Arquitectos e Interioristas

Contemporáneos

Tema 2

DISEÑO DE INTERIORES
 2.-LAS ARQUITECTURAS DE FINALES DEL
SIGLO XX. LOS NUEVOS “ISMOS” (A)
2.1 EL LEGADO MODERNISTA

La modernidad tiene varias ramificaciones a finales del siglo XX y

algunos teóricos a dan por concluida como period, mientras que otros
consideran que se mateniene viva o transformada de alguna manera
en las obras de algunos arquitectos, estudios y en unos paises más
que en otros.

Premiado con galardones tan

importantes como el Premio Pritzker
2.2 OSCAR NIEMEYER
de arquitectura 1988 y el Premio
Príncipe de Asturias de las artes
1989, Oscar Niemeyer pasará a la
historia como uno de los
arquitectos más importantes del
siglo XX, reconociéndose sus
aportes a la exploración de las
posibilidades constructivas,
plásticas y expresivas del hormigón
armado y a la adaptación de sus
edificios a las condiciones
medioambientales en que se
integran, creando así una
arquitectura orgánica.

Arquitecto brasileño. Nació en Río de Janeiro y después de graduarse

por la universidad de Brasil en 1935, trabajó con Le Corbusier en los
innovadores planos para el ministerio de Educación y Salud de Río de
Janeiro (1936). En 1939 realizó el Pabellón brasileño para la feria Iglesia san francisco de Asis, 1943
mundial de Nueva York y en 1943 la residencia Peixoto. A finales de
esta década se le encargó realizar en el suburbio de Belo Horizonte el
teatro municipal (1946) y el edificio del gobernador. Otro de sus trabajos
es la polémica iglesia de San Francisco, tan radical en su estructura que
su consagración se pospuso 16 años después de su finalización en
1959. Su reputación internacional le viene de su audacia e imaginación.
Su obra tiene un carácter ambiental de gran fuerza, ya que Niemeyer
busca adaptar los edificios a las condiciones del medio ambiente, al
hacer convivir grandes volúmenes con espacios vacíos de manera
inusual. Otra característica de sus edificios es que se elevan sobre
pilotes de acero y hormigón. En la década de 1950 fue el arquitecto
organizador de los edificios oficiales de la ciudad de Brasilia. A partir de
1960 trabajó indistintamente en su país y en el extranjero, realizando
diversos conjuntos arquitectónicos en Alemania, Gran Bretaña, Italia,
Argelia o Francia, entre otros países.

2
“A veces un proyecta cuesta que se defina. El terreno es estricto,
rodeado por el mar, y la solución acontece naturalmente, tomando
como punto de partida el soporte central inevitable. La arquitectura "No es el ángulo recto lo
se realizó espontánea como una flor. La vista para el mar era que me atrae, ni la línea
bellísima y había que aprovecharla. Se suspende el edificio por recta, dura, inflexible,
sobre el panorama y se extiende aún más rico. Definir entonces el creada por el hombre. Lo
perfil del museo. Una línea que nace del suelo y sin interrupciones que me seduce es la
crece y se desborda, sensual, hasta la cobertura. La forma del curva libre y sensual, la
edificio, se siempre imaginé circular, se instaló no sólo en el curva que encuentro en
interior, me detuve en el amor. El rededor del museo se crea una las montañas de mi país,
galería abierta para el mar, repartiéndola en el segundo nivel, en el curso sinuoso de
como un altillo con vistas a la gran sala de exposiciones. Y me sus ríos, en las olas del
preocupé por los interiores, deseosos de que fuesen bonitos y mar o en el cuerpo de la
variados, convidando a los visitantes para conocerlos mejore. En mujer amada. De curvas
el terreno, mi idea fue acentuar la entrada del Museo, diseñando está hecho todo el
una rampa externa. Un paseo al rededor de la arquitectura. Y universo, el universo
sentí que el museo sería bonito y tan diferente de los otros, que curvo de Einstein".
los ricos y pobres estarían felices de visualizarlo”. (ON) O. Niemeyer

3
 2.3 RACIONALISMO EUROPEO

La tendencia High-Tech,
que irrumpe durante la década
de los sesenta,
intenta superar el movimiento
moderno en arquitectura,
Corriente arquitectónica surgida en Europa en la segunda década del
siglo XX y que supuso un cambio radical en la visualidad y estética
constructiva, al asumir la línea recta, la conjugación de los volúmenes
puros y el uso de determinados tintes para la decoración final de
edificio. Todo ello determinó un repertorio formal arquitectónico que
presentó múltiples similitudes con las producciones de las
vanguardias pictóricas europeas, especialmente con el cubismo y el
neoplasticismo.

Principios o postulados del racionalismo

Los arquitectos racionalistas en su afán de concebir obras en la que la

estética industrial se hiciese sentir, resumían en sus construcciones
los siguientes aspectos:
• Bloques arquitectónicos elevados sobre pilotis (pilares)
• Planta baja libre.
• Fachada libre, independiente de la estructura.
• Ventanas longitudinales (fenêtre en longueur).
• Cubiertas planas y con la presencia de jardines.
• Predominio de los colores rojo, azul, amarillo; más los acromáticos negro, gris y blanco.

Las características de las construcciones racionalistas:

• Preponderancia de los conceptos de estructura y función.

• Inclinación y gusto por el uso de las formas geométricas simples y con criterios ortogonales
• Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta y gratuita
• Concepción dinámica del espacio arquitectónico
• El uso de materiales de nuevo tipo como el acero, el hormigón y el vidrio.

2.4 HIGH-TECH

La tendencia High-Tech, que irrumpe durante la década de los

sesenta, intenta superar el movimiento moderno en arquitectura,
poniendo en evidencia, y dejando a la vista los diversos elementos
constructivos. Así la estructura, las instalaciones, los cerramientos y
demás sistemas constructivos, pasan a ser los protagonistas .

La construcción del emblemático edificio del Centre Pompidou, el

popular Beubourg de Paris, del 1977, da la salida del movimiento
High-tech que durante los años 90, incorpora a su programa inicial, la
incorporación de las energías alternativas. Nace pues durante la grave
crisis del petróleo de los 70 y se regenera en los 90, con un trasfondo
que gira alrededor de la optimización energética.

Coincidiendo con este proyecto, aparece el libro “High-Tech: The

industrial style and source book for the home” de los autores Joan
Kron y Suzanne Slesin, en donde aparece la célebre frase acerca de
4
la polémica propuesta “es probable que tu padre lo encuentre
insultante”.

El proyecto, firmado por los arquitectos Richard Rogers y Renzo

Piano, entonces muy jóvenes, contó con lacontribución del ingeniero
Peter Rice, de la ingeniería Ove Arup, que hizo posible una de sus
mejores estructuras. Pero, como pasa siempre, el presidente del
jurado, quién apostó fuerte por su construcción, fue Jean Prouvé,
entonces ya en edad provecta.

Su declarada apuesta por el brutalismo más extremo, transgrede

algunos principios básicos que ya desde entonces forman parte del
repertorio High-tech. Una clara apuesta por los materiales
tecnológicos, el vidrio, el acero, el acero inoxidable, incluso la
fundición en las piezas gerberete, en clara referencia y homenaje al
ingeniero Gerber, se mezclan con las instalaciones técnicas. Los
conductos de aire de la climatización, los conductos de protección al
fuego, los diferentes sistemas de iluminación, las escaleras y
ascensores, dejando la piel del edificio, de acero y vidrio, en un
segundo plano, donde la estructura le roba protagonismo.

Ahora sabemos, después de muchos años desde su inauguración,

cuáles fueron sus errores de juventud, que luego, se han ido
corrigiendo. Ya en los años 80, tomó el testigo el arquitecto Sir
Norman Foster que nos dejó alguno de sus mejores proyectos, dando
pleno sentido al concepto High-tech.

De ésta época datan los proyectos emblemáticos del banco de Hong

Kong y Shangai, y también el interesante edifico de Jean Nouvel del
instituto del Mundo Árabe de Paris.

Cabe recordar que a finales de los años 60, se consiguió llegar a la

luna. Se hizo un gran esfuerzo tecnológico y se extendió la idea real
de que la aplicación de la tecnología podía mejorar la vida de las
personas. Este principio inspiró la nueva arquitectura que luego
desembocó en el concepto de High-tech.

A medida que las nuevas preocupaciones sociales fueron

evolucionando, el programa High-tech fue adaptándose a sus
necesidades. En la década de los 90 se incorporaron las nuevas
fuentes de energía. En el edificio proyectado para la EDF Electricité

5
de France, Foster, en 1992-1996, consigue incidir sobre el ahorro
energético, reduciendo a la mitad, el gasto energético del edificio.

Más adelante, la conocida como arquitectura sostenible, da paso al

término Eco-tech, en donde finalmente la construcción de edificios,
apuesta por la baja emisión de energía, la utilización de materiales
tecnológicamente avanzados, pero acordes con materias primas
naturales, y el bajo consumo energético, apostando de manera
definitiva por las fuentes de energía naturales.

2.4. 1 Richard Rogers

Arquitecto británico, responsable de algunos de los edificios más
emblemáticos de las últimas décadas, como el Centro Nacional de
Arte y de Cultura Georges Pompidou en París, que diseñó con Renzo
Piano, y el Lloyd’s en Londres. Conocido por sus edificaciones
pioneras junto a Norman Foster y Renzo Piano, al frente de su propio
estudio, Richard Rogers Partnership, ha mantenido durante toda su
carrera profesional un compromiso con la relación entre arquitectura y
medio ambiente, cultura y sociedad.

Hijo de padres angloitalianos, su primo era el célebre arquitecto

italiano Ernesto Rogers. Al estallar la II Guerra Mundial su familia se
trasladó a Inglaterra, donde Richard pasó la infancia de internado en
internado. Disléxico, según ha contado él mismo en más de una
ocasión, no le fue fácil salir adelante. Tras diplomarse en arquitectura
en la Architectural Association de Londres (1954-1959), donde tuvo
como profesores a James Stirling y Peter Smithson, en 1962 obtuvo
una maestría por la Universidad de Yale; allí entablaría amistad con
Norman Foster.

A su regreso a Londres, Rogers y su entonces esposa, Sue Brumwell,

se asociaron con el matrimonio formado por Norman y Wendy Foster
y crearon su primer estudio, Team 4. El primer proyecto del grupo
consistió en diseñar la casa familiar de los padres de Sue en
Cornualles, pero su construcción más ambiciosa resultó, sin duda, la
6
fábrica Reliance Controls Ltd. en Swindon, Wiltshire, en la que se
combinaban los preceptos heredados de Charles Eames con nuevos
intereses sociales inusuales en aquellos años. Team 4 logró
notoriedad por sus diseños de alta tecnología, pese a lo cual el grupo
decidió disolverse en 1968.
El Centro Pompidou fuemuy criticado al chocar
enormemente con la estética clásica
y romántica de las calles y
edificios de la capital francesa
En 1967 Rogers representó a los arquitectos británicos en la Bienal de
París con la Dr. Rogers House (Wimbledon), y un año más tarde
obtuvo el premio House for Today de Dupont Company por el
prototipo Zip-Up House, un importante hito histórico dentro del
desarrollo de la vivienda industrial. A finales de la década de 1970,
Rogers estableció estrecho contacto con el arquitecto italiano Renzo
Piano a quien conoció cuando ambos impartían cursos en la
Architectural Association. Ambos decidieron asociarse y fundaron el
estudio Piano & Rogers.

El estudio proyectó obras como el Pabellón Italiano para la Exposición

Universal de Osaka (1970), el centro comercial de Fitzroy Street
(1970), el Centro PATS (1975) en Cambridge o el Instituto de
Investigación y Coordinación Acústica de Pierre Boulez (1977). Sin
embargo, la obra que les daría mayor renombre internacional sería el
Centro Georges Pompidou, en París. En 1971 Piano & Rogers
ganaron el concurso para la construcción del Centro Nacional de Arte
y de Cultura Georges Pompidou, en la capital francesa. La
construcción del edificio, en el centro histórico de París, se convirtió
en un acontecimiento internacional por su estética industrial y por
redefinir el papel del centro cultural tradicional.

Los arquitectos concibieron el edificio como un “diagrama espacial

evolutivo”. Pensado como una superestructura de acero y vidrio, una
de las prioridades más importantes fue dotarlo de la mayor movilidad
funcional posible, para lo cual liberaron el espacio interior de
conductos técnicos y órganos de circulación (escaleras, ascensores,
etc.), que son exteriores y se diferencian por colores: azul para el aire
(climatización), verde para los fluidos (circuitos de agua), amarillo para
los revestimientos eléctricos, y rojo para las comunicaciones
(ascensores) y la seguridad (bombas contra incendios).

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Precisamente este aspecto, tan innovador y chocante en la década de
1970, hizo que fuese muy criticado al chocar enormemente con la
estética clásica y romántica de las calles y edificios de la capital
francesa, aunque actualmente es uno de los edificios más queridos
por los parisienses. El Centro Pompidou fue inaugurado por el
presidente de la República, Valéry Giscard d’Estaing, en 1977. Lo
visitan anualmente cerca de seis millones de personas y está
considerado uno de los edificios más emblemáticos del siglo XX.

Acabado el Centro Pompidou, en 1977 Rogers fundó su propia

empresa, Richard Rogers Partnership, que integran en la actualidad
130 personas. Su estilo, enérgico y alegre, nos muestra estructuras
que poseen algo de revival gótico o estilo Tudor, concibiendo al final lo
que se podría llamar un “diseño británico” que ha hecho de Rogers el
arquitecto más involucrado con la construcción de obras
gubernamentales británicas de los últimos cincuenta años. Es
responsable de obras como la expansión del aeropuerto de Heathrow
(1989-2008) y la Asamblea Nacional de Gales en Cardiff (1998-2005),
y en sus manos puso Tony Blair la ejecución de la Cúpula del
Milenio (1996-2000). Hablar de Richard Rogers es hablar de un
hombre comprometido con su país.

Otros edificios y proyectos emblemáticos del equipo capitaneado por

Rogers son la sede de la compañía Lloyd’s en Londres (1978-1986),
la Corte Europea de Derechos Humanos, en Estrasburgo (1989-
1995), el edificio de Channel Four, en Londres (1990-1994), o el
Palacio de Justicia de Burdeos (1992-1998).

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 Entre los proyectos inmediatos de Rogers (que en junio de 2006 fue el
encargado de inaugurar, junto a su colega Renzo Piano, la Bienal de
Arquitectura en Londres) destacaban la construcción de un
rascacielos en la Zona Cero de Nueva York y la remodelación urbana
de Valladolid, de la que dice: “Es un proyecto fantástico: borrar una
cicatriz que recorre y divide la ciudad en dos, que es la línea férrea;
fundir ambas márgenes y soterrar la nueva vía del AVE. Y la cuestión
es qué hacer con el terreno o la piel nueva, cómo densificarlo”.

En España (tiene estudio en Madrid, el segundo en envergadura

después del que dirige en Londres) ha proyectado, junto a Antonio
Lamela, la Terminal 4 (T-4) del aeropuerto de Barajas. La T-4 se
inauguró el 4 de febrero de 2006, y en octubre mereció el premio Stirling,
el más prestigioso de arquitectura en el Reino Unido. El 10 de
septiembre de 2006 la Bienal de Venecia le otorgó el León de Oro por su
trayectoria profesional. Además ha diseñado, con Alonso & Balaguer
Arquitectos, edificios tan representativos como el Hotel Hesperia (1999-
2006) en Barcelona, el Centro de Negocios de Viladecans (2001-2005) y
las nuevas instalaciones de las Bodegas Protos en Peñafiel (Valladolid)
(2004-2006), que tenían previsto abrir sus puertas en 2007.

En paralelo a su actividad principal como arquitecto y urbanista, Rogers

ha desarrollado una intensa actividad relacionada con la sociedad
británica. Fue presidente de la Tate Gallery (1981-1989), del Consejo de
las Artes de Inglaterra (1994-1997) y de la Architecture Foundation.
Además, ha publicado libros de referencia como Ciudades para un
pequeño planeta y Ciudades para un pequeño país (junto con la
profesora Ann Power).

Richard Rogers recibió la Orden de la Legión de Honor francesa en

1986, y está en posesión, entre otros galardones, de la Medalla de Oro
del Royal Institute of British Architects (RIBA) (1985), la Medalla de la
Thomas Jefferson Memorial Foundation (1999) y el Praemium Imperiale
(2000). Desde 1991 ostenta el título de sir, y en 1997 fue designado
miembro de la Cámara de los Lores. Es director para la arquitectura y el
urbanismo de la Greater London Authority y milita activamente en el
Partido Laborista británico. Desde 1973 Rogers está casado con Ruth
Elias, cofundadora y copropietaria del prestigioso restaurante The River
Cafe (diseñado por su esposo), autora de varios best-seller sobre cocina
y colaboradora gastronómica habitual de la televisión británica.

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2.4.2 Norman Foster
“La formación de un arquitecto no debería limitarse a las aulas.
Conocer en primera persona las obras maestras
de la arquitectura también educa,
y no hay sustituto para esa experiencia.”
N. Foster
Norman Foster nació en Manchester en 1935. Estudió Arquitectura y
Urbanismo en la Universidad de Manchester. Después de licenciarse
en 1961, fue premiado con la Henry Fellowship (Beca Henry) para la
Universidad de Yale donde realizó un Máster de Arquitectura.

En 1967 Norman y Wendy Foster fundaron Foster Associates en el

salón de estar de su piso de dos habitaciones. Entre 1967 y 1971
emplearon entre 10 y 20 personas.

Norman Foster trabajó con R. Buckminster Fuller en una serie de

proyectos entre 1968 y 1983. 25 años más tarde, en 1992, Foster
Associates pasó a ser Sir Norman Foster y Compañía (Sir Norman
Foster & Partners), una empresa internacional cuyo trabajo ha
recibido, desde sus comienzos, más de 60 galardones y distinciones
por su buen hacer y ha ganado 14 concursos internacionales sobre
construcciones. Actualmente, tiene oficinas en Berlín, Frankfurt, Hong
Kong, Nimes y Tokio, y una plantilla de 180 arquitectos, diseñadores,
constructores de maquetas y sus respectivos equipos.

Entre las principales construcciones se incluye el centro Sainsbury de

Artes Visuales de Norwich, la sede central del Hong Kong and
Shangai Banking Corporation en Hong Kong, las galerías Sackler en
la Royal Academy of Arts de Londres, el tercer aeropuerto
internacional de Londres llamado Stansted, la Torre Century de Tokio,
10
la Torre de Collserola y el Carré d'Art (galería de arte y centro cultural
de Nîmes).

Se tiene previsto realizar proyectos en King's Cross y Greenwich en

Londres, Nîmes y Cannes en Francia, Berlín, Duisburgo y
Lüdenscheid en Alemania y Rotterdam en Holanda.
El entorno en el que vivimos tiene
un impacto directo en nuestra vida.
Es lo que podríamos llamar
la «dimensión social de la arquitectura».
Arquitecto británico. Es el creador de la corriente arquitectónica
denominada High-Tech. El término no fue acuñado por él sino por
Buchanan en 1983, con motivo de la presentación de la fábrica
Renault de Norman Foster. La idea de esta tendencia es la de
solucionar distintos problemas arquitectónicos mediante los medios
tecnológicos más sofisticados. Esta arquitectura sólo resulta
adecuada en edificios de grandes dimensiones y elevados
presupuestos.

Discípulo de James Stirling y abanderado del posmodernismo en

arquitectura, Foster es uno de los arquitectos británicos actuales más
prestigiosos e influyentes. En 1985 diseñó el Banco de Hong Kong, el
edificio de mayor coste económico del mundo. También proyectó en
Nîmes la Mediateca y el Centro de Arte Contemporáneo, conjunto
inspirado en la arquitectura de Mies van der Rohe. El exterior del
centro, construido en acero y cristal, está concebido como un gran
contenedor prismático sostenido por una estructura ligera, protegida
por gigantescas persianas para graduar la luz.

Es también creador de audaces diseños para mobiliarios de oficinas, a

partir del empleo de la tecnología más moderna, concebidos en base
a una extremada economía formal. En 1999 fue galardonado con el
Premio Pritzker, el más prestigioso reconocimiento en el ámbito de la
arquitectura a una trayectoria profesional.

11
2.5 MINIMALISMO
La intención es crear espacios pacíficos,
armónicos y funcionales,
sin demasiados detalles irrelevantes
y objetos innecesarios y redundantes.
El estilo minimalista proviene de una tendencia donde se rescata el
concepto de lo “mínimo“. Mies Van Der Rohe fue el pionero en esta
tendencia al proponer su famosa frase: “less is more” o “menos es
mas” de ahí deriva el termino y la tendencia de conseguir mucho con
lo mínimo indispensable.

El minimalismo se caracteriza por edificios con pocas líneas,

espléndidos por su simplicidad de formas y materiales. “Menos es
más” es el gran principio del minimalismo con colores llamativos y
ambientes amplios y despojados, explícitamente evita la excesiva
ornamentación.

La intención es crear espacios pacíficos, armónicos y funcionales, sin

demasiados detalles irrelevantes y objetos innecesarios y
redundantes. El minimalismo es una tendencia sobria y austera.

Se podría decir que el minimalismo ha sido interpretado de diversas

maneras en el campo de la arquitectura y el interiorismo. El
minimalismo es la tendencia de reducir a lo esencial, sin elementos
decorativos sobrantes, para sobresalir por su geometría y su
simpleza. Es la recta, las transparencias, las texturas, es la
funcionalidad y la espacialidad, es la luz y el entorno. La Arquitectura
minimalista se expande con gran rapidez, gracias a la simpleza de sus
líneas. Una arquitectura símbolo de lo moderno que utiliza la
geometría elemental de las formas.

12
Los preceptos básicos del minimalismo en arquitectura son:
- Utilizar colores puros
- Asignarle importancia al todo sobre las partes
- Utilizar formas simples y geométricas realizadas con precisión
mecánica
- Trabajar con materiales industriales de la manera más neutral
posible y diseñar sobre superficies inmaculadas.

Todos son colores puros, lo cual

proyecta una sensación más
contemporánea
en contraposición al estilo
barroco y recargado del siglo XIX.

- El resultado que define este estilo en un concepto es la palabra

limpieza.
- El minimalismo le da gran importancia al espacio y a los materiales
ecológicos.
- Centra su atención en las formas puras y simples.
- Monocromía absoluta en los suelos, techos y paredes. Al final son
los accesorios los que le dan un toque de color al espacio.
- Destaca el color blanco, en toda su gama de subtonos, y todas los
matices que nos da su espectro.
- Uno de los cambios producidos por el minimalismo en la decoración
fue el uso de elementos como el cemento pulido, el vidrio,
losalambres de acero.
En cuanto a los accesorios el minimalismo no utiliza telas estampadas
en los sillones ni en los cojines. Todos son colores puros, lo cual
proyecta una sensación más contemporánea en contraposición al
estilo barroco y recargado del siglo XIX. Para el minimalismo todos los
elementos deben combinar y formar una unidad. Esto se resume en el
precepto minimalista de que "todo es parte de todo".

A nivel de arquitectos de renombre, John Pawson está considerado

como el arquitecto que más se ciñe a estas características
minimalistas. Este proyectista además estuvo muy atento a la
tradición japonesa. Todo esto se observa en obras variadas que van
desde proyectos para viviendas y tiendas hasta un austero monasterio
cisterciense. Para Pawson el minimalismo es la cualidad que posee
un edificio cuando cada componente ha sido reducido a su esencia.
Evitar lo irrelevante es para este arquitecto el camino para enfatizar lo
importante.
13
 2.6 CLASSICAL-REVIVAL

Momento de recuperación de valores “clásicos” e incorpración de

lengujees formales históricos al estructuras constructivas propias del
momento.

El estilo Tardomoderno se apoyó

en la tecnología
y la innovación, mientras que el estilo
postmoderno introdujo las referencias históricas.

2.7 POST-MODERNISMO

En la década de los años setenta del siglo XX surgen dos corrientes

estilísticas importantes, como son la Arquitectura Postmoderna y la
Tardomoderna. Estos dos estilos, aunque paralelos en el tiempo y que
huían del « Movimiento Moderno », se concebirán de forma bien distinta.
El estilo Tardomoderno, —también conocido como High-tech—, se
apoyó en la tecnología y la innovación, mientras que el estilo
postmoderno introdujo las referencias históricas. Las características
principales del estilo postmoderno son: la marcada división de edificios
altos en base, fuste y remate, la introducción de órdenes clásicos y la
configuración antropomórfica. « Todos ellos tienen en común la
denuncia de los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico
y el Estilo Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma
que la forma es consecuencia de la función, la planta libre y la desnudez
14
“Para decirlo con pocas palabras, un edificio posmoderno interpela
simultáneamente como mínimo a dos grupos: a los arquitectos y a una
minoría comprometida que se preocupa por problemas arquitectónicos
específicos y al público y a los visitantes in situ interesados por los
problemas de confort, de la arquitectura tradicional y de su manera de
vivir.” Charles Jenks.

Los primeros arquitectos postmodernos importantes son Philip

Johnson, Charles Moore, Aldo Rossi, Robert Venturi o Michael Graves.
Estos arquitectos se preocuparon por las cuestiones del entorno, la
recuperación de las formas históricas y la búsqueda del humor y la
sorpresa. « El uso de los elementos históricos es muy libre y ecléctico
y la preocupación por el entorno lleva a respetar las formas y
materiales característicos del lugar ».

Las primeras obras postmodernas importantes son el Portland Public

Service Building, en Oregón (1980-1982), de Michael Graves; la Piazza
d'Italia en Nueva Orleans (1974-1980), de Charles Moore; también el
Edificio AT&T de Nueva York (1978-1984), diseño de Philip Johnson y
John Burgee. Uno de los mejores ejemplos de rascacielos
postmodernos construidos en la ciudad de Nueva York es el Citigroup
Center (1971-1977), también conocido como Citicorp Center, diseño de
Stubbins Associates en colaboración con Emery Roth & Sons.

« La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida

del mundo actual. Los arquitectos postmodernos defienden valores
como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de
estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de
referencias históricas ».

Muy pronto aparecerán las primeras obras postmodernas de

arquitectos destacados a nivel internacional como Oscar Niemeyer o
Santiago Calatrava, que irán un paso más allá en este movimiento con
un estilo propio de marcado carácter plástico y escultural, volviendo a
encontrar la total libertad de creación. En cada una de sus obras se
aprecia una clara apariencia antropomorfa, la búsqueda de una
metáfora basada en la inspiración por la naturaleza o el cuerpo
humano en el que predomina el color blanco. Muy buenos ejemplos de
esa búsqueda son el MAC Museo de Arte Contemporáneo de Niterói
(1991-1996) de Oscar Niemeyer, o el Museo de Arte de Milwaukee
(1994-2001) y el Auditorio de Tenerife (1991-2003) diseño de Santiago
Calatrava. 15
Objetivos y características principales de este tipo arquitectónico

La ironía, el pluralismo, los

Uno de los objetivos principales de este estilo arquitectónico era buscar arbotantes, la paradoja, los techos
diversas soluciones a los problemas que planteaba la corriente muy altos y el contextualimos,
Modernista, tanto el significado que tiene la comunicación de la
ambigüedad como la sensibilidad de los contextos en la construcción.
Ambas cosas están enlazadas de forma sorprendente ya que no
pertenece la misma etapa pero sin embargo, colaboraron entre sí.
Dichos objetivos dejan atrás el espacio que han en las variadas
implementaciones que solían estar ilustradas en los diferentes edificios
construidos por el movimiento posmoderno.

A la hora de hablar sobre las características principales de la

arquitectura posmoderna tenemos que destacar la libertad de
expresión que tenían los artistas para representar sus obras artísticas
(en este caso edificios). Además existen diversas características más
como la utilización de adornos, formas esculturales, materiales o
antropomorfismo. Dichas características que tenía el significado era la
doble compilación, la ironía, el pluralismo, los arbotantes, la paradoja,
los techos muy altos y el contextualimos. Estas características poco a
poco a lo largo de los años se fueron unificando y se pudieron observar
diferentes y variadas apariciones en años posteriores. Además cabe
destacar otra de sus principales características que son sus formas
demasiado extravagantes y el humor que se transmitían a las
construcciones.

16
Orígenes y raíces

Se podría decir que cuando hablamos de la arquitectura posmoderna

La arquitectura de este movimiento
nos referimos también a el arte posmoderno (ya que ambos van
surgió como el opuesto de la
enlazados), es por esta razón por lo que cuando hablamos del origen y arquitectura moderna.
las raíces de la arquitectura posmoderna también hacemos referencia
a las raíces y origen del arte posmoderno.
Resumidamente se podría de ir que la corriente postmodernista se
originó en Estados Unidos entre el año 1960 y el 1970 (no se sabe con
exactitud la fecha en concreto), poco a poco con los años este
movimiento artístico se fue desplazando por Europa y por el resto de
los continentes y se podría decir que hoy en día es uno de los únicos
movimientos que está activo actualmente. La arquitectura de este
movimiento surgió como el opuesto de la arquitectura moderna y es
por ello que mientras que en la arquitectura moderna muchas personas
de ese tiempo consideraron las construcciones de este estilo de arte
como innecesarias ya que se pensaba que las construcciones
realizadas no podían satisfacer las necesidades de los seres humanos
tanto de punto de vista como estéticamente. Al contrario en la
arquitectura posmoderna se intentó buscar e introducir diversos colores
y formas de decorar las construcciones.

17
 2. 8 DECONSTRUCTIVISMO

La apariencia de los edificios deconstructivistas denotan un aparente "caos controlado", muy

habitual, por ejemplo, en la obra de Frank Gehry. « No se obtendrá respuesta alguna facilitando
el acceso a un sentido racional cuya realización se nos haya prometido. Se trata justamente de
lo que sucede al sentido ».

Jacques Derrida

El Deconstructivismo o Deconstrucción es un movimiento

arquitectónico moderno que surge en la década de los años ochenta
del siglo XX y que presenta cierta similitud con el Constructivismo ruso
de los años 1920. No obstante, el padre de este estilo es el filósofo
francés Jacques Derrida, ya que ha sido el que más ha contribuido a
definirlo. Es un estilo que está englobado dentro de la
Postmodernidad, y que convive en la actualidad con el estilo
Postmoderno, el High-tech o también llamado Tardomoderno, la
Nueva Arquitectura Orgánica de Toyo Ito o la Arquitectura Sostenible.

Sus características principales son la falta de armonía, de continuidad

y de simetría, huyendo significativamente de la geometría euclídea o
euclidiana (que utiliza el ángulo recto). « Se trata de mostrar
abiertamente las contradicciones, lo cual supone prescindir de las
leyes clásicas del soporte y la carga, del muro y el cierre del espacio,
de la proporción y la regularidad ».

Los arquitectos adscritos a este movimiento son Peter Eisenman,

Frank O. Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind y
Bernard Tschumi. Estos arquitectos contribuyeron con algunas de sus
obras más representativas en la Exposición titulada "Arquitectura
Deconstructivista" que tuvo lugar en el MOMA Museo de Arte
Moderno de Nueva York que se celebró del 23 de Junio al 30 de
Agosto de 1988, y que fue conducida por los arquitectos Philip
Johnson y Mark Wigley.
18
 Podría caracterizarse por ser la arquitectura
del rompimiento, de la dislocación y distorsión,
abandona la verticalidad y la horizontalidad.

La arquitectura deconstructivista no representa un movimiento, no es

un credo, ni tiene reglas de obligado cumplimiento. Es la confluencia
en la obra de unos cuantos arquitectos importantes, de enfoques
similares que dan como resultado formas parecidos. Es una
concatenación de tendencias afines en varios lugares del mundo.

Podría caracterizarse por ser la arquitectura del rompimiento, de la

dislocación y distorsión, abandona la verticalidad y la horizontalidad,
utiliza rotaciones sobre ángulos pequeños y agudos, descompone las
estructuras hasta un caos aparente y la desnuda para aparentar
objetos no terminados.

El deconstructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no

lineales, procesos de diseño, geometría no formal, negando
polaridades como la estructura y el recubrimiento. La apariencia visual
de los edificios de este estilo se caracteriza por un desorden
controlado. Muchos críticos ven esto como un mero ejercicio formal
con poco significado social, hay incluso quienes lo ven como
monstruos que se alzan en la ciudades, consideran así a las obras
deconstructivistas por el hecho de no ser “normales”.

19
 El deconstructivismo incluye ideas de
fragmentación, procesos no lineales,
procesos de diseño,
geometría no formal, negando polaridades
como la estructura y el recubrimiento.

En esta tendencia se mezcla la falta de restricciones del arte con algo

tan concreto e inamovible como son las leyes de la física, pues si se
construye un edificio, este tendrá que mantenerse en pie, sin embargo
es la sensación que arrojan la que no sólo perciben los eruditos en
arquitectura ni solo los profesionales en construcción, sino la gente,
adultos o jóvenes, profesionales o no, quienes sienten el impacto de
algo que fascina por el simple hecho de ser diferente a todo lo que
vieron.

20
2.8.1 Frank Gehry
Utilizando siempre
materiales atípicos e
innovadores, creó entre 1969
y 1982 dos líneas de
mobiliario de carton.

Frank Owen Ghery nació en Toronto (Canadá) el 28 de febrero de

1929, y desde los 15 años reside en Los Ángeles ([Link].), por lo que
se nacionalizó estadounidense.

Se graduó en Arquitectura en la Universidad del Sur de California en

1954 y tras realizar el servicio militar, estudió urbanismo y
planificación en la Escuela de Diseño de Harvard.

En Los Ángeles comenzó a trabajar en el estudio Victor Gruen y

asociados y en 1961, ya casado y con dos hijas, se trasladó a París,
donde trabajó en el estudio de André Remonder.

En Francia estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos

franceses y europeos que le influyeron en sus primeros trabajos.

Regresó en 1962 a Los Ángeles y abrió su despacho de arquitectura,

a partir del cual fue desarrollando su propio estilo arquitectónico y
ganando reconocimiento nacional e internacional.

Considerado uno de los más destacados representantes de la

corriente desconstructivista de Estados Unidos, destaca de su
particular estilo las formas semidescompuestas y su idea de que un
"edificio, una vez terminado, debe ser una obra de arte, como si fuese
una escultura".

Utilizando siempre materiales atípicos e innovadores, creó entre 1969

y 1982 dos líneas de mobiliario de cartón; de 1972 es "Easy Edges",
colección de muebles de cartón ondulado prensado y entre 1979 y
1982 diseñó "Experimental Edges".

21
A mediados de los ochenta Ghery trabaja en las lámparas Pez y
Serpiente, realizadas en Colorcore, un tipo laminado de plástico
traslúcido y a comienzos de los noventa diseñó su colección de
mobiliario Bent Wood (1989-1992), basada en el método para
entretejer las tiras de las cestas.

En arquitectura comenzó también en los años 70 a experimentar con

la yuxtaposición de materiales bastos en inusuales composiciones
geométricas, como la casa estudio de Ron Davis en Malibú California,
1970-1972), que cuenta con una cubierta trapezoidal.

Otras obras de los años 80, como el Museo Aeroespacial de California

(1982-1984) le valió ya en 1989 el Premio Pritzker, el máximo
reconocimiento mundial de arquitectura, comparable al Premio Nobel.

Considerado uno de los diez maestros de la arquitectura moderna es

representante del deconstructivismo de obras como su propia casa en
Los Ángeles, el Museo Cabrillo Marine, la Facultad de Derecho de
Loyola (California), el Museo de la Universidad de Minnesota (1990-
1993), el Centro Americano en París (1994), Edificio Nationale
Nederlanden (1992-1996, Praga), el edificio de Vitra en Basilea
(Suiza), y el premio Patrimonio Nacional y el Experience Music Project
(1995-2000, Seattle, [Link].).

Seleccionado en 1999 para realizar la ampliación de la centenaria

Corcoran Gallery de Washington, hizo también el Museo de Historia
de los Judíos Polacos en Varsovia; la recuperación del Parque Meyer
en Lisboa y el "Acuario del Mundo" en el sector Pacífico de la entrada
del Canal de Panamá, en 2004.

Sin embargo, el edificio que le reportó el mayor prestigio internacional

fue el Museo Guggenheim de Bilbao (1991-1997), en el que empleó
cristal, acero inoxidable, zinc, o titanio, mezclados con otros
autóctonos como la piedra. Por este trabajo Ghery obtuvo diversos
22
 Su brillante
carrera se caracteriza
por el innovador uso
de los materiales y la
concepción del
edificio como una obra
de arte en sí mismo.

premios, como el de la Fundación austriaca Friedrich Kiesler (1998) o

el Premio Internacional de Diseño (1999) que le concedió la Sociedad
de Ingeniería de Iluminación de Norteamérica.

Otras obras destacadas de Ghery son el Chiat/Day en Venice

(California); el Museo de Arte de la Universidad de Toledo (Ohio); el
Centro de Artes Escénicas del Bard College, (Nueva York, 2003); el
Auditorio Walt Disney (Los Ángeles, 2003) ; la casa danzante de
Praga en la República Checa, o el Instituto Tecnológico de
Massachusetts, Boston, EE. UU.

En España -donde ha sido seis veces candidato al Premio Príncipe de

Asturias de las Artes- realizó entre otras obras, la escultura de la Villa
olímpica, un pez gigante de unos treinta metros en los jardines del
Hotel Arts de Barcelona (1992) y en 2006 la reforma de Bodegas
Herederos del Marqués de Riscal en Elciego (Álava).

También diseñó el rascacielos futurista que domina el área de Sant

Andreu-Sagrera, en Barcelona.

También firma el nuevo museo de arte contemporáneo de París en

cuya presentación, en 2006, reveló que el edificio iba a estar
compuesto por un conjunto de figuras geométricas de cristal, una
especie de "cubos esculpidos", un diseño que él mismo calificó de
"transparente, lúcido, serio, mágico y efímero".

Su obra ha sido objeto de numerosos estudios monográficos, como el

documental del cineasta Sydney Pollack "Sketches of Frank Gehry",
presentado en 2006, y su popularidad le ha hecho aparecer incluso
como personaje de la serie de animación "Los Sipmson".

23
CATIA

Computer Assisted Three-dimemtional Interactive Aplication

Aplicaciones Tridimensionales Interactivas Asistidas por Ordenador

Sistema de diseño mecánico para ingeniería. Priemra versión de

1982, IBM.

24
2.8.2 Daniel Libeskind
[Link]. 1946

«La misión de
un arquitecto es hacer
mejor la vida».

D. Libeskind

Arquitecto polaco nacionalizado estadounidense, nacido en Lodz. Hijo

de dos supervivientes del Holocausto, varios de sus familiares
murieron en Auschwitz. Su familia emigró a Estados Unidos en 1965.
Estudió piano y acordeón en Israel y arquitectura en la Cooper Union
for the Advancement of Science and Art de Nueva York, graduándose
en Essex. En 1990 estableció su estudio en Berlín al ser el ganador
del concurso convocado para diseñar el Jewish Museum (Berlín,
2001). Desde entonces, el despacho ha realizado proyectos de
grandes museos, centros culturales y edificios comerciales alrededor
del mundo. Entre sus muchos trabajos destacan, la Felix Nussbaum
Haus (Osnabrück, 1998), el Imperial War Museum (Manchester, 2002)
y la London Metropolitan University (Londres, 2003). Libeskind ha sido
profesor en la U.C.L.A. y la Academia de Arte Cranbook, es fundador
del Architecture Intermundium de Milán y ha recibido varios premios y
distinciones, siendo nombrado doctor honoris causa de las
Universidades de Berlín, Edimburgo y Chicago. En 2003 Libeskind
resultó ganador del concurso convocado para diseñar el plan de
reconstrucción de la llamada "Zona 0" en Nueva York, lugar donde se
encontraban las dos Torres Gemelas del World Trade Center, que
quedaron destruidas en septiembre de 2001. Daniel Libeskind
reivindica el lado creativo e irracional de la arquitectura, acercándola
al arte, pues considera que además de ser prácticos, los edificios
deben ser estimulantes.

25
El compromiso de Daniel Libeskind con la expansión de la arquitectura
refleja su profundo interés e implicación en disciplinas como la filosofía,
el arte, la literatura y la música. En la concepción de Libeskind resulta
fundamental la idea de que los edificios, que se confeccionan con una
energía humana perceptible, se dirigen al contexto cultural, más amplio,
en el que se construyen.

26
2.8.3 Zaha Hadid
1950, Bagdad-2016
Los edificios neofuturistas de Hadid
se caracterizaban por las formas
curvas con multiples puntos de
perspectiva y geometría.

Zaha Hadid fue una arquitecta deconstructivista iraquí (aunque

paso la mayor parte de su vida en el Reino Unido), que pasará
a la historia por ser la primera mujer en recibir el premio Pritzker
de arquitectura en el año 2004. Además recibió el premio Mies
van der Rohe en y el premio Stirling en el año 2010 y 2011. En
el año 2012 fue nombrada por la reina de Inglaterra como
Comendadora de la Orden del Imperio Británico, y en el año
2015 se convirtió en la primera mujer en recibir la Medalla de
Oro del RIBA (el colegio de arquitectos británico).

Los edificios neofuturistas de Hadid se caracterizaban por las

formas curvas con multiples puntos de perspectiva y geometría
fragmentada que buscaban evocar el caos de la vida moderna.

27
Hadid estudió matemáticas en la Universidad Americana de
Beirut, antes de mudarse en 1972 a Londres para estudiar
arquitectura en la prestigiosa Architectural Association School of
Architecture. Allí fue donde conoció a prestigiosos arquitectos
que impartían clase en esa escuela, como el holandés Rem
Koolhaas (quien también fue galardonado con el premio
Pritzker), la arquitecta griega Elia Zenghelis o el danés Bernard
Tschumi, quienes sin duda influenciarían su concepción
arquitectónica. Durante esos años, Hadid recibió además la
doble nacionalidad británica.
La obra de Zaha Hadid pasará
a la historia por su visión innovadora
y revolucionaria de la arquitectura,

Tras graduarse, Zaha Hadid, empezó a trabajar en el estudio de

sus antiguos profesores Koolhaas y Zenghelis, el Office for
Metropolitan Architecture (más conocido como estudio OMA) en
Rotterdam, Países Bajos, y se convirtió en socia del mismo en
el año 1977. Durante su colaboración con Koolhaas conoció a
Peter Rice, el ingeniero que haría posibles sus increíbles
estructuras en un tiempo en el que llevarlas acabo parecía casi
imposible.
Tras esto Hadid decidió crear su propio estudio de arquitectura,
Zaha Hadid Architects, con sede en Londres en el año 1980, y
que en la actualidad tiene una plantilla de más de 400 personas.
Su reputación internacional se disparó en el año 1988 tras la
muestra de sus increíbles dibujos arquitectónicos dentro de la
aclamada exhibición “Deconstructivismo en la Arquitectura” en
el museo MoMA de Nueva York. Gracias a esta exposición,
donde Rolf Fehlbaum, el dueño de la empresa germana de
mobiliario de diseño Vitra quedo fascinado con sus dibujos, y
decidió darle la oportunidad de levantar el que sería su primer
proyecto propio, la estación de bomberos de la fábrica de Vitra,
construida en el año 1994.

28
Zaha Hadid también diseño tanto espacios interiores (como la
“Mind Zone” del Millenium Dome de la capital británica) como
mobiliario, de la que destacamos su increíble colección Liquid
Glacial) y productos de consumo como el [Link], un futurista
prototipo de coche de tres ruedas propulsado por hidrógeno.
También a colaborado con marcas de ropa como Lacoste, para
la cual creó zapatos de diseño con su característica estética, y
también poseía su propia marca de ropa (con la que vestía
habitualmente).

La obra de Zaha Hadid pasará a la historia por su visión

innovadora y revolucionaria de la arquitectura, su uso magistral
de la linea curva y ha inspirado a otros grandes arquitectos
posteriores como Ma Yansong (quien trabajó durante su
juventud en su estudio), y por su ardua y fructuosa lucha por
destacar como mujer en el panorama arquitectónico principalmente
másculino, que logró convertirla en la primera mujer en ganar el
Premio Pritzker de Arquitectura por su exitosa carrera (el mayor
galardón que puede recibir un arquitecto).

2.9 LA ESCUELA DE OPORTO

Todas sus relaciones y amistades,
la tradición y la solidaridad, desempeñan
un papel muy importante en la vida
cotidiana de los arquitectos portugueses.

Corriente arquitectónica que se apoya en los modelos puristas del

Movimiento Moderno,dfundicos por la Escuela de Arquitectura de
Oporto y la Facultad de Bellas Artes.

29
Representantes:
Fernando Távora
Alvaro Siza
Eduardo Souto de Moura
Alcino Soutinho
Arménio Losa
Alberto Neves
António Menéres
Viana de Lima

Tres generaciones:

Fernando Távora, 1923. Profesor de Siza, con el que empieza a

trabajar. Es el auténtico fundador de esta escuela denominada Escola
do Porto. Su solida arquitectura tienen sutiles referencias a las
culturas exóticas y algo de la magia de Barragán.

Entre sus obras destacan: escuela primaria de Vila Nova de Gaia.

1960; el mercado cubierto de Vila da Feira, 1959 y la Posada de
Guimaraes, parador nacional, 1985.

El representante más tenaz de la generación más joven de arquitectos

es Eduardo Souto de Moura, 1952. Colaborador de Siza. Riguroso y
autónomo “neomiesiano”. La fascinación de su arquitectura se basa
en el empleo de un material exquisito: granito, mármol, ladrillo, perfiles
de acero, hormigón sin revestir, colores imprevistos, madera africana,
iluminaciones refinadas.

Todas sus relaciones y amistades, la tradición y la solidaridad,

desempeñan un papel muy importante en la vida cotidiana de los
arquitectos portugueses.

30
2.9.1 Alvaro Siza

Matosinhos, 1933
El verdadero terreno del arquitecto
es intermedio, intersticial,
donde se encuentran las
competencias de distintas técnicas .
A menudo se discute aquí , en Portugal —por comparación , por
ejemplo, con la educación del arquitecto en España —, el peso de la
formación técnica . En España , los arquitectos tienen una extensa
formación técnica que les capacita legalmente para firm ar incluso la
estructura y las instalaciones . Bueno, pues yo siempre he defendido
que esto no hacía falta , que el verdadero terreno del arquitecto es
intermedio, intersticial, donde se encuentran las competencias de
distintas técnicas . Yo siempre he afirmado la inutilidad de abarcar
todos los campos del conocimiento en favor del desarrollo de una
capacidad de mediación , que es a mi juicio la verdadera competencia
del arquitecto.

Álvaro Siza, en Zaera, “Salvando las turbulencias”.

31
 La arquitectura es casi siempre un calvario.
Aunque también cuenta con un
componente de placer en los mejores casos.
Pero es verdad que para llegar
al placer en la arquitectura,

Arquitecto portugués. Discípulo de F. Tavora, sus obras se

caracterizan por la concordancia con el entorno natural y cultural y por
un estilo que conjuga elementos del racionalismo y del organicismo.

Siza quería ser escultor, pero se matricula en Arquitectura tras visitar

Barcelona y ver las obras de Antonio Gaudí, allá por 1940. Se licencia
en Arquitectura por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de
Oporto. Entre 1966 y 1969 fue profesor en la Escuela Superior de
Bellas Artes de Oporto y también profesor adjunto de Construcción en
la Facultad de Arquitectura desde 1976; además de profesor visitante
en Bogotá, Harvard, Lausana y Pensilvania.

De su primera etapa destacan unas viviendas (1955) y una iglesia

(1959) en Matosinhos, y un edificio de oficinas (1968) y varias sedes
bancarias (1969-1973) en Oporto.

A partir de la Revolución de 1974 empezó a colaborar con el nuevo

Gobierno y se interesó fundamentalmente por la problemática urbana,
sobre todo en la construcción de viviendas sociales, como las de
Senhora das Dores (1974-1977) y Quinta de Malagueira (1977-1979),
en Évora.

32
 Director del Plan de Recuperación de Schilderseijk en La Haya y de la
reconstrucción del Chiado en Lisboa. Destaca en su obra la
importancia que da a la escala de sus edificios, estima que es lo más
difícil y que aquí no hay reglas. Piensa que aunque la arquitectura es
contra natura, debe parecer natural. Influenciado por Mies Van der
Rohe, propone adaptar los edificios históricos al mundo y a las
situaciones actuales, con las tecnologías de las que hoy se dispone.
“Para mí, la arquitectura es
un servicio que
se transforma en un arte.”
A. Siza
En Bilbao construye un edificio en forma de “L”, el Paraninfo de la
Universidad, en la zona céntrica de Abandoibarra. Entre sus obras
destacan también el Restaurante Da Boa Nova, de 1958; las Piscinas
en Leça de Palmeira, de 1966. En 1998 construye en Berlín el
Schlesisches tor Housing, en Portugal la Facultad de Arquitectura de
Oporto y la Biblioteca de la Universidad de Aveiro. En Barcelona, en
1992, construye Delegación Territorial de AEMET en Cataluña y al
año siguiente, en Santiago de Compostela, el Centro Galego de Arte
Contemporáneo. En 1994 se encarga de la Casa Vieira de Castro, en
1996 de la Iglesia en Marco de Canaveses y al año siguiente, en
Alicante, del edificio del Rectorado de la Universidad. En 1998, para la
Exposición Universal de Lisboa, hace el Pabellón de Portugal y en
Oporto, en 1999, el edificio de la Fundación Serralves. Construye en
2000 la Facultad de Ciencias de la Comunicación de Santiago de
Compostela y lleva a efecto la rehabilitación del Café Moderno como
sede de la Fundación Caixa Galicia, en Pontevedra. Cuatro años
después, en Cornellà de Llobregat construye el Poliesportiu Ribera
Serrallo y en 2008, en Porto Alegre, la Fundación Iberê Camargo. En
2011 diseñó el Auditorio Manazana del Revellín, en Ceuta.

En cuatro mil años de profesión se han enunciado

cientos de definiciones de arquitectura.
¿Qué es la arquitectura para Álvaro Siza Vieira?
Es muy difícil enfrentarse a una frase como esa. Es muy difícil definir
qué es la arquitectura porque son muchas cosas. En las fases de
formación de la ciudad es un servicio, un servicio público o privado,
pero un servicio. Empieza como tal incluso en el sentido mercantil,
porque una persona paga a otra para que haga arquitectura. Por otro
lado, este servicio no solo tiene que reflejar las intenciones, los
deseos, las demandas o las preocupaciones de una sola persona,
sino que también debe ser asumido colectivamente. Porque la
arquitectura es experimentada por todos, no solo por los habitantes o
los usuarios. Por tanto, la definición siempre es muy variable.

33
2.10 LA APORTACIÓN ESPAÑOLA

2.10.1 Rafael Moneo

Arquitecto español, uno de los más destacados representantes de la

arquitectura española contemporánea.
"La arquitectura hay que
entenderla como otra naturaleza".
R. Moneo

Tudela (Navarra) y estudió en la escuela de Madrid (ETSAM) donde

obtuvo el título de arquitecto en 1961. Entre 1958 y 1961 trabajó con
el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oíza y, más tarde, en 1961-
1962, con Jørn Utzon en Dinamarca. Ha desarrollado una intensa
labor docente, cátedra de Elementos de Composición de la escuela de
arquitectura de Barcelona en 1970, profesor invitado por el IAUS de
Nueva York en 1976 y en las escuelas de Lausanne, Princeton y
Harvard, decano de la Graduate School of Design entre 1985 y 1990.
Es autor de obras de reconocido prestigio internacional, entre las que
destacan las siguientes: el edificio de Bankinter en Madrid (1972-
1976) y el museo de arte romano en Mérida (1980-1986), una
poderosa actuación en el casco de esta ciudad, con imponentes
fábricas de ladrillo, arquerías de marcada impronta romana y un
admirable tratamiento luz-espacio. Más recientemente ha construido
la estación de ferrocarril de Atocha en Madrid (1984-1992), un amplio
complejo urbano presidido por una gran sala hipóstila, linternas de luz
y una torre en diálogo con el edificio de la antigua estación. De 1998
es el auditorio del Kursaal en San Sebastián, junto a la
desembocadura del río Urumea, muestra de integración con la ciudad
y el paisaje, conformada por dos grandes volúmenes de vidrio sobre
una plataforma general que recoge el trazado urbano. Otras obras
suyas son el edificio diagonal en Barcelona, la nueva terminal del
aeropuerto de San Pablo de Sevilla (1987-1991), la Fundación Miró,
en Palma de Mallorca (1987-1993), y el Museo de Arte y Arquitectura
de Estocolmo (proyecto de 1991), una arquitectura discontinua y
quebrada que trata de adaptarse a la accidentada orografía del solar.
Se podría decir que una de las principales características de Rafael
Moneo es que utiliza la Historia como material de construcción.

34
En 1996 le fue concedido el Premio Pritzker de Arquitectura,
considerado el galardón más importante del mundo en este campo.

2.10.1 Santiago calatrava

Santiago Calatrava Vall, Valencia, 1951.

La mala arquitectura está generada
por la falta de conciencia, por parte
de los proyectistas de que todo
lo que hacen es susceptible de
ser buena arquitectura.
S. Calatrava
Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento,
los diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la
innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de
ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes
estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos
célebres.

35
Tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios
de Burjasot, Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de
Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, donde se
graduó en 1973. Al poco tiempo se trasladó a Suiza, para estudiar
Ingeniería civil en la célebre Escuela Politécnica Federal de Zúrich
(ETHZ, por sus iniciales en alemán), considerada una de las mejores
universidades científico-tecnológicas del mundo. Entre 1979 y 1981 se
doctoró allí en Ciencias Técnicas con la tesis Acerca de la
plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo la actividad
docente.
Una de sus grandes especialidades es
la construcción de puentes, que
concibe como un fenómeno cultural.
En 1981 abrió su primer estudio de arquitectura e ingeniería civil en
Zúrich. Afiliado en 1987 a la Unión de Arquitectos Suizos (BSA),
recibió el premio Auguste Perret UIA (Unión Internacional de
Arquitectos) de París; en esta ciudad estableció un segundo estudio
en 1989, mientras se realizaba la primera exposición monográfica de
su obra en la Universidad de Columbia, en Nueva York, a la que
seguiría una serie interminable de muestras similares en instituciones
de todo el mundo.

Uno de los primeros proyectos que le mereció el reconocimiento

internacional fue el de la estación ferroviaria de Stadelhofen, en
Zúrich. Construida entre 1983 y 1990, Calatrava contó para su diseño
con la colaboración de Arnold Amsler y Wener Rüeger. El prestigio de
Calatrava se fue acrecentando con sus sucesivas obras. Una de sus
grandes especialidades es la construcción de puentes, que concibe
como un fenómeno cultural; los ha construido en Basilea, Mérida,
Lérida, Barcelona (Bach de Roda, premio FAD de las Artes Plásticas),
Valencia (sobre el Turia) y Sevilla (La Cartuja y el Alamillo, con motivo
de la Expo-92).

También proyectó el aeropuerto de Sondica (Vizcaya), la torre de

comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc (Barcelona), las
estaciones ferroviarias de Lyon, Zurich, Berlín, Lisboa y Lieja, así
como el "Hemisfèric" (planetario) de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias de Valencia y el Palacio de Congresos de Tenerife.

36
Su primer rascacielos, el emblemático Turning Torso (2005), en
Malmö (Suecia), es una estructura en espiral de 190 metros de altura.
El rascacielos Chicago Spire es una torre de forma retorcida cuya
construcción se prevé finalizar en 2011 en esa ciudad
estadounidense, y que con sus 610 metros de altura será el edificio
más alto del país. Su labor y trayectoria se han visto reconocidos con
innumerables premios. En 1999 le fue otorgado el premio Príncipe de
Asturias de las artes; el mismo año fue nombrado Doctor Honoris
Causa por la Universidad de Lünd (Suecia).
En Calatrava convergen una excepcional
sensibilidad artística y una notable solvencia
técnica; de este modo, sus obras
se distinguen por su audacia
estructural y su armonía exquisita
En Calatrava convergen una excepcional sensibilidad artística y una
notable solvencia técnica; de este modo, sus obras se distinguen por
su audacia estructural y su armonía exquisita. Los principios
estructurales que rigen su arquitectura son a menudo de gran
simplicidad, pero las soluciones técnicas alcanzan grados de
sofisticación muy altos, como en los perfiles de los elementos
estructurales y la yuxtaposición de los distintos materiales.

37
"Los edificios construyen las ciudades, y creo que un arquitecto debe
entender los espacios públicos que va a generar".
Richard Rogers

23