Barroco parte 1
italia
Recargado
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1
• Después del proceso de Reformas Religiosas, ocurrido en el siglo XVI,
la Iglesia Católica había perdido mucho espacio y poder.
• En los parlamentarios la burguesía local acumulaba nuevos poderes y
Contexto se empezaban a sentar las bases del capitalismo venidero.
histórico
• El arte barroco surge en este contexto y expresa el contraste de este
período: la espiritualidad y teocentrismo de la Edad Media con el
racionalismo y antropocentrismo del Renacimiento.
• Los artistas barrocos fueron patrocinados por los monarcas,
burgueses y fundamentalmente el clero.
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• El barroco surgió en Europa en una época de grandes
tensiones entre las dos grandes sectas cristianas: el
catolicismo y el protestantismo, a raíz de la reforma luterana y
su respuesta mediterránea, la Contrarreforma.
Contexto
histórico
religioso • En ese entonces, los países europeos se dividían entre
absolutistas y parlamentarios: los primeros dotados de un rey
cuya voluntad era indiscutible y los segundos de un
parlamento que le hacía contrapeso.
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• El barroco como estilo artístico está inicialmente vinculado a la
Contrarreforma católica y a la ideología monárquica absolutista,
pero es posible identificarlo también en la obra de artistas
pertenecientes a naciones protestantes y no absolutistas.
Contexto
• Esto ratifica su popularidad e importancia en su contexto
histórico histórico. Se gestó en el continente europeo pero fue transmitido
a sus colonias, especialmente en Latinoamérica.
• La pintura barroca reflejó la importancia de la religión en los
países católicos, a la par que del gusto burgués en los
protestantes, y se caracterizó por el realismo, la riqueza e
intensidad de los colores, así como un fuerte contraste entre
luces y sombras.
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• La mejor y más importante pintura durante
el período que comienza alrededor del año
1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII,
y a principios del siglo XVIII.
Barroco - • El arte barroco se caracteriza por el
realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes
pintura luces y sombras.
• Se pretendía evocar la emoción y la pasión
en lugar de la tranquila racionalidad que había
sido apreciada durante el Renacimiento.
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• Entre los más grandes pintores del
período barroco se encuentran El
Greco, Caravaggio, Rembrandt,
Rubens, Velázquez y Vermeer.
• Y los tenebristas La Tour y José
Rivera.
• Se desarrollan nuevos géneros
como los bodegones, paisajes,
Barroco retratos, Vanitas, cuadros de
género o costumbristas, así como
se enriquece la iconografía de
temas religiosos.
• Existe una tendencia y una
búsqueda del realismo que se
conjuga con lo teatral y lo efectista.
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El barroco se desarrolló primero en las artes
plásticas y luego se manifestó en la literatura, el
teatro y la música.
Por eso, toda la cultura de ese período,
incluyendo costumbres, valores y relaciones
sociales, es llamada «barroca».
La cuna del barroco es la Italia del siglo XVII, pero
se extendió por otros países europeos, como
Bélgica, Francia y España.
Este Movimiento artístico permaneció vivo en el
mundo de las artes hasta el siglo XVIII. En América
Latina, este movimiento entró en el siglo XVII,
traído por artistas que viajaban a Europa, y
permaneció hasta el final del siglo XVIII.
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Las características generales de la
pintura barroca son:
• Composición asimétrica, en diagonal
que se revela en un estilo grandioso,
monumental, retorcido, sustituyendo
la unidad geométrica y el equilibrio
del arte renacentista.
• La elección de escenas en su
momento de mayor intensidad
dramática;
• Arte rebuscado y exagerado de gran
valorización del detalle y los dualismo
y contradicciones como la oscuridad,
complejidad y sensualismo
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Las características
generales de la pintura
barroca son:
• Acentuado contraste
de claro-oscuro
(expresión de los
sentimientos) era un
recurso que apunta a
intensificar la
sensación de
profundidad.
• La decoración en
«trompe l’oeil» o
Trampantojo.
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Importancia del color sobre el
dibujo.
Valoración de la Luz, los juegos
de luces y sombras más
impactantes.
Valoración de los efectos
ilusorios, perspectivas fingidas
(Trompe d´oeil)
Valoración de los efectos
teatrales: grandes cortinajes
recogidos a los lados del
cuadro..
Son muy típicos los
“rompimientos de Gloria” en el
cielo. Historia del arte - Prof. SiL 10
TEMAS DE CARÁCTER PROPAGANDÍSTICO:
Artes al servicio de la Idea de poder, fundamentalmente
de la Iglesia.
Carácter didáctico: forma de enseñar las verdades de fe,
para apoyar los sermones ( en este sentido a veces
aparece una figura
mirando al espectador
y señalando el cuadro
que es la llamada
“figura del intermediario”
que señala el cuadro
como ejemplo
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Soportes: Se abandona la Tabla.
Domina el Lienzo y la Pintura al fresco
para bóvedas.
Carácter Narrativo: contar historias
que muevan a la piedad, a lo
sentimental.
Carácter Realista para que los fieles se
identifiquen con los personajes
representados.
GIORDANO, LUCA La Natividad de la Virgen
1700 - 1702
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TEMAS
PINTURA MITOLÓGICA:
fundamentalmente al
fresco, para decorar
cúpulas y bóvedas de
los grandes palacios
unidos a las
monarquías.
A veces como símbolos
de valores morales.
Los borrachos o el triunfo de
Baco 1629 Velázquez
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•LA PINTURA DE GÉNERO:
• Sobre todo en los Países del Norte, al
hacerse protestantes, abandonan la
temática religiosa.
• Se va independizando el tratamiento de
objetos de interior, elementos cotidianos
que dará paso al “Bodegón”
La pintura barroca presenció el nacimiento
de nuevos géneros pictóricos, como son
los bodegones, vanitas y cuadros
costumbristas, que enriquecieron la
iconografía religiosa heredada del Pieter Claesz (um 1597 - 1660)
medioevo.
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EL RETRATO Se generaliza el
“Retrato de Aparato” :
poderoso o gobernante en un
rico escenario, rodeado de
telas y elementos simbólicos.
Retrato de un hombre sosteniendo una calavera
Artista Frans Hals
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•PINTURA RELIGIOSA: la más importante: sobre
todo cuestiones negadas por los protestantes:
Virgen, Santos, Penitencias, martirios.
PINTURA BARROCA ITALIANA Se pueden
señalar 3 tendencias:
-El Naturalismo: En la que destaca CARAVAGIO.
-El Clasicismo: En la que destacan LOS
CARRACCI.
-El Barroco decorativo: En la que destacan
ANDREA POZZO y PIETRO DE CORTONA
La inspiración de San Mateo
Caravaggio
Fecha: 1602 Historia del arte - Prof. SiL 16
EL NATURALISMO
Características:
-Busca modelos de la vida
cotidiana, incluso con fealdad o
deformaciones
-Composiciones basadas en líneas
violentas, sin respetar ningún
esquema clásico -Luz
Claroscuro tenebriata: fuertes
contrastes entre luces y sombras:
gran efecto teatral.
"El bufón don Sebastián de Morra” Diego Velázquez
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EL CLASICISMO - Inspirado
en los grandes maestros del
Renacimiento como Rafael o
Miguel Ángel: Gusto por la
belleza idealizada, el
equilibrio y serenidad , la
composición armoniosa, el
sentido anatómico
normativizado por
Academias.
Importancia de la anatomía,
el movimiento.
"Coronación de la Virgen" Diego Velázquez
Estilo: Barroco 1644
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Caravaggio
• Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un
pintor italiano activo en Roma, Nápoles,
Malta y Sicilia entre los años de 1573 y
1610.
• A los 11 años quedó huérfano y fue
aprendiz de la pintora Simone Peterzano de
Milán durante cuatro años.
• Para 1595 comenzó a vender sus pinturas
a través de un vendedor quien presentó a
Caravaggio con el cardenal Francesco del
Monte.
• Es considerado como el primer gran
exponente de la pintura del Barroco. Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni
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De 1592 a 1606 trabajó en Roma,
donde no tardó en destacar no
sólo por su original enfoque de la
obra pictórica, sino también por su
vida irregular, en la que se
sucedían lances, peleas y
episodios reveladores de su
carácter tempestuoso y su falta de
escrúpulos.
Fue un revolucionario tanto por su
vida turbulenta como por su Caravaggio siempre buscó, ante todo, la intensidad
pintura, en la que planteó una efectista a través de vehementes contrastes de
oposición consciente al claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por
Renacimiento y al manierismo. medio de una presencia física de vigor incomparable.
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Sus primeras creaciones son fundamentalmente
pinturas de género que combinan la figura humana
con escenas de bodegón y naturaleza muerta.
Constituye un ejemplo emblemático de esta
primera etapa creativa El tañedor de laúd, donde
un joven de belleza andrógina y sensual comparte
protagonismo con frutas, flores y una serie de
objetos relacionados con la música.
En estas primeras obras resulta ya evidente el
empleo estético de Caravaggio de los juegos de
luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí
como creador de volúmenes y de profundidad, sin
añadir a la acción efectos de dramatismo, como
sería habitual en las creaciones posteriores del Muchacho pelando fruta 1592
artista.
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Desde el principio de
su estancia romana
rechazó la
característica belleza
ideal del
Renacimiento, basada
en normas estrictas, y
eligió el camino de la
verdad y el realismo,
realizando sus obras
mediante copias
directas del natural,
sin ningún tipo de
preparación previa. Jugadores de cartas es una obra de Caravaggio, con fecha de 1595.
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1ª etapa: Técnica al óleo
recortadas sobre en sus obras Figuras recortadas
fondo neutro con formas nítidas
Personajes
callejeros Jóvenes andróginos,
ambiguos
Basarse en
la realidad( el
naturalismo)
ya sea en temática
1ª etapa: o en forma de
Cuadros presentar
pequeños la escena
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El tañedor de laúd
(c. 1595), de
Caravaggio
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“Cesto con frutas” de Caravaggio, c. 1599. Cesto con frutas fue un
regalo de uno sus primeros
mecenas al Cardenal
Federico Borromeo, un gran
admirador de los pintores
flamencos.
Después de haber visto el
talento de Caravaggio para
los bodegones como parte
de otras obras como sus
pinturas de Baco, habría
sido natural pedir una pieza
protagonizada por estos
elementos decorativos.
Actualmente se encuentra
en Milán, y hoy en día es
considerado el primer
bodegón italiano.
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La pintura barroca a menudo dramatiza
las escenas usando los efectos
lumínicos del claroscuro.
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Calidades matéricas:
piel nacarada, blanco de túnica, copa transparente
1ª etapa:
Tema mitológico
1ª etapa: Tratado de modo
rico colorido Naturalista
(alguien disfrazado
de Baco)
1ª etapa:
Estudio de los 1ª etapa:
claroscuros Desarrolla tema
(sienta las bases de bodegones
de lo que en obras (objetos adquieren
posteriores será valor por sí)
el tenebrismo) Caravaggio
Baco
Periodo juvenil
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La luz se convierte en un
elemento fundamental en la
pintura barroca.
Dibuja o difumina los
contornos, define también el
ambiente, la atmósfera del
cuadro, y matiza los colores.
La utilización de la técnica
del claroscuro llega a la
perfección gracias a muchos
pintores del Barroco.
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Se pretende
transmitir sensación
de movimiento.
Las composiciones se
complican, se
adoptan perspectivas
insólitas y los
volúmenes se
distribuyen de
manera asimétrica.
«Cena de Emaús»
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Representa un episodio descrito en el
Evangelio de San Lucas.
Una vez resucitado Cristo se encuentra
con unos discípulos por el camino que no
lo reconocen y lo invitan a cenar.
Sólo cuando bendice el pan los discípulos
se dan cuenta que es Jesús resucitado
mostrando teatralmente su sorpresa.
El único que no tiene emociones es el
posadero cuya mirada se dirige a Jesús. Cronología. 1596-1602
Técnica. Óleo sobre lienzo
Formato, 1,40 × 1,97 m.
El lugar, el mesón, y los rostros y
vestimentas de los apóstoles son del gente
del S. XVII , rasgo de naturalismo.
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El marco de la escena es una taberna o
mesón. En este lugar popular ( aspecto de
naturalismo)
Cristo aparece con aspecto juvenil ,
imberbe , casi andrógino , hecho que no
gustó, la mano con la que bendice el pan
está en escorzo y contribuye al efecto
profundidad.
A su lado de pie el mesonero que no
comprende lo que sucede, se encuentra con Contrastan estas sombras con luminosidad de
la cabeza cubierta y gran parte de su cara en Jesús cuyo cuerpo no produce sombra en la
sombra y por efecto de la luz diagonal su pared posterior y es como si la luz emanara de
sombra se proyecta sobre la pared. su interior.
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A nuestra izquierda el hombre
muestra rasgos de naturalismo con
sus manos rudas como corresponde
a los pescadores.
Este hombre se sorprende,
teatralmente echa la silla para atrás ,
mira con incredulidad fijamente a
en la camisa blanca que aparece en
la manga surge un punto de luz .
A nuestra derecha otro apostol puede ser Pedro con la concha de peregrino con
las manos en escorzo extendidas ( alusión tal vez a su martirio crucificado )
también naturalismo en su aspecto e indumentaria.
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Junto al esquema compositivo
horizontal de la mesa , se encuentra
el triangular de Jesús , el vertical del
mesonero y los escorzos de la mano
tanto de Cristo como del apóstol
Pedro.
Expresividad y teatralidad con diferentes
actitudes que van de la tranquilidad de
Cristo al asombro y agitación de sus
discípulos
La composición es simétrica, Cristo ocupa el
La función- Se exalta la Eucarística , por lugar central , además es una composición
tanto se vincula con la Contrarreforma ya abierta la silla no está completa y el amplio
que los protestante cuestionaban este espacio frontal y horizontal de la mesa nos
sacramento. parece estar invitando a sentarnos.
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Colores son cálidos en la túnica roja
de Jesús, en la camisa del posadero y
predominantemente fríos en los dos
apóstoles, así queda resaltada la figura
de Cristo.
Así mismo se observa el juego de
complementarios rojo y verde que
contribuyen a resaltarse.
En el bodegón también se alternan
los colores cálidos de las granadas con
el frío de las uvas.
Luz entra en diagonal incide sobre Jesús , sobre rostro de Pedro, sobre la mesa , sobre la
espalda del discípulo.
Ritmo. recoge el instante de la bendición, deteniendo el tiempo para recoger la sorpresa
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Caravaggio resalta el bodegón sobre la mesa,
con varios objetos descritos uniendo a la vez
realismo y simbolismo en un lenguaje único.
El pan y la jarra de vino aluden a la eucaristía.
La jarra de vidrio y el vaso reflejan la luz, el
pollo con las piernas estiradas ha sido
interpretado como símbolo de la muerte,
aunque no todos los expertos de iconografía
están de acuerdo.
La canastilla de mimbre con frutas, pende
peligrosamente sobre el borde de la tabla.
En este cesto hay diversas frutas, pintadas
magistralmente con sus imperfecciones.
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En ellas se pueden encontrar significados
teológicos: la uva negra indica la muerte, la
uva blanca la resurrección, las granadas
son símbolos de la pasión de Cristo, las
manzanas pueden ser entendidas como
frutas de gracia o llevar el significado del
pecado original, en fin la sombra de la
canastilla crea sobre la tabla la imagen del
pez, otro signo cristológico.
En esta obra la luz divina, que ilumina un
espacio en penumbra, está determinada
por los efectos pictóricos y cromáticos.
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El Naturalismo. A diferencia de otros pintores que trabajan en la misma época en Roma
como los Carracci, que seguían los ideales del clasicismo y del Cinquecento, Caravaggio no
partía de la imitación de pintores anteriores ni se ciñó a los convencionalismos de los
géneros pictóricos.
Su objetivo era pintar sus personajes con realismo, pero no sólo consiguiendo reproducir
correctamente las proporciones o los movimientos anatómicos (cosa conseguida desde el
siglo XV), sino trabajando con modelos de aspecto vulgar que encontraba en la calle y en las
tabernas.
Sus santos e historias bíblicas, en vez de representar figuras extasiadas y acontecimientos
supraterrenales, reflejaban personajes de carne y hueso que podían ser sucios, afeados y
grotescos, eso es lo que se conoce como naturalismo.
Por este motivo a menudo sus obras eran furibundamente criticadas e incluso reprobadas
por quienes las habían contratado.
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La vocación de San Mateo.
La postura informal y natural
de las figuras representó un
cambio enorme en contra el
idealismo del manierismo.
Vestidos con ropa
contemporánea, los
personajes parecen sacados
de una escena de género, no
de una pintura religiosa
tradicional.
Caravaggio
La vocación de San Mateo
Historia del arte - Prof. SiL 38
Periodo maduro
Elige el momento en que Cristo
llama a Mateo que era un
publicano , recaudador de
impuestos con muy mala
reputación entre los judios , a
seguirlo.
Por nuestra derecha entra Cristo
con Pedro en una taberna y con su
mano extendida señala a Mateo
que se pregunta si es él.
Mientras la parte superior está
vacía en la parte inferior se
concentran los personajes.
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En el centro de la mesa Mateo que se señala y
pregunta si es él el elegido.
Su realismo, sin embargo, es teatral por el gran
valor de los gestos del rostro y de las manos
potenciadas por la luz.
Frente a lo racional la iglesia defendía un arte que
llegara a los sentimientos , al corazón, aproximando la
divinidad y santidad a tipos humanos de la época, los
santos eran como las personas como las del siglo XVII
humildes, y atrayendo la mirada del espectador
mediante efectos de color, lumínicos y teatrales.
La obra de este pintor presenta unos modelos y una
estética muy apropiada a la propaganda de la iglesia y
la estética barroca.
Historia del arte - Prof. SiL 40
La luz no sólo crea un mayor drama sino
que actúa como una metáfora de la
mano de Dios, pidiéndole a Mateo que se
una a él.
La luz define la composición. La escena
está iluminada por dos focos : una entra
en diagonal y otra parece proceder de lo
alto o de una claraboya. de modo que
aparecen iluminadas algunas partes y el
resto queda en penumbra. Se establecen
agudos contrastes entre luces y sombras.
El papel de la luz es doble :
consigue que resalten algunas figuras y
ayuda a crear una situación de
dramatismo o misterio
Caravaggio
La vocación de San Mateo
Historia del arte - Prof. SiL 41
Periodo maduro
Esta pintura no es un momento de transfiguración,
sino de duelo.
Conforme el ojo del espectador desciende de la
penumbra hay, también, un descenso desde la
lamentación dramática hacia una emoción contenida
de la Virgen, que ocupa el puesto central, y hasta la
muerte como el silencio emocional definitivo.
Caravaggio presenta personajes abatidos, agachados,
acuclillados, tumbados o al menos cabizbajos,
alejándose así de los modelos estatuarios del Alto
Renacimiento.
Composición. El esquema compositivo es muy
compacto que traza a través de la luz y las posturas de
los personajes una diagonal que va desde la esquina
inferior izquierda de la tela hacia la opuesta superior.
Iluminación y composición recuerdan a un fotograma
cinematográfico.
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Historia del arte - Prof. SiL
Historia del arte - Prof. SiL 43
Comparación. Detalles del brazo y del desnudo de Cristo muerto en La Piedad de Miguel Ángel, el Santo Entierro de Tiziano y
El Descendimiento de Caravaggio.
Historia del arte - Prof. SiL 44
El cuerpo de Cristo que parece dormir
apaciblemente, como si no hubiese
sufrido la pasión.
Caravaggio no quiere mostrarnos el dolor
a través de él, aunque se reserva un
detalle morboso, que confirma que es un
cadáver lo que llevan a enterrar: la mano
de San Juan Evangelista no puede evitar
asir el cuerpo por la llaga del costado.
Esta simple referencia es la que nos habla
del dolor físico de Cristo.
Historia del arte - Prof. SiL 45
El tenebrismo como recurso expresivo y
narrativo.
Las figuras se disponen sobre un fondo oscuro y
son iluminadas por un potente foco que parece
deslumbrarles.
Con este recurso el pintor consigue que el
espectador se concentre sobre aquellos
detalles que especialmente le interesa resaltar,
creando además un fuerte impacto
monumental y dramático.
Historia del arte - Prof. SiL 46
El mensaje simbólico religioso.
En la obra de Caravaggio siempre es muy
importante hacia dónde apunta las manos.
Hacia el cielo en La Conversión de San Pablo,
hacia Leví en La Vocación de San Mateo.
Aquí el brazo caído de Cristo y la piedra son los
verdaderos y silenciosos protagonistas del
cuadro.
La mano nos la señala y ella aparece en
diagonal proyectándose hacia nosotros.
Es la losa bajo la que reposará la esperanza de
la salvación de la humanidad en espera de la
Resurrección, pero es a la vez la piedra angular
sobre la que se edificará la Iglesia. Historia del arte - Prof. SiL 47
La Iglesia buscaba mantener seguidores pues
la reforma eclesiástica provocada por Martín
Lutero había hecho temblar los pilares de la
institución.
Es por eso que la Iglesia no escatimaba en
construir templos en los que necesitaban
colocar obras de arte que evangelizaran por
medio de la imagen; pero, las pinturas de
Michelangelo Merisi da Caravaggio solían ser
revolucionarias y eso no era lo que la Iglesia
buscaba.
Historia del arte - Prof. SiL 48
El trabajo de
Caravaggio causaba
una desmedida
admiración o un
profundo rechazo,
especialmente por
la iglesia que
consideraba un
insulto que el pintor
representara a los
santos con los pies
sucios, con defectos
físicos, fuera de
toda divinidad.
Historia del arte - Prof. SiL 49
La función es
aproximar el tema al
espectador , que el
espectador se
identifique con la
escena.
Caravaggio, Salomé recibe la cabeza
de San Juan Bautista Historia del arte - Prof. SiL 50
En sus composiciones
empleó cadáveres,
vagabundos y
prostitutas para
representar obras de
gran solemnidad, se
desapegó de los
ideales pictóricos de
la época e introdujo
un arte más realista
apegado a la verdad
con una fuerte
vehemencia a los
contrastes efectistas
producidos por su
regia técnica.
Historia del arte - Prof. SiL 51
Caravaggio, El amor visctorioso
El carácter religioso de las obras de
Caravaggio gusta a ciertos sectores de la
Contrarreforma católica (Felipe Neri, Ignacio
de Loyola, Carlos Borromeo) quienes
impulsan una práctica religiosa que vaya
dirigida a un más amplio abanico de
población.
Sin embargo, el anticonformismo que
muestra el pintor en obras de contenido
humano relatadas en los textos sagrados,
sobrepasa las intenciones mismas de los
reformadores, lo que explica la hostilidad que
suscitaron algunos de sus cuadros como la
Muerte de la Virgen y el profundo
aislamiento en el que trabajó.
Historia del arte - Prof. SiL 52
La incredulidad
de santo Tomás,
1601-1602; óleo
sobre lienzo,
Historia del arte - Prof. SiL 53
El uso de gente común para representar la vida de
Jesús y los apóstoles era de mal gusto.
Prostitutas, adolescentes, vagabundos y más, eran
las musas que el artista utilizaba para pintar.
Sentía gusto por la representación de la pobreza:
Virgen acostada en banco de madera, los
apóstoles con ropajes humildes, desaliñados,
descalzos
Caravaggio
Muerte de la Virgen
Periodo maduro
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Historia del arte - Prof. SiL 55
Caravaggio es heredero de la pintura
humanista del Alto Renacimiento.
Su enfoque realista de la figura humana,
pintada directamente del natural e
iluminada dramáticamente contra un
fondo oscuro, sorprendió a sus
contemporáneos y abrió un nuevo
capítulo en la historia de la pintura.
Caravaggio
Conversión de San Pablo
Periodo maduro Historia del arte - Prof. SiL 56
Historia del arte - Prof. SiL 57
David con la cabeza de Goliat es una pintura realizada en 1609
La melancolía que emana de la obra se
adecua a los pensamientos oscuros
del artista en sus últimos años.
En esta ocasión no hay colores
brillantes y, por tratarse de una
pintura pequeña, existe un grado de
intimidad que no era evidente en
otros trabajos.
Es una obra en la que el pintor confió
para ganar el perdón y la ayuda del
cardenal para regresar a Roma,
después de años de exilio a causa de
un crimen cometido en la Ciudad
Eterna
Historia del arte - Prof. SiL 58
Los colores plata sucio, negro y marrones
dominan el cuadro.
La luz hace que David parezca un muchacho de
las calles, con una espada que tiene sólo una
gota de sangre para demostrar que, al igual
que Caravaggio, sabe lo que significa haber
matado a un hombre.
Otra gota de sangre en medio de la frente del
gigante confirma que fue derribado por una
piedra.
En la espada aparece una inscripción
abreviada: H-AS OS, en latín: Humilitas occidit
superbiam ("La humildad mata al orgullo").
Historia del arte - Prof. SiL 59
El muchacho (David) sostiene con asco
su trofeo.
«En esa cabeza [Caravaggio] deseaba
representarse a sí mismo y, en el
muchacho, a su caravaggino».
Si la cabeza de Goliat es realmente la de
Caravaggio, la pintura posee un
elemento de repugnancia consigo
mismo.
Este recurso en el ánimo de Caravaggio
se asemeja más al de una persona
desesperada. Goliat, enemigo de Dios,
es condenado a la noche eterna.
Historia del arte - Prof. SiL 60
En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una
reyerta y se vio obligado a huir de Roma,
adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver.
Murió cuatro años después en una playa
solitaria, aquejado de malaria.
En esta última época había pintado algunas
obras en las que su dramatismo característico
dejaba paso a una gran serenidad.
Aunque no dejó discípulos directos, su obra
inspiró el naturalismo de José de Ribera y
Georges de la Tour, entre otros.
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Historia del arte - Prof. SiL 62
Caravaggio en el cine
1941. Caravaggio. Dirigida
por Goffredo Alessandrini.
1985. Caravaggio. Dirigida por
Derek Jarman.
2007. Caravaggio. L´ombra del
genio. Dirigida por Angelo
Longoni.
Historia del arte - Prof. SiL 63
