LA MUSICA
JUAN SEBASTIAN GALEANO MOSQUERA
DOCENTE: TOMAS CORREA BEDON
INSTITUTO POLULAR DE CULTURA
FACULTAD: DANZA
MUSICA
CALI VALLE
2025
LA MUSICA
La música es una forma de expresión artística que consiste en la combinación de
sonidos vocales o instrumentales, conforme a estándares culturales de ritmo y
melodía. La música es una de las más antiguas formas de arte y ha estado
presente, de diferentes maneras, en prácticamente todas las culturas humanas.
Se puede crear con fines estéticos, recreativos, ceremoniales, terapéuticos o de
comunicación.
Existen muy diversas maneras de producir música. Se pueden emplear métodos
tradicionales con instrumentos y voces, improvisar con objetos de uso cotidiano o
utilizar programas informáticos de creación musical, llamados DAW (estación de
audio digital, por sus siglas en inglés). Sea cual sea el método, el principio es el
mismo.
Las piezas musicales responden a contextos históricos, culturales y estéticos
específicos y su valoración depende de lo que una sociedad o grupo considere
como arte. La música se asocia con ciertos aspectos de la mente y se considera
un estímulo importante para el pensamiento lógico y matemático, la adquisición
del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, la creatividad y muchas otras habilidades
humanas.
EL SONIDO
Un sonido se considera musical cuando tiene como origen un movimiento
vibratorio periódico o pseudo-periódico. Por supuesto, tal y como se ha indicado,
dejando a un lado toda consideración estética y artística.
Los sonidos musicales son aquellos en los que el músico puede controlar:
Su altura: Constante o apreciable como tal.
Su intensidad: Constante o decreciente (depende de la fuente sonora).
Su calidad: Viene dada por el timbre o el color de un instrumento.
EL RITMO
Se denomina ritmo a la sucesión regular y recurrente de elementos, marcada por
eventos opuestos o diferentes que se despliegan en el tiempo o el espacio. En
otras palabras, el ritmo es un flujo de movimiento cuyo orden interno puede
percibirse y reproducirse.
El ritmo es un principio organizador que se encuentra de distintas maneras en
todas las formas de arte. Hay ritmo en la música, la danza, la arquitectura, la
poesía y en toda la literatura. En el ámbito de la música, el ritmo se manifiesta
como la organización de los sonidos en el tiempo y es fundamental para
componer. En las artes visuales, por otro lado, se refiere a una repetición de
elementos como formas, colores y líneas que, aunque estén fijos, producen una
sensación de movimiento.
Elementos del ritmo
Los elementos principales del ritmo son:
Pulso. Es cada unidad de una secuencia rítmica. Puede ser regular o
irregular, acelerado o ralentizado.
Acento. Es el énfasis que se imprime a un pulso, es decir, a un elemento
dentro de una secuencia o patrón.
Compás. Es el modo de organizar los pulsos en grupos.
Tempo. Es la velocidad o la frecuencia de las repeticiones de un patrón
rítmico. Se mide en pulsaciones por minuto (ppm).
Duración. En música, es el tiempo que transcurre desde que comienza un
sonido hasta que termina.
En la música, el ritmo se define como una sucesión de sonidos y silencios,
reiterados a lo largo del tiempo, que forman un patrón. Se trata de una noción tan
fundamental que precede incluso a la melodía y la armonía.
MELODÍA
En el terreno de la música, se llama melodía a una composición que desarrolla
una idea más allá de su acompañamiento. De este modo se opone a la armonía,
que combina sonidos distintos aunque acordes de manera simultánea. También se
denomina melodía al vínculo que existe entre el tiempo y el canto y a la elección
de los sones con que se forman los periodos musicales en los diferentes géneros
de composición. Puede afirmarse que la melodía supone una combinación de
ritmo y alturas. Mientras que un acorde presenta sonidos simultáneos (es
«vertical»), la melodía se basa en eventos que se suceden en el tiempo (resulta
«horizontal»). La percepción de la melodía, de todos modos, se da como una
unidad más allá de los cambios que evidencia en su desarrollo.
Una melodía, en definitiva, es una sucesión lineal de notas que está
estrechamente relacionada con el ritmo, cuenta con sonidos de diversas alturas y
adquiere un rol protagónico en el marco de una pieza.
La melodía goza de un papel protagónico, por así decirlo, en el ámbito de la
música porque es la parte de una composición que la mayoría de la gente puede
recordar con más facilidad, por ejemplo, cuando sale del teatro. Los amantes de la
música suelen salir de un espectáculo silbando o tarareando sus melodías
favoritas, pero muy pocos pueden llevarse a sus casas la estructura de la armonía
y el ritmo.
ARMONIA
Es uno de los conceptos más importantes y fundamentales que debe conocer
cualquier aspirante a convertirse profesional de la música. Saber de qué manera
este elemento influye en la construcción de una pieza musical nos permitirá
desarrollar nuestros conocimientos musicales. En el presente artículo detallaremos
un poco más sobre qué es la armonía en la música y cuáles son algunos de sus
aspectos más cruciales a tener en cuenta. Además, profundizaremos sobre su
importancia dentro de la industria musical en la actualidad.
Se trata de una técnica en la que se combinan dos o más notas musicales para
crear acordes con la finalidad de producir una progresión armónica adecuada. Es
un estudio que se centra en encontrar una riqueza armónica ideal al momento de
complementar distintas notas musicales. La construcción de los acordes hace uso
fundamental de esta técnica, ya que, al estructurar una secuencia o progresión, se
tienen en cuenta las armonías presentes.
Al momento de componer una obra musical, el autor utiliza diferentes métodos
para desarrollar una armonía musical que se adapte a temática o riqueza sonora
de su trabajo. Existen ciertos tipos de armonías en la música que se utilizan
frecuentemente para transmitir sensaciones o atmósferas más brillantes u
oscuras. Lo que la armonía hace en la música es tomar las notas existentes dentro
de una escala y las organiza para dar como resultado uno o más acordes.
Elementos de la armonía musical
Ahora que hemos comentado qué es la armonía musical, es necesario profundizar
en algunos de los elementos básicos que la componen. Para poder tener un
conocimiento claro de cómo utilizar esta técnica musical en la práctica, debemos
tener en cuenta los siguientes elementos clave:
Escalas. Las escalas musicales son las que nos permitirán determinar el
sentimiento o sensaciones de nuestra obra. Una escala musical no es nada más
que la secuencia de notas musicales, las cuales se pueden representar como
tonos. El principal objetivo que cumplen las escalas es el de crear las bases de
una tonalidad y de una secuencia de melodías. Las escalas se organizan de forma
ascendente o descendente. Además, existen distintos tipos de escalas, como lo
son las pentatónicas, hexátonas, diatónicas, cromáticas y modales.
Intervalos. Los intervalos tienen la función de medir la distancia existente entre
dos tonos musicales, ya sean simultáneos o sucesivos. Dichas mediciones se
realizan a través de los tonos y semitonos. Dentro de la armonía de una obra
musical, sirven para dar mayor dinamismo a las frecuencias en los acordes. Sus
principales tipos son los intervalos unísonos, segunda, tercera, cuarta, quinta, etc.
Tasa de cambios armónicos. Es la que determina el ritmo con el que se pasa de
un acorde a otro. Esto brinda mayores posibilidades armónicas, puesto que
permite elaborar progresiones dependiendo del BPM de la obra.
Modulación. La modulación armónica ocurre cuando la composición original se
aleja del tono base empleado en la canción. Dicho cambio influye directamente en
las armonías de un tema y su desarrollo general.
TIMBRE
Es la cualidad única del sonido que produce un instrumento musical. Cuando dos
instrumentos diferentes tocan la misma nota, pueden tener sonidos muy
diferentes. Por ejemplo, imagina que tocas un do central en un piano y luego tocas
exactamente la misma nota en una trompeta. No tendrás ningún problema en
escuchar la diferencia entre el piano y la trompeta, aunque estén tocando la
misma nota. De eso se trata el timbre.
El timbre también se conoce como calidad del sonido, color del tono o voz.
Algunas de las muchas palabras que se utilizan para describir el timbre de los
instrumentos son: rico, brillante, suave, oscuro, vibrante y cálido. El timbre también
incluye la forma en que el sonido cambia con el tiempo. Por ejemplo, los
instrumentos de percusión producen la mayor parte de su sonido justo al comienzo
de una nota y luego el sonido se desvanece rápidamente. Esto se llama ataque y
desvanecimiento. Los instrumentos sostenidos como la flauta, la trompa o el violín
comienzan a emitir un sonido y lo siguen haciendo, lo que les permite crear
música más suave y fluida. El sonido está formado por pequeñas vibraciones en
el aire que son captadas por nuestros oídos y transmitidas a nuestro cerebro,
donde esas vibraciones son interpretadas como sonido. Si las vibraciones se
producen más rápido, o a una frecuencia más alta, nuestro oído escucha un tono
más alto. Cuando las vibraciones son más lentas, a una frecuencia más baja, el
tono suena bajo.
Cuando un instrumento musical toca una nota, lo que nuestro oído interpreta como
una sola nota en realidad está formado por muchas vibraciones diferentes que se
producen en distintas frecuencias. La frecuencia más baja se denomina
fundamental y, a menudo, es la frecuencia que crea el sonido que más oímos. Las
otras frecuencias más altas se denominan armónicos o sobretonos. Parte del
timbre de un instrumento es la fuerza de los distintos armónicos que produce el
instrumento.
Los armónicos se ven afectados por el tamaño, la forma y el material de un
instrumento. También dependen de la forma en que se produce el sonido, ya sea
soplando aire a través de una abertura, como cuando se toca una flauta o un
órgano, frotando un arco sobre una cuerda, como en un violín, golpeando un
objeto como un tambor o una campana, o haciendo vibrar una lengüeta como en
un oboe o un clarinete. Todos estos elementos se suman para crear el timbre de
un instrumento.
VIBRACIÓN
Se denomina vibración a la propagación de ondas elásticas produciendo
deformaciones y tensiones sobre un medio continuo (o posición de equilibrio).
En su forma más sencilla, una vibración se puede considerar como un movimiento
repetitivo alrededor de una posición de equilibrio. La posición de "equilibrio" es a la
que llegará cuando la fuerza que actúa sobre él sea cero. Este tipo de movimiento
no involucra necesariamente deformaciones internas del cuerpo entero, a
diferencia de una vibración.
Efectos de la vibración
La vibración es la causa de generación de todo tipo de ondas. Toda fuerza que se
aplique sobre un objeto genera perturbación. El estudio del ruido, la vibración y la
severidad en un sistema se denomina NVH. Estos estudios van orientados a medir
y modificar los parámetros que le dan nombre y que se dan en vehículos de motor,
de forma más detallada, en coches y camiones.
Reducción de las vibraciones
Las medidas para el control de las vibraciones son fundamentalmente diferentes
de las medidas para el control del ruido. Aunque las vibraciones suelen tener
causas similares y también pueden provocar ruido, tienen vías de propagación
diferentes. Al principio, el sonido se propaga directamente a través del aire,
mientras que los choques o las vibraciones se propagan a través de materiales
sólidos. Las vibraciones pueden llegar a ser audibles para el ser humano si, por
ejemplo, los componentes del edificio (techos, paredes) emiten un sonido
secundario aéreo en la gama de frecuencias audibles. Dado que el sonido
secundario afecta parcialmente a las medidas pasivas de protección contra el
ruido, como las barreras acústicas o las ventanas insonorizadas, las medidas de
protección en la fuente (emisión) son las más eficaces para estas inmisiones
(vibración, sonido secundario). Las medidas en la fuente se dirigen a los cimientos
de las máquinas, las vías férreas, etc. Las medidas pueden incluir alfombras anti
vibración, almohadillas anti vibración o pies amortiguadores de vibraciones. Los
instrumentos de medición y equipos de laboratorio sensibles, como básculas de
laboratorio y microscopios, también deben protegerse de las vibraciones para
proporcionar resultados de medición fiables.
FRECUENCIA
Refiere al número de repeticiones por unidad de tiempo de cualquier evento
periódico. Esto quiere decir que es la cantidad de sucesos que ocurren en un
momento determinado, pero acá no venimos a hablar específicamente de esto,
sino de las frecuencias sonoras que aparecen en la música.
Las frecuencias en la música están a la vista de todos y bien claras, sólo que,
quienes son apasionados de este tema saben reconocerlas y diferenciarlas.
Dentro de la música, las frecuencias se cuentan con la escala de hercio o hertz
(Hz), llamado así en honor al físico alemán Heinrich Rudolf Hertz. 1 Hz representa
un ciclo (u onda) por segundo.
El oído humano sólo percibe las frecuencias comprendidas entre 20 Hz y 20.000
Hz, aunque el límite superior suele disminuir con la edad. Otras especies tienen un
espectro auditivo diferente (Perros entre 20 Hz y 65.000 Hz; el delfín puede llegar
a percibir ultrasonidos de hasta 160.000 Hz y el murciélago de hasta 200.000 Hz.).
No obstante, este margen varía según cada persona y se reduce con la edad.
Sin embargo, aquellos sonidos que se encuentren en un rango frecuencias
superiores a los 20 kHz, se denominan ultrasonidos, mientras que los infrasonidos
son ondas acústicas inferiores a los 20 Hz.
LA PERCEPCIÓN
Es la capacidad de interpretar los sonidos organizados en tonos y tiempos, y de
activar diferentes regiones del cerebro. Es un proceso que implica análisis
acústico, memoria auditiva, y procesamiento de la sintaxis y semántica musical.
percepción se organiza coherentemente en diferentes tonos y tiempos, que
activan diferentes regiones del cerebro, incluyendo la corteza auditiva y núcleos
subcorticales.
Cómo se percibe la música
Se convierten las vibraciones del aire en una experiencia consciente.
Se activa la corteza auditiva y núcleos subcorticales del cerebro.
Se procesan las relaciones interválicas, la sintaxis y la semántica musical.
Se activan representaciones (pre)motoras de acciones.
Desarrollo de la percepción musical
Primero se asimilan los intervalos entre las notas.
Después, el sonido de las escalas, los acordes simples, las progresiones de
acordes, etc.
TIEMPO
Para hacer referencia a la velocidad de ejecución de una obra musical. Las
indicaciones de tiempo determinan la duración de la música y la separación de los
pulsos a lo largo de ésta. Por lo general, y más en las partituras de música clásica
y académica, encontraremos la indicación de tiempo al inicio de la piezas tanto de
manera textual y/o gráfica, encima del primer compás, y algunas veces,
encontraremos más indicaciones de tiempo encima de ciertos compases
dependiendo del cambio que el compositor de la obra que estemos ejecutando
haya escrito en su partitura.
SECUENCIAS DE SONIDOS
Son repeticiones de motivos o pasajes melódicos o armónicos en un tono más
alto o más bajo. Son una técnica musical que se utiliza para componer y
desarrollar material musical.
Características
Son una figura melódica o de acordes que se repite en un nuevo nivel de
tono.
Se transpone un material musical en un intervalo fijo, como por ejemplo, por
terceras o quintas.
Dan un resultado con dirección y predictibilidad, lo que hace que la melodía
o la armonía sean más interesantes y atractivas para el oyente.
Pueden crear un efecto hipnótico en el oyente, sumergiéndolo en un paisaje
sonoro definido por la repetición y la evolución.
Usos
En vivo, cuando falta algún músico o tu banda no cuenta con todos los
integrantes para tocar todos los instrumentos de una canción.
Para complementar a tu banda con pistas grabadas de los instrumentos
que deseas que suenen.
COMBINACIÓN
En la música se puede hacer a través de la mezcla de audio, los acordes y los
mashups.
Mezcla de audio
Es el proceso de combinar varias pistas de audio para crear una canción
equilibrada. Se realiza en la etapa final de la producción musical.
Los productores y los ingenieros de mezclas ajustan los niveles de volumen,
ecualización, dinámica, panoramización y reverberación. Se aplican efectos y se
utilizan otras herramientas para solucionar problemas.
ACOPLE
en la música es un fenómeno que se produce cuando un sistema de sonido
reproduce su propia señal, lo que genera un bucle de retroalimentación. Esto
puede causar un pitido molesto que se conoce como feedback, howling o efecto
Larsen.
Causas del acople
Mal posicionamiento de los micrófonos, Exceso de ganancia en el sistema de
amplificación, Problemas internos de los instrumentos, Uso excesivo de
reverberación.
Cómo evitar el acople
Separar el monitor de los micrófonos
Orientar bien los altavoces y micrófonos
Usar micrófonos más directivos
Usar ecualización para reducir la ganancia
Usar reductores de acoples automáticos
Evitar una ganancia excesiva en el sistema de amplificación
Consecuencias del acople
En el caso de los micrófonos, el acople puede dañar los altavoces y los oídos del
público.
Algunos músicos usan el acople a su favor
Algunos guitarristas, como Hendrix o Corcoven, usaban el acople a su favor para
crear sonidos en sus shows en vivo.
EQUILIBRIO
En la música referirse al equilibrio tonal, la armonía, o el equilibrio expresivo.
Equilibrio tonal
Es la distribución de energía en el rango de frecuencias audibles.
Define el carácter de una pista, es decir, su tono.
Se puede pensar en él como el equilibrio entre graves, medios y agudos.
Los géneros musicales populares tienen un equilibrio tonal bien definido.
La impresión de equilibrio tonal depende del entorno de escucha.
Armonía
Es la técnica de combinar dos o más notas musicales para crear acordes.
Es el estudio de las proporciones entre las distintas partes de un todo.
Su resultado siempre connota belleza.
Implica los acordes y su construcción, así como las progresiones de
acordes.
Equilibrio expresivo
Es un aspecto fundamental en la interpretación musical en el piano.
Consiste en dar protagonismo a todas las notas que lo requieren.
El proceso de ajuste del equilibrio tonal es a menudo una de las tareas más
difíciles, el problema del equilibrio se suele resolver escuchando atentamente cada
parte de una canción y luego combinando sus sonidos para ajustar el volumen.
Por ejemplo, al ajustar el sonido de una orquesta, los especialistas suelen concluir
que se ven obligados a escuchar a cada intérprete por separado, analizando sus
habilidades y su sonido. Luego, se vierten juntos y se regula la densidad ósea.
Esto se suele utilizar cuando se trabaja con instrumentos de viento porque tienen
un sonido muy voluminoso que es necesario poder interpretar correctamente.
