Mapa Conceptual: Historia y Desarrollo Musical

1. Antigüedad (~2000 a.C. - Siglo V)

Contexto Histórico Desarrollo Musical

Civilizaciones: Mesopotamia, Egipto, Grecia, Música con función ritual, social y

Roma. educativa.
~2000 a.C.: Primeros registros musicales en
Transmisión oral de la música.
tablillas cuneiformes sumerias.
Pitágoras (~570-495 a.C.): Proporciones
Descubrimiento de los intervalos
matemáticas en la música (Música de las
armónicos (octava, quinta, cuarta).
Esferas).

2. Edad Media (Siglo V - XV)

Contexto Histórico
Desarrollo Musical
Expansión del cristianismo y su influencia Siglo IX: Aparición de los neumas como
cultural. notación primitiva.
Monasterios como centros de enseñanza Siglo XI: Guido d'Arezzo introduce el
musical. tetragrama y la solmización.
Siglos XIII-XIV: Notación mensural
permite la polifonía y precisión rítmica.

3. Renacimiento (Siglo XV - XVI)

Contexto Histórico Desarrollo Musical

1453: Caída de Constantinopla → Migración Expansión de la música humanista y

de eruditos bizantinos a Europa. polifónica.
~1450: Invención de la imprenta (Gutenberg) 1501: Petrucci crea la primera imprenta
→ Difusión del conocimiento. musical → Difusión masiva de partituras.
1517: Reforma Protestante (Martín Lutero) → Desarrollo del coral luterano y la música
Cambios en la música sacra. congregacional.
1545-1563: Concilio de Trento → Regulación
Reformas en la polifonía sacra (Palestrina).
de la música en la Iglesia Católica.
Desarrollo de la música profana:
Expansión del mecenazgo en las cortes.
Madrigal, chanson, villancico.
Expansión de la música instrumental:
Laúd, vihuela, órgano.
 Teoría de Cuerdas de Pitágoras en la Música
1. Afinacion en la música antigua:

Afinación Pitagórica (Antigüedad - Edad Media), Temperamento Mesotónico (Renacimiento -

Barroco temprano) y Temperamento Justo (Ideal teórico, pero poco práctico).

2. Introducción

Pitágoras (c. 570 - 495 a.C.) Creía que los números regían el cosmos y que la música era una
manifestación de estos principios matemáticos. Su escuela tenía un fuerte componente místico, que
estableció una conexión entre los números, la armonía y el orden del universo.

El mayor aporte de Pitágoras a la música fue el descubrimiento de que los sonidos podían explicarse
a través de relaciones matemáticas precisas, lo que sentó las bases para la afinación y los sistemas
de escalas en la música occidental.

Pitágoras creía que los planetas y las estrellas se movían siguiendo proporciones matemáticas exactas,
similares a las que producen los intervalos musicales, a esto le denominó Música de las Esferas. Esta
idea fue reforzada por Platón en la Republica, donde el universo siguiendo principios matemáticos y
musicales, estableciendo relaciones numéricas que estructuran tanto la materia como el alma del
mundo. Estas proporciones, según él, formaban una armonía cósmica, que era inaudible para los
humanos.

3. La Teoría de Cuerdas de Pitágoras

Pitágoras descubrió los intervalos armónicos experimentando con una cuerda tensada. Al dividir la
cuerda en fracciones simples (1/2, 2/3, 3/4), notó que se producían sonidos que eran agradables al
oído. Esto llevó a la formulación de los intervalos básicos:

 Octava (2:1) → Se obtiene dividiendo la cuerda en dos partes iguales.

 Quinta justa (3:2) → Se obtiene dividiendo la cuerda en una proporción de 3 a 2.
 Cuarta justa (4:3) → Se obtiene dividiendo la cuerda en una proporción de 4 a 3.

La sucesión de quintas puras generó la serie de quintas, que permitió la construcción de escalas
musicales. Sin embargo, al intentar cerrar el ciclo de quintas, surgió un pequeño desfase llamado
coma pitagórico, lo que evidenció la necesidad de ajustes en los sistemas de afinación.

4. Afinación Pitagórica

El sistema de afinación pitagórico se basa en la generación de notas mediante la sucesión de quintas

justas (relación 3:2). A partir de una nota base, se agregan quintas ascendentes y descendentes para
construir la escala diatónica (En este contexto, la escala diatónica (se refiere a la serie de siete notas
que forman la base de nuestro sistema musical occidental (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si).

Este sistema funcionaba bien para melodías monofónicas, pero al agregar polifonía, se generaban
problemas de entonación. La principal diferencia con los sistemas modernos es que la afinación
pitagórica produce intervalos naturales puros, pero no es equitativa para todas las tonalidades.
Con el tiempo, para solucionar estos problemas, se desarrollaron otros sistemas de afinación, como
el temperamento medio y el temperamento igual, que permitieron mayor flexibilidad en la
modulación entre tonalidades.

5. Influencia en la Música Medieval

El sistema pitagórico tuvo un papel crucial en la música medieval, especialmente en el canto

gregoriano, donde la afinación se basaba en la sucesión de quintas puras.

Los teóricos medievales, como Boecio y Guido de Arezzo, adoptaron y expandieron los principios
de Pitágoras, estableciendo una notación musical basada en la división de sonidos en escalas regidas
por proporciones matemáticas.

Sin embargo, con la evolución de la polifonía en los siglos posteriores, se hizo evidente que la
afinación pitagórica no era del todo funcional para la música con múltiples voces, lo que llevó a la
búsqueda de nuevos sistemas de entonación.

6. Temperamento Medio (Meantone Tuning): ajusta las terceras mayores para que sean más
puras. En este sistema, las quintas no son perfectamente justas, sino ligeramente reducidas.
Se usó mucho en los teclados renacentistas y barrocos (como el clavecín y el órgano).
Ejemplo: En el temperamento mesotónico ¼ de coma, la tercera mayor Do-Mi es casi
perfecta, pero las quintas son un poco más pequeñas que en la afinación pitagórica.
7. Temperamento Justo (Ideal teórico, pero poco práctico): Busca que todos los intervalos
sean lo más puros posible. Funciona en voces e instrumentos de cuerda frotada, porque
pueden ajustar cada nota en vivo. No es útil en teclados, porque necesitarían varias versiones
de cada nota.
8. Temperamento Igual (Equal Temperament): Es el sistema moderno que divide la octava
en 12 partes exactamente iguales. Cada semitono tiene la misma distancia en centésimos (100
cents). En este sistema, ningún intervalo es perfectamente puro, pero es el único que permite
modular libremente sin que algunas notas suenen desafinadas. Se usa en la música actual
(piano, guitarra, instrumentos digitales).

Diferencia clave

En el temperamento medio, algunas notas son más puras pero sacrificas la posibilidad de tocar
en todas las tonalidades.En el temperamento justo se busca la pureza del intervalo pero solo aplica
para formatos sin teclado. En el temperamento igual, todo está un poco “desajustado”, pero
puedes tocar en cualquier tonalidad sin que suene raro.
 Renacimiento (Siglos XV - XVI)

Contexto Histórico

• 1453: Caída de Constantinopla

o Migración de eruditos bizantinos a Europa Occidental.

o Redescubrimiento de textos clásicos y teóricos musicales.

o Estímulo al Humanismo.

• 1450: Invención de la imprenta (Gutenberg)

o Difusión masiva de textos.

o Estandarización del conocimiento musical.

• 1501: Imprenta musical (Petrucci)

o Precisión en la notación.

o Impulso a la difusión de música polifónica.

• 1517: Reforma Protestante (Martín Lutero)

o Crítica a la Iglesia.

o Introducción del coral luterano: lenguaje vernáculo, participación

congregacional.

• 1545–1563: Concilio de Trento (Contrarreforma)

o Regulación de la música sacra.

o Claridad textual en la polifonía.

o Palestrina: modelo de equilibrio y devoción musical.

• Crecimiento del mecenazgo

o Familia Médici, Sforza, Papado, Habsburgo.

o Reyes destacados: Carlos V, Francisco I, Enrique VIII, Felipe II.

 Desarrollo Musical

1. Música Sacra

• Estilo Polifónico más fluido

o Compositores: Dufay, Ockeghem.

• Técnicas compositivas:

o Misa cíclica (cantus firmus).

o Misa parodia (adaptación de obras previas).

• Diversidad confesional:

o Luterana: corales en alemán.

o Calvinista: salmos austeros.

o Anglicana: anthem, service (Tallis, Byrd).

o Católica: claridad textual y devoción (Palestrina).

2. Música Profana

• Madrigal Italiano:

o Texto poético refinado.

o Expresividad musical → Word painting.

o Compositores: Cipriano de Rore, Luca Marenzio.

• Formas afines:

o Chanson (Francia): efectos descriptivos (Janequin).

o Villancico (España): estilo sencillo (Juan del Encina).

o Lied (Alemania).

o Madrigal inglés: versión local influenciada por el italiano.

3. Música Instrumental

• Emancipación del modelo vocal.

• Géneros emergentes:
 o Tocata, canzona, ricercar, variaciones.

• Instrumentos destacados:

o Laúd, vihuela, órgano, violas, flautas.

• Centros importantes:

o Venecia: innovación instrumental.

• Relación con la danza y vida cortesana.

4. Música y Humanismo

• Inspiración en la antigüedad clásica.

• Búsqueda de relación texto-música.

• Uso de lenguas vernáculas.

• Carácter nacional en la música:

o Diferenciación estilística entre Italia, Francia, Alemania, España,

Inglaterra.
Capítulo 7: Música en la Iglesia del Renacimiento

Este capítulo aborda la evolución de la música sacra en los siglos XV y XVI, destacando el impacto
de la Reforma y la Contrarreforma.

Contexto histórico relevante:

 Imperio Bizantino y su caída (1453): Fue la parte oriental del antiguo Imperio Romano,
con su capital en Constantinopla. Durante siglos, preservó el conocimiento clásico y tuvo una
gran influencia en la teología y el arte cristiano. Su caída en manos del Imperio Otomano en
1453 llevó a la migración de eruditos bizantinos a Europa Occidental, lo que impulsó el
humanismo y el redescubrimiento de textos antiguos sobre teoría musical.
 Invención de la imprenta (ca. 1450, Gutenberg): Creada por Johannes Gutenberg,
permitió la difusión masiva de libros mediante tipos móviles, lo que revolucionó la
educación, la religión y el arte. Facilitó la estandarización del conocimiento musical y la
propagación de tratados teóricos.
 Reforma Protestante (1517, Martín Lutero): Movimiento religioso iniciado por Lutero
con la publicación de sus 95 tesis, en las que criticaba la venta de indulgencias (Alejandro
VI, 1493) y la corrupción en la Iglesia Católica. Buscaba acercar la religión al pueblo,
promoviendo una música sacra más accesible, como el coral luterano, con melodías simples
que permitieran la participación congregacional.
 El papa de la época: En 1517, cuando Lutero publicó sus tesis, el papa era León X (1513-
1521), un mecenas de las artes perteneciente a la familia Médici. Apoyó artistas como Rafael
y Miguel Ángel, pero su política financiera y la venta de indulgencias fueron factores clave
para el inicio de la Reforma.
 Concilio de Trento (1545-1563) y la Contrarreforma: Asamblea convocada por la Iglesia
Católica para responder a la Reforma Protestante. Entre sus decisiones más importantes
estuvo la regulación de la música sacra, exigiendo que la polifonía fuera más clara y
comprensible para reforzar el mensaje litúrgico. Esto llevó al desarrollo del estilo más
equilibrado y sobrio de Giovanni Pierluigi da Palestrina, considerado el modelo de la
música sacra católica.

Desarrollo musical:

 Cambio en el estilo polifónico: Compositores como Guillaume Dufay y Johannes

Ockeghem desarrollaron una polifonía más fluida y equilibrada, con líneas melódicas
independientes, pero armónicamente interconectadas.
 Misa Cíclica y Parodia: Se consolidaron técnicas como la misa basada en cantus firmus,
donde una melodía preexistente estructuraba toda la obra, y la misa parodia, que reutilizaba
fragmentos de piezas profanas o sacras en nuevas composiciones.
 Música en la Iglesia Anglicana: Con la separación de Inglaterra de la Iglesia Católica bajo
Enrique VIII, se desarrollaron géneros específicos como el anthem (motete en inglés) y el
service (composición litúrgica), con compositores destacados como Thomas Tallis y
William Byrd.
Capítulo 8: La Música en la Corte y la Ciudad

Este capítulo analiza el desarrollo de la música profana y su relación con la sociedad renacentista.

Contexto histórico relevante:

 Expansión y exploración europea (siglos XV-XVI): Durante esta época, los viajes de
exploración llevaron a Europa a un contacto más amplio con otras culturas, lo que influyó en
la música mediante el intercambio de instrumentos y estilos.
 Crecimiento de las cortes y el mecenazgo: Reyes y nobles apoyaban a compositores y
músicos, favoreciendo el desarrollo de la música profana.
 Reyes más influyentes de la época:
o Carlos V (1519-1556): Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico y rey de
España, unió vastos territorios bajo su dominio y promovió la cultura y el arte en su
corte.
o Francisco I de Francia (1515-1547): Gran mecenas del Renacimiento, apoyó a
artistas como Leonardo da Vinci y fomentó la música en su corte.
o Enrique VIII de Inglaterra (1509-1547): Además de separar la Iglesia de Inglaterra
de la autoridad del Papa, compuso música y promovió el desarrollo del repertorio
inglés.
o Felipe II de España (1556-1598): Consolidó el Imperio Español y protegió a
compositores como Tomás Luis de Victoria, destacando en la música sacra.
 Mecenas y beneficiarios más importantes en el ámbito del arte (no solo en música):
o Familia Médici (Florencia): Patrocinó a artistas como Botticelli, Leonardo da Vinci
y Miguel Ángel, además de músicos destacados en Italia.
o Familia Sforza (Milán): Apoyó a compositores y artistas renacentistas, incluyendo
a Leonardo da Vinci.
o Los Papas del Renacimiento: Julio II y León X fueron grandes mecenas,
promoviendo la construcción de la Basílica de San Pedro y el patrocinio de artistas
como Rafael y Miguel Ángel.
o Los Habsburgo: Patrocinaron la música en Austria y los Países Bajos, apoyando a
compositores como Orlando di Lasso.

Desarrollo musical:

 Madrigal italiano: Género vocal polifónico que alcanzó su esplendor en el siglo XVI con
compositores como Cipriano de Rore y Luca Marenzio. Se caracterizaba por su
expresividad y el uso del word painting (pintura musical de las palabras), donde la música
imitaba el significado del texto.
 Chanson y villancico:
o La chanson francesa evolucionó con Clément Janequin, quien introdujo efectos
sonoros descriptivos en la música.
o El villancico español, popular en la península ibérica, fue cultivado por Juan del
Encina, con un estilo más sencillo y rítmico.
 Música instrumental:
o Se consolidaron formas como la toccata, la canzona y el ricercar, predecesoras de
la música barroca instrumental.
o Aumentó el uso de conjuntos de violas y del laúd, con repertorios dedicados a estos
instrumentos.
Capítulo 9: La Expansión de la Música en el Renacimiento

Este capítulo explora la difusión de la música renacentista y su impacto en distintas regiones.

Contexto histórico relevante:

 Invención de la imprenta musical (Petrucci, 1501): Facilitó la reproducción y difusión

masiva de partituras, democratizando el acceso a la música.
 Diferencia entre la imprenta de Gutenberg y la de Petrucci:
o Imprenta de Gutenberg (ca. 1450): Inventada por Johannes Gutenberg,
revolucionó la producción de libros mediante tipos móviles, permitiendo la rápida
difusión del conocimiento escrito en Europa.
o Imprenta musical de Petrucci (1501): Ottaviano Petrucci perfeccionó un sistema
de impresión musical con múltiples pasadas de tinta, lo que garantizaba una mayor
precisión en la notación musical. Fue el primero en imprimir libros de música
polifónica, impulsando su estandarización.
 Relación entre los idiomas nacionales y los estados nación: (Shakespeare)
o Durante el Renacimiento, el auge de los estados nación favoreció el desarrollo de
idiomas nacionales, en contraposición al latín.
o En la música, esto se reflejó en la composición de obras en lenguas vernáculas, como
los madrigales italianos, las chansons francesas y los villancicos españoles.
o A medida que los reinos europeos consolidaban su identidad, la música adquirió un
carácter nacional, influyendo en estilos diferenciados en Italia, Francia, Alemania,
España e Inglaterra.

Desarrollo musical:

 Música y humanismo:
o El humanismo, movimiento intelectual basado en el redescubrimiento de la cultura
clásica, influyó en la música al enfatizar la relación entre texto y música.
o Se buscaba que la música expresara con mayor claridad el contenido del texto, lo que
llevó a una escritura más natural y expresiva.
o Los compositores adoptaron técnicas como la imitación del habla en la
composición musical, buscando mayor claridad y emotividad en sus obras.
o En este contexto, el madrigal se convirtió en el género vocal más representativo del
Renacimiento, ya que permitía una profunda conexión entre la poesía y la música.
Capítulo 10 – La música sacra en la era de la Reforma

La Reforma protestante impulsó cambios radicales en la música religiosa. En la Iglesia

luterana, se fomentó la participación congregacional mediante himnos en lengua vernácula.
En las iglesias calvinistas, la música fue más austera, centrándose en salmos cantados. En
Inglaterra, la creación del anglicanismo dio lugar a composiciones en inglés, como los
anthems.

Por otro lado, la Contrarreforma católica defendió la claridad textual y la devoción, lo que
se refleja en la obra de Giovanni Pierluigi da Palestrina (misa del papa marcelo), quien
se convirtió en modelo del estilo polifónico ideal. Se incluyen ejemplos de música sacra en
España y el Nuevo Mundo, la música judía, y las particularidades de otras regiones como
Alemania y Europa del Este.

Capítulo 11 – El madrigal y la canción profana en el siglo XVI

El madrigal es una forma de música vocal profana que se desarrolló principalmente en Italia
durante el Renacimiento (siglo XVI). Está basado en poemas breves, usualmente amorosos,
y se caracteriza por una estrecha relación entre el texto y la música. Fue una de las formas
más importantes de música secular de la época y alcanzó un alto nivel de expresividad
artística.

El madrigal italiano se convierte en la forma dominante, con textos poéticos refinados y un

tratamiento musical expresivo. Se analiza su evolución desde composiciones simples hasta
obras complejas y experimentales a finales del siglo.

También se estudian formas afines en España (villancico), Francia (chanson), Alemania

(lied) e Inglaterra, donde surge el madrigal inglés, inspirado por el modelo italiano. Se
destaca el papel del mercado musical, con la publicación de partituras que permitieron la
difusión internacional de estas formas musicales.

Capítulo 12 – El surgimiento de la música instrumental

Se examina el proceso mediante el cual la música instrumental se emancipa de la vocal. Al

principio, muchas piezas instrumentales imitaban la música vocal o servían para
acompañarla. Luego, se desarrollaron géneros propios como la tocata, la canzona y las
variaciones.

El capítulo también describe los instrumentos más usados (laúd, tecla, violas, flautas, etc.),
su clasificación y sus contextos sociales (especialmente la danza). La ciudad de Venecia es
presentada como un centro clave para la innovación instrumental, y se resalta cómo, hacia
finales del siglo XVI, la música instrumental alcanza un nivel de independencia estilística y
técnica comparable al de la vocal.
 Clase 5 – Barroco Parte I
Capítulo 13: Los nuevos estilos del siglo XVII
Contexto histórico
El siglo XVII fue un período de profundos cambios y conflictos en Europa. Las guerras de
religión, como la Guerra de los Treinta Años (1618–1648), causaron devastación en muchas
regiones, especialmente en el centro de Europa. La Reforma Protestante, iniciada en el siglo
XVI, siguió generando divisiones y tensiones, a las que la Iglesia Católica respondió con la
Contrarreforma.
Paralelamente, el avance de la ciencia (Galileo Galilei, Johannes Kepler, René Descartes)
comenzó a cuestionar visiones tradicionales del universo, desplazando la autoridad de la
Iglesia en asuntos del conocimiento. Esta crisis generalizada estimuló una búsqueda de
nuevas formas de expresión artística que capturaran la intensidad emocional y la complejidad
del espíritu humano.
Desarrollo musical
• Transición del Renacimiento al Barroco: Se abandona la textura polifónica
equilibrada renacentista en favor de una textura más clara: la monodia acompañada,
donde una sola línea melódica se sostiene sobre un acompañamiento armónico. Esto
permitía una mayor expresividad individual.
• Nacimiento del bajo continuo: Surge como base armónica constante, interpretada por
instrumentos como el clavecín, el órgano o el laúd, junto con un instrumento grave
como el violonchelo o el fagot. Esta práctica unifica la textura musical barroca.
• Teoría de los afectos: Postula que la música tiene el poder de provocar emociones
específicas (alegría, tristeza, furia, amor, etc.). Los compositores buscan conmover al
oyente a través de contrastes marcados de dinámica, ritmo y textura.
• Contrastes como principio estético: La oposición entre forte y piano, entre grupos de
instrumentos (concerto grosso), o entre secciones vocales e instrumentales se vuelve
característica del estilo.
Capítulo 14: La invención de la ópera
Contexto histórico
En el marco del Renacimiento tardío, eruditos italianos, particularmente en Florencia,
comenzaron a interesarse por revivir el teatro griego clásico. Este movimiento, impulsado
por la Camerata Fiorentina, proponía que la música debía imitar el poder emocional de la
declamación griega. Este ideal dio origen a un nuevo género: la ópera.
Desarrollo musical
• Primeras óperas: Jacopo Peri compone Dafne (1598) y Euridice (1600), consideradas
las primeras óperas. Giulio Caccini, también miembro de la Camerata, desarrolla un
estilo vocal más florido y expresivo.
 • Monteverdi y la consolidación del género: Claudio Monteverdi eleva la ópera a una
forma artística madura. Su obra L'Orfeo (1607) combina narración dramática,
caracterización musical y experimentación armónica. Introduce recitativos
expresivos, coros simbólicos y arias emocionales.
• Expansión de la ópera: A partir de 1637, se abren los primeros teatros de ópera
públicos en Venecia, haciendo el género accesible a un público amplio. Esto estimula
la producción operística y diversificación de estilos.
• Evolución vocal: Se establecen formas como el recitativo (para avanzar la acción) y
el aria (para expresar emociones). Los castrati alcanzan gran fama como intérpretes
de papeles principales por su capacidad vocal única.
Capítulo 15: La música de cámara y la música sacra en la primera mitad del siglo XVII
Contexto histórico
La música del Barroco temprano se adapta a distintos contextos: la corte, la iglesia y los
salones privados. Aunque cada espacio impone sus propias demandas, todos comparten el
gusto por la expresividad emocional y el contraste, propio del espíritu barroco.
Las distintas confesiones religiosas —católica, protestante (luterana) y judía— incorporan
elementos del nuevo estilo para embellecer el culto, intensificar la experiencia espiritual y
fortalecer su identidad.
Desarrollo musical
• La cantata: Se desarrolla como una forma vocal más íntima que la ópera, destinada a
un entorno más reducido. Puede ser sacra o profana, con una alternancia de recitativos
y arias, acompañada por bajo continuo.
• Motete concertato: Introduce instrumentos en la música religiosa. Combina voces
solistas, coros e instrumentos, siguiendo el modelo del concertato veneciano.
Requiere una interpretación expresiva y virtuosa.
• Heinrich Schütz: Compositor luterano alemán que estudió en Venecia con Giovanni
Gabrieli. Adaptó las innovaciones italianas a la tradición alemana, enriqueciendo la
música sacra protestante con dramatismo y color instrumental (Symphoniae Sacrae,
Musikalische Exequien).
• Desarrollo instrumental: Surgen formas autónomas como la sonata (pieza
instrumental en varios movimientos) y la variación (una melodía con múltiples
transformaciones). Compositores como Biagio Marini, Dario Castello y Giovanni
Battista Fontana impulsan estas formas.
 Exposiciones Compositores del Barroco

1. Claudio Monteverdi: 15 de mayo de 1567 – 29 de noviembre de 1643. Cremona, Italia

• Lugares donde trabajó: Mantua (corte Gonzaga), Venecia (Basílica de San
Marcos)
• Contexto histórico: Vivió en el paso del Renacimiento al Barroco. Su obra refleja
esa transición. Italia era un centro artístico, con fuerte mecenazgo de las cortes y la
Iglesia.
Estilo musical y características
• Corriente: Italiana
• Características: Empleó el bajo continuo, contrastes de dinámica, afectos
expresivos y el nuevo estilo monódico. Fue pionero en la ópera.
• Géneros: Madrigales, óperas, música sacra
• Aportes: Considerado el primer gran compositor operístico. Estableció el uso
dramático de la música en la ópera y modernizó el madrigal.
Obras representativas
• L’Orfeo (1607): una de las primeras óperas completas. Uso del bajo continuo y
recitativo dramático.
Influencia y legado
• Fundador de la ópera barroca.
• Su música es interpretada hoy con énfasis en prácticas históricas.

2. Jean-Baptiste Lully (Giovanni Battista Lulli): 28 de noviembre de 1632 – 22 de marzo

de 1687. Florencia, Italia – nacionalizado francés
• Lugares donde trabajó: Corte de Luis XIV en Versalles
• Contexto: Francia absolutista. Lully fue el compositor oficial del Rey Sol.
Estilo musical y características
• Corriente: Francesa
• Características: Estilo galante, danzas cortesanas, obertura francesa, recitativo
melódico.
• Géneros: Ópera (tragédie lyrique), ballet, música sacra
• Aportes: Creó la ópera francesa. Estableció un estilo nacional opuesto al italiano.
Obras representativas
 • Armide (1686)
• Atys (1676)
• Te Deum (1677)
Análisis: Armide muestra refinamiento orquestal y equilibrio entre drama y danza.
Influencia y legado
• Modelo del barroco francés.
• Fundó la tradición operística nacional.
• Su estilo influenció a Rameau y otros compositores franceses.

3. Antonio Lucio Vivaldi: 4 de marzo de 1678 – 28 de julio de 1741. Venecia, Italia

• Lugares donde trabajó: Conservatorio de la Ospedale della Pietà en Venecia,
también en Viena y Mantua
• Contexto: Italia en plena efervescencia musical. La ópera y el concierto alcanzan su
apogeo.
Estilo musical y características
• Corriente: Italiana
• Características: Virtuosismo instrumental, ritmos enérgicos, contrastes dinámicos,
estructura en tres movimientos.
• Géneros: Concierto, ópera, música sacra
• Aportes: Perfeccionó la forma del concierto solista. Innovó en el uso del violín.
Obras representativas: L’Estro Armonico
Análisis: muestra escritura descriptiva, con efectos como el canto de pájaros o tormentas.
Influencia y legado
• Inspiró a Bach.
• Su obra fue redescubierta en el siglo XX y hoy es muy interpretada.

4. Johann Sebastian Bach: 31 de marzo de 1685 – 28 de julio de 1750. Eisenach,

Alemania
• Lugares donde trabajó: Weimar, Köthen, Leipzig (Iglesia de Santo Tomás)
• Contexto: Alemania luterana, con fuerte tradición coral y organística.
Estilo musical y características
• Corriente: Alemana
 • Características: Contrapunto elaborado, formas complejas, simbolismo religioso.
• Géneros: Cantatas, fugas, misas, pasiones, conciertos
• Aportes: Cumbre del contrapunto barroco. Elevó la música litúrgica y de teclado a
su máximo nivel.
Obras representativas
• Misa en si menor
• Pasión según San Mateo
• El clave bien temperado
Análisis: El arte de la fuga demuestra su maestría en el contrapunto y la
arquitectura musical.
Influencia y legado
• Influyó en Mozart, Beethoven y toda la teoría musical posterior.
• Hoy es considerado uno de los más grandes compositores de todos los tiempos.

5. Georg Friedrich Handel: 23 de febrero de 1685 – 14 de abril de 1759. Halle, Alemania

• Lugares donde trabajó: Italia, Alemania, Londres (ciudadanía británica)
• Contexto: Cosmopolita. Combinó influencias alemanas, italianas e inglesas.
Estilo musical y características
• Corriente: Alemán-británica
• Características: Grandiosidad, teatralidad, uso coral masivo.
• Géneros: Óperas, oratorios, conciertos, suites
• Aportes: Popularizó el oratorio en lengua inglesa. Unificó estilos europeos.
Obras representativas
• El Mesías (1741): oratorio célebre.
• Water Music
• Music for the Royal Fireworks
Análisis: Aleluya de El Mesías destaca por su poder coral y simplicidad majestuosa.
Influencia y legado
• Su música es símbolo del barroco tardío.
• Obras como El Mesías siguen siendo pilares del repertorio coral.
6. Jean-Philippe Rameau: 5 de septiembre de 1683 – 12 de septiembre de 1764. Dijon,
Francia
• Lugares donde trabajó: París
• Contexto: Francia bajo el reinado de Luis XV, época de esplendor artístico y debate
musical (Querella entre antiguos y modernos)
Estilo musical y características
• Corriente: Francesa
• Características: Riqueza armónica, uso del bajo continuo, ornamentación
elaborada, equilibrio entre drama y música
• Géneros: Ópera (tragédie lyrique, ópera-ballet), música para clave, motetes
• Aportes: Teórico influyente de la armonía moderna con su Tratado de Armonía
(1722)
Obras representativas
• Les Indes galantes (1735)
Influencia y legado
• Revolucionó la ópera francesa tras Lully
• Su teoría armónica fue base para el clasicismo
• Su música ha sido recuperada en los siglos XX y XXI y es muy interpretada hoy