ARTE GÓTICO

 Comentario Catedral de León

Se trata de la catedral de León cuyos arquitectos son Enrique de Burgos y Joan

Pérez, data del siglo XIII de estilo gótico y sus materiales son piedra, hormigón
y vidrio.
Su planta es basilical cruciforme que consta de 3 naves que en el transepto se
amplían en 5, en el centro se encuentra el crucero. La cabecera, con amplia
girola, es semicircular con macrocefalia y está rematada con 5 capillas radiales
de forma poligonal. Los portones de entrada se encuentran flanqueados por
dos torres de base cuadrangular. En todas sus naves tiene bóvedas de crucería
cuatripartita, en la calle del centro más ancha y más alta.
En cuanto al exterior, la fachada occidental tiene la típica forma en “h” propia
del gótico, orientada al este. Las tres naves de entrada en planta se
corresponden al exterior con 3 portones en arquería siendo el del medio más
ancho y largo. Estos, tienen forma de arco apuntado que acentúan la
verticalidad dando un sentido ascensional de las formas. Posee decoración
escultórica en el tímpano, parteluz, jambas y arquivoltas, asimismo, posee
gárgolas.
Por otro lado, el triforio se encuentra en la parte central, formado por 4 arcos
apuntados con vidrieras, por encima de estos está el rosetón. La catedral está
rematada en su parte central con un gablete con decoración de tracería.
También hay pináculos y alguna aguja que aportan verticalidad. La parte
central está unida a las laterales por los arbotantes que enlazan con los
contrafuertes exteriores, gracias a esto se pueden abrir vanos ya que el muro
no está sobrecargado de peso.
En el interior, destacan sus vidrieras de colores que representan en su mayoría
escenas religiosas, de la vida cotidiana o decoración vegetal. Además, es la
catedral más luminosa y francesa de España y se encuentra construida sobre
unas termas romanas.
Se encuentra en el camino de Santiago y es un importante centro de
peregrinación, en cuanto al significado es que Dios es altura y luz (elementos
verticales y vidrieras). Destaca en España con la de Burgos, su planta es
prácticamente una copia de la catedral de Reims y también destaca por sus
vidrieras al igual que Saint Chapelle.

El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para

definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.

 Anunciación y visitación de la catedral de Reims

Se trata de la anunciación y visitación de la catedral de Reims, grupo

escultórico de autor desconocido datada en el siglo XIII de estilo gótico cuyo
material es la piedra y es de tema bíblico.
Es un grupo escultórico localizado en la jamba derecha del portón principal de
la catedral de Reims es una composición cerrada de tema bíblico que
representa dos escenas: por un lado, en la primera escena se encuentra la
anunciación cuando el ángel Gabriel le dice a María que va a ser la madre de
Jesús y por otro, la visitación, cuando la prima de María (Isabel) la visita
porque está embarazada (tal y como nos sugieren los paños en su anatomía)
En el conjunto de la representación se aprecia un realismo típico del gótico,
observado en la expresión de los personajes a pesar de esto en la primera
escena se muestra a la virgen más hierática y al ángel más expresivo
(transición del románico).
El canon es figurativo-naturalista dejado atrás la desproporción y canon
alargado del románico. En ambas escenas se aprecia comunicación entre los
personajes, percibida por la inclinación de sus cabezas (diagonales),
humanizando de esta manera a los personajes bíblicos.
En el conjunto escultórico hay movimiento, ya que hay contraste de texturas,
lisas en la anatomía de la virgen y más rugosas en las alas o el pelo del ángel,
especialmente el movimiento viene marcado en las alas y ligero contraposto
clásico del ángel, el cual en la visitación se encuentra más marcado en Isabel y
María nos deja intuir la anatomía (rodillas), la virgen de la anunciación sin
embargo, se concibe en cierta manera como escultura bloque que presenta un
tratamiento en los ropajes más geométrico que no deja intuir su anatomía,
asimismo su expresión es hierática, los pliegues de la ropa de los demás
personajes recuerdan a los paños mojados clásicos, estos pliegues
proporcionan juego de luces y sombras (claroscuro) proporcionando volumen y
profundidad.
Las figuras están individualizadas sobre peanas, asimismo, en la primera
escena se representa a una virgen joven y en la segunda una, medio madura.
Ambas representando escenas cotidianas y de canon esbelto.
Es comparable al pórtico de la Gloria de Santiago de Compostela y tiene
influencias en la Catedral de Chartres.

El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para

definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.

 Tímpano de la Puerta del Sarmental

Se tarta del Tímpano de la Puerta del Sarmental atribuido al maestro de Beau

Dieu de Amiens data del siglo XIII, de estilo gótico cuyo material es la piedra y
es de tema bíblico, localizado en la catedral de Burgos.
Es un alto relieve en piedra que decora la portada del crucero de la Catedral
de Burgos. Es una portada abocinada en arco apuntado, por lo tanto es gótica.
El tema es religioso y de origen románico en el tímpano está representado el
pantocrátor, sedente, con ropas de rey, bendiciendo y con el libro de la
sabiduría. A los lados tiene los símbolos del tetramorfos: (Mateo -hombre
águila -Juan León -Marcos y toro- Lucas) y los cuatro evangelistas escribiendo
en su pupitre.
En el dintel (bajo tímpano) están los 12 apóstoles hablando entre sí. En la
primera arquivolta hay ángeles y en las dos siguientes, los 24 ancianos del
Apocalipsis. En el parteluz aparece un obispo que puede ser Mauricio el
promotor de la Catedral.
La composición es cerrada, cada apóstol esta individualizado por un doselete y
sin horror vacui (a diferencia del románico). Se aprecia una clara adaptación al
marco arquitectónico.
El canon es figurativo naturalista y proporcionado pero el pantocrátor está
hecho a mayor escala que el resto (perspectiva jerárquica). Las figuras tienen
bastante volumen. Los pliegues del drapeado son naturales.
El pantocrátor es frontal pero el resto de las figuras están en escorzo. Destaca
la expresividad cotidiana de los apóstoles que conversan y de los evangelistas
escribiendo, aunque todavía se percibe cierto hieratismo frontalidad y simetría
en Cristo, rasgos propios del románico.
Representa un momento concreto y cotidiano no una idea universal por lo que
muestra una religión más humanizada que en el románico
El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para
definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.

 La huida a Egipto
Se trata de la huida a Egipto cuyo autor es Giotto data del siglo XIV de estilo
gótico, es una pintura al fresco de tema bíblico y se localiza en la Capilla
Scrovegni.
Pintura mural al fresco de tema religioso, representa la huida a Egipto de la
Virgen en niño y San José. La noche anterior un Ángel le dice en sueños a San
José que huya de Belén con la Virgen y el niño porque Herodes va a matar a los
inocentes.
La composición es triangular. El centro de la escena es la Virgen montada en
el burro. Contrasta la verticalidad de la montaña y de María con la
horizontalidad del burro, la cual dota de dinamismo y equilibrio a la obra.
Tiene un paisaje de fondo, algo artificial, que da profundidad, lograda también
gracias a la superposición de personajes. Consiste en unos montes rocosos con
pocos árboles para que no distingan el tema principal (tridimensionalidad
profundidad).
El canon es figurativo naturalista, pero la Virgen es de mayor tamaño que el
resto (perspectiva jerárquica herencia del románico) y las figuras santas llevan
aureola.
Tiene movimiento en el suelo que dibuja una diagonal ascendente, en los
escorzos (sobre todo el Ángel) y en los pliegues del manto de la Virgen.
Todas las figuras están remarcadas en negro, lo que les da volumen: parecen
de cartón piedra.
La expresión es contenida, pero las figuras aparecen hablando en poses
cotidianas (diagonales que dan ritmo a la composición).
La capilla Scrovegni fue encargada por un hijo para mejorar la imagen del
padre, que aparece citado en la “Divina Comedia” de Dante como un banquero
codicioso. Tiene 38 paneles que están relacionados entre sí por tener el mismo
cielo.
la luz es artificial (proviene de la zona derecha y se refleja en la montaña), por
lo que predomina la línea.
La paleta cromática es reducida, predominando los tonos fríos (grisáceo del
paisaje, azul del cielo) con presencia de tonos cálidos (rojizos y ocres en los
ropajes y dorado en los nimbos), Giotto influirá en los pintores renacentistas
italianos (como Massacio)

El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para

definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.

 El matrimonio Anorfini

Se trata del matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck (quien fundo los primitivos
flamencos en Flandes), datada en el siglo XV de estilo gótico flamenco cuya
técnica es al óleo sobre tabla, representa una escena costumbrista y se
encuentra en el National Gallery de Londres.
El tema es costumbrista donde se retrata a una pareja que realiza una
ceremonia (quizá su boda) en la habitación de su casa. Los asistentes se
reflejan en el espejo del fondo. El franciscanismo y la riqueza burguesa
fomentan el tema del retrato.
La composición en cuanto a los personajes, es cerrada, aunque la escena se
abre lateralmente por la ventana y la cama incompletas. Predomina la
verticalidad.
La imagen del espejo provoca que el espectador se sienta dentro de la
habitación (al mirar quién se refleja en él). La profundidad se consigue por las
líneas de la ventana y de la cama que convergen en el espejo, además de por la
superposición de personajes (primer plano: perro y matrimonio; segundo plano:
mobiliario; tercer plano: espejo en pared). La perspectiva es lineal y el punto
de fuga al espejo.
El canon es figurativo naturalista, es muy detallista (casi microscópico) parece
pintado con lupa, predominando el dibujo sobre el color; por ejemplo, el marco
del espejo con escenas de la pasión de Cristo o el pelo del perro. Los
personajes visten y están peinados a la moda de la época
El cuadro está lleno de símbolos: el marido coge la mano de la mujer para
indicar que su protector; la mujer se toca el vientre en señal de fertilidad o
embarazo; el perro indica fidelidad; la ropa de lujo y las naranjas de las
ventanas simbolizan la riqueza; la lámpara tiene una luz encendida pese a ser
de día simbolizando la llama del amor; el rojo de la cama simboliza la pasión;
van descalzos en señal de divinidad. Parece una alegoría del matrimonio o de la
maternidad.
Destacan los colores brillantes. En el foco de luz es la ventana de la izquierda
encima del espejo pone “Jan Van Eyck que estuvo aquí” en latín por lo que
seguramente sea el personaje azul reflejado en el espejo (quizá un testigo de la
boda de Arnolfini).
Tiene movimiento en los pliegues de la ropa que aporta juego de luces y
sombras (claroscuro), los gestos de los personajes, la mujer girada en una
especie de escorzo, así como el perro también en escorzo.
En cuanto a modelos e influencias, la técnica detallista de Van Eyck fue
aceptada como modelo en buena parte de la pintura flamenca de la segunda
mitad del siglo XV y XVI. Se ha señalado que el perro en primer plano y el
espejo al fondo inspiraron a Velázquez en Las Meninas.

El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para

definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.
  El descendimiento de la cruz

Se trata de El descendimiento de la cruz de Van der Weyden datada en el siglo

XV de estilo gótico flamenco cuya técnica es el óleo sobre tabla, es de tema
bíblico y se localiza en el Museo del Prado (Madrid).
Tabla pintada al óleo de grandes dimensiones y con forma de “t” invertida se
pintó para una capilla delga pero ahora está en el Museo del Prado.
El tema es religioso, es el descenso de Cristo muerto de la Cruz para
enterrarlo. Aparecen 10 personajes muy juntos entre sí
La composición es cerrada (personajes de los laterales en posición centrípeta,
adaptación al marco), compleja y equilibrada (grupos de personajes). El centro
es la vertical que forma el palo de la Cruz y los dos personajes que bajan a
Cristo. En los extremos hay sendos grupos de 3 personas que miran hacia el
centro y que están delimitados por el cuerpo arqueado de San Juan a la
izquierda y de María Magdalena a la derecha. Uniendo a ambos grupos hay dos
diagonales formadas por la Virgen y Cristo cuya diagonal se extiende por el
cinturón de María Magdalena. El canon es figurativo naturalista, todos visten
como personajes ricos del siglo XV.
No tiene paisaje de fondo, sino que el fondo es dorado plano porque al pintor le
interesa sólo mostrar la expresión de los personajes. La tracería gótica del
marco está pintada. Además, en el suelo aparece una calavera y una planta que
representa la resurrección, la profundidad la consigue por la superposición de
figuras y la silueta negra que hace que las figuras padezcan esculturas en el
retablo.
El cuadro destaca por el movimiento y el dramatismo (destaca la expresión de
los personajes): el movimiento está en las diagonales, los escorzos y los
pliegues de la ropa, por otro lado, el dramatismo está en la cara del dolor de
cada personaje cada una de las cuales muestra un sentimiento diferente. En
cuanto a simbología la calavera es la muerte y el tocado blanco la pureza. La
paleta cromática es rica los colores son brillantes fríos y cálidos y destaca el
detallismo pincelada fina y minuciosa prevalece el dibujo sobre el color.
El gótico es un término que inventan los renacentistas en el siglo XV para
definir el arte anterior a ellos como un arte bárbaro que no seguía las normas
clásicas. Europa en los siglos XIII y XIV se caracterizaba por:
Una política donde los reyes se hacen más poderosos frente a los nobles,
surgiendo la monarquía autoritaria (Trastámaras en Castilla)
La población y la economía crecen y la ciudad se convierte en el centro de
riqueza, y donde va a estar, por tanto, el arte.
La sociedad continúa siendo estamental, pero surge la burguesía como un
grupo económicamente importante gracias a la riqueza que les proporciona el
comercio urbano.
La cultura sigue siendo teocéntrica (como en el románico), pero ahora se
concibe un Dios más próximo y una virgen protectora de los pecados de los
hombres. Por otro lado, el franciscanismo defiende el amor a la naturaleza y el
aristotelismo la realidad sensible, por eso el gótico va a ser naturalista.

PREGUNTAS CORTAS
¿Qué diferencia hay entre bóveda de arista y bóveda de crucería?

Ambas son un tipo de cubierta que se generan a partir de un arco y se

presentan en tramos encuadrados entre arcos fajones y formeros o perpiaños,
soportados por pilares compuestos, pero presentan una serie de diferencias.
La bóveda de arista es el resultado del cruce perpendicular de dos tramos de
bóveda de cañón (arcos de medio punto). Al cruzarse los dos planos se generan
unas aristas que se cruzan en diagonal a partir del arranque de los arcos, que
constituyen el punto débil de la bóveda. Al estar generada por dos bóvedas de
cañón realiza un empuje lateral a los cuatro lados de modo que ha de ser
contrarrestada por muros gruesos o contrafuertes. Posteriormente, se
reforzaron con unos arcos interiores y así se formó la bóveda de arista con
crucería. Se suele utilizar en el románico para cubrir las naves laterales.
La bóveda de crucería se origina por el cruce en diagonal de los arcos
crucero que parte de las esquinas de forma que tienen elementos diferentes.
Los arcos cruceros se apoyan uno en otro y el plemento simplemente es el
material de relleno de la cubierta (el conjunto de plementos se llama
plementería). En planta se dibujan con un cuadrado rectángulo que representa
a los arcos fajones y formeros y las diagonales que representan a los arcos
cruceros como líneas continuas. En la intersección de los arcos diagonales o
cruceros se encuentra la clave de la bóveda. Es un sistema utilizado a partir
del gótico, que incluye como novedad el arco apuntado u ojival, y permite
aligerar muros y abrir grandes ventanales que se cubren con vidrieras.

9. ¿Cuál es la función que tienen los arbotantes en un edificio gótico?

Un arco arbotante es un elemento estructural exterior con forma de medio arco
que recoge la presión en el arranque de la bóveda y la transmite hacia los
estribos y contrafuertes exentos, adosados al muro de una nave lateral. Tienen,
por tanto, una función sustentante. Los contrafuertes, además, suelen
presentar pináculos (agujas cuando son muy elevados) que cumplen con una
doble función decorativa y estructural, ya que su propio peso también ayuda al
contrafuerte a aumentar su estabilidad. El arbotante sobrevuela el tejado de la
nave lateral y también sirve para conducir el agua de la lluvia a través de un
canal hasta la gárgola.
Es un elemento constructivo distintivo de la arquitectura gótica, junto con el
arco apuntado y la bóveda de crucería. El origen se ubica en el Románico,
donde el peso de la bóveda de cañón de la nave central era recogido por la
bóveda de cuarto de cañón de la nave lateral (arbotante) y de ésta trasladada
al grueso del estribo exterior.
10. Características de las obras hechas por los llamados Primitivos
Flamencos
Durante los siglos XIV y XV las ciudades de Flandes se convirtieron en activos
centros comerciales y de producción de tejidos de lana, lo que motiva la
aparición de una poderosa burguesía, sobre todo en Gante y Brujas, en función
de la cual aparece la llamada pintura de los primitivos flamencos.
Se considera a Jan van Eyck fundador de la escuela de los «primitivos
flamencos», un grupo de artistas (Robert Campin, Van der Weyden, Van der
Goes, Hans Memling, Dirk Bouts…) que coincidieron en el tiempo (siglo XV),
en el espacio (Países Bajos) y en las características artísticas. Se apartaron
del gótico internacional que tanto triunfaba en toda Europa y produjeron obras
especiales y diferenciadas del resto de pintores del momento que responden
a las siguientes características:
 1. La mayor parte de las obras son de pequeño tamaño, destinadas a un
comprador particular, para ser colocadas en los interiores de residencias
burguesas o palacios para ser donadas a las iglesias.
2. Están realizadas con la técnica del óleo que permite crear una amplia
gama de colores y plasmar los detalles más insignificantes.
3. Usan como soporte habitual la tabla.
4. En muchas ocasiones adoptan la forma de díptico, tríptico y político,
en cuyo caso las tablas laterales están decoradas también por fuera,
generalmente con escenas en tonos grises (grisallas) que imitan el
modelado escultórico gracias a unos poderosos sombreados y a la
perspectiva lineal.
5. El detallismo llega a la minuciosidad más absoluta, de manera que en
los cuadros aparecen auténticas miniaturas (relacionado con la aparición
de lentes de aumento y el uso de pinceles muy finos). Esto se explica por
la contemplación de la obra de arte y el gusto realista de los
burgueses.
6. El naturalismo con que son representados objetos y personajes. La
sensación de realismo se consigue con técnicas como la perspectiva
aérea, el reflejo de la luz sobre los objetos, la profundidad, el
retratismo en cada rostro o la incorporación de ventanas abiertas, que
permiten ver e imaginar el mundo exterior o que queda más allá de la
escena. Todos estos detalles fueron posibles gracias al dominio de la
técnica del óleo y a un control microscópico del pincel.
7. El amor por el paisaje urbano, no como tema, pero sí como fondo, que
permite contemplar vista de la ciudad y las actividades de sus habitantes,
ligadas a la artesanía y al comercio.
8. La recreación de los ambientes burgueses en los ropajes y objetos que
se incluyen en la escena independientemente de que el tema sea
religiosos o profano.
9. La aparición del retrato. El arte refleja la realidad social, política y
religiosa del momento (surgimiento de una clase media acomodada,
encargos privados que piden resaltar la opulencia).
10. Otra de las características de las pinturas flamencas del siglo XV es
la incorporación de un importante simbolismo.
11. Pliegues en los vestidos (pliegues de hojalata).

Ejemplo: Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck