.
Símbolos de juego, romance, belleza, sexo y mitología son frecuentes
en las obras de arte de este período.

Alzado de pared de estilo rococó en el dormitorio del Príncipe de

Rohan en el Hôtel de Soubise, obra de Germain Boffrand, 1735-1736.
Imagen vía Wikimedia Commons .
 LA COMMEDIA DELL’ARTE

La commedia dell’arte era una forma de teatro popular que

enfatizaba la actuación en conjunto;Las improvisaciones se
desarrollaban en un marco sólido de máscaras y situaciones
típicas, y sus tramas se tomaban con frecuencia de la
tradición literaria clásica de la commedia erudita , o drama
literario. Los actores profesionales especializados en un
papel desarrollaron una técnica cómica inigualable , lo que
contribuyó a la popularidad de las compañías itinerantes de
la commedia que viajaban por toda Europa. A pesar de las
representaciones contemporáneas de escenarios y máscaras,
y de las descripciones de representaciones particulares, las
impresiones actuales sobre cómo era la commedia dell’arte
son de segunda mano. El arte se ha perdido, su atmósfera y
estilo son irrecuperables
Compañía de la comedia del arte

Cada compañía de la commedia dell’arte contaba con un

inventario de guiones, libros de soliloquios e intercambios
ingeniosos, y alrededor de una docena de actores. Si bien se
duplicaban las máscaras (roles), la mayoría de los actores
creaban sus propias máscaras o desarrollaban las ya
establecidas. Esto contribuía a mantener una continuidad
tradicional, permitiendo al mismo tiempo la diversidad . Así,
aunque muchos actores están asociados individualmente con
sus papeles —se dice que Andreini padre creó el Capitano ,
ySe dice que Tiberio Fiorillo (1608-94) hizo lo mismo con
Scaramuccia (el Scaramouche francés ; para comprender la
commedia dell’arte, la máscara es más importante que el
actor).

El declive de la commedia dell'arte se debió a diversos

factores. El rico humor verbal de los dialectos regionales se
perdió para el público extranjero. Con el tiempo, la comedia
física llegó a dominar la representación y, a medida que el
negocio cómico se volvió rutinario, perdió su vitalidad. Con el
paso del tiempo, los actores dejaron de alterar a los
personajes, de modo que los papeles se estancaron y dejaron
de reflejar las condiciones de la vida real, perdiendo así un
importante elemento cómico. Los esfuerzos de dramaturgos
comoCarlo Goldoni (1707-1793), al reformar el drama
italiano, sentenció el destino de la decadente commedia
dell’arte. Goldoni se inspiró en el estilo antiguo para crear
una nueva forma de comedia italiana más realista, y el
público la recibió con entusiasmo

Compañía de la Commedia dell’arte, que probablemente representa a

Isabella Andreini y la Compagnia dei Gelosi, pintura al óleo de un artista
desconocido, c. 1580; en el Museo Carnavalet, París