EL ARTE DE ACCIÓN: HAPPENING, PERFORMANCE Y FLUXUS.

-
Con precedentes en las veladas futuristas, dadaístas o surrealistas, surge en los años 60 y se
acepta como arte en los años 70.
Objetivo: liberar al arte de su carácter económico haciendo obras que no son objetos, sino
acontecimientos.
Supone: acercamiento del arte a la vida,
presionar los límites del arte tradicional (pintura y escultura), introduciendo y
mezclando elementos de todas las manifestaciones artísticas: teatro, danza,
música, pintura, esculturas, etc.
Nueva concepción de artista y de público. El artista es un mediador que con
distintos medios (pintura, escultura, vídeo, danza, teatro, cine, sonidos, etc.)
expone una situación que el espectador ha de interpretar, vivir, sentir,
experimentar, incluso participar. Al espectador se le exige una empatía, que sea
capaz de interpretar esos acontecimientos y llevarlos después a otros terrenos.
Incluye: distintos tipos de manifestaciones (happening, la performance, el fluxus y accionismo
vienés); con características propias, pero muchos elementos en común. Esto implica
dificultades
para distinguir cada uno de estos movimientos, porque además los mismos artistas realizan
accione que pueden ser performances, happenings, etc.:
Relación con el body art donde el artista trabaja con su cuerpo de distintos modos, a veces a
través de acciones corporales que se realizan delante de un público.
EL HAPPENING .-
Kaprow, que fue el primer artista en realizar un happening, lo define como “acontecimiento”,
como algo que “simplemente sucede que sucede”.
Es la extensión de un “ambiente” artístico (una obra que no es un objeto, sino la recreación de
un
ambiente, la apropiación creativa de un espacio).
El artista desarrollar una acción, y se puede acompañar de objetos artísticos, de olores, de
vídeos, danza, etc. con el fin de estimular los sentidos y el instinto del espectador. Sería una
especie de representación teatral, donde el espectador no es un simple mirante, sino que se le
exige una participación plena. Sin la participación del espectador no hay happening.
Características:
-es una acción previamente organizada, pero ha de intervenir el azar.
-la estructura fija que haya preparado el artista, puede variarse finalmente según la
intervención
del espectador.
-importa menos el contenido que se quiere transmitir, y más que el espectador asuma nuevas
formas de percepción y de comportamiento, que tenga la conciencia abierta a –tiene, por
tanto,
significados múltiples en función de las asociaciones que haga cada espectador.
-importante crear un estado receptivo en el espectador. Según Marchán Fiz, el espectador
pasaría
por dos momentos distintos: de irritación inicial, que va unido al efecto sorpresa, momento en
que el espectador asume los objetos y elementos que se le ofrecen; un segundo momento de
distanciamiento, en que se cuestiona la irritación inicial, hace una autocrítica, busca el lado
constructivo.
- lo que busca finalmente un happening es la crítica a la sociedad de consumo, la crítica a un
mundo que está previamente dirigido y que no deja vía libre a los instintos, a la imaginación.
Busca dar vía libre a los contenidos alucinatorios, reprimidos o neutralizados por la industria y
la
cultura, dar rienda suelta al mito, a lo mágico que tiene por sí mismo el hecho artístico.
-ligeras diferencias entre happenings europeos y americanos: los europeos suelen ser muy
rituales, dar salida a la parte más reprimida.
LA PERFORMANCE
La performance bebe de las fuentes del happening, del arte corporal, de la danza, la música, el
teatro, los medios tecnológicos y las artes plásticas.
Características propias:
- Se realiza delante de un público que generalmente es pasivo. El escenario puede ser lo
mismo un teatro, una sala de una galería de arte, una vía pública, un estudio, etc.
- Suele tratarse de una realización individual, o de pequeños grupos, en los que el artista no
representa ningún papel, solo se expresa a través del cuerpo, de los gestos, para
transmitir determinadas ideas, ayudándose también de medios técnicos sobre todo de la
música y de imágenes proyectadas con vídeo y a veces dejándose llevar por la
improvisación.
- Suele acompañarse de vídeos, música experimental, sonidos realizados por todo tipo de
instrumentos. De hecho, el precursor de la performance fue un músico, John Cage, que
desde 1937 reivindicaba los ruidos como futuro de la música, capturando ruidos cotidianos
con los que hacía composiciones muy originales. En sus conciertos (uno de ellos lo hizo en
el MOMA de N.York) la gente culta pero abierta a la experimentación escuchaba como sus
músicos tocaban cencerros, botellas, campanas, láminas de metal, etc. Un concierto-
performance de Cage, en 1952, fue 4’33’, que consistió en cuatro minutos y 33 segundos
de ausencia de música, siendo la música, en realidad, todos los sonidos que hizo el público
mientras tanto. Otra actuación de Cage precursora de la performance fue su “Acto sin
título” en el que distintos intérpretes: músicos, pintores, bailarines, etc., -Los contenidos
de la performance varían en función del artista, de la zona y de la época. En sus orígenes
eran más improvisadas y azarosas, con mucho contenido crítico; posteriormente, sobre
todo a partir de los años 80, tendrán un gran carácter espectacular, con un espíritu muy
profesional, llegando a ser difusa la diferencia entre performance y teatro, y siendo mucho
menos críticas.
REPRESENTANTES AMERICAN
EL BODY ART.
Características:
-es un arte procesual, porque intenta explorar la transformación y el cambio de un objeto –en
este caso el cuerpo- a través de su sometimiento a distintas acciones. No importa tanto el
resultado como el proceso en que se desarrolla.
-el arte de acción porque se va a utilizar el cuerpo para realizar o someterse a distintas acciones,
existiendo además un gran componente crítico.
-Los actos del body art quedan plasmados en fotografías, vídeos o filmes.
-el body arte europeo se caracteriza porque el cuerpo se somete a acciones muy dramáticas y
masoquistas que cuyos testimonios son fotografías. Bebe del dramatismo y misticismo de la
religión cristiana y de su idea de la redención a través del dolor y la mortificación del cuerpo, de
lo que han sido ejemplo los múltiples suplicios de santos y mártires, y la propia crucifixión de
Cristo, infinitamente representados a lo largo de la historia del arte. También es un body art de
una fuerte carga política.
-el body art norteamericano se caracteriza porque hay cierta implicación del espectador y del
tiempo en la obra, por eso, las acciones que se realizan con el cuerpo son grabadas en vídeo en
lugar de dejar como testimonio las fotografías. Son más conceptuales y minimalistas.
-Tendencias:
-body art expresionista y antropológico. Interesa el cuerpo por sí mismo, como material
artístico, para que el artista se exprese. Los artistas tratan al cuerpo como lo más genuino
del ser humano, y se intentan encontrar a sí mismos a través de las acciones que
desarrollan sobre su propio cuerpo. En muchos casos consideran su cuerpo como una obra
de arte y trabajan sobre él como si fuera otro soporte. No se busca establecer una
comunicación con el espectador, salvo el impacto emocional que producen las acciones.
Esta modalidad es la más acorde con el body europeo y está muy en relación con el
accionismo vienés, porque se ha centrado mucho en el sometimiento al cuerpo a distintos
tipos de lesiones como marcas, incisiones, cortes, incluso amputaciones. En general, la
mayoría de los artistas del body, no solo los europeos, han practicado esta tendencia y en
algunas ocasión. Además, fue una tendencia típica en los inicios del body, que se fue
abandonando después hacia experiencias más conceptuales. Es la forma de body art es la
más reivindicativa porque en el fondo lo que se intenta es rechazar radicalmente la imagen
del cuerpo fetichista y al cuerpo como generador de diferencias que está generándola
propaganda comercial. Este tipo de cuerpo fetiche es sólo pantalla que no refleja la

Acción
La performance es también un arte, claro. Pero es un arte imprevisible, efímero e intenso. Algo
así como el siglo XX que la vio nacer.

Es actuar para buscar una reacción por parte del público, buscar el asombro o la provocación. La
obra ya no es un objeto (algo que lo relaciona con el arte conceptual), ahora la obra es el sujeto.

Actuar, por supuesto, se lleva haciendo desde hace milenios. Fueron las vanguardias del siglo
XX las primeras en acercarse al arte. Los futuristas, constructivistas, dadaístas y surrealistas
hicieron exhibiciones como arte o para complementar su obra o sus propuestas.

Pero para encontrar el origen del termino arte en acción hay que remontarse a los años 50 en el
Black Mountain College de Carolina del Norte, donde el músico John Cage y el coreógrafo
Merce Cunningham -entre otros- protagonizaron algunas de esas acciones que, más tarde, se
llegarían a considerar como auténticos happenings.

Por cierto, un happening se diferencia de la performance en que carece de comienzo, ni medio,

Los happenings desencadenarían en las performances, que requieren la presencia tanto del artista
como de espectadores para llevar a cabo sus obras (las principales corrientes: Fluxus, el Body
Art, el Accionismo vienés…). Estas acciones necesitan por lo general accesorios y un guion más
o menos preciso, aunque desde luego la improvisación es casi necesaria. No se deja todo al azar
en una performance, pero el caos está ahí siempre a la vuelta de la esquina.

Tanto el happening (acontecimiento, suceso) como la performance necesita la participación de

Ahora la crítica…
Lo cierto es que la mayoría de acciones artísticas se disfrazan con argumentos para ocultar su
vacío. Sin estos argumentos, jamás podrían ser vistas como arte. Y los argumentos débiles para
cuestionamientos fáciles están a la orden del día.

Cada vez son obras más repetitivas, que a veces rozan el ridículo (sobre todo las más serias),
investigan sobre obviedades y a menudo se llegan a conclusiones artificiales.

La mayoría de ellas no aportan nada, ni al arte, ni a la experiencia estética. Cada vez son más
políticamente correctas, ya no provocan, que era el objetivo incial. Fue un movimiento que
surgió para romper (como todos los movimientos del arte), y que no requería de comprensión,
pero ha degenerado en obras que acumulan explicaciones y discursos vacíos.

En muchas vemos la multiplicación de propuestas en las que se evade la responsabilidad de

Estamos, por así decirlo, ante un movimiento en decandencia. Pero el cuerpo sigue ahí. El cuerpo
siempre ha sido para el arte una herramienta y objeto de estudio. Así que no perdamos la
esperanza. La acción artística siempre seguirá ahí. Lo que hay que hacer es superar la
mediocridad y llevarla a algo nuevo. Hacer que evolucione el arte.