BARBOSA, A. M.
(2009) “Arte cultura y educación”, Encuentro nacional
de arte, diversidad cultural y educación, Facultad de arte PUCP, Perú,
Noviembre de 2009.
Arte, Educación y Cultura
Prof. Ana Mae Barbosa*
Educación para el desarrollo de diferentes códigos culturales
La Educación podría ser el camino más eficiente para estimular la conciencia cultural del
individuo, comenzando por el reconocimiento y apreciación de la cultura local. A pesar
de todo, la educación formal en el Tercer Mundo Occidental ha sido completamente
dominada por los códigos culturales europeos y, recientemente, por el código cultural
norteamericano blanco. La cultura indígena solamente es tolerada en la escuela bajo la
forma de folklore, de curiosidad y esoterismo; siempre como una cultura de segunda
categoría. Por el contrario, fueron los europeos quienes, en la construcción del ideal
modernista del arte, llamaron la atención hacia el alto valor de otras culturas del este y
oeste, al apreciar los grabados japoneses y las esculturas africanas. De esta forma, los
artistas modernos europeos fueron los primeros en crear una justificación a favor del
multiculturalismo, a pesar de que analizaron la "cultura" de los otros bajo sus propios
cánones de valores. Solamente en el siglo veinte, los movimientos de descolonización y de
liberación crearon la posibilidad política para que los pueblos que habían sido
dominados reconociesen su propia cultura y sus propios valores.
Lectura cultural, identidad cultural, ecología cultural
La búsqueda de la identidad cultural pasó a ser uno de los objetivos de los países “recién
independientes", cuya cultura había sido hasta entonces, institucionalmente definida por
los poderes centrales y cuya historia fue escrita por los colonizadores. La identidad
cultural no es una forma fija o congelada, más bien es un proceso dinámico, enriquecido
a través del diálogo y el intercambio con otras culturas. En este sentido, la identidad
cultural también es un problema para el mundo desarrollado. A pesar de eso, la
preocupación con el estímulo cultural a través de la educación ha sufrido diferentes
abordajes en los mundos industrializados y en los que están en vía de desarrollo,
revelando significados diversos a través de las diferencias semánticas. Mientras que en el
Tercer Mundo hablamos sobre la necesidad de búsqueda de la identidad cultural, los
países industrializados hablan sobre la lectura cultural y la ecológica cultural. De esta
forma, en el mundo industrializado la cuestión cultural se centralizada en el
fortalecimiento de informaciones globales y superficiales sobre diferentes campos del
conocimiento (cultural y literario) y en la atención equilibrada a las diversas culturas de
cada país (ecología cultural).
En el Tercer Mundo, sin embargo, la identidad cultural es el interés central y significa la
necesidad de ser capaz de reconocerse a si mismo o una necesidad básica de
sobrevivencia y de construcción de su propia realidad. Los tres conceptos a los que nos
referimos anteriormente convergen en un punto en común: la noción de diversidad
cultural. Sin la flexibilidad para asumir la diversidad cultural existente en que el arte
visual viene siendo enseñado principalmente como dibujo geométrico, siguiendo todavía
la tradición positivista, o el art e en las escuelas siendo utilizado para la celebración de
fiestas, en la producción de regalos estereotipados para el día de la Madre o del Padre y,
en la mejor de las hipótesis, apenas como un ejercicio de libre expresión. La falta de
preparación del personal para enseñar arte es un problema crucial, llevándonos a
confundir improvisación con creatividad.
La anemia teórica domina la arte-educación que está fracasando en su misión de
favorecer el conocimiento en y sobre las artes visuales, organizado de tal forma que
relacione la producción artística con la apreciación estética y la información histórica.
Esta integración corresponde a la epistemología del arte. El conocimiento del arte tiene
lugar en la intersección de la experimentación, descodificación e información. En las art
es visuales, estar apto para producir una imagen significa ser capaz de leer que una
imagen son dos habilidades interrelacionadas.
Lectura Visual
En nuestra vida diaria, estamos rodeados por imágenes impuestas por los medios,
vendiendo productos, ideas, conceptos, comportamientos, slogans políticos etc. Como
resultado de nuestra incapacidad de leer esas imágenes, aprendemos por medio de ellas
inconscientemente. La educación debería prestar atención al discurso visual. Enseñar la
gramática visual y su sintaxis a través del arte y hacer que los niños sean conscientes de
que la producción humana de alta calidad es una forma de prepararlos para comprender
y evaluar todo o tipo de imagen, concientizándoles sobre lo que están aprendiendo con
estas imágenes. Una currícula que integre actividades artísticas, historia del arte y
análisis de los trabajos artísticos llevaría a la satisfacción de las necesidades e intereses de
los niños, respetando a la misma vez los concept os de la disciplina que va a ser
aprendida, sus valores, sus estructuras y su contribución específica a la cultura.
De esta forma, estaríamos realizando un equilibrio entre las dos teorías curriculares
dominantes: aquella centrada en el niño y la centrada en la disciplina.
Este equilibrio curricular comenzó a ser defendido en Reino Unido por el Ba si c Design
Movement durante los años 50, cuando Harry Thubron, Vict or Pasmore, Richard Hamilt
on, Richard Smit h, Joe Tilson y Eduardo Paolozzi desarrollaron su arte de enseñar el
arte.
Ellos asociaron las actividades artísticas con la enseñanza de los principios del design y la
información científica sobre la mirada, todo esto con ayuda de la tecnología. Sus alumnos
estudiaban gramática visual, su sintaxis y su vocabulario, dominando elementos
formales, tales como: punto, línea, espacios positivos y negativos, división de áreas, color,
percepción e ilusión, signos y simulación, transformación y proyección en las imágenes
producidas por los artistas y también por los medios de comunicación y publicidad. Ellos
fueron acusados de racionalismo, pero hoy, con casi setenta años de arte educación
expresionista en las escuelas del mundo industrializado, llegamos a la conclusión de que
la expresión "espontánea" no es suficiente para el entendimiento del arte.
Apreciación del arte y desarrollo de la creatividad
Apreciar, educar los sentidos y evaluar la calidad de las imágenes producidas por los
artistas es una ampliación necesaria par la libre-expresión, de esta forma se posibilita el
desarrollo continuo de aquellos que, después de terminar la escuela, no se convertirán
en productores de art e. A través de la apreciación y descodificación de los trabajos
artísticos, desarrollamos fluidez, flexibilidad, elaboración y originalidad - los procesos
básicos de la creatividad. Además, la educación de la apreciación es fundamental para
el desarrollo cultural de un país. Este desarrollo solo sucede cuando una producción
artística de alta calidad es asociada a un alto grado de comprensión de la misma por el
público.
Arte Educación: preparando el público para el Arte
Una de las funciones del arte educación es la de ser mediador entre el arte y el público.
Los museos y los centros culturales deberían ser los líderes en la preparación del público
para la comprensión del trabajo artístico. Sin embargo, son pocos los museos y centros
culturales que realizan esfuerzos para facilitar la apreciación del arte. Las visitas guiadas
son tan tediosas, que el viaje de ida y vuelta a los museos es mucho más interesante para
el niño. Pero, es importante enfatizar que los museos y los centros culturales son una
contribución insustituible para amenizar la idea de la inaccesibilidad del trabajo artístico
e del sentimiento de ignorancia del visitante. Aquellos que no tienen educación escolar
tienen miedo de entrar en un museo. Sienten que no conocen lo suficiente para ingresar
en los "templos de la cultura". Ya es hora de que los museos abandonen su
comportamiento sacralizado y que asuman su trabajo conjunto con las escuelas, porque
solamente las escuelas pueden dar a los estudiantes de las clases bajas la oportunidad y la
seguridad para entrar en un museo. Los museos son los lugares para que se de la
educación concreta sobre la herencia cultural que debería pertenecernos a todos, no
solamente a una clase económica y social privilegiada. Los museos son los lugares ideales
para entrar en contacto con los patrones de evaluación del arte a través de su historia, allí
se prepara un consumidor de arte crítico no sólo con el art e de ayer y el de hoy, sino
también con las manifestaciones artísticas del fut uro. Al conocer la relatividad de los
patrones de evaluación a través de los tiempos, el individuo se vuelve flexible para crear
patrones apropiados para juzgar aquello que todavía no conoce. Este tipo de educación,
capaz de desarrollar la auto-expresión, apreciación, descodificación y evaluación de los
trabajos producidos por otros, asociados a su contexto histórico, es necesaria no solo
para el crecimiento individual y el enriquecimiento de una nación, sino también es un
instrumento para la profesionalización.
Arte para el desarrollo profesional
Un gran número de trabajos y de profesiones están directa o indirectamente
relacionados al arte comercial y la propaganda, los out - doors, el cine, el video, la
publicación de libros y de revistas, la producción de discos, cassettes y Cds, sonido y
escenarios para la televisión, y todos los campos del design de moda e industria textil,
design gráfico, decoración etc. No puedo imaginar a un buen diseñador gráfico que no
sepa algo de Historia del Arte, por ejemplo, o sobre Bauhaus. No solamente los
diseñadores gráficos, sino también otros profesionales similares podrían ser más
eficiente es si conociesen, hiciesen art e y hubiesen desarrollado su capacidad de análisis
a través de la interpretación de los trabajos artísticos en su contexto histórico. Me entere
que una investigación constató que los camarógrafos de televisión son mas eficientes
cuando tienen algún contacto sistemático con la apreciación del arte. La interpretación
de las obras de art e y la información histórica son inseparables: la primera tiene un
abordaje diacrónico horizontal del objeto y la otra es una proyección sincrónica vertical.
La intersección de estas dos líneas de investigación producirá la comprensión crítica de
cómo los conceptos formales, visuales y sociales aparecen en el arte, como ellos han sido
percibidos, redefinidos, rediseñados, distorcionados, descartados, reapropiados,
reformulados, justificados y criticados en sus procesos constructivos. Este abordaje de
la enseñanza ilumina la práctica del arte, aún cuando esta práctica es meramente
catártica.
Arte para el desarrollo emocional y afectivo
Aquellos que defienden el arte en la escuela únicamente para liberar la emoción deben
recordar que podemos aprender muy poco sobre nuestras emociones si no somos capaces
de reflexionar sobre ellas. En la educación, lo subjetivo, la vida interior y la vida
emocional deben progresar, pero no por un acaso. Si el arte no se trata como un
conocimiento, y solamente como un "grito del alma", no estamos ofreciendo ni educación
cognitiva, ni educación emocional. Fue Wordsworth, a pesar de su romanticismo, quien
dijo: "El arte tiene que ver con la emoción, pero no tan profundamente como para
reducirnos a las lágrimas".
* Ana Mae Barbosa es Profesora Titular de la Universidad de San Pablo, autora de varios
libros, entre ellos Tópicos utópicos (1998) y Art e Educación: Lectura en el subsuelo (1999).
Ganadora del Premio Internacional Sir Herbert Read (1999).
