BLOQUE 2:EL MUNDO SONORO CREATIVO DEL NIÑO

2. La Música como parte del desarrollo integral del niño.

2.1. Música y desarrollo del niño

La música cumple funciones clave en la sociedad, especialmente en la educación musical y el

desarrollo infantil, según Alsina (2004). Entre sus usos destacan:

•Comunicación emocional: Expresión de sentimientos y emociones.

•Goce estético: Fomenta la sensibilidad hacia la cultura y valores estéticos al escuchar música
y asistir a conciertos.
•Entretenimiento: Accesible como juego y diversión.
•Respuesta física: Estimula el cuerpo y el movimiento.
•Socialización: Promueve el conocimiento de normas sociales, pertenencia a una comunidad
e integración social.
•Trabajo en equipo: Requiere colaboración y adaptación en grupos musicales.

El aprendizaje musical en niños debe ser activo y lúdico, utilizando métodos como la
observación, experimentación, imitación, memorización y resolución de problemas. Esto
facilita su desarrollo integral.

2.2. Finalidades u objetivos de la Educación Musical

La Educación Musical tiene como fin contribuir a la formación integral de la personalidad,

fomentando valores como la moral y la belleza. Sus objetivos específicos incluyen:
•Sensibilidad artística: Desarrollo de la percepción auditiva y apreciación musical.
•Conexión cultural: Contacto con grandes obras y música de su entorno.
•Habilidades musicales: Repetir ritmos, componer, distinguir voces e instrumentos,
interpretar e improvisar, y manejar instrumentos.

Además, potencia aspectos afectivos, sensoriales e intelectuales, como:

•Creatividad: Composición e improvisación.
•Expresividad: Estimular espontaneidad, imaginación y sensibilidad estética.
•Habilidades cognitivas: Mejora la comunicación, concentración y vocabulario.
•Integración social: Fomenta orden, psicomotricidad y disfrute por la música.

En resumen, busca desarrollar una actitud positiva hacia la música y la capacidad de expresar
y apreciar la belleza en ella.
3. La inclusión de la Música en la Escuela: su valor formativo y los obstáculos
con los que se encuentra.

Valor formativo de la Música

La Educación Musical, desde sus orígenes con Damón y Platón hasta el siglo XX, ha sido
valorada por su impacto formativo en la juventud, asociando la música con valores éticos y
estéticos. Sin embargo, con el tiempo, la música se orientó más al virtuosismo y al placer
sensorial, hasta que figuras como Edgar Willens y pedagogos como Dalcroze, Orff y
Martenot revalorizaron su potencial educativo.

Aportes de la Educación Musical

Intelectuales e interdisciplinares:

•Desarrolla habilidades lingüísticas (articulación y comprensión).

•Favorece aprendizajes en lenguaje, cálculo, lectura y psicomotricidad.
•Relaciona música con ciencias sociales (folklore) y naturales (sonidos de la naturaleza).
•Contribuye a la educación física (ritmo y danza) y plástica (inspiración y concentración).
•Vincula música y matemáticas, mejorando el rendimiento en esta área.

Sociales y personales:
•Fomenta cooperación, integración y lazos afectivos.
•Reduce timidez, actúa como relajante y fortalece la autoestima.
•Estimula la sensibilidad estética, la creatividad y el desarrollo personal.

Obstáculos

La Educación Musical enfrenta desafíos como:

•Falta de programas integrales adaptados a los intereses del niño.
•Predominio de métodos tradicionales basados en solfeo y memorización, en lugar de
experiencias prácticas.
•Necesidad de enfoques centrados en la naturaleza psicológica y creativa del niño.

4. Desarrollo de las capacidades musicales:

Etapa gestacional

Los bebés, aún en el útero, son sensibles a estímulos sonoros, como la voz de sus padres o la
música, respondiendo con movimientos.
Primeros años de vida

0-2 años (Estadio sensoriomotor según Piaget):

•Primeras semanas: Los bebés reaccionan a sonidos y producen gritos como forma de
comunicación inicial.
•4-8 meses: Responden al ritmo con movimientos corporales. Investigan las fuentes sonoras
del entorno.
•8 meses-1 año: Reconocen sonidos, producen “cantinelas” y balanceos rítmicos,
comenzando a tararear canciones sencillas.

2 años:
•Improvisan canciones repetitivas.
•Distinguen sonidos graves y agudos.
•Responden al ritmo con movimientos básicos.

3-5 años:
•Discriminan tempos y siguen pulsos (3 años).
•Desarrollan motricidad fina y lateralidad para actividades rítmicas (4 años).
•Sincronizan movimientos con música y reproducen melodías simples (5 años).

6 años:
•Cantan con entonación y sincronizan movimientos con mayor precisión.
•Empiezan a mostrar interés por la música en sí misma, más allá del juego.

Etapa escolar (7-14 años)

7-9 años:
•A los 7 años, muestran una actitud receptiva hacia la música y disfrutan instrumentos
rítmicos.
•A los 9 años, si desarrollan interés musical, suelen mantenerlo. Mejoran motricidad y
precisión en instrumentos.

10-12 años:
•A los 10 años, la memoria alcanza su punto máximo, favoreciendo el aprendizaje
musical.
•A los 11-12 años, muestran interés por música popular y de los medios, con una
actitud receptiva y exploratoria.

13-14 años:
•Prefieren géneros diversos y canciones populares.
•A los 14 años, aumenta el gusto por música romántica y moderna. Comienzan a
frecuentar espacios sociales relacionados con música, como pubs, y surgen los fanatismos.
BLOQUE 3:INTERPRETACIÓN Y CREACIÓN: INSTRUMENTOS

1. INTERPRETACIÓN MUSICAL:LOS INSTRUMENTOS DE LA ESCUELA

1.1 Objetos sonoros, cotidiófanos, instrumentos escolares.

Uso de instrumentos en Educación Infantil y Primaria

[Link] voz y el cuerpo como instrumentos principales:
•La voz es el primer instrumento, pero se estudia en un bloque independiente.
•En el periodo 0-6 años, el cuerpo (palmas, rodillas, pies, pitos) es el principal medio
de expresión rítmica.
[Link]ófonos:
•Objetos cotidianos que producen sonidos (golpear, frotar, sacudir) fomentan la
exploración sonora y la creatividad.
•Permiten estudiar los parámetros del sonido (identificación, comparación,
clasificación) y desarrollan habilidades básicas para usar instrumentos formales.
[Link] de pequeña percusión:
•Facilitan la transición del uso de objetos cotidianos a instrumentos más
estructurados, adecuados al tamaño y edad del niño.
[Link] de placa:
•Se introducen inicialmente como rítmicos y, progresivamente, para acompañar
canciones y danzas.
[Link] de viento:
•En el segundo ciclo de Primaria (aprox. 7-9 años), se introduce la flauta dulce por su
bajo coste y facilidad de manejo.
[Link] de cuerda:
•Se abordan en el tercer ciclo de Primaria (aprox. 10-12 años), requiriendo un estudio
más avanzado.
[Link] y otros instrumentos personales:
•Los pequeños teclados, comunes entre los niños, ofrecen nuevas posibilidades para
actividades grupales y aumentan la motivación.

El proceso fomenta la expresión, creatividad, técnica instrumental y el sentido social al

trabajar en grupos musicales.

1.2. Tratamiento de los diferentes grupos de instrumentos según las edades

Al final de cada ciclo educativo, se puede comenzar a introducir los instrumentos

correspondientes al siguiente ciclo. Algunos niños, según su nivel madurativo y habilidades,
pueden manejar instrumentos de ciclos más avanzados en actividades musicales.
1.3. Montaje de un pequeño fragmento instrumental:

Principios fundamentales:
[Link]ón:
•Distribuir instrumentos adecuadamente.
•Colocar a los niños en relación al director.
•Mantener una postura adecuada respecto al instrumento.
[Link]:
•Definir soporte rítmico-melódico y asignar instrumentos.
•Determinar acentos y los instrumentos que los interpretarán.
•Seleccionar estructuras rítmicas y distribuirlas entre los instrumentos.

Objetivos:
•Explorar el sonido y sus cualidades (timbre, duración, intensidad, altura).
•Fomentar creatividad y trabajo en equipo.
•Desarrollar percepción auditiva y expresión musical.

Actividades propuestas:
•Construcción de objetos sonoros con materiales reciclados (palillos, tubos, chapas,
botones, etc.).
•Exploración y comparación de sonidos.
•Improvisaciones rítmicas y sonorización de cuentos o paisajes sonoros.
•Creación de bandas rítmicas y acompañamientos.
BLOQUE 3.1: DESARROLLO DE CAPACIDADES EXPRESIVAS Y
CREATIVAS DESDE EL CONOCIMIENTO Y PRÁCTICA DE LA DANZA

1. DESARROLLO DE CAPACIDADES EXPRESIVAS Y CREATIVAS DESDE EL

CONOCIMIENTO Y PRÁCTICA DE LA DANZA

Utilización del cuerpo como instrumento

El cuerpo es una herramienta esencial para la expresión no verbal, permitiendo comunicar

emociones, pensamientos y valores culturales. A través de la expresión corporal, se
desarrollan capacidades físicas, emocionales, creativas y sociales, promoviendo el desarrollo
integral del individuo.

Propósitos en la Educación Primaria (Harf, Ruth et al., 1998):

[Link] personal: Fomentar el contacto con la danza como arte, sin buscar la
formación profesional, pero aprovechando sus beneficios educativos.
[Link]ón cultural: Reconocer la danza como un bien natural y cultural accesible para
todos.
[Link] corporal: Aprender técnicas de movimiento expresivo para fortalecer la
conexión con uno mismo, los demás y el entorno.

Posibilidades del cuerpo como instrumento:

•Elementos sonoros: Voz, boca, manos y pies.
 •Clasificación de sonidos corporales:
[Link] del sentido rítmico (pulso, acento, ostinato, células rítmicas).
[Link]ón de conceptos como tiempo y matices agógicos.
[Link]ón motriz.
[Link]ón y creatividad sonora.
[Link] de grafías no convencionales y rítmicas para estructurar sonidos.
[Link]ñamiento musical (palmas, ritmo, danza).

Progresión del movimiento:

[Link] libre: Experimentación y desplazamientos en diferentes direcciones.

[Link] libre con intervalos organizados: Adaptación al tiempo y espacio.
[Link] organizado: Incorporación de danzas escolares y coreografías.

La expresión corporal integra música y movimiento, conformando una experiencia educativa

y artística inseparable.

BLOQUE 3.2: LA MÚSICA Y EL ARTE SONORO DESDE LA AUDICIÓN Y LA ESCUCHA

1. LA ESCUCHA

Las manifestaciones artísticas son esenciales para expresar ideas y desarrollar percepción,
memoria, creatividad y disfrute del patrimonio cultural.

El desarrollo auditivo comienza desde el útero y evoluciona hasta los 6 años, cuando mejora
la calidad de escucha, memoria auditiva y comprensión del lenguaje musical.

La educación musical combina audición y expresión corporal, utilizando movimientos y

gestos para comprender ritmo, melodía y significado, favoreciendo el desarrollo integral del
niño.

2.- PAISAJES SONOROS

El concepto de paisaje sonoro, desarrollado por R. Murray Schafer, se refiere al entorno

sonoro que nos rodea, compuesto por eventos escuchados en lugar de objetos vistos. Este
concepto permite desarrollar habilidades auditivas que pueden entrenarse mediante ejercicios
de “limpieza auditiva”. Los paisajes sonoros incluyen sonidos naturales y urbanos,
organizados en tres elementos principales.
Tabla: Elementos principales del paisaje sonoro

3.- CUALIDADES DE SONIDO

El sonido tiene cuatro cualidades principales:

[Link]: Identifica el cuerpo que emite el sonido (instrumento, objeto o voz). Depende de la
combinación del sonido fundamental con los armónicos.
[Link]: Determinada por la frecuencia de las vibraciones (en Hertzios, Hz). Sonidos agudos
tienen más vibraciones por segundo; sonidos graves, menos. El oído humano percibe
frecuencias entre 20 y 20,000 Hz.
[Link]ón: Depende del tiempo que persiste la onda sonora. A mayor persistencia, el sonido
es más largo. Se mide con el metrónomo.
[Link]: Determinada por la amplitud de la onda (medida en decibelios, dB). El oído
humano percibe entre 10 dB (umbral de audibilidad) y 120 dB (umbral de dolor).
Intensidades continuas o altas pueden afectar la salud auditiva.

Instrumentos de medición:
• Diapasón: Para afinar sonidos según su altura.
• Metrónomo: Para medir duraciones.
• Sonómetro: Para medir intensidades.
4.- LA AUDICIÓN MUSICAL DIDÁCTICA

La audición musical es clave para enriquecer las vivencias musicales del alumno, ampliando
su percepción y comprensión musical. Introducir sonidos, instrumentos, géneros y estilos
ajenos a su entorno permite conectar con diversas culturas, épocas e ideas. Además, la
audición fomenta el interés por la música y puede integrarse en diferentes asignaturas.

Existen tres enfoques principales para trabajar la audición musical:

[Link]:
• Basado en reacciones físicas y motrices.
• Respuestas al ritmo y a la percepción sensorial.
[Link]:
• Centrado en emociones evocadas por la música.
• Uso de cuentos musicales y melodías que reflejan situaciones humanas.
• Fomenta sensibilidad, goce y apreciación subjetiva.
[Link]:
• Requiere análisis y mayor actividad mental.
• Incluye lectura melódica, rítmica, armónica, análisis y formas musicales.
• Relacionado con comprensión, categorización y abstracción musical.

Visualización musical combina los sentidos del oído y la vista para desarrollar la habilidad de
imaginar el sonido escrito y viceversa, fundamental en la lectura musical.
4.1Enfoques didácticos en la presentación de audiciones:

[Link] la obra (matices, expresión, velocidad).

[Link] compases y fraseo.
[Link] aspectos previos (melodía, ritmo, armonía).
[Link] con variaciones de un tema antes de escucharlo.
[Link] con un instrumento destacado en la obra.
[Link] danzas antiguas para audiciones barrocas o clásicas.
[Link] activamente con ostinatos o acompañamientos.
[Link] un esquema o musicograma de la obra.
[Link] música programática con historias o dibujos.
[Link] formas musicales (ternaria, rondó, minuetto).
[Link] partituras visuales destacadas.
[Link] obras que evocan emociones (tormentas, animales, teatro).

5. EL CUENTO MUSICAL
5.1 Definición de cuento

Un cuento es una narración breve de hechos imaginarios con pocos personajes y un

argumento simple. Existen dos tipos principales:
[Link] popular: Transmitido oralmente, suele tener variantes y no tiene autor conocido.
[Link] literario: Relato escrito con un autor identificado, asociado al cuento moderno.

5.2. Cuento Musical

El cuento musical combina narrativa y música para fomentar el entretenimiento y el

aprendizaje en la educación infantil y primaria, contribuyendo al desarrollo de habilidades,
valores y creatividad en los niños.

Tabla: Características y Objetivos del Cuento Musical

Tipos de Cuentos Musicales
[Link]ón con música de fondo.
[Link]ón con interrupciones musicales participativas.
[Link]ón de canciones o frases musicales.
[Link] danza, teatro o sombras.
[Link] o audición activa.

Aportaciones al Alumno
•Fomenta atención, memoria musical, coordinación y creatividad.
•Apoya el aprendizaje en distintas áreas del currículum (matemáticas, lenguaje,
ciencias, valores, etc.).
•Refuerza el aprendizaje mediante participación activa.

Estrategias Metodológicas
[Link] la actividad con motivación.
[Link] cuentos clásicos o creados para la ocasión.
[Link] sonidos, canciones y movimientos relacionados con la historia.
[Link] elementos visuales (plástica, escenografía).
[Link]ñar el cuento para la participación activa del alumnado.

Propuestas
Todos los cuentos pueden adaptarse a los tipos mencionados, asegurando la participación
activa de los niños en su ejecución.

BLOQUE 3.3:LA VOZ INFANTIL Y LAS AGRUPACIONES VOCALES

[Link] VOZ INFANTIL

La voz es el instrumento principal en la Educación Musical, esencial para desarrollar

habilidades como el canto, la expresión y la improvisación. Es importante cuidarla y evitar
malos hábitos que puedan dañarla. Todos los niños pueden y deben cantar, aunque algunos
presenten dificultades, como falta de atención o problemas físicos. El maestro tiene un rol
clave como motivador, y el conocimiento de la extensión y tesitura vocal es fundamental, ya
que la voz evoluciona con el tiempo.

1.1. Elementos que intervienen en el canto

1.1.1.- Respiración

La respiración es clave para la fonación, especialmente en canto y habla prolongada. Hay tres
tipos principales:
[Link] o clavicular: Llena solo la parte superior de los pulmones. Es poco efectiva
y puede dañar la voz.
 [Link] o baja: Llena gran parte de los pulmones al bajar el diafragma. Es
adecuada para el canto y la voz.
[Link]-diafragmática abdominal: Combina abdomen, costillas y parte alta de los
pulmones, siendo la más completa y eficaz.

El proceso consta de tres fases: inspiración, retención (para controlar el aire) y expiración. Se
debe fomentar la respiración costo-diafragmática abdominal para un mejor uso vocal.

1.1.2.- Resonadores naturales

Los resonadores actuar, como amplificadores del sonido. Básicamente son los
siguientes:
a.- Resonadores Frontales.
b.- Resonadores Nasales.
c- Resonadores Guturales.
d.- Resonadores Pectorales.
Su adecuado empleo y control determinará una mejora sustancial en la calidad de la
emisión.

1.1.3.- Caja de resonancia

La cavidad bucal funciona como caja de resonancia, proyectando el aire hacia los dientes
superiores delanteros para optimizar su salida y mejorar la calidad de la emisión.

1.1. 4.- Impostación y vocalización

La correcta colocación de los músculos faciales, con una apertura adecuada de la boca,
mejora la impostación, vocalización y dicción.

1.1.5.- Modulación

Se trata fundamentalmente de un control de la intensidad. Ello determinará un mejor

contraste de las frases musicales y una mejor calidad interpretativa.

1.1.6.- Atención y audición

La atención y audición son clave para reproducir modelos con precisión y mejorar la
interpretación.
1.2. Clasificación de las voces

1.3. La canción. Criterios de selección

El desarrollo del canto en la Educación Obligatoria debe integrarse en contextos adecuados,

principalmente a través de la canción, evitando actividades mecánicas y desmotivadoras. La
canción es clave para iniciar al alumnado en la interpretación musical, fomentando
creatividad, autoestima, y habilidades perceptivas y expresivas.

Clasificación de canciones según:

•Tema: Infantiles, populares, actuales, relacionados con intereses y contenidos.

•Texto: Motivador, adecuado a la edad, fácil de aprender, preferentemente reiterativo.
•Ritmo: Sencillo, progresivamente más complejo, con fraseo equilibrado y adecuado al nivel.
•Melodía: Simple, ámbito corto, pegadiza y repetitiva (monofónica o polifónica).
•Interpretación: Vocal, vocal-instrumental, con gestos o movimiento.

1.3.1. Proceso de montaje de una canción

•Juegos con el texto de la canción basados en los parámetros del sonido.

•Juegos con el ritmo, apoyados en instrumentos y movimiento.
•Juegos con la melodía, usando recursos gráficos y gestuales.
•Interpretación rítmica y rítmico-melódica de frases progresivas hasta la canción completa.
PASOS PARA ENSEÑAR LA CANCIÓN.

- Ejercicios de respiración, vocalización, resonancia y emisión del sonido.

- Copiar letra en la pizarra o en un papel continuo con acento, pulso y
subdivisión.
- Marcar el ritmo de la canción con distintas partes del cuerpo.
- Tarareo, nananeo con la boca abierta, cerrada, suave, fuerte, rápido, lento,
imitando a animales, etc.
- Se explica el contenido de la letra.
- Recitar la letra con distintos estados de ánimo.
- El maestro/a la canta entera.
- Se enseña por frases en forma de eco.
- La cantamos entera sin acompañamiento instrumental.
- La cantamos entera con gestos.
- La cantamos entera marcando el pulso, el acento y subdivisión
- La cantamos entera con acompañamiento instrumental.
- La cantamos entera con acompañamiento instrumental, una danza creada
para la ocasión y relacionada con los contenidos de lenguaje musical que
se trabajan con la canción elegida

BLOQUE 3.4:DESARROLLO DE CAPACIDADES EXPRESIVAS Y CREATIVAS DESDE EL CONOCIMIENTO

Y PRÁCTICA DE LA DANZA

1. DESARROLLO DE CAPACIDADES EXPRESIVAS Y CREATIVAS DESDE EL

CONOCIMIENTO Y PRÁCTICA DE LA DANZA

La expresión corporal utiliza el cuerpo como instrumento para desarrollar capacidades físicas,
emocionales, sociales y creativas. Se promueven tres objetivos fundamentales en educación
primaria:
[Link] al alumno a través de la danza, sin buscar formar bailarines, sino
acercarlos al arte.
[Link] la danza como un bien cultural y natural al que todos tienen derecho.
[Link]ñar técnicas para mejorar la conciencia corporal y movimientos expresivos,
fomentando la autovaloración y el cuidado del cuerpo.

El cuerpo genera sonidos mediante:

•Voz, boca, manos, y pies, utilizados para trabajar ritmo, coordinación, improvisación, lectura
de grafías, y acompañamiento musical.
Actividades propuestas:
• Desarrollo rítmico (esquemas, ostinatos, células rítmicas).
• Exploración de conceptos (tiempo, matices).
• Improvisación y creación sonora.
• Sonorización de cuentos, acompañamiento de audiciones y danzas.

Progresión del movimiento:

1. Movimiento libre.
2. Movimiento libre con intervalos organizados.
3. Movimiento organizado: danza escolar.

BLOQUE 3.5:BLOQUES DE CONTENIDOS DE LA EDUCACIÓN MUSICAL

La Educación Musical de 0 a 16 años trasciende el aprendizaje tradicional del solfeo y

compositores, enfocándose en la exploración, expresión y disfrute de los sonidos. Fomenta el
descubrimiento del cuerpo como medio para percibir, producir y analizar sonidos,
promoviendo la comunicación, el pensamiento crítico y la valoración del entorno sonoro.

Se organiza en cuatro bloques básicos:

[Link]ón y análisis: Estrategias para interpretar y analizar obras artísticas.

[Link]ón e interpretación: Saber hacer y expresar mediante canto, instrumentos y baile.
[Link] plásticas, visuales y audiovisuales: Uso de medios y soportes artísticos.
4.Música y artes escénicas: Características y ejecución de obras artísticas.

Estos bloques integran cuerpo, voz e instrumentos, formando las bases para la enseñanza
musical en la educación primaria.

*LENGUAJE MUSICAL - SECUENCIACIÓN DE CONTENIDOS

EDUCACIÓN INFANTIL
− Pulso, acento.
− Negra, corchea
− Altura: Sol-Mi
− Duración: Largo-Corto
− Intensidad: Fuerte-Débil
− Timbre: Instrumentos naturales y corporales. Juegos musicales.
− Silencio
Lenguaje no convencional
− Forma Lied (AB)
− En canto y audiciones, diferenciar las dos partes.
EDUCACIÓN PRIMARIA

Primer ciclo:

− Silencio de negra. Representación como Z

− Altura: Sol-Mi-La
− Pentagrama de 2 líneas
− Duración: Largo-Corto. Corto-Largo. Sílabas: Ta – Ti
− Fononimias para las notas.
− Compás de 2/4
− Intensidad: Fuerte-Suave
− Timbre: Instrumentos naturales, corporales, percusión de madera y
metal. Paisajes sonoros.

Segundo ciclo:

− Clave de sol
− Pentagrama
− Altura: Sol, Mi, La, Do, Do’. Si, Re, Fa.
− Intervalos de tercera.
− Duración: Blanca, negra, corchea y sus silencios.
− Compás de 4/4
− Signos de repetición: Barra con 2 puntos.
− Canto: Canon con 2 entradas.
− Fononimias.
− Intensidad: Fuerte suave.
− Timbre: Instrumentos de Orff y flauta dulce. Cuentos musicales.

Tercer ciclo:

− Altura: sonido Re’

− Intensidad: Matices fuerte, medio/fuerte, suave (f, mf, p).
− Duración: Blanca, negra, corchea, semicorchea, puntillo, ligadura y
anacrusa.
− Forma Rondó
− Compás de 3⁄4
− Timbre: Instrumentaciones con Orff. Improvisaciones. Reconocimiento
de Cordófonos, aerófonos, idiófonos y membranófonos.
− Canto a dos voces.
EDUCACIÓN SECUNDARIA

− Duración: Redonda, blanca, negra, corchea y semicorchea. Tresillo.

− Gesticulación de compases y dirección de grupos.
− Intervalos ascendentes y descendentes.
− Tonos y semitonos.
− Alteraciones: Sostenido, bemol y becuadro.
− Altura: Sib, Fa#, Sol#, Do’#, Mi’, Fa’.
− Compases simples y compuestos.
− Notas a contratiempo.
− Intervalos armónicos.
− Escalas mayores y menores.
− Armadura.
− Acordes mayores y menores.

METODOLOGÍA. PRINCIPIOS BÁSICOS

● TRATAMIENTO DE CADA CONCEPTO MUSICAL DESDE LA

TOTALIDAD DE LOS BLOQUES DE CONTENIDOS.
● UTILIZACIÓN DE UNA SÍNTESIS DE LAS PRINCIPALES
METODOLOGÍAS.
● PRINCIPAL FUENTE DE INFORMACIÓN: EL ENTORNO SONORO.
● OFERTA MUSICAL DE LA SOCIEDAD, DESTACANDO EL
FOLKLORE PROPIO.
● RELACIONES EN EL MARCO DEL ÁREA ARTÍSTICA.
● RELACIONES EN EL MARCO DEL USO DE LOS DIFERENTES
LENGUAJES.
● ACTIVIDADES LUDICAS: EL JUEGO.
● VIVENCIACION - INTERIORIZACIÓN DE LOS CONTENIDOS.
● CARÁCTER CÍCLICO DE LOS CONTENIDOS.
● SABER PERCIBIR, PARA SABER HACER Y SABER ANALIZAR.

BLOQUE 7: INICIACIÓN AL LENGUAJE MUSICAL CÓDIGOS NO CONVENCIONALES Y

CONVENCIONALES

1. Representaciones gráficas no convencionales

Las grafías no convencionales permiten explorar y representar música de forma creativa,

facilitando la comprensión inicial de la relación sonido-imagen. Aunque carecen de precisión
para interpretaciones exactas, son útiles como punto de partida en la enseñanza musical.
Ventajas:
•Ayudan a entender combinaciones tímbricas, formales y dinámicas.
•Facilitan el acercamiento al lenguaje musical contemporáneo.

A medida que las experiencias musicales se enriquecen, se debe progresar hacia una notación
más precisa.

1.1. Partituras no convencionales

Los símbolos no formales permiten representar sonidos de instrumentos, el entorno y el

cuerpo, ampliando las posibilidades de expresión musical.

1.2. El Musicograma

El musicograma es una representación visual de los elementos de una obra musical (ritmo,
frases, timbres, compases), diseñada como guía para reconocer los principales aspectos
musicales, complementando la partitura convencional. Utiliza símbolos, figuras, colores y
dibujos para reflejar motivos y estructuras de manera clara y cronológica.

Características principales:

•Es un recurso didáctico que facilita el seguimiento, análisis y comprensión de la obra.

•Presenta una estructura visual global y sencilla.
•Puede ser creado por el docente o los estudiantes (especialmente en niveles avanzados).
Ventajas:
•Permite un análisis global y visual de la obra.
•Facilita la discriminación musical en niveles educativos superiores.
•Favorece la comprensión a través de colores y contrastes claros.

Se recomienda que el diseño sea acorde al nivel educativo para evitar confusión o rechazo
por complejidad.

EJEMPLO:

1.3. Otros sistemas gráficos:

Las líneas o dibujos contrastantes permiten representar elementos musicales:

•Forma: Asociar secciones a dibujos o formas geométricas que reflejen sus características
contrastantes.

La melodía puede representarse con símbolos o colores (cromofonía) antes de usar el

pentagrama, mostrando alturas y relaciones mediante líneas.
Ritmo: En primer lugar, podemos representar la duración de los sonidos
con líneas cortas y largas:
También se puede introducir gráficamente conceptos como el pulso y las figuras más
simples:

Intensidad: El ritmo se puede asociar al tamaño de una figura

geométrica con la intensidad de los sonidos que escucha.

El timbre se representa gráficamente para asociar instrumentos de percusión escolares con sus
sonidos, usando dibujos que los niños puedan identificar fácilmente.
Fonomimia: Consiste en la utilización de gestos para indicar la altura de
los sonidos, aplicando la altura relativa.

Sílabas rítmicas: Utiliza este sistema para la iniciación de a lectura

rítmica. (Ver metodología kodaly).
2. Códigos convencionales

El lenguaje musical, basado en grafías convencionales, es el sistema de notación más

extendido. Su enseñanza en Educación Primaria debe ser progresiva y adaptada a las
necesidades y características de los alumnos. Se trabaja con elementos básicos para evitar
complejidad, enfocándose en una comprensión gradual que permita a los estudiantes
expresarse y crear mediante la música.

2.1. Signos musicales.

2.1.1. Signos de entonación.

El pentagrama.

Signo musical que está formado por cinco líneas horizontales y paralelas, sobre
las que se escriben las notas y signos musicales. Las distancias que quedan entre las
líneas se llaman espacios.

Líneas adicionales.

Fragmentos de línea que se añaden encima o debajo del pentagrama cuando la

agudeza o gravedad de los sonidos exceden los límites de éste.

Claves

Las claves musicales determinan el nombre de las notas en una partitura. Las más comunes
son Sol 2a, Fa 4a, Fa 3a, y las claves de Do (1a, 2a, 3a, 4a). Cada clave se usa según la
tesitura de la voz:
• Soprano: Clave de Sol 2a.
• Tenor: Clave de Sol 2a (sonando una octava más grave).
• Bajo y Barítono: Clave de Fa 4a.
Alteraciones.
Son signos que se colocan delante de una nota musical y modifican o alteran su altura.
Las alteraciones más sencillas son: el sostenido, el bemol y el becuadro.

2.1.2. Signos de duración.

Figuras y silencios.

Las figuras musicales principales son: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y
semifusa, junto con sus silencios correspondientes. Cada figura tiene una duración que es el
doble de la siguiente o la mitad de la anterior.
Signos de prolongación

Estos signos prolongan la duración de las figuras a las que afectan. Los signos de
prolongación principales son:

La ligadura

Es una línea curva que enlaza dos o más notas del mismo nombre y altura, y prolonga
su sonido tanto como duran las notas que une.

El puntillo

Se trata de un pequeño punto colocado a la derecha de una figura o silencio que

aumenta la mitad de su duración.

El calderón

Es un semicírculo con un punto en el centro que se coloca encima o debajo de una nota
o silencio. Suspende momentáneamente el compás a gusto del ejecutante. Una vez
realizado el calderón, se reanuda el movimiento del compás normalmente.

2.1.3. El compás

Pulso: Es el movimiento interno de la música que se manifiesta mediante impulsos

continuados. Es el "latido musical".
Acento: es la acentuación de los pulsos. Los tiempos (pulsos) fuertes del compás.
Compás: organiza la música en partes iguales mediante pulsos acentuados regularmente.
Puede ser binario (2), ternario (3) o cuaternario (4). Según la división de las partes, los
compases pueden tener subdivisión binaria (mitades) o ternaria (tercios).
Anacrusa: Nota o grupo de notas débiles que preceden al primer tiempo-pulso fuerte de una
frase musical. En canciones infantiles sirve para introducir artículos pronombres,
determinantes o partes débiles de una palabra.

2.1.4. Signos de repetición

La expresión “Da Capo” es un signo de repetición en la música, utilizado para indicar que
una parte de la partitura debe repetirse. La repetición es un recurso común en la música,
presente en casi todas las composiciones.

La doble barra con puntillos

El signo de repetición más común en música indica repetir desde el principio o desde un
punto específico marcado por dobles barras con puntillos. Si hay casillas numeradas, se tocan
según el orden indicado (1ª vez la casilla 1, 2ª vez la casilla 2). La doble barra con puntillos
se llama “ritornello,” aunque es raro usar ese término.

Da Capo

El signo D.C. (Da Capo) indica repetir la pieza desde el principio. Si aparece “Fine” o “Fin,”
se ignora la primera vez y se sigue normalmente. Al repetir desde el Da Capo, se detiene en
“Fine,” que marca el final. D.C. al Fine es una forma común de escribir esta indicación.

2.1.5. Agógica (aire o movimiento)

El tempo es la velocidad de ejecución de una obra musical, indicada con términos italianos
como Lento, Largo, Adagio, Moderato, Andante, Allegro, Vivo, Vivace, y Presto, colocados
al inicio o durante la pieza para ajustar su velocidad.
2.1.6. Signos de expresión.

Matices o dinámica

La intensidad del sonido en música se indica con signos como pianissimo (pp), piano (p),
mezzo piano (mp), mezzo forte (mf), forte (f) y fortísimo (ff). Los cambios graduales se
representan con términos como crescendo (cresc.) o diminuendo (dism.), y reguladores de
intensidad.

Carácter

La forma de expresión de una obra musical se indica con términos italianos como animato,
dolce, enérgico, expresivo y tranquilo, que definen su carácter especial.

3. Elementos de la música:
3.1. Ritmo melodía y armonía

3.1.1. Melodía
La melodía es la dimensión horizontal de la música, una sucesión de notas con sentido
musical y expresivo. Su estudio abarca:
[Link] relación entre los sonidos.
[Link] organización rítmica y duración de los sonidos.
[Link] sustento armónico.

Tipos:
•Melodía tonal: Organizada en torno a una nota central (ej.: Do mayor).
•Melodía atonal: Sin centro tonal, todos los sonidos tienen igual importancia (ej.:
dodecafonismo).

3.1.2. Ritmo

El ritmo es la transversalidad de la música, dando orden en el tiempo a la melodía

(horizontalidad) y a la armonía (verticalidad). Establece un equilibrio entre tiempos fuertes
(acentuados) y débiles (no acentuados), definiendo la acentuación.

3.1.3. Armonía

La armonía es la dimensión vertical de la música, formada por la superposición de sonidos

para crear acordes. Los acordes básicos incluyen:
•Tercera: Ejemplo, do-mi-sol.
•Séptima: Ejemplo, do-mi-sol-si.
•Novena: Ejemplo, do-mi-sol-si-re.
3.2. Texturas, polirritmia, polifonía y otros conceptos

La textura musical se define por el modo en que los elementos se entrelazan, incluyendo:
•Monorritmia: Un solo ritmo.
•Monofonía: Una única melodía.
•Melodía acompañada: Una melodía principal con acompañamiento.
•Polirritmia: Varias voces o instrumentos con ritmos diferentes formando un todo
armónico.
•Polifonía: Varias voces o instrumentos con melodías independientes combinadas
armónicamente.
•Homorritmia: Todas las voces con el mismo ritmo.

Estos parámetros generan respuestas emocionales únicas en cada persona.

3.3. Estructura: formas musicales

La forma musical organiza y estructura el material sonoro, evolucionando según contextos

históricos, desarrollo instrumental y técnico. Puede ser vocal-instrumental,
homofónica-polifónica, mayor (grandes dimensiones como sinfonías o sonatas) o menor (un
solo movimiento), culta o popular.

En Educación Musical se trabajan formas elementales:

•Ostinato: repetición continua de un fragmento (AAA).
•Eco: repetición exacta o similar de fragmentos (AA’ BB’).
•Lied: repetición de la primera estrofa (ABA).
•Rondó: alternancia entre un estribillo y diversas estrofas (ABACAD).
•Canon: forma imitativa con entradas sucesivas, trabajada de forma básica en cánones
rítmicos.