el punto de arranque: la Edad
Contemporánea.
Sobre el inicio de la Revolución francesa y cómo llegamos del barroco al
rococó
HISTORIA DEL ARTE Y LA CULTURA II
Prof. Silvina Botrugno
Pedro Pablo
Rubens
pintor barroco de la escuela flamenca.
Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo,
el color y la sensualidad.
Trató una amplia variedad de temas
pictóricos: religiosos, históricos, de
mitología clásica, escenas de caza, paisajes,
retratos; así como dibujos, ilustraciones
para libros y diseños para tapices.
Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de
España
Autorretrato, 1623.
Su pintura es grandilocuente, pero
también delicada.
Muestra gran habilidad técnica y
sensibilidad hacia los ritmos de la
composición y la psicología de los
personajes.
El éxito que disfrutó Rubens durante su
vida se debe tanto a la capacidad de su
arte para expresar la nostalgia que
sentían sus contemporáneos por la
Antigüedad como a su habilidad para
ofrecer una imagen engrandecida de sí
mismos.
Artificiosidad en la escena,
exageración, teatralidad. Las figuras
pierden relevancia frente a la unidad
de la escena.
Cada obra es un escenario que nos
deslumbra por su espectacularidad.
Todo es tensión, contrastes y la
sensación como si una tormenta
estuviera por desatarse, como si algo
estuviera a punto de estallar.
Pedro Pablo Rubens. Los horrores de la guerra (1637/38).
Pedro Pablo Rubens
Huida de María de Médicis Reconciliación del rey Luis
María de Médicis llegando a Marsella y María de Médicis
Abundancia de artificios alegóricos y mitológicos para enmascarar con el estilo solemne y ampuloso las tirantes
relaciones entre María de Médicis y su hijo Luis XIII
Rapto de las hijas de Leucipo,
Inicio del rococó
• Se suele situar su inicio a partir de la muerte del rey
francés Luis XIV, quien había sido el máximo exponente
el absolutismo monárquico, ya que allí los nobles y la
alta burguesía francesa se liberaron de la rigidez y
formalidad que había impuesto en la corte.
• Esta liberación propicio que las clases altas se dedicaran
a buscar el disfrute de los placeres de la vida.
• Así, surgió un estilo artístico que, reemplaza los grandes
temas, las escenas solemnes e imponentes del Barroco,
por temas divertidos, sensuales, alegres, refinados y
desenvueltos.
Rococó
El Rococó es un movimiento artístico
nacido en Francia, que se desarrolla
de forma progresiva entre los años
1730 y 1760.
La pintura rococó representa una
oposición a la doctrina académica del
barroco que buscaba imponer un
modelo artístico clasicista como un
principio permanente y
universalmente válido.
Si lo Barroco estaba al servicio
del poder absolutista, el Rococó
está al servicio de la aristocracia
y la burguesía.
El artista pasa a trabajar con más
libertad y se expande el mercado
del arte.
El Rococó se presenta como un
arte al servicio de la comodidad,
el lujo y la fiesta.
Las escenas de su pintura
recogen este nuevo estilo de
vida.
Entre los principales artistas del rococó se encuentran:
Jean-Antoine Watteau (1684-1721): considerado el pintor
que dio inicio al rococó en Francia.
François Boucher (1703-1770): pintor muy apreciado en la
corte francesa, donde desarrolló el estilo galante tan
apreciado por los nobles.
Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779): uno de los
pintores franceses más importantes del período. Se
caracterizó por su pintura de la burguesía, de interiores y
naturalezas muertas.
Giambattista Tiepolo (1696- 1770): pintor y grabador italiano,
quien fue una de las figuras más importantes del rococó
italiano.
François de Cuvilliés (1695-1768): arquitecto francés que
Aristócrata luciendo un
trabajó en Alemania, donde adaptó el rococó al gusto local traje a la polonesa
Palacio de Versalles
Versalles es una
localidad a tan sólo 21
kilómetros de París.
Luis XIII, atendiendo a
esta cercanía, había
construido un pequeño
palacete en forma de U
para poder retirarse a
descansar y cazar sin
alejarse de la capital.
Se encargó
sucesivamente su
ampliación y
enriquecimiento a Louis
Le Vau y a Jules
Hardouin Mansart.
Versalles comprende tres palacios:
Versalles, Gran Trianón y Pequeño
Trianón, además de varios edificios
situados en la villa.
Si bien Luis XIII hizo edificar allí un
pabellón de caza con un jardín,
Luis XIV es su verdadero creador,
ya que le dio su amplitud y
determinó su destino.
En mayo de 1682 el rey dejó Saint-Cloud y se instaló definitivamente en Versalles, que se
convirtió, de esta forma, en la residencia oficial del rey de Francia.
Versalles vivió entonces el apogeo de la sociedad cortesana. Luis XIV transformó una nobleza
belicosa y potencialmente rebelde en un grupo mantenido por el Estado en la persona del
rey.
Durante el reinado de
Luis XV, la vida de la
corte se desarrolla en
el palacio de
Versalles,
extendiendo el
cambio artístico del
palacio real y
permitiendo su
difusión a toda la alta
sociedad francesa.
La delicadeza y la
alegría de los motivos
rococó han sido vistos
como excesos.
En Versalles tiene
gran importancia el
jardín que no es
espontáneo como el
inglés sino
racionalizado y
ordenado con
esculturas y fuentes
mitológicas que se
relacionan unas con
otras, estanques,
canal creando un
efectismo
típicamente barroco,
pero también efecto
visual de placer.
La capilla real, construida por Mansart en
1710, como un escenario grandioso donde
se representaba los actos religiosos que el
rey avalaba con su presencia desde la
tribuna situada en el ala norte, como una
edificación casi independiente, consta de
una cabecera semicircular , tres naves y un
espacio central con dos niveles.
El inferior con arquerías sobre pilares
(reservado a la corte) y el nivel superior que
comunica con las dependencias del rey con
una columnata corintia que sostiene el
dintel en el que carga la bóveda.
El palacio de Versalles
sirvió con creces para
exaltar el inmenso poder
del régimen absolutista y
de la hegemonía de
Francia en Europa.
Versalles estableció una
nueva concepción de
urbanismo abierto, que
está en contacto con la
naturaleza, siendo el
modelo a seguir por la
arquitectura palaciega de
toda Europa.
Interior del palacio Queluz
Tiene formas
dinámicas varios
rizos , brotes de
flores naturalistas.
La paleta es
dorada, blanca,
marfil, crema y
tonos pastel, azul,
verde, rosa y
amarillo.
La presencia de oro
en todas partes se
utilizaba para
resaltar elementos
y detalles
importantes
Palacete rococó en Stupinigi
En cuanto a revestimientos y decoración
mural, los mármoles y las grandes
pinturas se ven sustituidas por los
estucos.
Comienza a darse un uso de espejos
para crear la sensación de espacios más
amplios, a la vez que buscando sugerir
el infinito.
Aparecen en reformas de palacios,
apreciable a través de escaleras,
balaustradas y vestíbulos de los salones.
En decoración interior, se suprimen las
divisiones arquitectónicas de arquitrabe,
friso y cornisa.
Entre los materiales más empleados
destacan la madera tallada, el hierro y el
bronce, utilizado este último para la
construcción de balaustradas y portales.
Un ejemplo de ello son las columnas
salomónicas, entorchadas o helicoidales,
las griegas y romanas.
La vida social en palacio
Con respecto a la vertiente social, se inicia un
cambio en el papel de la mujer, que se
convierte en organizadora de reuniones para
hablar de literatura, política, juegos de ingenio
o para bailar.
Con amplio protagonismo sus labores
organizativas incluían festejos oficiales, diseños
de vestuario y ornamentación.
También jornadas de mecenazgo a las artes
donde se mostraban los jóvenes talentos.
Madame de Pompadour, en un retrato al pastel realizado por
Maurice Quentin de La Tour
Este entorno de alta actividad
social dentro de la alta
burguesía es el lugar adecuado
para que los artistas se
promocionen y hagan clientes.
Los motivos del Rococó buscan
reproducir el sentimiento típico
de la vida aristocrática, libre de
preocupaciones, o de novela
ligera, más que batallas
heroicas o figuras religiosas.
Anne-Enriqueta de Francia tocando la viola da gamba
Literatura en el rococó
Siguiendo el espíritu de la época, la
literatura de tendencia rococó desarrolló
temas eróticos, sensuales y ligeros, con una
escritura elegante y refinada para el
consumo de las clases altas y cultas.
Música en el rococó
La música rococó, llamada comúnmente
«música galante», derivó de la música barroca
pero tendió a ser más ligera e intimista, para
evitar producir grandes impactos
emocionales.
Algunos de sus exponentes fueron Jean
Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann,
Domenico Scarlatti, Carl Philipp Emanuel Bach
y Johann Christian Bach.
La moda rococó fue la indumentaria
característica del Antiguo Régimen.
Los trajes femeninos se denominaban
trajes a la francesa, constando de falda,
sobrefalda y chaqueta adornada con
peto, confeccionados con telas de seda y
raso y adornados con encajes y brocados.
Hacia 1770 surgen nuevos vestidos más
cómodos, informales y vaporosos, como
los trajes a la polonesa y los trajes a la
inglesa.
La indumentaria
masculina sigue
inspirada en los
trajes militares con
calzón, camisola
sobre camisa y
chaqueta o casaca.
Las pelucas son más
pequeñas que en la
etapa anterior de
color blanco, y el
sombrero es de tres
Peluca, casaca, chupa abierta en el esternón
enseñando la guirindola, calzones, medias y picos.
zapatos conforman el traje masculino. Cornelis
Troost, Joven, 1736
Hombre vistiendo a la moda hacia 1780
En la sofisticada corte de Versalles
existía una norma muy estricta
referente a los vestidos de las damas:
no se podía repetir el mismo vestido
en ningún acto público, debiendo de
estrenar siempre atuendo en cada
acto social.
En caso de no poder permitirse uno
nuevo, había que realizar
modificaciones en los complementos
para que pareciera que la prenda era
nueva.
Esto instaura el negocio de la moda
en la corte francesa a mediados del
siglo XVIII.
Se siguen usando pelucas que
hasta 1770 algunas cortas, con
bucles a los lados y de color
blanco.
Estas pelucas se empolvan con
polvo de arroz de tonos pastel
blanco, rosa o lila.
Durante el reinado de María
Antonieta los peinados llegan a
alcanzar un metro de altura y los
cabellos compiten con lazos,
flores, perlas, piedras preciosas y
hasta miniaturas de carrozas,
animales y retratos.
Nunca hasta entonces el peinado
fue tan extravagante y provocador
como durante estas décadas de
peinado moda Pouf, en honor al
nombre del peluquero real artífice
de estos peinados imposibles.
Y el maquillaje no era algo exclusivo de las
mujeres, sino que también los hombres se
maquillarán, usando polvo de arroz para dar una
tonalidad blanca al rostro, se exagerarán las
mejillas con rojo intenso y se realzarán los ojos
con tonos rosas y violetas.
Algo muy común durante el rococó fue que las
mujeres simulasen algún lunar en las mejillas
pintándolo con lápiz negro.
Los sombreros también fueron muy del gusto de
la época, sobre todo en Inglaterra, que se
adornaban con plumas de animales, flores
secas, cintas y encajes.
Fue tal la cantidad de adornos, la
complejidad de los peinados, los petos
y corpiños anudados con lazos a la
espalda, que cualquier dama necesitaba
al menos una sirvienta o asistenta que
le ayudara a vestirse y arreglarse.
Uno de los complementos estrella fue el
abanico, verdadero portador de un
lenguaje codificado que servía para
transmitir en estricto código infinidad
de sentimientos y claro, de seducir y ser
seducido.
Los abanicos demostraban
el estatus social de su
dueño, y algunos estaban
pintados por los más
famosos pintores de la
época, llevaban
incrustaciones de marfil y
diamantes, y bordados
con hilos de oro.
Los hombres también los
usaban, pero sus abanicos
eran más sobrios, de
colores oscuros y menos
ostentosos.
El "arte rococó" cuando aparece
en Francia, sustituye a Italia
como centro de creación y en
pintura se produjo la irrupción
de una nueva escuela, la
inglesa, que hasta entonces
había vivido de artistas
extranjeros.
Rápidamente se extendió por
Europa dando origen a un estilo
galante, refinado, sensual.
En pintura se
caracteriza por el
gusto por los colores
luminosos, suaves y
claros.
Predominan las
formas inspiradas en
la naturaleza, la
representación de los
cuerpos desnudos y
especialmente los
temas galantes y
amorosos.
Es un arte
básicamente
mundano, sin
influencias religiosas,
que trata temas de la
vida diaria y las
relaciones humanas,
un estilo que busca
reflejar lo agradable,
refinado, exótico y
sensual.
En el nuevo estilo el pintor abandona
las grandes composiciones y opta por
el pequeño formato.
La pintura rococó es, ante todo,
intimista y por ende no está destinada
al público en general, en realidad su
consumo fue dedicado a la nobleza
ilustrada y la burguesía más
acomodada, teniendo un carácter
eminentemente decorativo.
SCHWENINGER
, Karl Jr
(Austrian,
1854 - 1903)
Giuseppe Signorini
(ITALIAN, 1857-
1932) La solista
Las composiciones
destinadas a los salones
de la aristocracia, que a
veces reserva una
habitación a la pintura,
donde se exponen las
obras y los espectadores
aprecian la nuevas
formas y la frivolidad de
los nuevos temas.
Fue un estilo
totalmente
aristocrático, derivado
de una sociedad que
todavía tenía una
rígida estratificación
social y que representó
la fase final del antiguo
sistema económico
feudal.
La clase media identificaba fácilmente el
estilo Rococó como el rostro de la élite
corrupta y disoluta que quería derrocar.
REPRESENTANTES DEL
ROCOCÓ FRANCÉS
• Antoine Watteau
• François Boucher
• Jean-Honoré Fragonard
• Élisabeth Vigée Le Brun
• En oposición tanto a Rubens (pincel y
libertad) como a
Poussin (lápiz, imitación).
• Rompen las reglas del decoro y el rigor
del dibujo.
• LIGEREZA Y LIVIANDAD en las formas
• Rechazan la simetría academicista El baño de Diana, de François Boucher (h. 1750)
PINTORES ROCOCÓ EN EUROPA
REINO UNIDO
• Gainsborough
• Reynolds
ITALIA
Guardi
Tiepolo
Canaletto
Nicolas Lancret: La Tierra, c. 1730
Antoine Watteau
Pintor francés. Es uno de los grandes
genios del último barroco francés y del
primer rococó.
Se le atribuye la creación del género de
las fêtes galantes: escenas de cortejo
amoroso y diversiones, con un encanto
idílico y bucólico, bañadas en un aire de
teatralidad.
Algunos de sus temas más conocidos se
inspiraron en el mundo de la comedia Fiesta del amor, vers 1719, Jean Antoine Watteau
italiana o el ballet.
En el Rococó se ilustra
la división social que
desembocaría en la
Revolución Francesa, y
representa el último
bastión simbólico de
una élite alejándose de
los problemas y los
intereses comunes del
pueblo
La canción de
amor, h. 1717.
Watteau (1720) Oleo
sobre tabla
detalle
Pierrot o Gilles personaje
de la Comedia del arte
C 1721
Oleo [Link]
184 × 149 cm
Embarque
para Citerea,
129 x 194
cm
François Boucher
Nació en París en 1703, su
estilo galante era propio del
periodo.
Se destacó por sus obras
voluptuosas e idílicas con
alegorías de pastores, temas
mitológicos entre varios
retratos.
Fue decorador, hacía obras por
encargo para determinados
espacios y con colores
predefinidos.
Retrato de Boucher por Gustav Lundberg, 1741.
François Boucher Retrato de Madame
Pompadour. Fue una cortesana francesa, una
de las amantes más célebres del rey Luis XV,
además de una de las principales promotoras de
la cultura durante su reinado.
La Venus del espejo, (1751). Madame Bergeret - Francois Boucher
Francois Boucher
Mme de Pompadour
1759
François Boucher (rococo fancés 1703-1770) –La carta
de amor -1750
Jean Honoré Fragonard:
Nació en Grasse en el año 1732, fue un grabador y
pintor francés.
Este artista destacó por el hedonismo y la
exuberancia, además fue uno de los artistas más
activos ya que realizó más de 550 pinturas.
Inicio sus estudios a los 18 años con Jean Baptiste
Simeon Chardin pero no fue hasta estudiar con
François Boucher que se formó completamente su
estilo.
En sus inicios tenía un estilo con temática histórica y
religiosa pero en 1765 se situó en el estilo Rococó.
Aunque contó con el apoyo y la ayuda de varios
artistas no llegó a introducirse del todo en este estilo y
acabo muriendo pobre. jean honore Fragonard
Las obras más destacadas de
este pintor fueron
El beso robado que se realizó
en 1790,
Los felices azares del columpio
que se creó en 1767,
La Musique realizaba en 1769,
El beso creada en 1770,
El instante deseado o también
conocido como
Los amantes felices que fue
realizada en 1770 y por último
la Muchacha jugando con su
perro en la cama creada en
1775.
Muchacha con perro«, Jean-Honoré Fragonard.
Fragonard, Joven mujer leyendo 1780
Sus figuras se presentan ricamente
vestidas, colocadas contra telones de
fondo rural, jardines o parques, un
modelo tipificado de la fiesta elegante
donde los aristócratas pasan su tiempo
libre en entretenimientos sofisticados
en una atmósfera soñadora y con
connotaciones eróticas.
Jean Honoré Fragonard
Jean Honoré Fragonard
La técnica es sutil y tiende al virtuosismo, con
pinceladas libres y una rica paleta de colores,
con un predominio creciente de tonos claros,
buscando efectos evocativos de la atmósfera.
En sus
composiciones se
pierde el enfoque
narrativo en
medio del frenesí
de la plasticidad
pura, del atractivo
sensorial
inmediato.
Étienne Maurice Falconet fue
uno de los principales escultores
de estilo rococó franceses.
Madame de Pompadour su
mecenas. Influido por la escuela
barroca de la que puede ser
considerado un maestro,
Falconet aparece, en
determinados aspectos, como un
escultor neoclásico.
La influencia del pintor
François Boucher y del teatro y
ballet contemporáneos
quedan igualmente en
evidencia en los temas de
Falconet, y su estilo dulce,
elegantemente erótico.
La moda de estas esculturillas
ornamentales se extendió a la
mayor parte de las
manufacturas de porcelana de
Europa.
Corradini fue un magnífico escultor rococó
veneciano, de los más reconocidos y
admirados de su tiempo.
“La Verdad Velada” es una de las alegorías
del escultor. Esa tela que cubre el cuerpo fue
esculpida con una habilidad extraordinaria,
un trabajo técnicamente perfecto, el rostro y
el cuerpo, protegidos por un débil velo,
transmiten una expresividad y misterio
fascinantes, aparte de esa explícita
sensualidad.
Algo desde luego inusual para una estatua
funeraria.
Antonio Corradini
Italia, 1751
Francesco Queirolo, escultor italiano del
siglo XVIII y su obra "El Desengaño".
7 años en esculpir esta maravilla en el
[Link]
Representa un pescador que ha sido
liberado del pecado, representado por la
red.
Mientras un ángel de pequeñas alas y
con una pequeña llama en su frente -
símbolo del intelecto humano- ayuda a
este hombre a liberarse de caer en la
tentación y señala un globo terráqueo a
sus pies, símbolo de las pasiones
mundanas.
Cuenta la historia que
el mismo Queirolo
tuvo que pulir con
piedra pómez la
escultura, pues los
artesanos de la
época, incluso los
más especializados en
pulido, se negaron a
arriesgarse a que se
les rompiera en
pedazos.
El Desengaño
Artista: Francesco
Queirolo
1754
Capilla Sansevero
Sangro di Sansevero
Napoles, Italia
Thomas Gainsborough (1727 - 1788). Pintor
inglés considerado como uno de los grandes
maestros del retrato y del paisaje.
Realizó más de 500 obras, de las que 230 son
retratos.
Se caracterizan por la noble y refinada
elegancia de las figuras, el encanto poético y
los colores fríos, principalmente verdes y
azules, de pincelada suelta, delgada y larga en
su trazo.
El joven azul
Sus obras están imbuidas de
melancolía poética, efecto logrado
a través de una luz muy tenue,
clara reminiscencia de los
paisajes flamencos del siglo XVII
que tanto le influyeron.
La modelo refleja el prototipo de
belleza de la Inglaterra de
mediados del siglo XVIII
La mujer de azul
Inglaterra mostrará
una escuela de
carácter personal
donde destacan el
creador Hogart,
Reynolds y
Gainsborough.
Thomas
Gainsborough
Fecha: c.1760
• El vedutismo (de
veduta, ‘vista’ en
italiano; plural, vedute)
es un género pictórico
muy típico del Settecento
(siglo XVIII) italiano,
desarrollado sobre todo
en Venecia.
• Enmarcado dentro del
paisajismo, en el vedutismo
se representan vistas
generalmente urbanas, en
perspectiva, llegando a veces
a un estilo cartográfico,
donde se reproducen
imágenes panorámicas de la
ciudad, describiendo con
minuciosidad canales,
monumentos y lugares
típicos de Venecia, solos o
con la presencia de la figura
humana, generalmente de
pequeño tamaño y en
grandes grupos de gente.
Concebidas como recuerdos
–casi como postales– para
viajeros extranjeros, las
vedute tuvieron mucho
éxito, llegó su influencia a
casi todos los rincones de
Europa, e iniciaron una
forma característica de
representar el paisaje que
fue imitada por muchos
artistas europeos.
• Giovanni Battista Piranesi fue un
arqueólogo, arquitecto, investigador y
grabador italiano. Realizó más de 2000
grabados de edificios reales e imaginarios,
estatuas y relieves de la época romana así
como diseños originales para chimeneas y
muebles.
• Decían que Giovanni Battista Piranesi
dibujaba lo que no podía construir o ya no se
podía rescatar del olvido: edificios
imaginarios, ruinas decadentes, paisajes
boscosos, erráticos y bellos, tan magistrales
como ilusorios.
Su obra fue muy famosa en la
Europa del siglo XVIII, sobre todo
sus Vedute di Roma, literalmente
Vistas de Roma, grabados de la
ciudad eterna donde no sólo recreó
las ruinas arqueológicas y las
estampas más icónicas, sino que las
embelleció a través de
composiciones dramáticas, con
superposiciones, contrastes de
luces, ángulos desconcertantes y
perspectivas insólitas que creaban
imágenes mucho más hermosas e
impactantes, pero ficticias de todos
modos.
Tan conocidas llegaron a ser sus Vedute que
cuando los viajeros llegaban a Roma se
quedaban algo decepcionados al comprobar
cómo eran en realidad los lugares que él
retrataba.
Hay que recordar que Roma era por entonces
una ciudad tan fascinante como caótica,
tortuosa y mísera, repleta de ruinas de antaño
que pocos sabían valorar.
Columnas corintias emergían del suelo en
medio de matorrales, piezas rotas de esculturas
—brazos, piernas— se amontonaban en cuevas
y en el Foro Romano pastaban vacas.
Piranesi, sin embargo, no
vio una fea decrepitud en
aquellos restos
arqueológicos, sino
vestigios de un pasado
glorioso.
Y él se propuso preservar
esa grandeza clásica para
la posteridad.
Por ello, no retrató las
ruinas como eran, sino
como podrían haber sido
en realidad.
Más que retratar Roma, lo
que hizo fue imaginársela.
Maria Antonieta
María Antonieta de Austria, fue una
princesa archiduquesa de Austria y reina
consorte de Francia y de Navarra.
Decimoquinta y penúltima hija de Francisco
I del Sacro Imperio Romano Germánico y de
la emperatriz María Teresa I de Austria, se
casó en 1770, a los catorce años, con el
entonces delfín y futuro Luis XVI de Francia,
en un intento por estrechar los lazos entre
dos dinastías hasta entonces enfrentadas.
María Antonieta cerca de 1767-1768.
Joven, bella, inteligente, heredera de Habsburgo y
con un árbol genealógico impresionante, su
llegada despierta los celos del pequeño mundo de
la nobleza.
El 10 de mayo de 1774, Luis XVI y María Antonieta
se convierten en los reyes de Francia y de Navarra.
Se arma una verdadera campaña de desprestigio
en contra ella desde su ascenso al trono.
María Antonieta se convirtió en símbolo
escandaloso de la más licenciosa corte de Europa.
En 1775, tras la muerte de Luis
XV, su hijo subió al trono con el
nombre de Luis XVI y María
Antonieta se convirtió en reina.
En ese momento el reino de
Francia se encontraba en una
situación financiera precaria.
Durante la Guerra de los Siete
Años (entre 1756 -1763) el reino
se había endeudado y fue
entonces que Luis XVI decidió
participar en otra guerra costosa,
Elizabeth Vigee. Lebrun
María Antonieta Maria Antonieta, c.1783
la misma que habían iniciado los
llevando un vestido a la National Gallery de Washington colonos americanos contra los
polanesa y mangas La reina con el nuevo estilo de moda británicos.
A la inglesa
pagoda
En 1778, María Antonieta tiene su primer hijo,
una niña, María Teresa, llamada «Madame
Royale». En 1781 nace el delfín Luis José
(llamado Luis José Javier Francisco).
Tras los nacimientos, María Antonieta cambia
su forma de vida. Se dedica a la caridad.
En 1785 nace su tercer hijo, Luis-Carlos (Luis
XVII), duque de Normandía.
En 1787 nace su última hija, Sofía Beatriz
(María Sofía Helena Beatriz) que murió con un
año de vida de tuberculosis.
Retrato de María Antonieta con sus hijos María Teresa y Luis
José en el Petit Trianon, por Wertmüller (1785)
Contra María Antonieta, no
existían pruebas , de hecho,
era ajena a todos los asuntos
políticos, pero en los meses
siguientes a la ejecución de
Luis XVI, el grupo más
extremista de la Convención
llegó al poder, y para
ensañarse con el último
símbolo de la monarquía,
inició un proceso en contra de
la reina acusándola de traición
e incesto.
La toma de la bastilla
• El 14 de julio 1789 el pueblo de París respaldó en las calles a sus representantes y, ante
el temor de que las tropas reales los detuvieran, asaltaron la fortaleza de la Bastilla,
símbolo del absolutismo monárquico, pero también punto estratégico del plan de
represión de Luis XVI, pues sus cañones apuntaban a los barrios obreros.
• Tras cuatro horas de combate, los insurgentes tomaron la prisión, matando a su
gobernador.
• Si bien sólo cuatro presos fueron liberados, la Bastilla se convirtió en un potente símbolo
de todo lo que resultaba despreciable en el Antiguo Régimen.
El 14 de julio de 1789 – que
se conmemora hoy en día
como fiesta nacional
francesa – la muchedumbre
de París asaltó la Bastilla, una
prisión de la ciudad.
El rey, temeroso de la
sublevación popular,
prometió que trabajaría con
ellos a fin de crear una nueva
constitución.
El soberano, en junio de
1791, junto con María
Antonieta huyen de la
ciudad, pero fueron
Arresto de la familia real en la casa del registrador de pasaportes en Varennes interceptados y devueltos a
noche de 21–22 Junio 1791 (por Thomas Falcon Marshall, 1854) París.
Luis XVI fue depuesto, la monarquía
abolida el 21 de septiembre de 1792 y
la familia real encarcelada en la torre
del Temple.
Nueve meses después de la ejecución
de su marido, María Antonieta fue
juzgada, condenada por traición y
guillotinada el 16 de octubre de 1793.
María Antonieta en 1788, poco antes de su derrocamiento
Sus faltas,
exageradas por la
opinión pública y
consideradas como
ejemplo vivo del
desenfreno de la
corte condenaron al
matrimonio a la
muerte.
Detalle de un retrato de María Antonieta
(Jean-Baptiste Gautier Dagoty, 1775)
Etapas de la ilustración
Primera etapa Segunda etapa Tercer etapa
Se consolida • Acciones • difunden al
la idea de la revolucionarias mundo
razón y su • España,
Influencia. Hispanoamérica,
Filosofia y FRANCIA Italia, etc.
letras inglesas • EE UU • Crisis del
FRANCIA E • AMERICA racionalismo
INGLATERRA • NEOCLASICO • ROMANTICISMO
ROCOCO
DESPOTISMO ILUSTRADO
El monarca ilustrado es un soberano que
acepta los principios de la Ilustración y
desea
ponerlos en práctica para lograr una
mayor
eficiencia del Estado, en beneficio de éste
y de los súbditos.
• Todo para el pueblo, pero sin el pueblo
• Luis XV (Francia), Carlos III (España),
Catalina II la grande (Rusia), José I
(Portugal), José II (Austria), Federico II
(Prusia)
La FRANCIA de los Luises El estilo Luis XIV “el rey sol” fue un gran
promotor de la cultura, urbanizó Paris con
alumbrado, agua potable, plazas y palacios .
• Con Luis XIV y su amante Mme Pompadour
el estilo ROCOCÓ, se difundirá por toda
Europa.
• Con María Antonieta , las tendencias se
profundizarán entre continuadores del Rococó.
• El triunfo de la Revolución, consolidará el
estilo NEOCLÁSICO que se sostiene durante el
Directorio y el imperio napoleónico.
Luis XV • En 1815 la derrota en Waterloo marca el
hacia 1724 inicio de una nueva tendencia: el movimiento
Por
Hyacinthe ROMANTICO.
Rigaud
Este proceso culminó en la
Revolución Francesa y el
surgimiento del Neoclasicismo,
con un regreso de ideales
artísticos basados en valores de
austeridad, piedad, civismo y
ética, una reafirmación de los
principios cívicos.
factores que influyeron en la revolución francesa
• un régimen monárquico que junto a una aristocracia (la nobleza y el alto clero)
aferrada a sus privilegios feudales.
factores que influyeron en la revolución francesa
• un régimen monárquico que junto a una aristocracia (la nobleza y el alto clero)
aferrada a sus privilegios feudales.
• el auge de una clase burguesa, que había alcanzado poder económico y que ahora
empezaba a buscar el político.
factores que influyeron en la revolución francesa
• un régimen monárquico que junto a una aristocracia (la nobleza y el alto clero)
aferrada a sus privilegios feudales.
• el auge de una clase burguesa, que había alcanzado poder económico y que ahora
empezaba a buscar el político.
• Su riqueza y su cultura la había elevado al primer puesto en la sociedad, posición que
estaba en contradicción con los privilegiados, nobleza y clero;
factores que influyeron en la revolución francesa
• un régimen monárquico que junto a una aristocracia (la nobleza y el alto clero)
aferrada a sus privilegios feudales.
• el auge de una clase burguesa, que había alcanzado poder económico y que ahora
empezaba a buscar el político.
• Su riqueza y su cultura la había elevado al primer puesto en la sociedad, posición que
estaba en contradicción con los privilegiados, nobleza y clero;
• la exasperación de las clases populares urbanas y del campesinado, empobrecidos
por la subida de los precios –en particular de los cereales y del pan, base de la
alimentación— y por el incremento continuo de los impuestos y derechos señoriales y
reales.
factores que influyeron en la revolución francesa
• un régimen monárquico que junto a una aristocracia (la nobleza y el alto clero)
aferrada a sus privilegios feudales.
• el auge de una clase burguesa, que había alcanzado poder económico y que ahora
empezaba a buscar el político.
• Su riqueza y su cultura la había elevado al primer puesto en la sociedad, posición que
estaba en contradicción con los privilegiados, nobleza y clero;
• la exasperación de las clases populares urbanas y del campesinado, empobrecidos
por la subida de los precios –en particular de los cereales y del pan, base de la
alimentación— y por el incremento continuo de los impuestos y derechos señoriales y
reales.
• la quiebra financiera provocada por los vicios del sistema fiscal, la desigualdad de los
impuestos, los gastos de la Corte.
El tercer estado
• El pago de impuestos recaía sobre la
burguesía y el campesinado (el tercer
estado) la nobleza no tributaba y la
iglesia lo hacía de forma voluntaria.
• La nobleza es el primer estado y el
clero el segundo estado de
privilegiados a expensas de la
burguesía y el campesinado que son el
tercer estado.
La Revolución Francesa (1789-
1799) ha sido tradicionalmente
considerada como el indicador del
final de una época histórica y el
punto de arranque de una nueva
etapa: la Edad Contemporánea.
La Ilustración cuestionó las bases
de esta sociedad así como el
modelo de civilización y cultura
que proponía, disolvió las
jerarquías y los modelos de El neoclasicismo vio el mundo desde una
patronato que alimentaron la perspectiva más equitativa, anuló los privilegios
pintura rococó calificada como de cuna y estableció nuevos criterios para la
frívola, elitista y excesivamente adquisición del conocimiento, donde reinaba la
ornamental. claridad de la razón.
PARA UNA MAYOR COMPRENSIÓN DE
LOS HECHOS DURANTE EL PERIODO
ROCOCO
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