GOYA

Goya (1746 - 1828)

1. Contexto histórico y función

 Su obra es un documento histórico de la transición:

o Del Antiguo Régimen al liberalismo
o Del despotismo ilustrado de Carlos III, a la crisis monárquica de Carlos IV
o Guerra de la Independencia
o División entre absolutistas y liberales
 Segunda mitad del s. XVIII:
o Llegada de las ideas ilustradas a España
o Goya critica los problemas:
 Económicos, sociales, políticos
 Ignorancia, superstición, vicios de la Iglesia, situación de la mujer
o Se muestra como un:
 Ilustrado
 Amante de las libertades
 Humanista auténtico
o Desde el punto de vista filosófico y moral:
 Crítica pesimista y dura del ser humano (ambiciones, crueldad,
supersticiones)
 Uso de ironía y sarcasmo
 Da a su obra un significado universal

2. Análisis técnico y formal

 Estilos artísticos: en la encrucijada del rococó, neoclasicismo y romanticismo

o Su obra es inclasificable
 Técnica:
o Predomina la pintura al óleo
o También realiza pinturas murales al fresco
o Excelencia en grabados (aguafuertes, aguatintas...) y dibujos
 Color:
o Evolución de una paleta colorista (optimismo inicial)
o Hacia manchas que disuelven formas y predominio de ocres y negros
(pesimismo final)
 Temática variada y abundante:
o Retratos
o Temas costumbristas
o Pintura religiosa
o Pintura histórica
o Fantasías
o Tauromaquias
o Crítica social
3. Obras

Etapa de aprendizaje (1759-1792)

 Contexto:
o Entre Zaragoza y Madrid
o Viaje a Italia (1770)
o Trabajo para la Real Fábrica de Tapices
o Pintor del rey Carlos III (1786)
 Características:
o Visión optimista de la vida
o Evolución del rococó al neoclasicismo
o Pincelada cada vez más suelta
o Temas costumbristas o populares (impuestos por el gusto de la época), estilo
cada vez más personal
 Obras destacadas:
o El quitasol
o La pradera de San Isidro
o El obrero herido: muestra preocupación social
o Retratos: La familia del Duque de Osuna

Crisis personal (1792-1808)

 1792: Enfermedad → queda sordo

o Cambio radical:
 Pintura más original y pesimista
 Experimentación con nuevos temas y materiales
 Dibujo quebrado, pincelada más suelta y rápida, colores más oscuros
 Obras destacadas:
o Gaspar Melchor de Jovellanos (1782-83)
o Hasta su abuelo (1797-98)
o ¡Que viene el coco! (1797-99)
o Los Caprichos (1797-1798)
o Retratos: Jovellanos, Duquesa de Alba, Condesa de Chinchón, Familia de Carlos
IV
o La familia de Carlos IV (hacia 1800)
o La Maja Vestida y La Maja Desnuda:
o Frescos de San Antonio de la Florida: personajes de las clases humildes

La Guerra de la Independencia (1808-1814)

 Contexto histórico:
o Ocupación francesa → José I rey
o Levantamiento del 2 de mayo de 1808
o Goya: entre ideas liberales y afrancesadas, jura fidelidad a José I
o Desencanto por lo que ve → Guerra como cúmulo de tragedias
  Características:
o Temática violenta, terrible, desagradable
o Luz casi inexistente
o Colores ocres y negros
o Pincelada suelta, abierta, pastosa
 Obras destacadas:
o Los Desastres de la Guerra (grabados, aguafuertes): como un corresponsal de
guerra
o El dos de mayo / La carga de los mamelucos (1814)
o Los fusilamientos del tres de mayo (1814):

Posguerra (1814-1824)

 Retorno de Fernando VII → absolutismo

 Goya cada vez más aislado
 Se refugia en una pintura:
o Personal, surrealista y fantástica
o Trazos gruesos y colores oscuros
 Obras destacadas:
o Retrato de Fernando VII (1814)
o Serie "Tauromaquia" (aguafuerte, aguatinta y punta seca)
o Los Disparates:
 Imaginación extraordinaria
 Crítica social y anticlerical
 Aparecen monstruos y demonios
 Modo de volar, Disparate fúnebre, Disparate matrimonial (1815-23)
 Pinturas negras:
o Pintadas en su casa “Quinta del Sordo”
o Sobre paredes, con total libertad creativa
o Representan la crónica negra de España y la oscuridad del subconsciente
o Color negro predominante, matizado con ocres terrosos
o Técnica: manchas pastosas, prácticamente sin pincelada
 Obras negras destacadas:
o Saturno devorando a su hijo (1820-23)
o Perro semihundido (1820-23)
o El aquelarre o El gran cabrón (1820-23)

Exilio en Burdeos (1824-1828)

 Tras el trienio liberal y retorno al absolutismo

 Se autoexilia en Burdeos
 Última etapa:
o Mayor luminosidad
o Predominio de los azules
o Pincelada suelta
o Captación de la luz y atmósfera
o Avanza el impresionismo
 Obra destacada:
o La lechera de Burdeos
4. MODELOS E INFLUENCIAS

Influencias directas

 Velázquez:
o Perspectiva
o Luz
o Libertad del pincel
 Rembrandt:
o Influencia en el grabado
o Perfección del claroscuro
o Interés por los autorretratos

Características comunes con Velázquez y Rembrandt

 Voluntad realista y naturalista

 Alejamiento del idealismo neoclásico

Avance al romanticismo

 En los cuadros históricos:

o Movimiento y dolor
o Goya se adelanta al romanticismo de Delacroix, que lo admira por su:
 Tratamiento libre y vivo del color

Influencia en el impresionismo

 Pinceladas sueltas
 Contrastes cromáticos
 Influencia directa en Édouard Manet:
o Olympia (1863)
o Ejecución del emperador mexicano Maximiliano en Querétaro (1867)

Admiración de Picasso

 Pablo Ruiz Picasso:

o Masacre en Corea (1951)

Avance de movimientos posteriores

 Expresionismo moderno:
o Deformación de la realidad sensitiva para expresar el interior (especialmente
en las Pinturas Negras)
o Influencia en: Nolde, Munch...
 Surrealismo:
o Introducción del tema de los sueños
 o Presencia de seres monstruosos y deformados

Influencia en las vanguardias del siglo XX

 Paul Klee
 Kandinsky
 Pintores abstractos

EL QUITASOL

1. Ficha técnica

 Cronología: Hacia 1778

 Estilo: Neoclásico con influencias del Rococó
 Tipología: Pintura (cartón para tapiz trasladado a óleo sobre lienzo)
 Localización: Museo del Prado, Madrid
 Autor: Francisco de Goya
 Remitente: El cartón formaba parte de una serie de tapices destinados a decorar el
comedor del infante don Carlos, futuro Carlos IV
 Materiales: Inicialmente cartón, luego óleo sobre lienzo

2. Contexto histórico

Goya realiza esta obra en una primera etapa artística marcada por el optimismo ilustrado y la
influencia francesa. En esta fase aún cree en los ideales de progreso y belleza promovidos por
la Ilustración. No obstante, la situación política europea, especialmente el miedo a los sucesos
revolucionarios en Francia, hará que este espíritu evolucione hacia un mayor pesimismo,
intensificado más adelante por su sordera. Esta obra pertenece aún al momento más luminoso
de su trayectoria.

3. Descripción formal

Composición

 Composición cerrada, delimitada por un árbol y un muro, lo que concentra la atención

en los personajes centrales.
 Disposición simétrica centrada en la pareja.
 El punto de tensión del cuadro es el rostro de la joven, matizado por tonos verdes
debido al reflejo de la sombrilla.
 Se aprecia una estructura triangular que enmarca a la joven, aportando estabilidad y
serenidad.
 Uso de líneas diagonales:
o Mano con abanico y mango de la sombrilla (continuación de la línea del muro).
o Diagonal del árbol que forma una V con las anteriores y enmarca las nubes.
 El rostro de la mujer aparece enmarcado en una forma ovalada.
Personajes e iconografía

 Escena costumbrista, con una joven probablemente aristócrata vestida a la moda

francesa que mira de forma seductora al espectador.
 A su lado, un joven vestido como "majo" le da sombra con una sombrilla verde.
 En su regazo, un perrito negro con lazo rojo, símbolo de fidelidad y compañía, que
parece dormido.
 La escena remite a la moda galante francesa, pero con un aire más espontáneo y
alegre.

Luz y color

 La luz tiene gran protagonismo:

o La sombrilla crea sombras y matices sobre el rostro de la joven.
o El sol ilumina otras partes con fuerza, generando tonos amarillos brillantes que
dotan a la escena de alegría.
 Uso de colores pastel, típicos del rococó:
o Amarillo y azul en la ropa de la joven.
o Verde en la sombrilla.
o Tonos ocres en el majo.
o Contrastes visibles en el hombro del majo y el cuello de la joven.
 La pincelada empieza a ser suelta, especialmente perceptible en el pelaje del perrito.

Profundidad y ritmo

 La profundidad está reducida, aunque se insinúa mediante:

o El paisaje vaporoso al fondo (uso de sfumato).
o La dirección del mango de la sombrilla.
 El ritmo es algo estático, pero se genera movimiento a través del juego de miradas:
o El joven mira a la joven, y ella al espectador.

4. Modelos e influencias

Influencia de la pintura francesa del siglo XVIII, especialmente la pintura galante y decorativa.

Comparación destacada con la obra de Jean Ranc, Vertumno y Pomona (1710-1722), por su
parecido en la disposición de los personajes y el aire idílico.

LA FAMILIA DE CARLOS IV

1. Ficha técnica

 Título: La familia de Carlos IV

  Autor: Francisco de Goya (1746-1828)
 Cronología: 1800-1801
 Estilo: Neoclasicismo (con influencias propias, ya que Goya no puede adscribirse
plenamente a ningún estilo)
 Técnica: Óleo
 Soporte: Tela
 Dimensiones: 218 × 336 cm
 Ubicación original: Palacio Real de Madrid
 Ubicación actual: Museo del Prado, Madrid

2. Contexto histórico

Goya realiza este retrato colectivo en un momento de gran importancia política. España está
gobernada por Carlos IV, un rey de carácter afable pero ineficaz, y la reina María Luisa de
Parma, figura muy influyente y dominante. El futuro Fernando VII, heredero al trono, aparece
representado con presencia destacada, anticipando su papel protagonista en acontecimientos
como el Motín de Aranjuez (1808), donde destrona a su padre.

Esta obra continúa la tradición de los retratos reales oficiales, pero Goya introduce en ella
elementos críticos e irónicos, inspirándose claramente en Las Meninas de Velázquez, como se
observa en el autorretrato del propio Goya al fondo.

3. Descripción formal

 Composición
 Disposición en friso: los personajes aparecen yuxtapuestos, aparentemente en el
mismo plano, como en un friso clásico.
 Jerarquía protocolaria:
o María Luisa, la reina, en el centro y con más luz, como verdadera figura de
poder.
o El rey Carlos IV, desplazado a un lado.
o El príncipe Fernando, futuro Fernando VII, en posición adelantada, destacando
su papel.
o Varios miembros de la familia real distribuidos ordenadamente.
 Goya aparece al fondo, a la izquierda en penumbra, mirando al espectador.
 Fondo neutro y sencillo: habitación vacía con pocos elementos para no distraer la vista.

Luz y color

 Foco de luz situado a la derecha, iluminando principalmente las figuras centrales.

 Juego de luz y sombra que da volumen y dramatiza la escena.
 Gran detallismo en vestidos, joyas y condecoraciones.
 Colores trabajados:
o Predominio de blancos y dorados, armonía con rojizos y azules.
 o Contrastes sutiles entre luminosidad y zonas en penumbra (como el rostro de
Goya).

Pintura y formas

 Pincelada suelta y vigorosa, típicamente goyesca.

 El dibujo no es prioritario; Goya apuesta por la verosimilitud y el naturalismo, evitando
la idealización.
 Tratamiento expresivo de los rostros y actitudes, mostrándolos “tal como son”.

4. Iconografía y personajes

 Carlos IV: representado como un hombre sencillo, de buen corazón pero incapaz de
gobernar, mirando distraídamente.
 María Luisa de Parma: dominante y poderosa, en el centro y fuertemente iluminada;
rasgos faciales duros, con intención crítica de Goya.
 Fernando VII: altivo y vanidoso, con vestido de gala, ya con actitud de poder; oculta a
su hermano pequeño Carlos María Isidro, prefigurando el futuro conflicto dinástico.
 Los hijos: representados con ingenuidad infantil, tratados con dulzura por Goya.
 Figura sin rostro: la futura esposa de Fernando VII, aún desconocida en el momento de
la pintura.
 María Josefa: hermana soltera del rey.
 Los duques de Parma, infantas y el nieto Carlos Luis también están representados.
 Autorretrato de Goya: aparece a la izquierda, entre sombras, como un homenaje a
Velázquez y para autorrepresentarse como observador crítico.

5. Modelos e influencias

 Influencia directa de Las Meninas de Velázquez:

o Composición con pintor incluido dentro del cuadro.
o Reflexión sobre el papel del artista en la corte.
 Ruptura con el retratismo oficial idealizado: Goya opta por el realismo crudo, casi
psicológico, anticipando la pintura contemporánea.

La carga de los mamelucos o El dos de mayo de 1808

1. Ficha técnica

 Título: La carga de los mamelucos o El dos de mayo de 1808

 Autor: Francisco de Goya
 Cronología: 1814
 Estilo: Romanticismo (con elementos expresivos que anticipan el expresionismo)
 Técnica: Óleo
 Soporte: Lienzo
 Dimensiones: 268 x 347 cm
 Localización actual: Museo del Prado, Madrid
2. Contexto histórico

El cuadro representa los hechos del 2 de mayo de 1808, cuando el pueblo de Madrid se alzó
contra las tropas napoleónicas. En concreto, Goya pinta el enfrentamiento entre civiles
madrileños y los mamelucos, soldados egipcios al servicio de los franceses. Aunque la escena
se desarrolla en este contexto histórico, Goya la pinta años más tarde, en 1814, después de la
Guerra de la Independencia, como parte de una denuncia de la barbarie y la violencia del
conflicto.

En este momento, Goya vive un conflicto interno entre sus ideas afrancesadas e ilustradas y su
patriotismo. Este dilema se refleja en una obra que, más que exaltar el heroísmo, pone el foco
en la violencia irracional y el caos.

3. Descripción formal

Composición

 Gran dinamismo a través de diagonales, curvas y escorzos: todo se mueve, todo es

acción.
 Composición centralizada en el combate cuerpo a cuerpo, con figuras mezcladas en
plena lucha.
 En el centro: un mameluco cae muerto del caballo, pero un patriota continúa
apuñalándolo, mientras otro hiere con furia al caballo, que simbólicamente no es el
enemigo. Esta escena expresa la pérdida del control y la irracionalidad.
 Figuras sobre el suelo, brazos extendidos, anticipan composiciones como las de El 3 de
mayo o Los desastres de la guerra.

Tratamiento de la luz y el color

 Colores contrastados y pinceladas amplias y rápidas, propias del Goya maduro.

 El uso del rojo de la sangre está estratégicamente distribuido para acentuar el
dramatismo.
 El caballo central tiene la cabeza verdosa, un recurso expresivo que refuerza la
sensación de irrealidad y tensión.
 Fondo difuminado, con la ciudad de Madrid casi desvanecida, como si el mundo
desapareciera ante la violencia.

Expresividad

 Rostros desencajados, tanto de los hombres como de los caballos, que muestran terror,
ira o desesperación.
 Es una obra que “grita” en silencio, llena de gestos tensos, ojos abiertos, movimientos
rotos.
  Todo el cuadro parece impregnado de rabia y urgencia, como si hubiera sido pintado
con la misma pasión del momento que representa.

4. Iconografía y significado

Aunque podría parecer una exaltación del patriotismo, Goya nos muestra una crítica profunda
a la guerra. El pueblo madrileño aparece como una masa enfurecida, que lucha con armas
rudimentarias contra soldados profesionales. No hay héroes, sino una masa desesperada que
actúa por instinto.

Los caballos también expresan terror, con los ojos abiertos y las bocas abiertas, como si
también fueran víctimas del caos. Goya consigue así una visión universal de la guerra: nadie
gana, todos sufren.

5. Modelos e influencias

 Influye directamente en el Romanticismo, especialmente por el énfasis en la emoción,

el movimiento y la libertad expresiva.
 También se considera antecedente del Expresionismo, por el tratamiento de los rostros
y el impacto emocional.
 Relacionada con la serie posterior de Los desastres de la guerra, donde Goya llevará
aún más lejos esta denuncia visual de la barbarie.

Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808

1. Ficha técnica

 Cronología: 1814
 Estilo: Neoclásico – Romántico (Goya es difícil de clasificar)
 Tipología: Pintura histórica
 Localización: Museo del Prado (Madrid)
 Autor: Francisco de Goya y Lucientes (1746–1828)
 Comitente: Gobierno de la Regencia de las Cortes de Cádiz (1814)
 Técnica y soporte: Óleo sobre lienzo
 Dimensiones: 2,68 x 3,47 m

2. Contexto histórico

Remitente

 La obra fue un encargo del gobierno de la Regencia de Cádiz en 1814, tras la expulsión
de las tropas napoleónicas, para conmemorar la insurrección popular contra los
franceses.

Momento histórico
  Representa los fusilamientos del 3 de mayo de 1808, en represalia por la revuelta del
día anterior, hecho que marcó el inicio de la Guerra del Francés (Guerra de la
Independencia Española).

3. Descripción formal

Composición

 Dividida en dos grupos claramente diferenciados:

o A la izquierda, los condenados, con posturas diversas (resignación, horror,
plegaria, desafío).
o A la derecha, los soldados franceses, anónimos y de rostro oculto, en
formación rígida.
 Al fondo, edificios oscuros en penumbra (posiblemente el cuartel del Conde-Duque).
 Hay tres fases dentro del grupo de víctimas: presos que llegan, ante el paredón, y ya
fusilados.

Luz y color

 Único foco de luz: farol en el suelo, que ilumina al patriota con brazos abiertos (centro
de la composición).
 Colores cálidos a la izquierda, fríos y oscuros a la derecha.
 Contrastes de luz y sombra (claroscuro) dramáticos para destacar la escena.

Pincelada y gama cromática

 Pincelada suelta y vigorosa, con poca importancia al dibujo.

 Gama cromática reducida: ocres, negro, blanco, amarillo, rojo.
 El color ayuda a marcar el dramatismo y el patetismo de la composición.

Detalles simbólicos

 El hombre con camisa blanca y brazos abiertos: símbolo de la libertad, de la redención

laica, figura mesiánica.
 Reproducción de la postura de Cristo en la cruz.
 El muerto con los brazos abiertos en el suelo, dentro de un charco de sangre, refuerza
el dramatismo.

4. Interpretación

 Obra de denuncia contra la guerra y la represión napoleónica.

 Metáfora universal del sufrimiento del pueblo ante la máquina de guerra.
 Crítica al anonimato y deshumanización de los soldados.
 Defensa de la libertad y del pueblo español como protagonista.
  Considerada precursora del Romanticismo y símbolo antibelicista (como el Guernica de
Picasso).
 Supera el relato histórico para convertirse en una alegoría universal de la lucha contra
la tiranía.

5. Entorno e integración

Acción situada en la montaña del Príncipe Pío de Madrid.

Fondo arquitectónico: edificios en penumbra, especialmente el cuartel del Conde-Duque.

6. Modelos e influencias

Influencias recibidas por Goya

 Velázquez: libertad pictórica, luz y perspectiva (Las Meninas).

 Rembrandt: uso del claroscuro, naturalismo, introspección y autorretratos.

Influencias posteriores de Goya

 Manet: Ejecución de Maximiliano (1867).

 Picasso: Masacre en Corea (1951), Guernica.
 Inspiró el romanticismo, el impresionismo (por las pinceladas sueltas y contrastes
cromáticos), y el expresionismo (por la deformación de la realidad para expresar
sentimientos).

DESASTRE N15- Y NO HAY REMEDIO

Ficha Técnica

 Cronología: 1810-1814
 Localización: Museo del Prado, Madrid
 Autor: Francisco de Goya
 Estilo: Romántico
 Tema: Histórico
 Técnica: Aguafuerte, punta seca, buril y bruñidor.

Contexto Histórico

 Guerra de la Independencia Española (1808-1814): Período de gran conflicto y crisis del

Antiguo Régimen.
 Goya como testigo: Plasmó los horrores de la guerra en la serie Los Desastres de la
Guerra.
 Serie de grabados: Realizada entre 1810 y 1814, durante la ocupación francesa de
Madrid.
 Proceso de creación: Los grabados fueron hechos de forma secreta debido a la
represión francesa. No fueron publicados hasta 1863, después de la muerte de Goya.

Descripción Formal
Composición

 Escena representada: Un fusilamiento, tema recurrente en Los Desastres de la Guerra.

o Tres planos:
 Primer plano: Patriota atado, vendado, con la cabeza ladeada,
resignado a su destino. Figura central destacada por color y
proporción, transmite soledad y dramatismo ante la muerte.
 Fondo: Pelotón de soldados franceses ejecutando a patriotas,
deshumanización destacada al no ser reconocibles sus rostros.
 Suelo: Figura de patriota ya ejecutado, postura similar a la de Los
Fusilamientos del Tres de Mayo de Goya, mostrando el destino
inevitable de los patriotas.

Técnica y Uso del Color

 Colores: Ocre, gris y negro, con contrastes fuertes para aumentar la intensidad
dramática.
 Destacar figura central: Uso de blanco para la figura central, contrastando con los
soldados franceses, que se distinguen por sus uniformes.

Simbolismo

 Figura central: Icono de la soledad del hombre frente a la muerte.

 Ejecución y deshumanización: Resalta la brutalidad de la guerra, donde el ser humano
es reducido a una máquina de matar.

Entorno e Integración

 Contexto histórico del levantamiento español: En los primeros días de resistencia

contra los invasores franceses, las tropas napoleónicas ejecutaban a cualquier español
que se opusiera.
 Decretos de 1809: Consideraban a los patriotas como bandidos, justificando las
ejecuciones.
 Escenas recurrentes: Los fusilamientos fueron comunes en las estampas de la época.

Modelos e Influencias

 Experiencia personal de Goya: Influenciado por su testimonio directo de la guerra.

 Estilo y enfoque: Goya se aparta del neoclasicismo y se adentra en el Romanticismo,
buscando transmitir una visión visceral y emocional de los horrores de la guerra.

Interpretación

 Denuncia de la guerra: Goya muestra la violencia, el sufrimiento y la deshumanización

de los implicados.
 Visión de los horrores del conflicto: La obra refleja el impacto devastador de la guerra
sobre la humanidad.

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO

Ficha técnica:

 Cronología: 1820-1823
 Estilo: Mitológico, alegórico
  Tipología: Pintura de caballete
 Localización: Museo del Prado
 Dimensiones: 143,5 x 81,4 cm
 Género: Mitológico y alegórico
 Materiales: Pigmentos oscuros, especialmente en tonos negros, castaños, dorados y
rojos, características de las pinturas negras.

Contexto histórico:

Remitente: Francisco de Goya, un pintor español muy influyente, cuya etapa final estuvo
marcada por la desesperanza y el desengaño tras los duros años del absolutismo de Fernando
VII y su creciente decepción personal y política.

Goya pintó la serie conocida como "Pinturas Negras" en su casa junto al Manzanares, conocida
como "la Quinta del Sordo". Este periodo de su vida estuvo marcado por el dolor personal, la
muerte de su mujer y la mayoría de sus hijos, y su desilusión con la situación política de
España, lo que se refleja en la obra.

Descripción Formal:

Composición:

 Personajes principales: Saturno (Cronos) devorando a uno de sus hijos.

 Posición de Saturno: En el centro de la obra, emerge de una oscura sombra, con el
rostro grotesco, deforme y aterrador. El dios parece dominar la escena con una fuerza
monstruosa.
 Posición del hijo: El cuerpo de su hijo es adulto, pero inerte, con los colores de la carne
viva (rojo y blanco), contrastando con el color oscuro de la escena.

Expresión:

 Saturno: La expresión de Saturno es de locura, con los ojos desorbitados y la boca

abierta en una fiera mueca. Las manos de Saturno, que sostienen el cuerpo del hijo, se
incrustan violentamente en su carne.
 Hijo: El cuerpo del hijo muestra una anatomía naturalista, pero deformada por la
violencia de la escena, destacando el contraste entre los tonos de la carne y la sangre.

Color y pincelada:

 Predomina una gama de tonos oscuros, con blancos y negros y acentos de rojo en la
carne y sangre. La pincelada es rápida y enérgica, casi gestual, creando un efecto
dramático y sombrío.

Técnica:

 La obra se caracteriza por su técnica de manchas rápidas y gruesas, con un tratamiento

muy libre del color que anticipa el expresionismo y el surrealismo.

Entorno e integración:
  Esta obra forma parte de la serie de Pinturas Negras que Goya pintó directamente
sobre las paredes de su casa, la Quinta del Sordo, y fue trasladada a lienzo más tarde
en el siglo XIX, conservándose actualmente en el Museo del Prado.

Modelos e influencias:

 La imagen de Saturno es una reinterpretación oscura y deformada del mito clásico,

influyendo en futuras corrientes artísticas como el expresionismo. Goya, al crear una
figura monstruosa de Saturno, se aparta de la representación tradicional y se adentra
en una visión más sombría y trágica.
 Las Pinturas Negras como conjunto reflejan el pesimismo de Goya y su crítica a la
situación política de la época, especialmente el retorno al absolutismo tras la Guerra
de Independencia. La violencia y la desesperanza son temas recurrentes, lo que vincula
esta obra con su contexto personal y político.

Significado:

Saturno: En el mito, Saturno devora a sus hijos para evitar ser derrocado por uno de ellos. Esta
imagen puede interpretarse como una alegoría del tiempo (representado por Saturno) que
devora todo, incluida la propia vida del pintor. También se puede ver como una crítica a la
situación política de España, representando al hombre que destruye al hombre a través del
abuso de poder, el fanatismo y el autoritarismo, especialmente en relación con el retorno del
absolutismo bajo Fernando VII.

ROMANTICISMO

CRONOLOGÍA Y CONTEXTO HISTÓRICO DEL ROMANTICISMO

Origen y significado

 S. XIX, después de la caída de Napoleón.

 Reacción contra la Restauración y sus valores.
 Vinculado al liberalismo y al nacionalismo.
 Se fundamenta en la libertad y el individualismo.

Características generales

 Exaltación de:
o La sensibilidad, la imaginación y las pasiones.
o El individuo, el yo interior, la expresión de los sentimientos.
 Rechazo de la razón como único método de conocimiento.
 Influencias:
o Kant: el sentimiento como vehículo de conocimiento.
o Rousseau: amor por la naturaleza y las pasiones.
o Fitche: todo es creación del yo.

Temas
  Edad Media, leyendas, mitos nórdicos.
 Temas exóticos/orientales, pasiones amorosas, revoluciones.
 Paisajes violentos, accidentes, tormentas.

Implicaciones sociales y religiosas

 Crítica a las instituciones eclesiásticas.

 Defensa de una religiosidad íntima.
 El ser humano como solitario ante el destino.
 Pequeña y mediana burguesía como protagonistas sociales.

🎨 LA PINTURA ROMÁNTICA

Características generales

1. Predominio del color sobre el dibujo.

2. Luces y sombras muy contrastadas.
3. Composiciones dinámicas, gestos dramáticos.
4. Paisajes salvajes, naturaleza poderosa vs. hombre débil.
5. Temática de revoluciones, desastres, heroísmo popular.

🇫🇷 EL ROMANTICISMO FRANCÉS

🎨 Théodore Géricault (1791–1824)

 Vida corta e intensa.

 Influenciado por:
o Miguel Ángel (composición, desnudos).
o Caravaggio (claroscuro).
 Gran obra: La balsa de la Medusa (1818–1819)
o Temática actual (naufragio).
o Estructura: diagonal barroca + pirámide clásica.
o Tratamiento dramático y realista de la tragedia.
 Más tarde influido por Turner y Constable en Inglaterra (paisajes, caballos).

🎨 Eugène Delacroix (1798–1863)

 Formación neoclásica con Guérin, pero rompe con el neoclasicismo.

 Influencias: Rubens y los venecianos.
 Obras destacadas:
o La barca de Dante (1822)
o La matanza de Quíos (1824) – defensa de la independencia griega.
o La muerte de Sardanápalo (1827)
o La libertad guiando al pueblo (1830) – símbolo de la revolución francesa.
 Estilo: uso potente del color, composiciones convulsas y dramatismo.
 Fascinación por el Oriente tras su viaje a Marruecos.

La libertad guiando al pueblo

1. Ficha Técnica:

 Autor: Eugène Delacroix

 Estilo: Romanticismo
 Cronología: Primer tercio del siglo XIX (1830)
 Técnica y soporte: Óleo sobre tela
 Localización: Museo del Louvre, París
 Dimensiones: Gran formato (2,60 x 3,25 m)

2. Contexto Histórico y Artístico:

Época: Primera mitad del siglo XIX (1830)

 La obra se sitúa en el contexto de las revoluciones burguesas que se dieron en Europa

después de la caída de Napoleón y en reacción al regreso al Antiguo Régimen impuesto
por la Restauración tras el Congreso de Viena (1815).
 Se refiere específicamente a las "Tres jornadas gloriosas" de París (27-29 de julio de
1830), que pusieron fin al gobierno absolutista de los Borbones y dieron paso a una
monarquía parlamentaria bajo Luis Felipe de Orleans.

Autor: Eugène Delacroix (1798-1863)

 Delacroix es el pintor más emblemático del Romanticismo. Inició su formación en el

neoclasicismo, pero luego se inclinó por el Romanticismo, participando activamente en
los movimientos revolucionarios y en la cultura literaria y musical de la época.

Estilo: Romanticismo

 El Romanticismo es un movimiento artístico que surgió en Francia a principios del siglo

XIX, que rechazaba el materialismo burgués y la industrialización. Este movimiento
valoraba la emoción, la pasión y la individualidad sobre la razón y se identificaba con
los movimientos revolucionarios y nacionalistas.
 En la pintura romántica, se da un predominio del color sobre la línea, con pinzadas
rápidas y pastosas, composiciones dinámicas y el uso de la luz para acentuar el
cromatismo. La representación de hechos históricos contemporáneos también es un
tema frecuente.

3. Descripción Formal:

A) Elementos plásticos: la luz

 Luz violenta y expresiva.

 Dos fuentes:
o Una lateral que ilumina a los personajes.
o Una del fondo, que crea contraluces.
 Iluminación intensa sobre la figura de la Libertad y el cuerpo caído en primer plano.
 El fondo es muy claro, contrastando con las figuras en primer plano.
B) Composición

 Estructura piramidal:
o Vértice: el puño alzado de la Libertad con la bandera.
o Base: cuerpos muertos a ambos lados.
 Composición dinámica, superficial, asimétrica y abierta.
 Inspiración compositiva en La balsa de la Medusa de Géricault, pero invertida (las
figuras avanzan hacia el espectador).
 Planos:
o Primer plano: cuerpos muertos.
o Segundo plano: la Libertad, el burgués, el estudiante y el moribundo.
o Tercer plano: población luchando.
o Fondo: ciudad entre humo y niebla.
 Profundidad conseguida por:
o Superposición de planos.
o Perspectiva aérea.

C) El ritmo

 Muy dinámica y emocional.

 Pinceladas onduladas, líneas curvas.
 Gestos exaltados: personajes que arengan, expresan pasión.
 Ropas y cabellos movidos por el viento.
 Contrastes: muertos/vivos, quietud/movimiento.

D) El tiempo

 Instante histórico concreto (1830).

 Alegoría atemporal: la Libertad como símbolo eterno de los valores revolucionarios.

4. Interpretación

Temática o Iconografía:

 Tema histórico: representa los acontecimientos de las Tres jornadas gloriosas de París
en 1830.
 Combinación de realismo y alegoría:
o Realismo: en la representación de los distintos grupos sociales (proletariado,
juventud, burguesía).
o Alegoría: la figura femenina representa la Libertad, guiando al pueblo.

Significado:

 Es una de las primeras pinturas políticas modernas.

 Tiene un fuerte sentido propagandístico.
  Representa el espíritu revolucionario y la lucha por la libertad, anticipando un
Romanticismo más comprometido con la actualidad política y social.

Función:

 Inicialmente: propagandística, para movilizar la opinión pública.

 Actualmente: conmemorativa.
 Más que representar los hechos exactos, Delacroix quiere capturar el espíritu de la
revolución.

Encargo:

 Iniciativa personal de Delacroix.

 Expuesta en el Salón de París (1831).
 Comprada por Luis Felipe de Orleans, pero considerada demasiado incendiaria para
exhibirse públicamente.
 No se mostró hasta 1861.

5. Modelos e Influencias

 Influencias de grandes maestros: Rubens, Velázquez y Rembrandt.

 Formación en el Louvre y contacto con artistas y literatos románticos.
 Influencia compositiva clave:
o La balsa de la Medusa de Géricault.
o Ambas tienen estructura piramidal ascendente.
o Delacroix invierte la orientación: las figuras avanzan hacia el espectador,
implicando emocionalmente al público.

🌀 EL MODERNISMO

1. Cronología y origen

 Nace entre 1890 y 1910.

 Surge como reacción contra el historicismo académico.
 Propone una arquitectura decorativa con formas inspiradas en la naturaleza.
 Surge en una época dominada por la Revolución Industrial y la fabricación en serie.

💼 2. Contexto social

La burguesía industrial enriquecida demanda formas más refinadas que las que ofrece la
producción industrial.

🌍 3. Nombres del movimiento según países

 Art Nouveau → Bélgica y Francia

 Jugendstil → Alemania
 Sezessionstil → Austria
 Stile Liberty → Italia
 Modern Style → Inglaterra
  Modernisme → Cataluña

⭐ 4. Características comunes del Modernismo

 Ruptura definitiva con la tradición.

 Aprovechamiento de las técnicas y la industria modernas.
 Integración de las distintas artes: arquitectura, escultura, pintura...
 Reivindicación del trabajo artesanal.

🔄 5. Tendencias del Modernismo

A. Modernismo ondulante

 Uso de formas orgánicas y líneas ondulantes.

 Gran interés en la plasticidad de la obra.
 Se desarrolla especialmente en Bélgica, Francia y Cataluña.

B. Modernismo geométrico

 Uso de líneas más rectas y volúmenes prismáticos.

 Arquitecturas asimétricas.
 Más presente en Inglaterra y Austria.

6. Movimiento paralelo: Arts & Crafts

 Surge como revalorización del trabajo artesanal.

 Reacción contra la fealdad de los productos industriales.

🏺 7. Aplicaciones del estilo modernista

Se refleja en:

 Muebles
 Vidrios
 Diseños textiles
 Joyas

Numerosos objetos decorativos

🧑‍🎨 BIOGRAFÍA DE ANTONI GAUDÍ I CORNET (1852-1926)

📍 Origen y formación

 Nació en Reus.
 De pequeño, guardó reposo en el campo por una enfermedad articular → gran
observador de la naturaleza.
  En 1869 se trasladó a Barcelona, donde estudió arquitectura.
 Obtuvo el título en 1878.

👨‍👩‍👧 Vida personal

 Pérdida de su madre, hermano y hermana.

 Crió a su sobrina junto a su padre, que siempre vivieron con él.

Principales obras

 Casa Vicens (1883-1888)

 El Capricho en Comillas (Santander)
 Sagrada Familia
 Finca Güell (1887)
 Palacio Güell (1886-1889)
 Casa Botines en León (1891)
 Palacio Episcopal de Astorga (1889-1913)
 Casa Calvet en Barcelona (1898-1900)
 Casa Batlló (1905-1907), Barcelona.

⛪ Últimos años

 Desde 1914, abandona todos los proyectos para dedicarse exclusivamente a la Sagrada
Familia.
 En 1926, mientras trabajaba en ella, fue atropellado por un tranvía y falleció a los 74
años.

LA SAGRADA FAMILIA

1. Ficha técnica

 Cronología: Inicio en 1882; sigue en construcción. Finalización prevista hacia 2028.

 Estilo: Modernismo
 Tipología: Arquitectura religiosa. Consagrada como basílica.
 Localización: Barcelona
 Autor: Antonio Gaudí (retoma el proyecto en 1883)
 Remitente: Proyecto original del arquitecto Francisco de Paula del Villar;
posteriormente apoyado por la burguesía catalana. Gran mecenas: conde Eusebio
Güell.
 Materiales: Uso de materiales tradicionales y nuevos como hierro, vidrio, cerámica
para revestimientos.

2. Contexto histórico

Antonio Gaudí fue un arquitecto profundamente religioso, vinculado al modernismo catalán,

con una evolución artística muy marcada:

 1878–1900: Formación, estilo ecléctico e historicista. Obras como Casa de los Botines,
Palacio Episcopal de Astorga y El Capricho de Comillas.
  1900–1914: Madurez. Obras como Parque Güell, Casa Batlló, Casa Milà (La Pedrera),
Colonia Güell. Arquitectura viva y naturalista.
 1914–1926: Última etapa. Se dedica exclusivamente al Templo de la Sagrada Familia,
motivado por su profunda espiritualidad.

3. Descripción formal

a. Planta

 Planta de cruz latina con sentido longitudinal hacia el presbiterio y el altar.

 Cinco naves en el cuerpo principal y tres naves en el transepto.
 Deambulatorio con siete capillas radiales.

b. Fachadas

 Tres fachadas monumentales, con función simbólica:

o Fachada de la Natividad: Única completada por Gaudí. Representa el
nacimiento de Cristo.
o Fachada de la Pasión: Representa el sufrimiento y la muerte.
o Fachada de la Gloria: La más monumental; representa la resurrección y la vida
eterna. Contará con una escalinata y un surtidor de agua como símbolo de los
elementos naturales.
 Las fachadas están profundamente escultóricas y simbólicas, narran momentos clave
de la redención cristiana.

c. Torres

 El templo tendrá al finalizar 18 torres:

o 12 torres: dedicadas a los apóstoles (4 por cada fachada).
o 4 torres: dedicadas a los evangelistas (en el crucero).
o 1 torre central: dedicada a Jesucristo (en el cimborrio).
o 1 torre: dedicada a la Virgen María (en el presbiterio).
 Simbolizan a los pilares de la Iglesia.

d. Interior

 Inspiración natural: columnas como árboles inclinados cuyas ramas sostienen bóvedas.
 Bóvedas de formas parabólicas, helicoidales y ovaladas.
 Espacio longitudinal hacia el altar, pero también dinámico y envolvente, con gran
protagonismo de la luz y el color.
 La luz entra por los ventanales con vidrieras, por las cubiertas y por los espacios entre
las formas estructurales.

4. Entorno e integración

 Se encuentra en el centro urbano de Barcelona.

 Su verticalidad y monumentalidad destacan, pero el uso de materiales y formas
naturales la integran en el entorno.
  Gaudí adapta su arquitectura al entorno social y espiritual catalán de finales del siglo
XIX e inicios del XX.

5. Modelos e influencias

 Estilos medievales:
o Gótico: uso de bóvedas y verticalidad.
o Arquitectura islámica: por la importancia decorativa (uso de cerámica, juego de
luz y color).
 Naturaleza: fuente principal de inspiración. Las formas naturales son transformadas en
geometrías complejas: hélices, parábolas, curvas.
 Cristianismo y simbolismo místico: cada elemento tiene un significado espiritual.
 Modernismo catalán: reinterpretación de estilos antiguos, uso de nuevos materiales y
fuerte carga decorativa.
 Exaltación nacionalista catalana: promovida por la burguesía y aristocracia de la época.

LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES

1. Nuevas necesidades, nuevos materiales

 Paralelamente al historicismo, el progreso impulsa la búsqueda de respuestas a nuevas

necesidades
o Nuevos medios de transporte: estaciones de ferrocarril, de metro, obras
públicas.
o Nuevas industrias: nuevos edificios industriales.
o Aumento de la población: necesidad de construcciones rápidas y de bajo coste.
o Necesidades culturales: museos, bibliotecas, etc.
 Los nuevos materiales ofrecidos por el progreso tecnológico derivado de la Revolución
Industrial fueron utilizados
o Primero por los ingenieros.
o Después por los arquitectos, para dar respuesta a las nuevas necesidades.

2. Principales nuevos materiales

 Hierro colado: material de gran resistencia que permite crear grandes vigas para cubrir
amplios espacios.
 Vidrio: láminas de gran tamaño, utilizadas en invernaderos, estaciones, museos,
pabellones, etc.
 Hormigón (a finales del siglo): material que dominará la arquitectura del siglo XX.

3. Nuevos usos estructurales

 En el último tercio del siglo XIX:

o Las estructuras metálicas se usan como elemento de soporte.
o Los muros quedan limitados a elementos de cerramiento.
o El vidrio permite la entrada de luz, sustituyendo al muro.
4. Las Exposiciones Universales

 Organizadas para mostrar las innovaciones de la segunda Revolución Industrial.

 Se convierten en los mejores exponentes de esta arquitectura, ya que:
o Se necesitaban locales de grandes dimensiones para albergar diversidad de
productos, máquinas, inventos, etc.

Ejemplo emblemático:

 Crystal Palace de Joseph Paxton (1850-1851)

o Construido para la Primera Exposición Internacional de Londres, 1851.
o Considerado el paradigma de la arquitectura del hierro y del vidrio.
o Ejemplo de construcción efímera con gran desarrollo técnico.

5. Aplicaciones en las grandes ciudades industriales

 En el último tercio del siglo XIX, los nuevos materiales permiten la construcción de:
o Puentes, fábricas, edificios de oficinas, mercados, almacenes, estaciones de
ferrocarril, etc.
 Todo esto responde a las necesidades del desarrollo de las grandes ciudades
industriales.

6. Edificios funcionales y singulares

 A pesar del carácter mayoritariamente racional y funcional de la mayoría de

construcciones con nuevos materiales:
o También se realizaron edificios singulares y emblemáticos.

Ejemplo destacado:

 Bibliotecas de Henry Labrouste en París:

o Usó el hierro como elemento estructural y decorativo.
o Biblioteca de Sainte-Geneviève (1843-1861).
o Sala de lectura de la Biblioteca Nacional de Francia (1862-1868).

7. La Torre Eiffel

 Edificio más emblemático de la arquitectura con nuevos materiales.

 Construida en París entre 1887 y 1889 para la Exposición Universal de 1889.
 Torre Eiffel:
o Máximo exponente de la arquitectura del hierro.
o Deja a la vista los elementos estructurales.
o Se convierte en el símbolo del progreso y la modernidad.

TORRE EIFFEL
Ficha técnica

• Cronología: 1887-1889

• Estilo: Arquitectura de hierro (arquitectura metálica)

• Tipología: Arquitectura civil / Monumento para una Exposición Universal

• Localización: París, Francia

• Autor: Alexandre Gustave Eiffel (1832-1923)

• Persona que encarga la obra: Gobierno francés (Exposición Universal de 1889)

• Materiales: Hierro forjado, tornillos de hierro (remaches), piezas prefabricadas

• Otros datos: 18.038 piezas de hierro, 2,5 millones de remaches, 305 m de altura original
(actualmente 324 m con antena)

Contexto histórico

Remitente

La torre fue encargada como símbolo de la Exposición Universal de París de 1889, en

conmemoración del centenario de la Revolución Francesa (toma de la Bastilla, 1789). El
proyecto fue respaldado por el gobierno de Jules Ferry.

Situación de Francia

Tras la derrota en la batalla de Sedán (1870) y la pérdida de Alsacia y Lorena, Francia buscaba
reafirmarse internacionalmente. La nueva República era frágil, y la Exposición era una
oportunidad para mostrar el progreso tecnológico y la modernidad de la nación.

Eiffel y el proyecto

La idea original fue de los ingenieros Nouguier y Koechlin, trabajadores de Eiffel, pero él se la
apropió y buscó apoyo para construirla. Inicialmente, la propuso en Barcelona (Exposición de
1888), pero fue rechazada. Finalmente, se aprobó en París, y la torre se construyó entre 1887 y
1889, en tan solo 26 meses.

Descripción formal

Materiales y sistema constructivo

• Hierro forjado, montaje con piezas prefabricadas y tornillos.

• Construida como un mecano gigante.

• Sistema constructivo industrial propio del siglo XIX, fruto de los avances en siderurgia.
Estructura

• 4 grandes pilares apoyados sobre un cuadrado de 125 m por lado.

• Cada pilar se eleva curvándose hacia el interior, uniéndose en un único eje central.

• Forma parabólica que da sensación de verticalidad.

• Entramado de vigas para garantizar estabilidad frente al viento.

• Arcos enormes entre pilares para reforzar la base.

Espacio

• No se puede distinguir claramente el espacio interior del exterior.

• Tiene 3 plataformas:

• Primer piso a 57 m

• Segundo piso a 115 m

• Tercer piso a 274 m

Simetría y forma

• Simetría total.

• Forma piramidal y parabólica.

• Considerada prototipo de la arquitectura metálica.

Entorno e integración

• Situada en el Campo de Marte, cerca del río Sena.

• Diseñada para ser el arco de entrada a la Exposición Universal de 1889.

• Se integra como icono del paisaje parisino y símbolo de modernidad.

Modelos e influencias

• Arquitectura industrial del siglo XIX, con influencia clara del Crystal Palace (1851) de Joseph
Paxton en Londres.

• Los ingenieros, más que los arquitectos, lideraban el uso de nuevos materiales como hierro y
acero.

• Eiffel ya era reconocido por estructuras como el Puente María Pía (Portugal), el Viaducto de
Garabit (Francia), e incluso la estructura metálica de la Estatua de la Libertad (Nueva York,
1881).
Interpretación

La Torre Eiffel es el máximo exponente de la arquitectura metálica, símbolo del progreso

técnico y de la modernidad. Encarnaba los valores de la burguesía del siglo XIX: ciencia, técnica,
innovación.

A pesar de las críticas iniciales (especialmente de los intelectuales y artistas), se convirtió en un

símbolo nacional, y hoy en día es el monumento más emblemático de Francia.

IMPRESIONISMO

 Movimiento artístico rupturista que surge en Francia durante el último tercio del siglo
XIX. Su objetivo principal es captar la luz y el instante, es decir, "la impresión visual" de
un momento dado.
 En sus obras, la luz y la atmósfera son los protagonistas, más allá del tema, que tiene
un carácter anecdótico.

CONTEXT HISTÓRICO DEL IMPRESIONISMO

 Nace en Francia en el último tercio del siglo XIX, en pleno desarrollo de la segunda
revolución industrial, durante el período de la III República.
 Es un momento de gran desarrollo económico y cultural, con París como epicentro:
remodelación urbanística, exposiciones universales...
 Consolidación de la burguesía como grupo dominante con gran capacidad económica
(principales clientes de obras de arte).
 El mundo artístico gira en torno a los Salones, exposiciones organizadas por las
academias donde solo se exponían las obras seleccionadas oficialmente.
 Un período de grandes cambios culturales y científicos que influirán en los artistas,
originando nuevos movimientos artísticos.
 Dos innovaciones técnicas y científicas influirán directamente en el nacimiento del
Impresionismo: la fotografía y la teoría del color de Chevreul.

LA FOTOGRAFÍA Y LA TEORÍA DEL COLOR

 La fotografía captura la realidad con fidelidad perfecta, aunque le falta el color.

 Según los estudios sobre color y luz de la ciencia de la época, la gama cromática
(colores que percibimos al mirar) proviene de tonos puros que se mezclan ópticamente
en la retina.
 Los impresionistas intentan demostrar esta teoría pintando con pinceladas pequeñas y
puras, que se combinan a la retina del espectador para producir el color deseado.
 Para los impresionistas, los colores no deben fusionarse en el pincel, sino en la retina
del espectador.
 Los colores no existen por sí mismos, sino en relación a los colores cercanos. La visión
une los colores a distancia.
 Descubrimiento de que los colores no son inmutables, sino que la incidencia de la luz
los determina.
  Representan los colores tal como los ven, sin importar mucho la tonalidad objetiva de
los objetos. Lo que buscan es captar el instante fugaz y la impresión de un momento
dado.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES DE LA PINTURA IMPRESIONISTA

 El objetivo ya no es representar la realidad con exactitud, sino su impresión.

 Aplican teorías sobre la descomposición de colores en sus cuadros.
 Desaparición del dibujo como forma previa al color.
 Coloreado de las sombras, desapareciendo el claroscuro (las sombras se realizan con
tonalidades complementarias).
 Captación de la luz y la atmósfera. Buscan interpretar la luz y sus efectos sobre los
colores de los objetos.
 Pincelada suelta: pinzan de forma más libre y gruesa.
 Pintan al aire libre ("Plein Air"), evitando los estudios para capturar la luz natural.
 El tema adquiere un carácter anecdótico, centrándose en lo pictórico, con encuadres
innovadores.

SOCIÉTÉ ANONYME DES ARTISTES

 Los primeros impresionistas se reúnen en esta sociedad.

 Entre los artistas más destacados:
o Claude Monet
o Paul Cézanne
o Auguste Renoir
o Camille Pissarro
o Edgar Degas
o Alfred Sisley
o Berthe Morisot
o Mary Cassatt

HISTORIA DEL IMPRESIONISMO

 Comienza en París, el 15 de abril de 1874, cuando un grupo de jóvenes pintores

rechazados por el Salón Oficial decide exponer sus obras en la galería-salón del
fotógrafo Nadar, en el tercer piso de la casa 35 del Boulevard de los Capucines.

ARTISTAS DESTACADOS

 Auguste Renoir: Revolucionario, pero también mantiene la tradición. Sus obras como El
Moulin de la Galette reflejan la vibración de la luz y el dinamismo.
 Edgar Degas: Su impresionismo se centra más en la forma que en el color. Pintó
escenas de ballet, carreras de caballos y la figura humana en diversas posiciones.
 Alfred Sisley: Pintó paisajes, como Port-Marly inundado.
  Berthe Morisot: Se centró en su entorno social, pintando principalmente mujeres y
niños. Era parte de la alta burguesía y pintaba escenas domésticas.
 Mary Cassatt: Pintora americana que se unió al Impresionismo, especialmente
centrada en escenas domésticas y de madres con hijos.
 Camille Pissarro: Influenciado por Monet y Cézanne, Pissarro fue clave en la evolución
del Impresionismo, destacando paisajes urbanos de París y escenas rurales.

SOL NACIENTE. IMPRESION

1. Ficha Técnica

 Título: Sol ixent. Impressió.

 Autor: Claude Monet (1840-1926)
 Cronología: 1872
 Técnica: Óleo sobre tela
 Medidas: 48 x 63 cm
 Estilo: Impresionismo
 Tema: Paisaje
 Localización: Musée Marmottan (París)

2. Contexto Histórico

 Autor: Monet fue uno de los máximos exponentes del impresionismo.

 Movimiento: Impresionismo; Monet busca capturar la luz natural y los efectos
atmosféricos.
 Obra clave: "Sol ixent. Impressió" da nombre al movimiento impresionista.

3. Descripción Formal

Composición:

 Paisaje portuario de Le Havre.

 Sol naciente entre la niebla.
 Barcos, palos y chimeneas humeantes en primer plano.
 Tres botes dispuestos en diagonal.

Colores y Tonalidades:

 Predominan los azules, violetas, grises y rojos ataronjados.

 Atmosfera oscura con contrastes de luz.

Técnica:

 Pincelada suelta, captura la luz de manera fugaz.

 Negación del dibujo tradicional.
  Uso de manchas de color.

Elementos:

 Reflexos en el agua que se separan a medida que se acercan al espectador.

 Botes dispuestos en diagonal, rompiendo la horizontalidad.

4. Entorno e Integración

 Ubicación: Pintado en Le Havre, un puerto francés.

 Ambiente: Escena matutina, brumosa, que refleja la atmósfera del puerto.
 Enfoque: No es una representación exacta, sino una captura de la sensación provocada
por el paisaje.

5. Modelos e Influencias

 Escuela de Barbizon: Pintura al aire libre (à plein air).

 William Turner: Influencia en la representación de la atmósfera y la luz vaporosa.
 Innovación de Monet: Rompe con la pintura tradicional, se centra en la percepción de
la luz y el color.

LA CATEDRAL DE ROUEN

1. Ficha técnica

 Título: La Catedral de Rouen

 Cronología: 1894 (aunque la serie fue iniciada en 1892)
 Estilo: Impresionismo
 Tipología: Pintura
 Localización: Museo d'Orsay (París), National Gallery of Art (Washington), Metropolitan
Museum of Art (Nueva York), Musée Marmottan (París)
 Autor: Claude Monet
 Materiales: Óleo sobre lienzo
 Dimensiones: Variadas según el lienzo

2. Contexto histórico

La serie fue pintada entre 1892 y 1894, en pleno auge del impresionismo. Monet, figura clave
del movimiento, buscaba captar los efectos de la luz y los cambios atmosféricos sobre un
mismo motivo arquitectónico, como parte de una reflexión sobre la percepción visual.

3. Descripción formal

➤ Motivo representado
  Serie de 30 pinturas centradas principalmente en el portal oeste de la catedral de
Notre-Dame de Rouen.
 Aunque el objeto es el mismo, cada cuadro es diferente debido a:
o La hora del día
o La estación del año
o Las condiciones meteorológicas

➤ Tratamiento de la luz y el color

 La luz se convierte en la verdadera protagonista de la obra.

 Colores predominantes:
o Cálidos: amarillos, ocres, naranjas
o Fríos: azul cielo, violetas
 Las sombras no se representan con negro, sino con colores complementarios:
o Sombras coloreadas en anaranjados, bermellones, azules
 La luz llega a desmaterializar las formas, especialmente en las últimas versiones de la
serie, donde casi se disuelve la estructura de la catedral.

➤ Técnica pictórica

 Pinceladas rápidas y sueltas

 Colores puros y luminosos, sin uso del negro
 Influencia de la fotografía en el uso de diferentes encuadres
 Pintura realizada al aire libre (plein air), para capturar en directo las variaciones
lumínicas.

➤ Tema

 Aunque el motivo es arquitectónico, el auténtico tema es cómo la luz transforma la

percepción del objeto.
 Monet no busca representar la catedral como objeto fijo, sino cómo se ve en distintos
momentos.

5. Modelos e influencias

 Influencia de la fotografía: variaciones de encuadre, interés por lo instantáneo.

 Se inserta en la línea del Impresionismo, movimiento que rompe con la pintura
académica:
o Rechazo de las líneas precisas.
o Enfoque en la experiencia visual subjetiva.
o Búsqueda de captar lo efímero y cambiante.

Baile en el Moulin de la Galette

Ficha Técnica:
  Título: Baile en el Moulin de la Galette
 Autor: Pierre-Auguste Renoir
 Fecha: 1876
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Formato: 1,31 x 1,75 m
 Estilo: Impresionismo
 Localización Actual: Museo d'Orsay, París
 Otros Aspectos Relevantes: Representa la vida urbana y el ocio en la Belle Époque,
destacando la luz y el color como elementos clave.

Contexto Histórico:

 Época: Belle Époque, última parte del siglo XIX

 Transformación social: Auge de la clase media, vida urbana y avances industriales.
 Localización: Montmartre, París.
 La escena: El Moulin de la Galette, un popular local de ocio donde se mezclan artistas,
trabajadores y ciudadanos.
 Relevancia: Reflejo del cambio en las interacciones sociales y el consumo de la
diversión.

Descripción Formal:

Composición:

 Dos grupos: uno alrededor de la mesa (compacto) y otro con los bailarines al fondo
(más abierto).
 Uso de una diagonal imaginaria que separa ambos grupos.
 Diferentes encuadres: el grupo del primer plano se ve desde arriba, los bailarines al
fondo, en un encuadre frontal

Tratamiento del Espacio:

 Efecto de multitud mediante diferentes ángulos y encuadres.

 Bordes cortados de la composición, dando un efecto de espontaneidad, como una
fotografía.
 Sensación de dinamismo y naturalidad en la escena.

Uso de la Luz y el Color:

 Pinceladas rápidas y colores vibrantes para captar los efectos de la luz natural.
 Luz que entra a través de los árboles, creando sombras amarillas y violáceas en el
suelo.
 Contraste de colores cálidos y fríos: sombras en marrón y pardo sobre los personajes.

Figura Humana:

 Central en la obra, con atención a las emociones y las interacciones sociales.

 La luz resalta el cuerpo humano y sus actitudes dentro de la composición.
Entorno e Integración:

Ambiente:

 Escena festiva del Moulin de la Galette, simbolizando la nueva vida social y las
interacciones en París.
 Representación de la vida urbana, la alegría y el ocio en la Belle Époque.
 Reunión de diferentes clases sociales y artistas en un mismo espacio.

Modelos e Influencias:

Modelos:

 Jeanne Samary (actriz y musa).

 Estelle Samary (hermana de Jeanne).
 Pierre-Franc Lamy (pintor).
 Norbert Goeneutte (artista).
 Georges Rivière (crítico de arte).
 Pedro Vidal de Solares y Cárdenas (pintor cubano).
 Marguerite Legrand (modelo).

Influencias:

 Auge de la vida urbana y cambios sociales.

 Dinamismo de la nueva era industrial y la vida bohemia.
 Influencia de la pintura italiana en la recuperación de la forma y el dibujo en sus obras
posteriores.

Estilo e Innovación:

Impresionismo de Renoir:

 Uso de la luz natural y vibración de colores.

 Enfoque en la figura humana, a diferencia de otros impresionistas centrados en el
paisaje.
 Óptica optimista y alegre de la vida.
 Contraste entre colores fríos y cálidos como herramienta para expresar emociones.

POST-IMPRESSIONISMO 🎨

El Post-Impresionismo se refiere a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del
XX, que surgieron después del Impresionismo. El término fue inventado por Roger Fry en 1910,
cuando se realizó una exposición en Londres con las obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh.

Características del Post-Impresionismo 🌟

 Inicio de la revisión de los postulados del Impresionismo.

 Recuperación de la importancia del dibujo ✍️.
 Preocupación por capturar la expresividad de las cosas y las personas, más allá de la luz
 Elementos clave:
o Buscan ir más allá de la simple captación de la luz y la atmósfera 🌞.
o Uso subjetivo del color, no para representar la naturaleza fielmente, sino para
transmitir una visión personal 🌈.
o Recuperan la importancia de la forma, oponiéndose a la disolución de esta
característica en el Impresionismo .
o Aplicación de colores vivos, intensos, y pinceladas visibles 💪.

Características más importantes ✨

 Uso de colores vivos, aplicados de manera compacta, con pinceladas distinguibles 🎨.

 Temas de la vida real, con una gran carga emocional y expresiva ❤️.
 Experimentación con diferentes técnicas de pintura, como el puntillismo (pequeños
puntos de color) 🟡.
 Visión personal del artista como elemento esencial 🌍.

Pintores destacados

 Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec.

 Todos ellos incorporaron elementos del Impresionismo, pero con matices personales
que los convirtieron en los precursores de las vanguardias del siglo XX.

Vincent Van Gogh (1853-1890) 🌻

 Origen: Países Bajos, pero vivió en Francia.

 Etapa inicial: Influencia del Barroco holandés y de Rembrandt 🎨.
 Temas: Vida cotidiana de las clases populares.
 Colores oscuros y contrastes luz-sombra.
 1886: Traslado a París, donde se sintió marginado por el Impresionismo.
 1888: Se traslada a Arles, donde experimenta con colores luminosos y pinceladas tipo
puntillista 🌟.
 Temas: Emoción y expresividad (ej. Café de Arles, Autorretrato).

Biografía de Vincent Van Gogh

Orígenes y Familia

 Nació en Zundert, Holanda.

 Su padre era pastor protestante.
 Su primer hermano nació muerto y le pusieron el mismo nombre.
  Tuvo cinco hermanos más.

Infancia y Juventud

 Era una persona solitaria.

 Asistió a la escuela de forma irregular y dejó los estudios a los 15 años.
 Comentó: "Mi juventud fue triste, fría y estéril."

Personalidad y Trabajo Inicial

 Desde joven mostró un carácter difícil y temperamento fuerte.

 Trabajó en una galería de arte en La Haia, Londres y París, donde las pinturas de Millet
lo impresionaron.
 Aumentó su fanatismo religioso como refugio de sus fracasos laborales y amorosos.
 Trabajó como ayudante de un predicador metodista en Isleworth.
 Fue rechazado al intentar estudiar teología y hacerse predicador.

Trabajo Evangelizador

 En 1878, trabajó en Mons, Bélgica, realizando una labor evangelizadora entre los
mineros.
 Le suprimieron el pequeño salario que recibía, y se dedicó a la pintura, apoyado por su
hermano Theo.

Carrera como Pintor

 Se estableció en Bruselas en 1880 y estudió en la Academia de Bellas Artes.

 Realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Millet, representando a
campesinos y mineros de forma realista.
 Se mudó a Nuenen, donde pintó a tejedores rurales y realizó "Comiendo patatas" en
1885.
 En 1886 se mudó a París, donde se vio influenciado por el impresionismo y la estampa
japonesa.
 Abandonó el carácter social de sus primeras obras, enfocándose en la expresividad del
color.

Estancia en Arles

 En 1888, se mudó a Arles, donde pintó paisajes a la intemperie y buscó nuevos

caminos para su arte.
 Llevó a cabo la serie de los girasoles y pintó "La Casa Amarilla".
 Recibió la visita de Gauguin, con quien tuvo enfrentamientos que culminaron en Van
Gogh cortándose parte de la oreja izquierda.

Problemas Mentales y Internamiento

 Sufrió de graves problemas mentales y fue ingresado en hospitales varias veces.

  En 1889, aceptó internarse en el hospital psiquiátrico de Saint Paul de Mausole, donde
pasó un año.
 Pintó más de 70 cuadros mientras estaba bajo tratamiento.

Últimos Días

 En 1890, se mudó a Auvers-sur-Oise y estuvo bajo la supervisión del doctor Gachet.

 Sus últimos paisajes, como "Campo de trigo con cuervos", reflejan su soledad y
depresión.
 El 27 de julio de 1890, se disparó en el pecho y murió dos días después a los 37 años en
la pensión Ravoux.

Legado

 En diez años (1880-1890) produjo unas 900 pinturas y 1600 dibujos.

 Fue influenciado por sus lugares de residencia, sus emociones y sus enfermedades.
 Fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise junto a su hermano Theo.

Datos Relevantes

 Fue diagnosticado con una posible enfermedad mental, como trastorno bipolar o
epilepsia.
 Su arte refleja tanto la lucha interna como su visión de la vida.

Paul Gauguin (1848-1903)

 Inició en el Impresionismo, pero se apartó y creó el “sintetismo” 🎨.

 Composiciones simplificadas, estáticas, con un enfoque en la cromática y formas
planas.
 Influencia del arte indígena, vitrales medievales y grabados japoneses.
 Temas: Vida cotidiana y escenas supersticiosas (ej. La visión después del sermón, Cristo
amarillo).
 Se traslada a Tahití en 1891, buscando un mundo más primitivo y menos artificial .

Paul Cézanne (1839-1906)

 Considerado el padre del arte moderno 🎨.

 Comienza con el color ligero de los impresionistas, pero evoluciona hacia una forma
más sólida y estructurada .
 Estilo: Geometrización de la naturaleza en formas simples como esferas, pirámides y
prismas ⚪🔺🔵.
 Influencia directa en el cubismo.
 Obras destacadas: La Montagne Sainte-Victoire, Los jugadores de cartas.
LOS JUGADORES DE CARTAS

Ficha Técnica

 Título: Els jugadors de cartes

 Autor: Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839-1906)
 Cronología: 1893
 Técnica: Óleo sobre tela
 Medidas: 47 x 57 cm
 Estilo: Postimpresionista
 Tema: Escena costumista o de género
 Localización: Musée d’Orsay, París

Contexto Histórico

 Paul Cézanne: Pintor francés clave en el paso del impresionismo al arte moderno.
 Influencia: Precursor del cubismo y la abstracción, influyó en fauvismo y
expresionismo.
 Relación Familiar: Tensión con su padre banquero, quien desaprobaba su carrera
artística.
 Evolución Artística: Distanciamiento de los impresionistas en 1877, buscando una
forma personal de expresión.
 Serie de Pinturas: Parte de una serie de cinco pinturas de la primera mitad de la década
de 1890.

Descripción Formal

Composición:

 Dos jugadores de cartas sentados frente a una mesa.

 Los perfiles de los jugadores son visibles, con asimetría que aporta dinamismo.

Pinceladas:

 Pinceladas breves, casi cuadradas, que crean volumen y contrastes.

Colores:

 Predominan colores cálidos (marrones, amarillos), aportando calidez y concentración.

 Contrastes cromáticos resaltan diferencias entre personajes y objetos.
 Cartas: blanco y gris, simbolizando claridad e incertidumbre.

Uso de la Luz:

 La luz ilumina y define los contrastes tonales, creando atmósfera de concentración y

reposo.
Formas Geométricas:

 Los objetos se conciben como estructuras geométricas (cilindros, conos, esferas).

Entorno e Integración

Escena Cotidiana:

 Tema recurrente en pintura de género, con personajes introspectivos y contenidos.

Visión del Postimpresionismo:

 Cézanne se aleja del naturalismo, adoptando una visión estructurada y simplificada.

Modelos e Influencias

 Influencias Clásicas:
o Inspiración en Nicolás Poussin, especialmente en la composición ordenada y
estructurada.
 Realismo Contemporáneo:
o Influencia de Gustave Courbet, especialmente en el enfoque realista y atención
al color.
 Descomposición de la Forma:
o Cézanne como pionero de la descomposición de la forma y el color, influyendo
en el cubismo (Picasso y Braque).
 Impacto en Movimientos Posteriores:
o Influencia en el fauvismo, expresionismo y anticipación de la abstracción.

Interpretación

Simbolismo Personal:

 Reflejo de conflicto interno de Cézanne, con un posible enfrentamiento entre los

jugadores de cartas.
 Alexandre, jardinero de su padre, puede simbolizar una lucha familiar, especialmente
con su padre.

Tensión Emocional:

 Gestos y posturas de los jugadores transmiten concentración y reposo, contrastando

con la acción inminente del juego.
 Representación de la lucha interna de Cézanne con su destino y arte.

LA NOCHE ESTRELLADA

FITXA TÈCNICA

 Títol: La nit estelada

 Autor: Vincent van Gogh (Groot-Zundert, Brabant, 1853 – Auvers-sur-Oise, 1890)
  Cronologia: 1889
 Tècnica: Oli sobre tela
 Mides: 74 × 92 cm
 Estil: Postimpressionista
 Tema: Paisatge
 Localització: Museum of Modern Art (MoMA), Nova York

DESCRIPCIÓ FORMAL

Composició general

 Divisió en dues parts:

o Inferior: poble, muntanyes i un gran xiprer en primer terme
o Superior: cel nocturn amb 12 estrelles i una lluna, tot ple de formes circulars i
remolins
 El xiprer i el campanar uneixen visualment la terra i el cel

Elements plàstics

 Color
o Predomini del blau i verd
o Contrastos intensos amb groc, taronja i blanc
o Els astres irradien llum amb formes circulars
o Gran lluminositat en un cel nocturn
o Colors expressius i no realistes: transmeten emocions
 Dibuix i pinzellada
o Pinzellada característica de Van Gogh: corba, flamejant, molt gestual
o Contorns marcats amb línies negres gruixudes, com a Gauguin
o Ritmes variats: circulars, ondulats, en tirabuixó, verticals i rectes
 Línies i formes
o Línies rectes en les teulades del poble
o Figures geomètriques bàsiques: quadrats i triangles
o Absència de línies per delimitar el color en el cel

INTERPRETACIÓ

Origen del paisatge

 Vista des de la seva habitació a l’asil de Saint-Rémy (Provença)

 El poble és inventat: barreja d’elements reals i imaginats

Significat simbòlic

El xiprer:
  Element fúnebre segons el mateix Van Gogh
 Uneix terra i cel, símbol de fe i espiritualitat
 Apareix també en altres obres com Camp de blat amb xiprer

El cel:

 Simbolitza la recerca d’infinit, l’anhel espiritual

 Expressa l’agitació interna de l’artista

El poble:

 Llums de gas a les finestres simbolitzen la calor humana de la qual ell se sent exclòs
 El campanar recorda Holanda, la seva terra natal

Context vital

 Van Gogh pateix una crisi personal i espiritual

 Cerca consol en la pintura i expressa el seu patiment emocional a través del paisatge

MODELS I INFLUÈNCIES

 Delacroix: força cromàtica

 Impressionisme: preocupació per la llum
 Gravat japonès (ukiyo-e): línies negres marcades, formes planes
 Puntillisme: breu influència
 Postimpressionisme:
o Color simbòlic
o Forma expressiva
o Pinzellada empastada i dinàmica

Precedent dels:

 Fauves (Matisse, Vlaminck)

 Expressionistes

EL SEGADOR

Ficha Técnica

 Autor: Vincent van Gogh

 Cronología: 1889
 Dimensiones: 43,5 x 25 cm
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Localización actual: Memorial Art Gallery of the University of Rochester
 Tipología: Cuadro de género o escenas costumbristas
 Estilo: Postimpresionismo
Contexto Histórico

Este cuadro fue realizado por Van Gogh durante su estancia en el psiquiátrico de Saint-Rémy,
donde, a pesar de su estado emocional y físico, se dedicó a observar y reflejar la vida rural. El
tema de los campesinos y su duro trabajo le fascinó, particularmente influenciado por la obra
de Jean-François Millet, cuya admiración expresa en sus cartas a su hermano Theo. Van Gogh
poseía una serie de estampas de Millet, como Las espigadoras o El Ángelus, lo que muestra su
aprecio por el realismo en la representación de la vida campesina.

Descripción Formal

Composición

 Protagonista: El segador, que se muestra en una postura frontal, de espaldas,

destacando como una figura monumental. Esta figura está enmarcada por un contorno
negro, estilo cercano al cloisonismo, usado frecuentemente en el arte de las vidrieras.
 Esquema en aspa: La figura del segador está estructurada en un esquema dinámico,
con líneas que van de sus piernas a los hombros, creando un contraste en el
movimiento entre su pierna izquierda y su brazo derecho. Esto introduce dinamismo en
la acción de segar.

Color y Luz

 La gama cromática es intensa, destacando principalmente dos colores primarios: el

amarillo y el azul, junto con un verde secundario.
 El amarillo predomina en el campo, donde las pinceladas rápidas y yuxtapuestas
aportan textura y la sensación de abundancia.
 El azul del cielo contrasta con el amarillo del campo, creando una atmósfera de calor y
luminosidad.
 La luz proviene desde la izquierda, iluminando al segador y creando sombras azuladas-
violáceas, lo que acentúa la figuración y el contraste de luces y sombras en la escena.

Estilo y Técnica

 Van Gogh emplea una técnica realista al reflejar la vida sencilla y humilde de los
campesinos, además de capturar el movimiento natural de la figura durante la acción
de la siega.
 La pincelada rápida y la textura gruesa de la pintura, con una fuerte presencia de
materia, crean dinamismo y una sensación de urgencia o actividad constante.
 En cuanto a la composición, la línea del horizonte está colocada relativamente alta, lo
que deja mucho protagonismo al campo de trigo, en consonancia con la influencia de
Millet.

Emoción y Expresión

 El color es utilizado de manera expresiva para manifestar los estados emocionales de

Van Gogh, como su frecuente depresión.
 En sus paisajes, Van Gogh se centra en colores vivos y contrastes no convencionales
(por ejemplo, el amarillo sobre el naranja), utilizando el color como vehículo para
transmitir sus emociones intensas.
Entorno e Integración

La obra se contextualiza dentro del entorno rural que Van Gogh observaba durante su tiempo
en Saint-Rémy, lugar donde también pintó una serie de paisajes y escenas de la vida
campesina. La observación del campo y sus labores le permitió desarrollar una conexión
profunda con la naturaleza y reflejar la dureza del trabajo agrícola, un tema recurrente en su
obra de este período.

Modelos e Influencias

Jean-François Millet: La influencia de Millet es evidente en esta obra, especialmente en la

representación de la vida campesina. Van Gogh admiraba profundamente la obra de Millet, y
en El Segador, se observa la misma humanidad y dignidad en el campesino que aparece en las
obras de este pintor realista. Van Gogh incluso mencionó a Millet en sus cartas a su hermano
Theo y poseía varias estampas de sus trabajos.

Postimpresionismo: Aunque inspirado por el realismo de Millet, Van Gogh introduce un

enfoque más emocional y expresivo mediante el uso del color y la pincelada gruesa. A
diferencia de los impresionistas, su trabajo no busca representar fielmente la luz, sino evocar
un sentimiento o estado de ánimo.

Visión después del sermón o Jacob luchando con el ángel de Paul Gauguin

Ficha Técnica

 Autor: Paul Gauguin

 Cronología: 1888
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Dimensiones: 72 x 91 cm
 Estilo: Postimpresionismo - Simbolismo
 Localización actual: National Gallery of Scotland, Edimburgo
 Lugar de realización: Pont-Aven, Bretaña
 Intención inicial: Donar la obra a una iglesia local (aunque fue rechazada)

Contexto Histórico

Durante su estancia en Pont-Aven, una localidad rural de Bretaña, Gauguin buscaba alejarse del
bullicio parisino y sumergirse en una vida más sencilla y "primitiva". Allí fue donde pintó esta
obra, influido por las tradiciones religiosas de la región y por la estética popular bretona. El
cuadro se inspira en un episodio bíblico del Antiguo Testamento: la lucha de Jacob con el ángel,
que simboliza el proceso de redención y transformación del personaje bíblico, a quien el ángel
le revela su nuevo nombre: Israel.

Descripción Formal

1. Composición y Escenas Simultáneas

  La obra representa dos escenas a la vez:
o Escena real: Mujeres bretonas del campo, junto a un párroco, saliendo de misa
tras haber escuchado el sermón.
o Escena visionaria: La lucha de Jacob con el ángel, que aparece como una visión
mística experimentada por las mujeres.
 Ambas escenas están separadas visualmente por la rama de un manzano, que cruza
diagonalmente el lienzo. El manzano y la vaca saltando (colocada debajo y de tamaño
reducido) son símbolos de Bretaña.

2. Tratamiento de las Figuras

 Las mujeres bretonas están representadas en primer plano:

o Son de gran tamaño, vestidas con trajes negros y cofias blancas, típicos de la
región.
o Algunas presentan rostros rudos y otras están abocetadas o inacabadas,
reflejando no un retrato individual, sino una síntesis simbólica del mundo rural
y primitivo que Gauguin buscaba.
o El párroco ni siquiera entra del todo en la escena: composición abierta.
 En el otro plano (el visionario):
o Jacob aparece con el pelo negro y una túnica que mezcla verde oscuro y negro.
o El ángel tiene cabellos y alas amarillas, pies naranjas y túnica de azul intenso.
o El tronco del árbol y las alas del ángel están iluminados por reflejos
anaranjados del sol.

3. Color y Técnica

 El color se utiliza de forma viva y simbólica, con manchas amplias y una clara planitud
en la composición.
 La mayoría de colores son fríos, pero destacan tonos cálidos como el rojo, el naranja
del campo y los colores del ángel.
 El prado es de un naranja rojizo, lo que rompe con la realidad naturalista y traduce una
visión interior del artista.
 La pincelada no busca el realismo, sino interpretar emocionalmente la escena.

4. Influencia Oriental y Compositiva

 Se percibe la influencia de la estampa japonesa (japonismo):

o En la posición diagonal de la escena (la rama del manzano)
o En la frontalidad de la perspectiva,
o Y en el tratamiento simplificado de las formas.

Entorno e Integración

La obra está profundamente ligada al entorno de Bretaña. El manzano y la vaca son símbolos
regionales que refuerzan esa identidad. La representación de mujeres humildes en traje
regional, junto con el tratamiento casi ritual y simbólico de la escena, integran profundamente
el entorno natural, religioso y cultural de Pont-Aven.

Modelos e Influencias

 Simbolismo: La pintura refleja el uso de la imagen para representar ideas y visiones

internas, más que realidades externas. La visión del pasaje bíblico no está en la
realidad, sino dentro de la mente de las mujeres, lo que es propio del simbolismo.
 Postimpresionismo: Aunque parte del legado impresionista en cuanto al uso del color,
Gauguin va más allá al usarlo libremente y con valor expresivo y simbólico.
 Japonismo: Influencia clara en la composición plana, los colores no realistas y la
separación de planos.
 Surrealismo (preludio): La coexistencia de una escena real y una escena visionaria
prefigura las ideas del surrealismo, donde se combinan lo real y lo onírico.
 Primitivismo: El interés por lo rural, lo sencillo, y la representación idealizada del
mundo "no contaminado" por la civilización. Este interés se acentuará en la obra
posterior de Gauguin en Tahití, influenciando a muchos artistas de las vanguardias.

Recepción y Posteridad

 Aunque fue pensada como donación para una iglesia local, la obra fue rechazada.
 Su innovación formal y simbólica ha sido muy influyente:
o En el simbolismo contemporáneo,
o En el surrealismo,
o Y en el cine: el director Frank Capra recreó esta escena en su película ¡Qué
bello es vivir!

EL FAUVISMO

Origen y nombre

 Se inicia en el Salón de Otoño de París (1905).

 En una misma sala se exponían obras con colores violentos y arbitrarios, junto a una
escultura de estilo clasicista.
 El crítico Louis Vauxcelles, al ver la sala, exclamó: «¡Donatello entre las fieras!»
(Donatello parmi les Fauves!), dando nombre al movimiento.

Principales artistas fauvistas

 Henri Matisse
 André Derain
 Maurice Vlaminck
 Albert Marquet
 Raoul Dufy
 Georges Braque
Características generales

 Nace en 1905. Es considerado el primer movimiento de vanguardia que rompe con la

tradición.
 El término fauve (“fiera”) hace referencia al uso exagerado y violento del color.
 Ruptura con la relación tradicional entre objeto representado y su color real.
 Predominio de la visión subjetiva y estética del artista por encima de la copia mimética
de la realidad.
 Punto de partida:
o Color y pincelada expresiva de Van Gogh.
o Estética decorativa y color puro de Gauguin.
 Influencia del arte negro africano, especialmente las máscaras africanas por su
inocencia, ingenuidad y pureza de formas.

Características formales

 No imitación: huida de la representación realista.

 El color es el protagonista absoluto:
o Se usa con pasión.
o Independiente del objeto (ej. caballos verdes, árboles rojos).
o Aplicado en manchas planas y extensas, grandes superficies simples y
luminosas.
o Luz y sombra se logran con contrastes de color, no con zonas oscuras o negras.
 Simplificación de las formas:
o Temas cotidianos (interiores, paisajes, naturalezas muertas, retratos).
o Los objetos se modifican con el color.
 Línea marcada y fuerte: contornos nítidos y gruesos.
 Tendencia al plano único:
o Composiciones sin profundidad, como en Gauguin.
o Volumen y relieve por degradaciones tonales.
 Gran expresividad emocional:
o El color expresa sentimientos o emociones interiores.
 Decorativismo:
o Uso de arabescos, cenefas y zigzags.

Influencia del arte africano

 Las máscaras africanas influyeron por:

o Su inocencia
o Su ingenio
o Su pureza formal

Exposiciones influyentes

 Entre 1901 y 1905, se celebran en París retrospectivas de Van Gogh y Gauguin, claves
para los fauvistas.
Frase de Gustave Moreau (profesor de Matisse)

 «No se debe copiar, sino retener todo lo que constituye un lenguaje esencial de los
maestros del pasado, para más tarde expresarlo.»

Henri Matisse (1869–1954)

 Vida
o Vivió en una época marcada por grandes conflictos (Guerras Mundiales, Guerra
Fría) sin reflejar nada político en su obra.
o Nunca firmó manifiestos ni hizo pintura política.
o Pintó durante 60 años, creando obras de confort, equilibrio y satisfacción.
o Estudió Derecho, luego se trasladó a París y se dedicó por completo a la
pintura.
o Comenzó con técnicas tradicionales, copiando obras del Louvre.
o En la Costa Azul, experimentó con impresionismo y divisionismo.
o Algunas obras tardías del XIX muestran influencia de Cézanne.
o Desde 1907 adopta el estilo fauvista:
 Supresión de detalles
 Simplificación
 Cuadros impregnados de paz y armonía

La alegría de vivir

1. Ficha técnica

 Cronología: 1905-1906
 Estilo: Fauvismo
 Tipología: Pintura
 Localización: Fundación Barnes, Filadelfia
 Autor: Henri Matisse
 Materiales: Óleo sobre lienzo
 Dimensiones: 176 x 240 cm

2. Contexto histórico

Henri Matisse es el principal representante del fauvismo, un movimiento pictórico que surgió
hacia 1905. El nombre proviene de una crítica de Louis Vauxcelles, quien al ver las obras
expuestas en el Salón de Otoño de París exclamó: “¡Donatello entre las fieras!” debido al uso
salvaje del color.

El fauvismo valora la expresión emocional a través del color, utilizando tonos intensos, puros,
aplicados en superficies planas y sin preocuparse por el realismo o la perspectiva tradicional.
3. Descripción formal

Tema

 El cuadro representa el mito de la Arcadia, un lugar idealizado y feliz donde los

pastores viven en armonía con la naturaleza, tocando instrumentos, danzando,
conversando y amándose. Todas las figuras están desnudas, lo que aporta una
sensualidad natural y libre.

Composición

 Se organiza en una estructura triangular central:

o Centro: grupo de danzantes, retomado después por Matisse en otras obras.
o Base: mujeres recostadas.
 Aunque hay cierta simetría central, hay también figuras dispersas por la escena.
 La escena está ambientada en un prado con árboles frondosos que conduce a un fondo
de azul marino, creando una idea de espacio abierto y fantasioso.

Dibujo y forma

 El dibujo es ondulado, sinuoso y sensual.

 No hay interés en representar el volumen o la corporeidad: las figuras están
prácticamente planas y perfiladas.

Color

 Color intenso y plano, sin gradaciones.

 Los colores no buscan representar la realidad, como se ve en los árboles.
 A la izquierda predominan colores cálidos y primarios (rojo, amarillo) y secundarios
como el naranja.
 A la derecha predominan colores fríos como el verde y el violáceo.
 Esta disposición refuerza la expresividad y el equilibrio de la obra.

4. Modelos e influencias

 El tema clásico de la Arcadia proviene del arte y la literatura de la Antigüedad y del

Renacimiento.
 Influencia clara del postimpresionismo, especialmente de Gauguin por la fantasía y el
uso no naturalista del color.
 La danza del centro podría remitir también a temas clásicos reinterpretados desde una
óptica moderna y emocional.

EL CUBISMO

Origen

 Surge de la mano de Pablo Picasso y Georges Braque hacia 1907.

CARACTERÍSTICAS

1. Fragmentación geométrica del espacio y las formas.

2. Las figuras se configuran como conjuntos de planos interrelacionados: permite visión
simultánea de distintos puntos del mismo objeto.
 3. Desaparece el punto de vista único de la perspectiva tradicional.
4. En Les Demoiselles d’Avignon (1907) de Picasso:
a. Reducción de cuerpos y objetos a formas geométricas esenciales.
b. Multiplicidad de puntos de vista: rostros con visión frontal y lateral.
c. El punto de vista ya no es único e inmóvil.

ANTECEDENTES

 Paul Cézanne: precursor del movimiento.

 1907: gran exposición retrospectiva de Cézanne en París → gran impacto artístico.
 Influencia del arte de culturas primitivas, especialmente máscaras africanas:
simplicidad y geometrización de formas.

TEMAS

 Preferencia por retratos y objetos cotidianos: botellas, frutas, instrumentos musicales

sobre mesas.
 También se tratan paisajes, aunque en menor medida.

DOS ETAPAS DEL CUBISMO

Cubismo Analítico (1907-1911)

 El objeto se analiza y se descompone.

 Colores reducidos a gamas cálidas (ocres, castaños, beiges) y frías (grises, verdosos).
 Fragmentación extrema: los objetos casi desaparecen.
 Se denomina cubismo analítico hermético.

Cubismo Sintético (1911-1914)

 El objeto no se analiza tanto: se escoge lo más significativo.

 Se usan planos más amplios.
 Mayor riqueza cromática: el color se recupera como recurso plástico.
 Disminuye la multiplicidad de puntos de vista.

EL COLLAGE

 Aportación importante del cubismo.

 Técnica que incorpora materiales reales al cuadro: fragmentos de periódico, papeles de
colores, cartones, etc.

CUBISMO Y EXPRESIONISMO

 A partir de los años 30, los cubistas incorporan mayor expresividad.

 Fusión de cubismo y expresionismo.
 Destacan dos artistas españoles:
 o Pablo Picasso
o Pablo Gargallo

PABLO RUIZ PICASSO

(Málaga, 1881 – Mougins, Francia, 1973)

Biografía

 Firmaba con el apellido materno: Picasso.

 Fundador del cubismo junto con Braque.
 Trabajó cerámica, escultura en bronce, collage, poesía.
 Produjo más de 20.000 obras.
 Hijo de José Ruiz Blasco, profesor de arte.
 A los 8 años hizo su primera obra.
 En 1891 se traslada a La Coruña; en 1895 a Barcelona.
 En Barcelona entra a la Escuela de Bellas Artes, saltándose cursos iniciales.
 Adolescente: amistad con Manel Pallarés de Horta de Sant Joan. Primer estudio.
 Expone en Els Quatre Gats y Sala Parés.
 1900: viaja a París, hace amistades artísticas.
o El suicidio de su amigo Carles Casagemas influye en su Época Azul.

Vida personal y política

 Durante la I Guerra Mundial, conoce a Olga Kodlova (bailarina), se casan en 1918.

 Posteriormente conoce a Marie Thérèse Walter, madre de su hija Maya (1935).
 Se declara pacifista y comunista.
 Miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.
 Apoya al gobierno de la República Española durante la guerra civil.
 En 1963 se inaugura el Museo Picasso en Barcelona.
 Muere en 1973, a los 92 años.

ETAPAS EN LA OBRA DE PICASSO

Aprendizaje

 Dominio temprano del dibujo y la pintura.

 Obras de juventud en Barcelona.
 Pinturas para Els Quatre Gats.
 A los 23 años viaja a París.

Época Azul

 Primer estilo personal.

 Valor simbólico del azul. Visión pesimista.
 Figuras tristes, marginados. Dibujo severo y sencillo.
Época Rosa

 Paleta más rica. Optimismo.

 Tonos rosados y azules.
 Temas alegres: arlequines, personajes de circo.
 Inicio del cubismo.

Época Cubista

 1907: Les Demoiselles d’Avignon.

o Influencias del arte ibérico, africano y de Cézanne.
 Pasa por:
o Cubismo analítico
o Cubismo sintético
o Cubismo hermético
o Cubismo cristalino

Época Clásica (tras la I Guerra Mundial)

 Viaja a Italia.
 Obras figurativas: madres, hijos, arlequines...
 Búsqueda continua. Colores luminosos.

La Metamorfosis (desde 1925)

 Cambio de temática y estilo.

 Fase surrealista.
 Realidad inédita, anatomías transformadas.
 Formas curvas → angulosas.
 Nuevo lenguaje que expresa angustias de la época y simbolismo.

OBRAS DESTACADAS

Adolescencia

 Primera comunión (1896)

 Ciencia y caridad (1897)

Época Azul y Rosa

 La tragedia (1903)
 La vida (1903)
 El viejo guitarrista (1903)
 Celestina (1904)
  Familia de acróbatas con mono, Niño con caballo (1905)

Cubismo

 Autorretrato (1907)
 Les Demoiselles d’Avignon (1907)
 Fábrica de ladrillos de Tortosa (1909)
 Retrato de Wilhelm Uhde (1910)
 Botella de Pernod y vaso (1912)

Época Clásica

 Dos mujeres (1920)

 Dos mujeres corriendo por la playa (1922)
 Músicos con máscaras (1921)

Metamorfosis y última etapa

 El beso (1925)
 Pintor y modelo (1928)
 La danza (1925)
 Camisa amarilla (Dora Maar) (1939)
 Busto de mujer con sombrero (1962)
 Rapto de las sabinas (1963)

Las señoritas de Aviñón

1. Ficha técnica

 Título: Las señoritas de Avignon (o Avinyo)

 Autor: Pablo Picasso
 Fecha: 1907
 Estilo: Cubismo (obra precubista, origen del cubismo)
 Tipología: Pintura de carácter profano
 Técnica: Óleo sobre lienzo
 Formato: 2,45 x 2,35 m
 Localización: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
 Otra información relevante: Representa prostitutas de un prostíbulo de la calle Avinyó
de Barcelona. La obra no fue expuesta públicamente hasta años después; primero fue
mostrada a amigos de Picasso.

2. Contexto histórico
  Entorno: Surge en un momento de cambio acelerado: nuevas tecnologías (luz eléctrica,
automóvil), conflictos ideológicos (fascismo, marxismo) y un mundo que avanza hacia
la Primera Guerra Mundial.
 Vanguardias: Las vanguardias o ismos son movimientos de ruptura con los modelos
clásicos. Aunque inicialmente incomprendidas, hoy son consideradas parte
fundamental del arte moderno.
 Cubismo: Movimiento artístico originado en París en torno a Picasso y Braque. El
término "cubismo" fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles, aunque muchas obras
cubistas no contienen cubos.
 Influencia directa: Cézanne (estructura mediante formas geométricas).
 Otras influencias: Arte primitivo (especialmente africano), arte ibérico, arte egipcio y
románico.

3. Descripción formal

Composición general

 Representa cinco mujeres desnudas, de formas angulosas y fragmentadas, en un

espacio plano y sin profundidad, delimitado por una cortina de pliegues picudos.
 No remiten a la mitología clásica (como Tiziano o Rubens), sino a prostitutas de un
burdel.
 Parece una escena dentro de un escaparate, sin naturalismo.

División en tres franjas verticales

 Izquierda: Mujer con cabeza de perfil y ojo frontal (influencia del arte egipcio).
Sustituye a una figura anterior de un marinero. Tono oscuro, cuerpo en planos
angulosos.
 Centro: Dos mujeres desnudas. Cuerpos más claros. Cabezas frontales con ojos
almendrados, alargados, y orejas grandes (influencia del arte ibérico y románico). En la
parte baja aparece un bodegón con doble encuadre (frontal y cenital).
 Derecha: Dos mujeres con rostros deformados (inspiración en máscaras africanas). Una
figura agachada muestra al mismo tiempo la espalda y el frente: ruptura total con la
perspectiva tradicional.

Tratamiento del espacio

 Espacio bidimensional: No hay profundidad ni modelado tradicional.

 Fragmentación de las figuras para representar distintos puntos de vista al mismo
tiempo: visión simultánea de frente, de lado, desde arriba y desde atrás.
 Perspectiva intelectual y no ilusionista.

Tratamiento de la forma

 Figuras geometrizadas mediante planos facetados, al estilo románico.

 Contornos marcados por líneas.
Color

 Gama reducida y neutra: blancos, ocres, azulados, grises.

 Colores planos, sin gradaciones tonales.
 La luz no modela, sino que destaca ciertos planos.

4. Modelos e influencias

 Arte africano primitivo: mascarones tribales (rostros deformes de la derecha).

 Arte ibérico: orejas grandes y ojos almendrados.
 Arte egipcio: cabeza de perfil y ojo frontal en la figura de la izquierda.
 Arte románico: planos delimitados, geometrización.
 Paul Cézanne: simplificación a formas geométricas básicas.
 Rechazo de la tradición renacentista de representar el mundo desde un único punto de
vista y con profundidad.

Guernica de Picasso

1. Fitxa tècnica

 Nom de l'obra: Guernica

 Autor: Pablo Picasso
 Estil: Cubista amb elements expressionistes
 Cronologia: 1937
 Tipologia: Pintura mural
 Tècnica i suport: Oli sobre tela
 Localització: Museu Nacional Reina Sofía (Madrid)
 Dimensions: 3,51 x 7,82 m
 Encàrrec: Govern de la República espanyola, per al Pavelló Espanyol de l’Exposició
Internacional de París de 1937

2. Context històric i artístic

Època

 En plena Guerra Civil Espanyola (1936-1939), el govern republicà encarrega a Picasso

un mural per representar Espanya a l’Exposició Internacional de París.
 Picasso escull com a tema el bombardeig de Guernica, del 26 d’abril de 1937, dut a
terme per la Legió Còndor (aviació nazi al servei del bàndol franquista).
 El bombardeig, el primer atac aeri indiscriminat sobre una població civil indefensa, va
causar gran impacte internacional.

Autor

 Pablo Picasso (1881–1973), nascut a Màlaga i format a Barcelona.

 Un dels artistes més influents del segle XX.
 Creador del cubisme amb Les demoiselles d’Avignon.
  Després de la Primera Guerra Mundial, va seguir un camí artístic molt personal,
dominant diverses tècniques (pintura, ceràmica, gravat, escultura...).
 Es posiciona a favor de la República durant la Guerra Civil.

Estil

 Cubisme: manca de perspectiva convencional, fragmentació, multiplicitat de punts de

vista, colors irrealistes.
 Expressionisme: figures deformades, expressió intensa del dolor i del sofriment.
 El resultat és una síntesi estilística que converteix el quadre en un manifest de l’art del
segle XX.

3. Anàlisi formal

Descripció general

 Obra figurativa, en escenari arquitectònic opressiu, amb sis figures humanes i tres
animals.
 Escena plena de dolor, mort i desesperació.

De esquerra a dreta

1. Toro impassible.
2. Dona amb fill mort als braços.
3. Ocell atrapat entre taula i sostre.
4. Cavall en agonia, travessat per una llança.
5. Làmpada-ull al sostre.
6. Guerrer mort: mà oberta i mà amb espasa trencada + flor.
7. Cap estilitzat amb llum de petroli.
8. Dona en flames amb braços alçats.
9. Dona fugint arrossegant-se.

Elements plàstics

 Dibuix predomina sobre el color (formes definides i contorns clars).

 Colors: gamma en blanc, negre i gris. Inspiració en fotografies de premsa.
 Llum artificial i simbòlica: il·lumina sobretot les parts expressives.
 Espai pla, figures gairebé sense volum, excepte el cavall.

Composició

 Simetria centrada en la paret blanca central.

 Estructura tancada al centre i oberta pels laterals.
 Equilibri amb dos pilars verticals: toro (esquerra) i dona que crida (dreta).
 Composició basada també en triangles, que dinamitzen la tensió.
  Ritme visual: contrastos entre formes (corbes i rectes), colors (blanc-negre), masses i
buits.
 Temps: aparent moment instantani però amb voluntat d’eternitat.

4. Anàlisi conceptual

Temàtica o iconografia

 Quadre de tema històric i missatge universal: denúncia del bombardeig de Guernica.

 No mostra avions ni bombes; només figures humanes i animals, símbols del dolor
universal.
 Picasso representa el sofriment dels innocents en qualsevol guerra.

Significat

 Missatge antibel·licista i universal: va més enllà del cas concret.

 Evita detalls del lloc o moment per convertir-se en símbol de la destrucció, el dolor i
l’horror de qualsevol guerra.
 Crit per la vida i la pau.

Significat de les figures

 Dona amb fill mort: dolor psicològic, impotència dels innocents.

 Dona en flames: dolor físic, ciutat destruïda.
 Dona fugint: desplaçats pels conflictes bèl·lics.
 Guerrer mort: simbolitza els combatents; flor i espasa trencada = esperança.
 Ocell: possiblement colom de la pau, en perill.
 Llum del sostre: manipulació informativa dels sollevats.
 Dona amb quinqué: símbol de la veritat i testimoniatge dels fets.
 Cavall travessat: poble sacrificat o Espanya feixista trepitjant els morts.
 Toro: interpretació oberta, pot representar la brutalitat o el poble espanyol.