RESUMEN HISTORIA 3 - COLLADO

Unidad Temática I - LA ARQUITECTURA MODERNA SE INSTITUCIONALIZA

Europa de entreguerras: recuperación y declive. La Ciudad Racional y los CIAM. La
controvertida existencia de un Movimiento Moderno: una construcción historiográfica en
discusión. Las figuras de los “maestros”. Las vertientes racionales y expresivas en la
articulación de una arquitectura para la Era de la Máquina. La experiencia de la Bauhaus.
Walter Gropius: Racionalidad técnica y formas puras. La Nueva Objetividad. Mies van der
Rohe: el valor de la abstracción. Le Corbusier: racionalismo; purismo y funcionalismo.

I. 1 - Contexto cultural:
El final de la Primera Guerra Mundial como bisagra de inicio del siglo XX: un mapa
diferente; cambios políticos y sociales; disolución de viejas estructuras y crisis de los
estados liberales: la República de Weimar, la Revolución Rusa y la Italia de Mussolini.
Europa de entreguerras: recuperación y declive. El comunismo y el fascismo como
alternativas a la democracia liberal. La política de masas. El valor y la herencia de las
vanguardias históricas: de la Internacional Socialista a una estética sin fronteras.

Siglo XX → inicio arbitrario de la ARQUITECTURA MODERNA

Conviene hablar de arquitectura moderna y no de movimiento moderno por su complejidad
ya que no existe tal “movimiento” sino un cambio en la forma de pensamiento como un
hecho multifacético: no es unitario, ni en sus orígenes ni en su auge, hay muchas
alternativas y soluciones. Era una construcción llevada a cabo por historiadores. Las
vanguardias (futurismo italiano, neoplasticismo, expresionismo alemán, constructivismo
ruso, etc.) dieron una especie de inicio y se incluyen de alguna manera en la arq. moderna
ya que sentaron sus bases. Momento de quiebre y ruptura con el pasado.
No se puede establecer una fecha exacta debido a su complejidad y variados sistemas:
INICIO ARBITRARIO EN 1919 CON LA FUNDACIÓN DE LA BAUHAUS. Post final de la
Primera Guerra Mundial 1918, acompañado de un proceso más complejo.
A su vez, el inicio varía dependiendo de cómo se dio en cada lugar. Países emisores:
Alemania 1920 (Berlín, Frankfurt), Suiza y Francia (París principalmente). Desde estos
países se transfieren algunas ideas con muy poco sentido y de las cuales se hacen
adaptaciones muy diferentes y con consecuencias ([Link]., América Latina).

1° GUERRA MUNDIAL (1914-1918) → hecho con altas consecuencias políticas, militares y

económicas. Esta situación tuvo mucho peso en los intelectuales de la época.

EUROPA ENTRE GUERRAS (1918-1939)

La primera mitad del siglo XX se encuentra caracterizada por dos fenómenos esenciales: 1)
las crisis económicas del sistema capitalista y 2) la Revolución de Octubre. Las sucesivas
crisis del capitalismo se agudizan en dos momentos: 1era Guerra Mundial (1914-1918) y
2da Guerra Mundial (1939-1945). El periodo entre guerras (1918-1939) estuvo cargado de
tensiones sociales y económicas que expresan la lucha entre los grandes monopolios y la
violenta represión ejercida por la burguesía sobre el proletariado.
→ Revolución Rusa: también conocida como Revolución de Octubre (1917). Desplaza
definitivamente a la burguesía del poder político y económico y abre el camino al primer
Estado socialista del mundo. El triunfo del proletariado sobre la burguesía constituye un
ejemplo alentador para los restantes trabajadores europeos, quienes sobre las ruinas de la
guerra provocada por la burguesía, aspiran a construir un sistema social más justo.
Surgen movimientos revolucionarios en diferentes países que ponen en peligro la
estabilidad del sistema capitalista y son reprimidos por la burg. (Alemania, Italia, Hungría).
→ República de Weimar: En Alemania (1919-1933), sistema representativo burgués de la
socialdemocracia gobernante en el país asume una posición reformista apoyada por
algunos partidos socialistas y trata de dividir el movimiento obrero, aislando la dinámica
revolucionaria del movimiento comunista. La alta burguesía mantiene sus objetivos
económicos y su partición en grandes monopolios internacionales pero buscando un
acuerdo social y una atenuación de la agresividad revolucionaria del proletariado, ofrece
algunas reivindicaciones (tales como una débil participación política, aumentos de salarios,
construcción de viviendas, etc.)
La actitud “tolerante” de la burguesía se interrumpe con la crisis mundial de 1929 (cuyos
efectos se prolongan hasta 1933) y en toda Europa el camino de la recuperación paso a una
alternativa represiva → 1933 Hitler asume el poder.
→ Italia de Mussolini: En Italia (1922-1943), la clase dominante instala en el poder a
Benito Mussolini, quien impone el fascismo, sistema represivo dirigido contra los
trabajadores y las fuerzas progresistas.
El modelo nazi-fascista de Hitler es seguido en la mayoría de los paises europeos y pondrá
en crisis toda perspectiva progresista en el plano social y cultural.
Otro dictador que cabe mencionar es el fascista Francisco Franco que fue “caudillo” de
España a partir de 1939.
Alemania como potencia militar europea, en 1939, invade Polonia e inicia así la 2da GM.

Siglo XIX → ANTECEDENTES DE LA ARQUITECTURA MODERNA

Existieron grandes teóricos de mitad del siglo XIX de la arquitectura que acuñaron ciertos
conceptos que los arquitectos de principios del siglo XX van a transferir a sus producciones
y a sus ideas. Estos teóricos son influenciados por algunas de las corrientes y retomados
por los vanguardistas. Ellos son: Semper (noción de normalización o tipificación), Vischer
(noción de empatía frente a los objetos) y Riegel (noción de voluntad de la forma).

VANGUARDIAS HISTÓRICAS: cada una rompe con el pasado de una manera distinta.
- FUTURISMO ITALIANO:
- Contexto: 1909 (previo a la 1° Guerra Mundial) → Manifiesto Marinetti
Se lo considera como un antecedente involuntario del pensamiento fascista que surgiría en
la Italia de Mussolini años después.
-Características: es la más agresiva, más violenta, no tiene diálogo sino que lo niega.
Importancia de la velocidad, la belleza ya no está en la proporción, en la simetría, en la
tradición, ni en la armonía de las formas, etc. No se preocupó por construir en serio.
Movimiento estructurado por el tiempo, la velocidad, la fuerza y la energía.

* Durante la guerra (1914-1918): las vanguardias no producen nada, solo un poco de

neoplasticismo porque Holanda era neutral.
- NEOPLASTICISMO:
- Contexto: 10 años después del futurismo - 1918 → Manifiesto de Stijl
-Características: no rompe de manera violenta con el pasado sino que lo hace a partir de la
dupla: NO FIGURACIÓN - ABSTRACCIÓN. Buscan la belleza en el idealismo. Nueva
conciencia (pensamiento racionalista), ilustración: hombre creativo, ideal y universal.
Pensamiento colectivo.
Abstracción progresiva: las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y
verticales, y los colores al negro, blanco, gris y los 3 primarios.
Exponentes:
- artistas plásticos (armonía como objetivo plástico por excelencia): Mondrian
(ortogonalidad), Van Doesburg (más jugado, mete la diagonal y genera problemas con M.)
- arquitecto: Gerrit Rietveld.

* Final de la guerra (aprox. 1918) en Alemania: se produce una explosion de los arquitectos
y artistas expresionistas (tiene raíces más antiguas pero explota acá) que seguían la línea
de asociaciones expresionistas como Novembergruppe y Consejo de Trabajadores del Arte.
- EXPRESIONISMO ALEMÁN:
- Contexto: Alemania destruida tras la guerra, en búsqueda de recomponerse y progresar
democráticamente. República de Weimar: república democrática socialista, cambio político
drástico. Todas las obras se hacen en oficinas públicas relegando el rol del arq. estrella.
- Características: Es radical pero tiene una relación con el pasado. Basadas en el
romanticismo, trabajan en función de la emoción por los cambios producidos. Se centraban
en la utilización de la luz (reflejos para expresar sensaciones y emociones), mediante
cristales, colores, tonos, etc. Relación y compromiso político fuerte y directo. Engloba a
ciertos grupos/asociaciones (Novembergruppe. Consejo de Trabajadores del Arte y Cadena
de Cristal).
● NOVEMBERGRUPPE
- Contexto: 1918 (fin 1° Guerra Mundial) → Manifiesto de Novembergruppe
Se dio su disolución con la llegada del nazismo.
-Características: más que un grupo con un sello estilístico en común fue una asociación de
artistas con el objetivo de exponer conjuntamente. Tenían como objetivo reorganizar el arte
alemán tras la guerra. Muchas exposiciones para el pueblo y la sociedad.
● CONSEJO DE TRABAJADORES DEL ARTE
- Contexto: 1919 (fin 1° Guerra Mundial) → Manifiesto del AFK (Arbeitsrat Für Kunst)
Nace en Berlín.
-Características: Movimiento arquitectónico ligado al expresionismo. Su objetivo era la
creación de un grupo de artistas que pudiera influir en el nuevo gobierno alemán, con vistas
a la regeneración de la arq. nacional, con un claro componente utópico. Plantean que arte y
pueblo deben ser una entidad. El arte ya no es solo de la élite o para unos pocos, sino de
las masas, hay una nueva realidad social (Arte social). Liderado por Gropius, crea la
“Exposición de arquitectos desconocidos” (obras sin firmar, aparecen como producidas por
el grupo), propiciando la producción colectiva. El arquitecto trabaja para el pueblo.

- CONSTRUCTIVISMO RUSO:
- Contexto: 1917 → Llevar modernidad a la sociedad nueva de la URSS luego de la
Revolución Bolchevique (Revolución Rusa) - caída del régimen zarista (forma de gobierno
absoluto propia de los zares). Transformación radical del país.
- Características: los arquitectos de este movimiento tienen demandas sociales que resolver
y apoyan el nuevo estado socialista. Esta es su manera de romper con el pasado: tiene otro
carácter (no iban por el lado de la abstracción) sino que tomaban decisiones más concretas
por estar ligados al Estado. Requiere mucho más del diálogo con la sociedad. No tuvieron
llegada/repercusión y por eso murió tras una década y media.
I.2 - Ciudad y Territorio:
La Ciudad Racional. Las exposiciones del Deutscher Werkbund como metáforas de ciudad:
Stuttgart 1927; Viena 1932. La Grosstadt de Hilberseimer. Los Siedlungen y los nuevos
modelos de expansión urbana en los municipios socialdemócratas alemanes: Frankfurt,
Karlsruhe, Berlín. La Viena Roja: el modelo de los Hoff. Las ciudades ideales de Le
Corbusier: La Ciudad Contemporánea para 3 Millones de Habitantes; el Plan Voisin; la Ville
Radieuse. La fundación de los CIAM (1928). Los distintos Congresos. La ciudad CIAM como
modelo de actuación. La Carta de Atenas.

MECANISMOS DE OFICIALIZACIÓN Y DIFUSIÓN DE LA ARQUITECTURA MODERNA

El “movimiento moderno” no tiene tal unidad y por eso hablamos de arquitectura moderna.
Existen manifestaciones e instancias que luego van a constituir un lenguaje reconocible que
nos permite hablar de Arquitectura Moderna.

Manifestaciones: discursos de muchas voces como revistas, exposiciones, artículos,

manifiestos, etc. Diferentes tipos de difusión según lo que se quería transmitir y a quién.
- Revistas: las revistas de arquitectura son vehículos de difusión.
● Anuarios del Deutscher Werkbund (1912-1930) - temas: novedades del Werkbund.
Más adelante será dirigida por Mies Van der Rohe.
● L’ espirit nouveau (1918-1924) - temas: pureza y perfección de la forma. Fundada
por Le Corbusier y de algunos de estos artículos escritos por él se llega al libro
“Hacia una nueva arquitectura”.
● De Stijl (1917-1931) - temas: revista de neoplasticistas que sigue los ideales de Stijl.
Se funda para publicar su manifiesto.
● Revista G (Gestaltum) (1922-1926) - temas: de la nueva objetividad, de la línea dura,
exclusiva de arquitectura. Mies, Richter, El Lissitzky.
● Revista Frühlicht (1922-1925) - temas: material del expresionismo alemán,
importancia de la luz temprana, donde Mies publica el Rascacielos de Cristal. De
Bruno Taut.
● Revista ABC (1924-1928) - temas: nueva objetividad y línea dura de Suiza.
● Das Neue Frankfurt (1926-1930) - temas: difusión de políticas públicas y sociales de
este municipio.
● Das Werk (La Fábrica) (1916-1950) - temas: línea Suiza del Werkbund. Llegó a Arg.
● Revista AC (Grupo Gatepac) (1931-1937) - temas: arquitectura contemporánea
española.
● Revista Casabella (1930-1943) - temas: revista italiana. Defensora de arq. moderna
pero de manera periférica.
● Revista Moderne Bauformen (1902-1944) - temas: más comercial, no tan de
vanguardia, difusión de lo que se hacía en Europa en ese momento. Llegaba a Arg.

- Exposiciones: las exposiciones de arquitectura son un campo muy rico para analizar
la constitución de “un movimiento moderno”. (1914-1937). Buscaban anclaje y
difusión principalmente dedicado a un gran público y no solo para arquitectos como
las revistas.
● Colonia, Alemania. Exposición del Deutscher Werkbund (1914). Arquitectura como
un aspecto más considerado dentro del diseño. Arquitectura tradicional mayormente
y excepciones de vanguardia como: Pabellón de Taut, Fábrica Modelo de A. Meyer.
Gropius como figura importante también.
 ● París, Francia. Exposición Internacional de artes decorativas (1925) -
monumentalidad y ornamentación. Aparecen pequeñas perlitas de arq. en la
exposición (constructivismo). Ejemplo: Pabellón de grupo de vanguardia de Le
Corbusier “L’ espiritu Nouveau”.
● Stuttgart, Alemania. Exposición de Weissenhof Siedlungen (1927) - primera
exposición importante Post 1er Guerra Mundial, organizada por el Werkbund.
Exposición plena de arq. moderna. Mies convoca a Gropius, Le Corbusier, Stan,
Hong, etc. y convergen a esta exposición a diseñar prototipo de viviendas colectivas.
Nueva forma moderna de habitar mostrada al público a partir de estos prototipos.
● Barcelona, España. Exposición Universal (1929) - fue proyectada para antes de la
1er Guerra Mundial. Arquitectura historicista y tradicional (anacrónica).
Pintoresquismo (pueblo español) vs. Abstracción (Ejemplo: Pabellón Alemán de
Mies Van der Rohe).
● París, Francia. Werkbund (alemán) Exhibition (1930) - Fue un solo edificio,
recreación de espacios interiores y objetos exclusivamente, mobiliario doméstico y
de oficinas.
● Budapest, Hungría. Exposición Internacional de Arquitectura Moderna (1930).
Interés por difundir, paneles con fotos de obras, enorme diversidad de ejemplos.
● Berlín, Alemania. Deutscher Werkbund (1931) - La vivienda de nuestro tiempo de
Mies VdR que aún ponía interés a la ya en crisis Arquitectura Moderna Alemana
(1933 fin). El DW en decadencia económica, sin apoyo estatal.
● Viena, Austria. Werkbund Siedlungen (1932) - Última exposición del DW (sucursal).
Algunos arquitectos alemanes y austríacos poco reconocidos que intentaban difundir
con estos emprendimientos, aunque se estaba desintegrando el DW.
● New York, [Link]. Modern Architecture International Style Exhibition, Museum of
Modern Art (MoMA) (1932) - Gran exposición que marca un nuevo estilo de difusión
mundial. Planos, fotos y maquetas de los principales arquitectos europeos y
norteamericanos. Si querían difundir tenían que exponer ahí. Nuevo estilo canónico.
● París, Francia. Exposición Universal (1937) - es la última exposición (a dos años del
inicio de la 2da Guerra Mundial 1939-1945). Pre anunciaba la tragedia de la guerra.
La apertura de la exposición generaba tensión y desafío ya que de un lado estaba el
Pabellón Alemán con el águila y la esvástica y del otro lado el de la Unión Soviética
con el hombre y la máquina trabajando. Arquitectura monumental violenta.
* Post Guerra: Recién para el año 1950 se retoman las exposiciones.

- Atlas de arquitectura: eran libros para un consumo profesional hacia el interior de la

arquitectura. Discurso de lenguaje universal para la arq. moderna. Es importante
para saber de donde salen las ideas que conforman la complejidad del “movimiento
moderno”. Fundamenta la existencia de la arquitectura moderna desde la crítica más
que de los propios arquitectos. Especie de adoctrinamiento de lo que se debía hacer.
(1929-1935). El primero fue escrito por Bruno Taut en 1929.

- Concursos: Sede Chicago (1922); Palacio Sociedad de Naciones (1927); Palacio de

los Soviet (1931).

- Primeros Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM): debates

sobre la ciudad y la arquitectura (1928-1933). Se encargan de articular/analizar las
experiencias e ideas sobre la “ciudad racional” que se van dando por diferentes
 arquitectos y en diferentes lugares, en busca de ese eje moderno y unificándolas
generando documentos sobre el problema de la vivienda a escala Europea.
Congresos dirigidos a arquitectos modernos de la época con el propósito de poder
unificar todas las ideas de la arquitectura moderna y poder crear una asociación que
pudiera dar continuidad a las ideas pero de forma real. También entendían a la
arquitectura como una herramienta económica y política que se podría utilizar para
mejorar el mundo mediante el diseño de edificios y del urbanismo.
● 1- La Sarraz, Suiza (1928) - tema central: fundación del CIAM. Arquitectos de
diferentes nacionalidades (alemanes, holandeses, austriacos). Se fijan los
lineamientos del compromiso con los Estados. El promotor de este fue Le Corbusier.
También se trabaja la ciudad y la vivienda como un problema unificado.
● 2- Frankfurt, Alemania (1929) - tema central: analizan temas de vivienda moderna,
vivienda mínima y cocina mínima. Puja de poder por liderar los congresos entre el
grupo vanguardista de Frankfurt y el grupo de Le Corbusier.
● 3- Bruselas, Bélgica (1930) - tema central: temas de formación de diferentes lógicas
de barrios o conjuntos. Gropius plantea sus teorías de las alturas (ventilación,
asoleamiento, etc.)
● 4- Marsella → Atenas (1933) - tema central: se llega al problema de la ciudad
finalmente. Análisis de 33 proyectos de ciudad confrontados a ciudades existentes.
El resultado más importante: La Carta de Atenas de Le Corbusier. Este documento
adoptó un concepto funcional de la arq. moderna y del urbanismo que era unico y
provocativo, hacía hincapié en 4 funciones: habitar, circular, trabajar, recrearse. La
termina de redactar 9 años después publicándose en 1942 en plena guerra. Tiene
ciertos criterios de organización: zonificación rigurosa de funciones, jerarquía
circulatoria, predominio del verde, ruralización del paisaje, discontinuidad del tejido
edilicio, altas densidades, antagonismo entre espacio público y privado y ruptura con
la ciudad tradicional. Esto llevó a un urbanismo con consecuencias e influencias en
América Latina (Ejemplo: Brasilia). La ciudad tal como se la conocía dejaba de
existir.
Las ideas fueron adoptadas por los urbanistas en la reconstrucción de Europa
después de la 2da Guerra Mundial.

* (Desde 1937 a 1959 se hicieron otros 7 CIAM pero estos 4 fueron los más importantes).
LA CIUDAD RACIONAL / LOS CIAM → 1920-1930
Para la arquitectura moderna, la ciudad y la vivienda eran dos conceptos muy difíciles de
separar. En la concepción de los arquitectos modernos del siglo XX, CIUDAD Y VIVIENDA
son dos realidades de un mismo problema, a dos escalas distintas. Para estos arquitectos
todos las realizaciones en el campo de la vivienda debían ser tratadas como un bien de uso
(flexibilidad como factor importante) y no como un bien de mercado o capital. Entender a la
vivienda con planteos funcionalistas, higienistas, vivienda mínima, estética purista, forma
parte de una cadena productiva (producción en serie).
La vivienda estaba en manos de los municipios (generalmente, en Europa), ya que existía
una asociación entre arquitectura y política/gobiernos.

Orden según coyuntura política de cada caso:

1. Ciudad racional de la socialdemocracia alemana:
En el marco del régimen de la República de Weimar (comenzado en 1918) y, teniendo en
cuenta que a Alemania le llevó 5 años recomponerse de la 1era Guerra Mundial, se
comienza con este proceso que florece entre 1925 y 1930. El Estado administraba la
propiedad de la tierra urbana con el fin de democratizar su acceso y alentar el desarrollo de
la vivienda. En el marco de este régimen, el tema de la vivienda era manejado por los
municipios, los cuales tenían autonomía, y de esa manera toda la experiencia de vivienda y
ciudad quedaba atada a una cuestión política. Se le otorgó vivienda nueva a mucha
población.
Casos más característicos: Frankfurt y Berlín.
Ernest May era quien se encargaba de gestionar las tierras, crear los conjuntos y
ejecutarlos (trabajaba para el gobierno, a cargo de la política de vivienda de Frankfurt).
Martin Wagner era el arquitecto encargado de la vivienda en Berlín.
- Conjunto Berlín-Britz de B. Taut y M. Wagner (1925-1930) - BERLÍN
- Siedlungen Siemensstadt de W. Gropius y H. Scharoun (1929-1930) - BERLÍN
- Siedlungen Römerstadt de E. May (1927) - FRANKFURT
En estos tres casos sucedía que se creía que eran buenas las viviendas y de calidad
física-espacial pero estaban confinadas con respecto a la ciudad, se criticaba que estaban
alejadas del centro y terminaban segregadas y convertidas en guetos generando
dificultades en los habitantes relacionadas con la accesibilidad.
Con la crisis de 1929 y la llegada de los nazis al poder se terminó este sistema.

2. Ciudad racional en la Viena Roja:

El Imperio Austrohúngaro cae con la 1era Guerra Mundial y Viena pasa a ser un municipio
socialista (era como una isla en el país ya que el resto era conservador). La guerra genera
vacíos que se convierten en tierra pública, la miseria y el hambre copaban la ciudad. Una de
las principales carencias era la vivienda.
- Conjunto Karl Marx - Hoff de Karl Ehn (1927-1930) - VIENA
Conjunto dentro de un gran sistema (Hoff, 1923-1934). Equipamiento comunitario de gran
escala. No hay estética purista como en Alemania sino que era Art Decó. Le daban mucha
importancia a lo colectivo, reducían costos y tenían superficies mínimas. La tipología no es
elaborada como la de los Alemanes pero, con respecto a estos, lograban una muy buena
integración con el resto de la ciudad.

3. Ciudad racional en la Unión Soviética:

Basado en el concepto del “Existenzminimum” de Alexander Klein → “del estudio de los
módulos surge el habitar”. Estudio de tipificación de todos los elementos y movimientos
(medir minuciosamente cuánto necesito para cada actividad que realizo en cada espacio
habitacional). Klein arma una tabla con medidas mínimas para la vivienda. Se construyeron
miles de viviendas en base a esta teoría y los alemanes también tomaron estos conceptos
por ejemplo con la cocina Frankfurt.
- Las “Casas Comuna” como el inmueble Narkomfin de M. Guinzburg (1928-1930) -
MOSCÚ
Idea de lo colectivo que no prosperó. Tenían un concepto similar al de Viena, los edificios
eran más acotados pero se intersecan para generar tejido de manera puntual. Fracaso de
todo el proyecto soviético, el tipo de ocupación se convirtió en un gueto llegando casi a la
ruina.

4. Ciudad Racional de Le Corbusier

En contraposición total con la ciudad tradicional, Le Corbusier decía que había que pensar
la ciudad completa con una lógica y estrategia completamente diferente.
 - Ciudad Contemporánea para 3 millones de habitantes de Le Corbusier (1922) - Plan
Idea de ciudad ideal, modelo de ciudad cerrada de diferentes densidades. Planteaba áreas
de tejido nuevo y no pensaba en dimensiones mínimas (unidades habitacionales grandes,
no resignaba calidad de vida). Proponía proporcionar medios eficaces para las
comunicaciones, una gran cantidad de zona verde y reducir el tráfico urbano. Necesidad de
relacionar ciudad, cultura, territorio y paisaje.
Se llevan a la práctica solo algunas intervenciones, como la Unidad de Habitación de
Marsella (1947-1952), ya que solo era un plan.
En base a este se hicieron también otros planes como por ejemplo: Plan Voisin para París
(1925) y Plan para Río de Janeiro (1929).

I.3 - La Arquitectura
La controvertida existencia de un Movimiento Moderno: una construcción historiográfica en
discusión. Las figuras de los “maestros”. Las vertientes racionales y expresivas en la
articulación de una arquitectura para la Era de la Máquina. Las exposiciones, las
publicaciones y los concursos internacionales del período: aportes a la oficialización y
difusión del lenguaje racionalista durante el “período heroico”. Hacia el International Style.
La experiencia de la Bauhaus: sus propuestas pedagógicas y aportes al diseño urbano,
arquitectónico e industrial; el debate entre producción artesanal e industrial; el rechazo por
la historia; las direcciones de W. Gropius, Hannes Meyer y L. Mies van der Rohe. Weimar,
Dessau, Berlín: tres etapas, crisis internas, agresiones externas y cierre. La expansión de
un modelo pedagógico.
Walter Gropius: Racionalidad técnica y formas puras. Las lógicas constructivas dominantes
del proyecto. La acción docente y el trabajo en equipo en la búsqueda de una expresión
objetiva. Obras: Fábrica Fagus; casa Sommerfeld; Monumento a los Caídos de Weimar;
edificio de la Bauhaus de Dessau; el Teatro Total.
Posiciones extremas en la racionalización de la arquitectura: la Nueva Objetividad; el
existenzminimum, Alexander Klein y el espacio imprescindible; la línea dura: Hannes Meyer
y el manifiesto Construcción.
Ludwig Mies van der Rohe: Años de formación en Berlín; convergencia del expresionismo,
la tradición holandesa y el neoclasicismo; el valor de la abstracción; la modulación como
aporte a la estética maquinista; fluidez espacial; materialidad, tecnología y expresión.
Propuestas ideales: de las torres de cristal a la casa con patios (1918- 1934); la Casa
Tugendhat; el Pabellón de Barcelona.
Le Corbusier: Años de formación en La Chaux de Fonds; la herencia clásica del
Racionalismo iluminista; purismo y funcionalismo; las búsquedas tipológicas; vigencia del
Cubismo: la cuarta dimensión. Hacia la definición de una teoría: la promenade, los cinco
puntos y la máquina de habitar. Propuestas arquitectónicas y aportes teóricos.
Casas-estudio; Ville Stein; Ville Savoye. Los años ’30: puesta en crisis de la estética
maquinista. Casa de Mandrot; Pabellón Suizo; Cité de Refuge.

LA BAUHAUS → tema clave del siglo XX → Fundación de la Bauhaus en 1919

Fue un hecho institucional ya que se fundó una escuela estatal. Se entiende como la
consolidación de la arquitectura moderna.
Escuela de Arte y Arquitectura que tenía talleres como modo de enseñanza. Fuerte
reconocimiento de los arquitectos como profesionales, la institucionalización.
Contexto de fundación de la Bauhaus (cambios profundos en todos los ámbitos):
→ República de Weimar (1919-1933)
La derrota de Alemania en la 1era Guerra Mundial hace tambalear el sistema imperial que
se había constituido y con las clases medias y los sectores populares en la calle se
constituye La República de Weimar. Contexto republicano, democrático, inestabilidad
política y social. Esta república socialista que se formó en Weimar en 1919 pone su interés
en la formación y la reforma de la educación en general. Se piensa en la importancia de la
formación de diseñadores. En este clima de convulsión se da la fundación de la Bauhaus
convocada por el Estado.
Rasgo característico: APRENDER HACIENDO → LA BAUHAUS como resultado de un
esfuerzo continuado para reformar la enseñanza de las artes aplicadas en Alemania.
La transformación del sist. educ. permite acceder a los obreros a una enseñanza pública.

→ Deutscher Werkbund (fundación en 1907)

Asociación mixta de profesionales arquitectos, artistas e industriales. Organización
importante en la historia de la arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora y
promotora de la Bauhaus.
Los grupos de vanguardia expresionista (Novembergruppe, Cadena de Cristal, Arbeitsrat für
Kunst) pujaban por esa transformación institucional, promoviendo la participación activa del
pueblo y con manifestaciones que reflejaban el ambiente político de la época.
Dentro de este grupo se encontraba Gropius que estaba interiorizado en la formación de
arquitectos y diseñadores y publicaba sobre avances importantes en el ámbito
educativo/pedagógico. Gropius, con el apoyo del DW, plantea que de las dos escuelas
estatales existentes (Escuela de Artes Aplicadas del Gran Ducado de Sajonia y Escuela de
Bellas Artes del Gran Ducado de Sajonia) se puede hacer una. Gropius a la hora de querer
fusionarlas se basa en el concepto de “Obra de arte total” que no es la mera suma de los
conceptos de “tipificación” o “voluntad artística” de Semper y Riegl, sino que los supera.

Antecedentes de La Bauhaus
La Bauhaus se basaba en los principios de Morris y en el movimiento Art and Crafts.
Sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía
existir una distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. Sostenía también que un
buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico.
Gropius, quien fue el promotor y primer director de la escuela, tenía influencias además de
Otto Wagner y Adolf Loos.

La Bauhaus → Propuesta pedagógica

Su propuesta pedagógica se fundamentó en la experimentación: fue inventiva y se fundó en
el método de taller medieval, como método colectivo de trabajo.
Contaba con una idea de una reforma necesaria de las enseñanzas artísticas como base
para una transformación de la sociedad de la época. Vincular las artes y oficios con las
bellas artes. La idea fundamental es la utilización de la artesanía como medio didáctico para
la preparación de proyectistas modernos. La enseñanza pretende preparar al estudiante
para el diseño de la producción en serie, el trabajo con máquinas y los procesos de
producción industrial.
Durante los primeros años de la Bauhaus, el aporte de las tendencias expresionistas eran
preponderantes, pero no exclusivamente.
La idea de Gropius de que la escuela permanezca abierta a la influencia de todos los
movimientos. contemporáneos, sin caer en la órbita exclusiva de ninguno de ellos, se revela
pronto difícil de seguir.
La Bauhaus sentó bases normativas para el diseño industrial y gráfico y la arquitectura
moderna, incorporando una nueva estética que abarcara todos los ámbitos de la vida
cotidiana. Los estudiantes salían de la escuela sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o
diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica,
tejido, vidriería, pintura y escultura.
Una nueva pedagogía basada en el trabajo en grupo puede proponerse insertar poco a
poco la artesanía a la industria, es decir, recuperar los valores de la antigua tradición
artística.

La Bauhaus → El plan de estudios

El plan de estudios es una cuestión fundamental en la escuela. Se plantea en una
secuencia de círculos conversos dando la idea de la arquitectura como rama del arte en la
que el estudiante se haya perfeccionado. Expresaba la idea de que la arquitectura era la
síntesis de toda una formación que primero se va desplegando y luego convergiendo. No
eran ciclos cerrados ni autónomos, terminaba cuando el docente lo consideraba.
● CURSO PRELIMINAR / VORKURS: obligatorio (1er medio año)
Tres períodos:
- J. Itten (1919-1923): ejercicios del color y sensibilidad visual, morfología.
Liberar la creatividad individual y permitir que cada estudiante valorará su
propia capacidad personal.
- L. Moholy-Nagy (1923-1928): crisis. Cuestiona a Itten, ve algo escindido de la
problemática real. Cuestiones de equilibrio, masa y composición. Se trabaja
mucho con maquetas.
- J. Albers (1928-1933): Introd. al trabajo con el material: tela, metal, texturas.
● ENSEÑANZA INTERMEDIA: talleres de enseñanza intermedia y curso de forma. 3
años aprox. Talleres de materiales: metal, madera, tejido, color, barro, etc. Se
caracteriza por ser la parte más visible de la Bauhaus, van dejando un sello
(lámparas, sillas, etc.), producían en relación con la industria.
● SECCIÓN ARQUITECTURA: taller + obra real. Duración: el tiempo que el docente
consideraba (modo comparable al modelo medieval del concepto de “discípulo"). Se
trabaja en ejercer la obra en la vida real, los talleres se comprometen y son parte de
la creación. Muy vinculada a los Arq. Gropius y Meyer, por esto en sus obras solían
firmar junto a los “talleres Bauhaus”.
La Bauhaus → 3 ciudades - 3 sedes - 3 directores
Así como hay tres sedes hay tres directores a pesar de que no coinciden cronológicamente.
Weimar (1919-1925): Bauhaus expresionista hasta 1923, surge el Walter Gropius
tema de la fusión entre tipificación y voluntad artística). Luego cambia (1919-1928)
hacia un modelo más radical.

Dessau (1925-1931): Más proclive al ideario socialista de la Bauhaus. Hannes Meyer

(1928-1930)

Berlín (1932-1933): dos últimos años más trágicos, el nazismo la L. Mies VdR
clausura (fin de la República de Weimar). (1930-1933)

PRIMERA ETAPA BAUHAUS → (1919-1925) → 1925 la situación en Weimar era

insostenible, la sociedad los trataba de manera peyorativa y los tildaba de comunistas.
Entonces, Gropius trata con el intendente de Dessau y se traslada a la escuela.
SEGUNDA ETAPA BAUHAUS: → (1925-1931) → 1926 inauguran la escuela en Dessau
(Gropius proyectó el edificio nuevo) con conflictos como toda institución que crece. Gropius
siente que pasaron muchos años, tiene nuevas propuestas y en 1928 renuncia y designa
como director a H. Meyer (exponente de la línea dura del racionalismo).
Hannes Meyer → su preocupación era diseñar arquitectura que estuviese sumamente
relacionado con la vida social, la política y la construcción técnica, y no tan preocupado con
la dimensión artística de la arq.
Manifiesto de la construcción → “Todos los cosas del mundo son función por economía, por
lo tanto ninguna de estas cosas es una obra de arte…” Meyer dividía el plan de estudio en
arte por un lado y ciencia por el otro.
Para el año 1930 la escuela se radicaliza muchísimo. Meyer es obligado a renunciar por
cuestiones políticas y tiene que emigrar.
TERCERA ETAPA BAUHAUS: → (1932-1933) → 1930 Mies Van der Rohe asume como
director intentando salvar la escuela cuando la idea de izquierda había caído en desgracia.
La escuela estaba en su última etapa sin nada por el momento trágico que se venía. Con la
experiencia de haber sido presidente del DW la convierte en Escuela de Arquitectura mucho
más convencional porque no ve otra salida. En el año 1932 la escuela se trasladó a Berlín y
se clausuró en 1933 por los nazis que consideraban a la escuela como un org. opositor.

Para ese entonces, las ideas y obras de la Bauhaus ya eran conocidas en todo el mundo.
Muchos de sus miembros emigraron a [Link]. (Gropius y Mies), donde las enseñanzas de
la escuela llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo
enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.
El debate entre producción artesanal e industrial → debate que estuvo presente en las
disciplinas proyectuales desde mediados del siglo XIX → la Bauhaus superó este debate,
evitando la contraposición: artesanía vs. industria. Fue una experiencia institucional y
estética que ofrecía los procesos de industrialización.

LOS “MAESTROS MODERNOS”

Walter GROPIUS → (1883-1969) Alemán, nace en Berlín
De la generación de Mies y Le Corbusier. Figura clave en la creación de la Bauhaus,
concibe la formación de los arq modernos de forma institucional. Trabaja siempre en equipo.
1900-1906: se forma en politécnicos de Munich y Berlín.
1907-1908: Viaje de estudio a España. Identifica la importancia de los oficios.
1908-1933: Etapa Alemana:
1908-1910: trabaja en el estudio de Peter Behrens (aquí conoce a Mies) y tras una
gran experiencia se une al D.W. (1910). Buscaba la relación entre proyecto,
arquitectura y sistema constructivo.
1910: funda su estudio en Berlín asociado a Meyer.
1908-1914: obras protorracionalistas:
- Fábrica Fagus en Alfeld (1911) Gropius + Meyer. Obra representativa de sus
nuevas ideas. Permite ver la piel en cristal y chapa, esquinas
desmaterializadas por la envolvente de cristal. Contraste con la arquitectura
tradicional del resto de la fábrica. Ritmada pero en negativo, no por pilastras
sobresalidas como en arq. tradicional, sino rehundidas detrás del cristal, al
igual que el zócalo.
- Fábrica Modelo de la Exposición DW, Colonia, Alemania (1914) Gropius +
Meyer. Obra posmoderna porque es un anticipo. Ensaya la misma situación
 de las esquinas desmaterializadas pero de forma curva (plano vidriado curvo)
que genera una esquina aún más desmaterializada. Última obra que
construye antes de la 1era G.M., de la cual participa en una batalla
occidental.
1918-1925: obras expresionistas: en 1919 participa activamente de los grupos de
vanguardia expresionista Novembergruppe y AFK.
1919-1928: fundó y dirigió la escuela de la Bauhaus.
- Sommerfield Haus (1920-1921), Berlín, Alemania. G + Meyer + talleres
Bauhaus. Se entiende que toda la creación que hay para el ornamento y
distintos elementos de la casa, son hechos por los talleres (diseño y
producción), por eso se suma “talleres Bauhaus” dentro de los creadores, a
la par de los arquitectos.
- Monumento a los caídos de Marzo Rojo (1920-1922), Cementerio de Weimar.
G + Meyer + talleres Bauhaus. Obra expresionista más fuerte de Gropius,
muy ideologizado y marcado por la 1GM. El rayo ascendente simboliza la
lucha de los obreros en protestas.
1925-1933: Hacia la maduración del lenguaje moderno (Gropius maduraba sus ideas
con lo que aportaban las vanguardias).
- Baukasten im Groben (1922-1923). G + Meyer. Es un módulo constructivo de
gran tamaño. Proyecto teórico porque no llega a concretarse. Preocupado
por la estandarización de la vivienda, el tema que más le interesaba era la
vivienda prefabricada. Estandarización que permita flexibilidad y variedad. Es
quizá el tema que más desarrolló.
- Sede de la Bauhaus (1925-1926), Dessau, Alemania. G + Meyer + talleres
Bauhaus. Se puede tomar a este edificio como el primer edificio de
arquitectura moderna. Es su obra maestra. Era muy representativo del Plan
de Estudios y la caracterización de la Bauhaus. Cada área representaba las
áreas de trabajo: un cuerpo para la escuela, otro laboratorios, el puente para
la administración, talleres grandes, usos comunes y residencia más aislada.
Ley de la envolvente, desmaterialización de la esquina. Emplea dos
materiales: vidrio para los espacios vacíos, enmarcando en metal y el revocar
blanco en las paredes (H°A°).
Casas para los maestros de la Bauhaus (mismo año). Conjunto de 7
viviendas. Contraste entre la forma pura y el bosque.
- Proyecto Teatro Total (1927) G + Erwin Piscator. Teatro muy ideologizado, de
formación política y adoctrinamiento, pensaba mucho las formas de llegada
al público (gira y el escenario puede quedar rodeado por el público) y ese
mensaje (aturdir al espectador con proyecciones en las paredes). Fue la obra
más “Nueva Objetividad” que tuvo Gropius.
PROPUESTAS URBANÍSTICAS:
Experimentación de estandarización y prefabricación de viviendas. Sistema
mixto: grúas + sistema constructivo in situ. Ensaya prototipos diferentes. Crea
exposiciones para que el público supiera lo que era vivir en una construcción
moderna, los mobiliarios y demás elementos propios.
- Siedlung Törten (1926-1928), Dessau, Alemania. G + talleres Bauhaus.
Primer encargo de escala urbanística.
- Casas experimentales “Weisenhoff Siedlungen” (1927), Stuttgart, Alemania.
Fracasa ya que no eran tan confortables (asoleamiento y calor).
 SISTEMATIZACIÓN DE LAS PROPUESTAS URBANÍSTICAS → CIAM II y III
(1929-1933)
CIAM II → preocupación por la vivienda mínima
CIAM III → métodos constructivos racionales. Construcción baja, media, alta.
1934-1937: Etapa Inglesa:
Gropius ve venir el momento crítico de Alemania y se va a Inglaterra, donde ya era
reconocido y llega con autoridad de arquitecto importante. Periodo corto por
conflictos bélicos en todo Europa, recibe un encargo en EEUU y se va.
1936-1937: Obras:
- Impington Village College (1936-1937) Cambridgeshire, Inglaterra. G + Edwin
Maxwell-Try. Escuela con algunas líneas Bauhaus pero con adecuación a las
líneas de la arq. de Inglaterra (ladrillo visto).
Desde 1937: Primera Etapa Estadounidense:
1937-1953: profesor y director en Harvard.
1938-1941: trabaja en asociación con Marcel Breuer.
1944: nacionalizado como ciudadano norteamericano.
1937-1945: Obras:
- Gropius House (1937-1938) Lincoln, Mass, [Link]. G + Marcel Breuer. Su
propia casa, de alguna manera se relaciona con la casa del director de la
Bauhaus pero con diferencias marcadas (sistema constructivo tradicional de
[Link]., madera). En imagen moderna pero con tecnología de la zona.
- Packaged House System (1943-1945), [Link]. G + Konrad Wachsmann.
Asociación con ing. alemán también asentado en [Link]., crean un sistema
de paneles prefabricados (madera de cobertura delgada, rellenos adentro)
para viviendas. Para Gropius fue terminar de resolver este tema de
estandarización de elementos. En [Link]. había un contexto que empujaba
hacia los sistemas prefabricados que él desarrollaba.
Importante: contener la imagen de Gropius profesor/docente durante toda su carrera,
caracterizado por formar a muchos profesionales. Dio mucho espacio al trabajo en equipo,
prácticamente no existen obras en las que firme solo. Era generoso de su sabiduría para
con sus pares a diferencia de los otros “arquitectos estrella” de su generación.

Puntos de las posiciones extremas en la racionalización de la arquitectura:

→ La Nueva Objetividad: describe la obra alemana de los años 1920-1933 aprox.
(transición en la cultura de Weimar), como reacción a los excesos estilísticos de la
arquitectura expresionista y el cambio en el estado de ánimo nacional. Arquitectos como
Bruno Taut o Eric Mendelsohn se volvieron a un enfoque sencillo, funcional y práctico de la
Nueva objetividad.
→ El existenzminimum: Alexander Klein y el espacio imprescindible como referente. “Del
estudio de los módulos surge el habitar”. Década de 1920.
→ La línea dura: Hannes Meyer y el manifiesto de construcción. Manifiesto: “Todas las
cosas del mundo son el producto de función por economía, por lo tanto ninguna de estas
cosas es una obra de arte: las artes son composiciones, no están sujetas a una finalidad en
particular. Toda la vida es función y, por lo tanto, no es artística… ¿Composición o función?
¿Arte o vida?. Construir es un proceso biológico, construir no es un proceso artístico.”
Lleva al extremo la idea de lo racional. Racionalismo puro, no hay búsqueda de belleza en
la construcción.
LOS “MAESTROS MODERNOS”
Ludwig MIES VAN DER ROHE → (1886-1969) Alemán, nace en Aachen
De la generación de Gropius y Le Corbusier.
1897-1899: se forma en su ciudad natal en la Escuela de Artes y Oficios.
1899-1904: Trabaja en el taller de cantería del padre y en estudios de arquitectos locales
como dibujante. Importancia para su formación el contacto con el material (la piedra).
Además, estudiaba edificios históricos de su ciudad y la superposición de tiempos de estos.
1906-1924: Arquitectura doméstica tradicional:
(10 primeros años de su carrera en los que no era muy vanguardista)
1905-1907: Se traslada a Berlín a estudiar en la Academia del Museo de Artes
Decorativas y en la Facultad de Artes donde conoce a Alois Riehl quien luego le va a
encargar su casa. Allí también comienza a trabajar en el estudio de Bruno Paul.
- Casa Riegl (1906-1907) Potsdam, Alemania. Su primer proyecto, vivienda
convencional. Lo que la distinguía es el emplazamiento (diferente a lo
tradicional), con un plano (muro) que atraviesa un terreno en pendiente,
generando cierta abstracción y toma de partido. Fracciona el terreno para
generar la terraza de la casa y su implantación. Esto se convertirá en su
leitmotiv para su arquitectura doméstica.
1908: Viaja a Italia. Genera interés por Palladio y Schinkel que luego aplicará.
1908-1912: Trabaja en el estudio de Peter Berens en Berlín.
- Embajada alemana en San Petersburgo (1912). El Arq. Peter Behrens la dejó
a cargo de Mies y él dijo que con esa obra se hizo arquitecto.
- Proyecto Villa Kroller Muller (1913), Wassenaar, Holanda. El último proyecto
que hace para Behrens ya que se quedó con sus clientes y luego se separan.
Repite cuestiones de implantación y montó maquetas 1:1 para que se
pudiera reconocer previamente cómo serían los espacios. Le preocupaba
mucho la llegada al cliente, era muy adelantado con las técnicas de
representación, armaba montajes sobre fotografías, mostraba las obras en su
verdadero contexto, era novedoso para mostrar bien la arquitectura.
1912: Se instala solo en Berlín y funda propio estudio. Era muy individualista, sus
proyectos no los asociaba con otros arquitectos.
1912-1924: En estos 12 años hizo decenas de casas para una alta burguesía (alto
nivel económico), siempre bien situadas, a la orilla del río y con parquización.
- Casa Urbig (1915-1917) Potsdam, Alemania. Ejemplo de estas 12 viviendas.
1920-1927: Aproximación a la vanguardia:
Cuando se decide despegar como arquitecto de vanguardia destruye todos los archivos de
estos 12 años de Arq. Doméstica Tradicional para que no queden rastros.
Primeros proyectos con valor de ruptura:
- Primer Proyecto de Rascacielos de Cristal de planta poligonal en la
Friedrichstrasse (1919) Berlín, Alemania. Adelantado en cuanto a las ideas y
a las técnicas de representación de los proyectos (collage y fotomontajes).
- Rascacielos de Cristal de Superficies Alabeadas (1921) (Proyecto). Sustituye
las formas poligonales por las alabeadas. Curvas determinadas por 3
factores: iluminación del interior, masificación del edificio y juego de reflejos
(memoria del proyecto). Comienza a admirar las estructuras originales vacías
de revestimientos y en sus condiciones originales.
- Casa Mosler (1924) Potsdam, Alemania. “Casa de campo en ladrillos”. Logra
fluidez espacial a partir de que la arquitectura está definida por planos que se
 intersectan material o virtualmente. Esta fluidez lo va a marcar a Mies. En
este proyecto y en la “Casa de campo de hormigón” (Potsdam 1923)
comienza a perfilar su arquitectura de vanguardia.
Desde 1927: Maduración del lenguaje moderno:
Mies era un personaje controvertido, sobre todo en esta época: se hace miembro del
“Novembergruppe” pese a su oposición a las cuestiones radicales; en simultáneo, realizaba
exposiciones imponiendo una imagen de la arquitectura moderna. Fue vicepresidente del
DW (1926) y en 1927 realizó la Exposición de Stuttgart que se convirtió en la 1º
manifestación internacional de aquella blanca y prismática edificación de techos planos, que
luego sería identificada como Estilo Internacional.
- Bloque de viviendas. Exposición de DWB Weissenhof Siedlungen (1927)
Stuttgart, Alemania. Incluye la tabiquería móvil en todos aquellos locales que
no tengan instalaciones, permitiendo así una flexibilidad de uso.
- Casa Tugendhat (1928-1930) Brno, Checoslovaquia. Similitud con el
posterior pabellón de Barcelona por los materiales utilizados y la
conformación de las columnas con 4 perfiles “L” revestidos con chapa de
acero inoxidable pulido (ocultaba los verdaderos materiales casi siempre).
Fluidez plena del espacio a partir de lo cruciforme de las columnas. (pregunta
importante de examen)
- Pabellón Alemán para la Exposición Universal de Barcelona (1929).
Barcelona, España. Incluía mucho los reflejos sobre los materiales
(travertino, agua, vidrio, onix). Columnas cruciformes como en Casa
Tugendhat. Se destaca en la exposición en contraposición a las obras
pintoresquistas y eclécticas.
1930-1933: Dirigió la Bauhaus en la sede de Berlín con la estrategia de convertirla
en una escuela de Arquitectura. Comenzó un periodo de proyectos teóricos sobre
diferentes temáticas y viviendas en diferentes terrenos y situaciones.
- Proyecto para el Reisch-Bank (1933) Berlín, Alemania. Concurso. Uno de sus
últimos proyectos importantes en Alemania, preanuncia lo que va a ser su
trabajo a partir de su traslado a EEUU.
1937-1938: Se traslada a EEUU cuando la llegada de la guerra era inminente , allí
genera contactos de gran apoyo y consigue un cargo importante: Director de
Arquitectura en el Instituto Tecnológico (durante 20 años). En [Link]. se consagra
como arquitecto de las grandes corporaciones realizando varias obras para estas en
donde la simbolización estaba en torno a lo tecnológico y en la expresión siempre
presente de la idea de lo científico.
- Plan General para el Instituto Tecnológico de Illinois (1939). Módulo riguroso,
grilla de soporte donde arma una especie de “puzzle” para colocar y
organizar los edificios.
- Crown Hall, Instituto Tecnológico de Illinois (1942). El último edificio
importante que construyó en este campus. Gran despliegue tecnológico:
planta libre de 120x220, significó un hallazgo estructural por la utilización de
un tipo de pórtico particular.

LOS “MAESTROS MODERNOS”

LE CORBUSIER → (1887-1965) Suizo, nace en La-Chaux-de-Fonds
De la generación de Gropius y Mies Van der Rohe, uno de los más claros exponentes de la
arquitectura moderna. Figura muy contradictoria, tensión entre la razón y la emoción. Era un
hombre muy sensible a las situaciones del contexto, todo lo que fue cambiando a lo largo
del siglo XX se fue plasmando en sus obras. Nunca hizo el ejercicio de la docencia
institucionalizada. De todos los maestros es el que más marcado plantea el tema de la
vocación, arquitecto que más publica y difunde. Arquitecto y teórico de la arquitectura,
urbanista, pintor, escultor.
Para entender su obra es necesario considerar las condiciones económicas de Francia en la
1º posguerra: problemas cualitativos (necesidad de mejorar el aparato productivo de la
vivienda y de los servicios). LC supo enfrentarse a las tradiciones en su país sin perder de
vista las relaciones con el movimiento internacional, así se constituye como mediador entre
el Movimiento Moderno y la tradición francesa.
Una de sus preocupaciones constantes fue la necesidad de una nueva planificación urbana,
adecuada a las necesidades de la vida moderna.
Uno de los temas base de investigación de L.C. en su interés por la industrialización y las
nuevas formas de la vivienda
1900-1916: Años de formación:
Formación profesional autodidacta. Trabaja paralelamente en la praxis y la teoría. Los viajes
son fundamentales. Creador solitario que se rodea de discípulos.
1900-1904: se forma en su ciudad natal en la Escuela de Artes Aplicadas.
1905-1907: Su primera obra, de arquitectura tradicional, fue:
- Villa Fallet (1905-1907), La Chaux de Fonds. Primer estudio del ornamento.
Basamento de piedra y arriba madera.
1907: viaje de estudio a Italia y Viena, releva monumentos antiguos y se preocupa
por las lógicas constructivas.
1908: viaje a París, trabaja como dibujante con August Perret y estudia tratados
arquitectónicos del siglo XVIII. Aquí aumenta conocimientos sobre el H°A°,
aplicándolo a arquitectura urbana y residencial.
1911: viaje a oriente (Estambul y Atenas). Conocimiento de la arquitectura clásica.
1912-1913: viaje a Alemania, al estudio de Peter Behrens.
Obras:
- La Villa Jeanneret-Perret (1912) La Chaux de Fonds. Casa de sus padres.
Aquí plasma por primera vez toda la experiencia de sus viajes. Algunos
historiadores marcan esta casa como inicio de sus búsquedas diferentes,
precedente a lo que será su obra. Re-pensamiento de tradiciones, rompe con
el estilo regionalista. Ventana corrida y blanco (“Villa Blanca”).
- Villa Schwob (1916) La Chaux de Fonds. (“Villa turca”) Última obra
importante que hace en esta ciudad. Deja la caja cerrada y genera un planteo
que se expande al terreno. Concepto de darle privacidad y abrir la casa hacia
el interior del terreno. Experimenta espacios sociales en doble altura que
significaba darle jerarquía al mismo. Ladrillo a la vista como influencia de
Behrens. Experimenta con primeros elementos puristas, de líneas limpias y
equilibrio arquitectónico. La publicó en la revista «L’Esprit nouveau».
1918-1921: El período purista:
Después de la 1era Guerra Mundial, se traslada a París y continúa con sus estudios.
Conoce al pintor Ozenfant con quien funda el movimiento purista. El mov. purista surge
luego de la publicación del libro “Aprés le cubisme” (más allá del cubismo) en 1918 por
ellos.
El purismo se confrontaba con el cubismo, ya que los puristas intentan expresar nuevas
dimensiones a partir de las 3 dimensiones establecidas en la naturaleza. Establece la idea
de belleza a partir de las formas puras en relación con la función del objeto y las creaciones
matemáticas. Formas simples y armonía entre arte y naturaleza. Simplificación absoluta.
En 1921, Le Corbusier y Ozenfant buscan reglas constantes y mecanismos de percepción y
asociación para el color. El color debe ser controlado, ordenado y clasificado,
estableciéndose una jerarquía.
1922-1930 El período heroico:
1922: Villa contemporánea. “Proyecto de ciudad ideal” una ciudad para 3 millones de
habitantes.
- Inmueble villa (1925), expuesta como prototipo en forma del Pavillon de
L’Esprit Nouveau, en la Exposición de Artes Decorativas de París, Francia:
contribución más importante y perdurable de la villa contemporánea, una
adaptación de la Maison Citrohan a conjuntos en altura, y de alta densidad.
- Plan Voisin de París (1925), Francia: se aplica el concepto de Ville
Contemporaine.
1923: “Hacia una Arquitectura” → libro publicado concebido como un tratado de
arquitectura moderna. Crítica hacia la arquitectura del momento ya que decía que
los arquitectos no estaban a la altura de la tecnología. Expone la necesidad de
satisfacer los requerimientos funcionales por medio de la forma empírica, inspirado
en el diseño náutico, aeronáutico y automovilístico. Importancia de la producción en
serie. Uso de elementos abstractos, proporciones. Concepto de “la casa como una
máquina de habitar” (slogan).
Obras:
- Casa-Atelier Ozenfant (1922), París, Francia. Casa para un artista. Lo más
importante era el atelier del pintor en la planta alta con doble altura y
lucernarios para que este logre un desempeño adecuado. Sigue los puntos
del tratado y casa y mobiliario en serie. Separación cartesiana de las
funciones: habitar, trabajar, recrearse.
- Casas La Roche-Jeanneret (1923-1924) París, Francia. Casas para su
hermano, apareadas una detrás de la otra. Están en un corazón de manzana.
1927: Los cinco puntos para una nueva arquitectura: prototipo dominó → base de los
5 puntos: pilotis, planta libre, fachada libre, ventana corrida, cubierta ajardinada.
Le Corbusier había publicado sus cinco puntos en 1926 en forma de artículos. Se
difunde verdaderamente el año siguiente a partir de su libro/tratado. Se realiza una
exposición de los 5 puntos ejemplificándolos en el Prototipo Citrohan.
- Prototipo Citrohan (1927). Para exposición del DW Weissenhofsiedlung.
Stuttgart, Alemania. La casa se produce en serie como un auto, tendencia a
la concepción de la vivienda como un producto estandarizado. Exposición
donde presenta los cinco puntos.
- Villa Savoye (1929-1931). Poissy, Francia. Uno de los edificios más
importantes y reconocidos de Le Corbusier. Cuenta con los 5 puntos. La
rampa como elemento de paseo arquitectónico (promenade). Famoso
recorrido desde el ingreso (implantación) donde, pasando por los árboles, se
empieza a observar la obra → Arquitectura planteada como una creación
racional –propia del hombre– a diferencia del mundo de lo natural. La
tecnología de la obra es muy importante, es un mampuesto de ladrillos
cerámicos que componen la parte curva. Pilotes de hormigón y losa
alivianada.
 - Ville Stein (1926-1928), Garches, Francia. Se trata de un edificio de
volúmenes aislados y rodeado de jardín, con casa para los porteros situada
junto a la cancela de acceso. Al igual que la Villa Savoye, de espacios
abiertos formados por las distintas terrazas de las plantas.
- Pabellón Suizo. Ciudad Universitaria de París (1930-1932) París, Francia.
Obra importante aunque no se realiza. Sirvió como modelo para
experimentar teorías de vivienda colectiva. Cuenta con los 5 puntos. Eran
dormitorios para estudiantes y profesores. Tecnología tradicional.

LOS “MAESTROS MODERNOS”

Frank Lloyd WRIGHT → (1867-1959), [Link]. (primera etapa de repaso, se vio en H2)
El único de los maestros de origen estadounidense, desarrollado en un contexto con otras
problemáticas, diferentes a las europeas. Es más grande que los otros (tiene apariciones en
el siglo XIX y XX, diferentes etapas que van desde lo constructivo, la forma de encarar los
proyectos, etc.), se puede decir que es una generación previa. Arquitecto muy particular y
autónomo. Nos permite entender la Arquitectura Moderna estadounidense.
Contexto estadounidense e influencias:
-Finales siglo XIX → [Link]. como estado amplio y vasto que aún no ha terminado su
período de colonización (hacia el oeste)
-Sistema tradicional del país desde el siglo XVIII: “balloon frame” y posteriormente “Steel
frame” (sobre todo en arquitectura doméstica). Viviendas de colonos → permite un rápido
proceso de colonización.
-Louis Sullivan (1856-1924) → figura presente en su trayecto, fue como su mentor.
Auditorium de Chicago (1889).
-Escuela de Chicago → movimiento posterior al incendio (1871) y la reconstrucción de la
ciudad, con cambios tanto tecnológicos como estéticos. Necesidad de rápida construcción
porque era una ciudad que funcionaba como punto neurálgico. Sientan antecedentes para
muchas ciudades importantes (rascacielos).
-Wright se cría en un entorno más campestre, muy natural, poco relacionado con la ciudad
→ vínculo mucho más fuerte con la naturaleza que con lo urbano.
Formación y primeras obras:
Ejercicios con bloques derivados de las propuestas de Froebel → desde pequeño, Wright
trabajó con bloques o piezas, trabajo volumétrico para obtener formas y morfologías de
diferentes características. Sus primeras obras son de características domésticas
principalmente. Estilo de balloon frame con revestimientos de siding (madera).
Los volúmenes van a ser su herramienta en las obras. Comienzan a aparecer las ideas de
voladizos. Durante esta etapa se van a plasmar lo que son las casas de la pradera.
- Casa estudio de FLW (1889), Illinois, [Link].
- Casa Winslow (1893-1894), River Forest, Illinois, [Link].
Con ambas, se siente cómodo o a gusto porque está más en vínculo con la naturaleza, de
la cual además recibía influencias mediante su contacto.
Influencias de la Exposición Colombina de Chicago (1893):
- Pabellón de Japón “Ho-o-den” → Casa Robie (1908-1910), FLW, Chicago, [Link].
Planta liberada de estructura, lo portante se va hacia el perímetro de la construcción,
permite la flexibilidad de espacios. Modulación que hacen los japoneses, recrean el
espacio a partir de una multiplicación matemática (fluencia → flexibilidad espacial).
Muy interesante, él la va a desarrollar a lo largo de su obra, con diferentes formas
 geométricas. Cubiertas: superan el nivel del paramento perimetral, generan espacio
de galería, parecen estar flotando por su peso visual y calidad de voladizo.
- Pabellón Azteca de México → Casa Ennis (1923), FLW, L.A., California, [Link].
Tectónica (materialidad muy interesante, texturas), las formas, la monumentalidad,
todo esto lo mueve mucho. Referencias a lo Azteca y Maya. La cultura precolombina
va a ser una constante en su obra, sobre todo en los años ‘20 en las casas,
referencia directa. Tenía preocupación por la técnica.
En la casa que diseña intenta entablar un diálogo con el contexto inmediato, “se
funde” con el paisaje, sin pasar desapercibido. Estaba sobre una colina. Genera una
especie de basamento con la vivienda encima. Al hormigón le agrega piedra del
lugar, para darle un color similar al entorno. Tectonicidad diferente a la de un
paramento liso. Interior ameno, más humanizado.
En esta y otras obras utiliza un sistema constructivo de bloques textiles: lo que más
se parece a un sistema prefabricado. Solo en paramentos, no en cubiertas (genera
un problema técnico porque no unifica el sistema constructivo). Desarrolla ladrillos
que se hacen en moldes metálicos o de madera. Le pone una especie de sello a
cada obra (siguen siendo viviendas burguesas). Lo desarrolla durante los años ‘20
(casi todas las obras de este período son en California).
Viajes:
Son diferentes a los de LC (no debatía con otros arquitectos), maneja otro tipo de
características, es más solitario → otro tipo de llegada y conexión con el público.
1910-1911: Europa y Portfolio Wasmuth → 1910 tiene cierto renombre, cartera de
clientes burgueses y empresarios con cierto poder adquisitivo. Viaja escapando de
una situación doméstica complicada, abundan los chismes en su vida. En este viaje
toma contacto con diferentes personalidades y diferentes espacios culturales y
también logra desarrollar una serie de publicaciones donde puede exponer algunas
de sus obras hasta ese momento. → Se hace un poco conocido en Europa y tiene
difusión. Da conferencias y presenta libros escritos, pero principalmente porque
presenta su obra con dibujos característicos en el Portfolio Wasmuth.
1916-1922: Japón → (fue antes, en 1905, con su mujer en modo recreativo y en
búsqueda de piezas de colección). Este viaje lo realizó para poder desarrollar la obra
de un edificio comisionado por el gobierno japonés. Lo que no era muy común,
muchos orientales iban a trabajar con arquitectos europeos pero casi ningún
occidental iba a construir en Japón.
- Hotel Imperial (1917-1922), Tokio, Japón. Usa tecnología moderna (no
japonesa) pero estética más ligada a los japoneses. Empiezan a aparecer
superficies texturadas (propias de costumbres de este país) que van a ser un
antecedente lejano de lo que van a ser sus casas en el ‘20 (sistema
constructivo de bloques textiles). Aquí logra más fama.
1931-1952: América Latina → Viaje a México, recorre la ciudad universitaria y
diferentes obras. Asistió al VIII Congreso Panamericano de Arquitectos (1952). Tiene
una experiencia ambivalente. Criticó obras y generó impacto con sus palabras.
Habló de la vitalidad de la arquitectura mexicana.
No tenía un carácter militante de transmitir ideas modernas como LC. No tiene la
misma destreza por las palabras sino por sus obras → estas no buscan la
serialización ni la tipificación. CADA OBRAS ES PARTICULAR Y ÚNICA, NO LA
PIENSA DENTRO DE UNA SERIE, referente de la Arquitectura Orgánica. (para los
intereses de la arquitectura moderna, no termina teniendo el peso de LC).
 También viaja a Río de Janeiro (antes), es jurado en el concurso internacional para
el Faro de Colón, junto a Lucio Costa y Gregori Warchavchik (1931).
Rol educativo → las experiencias de Taliesin y Taliesin West:
2 enclaves: educación en comunidad. Era egocéntrico, figuraba como el maestro.
Método pedagógico → maestros y discípulos en el taller, era su manera de enseñar.
- Estudio-Taller Taliesin (1911-1934), Spring Green, Wisconsin, [Link]. 1era etapa.
- Estudio-Taller Taliesin West (1937-1959), Scottsdale, Arizona, [Link]. 320 hectáreas
Sintetiza todas sus aportaciones a la arquitectura, convirtiéndose en uno de los
máximos exponentes y mentores de la arquitectura orgánica. Siguió creciendo luego
de la muerte de Wright. Materiales: madera roja, lona, piedra, cemento. De los
edificios más plenos de color y de romanticismo construido desde los de los mayas.
Período usoniano 1935-1955 (desde este período se lo considera parte de H3):
USONIAN: (gentilicio de U. S. citizen en vez de American). El término se refiere a una visión
particular del paisaje de los Estados Unidos.
“Pero por qué este término “América” se ha vuelto representativo, ya que el nombre de
estos Estados Unidos en el país y en el extranjero no se recuerda. Samuel Butler nos dió un
buen nombre. Nos llamó “usonianos” y nuestra nación de Estados Unidos, Usonia.” FLW
Después de la gran crisis económica de [Link]. (1929), Wright se va a aggiornar y proponer
una nueva forma de hacer arquitectura más acorde a su tiempo que incluye variedad de
Programas: Urbano; Edificios para la Cultura, Educación, Oficinas comerciales; Viviendas.
Características de este período:
1) Empleo de materiales autóctonos, vernáculos o del sitio: madera, piedra, ladrillo, etc.
2) Bajo costo, viviendas pequeñas de un solo piso sin sótano ni garaje, sí cocheras.
3) Uso de techos planos, voladizos como reguladores climáticos: para calentamiento y
enfriamiento natural.
4) Estructura de platea eliminando el sótano, calefacción por losa radiante.
5) Conexión visual entre espacios interiores y exteriores, fluidez espacial, conexión con
el paisaje (marcada horizontalidad).
6) Obras:
- Broadacre City Plan (1934-1938). Propuesta para la ciudad ideal del s. XX,
en la que se combinan elementos urbanos y rurales de manera acertada. Su
plan, para alguien que siempre tuvo aversión por la ciudad, es similar al de
los desurbanistas soviéticos y contrapuesta a la «ciudad para 3 millones de
habitantes» de Le Corbusier: cada ciudadano dispondría de un acre (4046.86
m2) de tierra para desarrollar su vida y tener su huerta, sin interrupción
vehicular. Busca que el denominado “tráfico interno”, “tráfico hacia la ciudad”
y “tráfico de paso” se mezclen lo menos posible. Crea una ciudad desde la
circulación, buscando lo opuesto al esquema típico y arma la circulación
desde la periferia para finalmente dejar el surco de las autopistas (límite de
cada sector). Imagina sistemas de transporte futuristas. Edificios
institucionales aparte. Es una ciudad rural y anti-urbana, donde se explotaría
el campo, y las diferentes comunidades.
La idea la presentó por primera vez en el libro «The Disappearing City» en
1932. No tiene un desarrollo muy amplio urbanístico pero sí tiene esta
propuesta que es importante de la generación de una situación intermedia
entre el campo y la ciudad. Descomprimir la utilización del suelo, una utopía.
El proyecto no se desarrolló pero de alguna manera terminó ocurriendo sin
planificación con las grandes suburbanizaciones (el destino).
- Casa Kaufmann o “Fallingwater”/“Casa de la cascada” (1935-1936), Bear
Run, Pennsylvania, [Link]. Dentro de lo doméstico es el gran vehículo que
va a comunicar las ideas del arquitecto, la que más lo define. Una vivienda
de fin de semana construida a partir de una composición geométrica de
planos horizontales de hormigón que juegan contra planos verticales de
piedra. Se ve claramente como pone en práctica los principios de la
arquitectura orgánica, la ruptura de la caja arquitectónica y la
descomposición de los volúmenes en planos. Las plantas de los distintos
niveles se superponen dejando superficies de terrazas que penetran en el
paisaje. El volumen de la chimenea se convierte en el eje articulador de la
composición volumétrica en cada nivel. La fluidez espacial es la protagonista
tanto en espacios interiores articulados, como en el exterior a través de
transparencias y expansiones con las que introduce los materiales del
exterior en el interior. Es la búsqueda más orgánica de Wright. Contacto con
el paisaje, el arroyo y la naturaleza (en vez de que esté cerca del arroyo, está
encima).
Tecnología de H°, voladizos retomados (otra vez) de la cultura japonesa.
Mediante los desplazamientos de estos volúmenes termina la composición
formal de la obra. Interiormente mantenía (como en la casa Ennis) esa
calidad material. Combinación de estructura moderna (H°) con materiales
naturales (piedras, madera, etc.).
- Casa Jacobs I (1936-1937), Madison, Wisconsin, [Link]. Contexto de
posguerra. Nuevo desafío: poder resolver cuestiones habitacionales para
clases medias. Cambio en el uso de materiales (lo reduce a H°, madera y
acero). Abandona las pendientes de cubiertas empinadas, el programa
funcional también lo cambia ya que en la sociedad norteamericana del
momento se empieza a correr la figura de la servidumbre y cambia la idea de
la mujer dentro de la casa todo el tiempo. Nuevo tipo de vivienda para una
nueva sociedad.
Las obras las sigue haciendo introvertidas: abiertas hacia el interior y
relacionadas con la naturaleza de manera visual; cerradas hacia el exterior
con una especie de fachada ciega, “negada” a lo urbano.
- Edificio administrativo de la Johnson Wax Company (1938), Racine,
Wisconsin, [Link]. Planteo original y ampliaciones posteriores (edificio
construido en dos etapas). Gran escala edilicia. Fue el resultado del conflicto
entre sus dos grandes dificultades de orden filosófico para el diseño de
rascacielos: primero, como creía en una arquitectura basada en la
naturaleza, le fue difícil justificar un edificio elevado verticalmente, y segundo
su obsesión por ambos conceptos de continuidad y plasticidad. Resolvió este
dilema de una manera característica volviendo a la fuente natural que
sugería efectivamente una posibilidad en cuanto a la forma de un edificio en
altura: la forma de un árbol. En vez de proyectar una jaula con columnas y
vigas, diseñó un tipo de rascacielos donde el único soporte era el núcleo
céntrico vertical. Diseño estructural de columna hongo de 3 niveles, altura
total 9 m. → espacialidad muy interesante. Desde afuera parece cerrado pero
desde adentro la experiencia es muy diferente y utiliza de manera muy
ingeniosa la luz cenital. Otro elemento que se utiliza mucho es el cerramiento
de vidrio estructural de tubo “pyrex”.
Unidad Temática II – LA “OTRA” ARQUITECTURA MODERNA
La crisis de 1929; de los “años locos” a la Gran Depresión. La ciudad proyectada;
urbanismo moderno y política. Modelos de ciudad CIAM en el mundo occidental. Factores
históricos, culturales y geográficos diferencian posiciones frente a la Arquitectura Moderna.
Holanda; Italia; la España republicana; Francia. La interpretación nórdica de la modernidad
en el contexto de los estados socialdemócratas. Alvar Aalto y el Empirismo Escandinavo. La
adhesión al Racionalismo y el peso de la propia tradición. La Arquitectura Moderna de los
’30 en América: migraciones, transferencias y originalidad. México, Brasil y Argentina.

II.1 - Contexto cultural:

El nuevo mapa político de Europa en los años ’20; las nuevas fronteras y la transformación
de los circuitos económicos y sociales. La inclusión de América. La crisis de 1929; de los
“años locos” a la Gran Depresión. El positivismo lógico del Círculo de Viena; la teoría crítica
de la Escuela de Frankfurt; la fenomenología; influencia de las corrientes de pensamiento
en las artes y en la arquitectura.

Los años ‘20 → El nuevo mapa político de Europa

Con el fin de la 1era GM en 1918, las economías se pusieron en marcha, algunas
progresaron y otras quebraron pero, fundamentalmente, esto trajo aparejado un gigantesco
cambio político y el mapa europeo cambió para siempre. Surgieron desmembramientos
como también nuevos estados: el imperio austro-húngaro desapareció para siempre,
surgiendo en su territorio nuevas naciones (Austria, Hungría, Yugoslavia y Checoslovaquia);
Rumania y Polonia, entre otros países, crecieron en sus tierras; y el Imperio Ruso
desapareció.
No se tuvieron en cuenta otros factores al momento de crear las nuevas naciones. Así
comenzaba un período de la historia en donde una sucesión de hechos, incluyendo esta
nueva geografía impuesta, condujo más tarde a la 2da GM.

La crisis de 1929
Desde los “años locos” a la Gran Depresión → también conocida como crisis del 29 fue una
gran crisis económica mundial que se extendió en la década de ‘30 (previo a la 2da Guerra
Mundial). Comenzó en EEUU con el crack financiero de Wall Street y se expandió por el
resto del mundo generando un clima de pobreza, desempleo y malestar social.

La inclusión de América → 1930-1950/1960

Pocos países quedaron excluidos de realizar algo de arquitectura moderna. Durante mucho
tiempo se consideró a las producciones latinoamericanas como degradadas porque “se
copiaba o reflejaba” lo que se hacía en Europa pero de menor calidad.
A partir de la producción propia y auténtica que se produce por la transferencia de
elementos y rasgos del lenguaje y la tecnología de la arquitectura moderna europea, se
comienza a valorar de manera importante. No se trata de una arquitectura copiada sino de
una transferencia que se contextualiza con coyunturas propias y comienzan a reconocerse
por historiadores como Frampton, Benévolo y Curtis, entre otros (más tarde en el tiempo).
Lo que interesaba era la utilización de elementos de la arquitectura moderna mediante la
re-elaboración por parte de nuestros arquitectos (funcionalidad, abstracción, cuestiones
técnicas o estéticas). (pregunta de examen)
El positivismo lógico del Círculo de Viena → 1921-1936
Círculo de Viena → organismo científico y filosófico. Se formó en 1921 por el austríaco
Moritz Schlick (filósofo) en Viena. Se ocupaba principalmente de la lógica de la ciencia,
considerando la filosofía como una disciplina encargada de distinguir entre lo que es ciencia
y lo que no.
Posición filosófica del Círculo de Viena → positivismo lógico o empirismo lógico que
abogaba por una concepción científica del mundo, defendiendo el empirismo, el método de
la inducción, la búsqueda de la unificación del lenguaje de la ciencia y la abolición de la
metafísica en el ámbito científico.
Esta filosofía, considerada como la concepción científica del mundo, penetra en creciente
medida en las formas de vida pública y privada, en la enseñanza, en la educación, en la
arquitectura, y ayuda a guiar la estructuración de la vida social y económica de acuerdo con
principios racionales.
El organismo fue disuelto en 1936 por la presión política y el ascenso del nazismo en
Austria. El fundador fue asesinado por un estudiante nazi y el restode los miembros del
Círculo de Viena escaparon a otros países.

La teoría crítica de la Escuela de Frankfurt → 1923-1933

Se conoce como Escuela de Frankfurt a un grupo de investigadores que se adherían a la
teoría social y filosofía crítica cuyo centro estaba constituido en el Instituto de Investigación
Social fundado en 1923.
La Teoría Crítica se opone a la Teoría Tradicional como a la teoría que surge en el círculo de
Viena llamado Positivismo Lógico en dos niveles: en el plano social y en el plano
teórico-cognitivo.
El ascenso de Hitler al poder conlleva el cierre del instituto en 1933, el exilio y
encarcelamiento de algunos de sus miembros y la muerte prematura de una personalidad
tan decisiva como la de Walter Benjamin (crítico del arte que formaba parte de la escuela).

* Tanto los miembros del Círculo de Viena como los de la Escuela de Frankfurt, luego de
que sean disueltos sus organismos y de la emigración forzada, la mayoría se termina
asentando en [Link]. donde se consolidarán sus teorías.

II.2 - Ciudad y Territorio:

La ciudad proyectada; urbanismo moderno y política. Normativa territorial y urbanismo CIAM
en Holanda, un método de proyectación; Cor Van Eesteren en Amsterdam. Modelos de
ciudad CIAM en la España republicana: el Plan Maciá y la Casa Bloc en Barcelona. La
ciudad monumental: intervenciones mussolinianas en la Terza Roma; Marcello Piacentini; el
proyecto de la EUR 1942. Planes de Le Corbusier para Argel, Río, San Pablo y Buenos
Aires. Proyectos urbanos de la modernidad en Argentina: la Ciudad Azucarera de A.
Prebisch y E. Vautier; el City Bloc de W. Acosta.

HOLANDA - Urbanismo
Holanda es un país europeo pequeño cuya economía se basa en la producción
agroindustrial y en la explotación de las colonias. El proceso de industrialización iniciado en
este siglo no produce los desgarramientos sociales y urbanos característicos de los
restantes países europeos.
La burguesía holandesa, a partir del· siglo XVI, elaboró una arquitectura y un trazado
urbano acorde con sus actividades comerciales y manufactureras, cuyos elementos
constitutivos, siguieron .vigentes hasta el siglo XIX, sin caer en la monumentalidad simbólica
del eclecticismo ni en el deterioro físico de los barrios proletarios. El aumento de la
población y la mayor complejidad de las funciones urbanas imponen a principios del siglo
XX, la intervención estatal en el desarrollo urbano. Amsterdam es una de las pocas
ciudades europeas que ha tenido un proceso de expansión controlado por sucesivos planes
directores: entre 1902 y 1917, H. P. Berlage (1856-1934) -autor de la Bolsa de Amsterdam-
realiza el primer proyecto de zonas habitacionales fuera del casco medieval: Amsterdam
Sur. Posteriormente, Cor van Eesteren, presidente del Congreso del CIAM de 1933, dirigió,
a partir de 1935, el nuevo Plan Director.

Cor Van Eesteren en Amsterdam

Cor Van Eesteren (1897-1988) fue un arquitecto y urbanista holandés. En 1929 ingresa en
el servicio de desarrollo urbano de Amsterdam y ocupa sucesivamente las funciones de
arquitecto principal, urbanista y jefe del servicio. Se dedica entonces a su obra principal: el
plan general de extensión de la ciudad de Amsterdam, publicado en 1934 y realizado a
continuación (1935). Este plan es considerado como un modelo de lo que los CIAM
preconizan bajo el nombre de ciudad funcional. Van Eesteren es, por lo demás, presidente
de los CIAM entre 1930 y 1947.

ESPAÑA (Republicana) - Urbanismo

En la segunda república española (1931-1939), los militantes por la Arquitectura Moderna:
el Gatepac y la Revista AC. En 1930, se constituye el GATEPAC: Grupo de Artistas y
Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea) y en 1931 la
Revista AC “Documentos de Actividad Contemporánea” bajo la dirección de Sert y F. García
Mercadal. El Gatepac, como ala española de los CIAM, y la revista AC, como órgano difusor
de las ideas racionalistas, analizaron plásticamente la cuestión de la abstracción y la pureza
como producto de resolver necesidades de cobijo y protección.
Josep Luis Sert (1902-1983), Barcelona, España → figura representativa
- Plan Maciá (1932-1934), Barcelona, Le Corbusier + GATEPAC (Sert). Contracara del
Plan Cerdá de Barcelona (cambio de tipo edilicio y densidad). No se concreta pero
logran construir uno de los módulos en un barrio obrero suburbio de la ciudad: Casa
Bloc (1932), J.L. Sert, J. Subirana y J. Torres Clavé. Vivienda colectiva, muy racional,
con mucho aprovechamiento del espacio. Retoma la unidad de Marsella pero con
habitaciones más chicas.

ITALIA (Roma) - Urbanismo

Un conflicto entre la modernidad y la tradición empañó la ideología arquitectónica del
movimiento fascista italiano entre la marcha sobre Roma de Mussolini en 1922. En 1931 la
Unión Nacional de Arquitectos, respaldada por el gobierno, repudió el trabajo del recién
fundado Movimiento Italiano para la Arquitectura Racional (MIAR) y le retiró su apoyo,
declarando que la arquitectura racionalista era incompatible con las exigencias retóricas del
fascismo y optando por un estilo clásico simplificado y fácilmente reproducible. Encabezado
por Piacenti se funda un grupo fascista: la agrupación de arquitectos modernos italianos
(RAMI); para impulsar la causa de una reconciliación de las facciones rivales
(tradicionalismo y racionalismo) en una única formación ideológica.
En 1936, el propio Mussolini anunció tardíamente su apoyo a los racionalistas, pero a
finales de la década del ‘30, los tradicionalistas encabezados por Piacentini se convirtieron
en la fracción arquitectónica dominante. En la Exposición EUR 42, la mayoría de los
racionalistas abandonaron su postura moderna en favor de un clasicismo desnudo y
monumental.
Con la ascensión de un gobierno fascista en Italia se establece la arquitectura como
elemento de expresión oficial, fue tanto el punto de partida para el desarrollo del
racionalismo italiano, como la herencia de la polémica futurista de antes de la guerra.
Marcello Piacentini (1881-1960) → figura representativa tradicionalista
El proyecto de la EUR 1942 → Complejo realizado para albergar la Exposición Universal de
Roma (EUR42) que se iba a celebrar en el año 1942 . La idea de hacer esta exposición fue
concebida por Mussolini desde 1935. El plan E42 surgió como continuidad del Plan
Urbanístico de la Terza Roma de Mussolini, para conmemorar los 20 años de la era fascista.
Fue encargado a los líderes de las dos facciones rivales en la arquitectura italiana: Marcello
Piacentini (tradicionalista) y Giuseppe Pagano (racionalista/progresista) siendo Piacentini el
principal encargado. Se proyectó ubicada al sur de la ciudad en dirección a la costa, para lo
que se establecería una infraestructura de comunicación directa con el centro de Roma en
torno al Coliseo y con Ostia junto al mar, en su otro extremo.
Tras la caída del fascismo, en parte, por la derrota italiana en la 2da Guerra Mundial,
Piacentini continúa defendiendo la arquitectura italiana desarrollada con gran honor durante
esos años, y que se debe mantener a través de su enseñanza en las aulas.

Le Corbusier en el cono sur de América →1929-1936

Le Corbusier contaba con poco respaldo en el CIAM I, ataques por parte de los soviéticos,
derrota de su proyecto para el Palacio de las Naciones, el empeoramiento de sus relaciones
con las administraciones socialdemócratas alemanas. Entonces, frente a esto, Sudamérica
aparece como un sitio ideal donde plasmar el Espíritu Nouveau y entre 1926 y 1936 realiza
una serie de viajes a este continente. Confiaba encontrar en los “países nuevos” del Sur de
América la misma disposición de recursos, la ingenuidad, la pujanza y la variación que
atribuía a su interlocutor ideal. En sus planes existía la intención de que la ciudad tuviera
relación con el paisaje. Ninguno de sus planes se realiza.

Planes de Le Corbusier
- Plan para San Pablo (1930): Previamente, en Montevideo concibió un proyecto de
rascacielos estrechos levantados sobre una planta en forma de T. Las vigas
transversales y longitudinales se tocaban en el punto cumbre de la ciudad, donde
apenas sobresalían del nivel del suelo e iban elevándose más y más del terreno
pendiente hacia el mar. Lo deficiente del proyecto residía en que no tomó en
consideración las particularidades locales, esto se evidenció cuando LC repitió casi
mecánicamente este diseño en el proyecto correspondiente para San Pablo.
Estos dos planes recuerdan al proyecto del Plan Voisin para París (1925), por lo
tanto se entiende que no son nada más que la tentativa de transferir las propias
concepciones desarrolladas para las ciudades europeas a América del Sur sin
modificarlas.
- Plan para Buenos Aires (1929): plan de transformación de la ciudad que reforzaba el
viejo centro y daba idea de moderno, la idea de la “ciudad pequeña”, haciéndola
moderna sin alterarla, mediante el agregado de un nuevo centro sobre el río. Este
último era su principal apuesta y elemento más importante del plan. Es en él dónde
se situará la cité des Affaires y, desde dicho elemento, surgen los ejes circulatorios
de conexiones terrestres a la ciudad, unos ejes que se abren ortogonalmente y que
engloban periféricamente el conjunto urbano.
 En su proyecto desatendió por completo la vieja ciudad concebida en forma
ajedrezada y diseñó su propio proyecto sin tener en cuenta las particularidades
locales urbanísticas ni culturales.
- Plan para Río de Janeiro (1929): luego de una visita y una exploración aérea, se
impresiona por esta ciudad lineal natural y se inspira en la idea de “la ciudad
viaducto”, lo que lo lleva a bosquejar una ampliación para esta ciudad en forma de
carretera costera; se trataba de una carretera elevada 100 metros sobre el terreno y
con 15 plantas de solares artificiales para uso residencial por debajo de esta.
Esta inspiradora propuesta conduce directamente al “Plan Obus” para Argel.
- Plan Obus para Argel (1930-1933): Fue su última propuesta urbana de abrumadora
grandeza y aquí la idea de la ciudad viaducto alcanzó aquí su mayor expresión.
Constituido por 4 elementos principales: la cinta de viviendas colectivas que
bordeaba la costa; un centro europeo de 220.000 de habitantes; un centro de los
negocios y la Casbah (centro histórico árabe).

Proyectos urbanos de la modernidad en Argentina

Los arquitectos de este momento consideraban a la Argentina (en particular a la soc.
porteña) como un escenario especial para el desarrollo de la arquitectura moderna ya que
pensaban que se podía construir sobre un “vacío” por creer que era un pueblo sin pasado y
sin tradición (esto asociado a la afluencia inmigratoria con débil base local, a principios del
siglo la mayoria de los habitantes de [Link] eran extranjeros).
- Proyecto Ciudad Azucarera de Alberto Prebisch y Ernesto Vautier (1924), Tucumán.
Durante muchos años este proyecto va a ser la única obra de arquitectura moderna
del país, no se habló de arquitectura moderna hasta 5 o 6 años después. En esta
obra se percibe la influencia de la ciudad industrial de Tony Garnier, tanto en su
diseño como en la resolución formal de las viviendas y los edificios emblemáticos
que la conforman. También sumaban el modelo conceptual de Le Corbusier de la
ciudad para 3 millones de habitantes. La presencia clara de una capilla así como
elementos que son característicos del norte argentino, nos evidencian por un lado el
conocimiento de las soluciones arquitectónicas del modernismo pero una fuerte
presencia de los valores tradicionales del país, negándose a la mera repetición
historicista que, en palabras de Prebisch, “era un empeño irracional de perseguir una
tradición inexistente”.
- Propuesta urbana City Bloc de Wladimiro Acosta (1928-1930), Buenos Aires.
La serie de estudios sobre “City Block” fue realizada a lo largo de 8 años
comenzados en 1927, pero nunca se concretó como obra. El proyecto primitivo
(1928-1930) era similar al Grostad de Berlín (1923), hace tabula rasa pero no niega
el manzanero (a diferencia de Le Corbusier). Representa la posibilidad de
transformar el damero colonial en un tipo organizativo de la vida moderna.
Basamento: reconoce formas de asentarse en la ciudad que son históricas y lo
mantiene, traslada reconocimiento preexistencias (eso es lo que lo destaca y lo hace
valioso). Se mantiene el nivel de relación con el peatón en una especie de manzana
atravesada por galerías comerciales, oficinas en el basamento y arriba las viviendas
en torres o placas en forma cruciforme.
El propósito de concentrar la población no es llegar al hacinamiento sino librar
grandes zonas de espacios libres verdes. Una ciudad formada por City Blocks
alcanzaría alta densidad de población, dentro de condiciones higiénicas
relativamente superiores a las que poseen las aglomeraciones contemporáneas.
II.3 - Arquitectura:
Factores históricos, culturales y geográficos diferencian posiciones frente a la Arquitectura
Moderna. Holanda; neutralidad bélica, tradiciones nacionales y modernidad. [Link]: el
problema de la habitación colectiva y el “clasicismo ahistórico”; los conjuntos de Rotterdam.
Cornelis van der Vlugt y Johannes Brinkman: funcionalismo y estética de la máquina; la
Fábrica Van Nelle. W. M. Dudok: integración de arquitectura y proyecto urbano en
Hilversum; el Ayuntamiento.
Italia: fascismo, clasicismo y Arquitectura Moderna. El Grupo 7, el MIAR, Giuseppe Terragni,
Mario Ridolfi, G. Michelucci. La Casa del Fascio en Como; el Concurso para el Palazzo
Littorio.
España republicana: los militantes por la Arquitectura Moderna, el GATEPAC y la revista
AC; Josep L. Sert, J. Subirana y J. Torres Clavé. El Pabellón Español en la Exposición
Universal de París de 1937.
Francia: la nueva arquitectura como objeto de consumo sofisticado. Robert Mallet Stevens;
Pierre Chareau. El conjunto de la Rue Mallet Stevens; la Casa de Vidrio.
La interpretación nórdica de la modernidad en el contexto de los estados socialdemócratas.
Erik Gunnar Asplund en Suecia: referencias históricas, el partido y la reelaboración
proyectual; la biblioteca de Estocolmo. El diálogo modernidad-tradición en la ampliación del
Ayuntamiento de Göteborg.
Alvar Aalto y el Empirismo Escandinavo. La adhesión al Racionalismo y el peso de la propia
tradición. Las condicionantes geográficas y climáticas. El paisaje y los materiales como
determinantes del proyecto. Sanatorio de Paimio, Biblioteca de Viipuri, Villa Mairea.
La Arquitectura Moderna de los ’30 en América: migraciones, transferencias y originalidad.
El International Style en la exposición del MOMA en New York (1932). Richard Neutra en
California: la abstracción sensible. La modernidad mexicana y la adaptación del
Funcionalismo a las necesidades de la Revolución. Juan O´Gorman, José Villagrán García y
Carlos Obregón Santacilia.
En Brasil, una modernidad tropical. Gregori Warchavschik y las máquinas para habitar. El
estado corporativo de Getúlio Vargas y la imagen de la arquitectura moderna; el papel de
Lucio Costa.
En Argentina: Primeras interpretaciones de la Arquitectura Moderna: Alberto Prebisch y
Antonio Vilar. La modernidad europea en contexto local: Wladimiro Acosta. El Estado
conservador y la arquitectura moderna: obras públicas de la Década Infame.
Transformación urbana y arquitectura: Jorge y Andrés Kalnay; Sánchez, Lagos y de la Torre.

Los factores culturales y geográficos como condicionantes de la arquitectura

moderna internacional
La “otra” arquitectura moderna → es el modo de referirnos a cómo los factores culturales
y geográficos son condicionantes de la arquitectura moderna.
Se trata de una multiplicidad de experiencias que evidencian cómo la arquitectura de los
años ‘20 y ‘30 dio respuesta a matices culturales, históricos y territoriales de cada país,
demostrando las particularidades de lo local y desmintiendo el mito de un desarrollo singular
y uniforme, como supondría la definición de Movimiento Moderno, centrada solo en algunos
países de Europa central y EEUU.
Esta “otra” arquitectura, pone en juego la adopción del lenguaje moderno, ampliando y
revisando el repertorio formal con la inclusión de valores heredados y de tradiciones locales.
HOLANDA (Países Bajos) → La convivencia de RACIONALISMO Y TRADICIÓN
- Este territorio históricamente debió ganarle terrenos al mar, lo que implicó un control
permanente de los recursos naturales y una sociedad que necesariamente posee
una relación armónica con la naturaleza y el medioambiente.
- Monarquía Constitucional, en la que tanto la comunidad política como la sociedad se
caracterizan por alcanzar amplio consenso en decisiones importantes. Estos dos
aspectos marcan su idiosincrasia.
- Arquitectura Moderna: llega asociada dos tendencias: RACIONALISMO y
TRADICIÓN (1917-1942):
RACIONALISMO: movimiento racionalista de vanguardia renovadora denominado
Neoplasticismo o De Stijl, con sede en Rotterdam (1917-1931).
TRADICIÓN: La Escuela de Ámsterdam, tradicionalista y conservadora, que publica
la revista Wendingen (1918-1931), heredera de la obra de H.P. Berlage (1856-1934).
Ambos movimientos estaban fuertemente enraizados con una visión social de la
Arquitectura, e influenciados por la figura de [Link]. Wright, cuyas publicaciones de
sus obras generaron una admiración por la asimetría y ruptura de la caja
arquitectónica, una afinidad con su postura de respeto por la naturaleza y su
propuesta para una arquitectura ORGÁNICA.

* En Holanda, como en muchos países europeos, el problema de la vivienda se agudiza de

improviso en la posguerra. Además, el coste de construcción de las viviendas aumenta más
rápidamente que el coste de vida, debido, en parte, al encarecimiento de los materiales, de
la mano de obra y de los solares. De este modo, la intervención del Estado para asegurar
una vivienda a las clases más humildes se hace cada vez más necesaria.
Las ciudades holandesas organizan sus oficinas técnicas y realizan los primeros barrios
municipales con la ayuda de arquitectos de primer orden como Oud y Dudok.

Jacobus Johannes Pieter Oud (1890-1963): el problema de la habitación colectiva y el

“clasicismo ahistórico”; los conjuntos de Rotterdam
Jacobus Johannes Pieter Oud (1890-1963) → “Clasicismo ahistórico”
Nuevo sentido de la arquitectura, de la proporción, del espacio, de la atmósfera, del
volumen, con una raíz plástica que deviene de la tradición de Berlage. Tras haber
participado del grupo De Stijl, acepta la simetría, la repetición uniforme de filas de viviendas,
el parlamento de ladrillo y el tejado, simplificando al máximo cada elemento estructural.
Obra:
- Hoeck Van Holland - Bloque de vivienda (1924-1927), Rotterdam. Proyectó viviendas
funcionalistas como arquitecto municipal de esta.
Con esta obra Oud obtuvo el momento de cristalización de su lenguaje
arquitectónico. Los dos bloques idénticos contienen dos hileras de viviendas
superpuestas con sus extremos redondeados, había jardínes particulares en la parte
delantera y comunitarios en la trasera. Oud fue capaz de abordar y resolver muchos
de los problemas clásicos de las hileras urbanas: la expresión de las piezas
individuales en un conjunto comprensible; la articulación por separado de la parte
media y los extremos; y la diferenciación de las fachadas delanteras y traseras. con
la utilización de colores, recordaba inevitablemente el carácter de las pinturas de
Mondrian y la casa Schroeder de Rietveld.
- Conjunto de vivienda Weissenhofsiedlung (1927), Stuttgart.
W. M. Dudok: integración de arquitectura y proyecto urbano en Hilversum; el
Ayuntamiento.
Willem Marinus Dudok (1884-1974) → “Sincretismo entre modernidad y tradición”
Dudok recupera los valores de la tradición Holandesa. Su importancia radicó en su
capacidad para integrar dos tendencias: la Escuela de Ámsterdam (tradicionalista y
conservadora) con la Escuela Renovadora De Stijll, otorgándoles constancia, técnica y
significado paisajista a las composiciones geométricas de los neoplásicos. Proyectos
urbanos y de arquitectura.
La ciudad de Hilversum en Holanda fue el escenario donde desarrolló su extensa obra,
donde diseñó su Plan Regulador (1921) a partir de la ciudad jardín en una continuidad
paisajística-ambiental con el territorio y en sintonía con la Ley de Vivienda de 1901; y:
- Ayuntamiento de Hilversum (1928-1931) que representa el símbolo de la ciudad.
- Voldelschool (1928-1929)
Con sutiles combinaciones estilísticas, Dudok elude algunos problemas cruciales en torno a
los cuales debaten los demás maestros del movimiento moderno en este periodo. Sus
opciones: purificar progresivamente el contacto con el movimiento europeo los calores de la
reciente tradición holandesa procurando no romper con la continuidad de las experiencias y
manteniéndose apartado de los experimentos rigurosos y demostrativos.

Cornelis van der Vlugt y Johannes Brinkman: funcionalismo y estética de la máquina;

la Fábrica Van Nelle
Resulta casi un símbolo del equilibrado proceso (de Holanda) de inserción de la producción
industrial dentro del ámbito urbano tradicional, la fábrica de Van Nelle (1926-30), de J. A.
Brinkman y L. C. Van der Vlugt, situada en las afueras de Rotterdam, uno de los ejemplos
más válidos de la arquitectura fabril racionalista.

ITALIA → Fascismo, clasicismo y Arquitectura Moderna

- Italia fascista: la política totalitaria. El líder supremo: Benito Mussolini. Los fasci di
combattimento en Italia.
1922 → dictadura instalada. 1930 → dictadura con apoyo popular.
Benévolo habla sobre cómo se vivencia el arq. moderna en Italia (asumida como
representación del estado de manera diferente a Alemania y el nacismo (clausura).
- Arquitectura moderna durante el período fascista, 1922-1942: RACIONALISMO y
CLASICISMO MODERNO MONUMENTAL.
- RACIONALISMO en el norte de Italia, las ciudades de Como y Milán como
escenarios de esta arquitectura. Con condicionantes culturales y geográficos: había
un paralelismo entre paisaje natural/paisaje construido, historia/cultura y la
convivencia entre ambos en los centros fundacionales de estas ciudades. Estas
ciudades estaban caracterizadas por los Alpes y los lagos como fondo.
El desarrollo económico productivo de la región Lombarda, los empresarios
industriales y la vivienda burguesa (no había viviendas sociales prácticamente, a
diferencia de Alemania y otros países).
- CLASICISMO MODERNO MONUMENTAL era una expresión asumida como
representación del estado con una diversidad de experiencias estéticas. Es la que
más triunfa pero entremedio existían otras búsquedas de expresiones más
relacionadas a la modernidad internacional, como el Gruppo 7.
 - Grupo 7: fundado en Milán (1926-1931) → miembros: Terragni, Figini, Pollini, otros.
Grupo que iba más por lo internacional mirando a Le Corbusier y la cultura de la
tradición clasicista de la monumentalidad de la arquitectura latina.
Sesgo diferente al del futurismo italiano, estaban en contra porque rompía con toda
tradición y ellos no querían romper sino modificarla/adaptarla. Por el régimen
dictatorial, era la estrategia que utilizaban para instaurar la arquitectura moderna.
- MIAR → Movimiento Italiano para la Arquitectura Racional → 1931. El grupo 7 se
convirtió en este sindicato de arquitectos fascistas ya que si no estaban dentro de
este marco (fascista) no podían construir). → Exposiciones de Arquitectura Racional
en 1928 y 1931.

Giuseppe Terragni (1904-1943)

Vida profesional activa corta, de 15 años, muerte trágica y joven.
Pone en evidencia cómo se dan las particularidades de la arquitectura moderna en Italia,
como país y ciudades que no fueron foco como Francia (París) u otros lugares.
1921-1926 → Politécnico de Milán y cursos en Roma.
1925 → Viaje a Roma y Florencia.
1927 → Crea su estudio profesional junto a su hermano ing. y un estudio personal llamado
“El Laboratorio”. Interés por lo industrial, preocupación por instalar este tema: Proyecto
Fundición de Tubos (1927) y Proyecto Fábrica de producción de gas (1927).
1927-1931 → Viajes a Alemania y 1933 → CIAM IV (uno de los más importantes). Estas
dos estuvieron más relacionadas a la vanguardia internacional.
Obras:
- Casa del Fascio (1932-1936), Como, Italia.
Edificio del régimen fascista, casa/sede del partido. Terreno expropiado, contraste
unitario con el entorno (palacio clásico moderno dentro de la arquitectura clásica
palaciega renacentista italiana), los 4 frentes liberados → pensado para grandes
concentraciones urbanas, idea de plaza. Patio central de inspiración renacentista
pero materializado moderno. Abstracta, blanca y geométrica.
En el edificio en cuestión se presentan la liviandad sin la idea de volumen flotante, la
transparencia sin la ventana corrida y la libertad de la fachada sin la estructura libre.
Obra admirada aún por antifascistas corroborando el valor de la arquitectura de
Terragni como disciplina que iba más allá de sus ideologías.
- Concurso para el Palazzo Littorio Solución primera rueda (1934); Solución segunda
rueda (1937) Roma, Italia.
Fórmula arquitectónica de gran rigurosidad funcional y alta sofisticación
arquitectónica. Toma elementos de obras de Le Corbusier que permiten comparar a
la obra con arquitectura constructivista rusa.
El diseño estaba basado en una trama ortogonal de llenos y vacíos como
organización espacial, y en la transparencia de los edificios que se elevaban sobre el
resto del conjunto.
- Novocomum (1927-1929), Como, Italia.

ESPAÑA → Segunda República Española

- Introducción tardía de España en la Arquitectura Moderna ya que era un país muy
conservador, había poco margen para la modernidad en el ‘20, cerca del ‘30
comienzan a llegar noticias y arquitectos como Le Corbusier en 1928 (visita a
Fernando García Mercadal y Josep Luis Sert).
 - Hubo una movida política del ‘32 contra el rey → derrota momentánea hasta la
dictadura de Franco.
- El proyecto político de la Segunda República española, 1931-1939 / la Guerra civil
española 1936-1939.
- Arquitectura moderna durante la Segunda República: el GATEPAC (Miembros
destacados: José M. Aizpurúa, Antoni Bonet i Castellana, Fernando García
Mercadal, Josep L. Sert y Josep Torres Clavé) como ala española de los CIAM y la
revista A. C. Documentos de Actividad Contemporánea, como órgano difusor de las
ideas racionalistas.
- La figura representativa del catalán J. L. Sert, J. Subirana y J. Torres Clavé.
- Primer edificio moderno de España: Real Club Náutico (1928), José Manuel
Aizpurúa y Joaquín Lavayén, San Sebastián. Arquitectura transatlántica.

Josep Luis Sert (1902-1983), Barcelona, España

Estudia en la escuela de Arquitectura de Barcelona, revolucionario de la arquitectura y uno
de los estudiantes que más buscaba el cambio, la modernidad. Se relaciona con Le
Corbusier, los CIAM y los movimientos de vanguardia de ese momento. Obras:
- Edificio de viviendas en Dúplex (1931) Barcelona. Tipología y tecnología muy
novedosa para la época. Relación juego de llenos y vacíos en la fachada, lo utiliza
para expandir la espacialidad de los departamentos. Balcones que dan estética de
barco. Doble altura donde influye Le Corbusier. Juego de desniveles y escalera
volumétrica, todo trabajado a gran escala (jerarquía). Contraste con el entorno.
- Dispensario Central Antituberculoso (1934) BCN, Sert + Subirana + Torres Clavé.
- Pabellón español para la Exposición de París (1937) Sert y Luis Lacasa. Fue el
último gesto significativo del Movimiento Moderno español que se realizó hacia el fin
de la Segunda República. Este pabellón fue encargado por el gobierno republicano
como monumento a las víctimas del bombardeo (de parte de Franco, apoyado por
Hitler) de la ciudad vasca Guernica. Era un momento de discusión sobre este
genocidio, un momento trágico para España y la república. Con esta obra Sert cobró
reconocimiento internacional
- Plan de Lima (1947); Plan de Chimbote (1947/1948); Plan de la Habana (1956)
Barcelona, Sert + Wiener (estudio). El de la Habana es el más importante ya que se
reemplaza la ciudad por completo.

FRANCIA → la nueva arquitectura como objeto de consumo sofisticado

- Arquitectura moderna muy amplia en este país, desde otras inquietudes y
preocupaciones.
- No tiene los mismos problemas que Alemania posteriores a la 1era GM (todo el tema
de la vivienda y la reorganización política). Los diseñadores ven al racionalismo
alemán como algo que no se condice con lo que querían llevar a cabo en Francia.
→ Buscan otro lenguaje: surge el Art Decó para las clases más acomodadas. No
tiene el mismo contenido teórico que las Arq. Mod. de otros países.
- Contrastes en la producción arquitectónica: 1) Regreso a los valores conservadores
y rechazo a la modernidad y 2) Aceptación de los imperativos de la arquitectura
moderna.
- Difusión y defensa de la arquitectura y el arte moderno:
- Fundación en 1929 de la UAM - Unión de Artistas Modernos (1929-1958).
Asociación de pintores, escultores, arquitectos y diseñadores. Miembros destacados:
 Stevens, Barbe, Chareau, Bloc, Le Corubiser, Jourdain, entre otros. Objetivo: tratar
de enlazar los beneficios del diseño moderno frente a un clima hostil, se quiere
buscar un nuevo lenguaje.
- Publicación de la revista L’Architecture d’Aujourd’hui en 1930, bajo la dirección de
André Bloc.
- Preeminencia de la figura de Le Corbusier en la escena internacional.
- Otros arquitectos franceses que operan hasta 1935:
- Robert Mallet - Stevens: el trabajo sobre el volumen y la luz. Vínculos con otros
artistas.
- André Lurçat: búsquedas en la funcionalidad y en la respuesta a programas
sociales.
- Pierre Chareau: ensayo sobre la técnica y los materiales innovadores de la
industria.

Robert Mallet Stevens (1886-1945), París, Francia

Vivió poco, no llegó a su etapa madura (algo de lo que siempre se habla). Preocupación por
lo estético y formal principalmente que no tuvo mucha difusión por ser considerado un
formalista y no haber hecho muchas obras fuera del país. Vinculación asociados con otros
arq. como Le Corbusier y Perret. Obras para la burguesía y obras públicas. No niega la
máquina y la estandarización.
- Pabellón de turismo para la Exposición de Artes Decorativas de París (1925). Llegó
a la fama internacional con esta obra. Un volumen de hormigón de 36 m de alto.
- Rue Mallet (1926-1927) París. Intervención de carácter urbano, quizá la única.
Gran obra que concluye en su carrera:
- Villa Cranois (1931-1932) Croix, Francia. Vivienda para 9 personas con todo lo
último de la tecnología (radios, montacargas, teléfono, calefacción, etc.). Sin servicio
doméstico (raro para esa época). Fue un encargo individual, prácticamente lo
resolvió solo (una de las pocas). Importante: el gesto escénico de sus obras en
todas las fachadas y sectores de la casa.
- Maison Trapenard (1932), Sceaux, Francia. Como ejemplo de lo que podía haber
sido su arquitectura luego de la 2da GM.

Pierre Chareau (1883-1950), Le Havre, Francia

Caracterizado por su experiencia más que por sus teorías adquiridas. Obra con la que se
hizo reconocido:
- Maison De Verre “La casa de vidrio” (1928-1932), P. Chareau, Bernard Bijuoet y
Louis Dalbel. París, Francia. Corolario de todas sus preocupaciones (principalmente
técnicas y materiales). Vivienda para un médico, con un consultorio. Vinculación con
el diseño de mobiliario. Ladrillo, vidrio, metal y plástico (goma). Edificio historicista
con 2 patios, se puede decir que es “un edificio dentro de otro edificio”). Tiene todas
las características de un enclave moderno. Es importante el carácter técnico que
Chareau le asigna a la obra. Estructura → quería que se note (la pinta para que se
destaque). Arquitectura en búsqueda de diferentes lógicas técnico-constructivas.
Aspecto industrial pero elaborado con mano de obra artesanal.
SUECIA → La interpretación nórdica de la modernidad
- Contexto: se entra a la arquitectura moderna habiendo atravesado por el clasicismo
romántico.
- Escandinavia: región de Europa del Norte con países (Dinamarca, Suecia, Noruega,
e Islandia) que comparten características climáticas y geográficas similares.
- SUECIA: consolidación del partido social demócrata en el parlamento. Aplicación de
reformas con el apoyo de un Estado organizado. Foco en el problema del
alojamiento, a través de cooperativas de trabajo, y rápido equilibrio en los niveles de
vida y fusión de clases sociales. País potencia de Europa pese a la poca población y
los “problemas” climáticos. Era poderoso y con identidad consolidada, tradiciones
largas y antiguas.
- Erik Gunnar ASPLUND como referente. Síntesis y procesos proyectuales en base a
fidelidad a la tradición y aplicación de los valores de la arquitectura moderna.

Erik Gunnar Asplund (1885-1940), Estocolmo, Suecia

Su obra está relacionada a la incorporación de Suecia a la arquitectura moderna,
introduciendo en ella una temática más amplia y flexible (elementos del clasicismo del siglo
XIX y apelación a los modernismos del Art Nouveau). Se encontraba dentro de la
generación de los maestros. Síntesis entre tradición local y arquitectura moderna. Era un
clasicista que incorporaba el valor humanitario como Alvar Aalto.
Se forma artísticamente en la escuela romántica sueca. Sus primeras obras siguen esta
orientación, de la que se aleja paulatinamente para crear una versión modernizada y muy
personal del neoclásico. Tiene pocos encargos directos, la mayoría son por concurso.
Aldo Rossi lo retoma mucho a Asplund después de su fallecimiento temprano. Pasa a la
inmortalidad como arquitecto sueco destacado, sobre él y sobre su obra.
Obras:
- Biblioteca Popular Estocolmo (1920-1928). Paso a la modernidad, metáfora de
biblioteca como paraíso. Arquitectura ilustrada de volúmenes puros (obra final, no el
primer proyecto). Geometría simple. Planta similar (toma elementos) de la Santa
Genoveva de París, sobre todo la circulación y la bóveda. Bien emplazada en la
ciudad (integración con el entorno urbano), ubicada sobre una explanada con uso
urbano, con un pequeño cerro enfrente hacia donde se expande la sala infantil.
- Pabellones de la Exposición Internacional de Estocolmo (1930). Es un punto clave,
su paso a la fama, aquí comienza a difundirse su obra al mundo y lo empiezan a
reconocer dentro de los grandes maestros. Hace un gran paso hacia la modernidad
→ En aquel año, la arquitectura moderna estaba representada principalmente por el
racionalismo de Alemania, Holanda y Francia. Asplund adopta las formas de este
movimiento pero lo interpreta de una forma personal, más espontánea, en una línea
que puede considerarse de estilo orgánico.
- Ampliación del ayuntamiento de Göteborg (Concurso: 1913 / Propuesta final: 1934 /
Inicio de construcción: 1936). Diálogo modernidad - tradición. Adaptación entre lo
nuevo y lo viejo: fachada Art Nouveau siguiendo el juego de llenos y vacíos del
edificio original; sigue colores y materiales, aunque es diferente al edificio histórico
en relación a las estridencias. Se subordina en el exterior pero en el interior arrasa
en las formas modernas, hace todo nuevo, une ambos edificios eliminando un ala al
edificio preexistente para generar un patio cubierto que comienza a tener uso.
FINLANDIA → El Empirismo Escandinavo: la adhesión al Racionalismo y el peso de la
propia tradición
FINLANDIA → Contexto de partida para la obra de Alvar Aalto, mucho impacto/relación.
- Territorio disputado como colonia imperial entre Suecia y Rusia a lo largo de la edad
media y la modernidad. Independencia y constitución como República en 1917 y con
ella una búsqueda con la necesidad de una identidad nacional.
- Capital: Helsinki, ubicada en la costa del Mar del Norte, escenario donde coincide la
arquitectura neoclásica y el romanticismo nórdico que recuperaba materiales y
tipologías locales.
- Procesos: de un período de arquitectura neoclásica en el siglo XIX (2 modalidades
arquitectónicas importantes en la segunda mitad del siglo XIX: clasicismo romántico
y revitalización del gótico) se pasa a → una manifestación modernista muy particular
a inicios del siglo XX, y se continúa con una adhesión a la modernidad.
- Paisajes finlandeses en las obras de Aalto: les da importancia, los reproduce. Juego
de naturaleza, geografía, etc. (lagos, bosques, islas, auroras boreales, frío, nieve,
pistas de hielo, ⅓ del país está dentro del círculo polar ártico) → peso muy
importante en la vida cotidiana de la gente. Quería aprovechar las horas de luz
(sobre todo las pocas que había en invierno) de manera obsesiva.
- Preexistencias: romanticismo nórdico. Obras del arquitecto Lars Sonck y Eliel
Saarinen (maestros de Aalto en la politécnica). Contundencia matérica importante.
Los dos estilos de la tradición nórdica: estilo “romántico nacionalista/socialista” que
data de 1895 y la sensibilidad “doricista” que surge en torno a 1910. La fuerza
persuasiva que habia tras el romanticismo nacionalista procedia en parte de la
necesidad de encontrar un estilo nacional distinto al clacisimo romántico, y la
necesidad de aprovechar la abundancia de granito local. → La obra de Aalto refleja
una deuda constante tanto con la cualidad táctil del romanticismo racionalista como
con la austeridad de la forma dorista.

Alvar Aalto (1898-1976), Helsinki, Finlandia

Personaje muy significativo, de una maestría excepcional, casi una generación más joven
que el resto. Estudió en la Politécnica de Helsinki (hoy Universidad Alvar Aalto en su honor).
Compartió la sociedad de su estudio con sus mujeres (ambas arquitectas).
Su actividad se inicia y se da casi en su totalidad en Finlandia (figura emblemática y
representativa de este país en el siglo XX), un país periférico en cuanto al debate de la arq.
moderna, por eso se lo estudia de manera diferente (no porque haya sido menos
importante). Al estar en la periferia, su obra es en calidad de respuesta, “esa otra
arquitectura moderna”.
Enorme cantidad de obras y de diferentes tipologías (en las iglesias, por ejemplo, su
humanismo lo lleva a trabajar con la mayor sensibilidad de todas las tipologías). Cuidaba la
psicología del usuario ante el cambio de temperatura, de luces, etc.
La riqueza de su obra se nutre de la síntesis personal y particular del propio autor, así como
de la experiencia previa acumulada de los otros maestros. Búsqueda constante en su obra:
sintetizar los valores del paisaje, la cultura local y el confort como premisa de trabajo.
Vínculo presente con el clima, la luz y el paisaje (inserta la obra de forma sensible al lugar),
así como el uso de materiales con fines tectónicos en la obra de este arquitecto. Atención a
la mixtura de los materiales: madera, cerámica, cuero, metal, textiles y texturas visuales.
Obras: (posteriores a la década del ‘20, antes tenía rasgos historicistas):
ETAPA: RACIONALISTA:
 - Biblioteca de Viipuri (1926 concurso, 1933-1935 construcción), Vyborg, Rusia (tierras
que se queda post 2da GM, antes era Karelia, Finlandia). Proyecto original casi
neoclásico → lo reformula para la construcción porque quería que fuera moderno
(“había pasado mucha agua debajo del puente”, según él). Estaba sobre un parque
lineal, se salvó durante la guerra (época en la que él emigró a [Link]. porque no
estaba a favor de que Finlandia apoyara a Alemania). Hoy está restaurada por
completo, las bibliotecas públicas son muy importantes en los países nórdicos.
Piedras: rasgo geográfico presente (3 en el ingreso).
Planta baja: ingreso principal y de contrafrente (2 m debajo del otro).
Importante: lucernarios en las salas de lectura; cielorraso ondulado en la sala de
conferencias (acústica); los guardarropas y filtros de nieve son imprescindibles en
esta zona y las dobles puertas también por el clima, manijas forradas con latam para
no tener que tocar el cobre → edificios hechos para el frío que actualmente están
teniendo problemas de refrigeración en verano por las altas temperaturas
(calentamiento global)
- Sanatorio de Paimio (Concurso: 1929 / Construcción: 1933-1935) Paimio, Finlandia.
Consolidaría el estilo funcionalista fundamental de su primer periodo maduro. Fue su
primera obra moderna, demostraba valores humanos ante todo. La obra de Duiker
del sanatorio Zonnestraal hecho en H°A° fue el punto de partida para la propuesta.
ETAPA: PLANTEOS EN TORNO A LA VERTIENTE ORGÁNICA DE LOS AÑOS ‘30:
- Villa Mairea (1937-1939), Noormarkku, Finlandia. Comitentas: Ahlstrom y Gullichsen
(gente poderosa económicamente, con ellos se asocia para el diseño de muebles
que actualmente persiste). La casa está en un bosque inmenso. Reproduce la
tipología de casa rural finlandesa (adaptada) en L → 2 frentes más favorecidos que
se cierra hacia adentro, el cierre de la piscina (+ sauna, que en todos lados había)
hace que sea una U. Arma un filtro con ramas de árboles en la transición del ingreso
con el bosque y la casa. Galería con madera en condición natural, construcción más
bien “tosca”. Aalto siempre usa madera muerta de muerte natural, no usaba árboles
talados vivos. Busca armonía filosófica con el material (que no se sienta agredido).

AMÉRICA → Arquitectura Moderna de los ‘30

Además de las características de la "otra" arquitectura, hay que tener en cuenta la hipótesis
específica que se asume para la arquitectura moderna (AM) en Latinoamérica, ya que se
encuadra como un caso muy particular: entendemos la originalidad de estas producciones
en la adaptación de ideas europeas con un importante grado de reelaboración, que se
comprende analizando el contexto de producción y los vínculos con las vanguardias
artísticas en los diferentes países latinoamericanos.
Esas ideas de referencia o modelos ideales europeos, a su vez, no configuraron un único
modo de comprender la arquitectura, sino que fueron múltiples.
Al mismo tiempo, se reciben y re-interpretan en ambientes culturales muy diversos.
En todos los casos la Arquitectura Moderna (irrupción de las primeras obras) fue acontecida
por movimientos plásticos importantes (ej.: muralismo en México), de impacto (muchos
revolucionarios).
Por lo enunciado, no adoptamos expresiones como "movimiento moderno" para referirnos a
la AM en Latinoamérica.
La reacción antiacademicista (1900-1930) → 3 fenómenos que suceden cronológicamente
en estas décadas: 1) Art Nouveau; 2) Restauración nacionalista; 3) Art Decó.
El International Style en la exposición del MOMA en New York
1932 en New York → Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock organizan la Exposición
«International Style» en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de New York. Es posible que
sea la exposición de arquitectura más relevante para la difusión del Movimiento Moderno.
Iniciando la política de transmisión al contexto americano de las vanguardias europeas,
estos arquitectos prepararon la exposición en el MOMA de Nueva York (creado en 1929
para el naciente arte moderno). La exposición se basaba en fotos y plantas de unas 70
obras europeas y norteamericanas, y planteaba que ya existía un estilo moderno e
internacional. Inicialmente se había pensado en ofrecer al público una muestra de diez
maquetas de los diez arquitectos europeos y estadounidenses más implicados con las
vanguardias. Finalmente se les concedió mayor libertad, ampliando la exposición con una
selección fotográfica de la obra construida de cada uno de ellos. No obstante, las piezas
más importantes fueron las maquetas, siendo la más apreciada la de Mies van der Rohe.
En esta exposición se presenta el momento de triunfo de este nuevo estilo único, al mismo
tiempo que ya se producían desviaciones, heterodoxias y revisiones del mismo. De hecho
con esta exposición se simplificó la amplitud de los experimentos de las vanguardias. La
exposición pretenderá establecer un canon: arquitectura cúbica, lisa de fachadas blancas o
paramentos de metal y vidrio, de planteamientos funcionalistas y simples.
Reaparece la idea de estilo, de existencia de unos patrones definidos de lenguaje para un
período colectivo e histórico determinado. En el tratamiento de los problemas estructurales
se asemeja más al gótico, mientras que en cuestiones formales más al clasicismo. Se
distingue de ambos por la preeminencia que se concede al estudio de la función.

CALIFORNIA → La abstracción sensible

Richard Neutra (1892-1971), Viena, Austria
Constituye una excepción entre los maestros europeos llegados a América en los años
veinte; de hecho consigue realizar una primera y real inserción del método moderno en la
realidad americana, aunque obró dentro de un campo limitado.
Estudia en la Technische Hochschule, donde obtiene el diploma en 1912, trabaja luego en el
estudio de Loos hasta el principio de la guerra. En 1923 se traslada a Chicago donde
trabaja y conoce a Sullivan en el último año de su vida y en 1924 hace una breve
experiencia en Taliesin con Wright.
En 1925, abre un estudio en Los Angeles, empezando su afortunada carrera como
proyectista europeo en ambiente americano, en los años prósperos previos a la crisis
económica. Se preocupa más bien de construir con irreprochable propiedad técnica, de
desviar la atención del público desde la forma hasta el funcionamiento de los edificios,
conservando el aspecto externo voluntariamente sencillo. Producción variada: se trata de
casas económicas, medias, de lujo, de edificios públicos e industriales, pero su éxito le llega
sin duda de su clientela pudiente y especialmente del mundo del cine de Hollywood. Neutra
no es un teórico, por lo tanto no se detiene en los razonamientos generales pero sí
demuestra, con los hechos, las ventajas que se pueden obtener empleando los elementos
industriales. Demuestra que la arquitectura moderna funciona mejor que la antigua, produce
casas más baratas, de más fácil conservación, y que funcionan mejor.
- Casa Kaufmann Desert (1946-1948) Palm Springs, California. Llega a su cumbre
con esta vivienda. Atención con el asoleamiento ya que era una vivienda para los
anses de invierno. Importancia puesta en los materiales (piedra por su textura y la
elección de los otros materiales como el vidrio y el acero, son cercanos al
international style que dominaba la época).
MÉXICO → modernidad y adaptación del Funcionalismo a las necesidades de la Revolución
- Vení de un siglo XIX muy conflictivo y violento. Perdieron zonas del norte (casi la
mitad del país) en manos de [Link].
- Porfirio Díaz dictador de la época (30 años en el poder), acompañado de toda una
élite, liberales en lo económico (modelo muy parecido a la generación del ‘80 en
Argentina pero unipersonal). Modelo europeizante.
- Situación política muy compleja que se termina ordenando con la Revolución
mexicana socialista en 1910 → reforma agraria campesina con algunas milicias
populares medianamente socialistas (bastante variada en ideologías).
- El país se empieza a acomodar hacia 1920 tras 10 años de guerras internas :1921
se comienza a estabilizar y tratar de acomodarse democráticamente.
- Los índices de analfabetismo en el país eran altísimos en 1920 → Plan educativo y
cultural. Aparición de José Vasconcelos: ministro de cultura y educación que es
fundamental en este proceso de alfabetización del país posterior a la Revolución.
Se genera concientización acerca de los principios de la revolución, se transforma la
mentalidad de la gente.
- Plan cultural integral: Arquitectura como uno de sus factores. Escuela y arte público.
- MURALISMO: llave de entrada a la modernidad. Rol similar al de los murales
pintados en la edad media que se usaban para instruir al pueblo.
Una de las figuras clave fue DIEGO RIVERA (corbusierano). Lo trae Vasconcelos
porque estaba de viaje en Europa → estaba en París en el momento que se produce
la revolución mexicana (era de una familia acomodada), aquí toma contacto con el
movimiento purista. También viajó por Italia y quedó impactado por el poder
comunicativo de los murales medievales de las catedrales (escenas bíblicas).
Estudia esta muralística como técnica: se pinta con los revoques/estucos frescos
para que la pintura se incorpore mediante técnicas especiales. Le agrega cuestiones
plásticas, teniendo experiencias de este tipo muy profundas → técnica realista muy
efectiva. Cree que esta puede ser una manera de llegar al pueblo y relatarle cosas
que no sabía.
Cuando vuelve a México se une al partido comunista. Todos los murales de Rivera
son revolucionarios o hacen referencia a la Revolución. No era un realismo pleno,
sino que plásticamente buscaba formas de expresión renovadoras. Busca estéticas
de cambio.
Fuertes antecedentes que muestran que en el campo del arte había mucho que
decir de la Revolución. Relacionado a esto nace la Arquitectura Moderna, en este
contexto de revolución y ligada al proceso de renovación. Ej.: importante → Escalera
del Palacio Nacional → “La historia de México en el Palacio Nacional” (1926). Son la
vanguardia política-artística de la Revolución de México. Puerta de entrada a la
modernidad.

Juan O’Gorman (1905-1982)

Ideas de vocación utilitaria que toma de Le Corbusier (libro Hacia una Arq.).
1927: estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos (México) y luego se instruyó de
manera más autodidacta, con bibliografía (Postulados de Arq. Moderna, etc.). Sin viajar a
Europa en los primeros años.
Interesado en el muralismo. Figura significativa porque es uno de los primeros que se
empieza a preocupar por las teorías de la Arq Moderna que se estaba dando en Europa.
Traduce el libro de Le Corbusier en francés y llega a algunas revistas mexicanas. Toma
estas enseñanzas y las empieza a transferir pero con un alto grado de carácter propio.
Era un típico vanguardista. Pintor → pintura importante que demuestra esta transferencia en
la Arquitectura Latinoamericana: “Autorretrato múltiple”, en la que aparece como 3 o 4
veces. La composición habla de un personaje muy controvertido.
Es uno de los arquitectos más importantes de México por el trasfondo teórico que tiene.
Obras:
- Casa O’Gorman (1929), San Ángel, México D.F. Casa para sus padres. Estética
fabril, rudimentaria. Tiene elementos de esa arquitectura austera y abstracta que
estaba planteando Le Corbusier. Por ej.: recreación de la escalera caracol,
contrapuesta al rigor de la volumetría cúbica. Por otro lado, tiene elementos que
responden a una realidad y posibilidades tecnológicas de México de ese momento.
Por ej: complicaciones con el aventanamiento (sigue el criterio de grandes
ventanales horizontales pero con tecnologías y dimensiones factibles de ser
elaboradas en México en ese momento). Además, el cerco de la casa era de cactus
de la zona (nopales), una vegetación nativa. Con esto marca la diferencia en
relación a Le Corbusier, el resto de los principios los aplica (elementos del prototipo
Citrohan que se observan principalmente en planta).
Está al lado de las casas de Diego Rivera y Frida Khalo.
- Casas Diego Rivera y Frida Kahlo (1929-1931), San Ángel, México D.F. Son las
obras más famosas de este arquitecto.
Retoma elementos de la casa Ozenfant de Le Corbusier (al igual que en la
O’Gorman): ingreso de luz, por ej. Pero estas casas dejaban más materiales a la
vista y L.C. los revocaba. Diferencia muchos otros elementos (los modifica).
Pocos recursos, demuestran austeridad de lo que era México en ese momento. Por
ej: falta de estucado en entrepisos (dejaba a la vista los ladrillos de losa alivianada),
idea de mostrar cómo está hecho, cosa que hubiera sido impensable en la
arquitectura blanca de L.C.
- Plan de edificación escolar. Secretaría de Educación Pública (1931), Narciso Bassds
(secretario de Educación Pública). Obra mucho menos famosa pero que fue muy
importante en su momento. O’Gorman le plantea a José y al secretario una obra
moderna para este plan → muy funcionalista → urgencia: con el mínimo dinero
construir la mayor cantidad de escuelas (proyecto político detrás). Seguía a los línea
dura (Hanner Meyer). Aulas abiertas, sin cerramientos → el clima de México es muy
estable (20° aprox. durante todo el año), aprovecha esto para que la obra sea lo más
austera posible, con un presupuesto muy bajo construyó 30 escuelas en la ciudad.
Funcionamiento llevado al extremo, no hay búsqueda estética. Para O’Gorman esto
es Arquitectura Moderna → resolver cuestiones economizando.
- Biblioteca centralizada de Ciudad Universitaria (1949-1952). Verdadera síntesis de
modernidad y tradición. Deja de lado el racionalismo extremo y se vuelca más hacia
el expresionismo. Es un edificio que tiene vínculos con sus tierras y tradiciones, que
toma un modelo de arquitectura corbusierana pero que remonta plenamente a la
coyuntura y posibilidades de México.
Basamento + placa. Pilotis (corbusier puro). Más otros elementos propios de la
arquitectura latinoamericana y las raíces de la tierra mexicana: revestimiento hecho
con piedras naturales talladas en cuadraditos.
El padre de O’Gorman trabajaba con minerales → el Arq. trae piedras de todos los
estados de México para generar las plaquitas e ir componiendo el mural de cada
 cara/fachada del edificio. Piedra volcánica, relieves y representaciones en los
zócalos y frisos. Serpiente emplumada, Dios Lalo y otras figuras de la cultura
mexicana desde 2000 años a.C.
Murales → dedicados a la universidad y a la ciencia, mosaicos en módulos (paneles)
de 1mx1m ejecutados abajo y luego montados.
Friso de color miel para otorgar calidad a la ilminación natural ya que el sol no da de
lleno habitualmente.

José Villagrán García (1901-1982)

Maestro de la arquitectura moderna de México. Su obra señala toda una gran etapa de la
arquitectura mexicana desde su prédica racionalista y anti-academicista desde la década
del ´20 del siglo XX. En 1924, Villagrán García se hace cargo de impartir la cátedra de
Teoría de la Arquitectura en la Escuela de Arquitectura, iniciando con ello la conformación,
puesta en práctica y difusión de un nuevo concepto de arquitectura tendiente a la
transformación radical de los valores académicos tradicionales.
Apoyado en el tratado de arquitectura escrito por Guadet, él establece una serie de
principios metodológicos para acceder a un tipo arquitectónico consecuente tanto con la
tecnología constructiva moderna como con los valores expresivos derivados del propio
edificio, más que la reproducción de los estilos históricos. → principios como: forma del
edificio como resultado del programa interno y no de la elección unilateral de un estilo
histórico.
Por otra parte es importante señalar que una de las características fundamentales de la
teoría de Villagrán desde sus inicios, fue la defensa del valor estético intrínseco en la
arquitectura, factor que lo diferencia con las propuestas de otros colegas jóvenes en la
necesidad de transformar la arquitectura nacional. Intenta adaptar sus teorías en todo
momento al espacio mexicano sin dejar de tener en cuenta lo europeo.
El concibe el valor arquitectónico como la integración de otros valores útiles, lógicos,
estéticos y sociales pero no jerarquiza nada en particular. Para él lo social no es un valor
arquitectónico de por sí, sino la razón misma de una arquitectura que relativiza el sentido de
lo que es útil en compromiso con la realidad.
En 1939 fue nombrado director de la Escuela de Arquitectura; cargo con el que se le
reconoció públicamente como el maestro de la arquitectura moderna de México, como el
guía, como el educador. Ha dejado una marca muy fuerte en la formación de los arquitectos
mexicanos hasta hoy en día.
- Pabellones del Instituto de Higiene de Popotla (1925) Ciudad de México. Estos
edificios de arquitectura hospitalaria proyectados por el arquitecto fueron señalados
como los primeros edificios francamente modernos del periodo revolucionario de
México. Históricamente fueron muestra tangible de una nueva doctrina teórica y de
un hito plástico que abrió otras alternativas arquitectónicas en el país. Elementos del
conjunto carentes de ornamento, muros desnudos con vanos que muestran la
secuencia rítmica, cubierta horizontal prolongada en aleros (se presenta como la
solución congruente tanto a los recursos de la tecnología del concreto armado, como
a la climatología de la ciudad) y un lenguaje expresivo que tendiendo a la
abstracción logrará paulatinamente imponerse en el medio local como la solución
estética más consecuente con los lineamientos establecidos por la arquitectura
moderna europea.
Carlos Obregón Santacilia (1896-1961)
Autor de abundante obra a lo largo de la década del ‘20, incluye edificios capitales para el
desarrollo de la arquitectura local sin abandonar nunca dos condiciones que le son
características: el uso subyacente de los esquemas compositivos académicos, y la
constante asimilación de las tendencias arquitectónicas que va señalando la vanguardia
internacional en cada momento.
- Conjunto de la Secretaría de Salubridad y Asistencia (1926). Obra más importante
ejecutada por él en la década del ‘20. En ella vuelve al esquema simétrico propio del
academicismo, proponiendo también la integración de obras escultóricas ejecutadas
por Centurión y Pilling, y pictóricas y vitrales a cargo de Diego Rivera. La relación
entre apariencia moderna derivada de las imágenes de la exposición y la búsqueda
de arquitectura de vanguardia, es rápidamente asimilada en México.

BRASIL → modernidad tropical

- Los arquitectos brasileños trabajaban muy parecido a la movida europea.
- Junto con México, fueron los que más repercusión tuvieron de Arq. Moderna.
- Modernidad → búsqueda de estética propia y arquitectura pública.
- Impacta a nivel mundial, no solo americano. También la vanguardia fue una vía de
entrada → pintores, poetas, escritores.
En la década del ‘20, la modernidad se manifestó en Brasil a través del arte y la
literatura: cubismo, purismo, surrealismo, literatura surrealista → cruce de corrientes
vanguardistas convergieron en la SEMANA DE ARTE MODERNO DEL 22 (punto de
partida). Catálogo de exposición, impulso para manifestaciones modernas de la
vanguardia. (San Pablo) → sobre todo en esta ciudad cosmopolita, bastante
temprano.
- Tarsila do Amaral (1886-1973) → pintora paulista, estudió en París,
preocupada y enfocada en temas de la cultura brasileña. Participa de la
semana del arte moderno (su marido era el líder).
Obras: - Cerro de las favelas (1924) → en esta obra ya no se quiere
representar tanto la estética del purismo sino que también se quiere plasmar
una realidad y un compromiso con lo político y lo social. Renovación del arte
que impacta también en la arquitectura.
- Abaporu “hombre que come” (1928) → obra famosa e importante,
símbolo del grupo de arte moderno (luego cambian su nombre a
“grupo antropofagia”). Metáfora, compromiso del artista con el país y
su realidad. Traducción conceptual: deglución y asimilación. Con qué
me quedo, lo que me nutre y lo que recibo, y lo que desecho.
Significado de “comer y digerir aquello que nos sirve, que nos
enriquece y engrandece”, que nos permite afianzarnos con una línea.
Lo que llega de afuera es lo que hay que digerir. La clave de cómo
podemos deglutir y luego aprovechar de la mejor manera. No
rechazar lo externo, consumirlo pero sin que nos anule, sino que
enriquezca nuestra propia identidad y cultura. → Ingredientes propios
muy fuertes que llegan a estar a la altura y en competencia con lo
europeo. Toda la modernidad brasileña está basada en esta idea,
visto en Niemeyer y en el miedo que les causó a los europeos.
- En los manifiestos “Pau-Brasil” (1924), “Verde-Amarejo” y “El regionalista” (1926) de
Gilberto Freyre y Oswald de Anarade se explicaba el deseo de integrar las
 experiencias europeas con las tradiciones locales, en particular con la herencia
colonial y las culturas negras o indígenas.
- La difusión intelectual de la modernidad se produce cuando llegan a Brasil dos
jóvenes arquitectos graduados en la Escuela Superior de Arquitectura de Roma: el
brasilero Rino Levi y el ruso Gregori Warchavchik, que publicaron artículos en 1925
para demostrar las virtudes de la arquitectura moderna.
- Getulio Vargas: Su revolución en 1930 (La junta de gobierno lo llamó para ejercer el
mando presidencial después de la Revolución ocurrida. Asumió la jefatura del
"gobierno provisorio") producirá un vuelco radical en la historia de Brasil → En las
dos etapas de su gobierno, la arquitectura asume una significativa importancia
debido a la proliferación de obras sociales. Los arquitectos jóvenes tendrán así la
oportunidad de participar de significativas obras públicas concentradas mayormente
en Río (centro político y cultural hegemónico). En estas los elementos formales
procedían de la arquitectura alemana y holandesa: volúmenes compactos, esquinas
curvas y bandas de ventanas horizontales, en las plantas resuena el rigor modular
de Mies, y a medida que se difundieron las casas blancas de Le Corbusier se dio
una mayor libertad compositiva y empezaron a usarse pilotis.
- De las obras representativas de la herencia moderna, situamos seis en Sao Paulo
(ciudad industrial), recogiendo así la centralidad económica y cultural de esta
megalópolis; y otras desperdigadas por el resto de la geografía del país.
- Movimiento moderno en Brasil → perdura la herencia fructífera de los supervivientes
del primer grupo que inició la batalla por la nueva arquitectura: Niemeyer, y del
segundo: Paulo Mendes da Rocha. Las persistentes tipologías arquitectónicas
sostenidas por ambos maestro: Niemeyer mantiene la explicitación del sistema de
curvas libres que genera la arbitraria plasticidad de sus edificios; y da Rocha nunca
abandonó el rigor cartesiano y la pureza compositiva de sus refinadas y a la vez
rústicas construcciones de hormigón. Esta divergencia expresiva impuso los
paradigmas identificadores de la arquitectura moderna brasileña: la exuberancia
sensual y hedonista que define el “nativismo carioca” de Niemeyer frente al
humanismo, la domesticidad, la ética y la conciencia técnica que caracterizan la
llamada “escuela brutalista paulista” encabezada por Mendes da Rocha. Dualidad
lingüística que perdura hasta la actualidad.
- La trayectoria de la arquitectura moderna brasileña también se dio en otras ciudades
capitales estatales como Belo Horizonte, Porto Alegre, Curitiba, Salvador, Recife,
Manaus, Brasília, que han tenido un significativo desarrollo arquitectónico y
urbanístico. Múltiples protagonistas configuraron esta trayectoria: Lucio Costa, los
hermanos Reidy, Joao Villanova, Roberto Burle Marx, Lina Bo Bardi, entre otros.

Gregori Warchavchik (1896-1972)

Ruso que se instala en Brasil. Es muy importante. Pionero en la arquitectura racionalista en
Brasil y personaje clave para entender la incorporación de la modernidad.
1917: Comienza a estudiar en Odessa.
1918-1922: Continúa sus estudios en Roma y trabaja en una empresa de ingeniería y H°.
1923: Se trasladó a Brasil (San Pablo), se casó con una mujer de familia rica de Brasil y se
afianzó con su propio estudio y con una arquitectura muy interesante “planta la semilla” de
la Arquitectura Moderna en Brasil.
1929: Fue nombrado representante del CIAM en América del Sur.
Trabajó asociado con Costa en su estudio, donde también estaba Niemeyer como dibujante.
Warchavchik realizó con Costa varias residencias pero su obra seguía sin asociarse del
todo al estilo "moderno", razón por la cual se disolvió la sociedad entre Costa y
Warchavchik, y este último regresó a Sao Paulo sin encargos significativos.
Obras:
- Casa Rua Santa Cruz (1927), San Pablo, Brasil.

Lo que presenta versus lo que produce. Hizo una jugada, presentando unos planos
(fachada) y luego realizando otra, para poder hacer una casa de aspecto
racionalista, diciendo que se quedó sin presupuesto para hacer la ornamentación
que había presentado en el dibujo original. Fue una estrategia para introducirla.
- Casa Rua Itápolis (1930), San Pablo, Brasil. La construyó como una exposición del
Werkbund ya que traía un poco la tradición de las exposiciones de arquitectura que
había visitado en Europa, donde los pabellones tenían la función de mostrar cómo
era la vida en la arquitectura moderna. Sabía el impacto que generaba en el público
este recurso europeo (cosa que en latinoamérica no se había experimentado mucho
y posiblemente no se les hubiera ocurrido).
“Exposición de una casa modernista” → quería presentar lo que era la vida moderna,
con ambientes y confort diferentes a lo que estaba acostumbrado ahí. Amoblada con
todos los recursos para que la gente pudiera visitar y conocer cómo se viviría en una
casa de arquitectura moderna. Estaba ambientada con mobiliario diseñado por él.

Lucio Costa (1902-1998)

Nace en Brasil pero se crió en Francia (niñez y adolescencia).
1917: Regresa a Brasil con 15 años a formarse y recibe un gran impacto al conocer su país.
1919: Estudia arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de Río. Se gradúa en 1924.
Comenzó trabajando con arquitectura neocolonial, defendió esta arquitectura en la década
de 1920. Su incursión tardía en la Arquitectura Moderna comenzó cuando invitó a
Warchavchik (luego de ver una de sus viviendas) a trabajar en su estudio junto a Niemeyer
como dibujante. Aunque esa sociedad no prosperó y se disolvió.
1935: El impasse laboral de Costa se superó cuando recibió el encargo para la Sede del
Ministerio de Educación y Salud de Río de Janeiro y forma equipo con jóvenes de la
vanguardia carioca: Alfonso Reidy, Oscar Niemeyer, Carlos Leao, Jorge Machado Moreira,
Burle Marx y Ernani Vasconcellos. Sumado a la participación de Le Corbusier, se produce
una creativa síntesis en la que por primera vez se establece una articulación entre los
canónicos cinco puntos y los elementos representativos de la cultura estética local (las
formas sinuosas, los revestimientos de azulejos, la transparencia y monumentalidad de
Niemeyer, muro cortina, los brise soleils).
- Sede del Ministerio de Educación y Salud (1936-1943). Río de Janeiro (en ese
momento capital del país, luego de que la capital se trasladara a Brasilia, muchos
 edificios en esta época cambiaron su uso). Este edificio marcó el surgimiento de la
interpretación brasileña del Movimiento Moderno, bajo el liderazgo de Costa y
Niemeyer, considerado como la obra maestra de la Arquitectura Moderna, con
valores tales que lo hacen conocer mundialmente. Primer edificio público de A.M. en
Brasil. Fue encargado por el Estado.
4 proyectos:
a) Croquis de un grupo de arquitectos brasileños encabezado por Costa →
propuesta de base corbusierana → lo convocan a Le Corbusier.
b) Croquis de Le Corbusier para la localización cerca del aeropuerto (no le
gustaba el terreno disponible y desarrolla el proyecto en uno que elige él).
Todo el paisaje de Río se metía en el edificio.
c) Croquis de Le Corbusier para su actual localización (inicial). El ministro no
acepta el nuevo terreno entonces LC lo adapta al terreno inicial y se va. →
empiezan a encontrar problemas de orientaciones y de emplazamiento.
d) Croquis final del equipo brasileño. Arquitectos Costa, Niemeyer (como
dibujante porque aún no estaba recibido), Reidy y equipo rearman el
proyecto (LC siguió asesorándolos desde París, por eso lo considera dentro
de sus obras).
Proyecto construido mucho más metido (el terreno) y sin las visuales de la otra idea.
Reúne características de arquitectura moderna en todas sus cualidades generales,
pero aparecen elementos propios de Brasil. Por ejemplo: paisajismo con especies
autóctonas, líneas curvas propias de la geometría ondulada de Brasil (en terrazas y
explanadas). Evidencia la independencia de pieles y estructuras. En PB el edificio es
completamente permeable (plaza inferior con pilotis de 3 niveles).

Oscar Niemeyer (1907-2012), Río de Janeiro

Arquitecto clave → hace la ruptura. Gran maestro de la arquitectura brasilera, es el que más
obras hizo en la historia, trabajó hasta el día de su muerte a los 104 años.
1930: comienza a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro.
1934: graduación como arquitecto.
Esta primera etapa fue la más importante (desde 1936 hasta 1943/44 aprox).
Período de trabajo junto a Lucio Costa:
- Sede del Ministerio de Educación y Salud (1936-1943). (descripto arriba)
- Pabellón de Brasil en la Feria Internacional de Nueva York (1939). Brasil pasa a la
fama por este pabellón. Incorporación de la curva, relación con la naturaleza y
elementos muy significativos que van a resultar polémicos.

ARGENTINA → Primeras interpretaciones de la Arquitectura Moderna

- Las primeras experiencias de arquitectura moderna vinculadas a la vanguardia en
los años ‘20. Llega de la misma manera que en los otros países latinoamericanos
(revistas de arquitectura, arquitectos que viajaron/estudiaron en Europa y vuelven,
etc.), pero arranca e impacta de manera diferente.
- En torno a los comienzos de la década del ‘20, la arq. se desarrollaba aún bajo los
cánones del academicismo, influenciado por la Escuela de Bellas Artes en París
(Beaux Arts). Sin embargo, en ese momento se había iniciado un fuerte impulso por
parte de los estudiantes en la búsqueda de lenguajes y pensamientos nuevos; estos
pensamientos iniciaron un movimiento que quedó plasmado en la Revista de Arq. en
la que posteriormente se consagrará la Sociedad Central de Arquitectos.
 - Paralelo a los hechos del ‘20 en México y Brasil, acá también se ligaba a las
vanguardias pictóricas pero de manera más elitista y reducida: EPISODIOS,
pequeños eventos de Modernidad que no llegaban a tener la contundencia de
México en ese momento (programa cultural). Aquí, vamos a ver expresiones muy
pequeñas que no iban a llegar a nivel masivo de ninguna manera.
- Emilio Petorutti (1892-1971) → pintor, hijo de inmigrantes que estudió en Europa
muchos años buscando la vanguardia. Se relaciona con el cubismo y a los 10 años
de su partida vuelve con sus cuadros cubistas y autorretratos y hace una exposición
en calle Florida en una galería muy famosa → recibe rechazo por parte del público y
de sus colegas, lo denigran ya que la sociedad era muy conservadora y no estaba
en condiciones de aceptar este tipo de arte de vanguardia (es importante entender
esto como una contraposición con los otros casos latinoamericanos, donde la
receptividad era mucho mayor).
Xul Solar: obra publicada por Petorutti en la Revista Martín Fierro, una pintura que
se ata más con el surrealismo y dadaísmo.
- La transferencia a la arquitectura: La Revista Martín Fierro incluía a todos estos
artistas y arquitectos del momento y difundió sus ideas de vanguardia (como Jorge
Luis Borges, quien opinaba acerca de las obras, entre otros). Estos arquitectos
visitaron obras de Perret, estuvieron con Tony Garnier, trataron de vincularse con Le
Corbusier, trajeron sus escritos (tradujeron el libro “Hacia una Arquitectura” y lo
publicaron en la revista).
- Año ‘29: 2 hechos muy importantes: 1) Revista Nuestra Arquitectura y 2) Visita de Le
Corbusier a [Link] → da 10 conferencias que tuvieron mucha más difusión que los
capítulos de su libro que se habían publicado en la Revista Martín Fierro. Realizó
varios proyectos (incluido el Plan de [Link]).
- Años ‘30: hasta esta década no se encuentra nada muy contundente de arq.
moderna. Aquí se dan dos situaciones: 1) arq. moderna como arq. eficiente (arq.
pública) y 2) arq. moderna doméstica residencial relacionado con la arq. privada.
Estos últimos, veían a la arquitectura moderna como una forma de estar a la moda
pero en el fondo no se reconocían los conceptos.
- La arquitectura moderna durante la Década Infame (1930-1943).
Periodo marcado por la irrupción del autoritarismo. Comenzó en 1930 con el golpe
de Estado que derrocó a Yrigoyen con una dictadura de carácter cívico-militar
“provisional” hasta el golpe de estado que derrocó al presidente conservador Ramón
Castillo.
Fue una década bastante complicada desde el punto de vista político, se produjo un
quiebre muy fuerte. En un estado democrático desde la ley del voto universal y
obligatorio, se instaura un régimen dictatorial que tuvo nefastas consecuencias para
el país.
Pese a esto, para la Arquitectura no fue una época tan mala. Esta dictadura
perseguía una modernización del país en términos económicos y tecnológicos,
queriendo profundizar lo que habían iniciado los de la Generación del ‘80.

Primeras interpretaciones de la Arquitectura Moderna —> Prebisch y Vilar

Alberto Prebisch (1899-1970)
Nació en Tucumán. Estudió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Buenos
Aires en un ámbito influenciado por los cánones academicistas pero había un impulso por
nuevos pensamientos (ver contexto).
1919: Obtuvo su primer premio en el Concurso de Composición Decorativa con su proyecto
de una “Tumba de un gran general”, donde se observa un insólito dominio y fuerte
formación academicista. Fue muy fuerte su vinculación al pensamiento católico.
1921: se graduó ya terminada la Gran Guerra, a pocos años de la fundamental Reforma
Universitaria (1918).
En 1922 inició junto a Vautier un viaje por Europa que sería determinante en su postura
intelectual en los años siguientes. Se acerca a los textos de Le Corbusier y tomó un fuerte
distanciamiento con al Academicismo porque “no se podía seguir dignamente en el papel de
simples repetidores del pasado” y, con el neocolonialismo, porque no veía en ella más que
variaciones de los signos utilizados por los académicos, pero con la constante repetición
formal que traía aparejado.
1924: muy significativa fue la vuelta a Bs. As. junto a [Link] su premio en el salón
de Bellas Artes de Bs. As. con su proyecto de la “Ciudad Azucarera” en la Provincia de
Tucuman.
La posición de Prebisch fue la reafirmación de su postura modernista dentro de su
concepción católica, compartiendo con Wladimiro Acosta o Fermín Bereterbide su posición
en el plano estético pero no así en lo social y político dada las claras posiciones de
izquierda de sus colegas. Desarrolló obras significativas en el plano estético y formal,
siempre en dirección abiertamente enfrentada a las posturas clasicistas. Varias viviendas,
edificios de PH y edificios de envergadura, muchos de ellos construidos y otros no. Paralelo
a estas viviendas corbusieranas se publican los 5 puntos de Le Corbusier traducidos al
español con imágenes de la Ville Savoye ya construida (algo de último momento, que no se
había visto mucho porque estaba en construcción). En el ‘32 reproduce la Citrohan con
medios locales (incluso trataba de parecerse a LC en la manera de dibujar y representar).
En torno a fines de la década del ‘20 sus obras adoptan un estilo neocolonial como un
compromiso con el lugar, su gente y su cultura.
1933 y 1934: Viaja a [Link]., donde su pensamiento se vincula a nuevas posturas del
modernismo a través del organicismo wrightiano, liberándose de las ataduras que
representaban para él sus fuertes vínculos con su formación europea.
La labor de Alberto Prebisch continuó a lo largo de los años, plasmando su obra y
pensamiento en varias obras donde se observa a un Prebisch maduro, desarrollando en sus
proyectos todas las experiencias acumuladas en largos años de búsqueda de un lenguaje
moderno acorde a la problemática de la ciudad de su tiempo.
Su aporte indiscutido al desarrollo y evolución de la arquitectura moderna representa un hito
en la historia del arte y la cultura argentinas.
Obras:
- Obelisco (1936) Bs. As., Argentina. Emblema que proyectó en su regreso de [Link],
inspirado en su visita a Washington, retomó con esta obra las fuentes del clasicismo
geométrico. Proyecto muy discutido en su momento.
- Cine Teatro Gran Rex (1937) Bs. As., Argentina. Indudable producto de su visita a
los Estados Unidos de Norteamérica, representa, tal vez, uno de los puntos
culminantes en su carrera profesional y creativa (modulación, regularidad y despojo
ornamental). Hito dentro de la historia de la arquitectura moderna argentina. Destaca
en su construcción el efecto de continuidad entre el exterior e interior. Su interior se
destaca por la falta de decoración, alejándose definitivamente de todas aquellas
típicas salas cargadas de metáforas a los antiguos palacios de música europeos.
Fue el inicio de una serie de encargos de obras análogas.
Antonio Vilar (1887-1966)
Estudió en la en la facultad de ciencias exactas de la UBA.
1914: se recibió de ingeniero civil, comenzó su carrera profesional con su padre y su
hermano hasta que se convirtió en jefe de servicio de obra y construcciones de explotación
nacional de petróleo donde se vincula con el estado.
Aventanamiento corrido, superficies blancas, lisas y desprovistas de todo orden clásico, su
obra marcaría en la historia de la arquitectura argentina un hito.
Es posible separar su obra en tres periodos:
- 1914 a mediados de la década del ‘20: búsqueda por un “estilo español
modernizado” con obras de pequeña y mediana escala en la ciudad de La Plata.
- Desde finales de la década del ‘20 a finales de la década del ‘30: interesado en lo
que llamó “las sanas tendencias de la arquitectura contemporánea”, concentra la
mayor parte de su obra moderna; desarrolló búsquedas tipológicas de casas de
renta y produjo gran cantidad de edificios importantes para la arquitectura moderna
argentina.
- Tercer periodo: se orienta en diversas direcciones como el nuevo monumentalismo,
el regionalismo o localismo e intereses en el campo social.
Vilar se puede incluir en una tendencia purista dentro del racionalismo, sobre todo en sus
aspectos formales.
- Realiza obras en propiedades de renta volúmenes prismáticos apenas calados,
donde poco a poco va quitando el orden clásico tripartito de basamento, desarrollo y
coronamiento.
- También es conocido como el diseñador de la imagen que identificó formalmente a la
red de estaciones de servicio YPF-ACA en todo el país, que estaba marcada por un
aspecto de arquitectura pública. Estas llevaron a diversas ciudades del interior las
primicias del racionalismo y quedaron como una marca relevante en el desarrollo de
este proceso.
→ PLAN Automóvil Club Argentino (1938-1943). Se produce esta asociación entre la
gente que tenía auto (eran muy pocos en ese momento los que accedían a uno), un
restringido grupo social determinado.
- Estación Tucumán ACA-YPF (1938), Arq. Vilar y asociados.
- Estación Córdoba ACA-YPF (1939), Arq. Vilar y asociados.
- Estación Mar del Plata ACA-YPF (1941), Arq. Vilar y asociados.
- Estación Luján ACA-YPF (1941), Arq. Vilar y asociados. En sectores más del
interior, concebían otra morfología con la misma planta. Asumió el carácter
de lo típico, cambiaba la imagen para asociarla a determinados lugares.
Obras:
- Banco Popular Argentino (1931). Allí se presenta por primera vez, la idea del
espacio racionalista la “forma y su función”. En paralelo, esconde la estructura
aunque realiza un apareamiento de ventanas que empezaban a separar al orden
clásico del movimiento moderno: aproximación a un elemento que lo identificaría →
el aventanamiento corrido.
- Hospital Churruca (1938). CABA. con 120 metros de largo por 30 de alto, separado
por sus núcleos verticales completamente visibles desde el exterior y como remate
desmaterializa el último nivel expresando la estructura en su esplendor. Esto surge
ante la necesidad de eficiencia en la función pública asistencial del estado, no solo
en lo que a lo económico se refiere sino a la forma de ahorrar tiempo y esfuerzo.
Wladimiro Acosta (1900-1967)→ Arquitectura moderna e identidad nacional.
Era un arquitecto ruso que en Argentina se cambió el apellido original porque quería tener
reconocimiento más directo con América Latina.
Inició sus estudios de Arquitectura en Odessa. Cuando viene la Revolución Bolchevique
emigra a Italia → estudia arquitectura en Roma, tenía profesores que eran arquitectos de
Mussolini (aliado a ideas academicistas en ese momento).
Gregorio Vasch, un compañero de estudios, lo convence de venir a Argentina.
Viene recién en el ‘28 porque antes se va a Alemania y trabaja en estudios de arq.
Muchos años se fue del país porque tenía un rollo con el peronismo.
Obras:
- Pequeña casa entre medianeras (1932), Buenos Aires, Argentina. Arquitectura
situada, trata de empezar a darse a conocer con estos ejercicios. Lo difunden como
la casa del mes en la Revista de Arquitectura.
Empieza a estudiar el tipo de fragmentación de la ciudad latinoamericana: el
concepto de medianera, la cuadrícula, los barrios.
SISTEMA HELIOS (1932): sistema que luego retoma Le Corbusier (era idea de WA, aunque
muchos dicen que le copia a LC, él lo hizo antes). Ejemplos:
- Hospital psiquiátrico de Santa Fe (1938), calle Blas Parera, Sta. Fe, Argentina.
- Hospital psiquiátrico de Oliveros (1939), Pcia de Sta Fe, Argentina. Muchos edificios
como éstos quedaron obsoletos en sus plantas originales y fueron modificados
porque no se mantuvo el tipo de internación (cambios en la salud psiquiátrica).

Estado conservador y Arquitectura Moderna: obras públicas de la Década Infame

Desde el punto de vista de la técnica y el manejo de la Arquitectura pública, este período
fue bastante incisivo y eficaz. Se produjo esta particularidad de un estado conservador que
asumió la Arquitectura Moderna como una herramienta eficaz para resolver problemas
técnicos del país. La arquitectura se renueva en las órbitas que eran menos esperables que
en este gobierno conservador → modernizador desde el punto de vista de cómo se
entendía ese estado omnipresente que lo podía y lo abarcaba todo.
Obras:
- Hospital Militar Central (1937-1938), Buenos Aires. Dirección General de Ingenieros
del Ministerio de Guerra de la Nación. Asume el lenguaje de la modernidad, no en
función de su interés expresivo o estético, ni de sus principios, sino en términos de
qué es lo que tiene que mostrar en relación a la eficiencia. El hospital: tipo de edificio
que requiere cierto grado de racionalidad funcional. Tenían que resolver un hospital
con eficacia, no se podían permitir que tenga una expresión historicista. Abstracción
del lenguaje en relación con la eficacia que se quería mostrar de ese programa
complejo (medicina de alta complejidad para esa época).
- Edificio Ministerio de Obras Públicas de la Nación (1935) Bs. As. Dirección General
de Arquitectura. Es una mezcla de Art Decó y los otros edificios del momento.
Actualmente es el Ministerio de Desarrollo Social (evita).
- Plan Nacional de Elevadores de Granos. Proyectos territoriales que hicieron que la
imagen de la arquitectura moderna, ligada a la obra del Estado, genere cierta
imagen característica y representativa. Asumen una morfología moderna para estar
en consonancia. Nos permitieron mantenernos como país potencia durante una
década más.
- Puerto de Santa Fe (1935-1952) y Puerto de Necochea (1935-1952)
Arquitectura pública de Gobiernos Provinciales:
 ● Santa Fe (1937-1941): Gobierno ultraconservador como el de Iriondo que hace un
plan de escuelas racionalistas (a nivel Nacional de lo más avanzado). Obras
ejemplo: Ministerio de Agricultura, Edificio de Bomberos, Cabina de turismo y
también el Plan de edificación de Salud de Wladimiro Acosta.
● Córdoba (1938-1939): Gobierno radical de diferente ideología que Santa Fe pero
unificaban criterios con la obra pública como el resto del país.
● Mendoza (1935-1939): Gobierno hiperconservador. Obra pública relacionada con la
modernidad.

Transformación urbana y arquitectura → Kalnay; Sánchez, Lagos y de la Torre.

Jorge Kalnay (1884-1957)
Una modernidad distinta → Desarrolla un enorme talento creativo en una variedad de
propuestas que son de por sí innovadoras, pero que al mismo tiempo reconocen su
articulación con la tradición.
Espíritu racionalista con marcada adscripción a la corriente alemana del Movimiento
Moderno: valorización de la volumetría a partir de una elaboración de juego de entrantes y
salientes, meticuloso diseño de las aberturas, grandes superficies vidriadas, balcones de
amplias dimensiones, carpintería y persiana corrediza insertadas en el espesor del muro.
Capacidad de integración paisajística.
Inventa un sistema de piezas prefabricadas. Articulación entre decoración y estructura,
subordinadas ambas a la función y carácter del edificio.
Realizó decenas de viviendas unifamiliares y conjuntos que mostraban la preocupación por
el carácter del edificio, economía de construcción y funcionalidad en el diseño.
- Edificio de Renta. Esquina Esmeralda y Juncal (Arroyo 804). (1934) CABA.

Sánchez, Lagos y de la Torre

Fue uno de los estudios de arquitectura más importantes de la primera mitad del siglo XX en
Argentina. Formado en la década de 1920 por Gregorio Sanchez, Ernesto Lagos y Luis
Maria de la Torre Campos .
Aunque sus primeros trabajos se ajustaron a la estética academicista que estaba en apogeo
en Buenos Aires desde fines del siglo XIX, rápidamente avanzaron hacia corrientes
novedosas como el art déco, desembocando en la sobriedad ornamental del racionalismo.
Se destacó dentro de las corrientes racionalistas y modernas de la época.
Ofrecían un repertorio variado de lenguajes, una especie de “cartera” de variantes
eclécticas (incluido el “Moderno”) además de una sofisticada disponibilidad de avances
tecnológicos, precisamente son ellos los que introducen, por 1°vez, el aire acondicionado en
un proyecto nacional.
En una primera etapa se dedican a viviendas para usuarios de altos ingresos. Amplia gama
de representaciones estilísticas, de acuerdo con los comitentes a quienes están destinadas
(petit-hotel, neomedieval, tudor).
En su segunda parte incorporan equipamientos públicos además de viviendas. El área de
vivienda individual sigue manteniendo un repertorio variado en las fachadas, si bien hay una
lenta depuración en el diseño de las plantas.
- Edificio Kavanagh (1934-1936). Bs. As. Importante, edificio que construye ciudad,
ejemplo por excelencia del rascacielos moderno del país.
Unidad Temática III – LA SEGUNDA POSGUERRA - LOS PARADIGMAS EN DISCUSION
La recuperación europea en el marco de la Guerra Fría. Crisis de las bases conceptuales
del CIAM; la ruptura del Team X. La obra de los Grandes Maestros en la Segunda
Pos-guerra. Mies van der Rohe y Walter Gropius en EEUU. Le Corbusier y la estética de los
materiales en bruto. Alvar Aalto, continuidad y proyección internacional. Modernidad y
tradición en EEUU; la generación intermedia. La "Tercera Generación" y el Nuevo
Brutalismo. Italia de posguerra. Los latinoamericanos en el debate. En Argentina: el Grupo
Austral. El Peronismo, la arquitectura oficial del "Estado benefactor".

III.1 - Contexto cultural:

La división del mundo a partir de Yalta. La recuperación europea en el marco de la Guerra
Fría y las fronteras entre el Este y el Oeste. El Plan Marshall. El dominio estadounidense del
Mundo Occidental. Los procesos de independencia de las colonias europeas de África: la
Guerra de Independencia de Argelia. La expansión de los países sudamericanos durante el
período de sustitución de importaciones. Existencialismo; Estructuralismo. El cine vuelve a
ser vanguardia: el Neorrealismo italiano.

CONTEXTO: Europa POSGUERRA → 1945

- Idea de que no existe una línea unitaria de producción mucho más clara a lo largo y
ancho del planeta.
- Perplejidad e incertidumbre.
- Europa está en ruinas → RECONSTRUCCIÓN.
- La 2da Guerra Mundial no finalizó con la firma de un tratado de paz por lo que las
relaciones se rompieron y se formaron 2 bloques enemigos, separados por
diferencias políticas, socioeconómicas y culturales.
- Europa desposeída de todo poder y dividida entre dos potencias mundiales
enfrentadas → [Link] y La Unión Soviética (nuevo orden mundial).
- En la Conferencia de Yalta, celebrada en 1945, los "Tres Grandes" (el dirigente
británico Churchill, el presidente americano Roosevelt y el líder soviético Stalin)
decidieron el reparto del territorio europeo al final de la Segunda Guerra Mundial.
Entre otras cosas, se acordó la división de Alemania en cuatro zonas que quedarían
bajo el dominio de los países aliados, Gran Bretaña, Estados Unidos, Francia y
URSS. Posteriormente, la división daría lugar a las dos Alemanias: una soviética y la
otra producto de la unión de los otros tres territorios.
- Por el temor al comunismo, varios países de Europa Occidental emprendieron una
senda de cooperación a nivel supranacional para mantener al nacionalismo y
desactivar el peligro de la guerra.
- La población carecía de alimentos, combustible y viviendas, se necesitaban
estrategias de supervivencia. Había millones de refugiados, exiliados y desplazados
en busca de cobijo. Europa dependía en gran medida de todo el mundo. Se
volvieron a trazar las fronteras y grupos enteros de población fueron forzados a
desplazarse.
- Plan Marshall (EEUU,1948-1951) y Plan Molotov (U.R.S.S., 1947) → enfrentados
para la reconstrucción económica europea.
- Guerra fría y conflictos posteriores → tenso periodo que atraviesan las relaciones
internacionales una vez terminada la 2da GM que se extiende hasta 1991.
1945: bombas atómicas sobre Japón → EEUU nueva potencia mundial.
 1949: Unión Soviética alcanza igual posición al fabricar su propia bomba atómica.
Surgieron de nuevo grandes diferencias ideológicas entre las democracias liberales
occidentales y el comunismo oriental, lo que aumentó las posibilidades de una nueva
guerra mundial.
- Pérdida del optimismo moderno.
- Inicio de un proceso de dispersión de ideologías y figuras. Mirada hacia otros
contextos y referencias. Se empiezan a dar otros centros difusores, con otras
alternativas propuestas. Mucho de esto tiene que ver con los exilios de los grandes
maestros por diferentes lugares del mundo. → MODIFICACIONES
DEMOGRÁFICAS IMPORTANTES.
- Estructura tecnológica - innovaciones y novedades (medicina, veterinaria, farmacia,
etc.). Antes, se pensaba que las innovaciones tecnológicas eran para mejorar la
calidad de vida de las personas → En la posguerra ya no se pensaba así
(positivamente), sobre la modernidad.
- En relación al URBANISMO, se creía que no se debía llevar a cabo de la misma
manera que en la década del ‘20. Tema muy importante en este contexto.
- Tras las 2da Guerra Mundial predomina el Estilo Internacional de una arquitectura de
planteamiento racionalista. Se manifiesta tanto en la producción de los maestros de
la arquitectura moderna como en la producción cuantitativa de los países
desarrollados.
- Independencia de las Colonias de África
- Habían sido colonizadas durante la repartición de África en el periodo “Nuevo
Imperialismo” segunda mitad del siglo XIX.
- En la 1era Guerra Mundial los movimientos independentistas africanos tomaron
relevancia que culminaría en el proceso de descolonización.
- Tras el fin de la 2da Guerra Mundial y la Conferencia de Bandung (Indonesia, 1955)
se inicia el proceso de descolonización que se extendió hasta mediados de 1970.
- A pesar de la descolonización, las relaciones económicas con las antiguas colonias
no continuaron siendo privilegiadas. Los países europeos controlan la vida
económica, sin las precisiones que conllevan la vida política.
- Entre 1954 y 1962 se produce la Guerra de Independencia de Argelia periodo de
lucha del Frente de Liberación Nacional argelino (FLN), contra la colonización
francesa establecida en la Argelia francesa desde 1830.
- Antes de 1965 se habían liberado casi todos los países y para 1975 se liberan las
últimas colonias. Muchos cambian sus nombres y se intentan redefinir sus fronteras.
- La industrialización por sustitución de importación (ISI) es un modelo económico que
adoptan los países sudamericanos en el período de posguerra de la 2da Guerra
Mundial. Se basó principalmente en el crecimiento del sector industrial desde
adentro y ha estado vigente durante el período que va desde principios de la década
de 1930 hasta finalizar la década del `70. Se dejan de importar productos extranjeros
y comenzar a consumir los producidos en el país de origen, es decir, debía
transformar la materia prima en vez de exportarla.
- Existencialismo: movimiento filosófico que se produjo en Francia después de 1945,
principalmente bajo el impulso de Sartre, orientado al análisis de la existencia
humana. Hace énfasis en los principios de libertad y responsabilidad individual.
- El estructuralismo: enfoque de las ciencias sociales surgido en la década de 1950.
Estudia las estructuras que confieren significados dentro de una determinada
cultura, especialmente la lingüística y la antropología. Levy-Strauss representante.
 - Neorrealismo Italiano → Italia posguerra clima → nace el movimiento Neorrealista
como respuesta a la fatalidad de la guerra en torno a la realidad social.
- En la nueva situación, la cultura italiana va a tratar de establecer como sus bases
la relación con lo popular. Así surge lo que se llamó Neorrealismo, difundido sobre
todo por el cine. → el cine vuelve a ser vanguardia.
- Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas,
alejándose del estilo histórico y musical que hasta entonces había impuesto la Italia
fascista (1922-1945).

“En la década de los sesenta tiene lugar un cambio que tan solo hoy, con el paso del
tiempo, podemos valorar: por un lado, la arquitectura moderna se extiende por todo el
mundo y acumula unos resultados cada vez más numerosos y más variados; por otro lado,
pierde las características de un movimiento unitario con las características de los cincuenta
años anteriores.” Leonardo Benévolo, Historia de la Arquitectura Moderna.

III.2 - Ciudad y Territorio:

Crisis de las bases conceptuales del urbanismo moderno y los CIAM; la ruptura del Team X
y el replanteo en la concepción del hábitat; referencias extra-europeas. Los conjuntos
habitacionales de gran escala: Park Hill, Golden Lane, Robin Hood Gardens. El Plan de
Berlín de los Smithson. El Plan Pampus de Amsterdam-Este de Bakema-Van den Broek.
Toulouse le Mirail de Candilis-Josic-Woods. La descentralización de Londres: New Towns
inglesas. Las Unidades de Habitación de Le Corbusier; la nueva ciudad de Chandigarh.
En América, la vigencia del CIAM: planes de Josep L. Sert para La Habana, Cali, Lima y la
nueva Cidade dos Motores, en Brasil. Urbanismo moderno para una gran capital: Brasilia.
Las Ciudades Universitarias como metáforas de ciudad moderna: México, Caracas,
Tucumán. La participación de los arquitectos iberoamericanos en los CIAM. La polémica
entre wrightianos y corbusieranos.

EUROPA
Crisis de las bases conceptuales del urbanismo moderno y los CIAM
Urbanística del siglo XX - CIAM
CIAM I 1928 → La Sarraz (fundación) Según Frampton, en estos 3 los
CIAM II 1929 → Frankfurt → alemanes tenían más dominio.
CIAM III 1930 → Bruselas
CIAM IV 1933 → Atenas-Marsella. Carta de Atenas ‘41
CIAM V 1937 → París Reconstrucción de las ciudades
CIAM VI 1947 → Bridgewater —---------------------------→ devastadas por la 2GM y 1eras
CIAM VII 1949 → Bérgamo críticas a la ciudad funcional.
“La aplicación de la Carta de Atenas por todo el mundo no permitió otras lógicas o propuestas
intermedias /.../ los delegados redactaron el documento más olímpico, retórico y a la larga destructivo
que salió de los CIAM: La Carta de Atenas. /…/ A 30 años de distancia, reconocemos esto como la
mera expresión de una preferencia estética, pero en su momento tuvo el poder de un mandamiento
mosaico y, en efecto, paralizó la investigación de otras formas de alojamiento.” (Banham, 1963)
CIAM VIII 1951 → Hoddesdon → Grupo Mars: el corazón de la ciudad (afinación a la grilla).
CIAM IX 1953 → Aix-en-Provence → críticas a las categorías funcionalistas de la Carta d’A.
CIAM X 1956 → Dubrovnik → Organización y presentación del TEAM X.
CIAM XI 1959 → Otterloo → Performance anunciando la muerte de los CIAM.
Disolución del CIAM
Peter y Alison Smithson, Aldo van Eyck, J.B. Bakema, Georges Candills, conocen y siguen
recordando la obra de los grandes maestros. Algunos de ellos trabajaron como discípulos
de Le Corbusier. Se revelaban frente a los modelos ya explorados y explotados de sobra de
los maestros pero mantenían mucho respeto hacia la obra y los mismos.
El holandés Aldo van Eyck constituye el arquitecto más innovador e iconoclasta del grupo.
En sus ideas se ve una voluntad vanguardista de continua innovación y lucha, y también la
crítica a bastantes aspectos de la arquitectura moderna, por su falta de sentido común. Se
trata de mirar hacia arquetipos del pasado, recuperando la dimensión humana, cultural y
simbólica de las formas arquitectónicas, intentando de manera idealista recrear formas
geométricas desalineadas, salvajes, desnudas y puras, lejos del consumo contemporáneo
de formas e imágenes.
De todas maneras, un lazo común existía entre todos estos arquitectos, que se expresa en
su visión de la ciudad (vida urbana), la tradición (respeto), la arquitectura (revisión formal) y
del papel social del arquitecto.
Su impulso crítico para encontrar una relación más precisa entre la forma física y las
necesidades psicológicas se convirtió en el argumento del X CIAM, 1956, última reunión, a
partir de la cual este nuevo grupo comenzó a llamarse TEAM X.

TEAM X
Y el replanteo en la concepción del hábitat; referencias extra-europeas.
A partir del CIAM X (1956), este nuevo grupo comenzó a llamarse TEAM X. Compuesto por
Alison y Peter Smithson, Bakema, Van Der Broek, Candilis, Josic, Woods y Van Eyck. Tange
y Kahn fueron incorporados más tarde.
Las ideas del Team X pueden reunirse en tres grandes principios: ASOCIACIÓN,
IDENTIDAD, Y FLEXIBILIDAD. Se conforma con la voluntad de continuar la nueva tradición
moderna, convencidos de que la arquitectura moderna es una manera de razonar, de
afrontar la resolución los problemas, de proyectar. Sin embargo, se introducen una serie de
cambios destacables. En primer lugar, el método de trabajo es pragmático y empírico, en
oposición al sistemático y a la voluntad de definir unos objetivos universales y
globalizadores de los CIAM (por ej: de esta manera las reuniones no tienen un tema común,
sino que el invitado analiza y explica un proyecto. Esto fomenta que en las reuniones no se
generen manifiestos o teorías, sino opiniones, fragmentos y ensayos de cada uno de los
miembros).
Se preocupaban por la preservación de preexistencias ante nuevas propuestas y estaban
en contra de la aplicación meramente dogmática de la Carta de Atenas: “La guerra no
destruyó esta ciudad; eso fue dejado para la paz. La reconstrucción trajo problemas, el
urbanista se encontró sin el equipo teórico para poder resolverlos, y la subsiguiente
prosperidad lo puso en la cumbre. Aplicó en donde pudo la fórmula de la Carta de Atenas;
ahora podemos evaluar los resultados.” Urban structuring. A. y P. Smithson, 1967. → [No
eran solo malas decisiones proyectuales, no era solo culpa de arquitectos o urbanistas,
había todo un contexto social-económico complicado.]
Se basan en una actitud experimental en consideración de que se trabaja con una realidad
cambiante y pasajera → por eso es necesaria una actitud pragmática basada en proyectos
concretos, anti dogmática (acepta diversidad de opiniones) y anti doctrinaria (evita detener
el crecimiento y debate por teorías insuficientes). No definen grandes teorías ni proyectan
prototipos, analizan. Lo que implica una dificultad para definir las ideas del TEAM X.
El Team X sostiene que el fenómeno esencial de las ciudades no es el crecimiento sino el
cambio por lo que deberían diseñarse estructuras urbanas dispuestas para crecer y para
cambiar. → decían que la obra de cada arquitecto tenía que permitir que otro arquitecto
posterior continuará la construcción de la ciudad desde donde la hubieran dejado.
Rechazan el concepto de planificación porque los cambios urbanos serían un fenómeno
impredecible y por lo tanto lo único que se puede hacer es operar en la ciudad tratando de
hacer lo mejor posible en cada caso.

Los conjuntos habitacionales de gran escala

- Urbanización de Park Hill en Sheffield (1953-1960) de Jack Lynn, Ivor Smith y otros.
Propuesta exitosa, calle corredor ancha en distintos niveles (circulaciones que
generan movimiento y dinámicas). No había grandes resoluciones materiales por el
clima de posguerra.
- Proyecto de Golden Lane en Londres (1952) de los hermanos Smithson.
Teórico, no se construyó pero inspiró muchos. Nociones: asociación (cluster);
identidad (generar pertenencia para los grupos sociales que habitaban estos
edificios ya que algunos se construían para refugiados y/o exiliados); crecimiento y
flexibilidad; movimiento (calle corredor).
- El Plan de Berlín-Hauptstadt (Berlín capital) de los hermanos Smithson (1957-1958).
Concurso. En su propuesta, se planteaba la idea de la ciudad permanentemente 'en
ruinas', entendida esta expresión en el sentido de que el movimiento y los cambios
rápidos del siglo XX no podían relacionarse con el trazado de ningún tejido
preexistente. En el proyecto, incluían los podios elevados bajo la noción del “punto
fijo urbano” (lugar establecido por la arquitectura dentro de la infinitud espacial) y la
movilidad en masa. Realización parcial de sus prototipos en el conjunto de oficinas
de The Economist en Londres, de 1965.
- Robin Hood Gardens en Londres (1962-1972) de los hermanos Smithson.
(Nuevo brutalismo). Formado por bloques de forma irregular orientados hacia un
espacio interior libre (cada bloque es como un muro hacia el entorno urbano con una
fachada más cerrada hacia la calle y otra más abierta hacia el interior). La forma
sinuosa de los bloques resulta de la aplicación de la idea de cluster y del nuevo
repertorio formal del expresionismo abstracto. Encarnaba ideas de Golden Lane.
- El Plan Pampus de Amsterdam-Este (1964-1965) de J. B. Bakema y Van den Broek.
Isla I: conexión con el casco histórico de Ámsterdam (55000 habitantes).
Isla II: residencial, unidades vecinales (65000 habitantes).
Isla III: subcentro + estación de monorraíl (30000 habitantes).
Isla IV: sector principal del plan, centro cultural y comercial (200000 habitantes).
- Toulouse le Mirail (1962) de Candilis, Josic y Woods. Tipologías: grandes bloques,
pequeños bloques y villas-patio. Se concretó sólo la primera etapa de 11681
viviendas (3 barrios) y luego se cerró el proyecto.
* Se hablaba de que la urbanística moderna ya no servía.

La descentralización de Londres: New Towns inglesas

La reconstrucción social de la posguerra se logró a partir de dos importantes leyes
parlamentarias: la Ley de la Enseñanza de 1944 que elevó hasta los 15 años la escolaridad
obligatoria, y la Ley de Nuevas Ciudades de 1946.
Operación urbana que preveía todo un proceso de organización territorial basado en la
descentralización, el control del crecimiento de Londres y la creación de nuevas ciudades
en sus alrededores. El interés consiste en la continuidad con la tradición de la ciudad–jardín
por una parte, y de los nuevos planteamientos del urbanismo racionalista basado en la
planificación estatal, en la segregación de funciones, en la creación de nuevas ciudades
pintorescas y en la importancia de espacios verdes, por otra.
Formalmente la arquitectura de las new towns, realizada según el llamado Estilo
Contemporáneo, estaba inspirada en la arquitectura sueca, en lo que entonces se llamaría
el new empirismo. La sintaxis de este estilo "popular'' comprendía una arquitectura de
tejados de ángulos poco acusados, paredes de ladrillo, enjutas verticales y marcos
cuadrados para las ventanas, estos últimos sin ningún recubrimiento o bien pintados de
blanco.

Las Unidades de Habitación de Le Corbusier

Marsella (1947-1952) → Unidad de Habitación. Le Corbusier planteó 4 unidades para dar
una solución más compleja, sin embargo, solo se construyó una sola de las planteadas.
Con sus 337 viviendas unidas por una galería comercial, un hotel y una azotea con pista de
carreras, piscina, jardín de infancia y gimnasio, la Unité tenía tanto de 'condensador social'
como los bloques-comuna soviéticos de los años veinte.
La obra se mostraba comprometida con los métodos “brutalistas” de la construcción y es un
hecho arquitectónico indiscutible dentro de este estilo. Esto es evidente en el modelado de
su superestructura básica de hormigón a base de encofrados de madera rugosa. Aparte de
esta apariencia de hormigón en bruto, la Unité era mucho más compleja en su organización:
revelaba su estructura celular mediante el uso de balcones con parasoles y marquesinas de
hormigón que sobresalen del cuerpo principal del edificio. Estos parasoles (brise-soleil), con
sus paredes laterales, acentuaban el volumen de las viviendas de dos alturas que
atravesaban el bloque en toda su anchura; ; además se trabajaban dobles alturas en los
espacios sociales de los departamentos. Las 'calles' interiores cada tres plantas
proporcionaban acceso horizontal a estas viviendas contrapeadas y cruzadas. La distinción
se expresaba al nivel del suelo en las columnas cuidadosamente perfiladas que sostenían el
vientre del edificio. Estos pilotis, dimensionados siguiendo la teoría del Modulor, sugerían la
invención de un nuevo orden “clásico”.
Según Le Corbusier, Unité, devolvía la dignidad de la arquitectura a la vivienda particular
más modesta.
Es considerada como la primera edificación que caracteriza la arquitectura de la posguerra
ya que sus innovaciones la separaban decisivamente de la arquitectura moderna anterior a
1939. La innovación fundamental de la Unité no consistió en sus audaces módulos, ni en
sus originalidades de distribución ni en sus pretensiones sociológicas sino, en mucha mayor
medida, en el hecho de que Le Corbusier abandonara la ficción de preguerra de que el
hormigón armado era el material preciso de la era de la máquina.

La nueva ciudad de Chandigarh

Chandigarh → fundada en 1951 → nueva capital administrativa de Punyab.
En pleno proceso de independencia y modernización de India, se requirió crear una nueva
capital para la provincia de Punyab. Se convoca a un primer equipo de arquitectos
occidentales y luego en 1951 se convoca a LC, quien asume la dirección del Plan.
Chandigarh logró llegar a ser monumental sin hacer referencias directas al vocabulario
tradicional del clasicismo occidental. Era más que la capital del Punjab: era el símbolo de la
nueva India. Encarnaba la idea de un estado industrial moderno (hoy en día es la provincia
más industrializada de Pakistán). Fue una de las primeras ciudades planificadas.
AMÉRICA
SERT y las ideas del CIAM en América Latina
El urbanismo reformador de los CIAM llegó a América Latina no solo a través de los canales
normales de difusión (revistas y libros) sino mediante una ofensiva mucho más explícita.
Arquitectos del núcleo director de los CIAM, como José Luis Sert y Richard Neutra, tenían
fuertes vínculos latinoamericanos y consideraban que éste era un campo, que consideraban
virgen, para la planeación urbana. Dentro de los preparativos del VI CIAM de 1947, Richard
Neutra hizo un viaje promocional en 1945 por varios países latinoamericanos, buscando
crear grupos de trabajo o sucursales de los CIAM como los que se crearon en La Habana,
en Chile y, parcialmente, en Colombia y Argentina. Estos grupos no funcionaron de manera
regular y sólo algunos arquitectos aislados asistieron a los congresos los siguientes años.
América Latina era vista como mercado potencial de servicios técnicos de urbanismo y fue
blanco de propuestas de diversas procedencias. En esta competencia resultó claramente
dominante la firma Town Planning Associates, de Wiener y Sert, que tenía enormes ventajas
comparativas. Avalados por el prestigio de la Universidad de Harvard, sus socios eran José
Luis Sert (1902-1983), español, asiduo visitante de Cuba y otros países latinoamericanos,
cercano a Le Corbusier y presidente del CIAM entre 1947 y 1959, y Paul Lester Wiener, con
fuertes vínculos en el gobierno de Roosevelt en Estados Unidos y de Getulio Vargas en
Brasil, y antiguo colaborador de Costa y Niemeyer en el Pabellón de New York en 1939. Los
gobiernos de Brasil, Colombia, Perú, Venezuela y Cuba celebraron contratos con ellos para
hacer planes reguladores que, a diferencia de otros planes que les eran contemporáneos,
fueron amplia y rápidamente divulgados.
ESTUDIO URBANÍSTICO:
- Cidade dos motores (1943-1947), J.L. Sert y P.L. Wiener, Brasil.
Plan para una ciudad completamente nueva, para 25000 habitantes. Bloques tipo
unidades de habitación, otros de densidad más baja, la típica casa bloc, la
continuidad del verde, segregación funcional, estructuración circulatoria en base a
jerarquía (todos los elementos de la Carta de Atenas). Se construye solo una parte.
- Plan Piloto de Lima (1947), J.L. Sert y P.L. Wiener. Perú.
Se trabaja un fragmento, también con la tipología de la Villa Radieuse. El centro
tradicional era respetado y el centro cívico se hacía respetuosamente a un costado.
Algunos lineamientos generales de los planes maestros fueron tenidos en cuenta
posteriormente, y sirvieron de asesores en algunas unidades vecinales, pero a Sert y
Wiener no les fue contratado ningún proyecto de centro cívico de los que habían
planteado para Lima, Bogotá, Medellín, Cali y La Habana.
- Plan de Chimbote (1847-1948), J.L. Sert y P.L. Wiener., Perú.
- Plan de Tumaco (1948-1949), J.L. Sert y P.L. Wiener, Colombia.
- Medellín (1949-1952), J.L. Sert y P.L. Wiener, Colombia.
- Plan de Cali (1949-1952), J.L. Sert y P.L. Wiener, Colombia.
- Barranquilla (1950), J.L. Sert y P.L. Wiener, Colombia.
- Plan Bogotá (1950), Le Corbusier, J.L. Sert y P.L. Wiener, Colombia.
- Master Plan de Orinoco Mining Co en Puerto Ordaz (1951), Sert-Wiener, Venezuela.
- Plan de La Habana (1955-1959), J.L. Sert y P.L. Wiener. Cuba. Es el más
importante, la ciudad reemplazada completamente. Intervención de ruptura de
cirugía urbana plena en el casco viejo, prácticamente se arrasaba con la arquitectura
existente.
Urbanismo moderno para una gran capital: Brasilia
Fundación de Brasilia (nueva capital de Brasil) → Obra más ambiciosa dentro de las
realizaciones del urbanismo moderno y racionalista.
Kubitschek, presidente de Brasil en aquel entonces (progresista) plantea la necesidad de
descentralizar el país. Brasil demostraría con esta nueva ciudad la pujanza de su desarrollo
y el carácter de su cultura.
Lucio Costa ganó el concurso con su plan piloto en 1957, comenzó la construcción de la
ciudad siendo él el principal urbanista y Niemeyer el principal arquitecto.
La ciudad fue inaugurada en 1960 de acuerdo con todos los principios de la ciudad
racionalista, la Carta de Atenas y la Villa Radieuse. El proyecto fue presentado en
esquemáticos dibujos a mano alzada y una sucinta memoria resumida en 23 puntos. La
idea general se sintetizaba en dos ejes cruzados formando una cruz y un triángulo
equilátero con la zona urbanizable (la curvatura de uno de los ejes dará una connotación de
avión o de ave con las alas desplegadas). El eje monumental (eje central) estaba rodeado
por los edificios estándar de los ministerios y rematado en la plaza de los tres poderes (el
Ejecutivo, el Legislativo y el Judicial). Entre los dos puntos que marcan este eje monumental
están las dos construcciones más altas de la ciudad: las torres gemelas de la administración
de la Cámara y del Senado y la torre que capta las señales de radio y televisión. Las alas
curvadas se concretaron en las zonas residenciales sur y norte con escala doméstica.
Básicamente compuestas por super cuadras residenciales, cuadras comerciales y entre
cuadras de ocio y diversión (donde hay también escuelas e iglesias).
Paralelo a la construcción todos estos principios empiezan a estar en crisis y a evidenciarse
sus grandes disfunciones:
- La aplicación estricta de los principios del zoning más la primacía del tráfico rodado,
ha creado una ciudad sin vida espontánea y poblada sólo por sectores adinerados.
- Las grandes influencias de Le Corbusier que se reconocen en el desarrollo del
proyecto: supermanzanas, redes rápidas de circulación y el tejido urbano abierto a
espacios verdes monumentales.
- La organización de la ciudad nace de un gesto, del cruce de dos ejes en
contraposición a lo racional de Europa.
Culminó por llevar el desarrollo progresivo de la arq. brasileña a una crisis, que acabaría
provocando una reacción global en contra de los preceptos del Movimiento Moderno

Las Ciudades Universitarias como metáforas de ciudad moderna

Las ciudades universitarias constituyeron la acción arquitectónica y urbana más destacada
de los arquitectos y presidentes progresistas. La idea de concebir los campus como
pequeñas ciudades independientes y autónomas, se prefirió en ciudades grandes, donde se
trataba de terrenos muy amplios y localizados en lugares relativamente periféricos.
Decisiones: 1) se procuró no interferir con la ciudad constituida, con la cual establecen una
relación a través de una o varías vías de alta velocidad; 2) se partió de una zonificación
clara de funciones, predominio de la zona académica (dividida por áreas del conocimiento) y
vivienda en la periferia y 3) conformar espacios abiertos coherentes de circulación peatonal.
- México: Plan general de la ciudad universitaria de la UNAM, de Mario Pani y Enrique
del Moral (1947-1949). Se optó por la opción ortogonal a partir del esquema general.
250 hectáreas, terreno atravesado por una avenida que divide el proyecto en dos
zonas: 1) académica y residencial y 2) estadio de servicio a la ciudad entera y un
centro cívico para la zona residencial. Todo el conjunto se pensó como una ciudad
autónoma de Ciudad de México (tanto en términos administrativos como en
 abastecimiento de servicios). La zona académica gira en torno a un gran vacío
central alrededor del cual se organizan las distintas facultades y escuelas. Una de
las preocupaciones principales de los arq. fue la de conciliar la disposición de los
grandes espacios y edificios con una escala menor de pequeñas plazas y jardines
que ligara las dependencias de cada área del conocimiento.
- Caracas: Plan Universidad Central de Caracas de Villanueva (1950-1953 aprox).
Terreno de 150 hectáreas. Composición: da la espalda a los edificios construidos y
concentra los edificios académicos en torno a un vacío central dominado por un aula
magna. Hacia 1953 se cambia el plan general y se construye el centro cultural de la
universidad: plaza cubierta con la biblioteca, sala de música de cámara y el aula
magna. La plaza cubierta es un espacio inédito que rompe la noción tradicional de
"plaza” → moldea la luz de manera creativa. Hacia mediados de 1950 se desdibuja
el plan inicial completamente cuando ubica la Facultad de Humanidades en el lugar
donde había previsto el vacío central y lo concibe como una trama de edificios bajos
entre patios entrelazados. Más adelante construye edificios bajos llegando a un
resultado final de un campus que parece "sin orden”, sin una lógica única, pero con
la huella de los distintos planteamientos anteriores.
La evidencia climática llevó al diseño de brise-soleils, van desde los muros calados
hasta amplias fachadas superpuestas; estos van más allá de las consideraciones de
clima y se potencian estéticamente por la conciencia lumínica y la vegetación.
- Tucumán: Universidad Nacional de Tucumán de Mitrovich, Cavagna, Pereira, Casen,
Paolasso, Cáceres, Piñero, Merino y Mangini (). Es una de las obras más
importantes del periodo, tanto por su magnitud como por su planteo arquitectónico.
Proyectada en 4 meses, concentra solo edificios de enseñanza, investigación y
servicios. Concebidos como una arquitectura totalmente flexible surgida de tomar
como módulo el box individual y pudiendo llegar hasta el aula para 80 alumnos. Los
locales constituyen un anillo periférico en cada bloque rodeando un espacio central
de quíntuple altura concebido como un aula magna.

La participación de los arquitectos iberoamericanos en los CIAM

Los congresos tenían el objeto de comparar e intercambiar experiencias realizadas en
distintos países y difundir las propuestas de la nueva arquitectura. Fueron delegados CIAM
por la Argentina: Vladimiro Acosta, Jorge Ferrary Hardoy, Amancio Williams, Antonio Bonet.
Aunque la participación de arquitectos argentinos no fue destacada en las reuniones, hay
que considerar que la asociación no se limitó a los congresos, ya que creó una red de
relaciones personales, de intercambios y reflexiones, donde la arquitectura latinoamericana
tuvo una presencia activa, sobre todo en el cambio ideológico que se produce en la
posguerra. Las revistas de arquitectura no siguieron sistemáticamente sus propuestas;
difundieron noticias esporádicas y se ocuparon de sus miembros individualmente.

La polémica entre wrightianos y corbusieranos

Confrontación entre pares que se da sobre todo en Latino y Norteamérica durante la
vigencia del CIAM, urbanismo y arquitectura moderna. Debate entre expresión/organicismo
y racionalismo que se da como consecuencia del desarrollo anterior. Pasa mucho en
Argentina cuando vienen arquitectos italianos que seguían la línea orgánica de Bruno Zevi,
quien promovía esta revisión histórica en función de dos categorías antitéticas: la corriente
orgánica como retorno a lo autóctono y natural, humano, individual, sentimental, sensible;
frente a tendencias más racionales (prototipos, procesos de industrialización, etc.).
III.3 - La Arquitectura
La obra de los Grandes Maestros en la Segunda Posguerra. Mies van der Rohe y Walter
Gropius en EEUU. Le Corbusier y la estética de los materiales en bruto. Las obras maduras
de F. Ll. Wright. Alvar Aalto, continuidad y proyección internacional. Las apropiaciones
locales de la arquitectura moderna en el contexto de la difusión del International Style.
Modernidad y tradición en EEUU; la generación intermedia; continuidades y rupturas con el
período heroico. Nuevos postulados y renovación de los métodos de proyecto: Louis Kahn,
Kenzo Tange, Eero Saarinen y Philip Johnson.
La "Tercera Generación" de arquitectos modernos: Alison y Peter Smithson, obra teórica y
arquitectónica. El Nuevo Brutalismo: ética o estética (R. Banham). James Stirling; Giancarlo
De Carlo; Carlo Scarpa.
La arquitectura italiana de la posguerra: teoría y praxis. Ernesto Rogers; Ludovico Quaroni;
Ignazio Gardella. La influencia teórica de los italianos en Argentina a fines de los años ‘40.
Los latinoamericanos en el debate de la Posguerra: Lucio Costa, Oscar Niemeyer, Affonso
Reidy y Roberto Burle Marx en Brasil; Mario Pani y Luis Barragán en México; Carlos Raúl
Villanueva en Venezuela. Los aportes del exilio europeo de posguerra: Lina Bo Bardi,
Antonio Bonet Castellana, Félix Candela, Vladimir Kaspé, Max Cetto.
En Argentina: la fundación del Grupo Austral; Amancio Williams; Mario Roberto Alvarez. El
Peronismo y la arquitectura oficial del "Estado benefactor". Los equipos técnicos estatales.
El grupo Onda y el Casablanquismo.

La obra de los Grandes Maestros en la Segunda Posguerra

ESTADOS UNIDOS → país ganador de la guerra y que nace como nueva potencia mundial.
- El paradigma de la estética de la máquina está en discusión porque el movimiento
moderno y sus formas abstractas no es lo suficientemente monumental para
representar la jerarquía y el poder de este Estado triunfante.
- Todos los edificios públicos construidos en el periodo entreguerras y en los años ‘40
apelaban a la tradición clásica → arquitectura denominada la nueva tradición /
arquitectura historicista de tendencia conservadora / monumentalidad neoclásica.
Tendencia que se da de manera sincrónica en: Italia, Alemania, España, URSS.

Mies van der Rohe en EEUU → segunda etapa → periodo americano

Para Mies, la arquitectura es “la voluntad de una época traducida en espacio” (Frampton).
Desde Chicago, Mies se convirtió en el maestro de varias generaciones de arquitectos
estadounidenses.
1937-1938: emigra a EEUU previo a la 2da Guerra Mundial. Se instala en Chicago ya que
acepta el puesto de Director del departamento de Arquitectura en el Instituto Tecnológico de
Illinois en Chicago; además lo estaban esperando con la propuesta de la organización de
todo el predio del IIT. Es allí donde se consagra como arquitecto de las grandes
corporaciones.
En parte de la obra de Mies subyace un clasicismo traducido en el cuidado por las
proporciones, la perfección compositiva y en los detalles y materiales de los acabados,
obteniendo unos elegantes resultados por la supresión de cualquier elemento historicista.
En esta etapa americana, sus ideas permanecieron inalteradas como su principio “menos es
más”. Crea espacios flexibles, núcleos duros, desarrolla la idea de “curtain wall”.
1933 y primeros años ‘50: la obra de Mies iba a oscilar entre la asimetría y la simetría, entre
la técnica como tal y la monumentalización de técnica como forma.
1933: se ve el principio de la transformación de su trabajo en su propuesta presentada para
el concurso para el Resch-Bank → hace un paso de la simetría informal a la
monumentalidad simétrica que culminó en el desarrollo de un método constructivo
sumamente racionalizado que fue ampliamente adoptado en los años ‘50 por la industria
norteamericana de la construcción. Para Mies, la tecnología era la manifestación cultural del
hombre moderno → debe considerarse a esta obra como su primer intento de
monumentalización de la técnica.
1939-1959: ejerció su cargo de Director del Dep. de Arquitectura en el Instituto Tecnológico.
1942-1943: Proyecto para el nuevo campus del Instituto Tecnológico de Illinois. Cuidadoso
cálculo de las proporciones y materiales. Planta a partir de una red de coordenadas
ortogonales, grilla que ya había experimentado, el plan genera regularidad (sistema
ortogonal tanto urbano como rural).
- Crown Hall. Facultad de Arquitectura (1950-1956). Realiza una desmaterialización
de la arquitectura a través del acero. Fluidez espacial que permite la estructura.
Sintaxis estructural, ritmo y proporciones.
1944: adquiere la nacionalidad estadounidense y comienza a tener trabajos para
promotores privados → Establishment Institucional.
- Casa Farnsworth (1949-1950) Illinois, EEUU. “menos es más”. Construye una casa
para los fines de semana en un terreno cercano al Río Fox. Planta central, fluidez. El
acero y el vidrio muestran la sencillez. Los únicos elementos que destacan en la
construcción son los tres planos horizontales que forman la terraza y el suelo y techo
de la vivienda, soportados perimetralmente por los pilares, que no llegan a perforar
los [Link] estructural de acero, bandeja metálica sobre capa de mortero de
cemento. Sistema de calefacción por losa radiante, aislaciones, placas
premoldeadas de H°.
La obra de Mies en Chicago tomó el camino a transformarlo como el arquitecto del
establishment institucional privado → ej: Lake Shore Drive Apartments (1948-1951)
Chicago. → torres de 82 m, 26 pisos de altura, planta rectangular, volúmenes prismáticos,
muro cortina, estructura de acero, pórticos unidireccionales, rigurosa normativa
antiincendios que obliga a cubrir los pórticos con H°.
Mies comenzó con la consolidación de una nueva tipología de rascacielos en su dirección
del IIT. Los elementos comunes del rascacielos (la estructura de acero y su revestimiento
vítreo como el empleo del muro-cortina) supusieron nuevos retos arquitectónicos para Mies.
- Seagram Building (1956-1958), New York, [Link]. Uno de los más importantes
edificios de Mies, junto con el edificio de apartamentos de Lake Shore Drive en
Chicago (1951), define la tipología de rascacielos que hoy en día es el canon. Era
totalmente novedoso en ese momento. Gesto urbano de retirarse y dejar la mitad del
predio para una explanada (cedido a la ciudad), esto es muy decisivo para apreciar
los valores arquitectónicos, da elegancia.
Arquitectura corporativa. Prototipo de edificios de oficinas.
- Departamentos Paseo Commonwealth (1953-1956) Chicago.
- Toronto Dominion Center (1969) Canada.

Walter Gropius en EEUU → segunda etapa → periodo americano

1944: nacionalizado como ciudadano norteamericano.
1946: funda The Architects Collaborative (un equipo de trabajo colectivo conformado en su
mayoría por arquitectos jóvenes).
En este último período se vuelca más a lo administrativo y corporativo.
Vuelve a emplear, sobre todo en estos últimos años, los términos de arte y belleza.
Obras:
- Graduate Center (1949-1950) Harvard Cambridge, Mass, EEUU. G + The Architects
Collaborative. 7 bloques de habitaciones universitarias con edificio de instalaciones
comunitarias. Preocupación por atar esos usos diferentes.
- Pan Am Building (1963) New York, [Link]. Gropius + Pietro Belluschi, Emery Roth y
Sons. Asociación con un arquitecto italiano emigrado a EEUU para la torre Pan Am.
Lo más descomunal y grande que hizo Gropius (en su momento, se convirtió en el
edificio de oficinas más grande del mundo). Le da mucha fama y mucho dinero. Se
encuentra detrás de la Grand Central Station de Nueva York, en el subsuelo se
conectan. Tiene una enorme visibilidad ya que está sobre el eje de la Avenida Park.
Queda enmarcado con el perfil de la avenida y es una forma de hacerlo más
amigable con el entorno.
El diseño está inspirado en el proyecto nunca construido que Le Corbusier diseñó
para la Grand Central Terminal y en la Torre Pirelli de Milán. Consiste en una torre de
59 plantas que descansan sobre una base de 10 pisos. Es un ejemplo del Estilo
Internacional derivado del modernismo, también llamado brutalismo. Su planta es
octogonal y se caracteriza por sus plantas diáfanas y la ausencia de detalles lujosos
tanto en el interior como en el exterior.
Originalmente, el proyecto fue llamado Grand Central City, pero la compañía aérea
Pan Am convirtió en la dueña del edificio, ocupando una cuarta parte del mismo y
renombrándolo como Pan Am Building.

Le Corbusier → segunda etapa → la estética de los materiales en bruto

Después de la 2da Guerra Mundial, Le Corbusier se recluyó en el sur de Francia
dedicándose a pintar y escribir.
Ruptura con la estética dogmática del purismo: abandona su fe de la era de la máquina,
desilusión por la realidad industrial. La incidencia de la máquina en la civilización opacó por
momentos el desarrollo de la arq. moderna, volviendo al lenguaje de la tradición vernácula.
La nueva construcción: fue entendida como un bricolage expresivo, contraste de materiales
yuxtapuestos. Abandono del envoltorio clásico, bóvedas catalanas, ladrillo visto y hormigón
se combinan para dar la impresión de hostilidad.
Su estilo se mueve en 2 direcciónes opuestas: por un lado, volvió a su obra doméstica
(vernácula); por el otro, adopta una monumentalidad de grandiosidad clásica.
1945-1946: Después de la guerra, se concentra en los planes de reconstrucción de
ciudades trabajando en 1945 y 1946 en dos planes respectivamente: Saint-Dié y La
Rochelle. Simultáneamente desarrolla para el Ministerio Francés de la Reconstrucción el
concepto de “L'Unité d’ Habitation”, que alcanza su concreción en Marsella en 1947 y
posteriormente en Nantes, Berlín, Meaux y Briey en Foret. En estos pabellones el autor
aplica los conceptos de su modulor (sistema de relaciones métricas y proporciones basadas
en las medidas del hombre).
Es importante entender que estos edificios constituyen el punto de giro hacia la variante
“brutalista” (Le Corbusier no era brutalista), que impregna la arquitectura del autor a partir
de los años ‘50 conjuntamente con una intensa poética puesta de manifiesto en el juego de
volúmenes.
Obras:
 - La Unidad de Habitación (1947-1952) Marsella, Francia. Una propuesta de ciudad
moderna, se pensaba como una pieza dentro de un conjunto donde la ciudad se iba
a componer de muchas unidades habitacionales. Uso de HA.
- Casa Curuchet (1948), La Plata, Argentina.
- El Capitolio de Chandigarh (1952-1962), India. Esta obra fue una de las más
famosas, con gran expansión. Cuando se le encargó el proyecto urbano de esta
ciudad, se reservó especialmente el proyecto de este edificio. Las otras áreas de
residencias las proyectan otros arquitectos. Al igual que la unidad de habitación de
Marsella, es una buena oportunidad de práctica del uso del HA como se expresa en
sí mismo.
- Monasterio de la Tourette (1953-1960), Lyon, Francia. Edificio de residencias para
monjes de clausura. Todo trabajado en hormigón visto. Tipología de claustro a la que
le hace dos aperturas en el lado donde este debería tocar con la capilla como para
demostrar que el cierre no es tal y que existe la posibilidad abrirse.
- Capilla de Ronchamp - Notre Dame Du Haut (1950-1955) Belfort, Francia. Las
formas crustáceas componen un conjunto, y se afinan todas con precisión para dar
la respuesta acústica visual de un paisaje ondulante.
- Centro de Arte Carpenter - Harvard University (1959-1961), Boston, [Link]. Tiene
todo un juego de una rampa que atraviesa el edificio, recorrido arquitectónico.

Frank Lloyd Wright (1867-1959) → etapa de obras maduras

1939: “La arquitectura orgánica es parte de la Arquitectura Moderna.” “La forma y la función
son una…” Le agrega sus ideas a la arquitectura moderna (mucho más consciente de la
situación, otra manera de afrontar el problema, no solo desde lo funcional). → Paisajismo,
materiales, lo orgánico, entre otros elementos.
La mayoría de sus obras están hechas para un contexto determinado. No trabaja con
células como los arquitectos europeos (post 2GM no hubo los mismos problemas en
EEUU).
Obra póstuma:
- Museo Salomón Guggenheim (1943-1959), New York, [Link]. La visión usoniana
llega a su completa materialización en su última obra, y una de las más importantes
de su carrera. Un museo de arte moderno construido en pleno centro de Manhattan.
Los croquis datan de 1926, de un observatorio similar. Retoma esa idea y la plantea
en el corazón de NY, dando vuelta el volumen. Lo cierra hacia el exterior, se aísla del
contexto urbano. En el interior no parece ser un edificio cerrado, mediante la luz
cenital (como en otras obras) logra la conexión que desde afuera no se percibe.
Se presentan claramente los principios de su arquitectura orgánica, ruptura de la
caja arquitectónica a partir de la descomposición del volumen, una especie de cono
invertido, desmaterializado a través del uso de cintas o planos concéntricos que
marcan los distintos niveles de la gran sala de exposiciones. Se recorre desde arriba
hacia abajo a través de una rampa que balconea sobre el espacio central, lo que
determina una fluidez espacial a través de los distintos niveles.
La resolución estructural, así como en sus obras anteriores, se da con una audacia
estructural y particular dada por los pórticos de hormigón armado que sostiene la
rampa, y permiten sostener la losas que marcan los distintos niveles, culminando en
el extremo superior definen la cúpula vidriada que permite la luz cenital.
Después de su muerte, la obra se termina, y en la ampliación de 1990-92, se retoma
en concepto de la placa posterior que había propuesto Wright en el proyecto original.
Alvar Aalto → segunda etapa → continuidad y proyección internacional
ETAPA: POSTERIOR A LA SEGUNDA POSGUERRA (periodo de madurez profesional,
recibe encargos importantes para reactivarse).
- Ayuntamiento de Saynatsalo (1949-1952) Saynatsalo, Finlandia. Fue una marca
para su carrera. El modo de abreviar las formas dependían del espaciado rítmico de
las ventanas y del sutil modelado de la fábrica de ladrillos. Pese a las diferencias con
la villa Mairea, las obras tienen el mismo fundamento conceptual: la división en dos
partes agrupadas en torno a un atrio; en este caso, un edificio administrativo en
forma de U y una biblioteca en forma de bloque exento que en conjunto cierran un
patio elevado sobre el nivel del terreno. Esa distinción jerárquica se completa con
cambios de material y estructura.
- Politécnico de Otaniemi (1955-1962), afueras de Helsinki, Finlandia. Emplazamiento
privilegiado. Edificio social de la universidad. Auditorios, salas de conferencia → lo
que le da lo característico al edificio, el perfil. El auditorio por fuera se convierte en
anfiteatro, en verano, haciendo un juego con el mismo techo que se convierte en
gradas en el exterior.
Se destaca el uso del cobre en muchos detalles (columnas del ingreso, losas, etc.).
Tragaluces → recurso muy importante de día. De noche se usa el mismo hueco para
la luz artificial (fuente de luz indirecta casi siempre).
OTRAS OBRAS (agrupadas en diferentes temas que caracterizan la obra de Aalto, en este
período realiza muchas obras en otros países como [Link]., Italia, Francia):
● LA LUZ EN EL ESPACIO: Librería universitaria (1962-1969), Helsinki.
● NATURALEZA Y ARQUITECTURA: Casa de Muuratsalo (1952). Propia, de verano.
● USUARIO Y ARQUITECTURA: Sanatorio Antituberculoso de Paimio (1929-1933).
● CLIMA (frío) Y ARQUITECTURA: Biblioteca Viipuri.
● MATERIALES | CERÁMICA: Casa de la cultura (1952-1958), Helsinki.
● MATERIALES | MADERA: Maison Carré (1956), Francia.
● MATERIALES | MADERA METAL Y CUERO: Villa Mairea y Saynatsalo.
● MATERIALES | MADERA, METAL Y CERÁMICA: Edificio Rautatalo (1953-1955),
Helsinki.

Las apropiaciones locales de la arquitectura moderna en el contexto de la difusión del

International Style
En los ‘40, la guerra interrumpió literalmente las comunicaciones con Europa. Lo cual giró el
foco a EEUU como modelo a seguir (nuevos prismas de vidrio y acero y la vivienda de los
suburbios norteamericanos). Comienza a formarse una nueva centralidad cultural de
poderosas bases económicas y políticas.
La presión del establishment estadounidense sobre el ambiente latinoamericano en el
ámbito de la arquitectura no era nueva; pero el paso decisivo fue dado con la creación del
Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), y especialmente a partir de la construcción
de su sede en 1939. Las acciones de la institución, impulsada especialmente por Nelson
Rockefeller, no estaban desligadas de la política exterior.
Desde los últimos tramos de la década del ‘20, todo el periodo se caracterizó por un
crecimiento de las relaciones con la cultura norteamericana. Una parte de la cultura
arquitectónica norteamericana estaba empeñada en construir una alternativa "americana" al
modernismo europeo, un punto de vista continental que requería vincular la producción
estadounidense con la de otros países del continente.
En los países latinoamericanos, se comenzó a experimentar una transformación notable en
el trabajo profesional relacionada al desplazamiento del modelo de la actividad liberal
individual a favor de la instalación de un nuevo sujeto grupal, tanto en el ámbito estatal
como en el privado. Por ejemplo, en el ámbito público, el Estado comenzó a convocar
arquitectos para la formación de equipos encargados de proyectos puntuales importantes
(ej: Ciudad Univ. de Tucumán). El Estado adoptará a la modernidad como símbolo de la
obra pública.
En la obra privada, los edificios de renta de este periodo expresan la misma preocupación
por un deseado cambio de rumbo desde el despojamiento abstracto del período anterior
hacia un nuevo universo en el que se manifiesta una realidad industrial cuya transformación
y crecimiento se estaban haciendo inevitables. Los grandes paños vidriados, los metales, el
ladrillo, y las maderas reemplazaron cada vez con mayor frecuencia a las masas blancas de
los años precedentes. Por ejemplo, el caso del estudio de Sánchez Elía, Peralta Ramos y
Agostini (SEPRA) expresa muy bien estas nuevas condiciones. Este grupo (que tiene sus
inicios en 1936), luego de un primer período caracterizado por una gran sencillez, y un
empleo sobrio del ladrillo visto, comenzó a emplear una fórmula que tendría gran éxito:
continuaban usando ladrillo visto, eliminaban las aplicaciones decorativas y dejaban a la
vista y enrasadas las estructuras de hormigón armado, respondiendo así a las limitadas
posibilidades de la industria local. Otro ejemplo, el de Mario Roberto Alvarez y sus
asociados adoptaron un vínculo más fluido a los paradigmas norteamericanos que se basó
en una aceptación lógica de la técnica en lo pragmático y en lo simbólico. En su mejor obra
de este periodo, el Teatro General San Martín (1953-1961), posee equipamiento, halls y
servicios modernos. Interior: muebles, luminarias importadas del International Style de
EEUU: la idea de reemplazar el modelo del Teatro Colón por un modelo de teatro moderno.
El international style (architecture simple y sin adornos de formas rectilíneas construidas con
acero, hormigón armado y vidrio) era un signo de "progreso", respuesta a los mayores
valores de los centros urbanos, el programa y la resolución "internacionalista" de los
edificios de viviendas con galería comercial en la planta baja fueron repetidos en numerosas
localidades durante el período. Los elementos aplicados con más frecuencia fueron: el
courtain wall con parasoles metálicos móviles, la planta libre, los potentes pórticos o pilotes
de base, la volumetría de servicios más o menos autónoma, los grandes tanques, entre
otros. Organización, racionalidad, rendimiento económico, univocidad eran valores de la
modernidad que determinaban los proyectos. Su convicción parecía radicar en una profunda
fe en las posibilidades de la técnica como núcleo de modernización.

GENERACIÓN INTERMEDIA / SEGUNDA GENERACIÓN

Modernidad y tradición en EEUU; la generación intermedia; continuidades y rupturas
con el período heroico
Contexto previo a la segunda generación:
Previo a 1945, hay intentos por empezar a ampliar algunos de los puntos básicos del
Movimiento Moderno. Se da una primera revisión, planteada con respeto y voluntad de
expansión de la ortodoxia de la arquitectura moderna de una forma abierta.
- Alfred Roth, Suizo. (1939). Tímidas defensas en valor de la historia, importancia del
contexto, y la necesidad de atender a la escala humana.
- Grupo Austral (Argentina, 1939). Necesidad de que aflore la incipiente tradición del
surrealismo, como antídoto al manierismo, y como recurso para una mejor
integración al paisajismo.
 - J. L. Sert, F. Léger y S. Giedion (1943). Plantean la recuperación de la idea de
monumentalidad (además de verificaciones funcionalistas, la gente quiere que los
edificios representen su vida social y comunitaria). Según Giedion, la
monumentalidad es una necesidad intemporal y la arquitectura contemporánea debe
expresar símbolos en edificios públicos.
- Incluso Le Corbusier, desde los años ‘30 estará señalando tendencias de la
arquitectura después de la 2da Guerra Mundial: por ej: juego de volúmenes
independientes sobre plataformas, en proyecto para el Palacio de los Soviets (1931),
gestualidad conceptual y participación de los usuarios en el plan para Argel (1930).
Sin embargo, al mismo tiempo que se produce, a partir de los ´30 y en especial en los años
´50, una eclosión de nuevas propuestas formales, aquello que aún predomina es el método
y el estilo internacional.

Características de la segunda generación:

- Etapa de transición entre el movimiento moderno, la tercera generación y la
postmodernidad.
- No puede leerse como un código unitario, existe un marcado individualismo.
- Recuperación de la arquitectura como problema individual.
- Valor poético: se distingue de la mera estética de lo formal.
- Arquitectura como comunicación. Poética de las grandes dimensiones:
- 1) simbolismo - metáfora formas escultóricas.
- 2) formas libres y creativas en H°A° y acero.
- Tiende a conjugar la dimensión del pasado con una perspectiva del futuro.
- Relación dialéctica entre historia y utopía | modernidad y tradición:
- 1) la historia sirve para fundamentar el presente.
- 2) el pasado se une con el futuro.
Existe una relación dialéctica entre el componente “historia” (como tradición de lo nuevo, la
dimensión de la memoria como reinterpretación del pasado y el propio movimiento moderno
como parte de la historia) y la componente “utópica” en torno a la tecnología como medio
para lograr nuevas formas y la poética de las grandes dimensiones.
- Componente historia:
La segunda generación de arquitectos toma razones funcionales y desarrolla un lenguaje en
continuidad con el Movimiento Moderno:
→ Se toma como referencia la obra de los arquitectos modernos como otras expresiones
del pasado: para Louis Kahn, Eero Saarinen y Philip Johnson, el máximo referente fue la
figura de Mies van der Rohe en EEUU.
- Componente utópica:
La tecnología como medio para lograr nuevas formas y la poética de las grandes
dimensiones:
→ La referencia más significativa fue la figura de Buckminster Fuller (1895-1983) y su
cúpula geodésica.
→ Desarrollo de Mega-estructuras | Grandes superficies auto-portantes con innovaciones
que despejan grandes superficies destinadas a nuevos programas arquitectónicos |
Metáfora Arquitectónica.
→ Tecnología como medio para lograr las nuevas formas:.
→ Marcada estética mecanicista.
Nuevos postulados y renovación de los métodos de proyecto: Louis Kahn, Kenzo
Tange, Eero Saarinen y Philip Johnson
Louis Kahn (1901-1974), Estonia
1905: siendo un niño se traslada a EEUU con sus padres.
1920: estudia arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Pennsylvania.
1924: se graduó en Penn State.
1928: viaja a Europa donde comienza a trabajar con Paul Cret y otros arquitectos.
1937: abres su propio estudio
1941: se asocia con George Howe (1886-1955), precursor de la arq. moderna en EEUU.
1950: comienza a dirigir la Escuela de Arquitectura de Yale en Connecticut, EEUU. En este
momento es cuando empieza su propia carrera arquitectónica.
Características de su figura:
Recuperación de la historia | Clasicidad moderna.
Resignifica las formas del pasado. Intenta mirar a la historia reinterpretándola, sin imitarla.
Incorpora al movimiento como moderno como parte de la historia.
- no retoma formas o imágenes, sino principios compositivos.
- voluntad de creatividad tipológica según la experiencia histórica del habitar y las
arquitecturas.
- Tradición beaux art: orden basado en el rigor y las leyes de la geometría.
- relación jerarquizada entre los espacios como principios compositivos académicos.
diseño a partir de la planta.
- influencia del M.M. | retoma al movimiento moderno que más que anti-histórico.
- anti-historicista. Principios de la arquitectura orgánica.
- individualidad de la obra: cada edificio es un nuevo programa.
- ejes contrapuestos wrightianos: espacios nodales.
Figura crucial en la transición de la arquitectura norteamericana de los años ‘50 y de todo el
panorama internacional en su evolución de la tradición del Movimiento Moderno a la
llamada situación postmoderna.
Desarrolla la reinterpretación de situaciones que históricamente cabalgan entre el
eclecticismo, el manierismo, el formalismo y la innovación tecnológica. Expresa ansia de
trascendentalismo.
Inicia su intervención en el panorama de la arquitectura internacional cuando ya se empieza
a evidenciar la crisis de la arquitectura del Movimiento Moderno.
Sostiene que los edificios poseen una esencia que determina su solución, que la forma tiene
siempre un papel preponderante → reinterpretación de las reglas de la composición
académica → “background” para modernizar la arquitectura → utilización de ejes principales
y secundarios de composición, recurrencia a la repetición de las formas, a la yuxtaposición,
intersección, inscripción y otros juegos geométricos son los recursos utilizados. También la
recurrencia a las formas simples, conociendo todo su valor simbólico y jerárquico.
Propone una síntesis entre modernidad y tradición, entre la técnica y la memoria a la misma
vez. En su creación de la monumentalidad, abandona el exclusivismo del círculo del
lenguaje moderno para atraer la interpretación de la historia. Lo caracteriza la búsqueda por
lograr la estabilidad clásica y la monumentalidad de las arquitecturas del pasado.
Obras:
- Proyecto Urbanístico Filadelfia (1952-1957) Filadelfia, Pensilvania. Proyecto urbano
inspirado en la ciudad histórica fortificada de Carcasona, Francia, donde las torres
son las torres de estacionamiento. El ayuntamiento y las Torres de estacionamiento
se inspiran en el sistema Tetraédrico de Buckminster Fuller (1895-1983).
 - Galería de Arte de Yale (1951-1953) New Haven, Connecticut. Primera obra
paradigmática del arquitecto. Construcción modular compuesta por volúmenes
prismáticos. Utilizó por primera vez el techo de hormigón con armadura espacial,
dejando al descubierto la iluminación y los conductos de aire acondicionado.
Referencia a B. Fuller en la estructura geodésica interior (base módulo tetraedro).
- Laboratorios Richards Medical Research (1957-1961) Filadelfia, Pensilvania. Este
edificio se considera un hito de la arquitectura. El edificio consta de dos laboratorios
que se articulan mediante la oposición entre: Espacios Sirvientes (núcleos de
comunicación vertical y sistemas de acondicionamiento) y Espacios Servidos
(laboratorios y estudios).
1) Impacto formal de la composición en general y de sus torres en particular.
2) Su articulación e interconexión de espacios.
3) El tratamiento que se hace de la luz.
4) El uso de los materiales y la técnica constructiva. Estructura de hormigón y
cerramiento conjunto al ladrillo y el vidrio.
Componentes estructurales que dan lugar a su lenguaje de la arquitectura:
● ORDEN FUNCIONAL: La función debe dotarse de una estructura independiente,
reconocible visual y estructuralmente.
● RELACIÓN JERÁRQUICA ENTRE LOS ESPACIOS: Sirvientes: rigidos, pesados,
compactos, cerrados, opacos; Servidos: Flexibles, extensos, livianos, abiertos
transparentes. Ej: Galería de arte de Yale, Laboratorios Richards.
● ORDEN ESPACIAL: Topología
● ORDEN FORMAL: morfología: uso de la geometría
● ORDEN DE LAS RELACIONES GEOMÉTRICAS: Tipo organizativo aplicado a
esquemas diferentes. Ej: Espacio Nodal, Centro, Corazón o Núcleo.

Kenzo Tange (1913-2005), Sakai, Japón

Contexto Japón: Japón puso los cimientos de su Movimiento Moderno entre las 2 guerras
mundiales en un selecto número de edificios e incluso estableció puntos de referencia
teóricos: la modernización había supuesto una lucha continua entre unas tradiciones
orientales profundamente arraigadas y unos modelos que se percibían como algo ajeno.
En 1945, momento de la rendición, se necesitaban millones de viviendas y los arquitectos
trataron de abordar el problema diseñando modelos estandarizados, fabricados en serie y
de bajo costo. Japón estaba sometido a la influencia occidental, preparado para la
asimilación del Estilo Internacional.
Tras la 2da GM, Japón aparece como otro foco de gran trascendencia en el panorama
internacional. A partir del Movimiento Moderno, la arquitectura japonesa se destaca en un
primer momento por la adscripción abierta y por un inusitado vigor formal, que se enriquece
a partir del ‘50 con la integración del M.M. con los elementos formales de la arquitectura
tradicional. Todo ello se refuerza con la utilización brutalista de la técnica del H°A°: una
arquitectura que exalta la estructura, con una afinidad electiva entre arquitectura moderna y
arquitectura tradicional japonesa. Se destaca una gran influencia de LC brutalista en
Maekawa, Sakakura y Tange, especialmente en la construcción del Museo de Arte Moderno
de Tokio (1947-1957), de LC.
La arquitectura de Tange, es la mayor expresión de este camino. Toda su obra es una
muestra de una crítica al funcionalismo a partir de la exaltación de las formas estructurales,
como de una voluntad de recuperar cierto naturalismo perdido.
Formación y obra de Tange: Estudia en la Facultad de Arquitectura en la Univ. de Tokio.
1946: Profesor adjunto en la Facultad de Arquitectura en la Universidad de Tokio.
1947: se le encarga dirigir la reconstrucción de Hiroshima.
1949: diseña el Parque y el Centro de la Paz con LC, que constituyen símbolos de la
aspiración humana por la paz.
1959: se doctora en arquitectura, tesis: Estructura espacial en la gran ciudad.
Fundó el grupo de arquitectos japoneses y urbanistas de Metabolismo japonés.
Impartió seminarios en la Universidad de Yale, Princeton, Berkeley y Washington, en el
instituto de tecnología de Illinois y de Massachusetts.
1987: gana el premio Pritzker (galardón internacional más prestigioso de arquitectura).
Arquitectura y tradición:
1) Pretende establecer un nexo coherente entre pasado y presente.
2) Retoma la tradición japonesa y la integra con corrientes contemporáneas de acuerdo con
la sociedad moderna.
3) Arquitectura de contenido espiritual, que alcanza expresión simbólica.
4) Armonía entre entorno natural y construído.
5) Movimiento moderno como parte de la historia, sus primeros trabajos evocan la obra
tardía de Le Corbusier.
Grandes espacios dinámicos.
Economía de formas y materiales.
Exaltación de la técnica-expresionismo monumental (Curtis).
Estructura como factor dominante-integral: simbolismo - metáfora arquitectónica basada en
la tradición.
Sus primeros trabajos fueron inspirados en la obra tardía de LC:
- Edificio Prefectura Kagawa Takamats (1958), Japón.
- Ayuntamiento de Kurashiki (1960), Japón.
Todo este proceso de experimentación, va junto con la occidentalización de la cultura, la
economía y las costumbres japonesas. Aunque será recién en los años ’60 que aparecerán
nuevas formulaciones, la sintaxis racionalista habrá ofrecido una plataforma común y ya en
estos años muestra cómo la arquitectura japonesa va a saber hablar un lenguaje personal y
preciso. Con la aparición de Tange, la arquitectura japonesa deja de ser una exportación
desde Europa y se convierte en un estilo nacional independiente.
El 'milagro económico' de Japón se desarrollaba con tal rapidez que estaba haciéndose
realidad a toda velocidad una cultura brillante y desarraigada.

Eero Saarinen (1910-1961), Helsinki, Finlandia

1923: emigra a EEUU con sus padres
1930-1931: Estudia escultura en la Academia de la Grand Chaumiere de París. Esta
formación va a marcar su arquitectura otorgando plasticidad a sus obras.
1931-1936: Estudia arquitectura en Escuela de Arquitectura de Yale en Connecticut, EEUU.
1936-1950: Trabaja en el Estudio de Cranbrook con su padre.
1937: Comienza a diseñar muebles con un socio y también para la compañía Knoll. Para
esta última diseñó piezas importantes de mobiliario incluyendo la silla "Grasshopper".
1940-1943: Estudia arquitectura en la Universidad de Harvard, donde fue alumno de
Gropius y Breuer.
Características de su figura:
Movimiento moderno como parte de la historia | Retoma la obra tardía de Mies.
Estructura como factor dominante - integral:
- Formas escultóricas | imaginación estructural - optimismo tecnológico.
- Estructura como generadora del espacio.
- Grandilocuencia y exhibicionismo estructural.
Funcionalismo simbólico - arquitectura como comunicación.
Actitud creativa - invención formal:
- Búsqueda expresiva - audacia constructiva.
- Simbolismo - metáfora arquitectónica.
- Imaginación tectónica - la forma constructiva así como el carácter material forman
parte integral de la expresión arquitectónica.
Obras: su obra a pesar de basarse en la arquitectura moderna, y de difundir el Estilo
Internacional en EEUU, se mueve entre dos polos muy diversos:
● Obras estrictamente racionalistas a base de formas rectas y simples de ascendencia
miesiana:
- Edificio para General Motors - Centro Técnico (1946-1955) Warren, Michigan.
Influenciado por Mies el edificio está inspirado en el IIT de este. Fue su primer
trabajo importante, lo hizo en colaboración con su padre que sigue el estilo
racionalista de Mies. Cubos y prismas que incorporan el acero y el vidrio pero con
tonalidades de azul.
● Obras exageradamente expresionistas, simbolistas y ornamentadas, basadas en el
alarde estructural, en las formas libres y orgánicas:
- Hooker Rink - Yale University (1958) New Haven, Connecticut. Metáfora
Arquitectónica: la quilla del patín. Plasticidad. Forma estable de doble curvatura que
le da a esta pista de hielo su forma distintiva. Estructura de tensión: soporta un techo
de roble a través de una red de cables de acero suspendidos de un arco de H°A° de
90 m. La estructura del techo resultante es capaz de abarcar la pista de patinaje
sobre hielo de 61m x 26m sin apoyos → espectadores sin obstáculos visuales.
- Aeropuerto Int. Kennedy (1962), New York, EEUU. Metáfora arquitectónica: un
pájaro levantando vuelo. Plasticidad. Formas orgánicas, dinamismo como inspiración
principal. Estructura de H°A: gran cubierta especie de bóvedas de crucería con una
red de acero como armadura. Dividida en cuatro secciones que permiten el paso de
luz cenital y alivianan el peso visual de la estructura. Bóvedas sostenidas por cuatro
pilares en forma de Y, tiene una idea exagerada de dinamismo estructural espacial.
Fue uno de los primeros arquitectos de después del Movimiento Moderno que intentó
incorporar la metáfora a la arquitectura contemporánea, situando como secundarias las
exigencias funcionalistas.
En este segundo grupo de obras predomina una mentalidad constructiva próxima a la de
Tange. Busca nuevas formas estructurales y de cubrición, utilizando nuevos materiales
(hormigón armado), recurriendo a claras configuraciones organicistas y referencias
simbólicas. Lo que lo diferencia de los estructuralistas como Tange es que las cuestiones
estéticas o simbólicas saben estar siempre por encima de las meramente estructurales,
materiales o matemáticas. La búsqueda de formas curvas va más allá del cálculo y las leyes
de la estática para explorar aquellos recursos más expresivos, monumentales y creativos.
Además, superó uno de los prejuicios de la ortodoxia del Movimiento Moderno, al usar
diferentes materiales en el mismo plano, y usar el mismo material para cosas diferentes.
Philip Johnson (1906-2005), Cleveland, Ohio, [Link].
1923-1930: estudia filosofía en la Universidad de Harvard.
1930-1936: primer director del Dpto. de Arquitectura del MoMA (NY).
1932: organiza la Exposición “International Style” junto a Hitchcock en el MoMA, donde
conoce la obra y a los arquitectos modernos. Manifestó sus concepciones arquitectónicas.
1940-1943: Estudió Arquitectura en la Univ. de Harvard siendo alumno de Gropius y Breuer.
1942-1946: abre su propio despacho en Cambridge, [Link].
1946-1954: director del Depto. de Arquitectura del MoMA (NY), donde dedicó exposiciones
a arquitectos como Mies Van der Rohe.
1954-1958: Colaboró con Mies Van der Rohe para la construcción del "Seagram Building".
1979: recibió el premio Pritzker.
En el primer período de su carrera podemos situarlo como uno de los arquitectos que
comparte las ideas que hemos expuesto: “Las formas engendran más formas, mientras que
las ideas apenas si ejercen influencia sobre ellas.”
MANIERISMO ARQUITECTÓNICO HISTORICISTA → absorbe de todas las tendencias
arquitectónicas para crear un lenguaje.
SINTAXIS MIESIANA CON FINES DECORATIVOS: FORMALISMO | Esta primera época de
su obra, está absolutamente inspirada por la obra de Mies van der Rohe tardía en [Link].
- Casa de Cristal / Glass House, (1949), Connecticut, [Link]. Inspirada en los croquis
dibujados por Mies Van Der Rohe en 1945 para la casa Farnsworth. La decisión por
parte de Johnson de ocultar la estructura mediante la manipulación superficial iba a
caracterizar su trabajo durante la década siguiente. Defendió la edificación como
espacio acotado cuya cubierta ideal era la fachada cortina (de cristal), para encerrar
dentro de sí el volumen puro, rechazando los añadidos ornamentales.
- Computing Laboratory (1961-1962), Brown University, Connecticut, [Link]. Inspirado
en el Crown Hall de Mies.

TERCERA GENERACIÓN
La "Tercera Generación" de arquitectos modernos: Alison y Peter Smithson, obra
teórica y arquitectónica. El Nuevo Brutalismo: ética o estética (R. Banham). James
Stirling; Giancarlo De Carlo; Carlo Scarpa.
La llamada “tercera generación” sería la formada por arquitectos de entre 1907 y 1923, y
que empezaron una actividad arquitectónica destacable hacia 1945-1950.
La característica esencial de esta tercera generación es el intento de conciliar voluntad de
continuidad respecto a las propuestas de los maestros del Movimiento Moderno y, a la vez,
el impulso de una necesaria renovación.
Para comprenderlos, es necesario abordar sus producciones desde los problemas urbanos
y los arquitectónicos.
Arquitectura y urbanismo de los años ‘50: produce un cambio de paradigma formal → de la
destacable exclusividad del modelo maquinista se va pasando hacia un modelo abierto en el
que el contexto, la naturaleza, lo vernáculo, la expresividad de formas orgánicas y
escultóricas, la textura de los mismos materiales, las formas tradicionales y otros factores
paran a predominar.
Se va dejando de tratar edificios aislados en la ciudad y se comienza a utilizar el término de
ambiente urbano, pensando los edificios más integrados al contexto topográfico y urbano.
Los edificios se piensan y realizan sobre plataformas, lo que otorga una mayor
monumentalidad a la arquitectura. Lo vemos utilizado en Brasilia, Chandigarh y en muchas
obras de Kahn y Utzon, que muestran que la arquitectura ya no se dispone sobre la ciudad
como volúmenes autónomos y respetuosos, sino como volúmenes singulares relacionados
entre sí, sobre grandes zócalos urbanos. El espacio urbano entre edificios es muy
importante, ya que es el espacio colectivo por excelencia y cualifica a la ciudad moderna.

Nuevo Brutalismo
Aproximaciones teóricas → Banham
El Brutalismo en arquitectura ¿ética o estética? de Reyner Banham. → Una obra
imprescindible para el abordaje de la arquitectura europea de ese momento, en la que se
pone de manifiesto la clara intención del autor de elaborar desde el texto los fundamentos
teóricos de este movimiento. Se explican los orígenes del término y de la corriente, y obras.
Referencias y antecedentes → Mies y Le Corbusier
Los aportes de la arquitectura corbusierana y miesiana, que plantean la relación que se
establece entre las primeras obras del movimiento y una conjunción de conceptos y formas
extraídos de estos maestros en dos de sus obras paradigmáticas:
- La Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952) → material → béton brut
(superficie tosca, relación entre huella del encofrado y del edificio, textura
arquitectónica).
- Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago → honradez y honestidad de materiales
→ acero, vidrio y ladrillo.
A su vez, el término “brutalismo” fue acuñado por primera vez por Hans Asplund para
describir Villa Göth (1949) de Bengt Edman y Lennart Holm.
Impulsores del brutalismo → Alison y Peter Smithson
Alisan y Peter Smithson, una joven pareja de arquitectos que eran miembros del Team X,
con algo de ayuda del crítico Reyner Banham, se abandonaron a la sensibilidad del 'Nuevo
Brutalismo', un término que indicaba su fascinación por la dureza de la vida de la clase
obrera británica y por el 'art brut' de Dubuffet, así como su rechazo de esa versión
devaluada de la arquitectura moderna que estaban viendo construir.
Las new towns fueron el punto de arranque de las actividades críticas de los jóvenes
arquitectos británicos Smithson que basaron sus propuestas teóricas en la crítica a esta
experiencia generadora de unas nuevas ciudades que pronto se mostrarían como carentes
de vida e identidad.
En las reuniones posteriores del Team X (en las que tuvieron un papel fundamental), los
Smithson iban a descubrir que gran parte de su entusiasmo y sus dilemas eran compartidos
por los demás miembros, a pesar de sus variadas procedencias.
Entre los conjuntos de viviendas construidos realmente en este periodo en Gran Bretaña,
los cluster blocks o 'bloques arracimados' encarnaban con toda claridad una nueva postura.
Se trataba también de un intento de formar una nueva imagen de la comunidad, adecuada a
los problemas de la reconstrucción urbana de posguerra, un empeño en el que iba
quedando cada vez más claro que lo nuevo y lo viejo debían tener una relación simbiótica
más compleja que la propuesta por el urbanismo 'diagramático' a base de bloques.
R. Banham, A. y P. Smithson, E. Paolozzi, Henderson y otros formaron el grupo Siglo XX.
Los unía el interés por el Art Brut de Dubuffet, la admiración por el béton brut de LC, la
pureza estructural de Mies, el estudio de las pinturas del expresionismo abstracto de J.
Pollock y sus propias obras.
Realizan la primera obra considerada "brutalista":
- La Escuela Secundaria de Hunstanton (1949-1954), Norfolk. Obra dque más
fielmente expresaba las ideas clave de lo que a posteriori se denominó Nuevo
Brutalismo. Realizada como una consecuencia de las formas de Mies (ITT) y
 resuelta según una planta ordenada y simétrica, en los interiores del edificio son los
elementos estructurales, de uso y de instalaciones, los que totalmente vistos y
desnudos, otorgan cualidad y expresión al espacio. Estética de almacén o fábrica.
Exposición de la estructura del edificio, valoración de los materiales por sus
cualidades inherentes y la expresión de cada uno de los elementos técnicos.
Claridad formal y cubrición del edificio con superficies acristaladas hace al edificio
sencillo e inteligible. Lo que causó efecto más profundo fue la actitud para el uso de
materiales.

Características del estilo brutalista

Movimiento de los años ‘50 → respuesta brutalista al Nuevo Humanismo que consistió en
respaldar al antiguo humanismo.
Método → revaloración de los edificios más avanzados de los años 1920-1940, cuyas
lecciones (a causa de algunas grietas aparecidas en las superficies) habían sido
rechazadas. Igualmente, ejercieron efecto ciertas lecciones sobre el empleo formal de la
proporción y el respeto por el valor sensorial de cada material (de los japoneses).
El respeto y amor a los materiales, como un modo de realización de la afinidad que puede
establecerse entre los edificios y el hombre, está en la raíz del movimiento.
Uso del acero y concreto reforzado funcional, elementos modulares. Uso masivo del
cemento como material de la construcción para resaltar el poder de la estructura en
conjunto con las distintas formas plásticas trabajadas y conformadas en detalle. Volúmenes
robustos y acentuados. Formas sencillas. Marcado carácter práctico → funcionalidad.
"Toda consideración sobre el Brutalismo puede resultar errónea si no toma en cuenta el
hecho de que el Brutalismo intenta ser objetivo con la realidad, los fines culturales de la
sociedad, sus exigencias, sus técnicas, etc . El Brutalismo se enfrenta con una sociedad de
producción masiva…" Smithsons.

James Stirling (1926-1992) Glasgow, Escocia

1945-1945: se formó en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Liverpool donde
entró en contacto con ideas de Colin Rowe (historiador sumamente consciente de los
valores utópicos y simbólicos existentes en la arquitectura de los ‘20) e influido por estas.
1950-1952: cursó urbanismo en la Esc. de Planificación Urbana e Inv. Regional de Londres.
Arquitecto insatisfecho con la diluida arquitectura moderna de los ‘50 en Gran Bretaña.
Etapa inicial: en la tradición moderna disfruto de emplear referencias y citas pero sentía (al
igual que los Smithson) la necesidad de recargar la arq. moderna inglesa y de enriquecerla
mediante el contacto con las tradiciones anteriores.
Tenía pleno conocimiento de la polémica brutalista pero se mantuvo a cierta distancia del
grupo principal.
- Edificio de Ingeniería de la Universidad de Leicester (1959-1963). Leicester, Reino
Unido. Torre esbelta sobre patas salientes que se eleva por encima de las formas en
voladizo de los auditorios y se unía al bloque bajo de los talleres de ingeniería. Uso
del ladrillo y no del hormigón, no se usa el hormigón al exterior debido a que las
propuestas que se pensaban en el momento no eran apropiadas para el clima
británico en esta región. Juega con el vidrio en la torre y en la planta industrial junto
con una estructura metálica generando una espacialidad particular, iluminada.
Giancarlo De Carlo (1919-2005), Italia.
1942-1949: cursó sus estudios de arquitectura.
Fue miembro del team X participando de forma activa.
Obras:
- Colegios Universitarios de Urbino (1962-1968), Italia. Propuesta bastante exitosa en
una ciudad con características particulares. Proyecto que tiene que tener mucho
cuidado con las preexistencias (medievales). La topografía también es importante
(operar sobre el territorio). Las universidades se empleaban a menudo como
microcosmos de los ideales urbanísticos, al igual que había ocurrido en los años de
entreguerras. En este caso, los edificios se disponían sobre la cima de una colina
baja y se abrían en abanico para aprovechar al máximo las vistas y armonizar con
los alrededores. Aunque la forma reflejaba probablemente las ideas 'orgánicas' de
Aalto, se trataba también de una reformulación moderna de algunos de los
elementos y espacios típicos de las ciudades medievales italianas. Se convirtió en el
principal foco social, y se hizo todo lo posible para expresar la jerarquía de las
células individuales y de las funciones sociales.

Carlo Scarpa (1906-1978), Italia.

Arquitecto diplomado en la Academia de Bellas Artes en 1926. Era un diseñador que
entendía que la tradición y la modernidad podían entrelazarse. Trabajando a veces a una
escala diminuta e intrincada, recurre a un vasto universo de formas procedentes de muchas
épocas. Era un artista que difícilmente se integraba en escuela alguna
Comprendió que la artesanía italiana en piedra, yeso, madera, acero, vidrio y hormigón
podía usarse para destilar su extenso depósito de impresiones en los materiales. Su
arquitectura se deleitaba en la estratificación, las capas y la interacción dinámica de los
planos. Wright fue una influencia clave en su formación, pero también lo fueron la pintura de
De Stijl y las arquitecturas antiguas de Japón.
Una parte fundamental de su actividad fue la restauración y reutilización de edificios
antiguos, y en este campo desarrolló un método de yuxtaposición de niveles y fragmentos
nuevos y antiguos que realzaba el significado de ambas cosas, y que hacía que el
observador tuviese la sensación de atravesar estratos de tiempo.
En una época en que la cuestión de enfrentarse a un contexto histórico -a la escala de un
objeto, de un edificio o de un trozo de ciudad- corría el riesgo de degenerar en una imitación
directa de lo antiguo, Scarpa fue capaz de demostrar que era posible crear una'
contraforma': un 'marco' para el pasado que se armonice en algunos aspectos, pero que se
aparte en otros.
Obras:
- Museo Castelvecchio (1956-1964), Verona, Italia. Unión de dos de los edificios,
donde se acentuaba el tema de la ruptura mediante una mampostería dentada y
unas plataformas de hormigón salientes. Los trazados contrapeados de los forjados,
los pavimentos y los muros de enfoscado rugoso contribuyen a crear un sobrio
entorno para las obras de arte, exhibidas sobre pedestales de acero sin tratar.

REPASO:
● Primera generación → son los protagonistas del M.M. que nacieron alrededor de
1885 y comenzaron a desarrollar sus obras en torno a 1910. → Gropius, Le
Corbusier, Mies van der Rohe, Asplund, Mendelsohn, Rietveld, Meyer, Oud, Neutra,
Aalto, entre otros.
 ● Segunda generación → arquitectos nacidos hacia 1900 y comenzaron a desarrollar
su obra en 1930. → Kahn, Tange, Saarinen, Johnson.
● Tercera generación → arquitectos nacidos entre 1907 y 1923 que empiezan su
actividad arquitectónica hacia 1945-1950. → Alison y Peter Smithson, Kahn, Scarpa,
Gardella.

La arquitectura italiana de la posguerra: teoría y praxis. Ernesto Rogers; Ludovico

Quaroni; Ignazio Gardella.
Contexto:
Bajo el fascismo, el desarrollo del movimiento moderno internacional se había visto
relativamente libre de interferencias políticas opuestas. En Italia se produjo una notable
continuidad entre la arquitectura anterior y posterior a la 2da Guerra Mundial, pero hubo
también fuertes presiones revisionistas. Puesto que la mayoría de los arquitectos modernos
italianos habían sido firmes defensores del fascismo, la profesión se sintió obligada, tras la
caída de ese régimen, a buscar una nueva identidad arquitectónica. Los arquitectos se
vieron envueltos en una sucesión de debates ideológicos que abrieron la tradición moderna
a nuevas interpretaciones. En estos debates, Milán y Roma representan dos polos
opuestos:
- Los arquitectos milaneses seguían el racionalismo de preguerra establecido por
Pérsico y Pagano, asociando así este estilo con la política izquierdista (Fascismo).
- En Roma, la crítica a los racionalistas la organizó Bruno Zevi, quien defendía una
arq. más humana que siguiese el ejemplo de Wright y Aalto → arquitectura orgánica
→ arq. para el hombre, moldeada según su escala y sus necesidades psicológicas.
La crítica de Zevi apuntaba tanto al neoclasicismo como al racionalismo, sin
embargo compartía la mayor parte de los ideales de los racionalistas, en particular el
de crear una arquitectura genuinamente moderna en la que el progreso social y la
innovación técnica fuesen de la mano.
Con el inicio de la Guerra Fría en 1947 los cristianodemócratas de centro-derecha
retomaron el poder. Lejos de iniciar un programa de reforma social y modernización técnica,
este gobierno centró la prioridad en torno a la reducción del desempleo que provocó el
efecto de inhibir el avance técnico en un sector mayoritariamente anclado todavía en un
nivel preindustrial. En 1949 se creó el INA-Casa, un plan de intervención estatal con el
objetivo del crecimiento del empleo, facilitando la construcción de viviendas obreras.
En los años postguerra, la arquitectura estará relacionada con la reconstrucción política,
económica y social, y definida por el liderazgo de arquitectos procedentes de las clases
altas y con una especial preocupación social.
Arquitectura italiana → finales de los ‘40 y principios de los ‘50:
En este contexto surge una enorme diversidad de corrientes arquitectónicas potenciadas
por la diversidad cultural y urbana y por las distintas posiciones políticas. Corrientes
arquitectónicas que se dan en torno a una lucha por la realidad en la arquitectura del
momento, primero en Roma con el neorrealismo y después en Milán con el contextualismo).
→ Milán → el contextualismo: intención de una arquitectura que respondiera a su contexto
urbano. Fomentado por Ernesto Rogers: abogaba por una arq. que, aún permaneciendo
explícitamente moderna en sus técnicas, respondiese formalmente a su contexto histórico y
espacial → una arquitectura basada en una realidad más existencial que [Link] ej:
el grupo BBPR (formado por Rogers y sus socios), en el edificio de oficinas de la Piazza
Meda en Milán (1958-1969), no tratan de imitar su contexto, sino crean uno análogo.
→ Roma → el neorrealismo: surge como la materialización en la revalorización de la ciudad
existente y de la arquitectura popular. Basado en la expresión de esta voluntad de
aspiración al realismo y a la comunicación. Relacionado al estado artesanal de la industria
de la construcción y al plan INA-Casa. Iniciado por Mario Ridolfi y Ludovico Quaroni en una
serie de proyectos de vivienda como el del barrio Tiburtino en donde hacían uso del
vocabulario constructivo basado en el Manuale dell' architetto de Mario Ridolfi (1946) por el
Consejo Nacional de Investigación, que pretendía crear un esperanto vernáculo que fuese
comprendido por la gente corriente.

Ernesto Rogers (1909-1969), Milán, Italia.

Era el gran teórico del momento hasta la llegada de Aldo Rossi. Sus escritos constituyen el
más importante punto de referencia de la cultura arquitectónica de los años 50 y 60. Tanto
por la enorme coherencia y solidez de sus planteamientos, como por la decidida voluntad de
continuar las ideas de Movimiento Moderno, actualizándolas y contextualizándolas con la
realidad de la arquitectura italiana.
Coloca la idea de crisis en el centro de sus planteamientos. Lucha contra el conformismo
moderno y la visión fenomenológica le sirve para comprender la variedad de modos de
habitar. Dos conceptos aparentemente contrapuestos, se sitúan en el centro de sus ideas y
de la situación de la arquitectura tras la II Guerra Mundial: continuidad y crisis.
Uno de los conceptos que Rogers re-introdujo en la cultura arquitectónica italiana fueron la
tradición, historia y monumento.
Otro elemento es la ética. Mantuvo una lucha feroz contra todo formalismo y sostuvo
siempre una defensa de las actitudes éticas, de la voluntad de realismo y de la
responsabilidad del intelectual. Para él la nueva arquitectura debía fundar sus bases sobre
la ética y el humanismo.
Para Rogers, el papel del intelectual se sitúa en el establecimiento de un equilibrio, entre la
tradición – como cúmulo del esfuerzo humano – y la modernidad – como ansia y necesidad
de transformación y mejora colectiva. El intelectual y el artista tenían la responsabilidad de
rehacer el tejido cultural nacional escindido por la II Guerra Mundial.
Obras:
- La Torre Velasca (1958), Milán, Italia. Es la máxima expresión de la reflexión de
Rogers sobre las preexistencias ambientales (visión más respetuosa con la ciudad
tradicional) y el mayor símbolo de los cambios que se están produciendo en la
arquitectura italiana de los años ‘50. Perfecta síntesis de tradición y modernidad.
Aunque tenga evidentes resonancias históricas, se trata claramente de una tipología
moderna (el rascacielos) realizado con una estructura avanzada y definiendo una
planta moderna, libre y flexible.

Ludovico Quaroni (1911-1987), Roma, Italia.

Neorrealista (influido por el neorrealismo del cine italiano), trató de producir una imaginería
enraizada en la conciencia proletaria y en la 'realidad urbana cotidiana'. Junto con M. Ridolfi,
son las dos personalidades más importantes de la arquitectura de la posguerra en Roma.
Obras:
- Plan INA, Casa para el barrio Tiburtino de Roma (1949-1954), Quaroni y Ridolfi.
Se trataba de un intento de actualizar la construcción vernácula sobre la base de
una ideología populista y mediante un compromiso deliberado con los problemas de
los pobres de origen rural que fluían hacia las ciudades italianas. Los bloques de
 pisos se colocaban según una planta irregular y estaban rematados por cubiertas
inclinadas 'mediterráneas'.

Ignazio Gardella (1905-1999), Milán, Italia.

Neorrealista. Tradición ligada al neoclasicismo burgués.
Obras:
- Viviendas para los empleados de Borsalino (1948-1952), Alessandría, Italia. Edificio
de viviendas forrado de ladrillo, tenía aleros afilados y muy salientes, muros oblicuos
con superficies tersas y persianas de tablillas de madera enrasadas con las
fachadas; y lograba transmitir una cualidad doméstica sin caer en el
neo-vernaculismo simplista, y sin sacrificar la tensión conceptual y visual.

La influencia teórica de los italianos en Argentina a fines de los años ‘40.

El neorrealismo es la corriente que influye en forma directa en Argentina. Italianos que
llegan a Argentina después de la 2da Guerra Mundial porque eran fascistas y no los querían
en Italia.
1948 → Escuela de Arquitectura de la Universidad de Tucumán (una de las únicas
Universidades que no estaba ligada al peronismo por ello tenía mucho presupuesto p/
reorganizarse y tenía mucha investigación además de enseñanza).
En esta escuela enseñaban, además de Caminos, Sacriste y Vivanco, entre otros, varios
arquitectos destacados italianos invitados por Vivanco: Cino Calcaprina, Luigi Piccinato,
Enrico Tedeschi, Ernesto Rogers y el ingeniero Guido Oberti. Este grupo de arquitectos
argentinos e italianos pertenecían a los grupos de vanguardia de sus países: Grupo Austral
(argentina) y Arquitectos de posguerra nucleados en la revista Metron (italia).
La importancia del aporte italiano radicó en el fundamento teórico con que apoyaron su
enseñanza:
- 1° número de la revista Metron (1945) → Tedeschi, haciendo reseña a “Hacia una Arq.
Orgánica” de Zevi, había sintetizado el pensamiento de la 2da generación de arquitectos
modernos, aquella que autotilulandose orgánica, afirmaba una tendencia que
indudablemente se estaba concretando en todo el mundo (arq. europea como americana).
Tedeschi precisaba, siguiendo a Aalto, que la funcionalidad mecánica y abstracta nace de
una completa valoración del hombre en sus necesidades materiales pero también en las
psicológicas y espirituales. En el mismo número, Calcaprina ya planteaba la necesidad de
enfocar el problema de la vivienda no solo desde el punto de vista técnico, sino como
problema primordialmente político, aunque también social, higiénico y económico. Estas
ideas proclamadas en Metron, desembocaron dos años después en Roma en la realización
del Congreso Nacional de la Asociación por la Arquitectura Orgánica, que atrajo a los
mejores arquitectos y críticos italianos de entonces: Calcaprina, Tedeschi y Piccianto, Figini,
Peresutti, Argan, Zevi, Ridolfi. y como era de suponer los dos primeros miembros honorarios
fueron Wright y Aalto.
Esta labor intelectual comenzada en Italia tuvo dos concreciones posteriores de gran
importancia para la teoría de la Historia de la arquitectura (Tucumán, 1951):
- Calcaprina tradujo “Saber ver la arquitectura” de Zevi, cuya versión original era de 1948;
- Tedeschi escribió y editó en la Universidad de Tucumán su introducción la Historia de la
Arquitectura que pudiendo considerarse como la profundización ilustrada de la obra
polémica de Zevi, tuvo el mérito especial de haber abierto el debate (no concluido todavía)
sobre el problema del método.
Los latinoamericanos en el debate de la Posguerra
Generación progresista: se formó bajo circunstancias políticas difíciles y polarizadas y vivió
intensamente en su juventud los antecedentes de la Segunda Guerra Mundial. Rotos los
lazos con Europa, sin modelos claros de referencia, buscó refugio en expresiones
individuales ensimismadas y cercanas al arte plástico. Fue una generación que ejerció
plenamente su profesión en la posguerra, en ciudades en franco crecimiento y
transformación, cuando la arquitectura se convirtió en un vehículo privilegiado de
transmisión de ideas y proyectos de desarrollo. Los modernos latinoamericanos responden
con altura a sus desafíos y hacen una de las arquitecturas más interesantes, creativas y
originales de toda nuestra historia. Pertenecen a esta generación arquitectos muy
importantes y reconocidos, como Julio Vilamajó (1894-1948), Carlos Raúl Villanueva,
Wladimiro Acosta, Luis Barragán, Lucio Costa, Henry Klumb (1905-1982), Oscar Niemeyer y
Roberto Burle Marx.
Durante el conflicto bélico, América Latina acogió una migración de intelectuales, entre ellos
muchos arquitectos, expulsados por la Guerra Civil española y por las distintas
persecuciones políticas en Europa. Espectadores lejanos, sin comprender a cabalidad todas
sus implicaciones, los latinoamericanos empiezan a recibir las consecuencias de la guerra.
La situación política latinoamericana no se explica sólo por las polarizaciones que emanan
de la guerra europea; también sigue inercias continentales y nacionales. En muchos países
se produjeron fuertes presiones, inestabilidades y frecuentes golpes de Estado.
A finales de los años cuarenta las luchas de sindicatos, partidos comunistas y grupos
urbanos ejercieron fuerte presión sobre gobiernos nacionales y municipales, pero ya en la
década del cincuenta tenderá a imponerse un liberalismo progresista que oscila entre la
represión de posiciones extremas y la tolerancia por las manifestaciones populares, con
efectos importantes en las ciudades. En la década del cincuenta incorporan el sufragio
femenino los países que no lo tenían y se considera que una verdadera democracia es
aquella en la que el Estado garantiza salud, educación y servicios; es la década por
excelencia de los estados proteccionistas. Este liberalismo político moderno se afirmó
contra los totalitarismos inmediatos pasados y subrayó la idea de América como tierra de
libertad: por eso vinieron aquí todos los refugiados.
La década del cincuenta termina con el triunfo de la Revolución cubana, iniciando procesos
que se desarrollarán en las siguientes décadas.
Para la generación progresista, la idea de plasmar el desarrollo en las realizaciones
arquitectónicas y urbanas se vivió como una tarea de modernización.

BRASIL
Resumir la arquitectura de las décadas de 1940 y 1950 significa hablar de personalidades y
tendencias “estilísticas”. Niemeyer fue el primero en liberarse de los cánones corbusieranos.
Por otro lado, una controlada racionalidad y una cuidadosa elaboración de los detalles, que
asume los principios esenciales de la “brasilidad” arquitectónica (los pilotis, los filtros de luz,
la transparencia y continuidad espacial, la relación con la naturaleza), apareció en las obras
de algunos arquitectos de Sao Paulo, la cual estuvo influida por el entusiasmo del
regionalismo wrightiano.
Otra particularidad original de la modernidad brasileña fue la persistente referencia al
pasado colonial. Esta tendencia regionalista aparece en obras de Niemeyer, Costa, Reidy,
entre otros arquitectos de la vanguardia carioca.
Estas tres alternativas (la plástica de Niemeyer, el orden racional y el regionalismo)
identificaron la arquitectura brasileña.
En la década de 1950 un grupo de arquitectos se propuso romper con los paradigmas
establecidos, experimentando los diversos caminos abiertos por las innovaciones
estructurales, la estética asociada al “brutalismo” (de origen norteamericano y europeo) y la
recuperación de la espontaneidad de la cultura popular. Formaron parte: Reidy en Río de
Janeiro y Joao Vilanova Artigas, Paulo Mendes da Rocha y Lina Bo Bardi en Sao Paulo.
Con la inauguración de Brasilia en 1960 se cerró el ciclo de dos décadas de esplendor de la
arquitectura brasileña, pronto apagada por la dictadura militar (1964-1984).

Lucio Costa → segunda etapa

1957: Proyecta el Plan Piloto de Brasilia junto con Oscar Niemeyer.

Oscar Niemeyer → segunda etapa

Su figura destaca por ser el primero en liberarse de los cánones lecorbusieranos y construir
un lenguaje alternativo, desarrollado desde la escala menor de una vivienda hasta la
dimensión urbanística, con elaboraciones plásticas que culminaron en las mundialmente
reconocidas obras de Brasília, auspiciadas por el presidente Juscelino Kubitschek. Ningún
otro arquitecto brasileño tuvo el apoyo político obtenido por Niemeyer que, a pesar de ser
declarado comunista, colaboró con gobernantes de izquierda y de derecha.
Pone su propio estudio, donde realiza la liberación de cánones mencionada:
- Conjunto recreativo en Laguna de Pampulha (1942-1943), Belo Horizonte, Brasil.
Era una zona de residencias de alto nivel (en esa época que estaba menos
densificado) → hace 4 edificios para consolidar el sector urbano.
1- Casino/museo de Pampulha. Pilotis y rampas, jardinería de vegetación autóctona.
2- Club de Yate. Explota el emplazamiento sobre el agua.
3- Casa de baile. La separa de tierra firme, sobre una pequeña isla. Incorporación de
la curva en la Arquitectura y no solo en el paisaje (esto es lo que horroriza a los
europeos y no lo quieren reconocer como arquitecto moderno).
4- Iglesia de San Francisco. Muros y techos orgánicos.

Affonso Reidy (1909-1964)

Nace en París, Francia.
1926: comienza a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro.
1930: graduación como arquitecto.
Trabajó mucho en la secretaría de vivienda de R. de Janeiro → Muchas obras residenciales.
En varios ejemplos, toma la Unidad Habitación y el Plan para Río de Janeiro de LC y la
hace curva (ondulado y largo), siguiendo el terreno empinado y sus accidentes (se puede
apreciar en un corte de la obra). → muy bien aprovechada la arquitectura fraccionaria (hace
tramos) de esta cinta que había planteado LC en Plan para RdJ.
Obras:
- Museo de Arte Moderno (1954), Río de Janeiro, Brasil. El edificio institucional más
importante de Reidy. Interesante estructuralmente, está colgado. Reidy, en este
edificio, fue el primero en desarrollar un expresionismo estructural basado en el uso
del hormigón armado visto.

Roberto Burle Marx (1909-1994)

Magistral paisajista de esta generación, estudió música y pintura antes de descubrir su
vocación de diseñador de jardines. Estudió la rica flora tropical del Brasil, "un material
abundante y expresivo". Trabajó estrechamente con el grupo heroico de los arquitectos
brasileños de su generación en proyectos tan destacados como el Ministerio de Educación
(1938), el conjunto de Pampulha (1942), el conjunto Pedregulho (1951), el parque de
Ibirapuera (1953) y el Museo de Arte Moderno de Río (1954). Hace además grandes
intervenciones de diseño urbano, entre las cuales las más conocidas son los paseos a lo
largo de las playas de Botafogo (1954), Flamingo (1961) y Copacabana (1970) en Río de
Janeiro y el Parque del Este (1956-1961) en Caracas.
Mezcla de formas barrocas y abstracción, manejo del agua, mirada hacia y desde arriba.

MÉXICO
Mario Pani (1911-1993), Ciudad de México
Arquitecto y urbanista mexicano conocido por su propuesta modernista y basada en las
ideas de Le Corbusier, es el visionario detrás de algunos de los edificios que cambiaron el
rostro de la capital mexicana.
Vivió en Europa desde 1920 donde realizó sus estudios secundarios en París y estudió
arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Fue ahí donde aprendió a ver la
arquitectura como la más importante de las bellas artes y a la vez, algo siempre unido al
urbanismo.
1934: se graduó y revalidó su título en la Universidad Autónoma de México. Armó su estudio
como arquitecto convencional pero también estaba comprometido con la revolución.
Tempranamente recibe muchos encargos por su condición económica (venía de una familia
muy acomodada, de renombre).
1946: fundó el Colegio de Arquitectos de México.
1948: fundó la revista “Arquitectura”, publicada por más de 40 años. Tuvo muchísima
importancia en la difusión en México de las ideas que traía. Fue referente de esta disciplina
al publicar la obra de Mathias Goeritz y Juan O’Gorman, entre otros.
En esta década también dio clases en la Facultad de Arquitectura de la UNAM, lo que llevó
a siempre defender el aspecto práctico de la enseñanza de esta disciplina.
A lo largo de su vida, Pani defendió la arquitectura ante aquellos que la veían más desde
sus aspectos técnicos y menos desde su conexión con las bellas artes.
Su obra está muy ligada a la obra pública, realizó numerosos complejos habitacionales
dentro de los cuales se destaca:
- Centro Urbano Presidente Alemán (1948). Ciudad de México. Conjunto multifamiliar
de doscientas casas destinadas a funcionarios del Estado. Primer centro urbano con
infraestructura y servicios para una nueva forma de habitar. Cambio de paradigma
para vivir la modernidad, con diversidad habitacional, densidad y un vasto
equipamiento urbano. Tipología muy variada porque plantea casas para diferentes
grupos familiares. Existenzminimum, 1 planta, duplex, diferentes situaciones
ambientales, espacios colectivos y de encuentro. Los tres factores trazaron tres
diagonales fundamentales en el zigzag: la visión política y social de un naciente
Estado Benefactor con políticas proteccionistas, la interpretación de ideales
modernos de la arquitectura mexicana y la innovación estructural de una generación
de ingenieros contumaces.
Trabaja conceptos que había visto en el estudio de LC (toma como ejemplo la
Unidad de Marsella), pero adecuados al clima (por ej: circulaciones abiertas ya que
el clima templado lo posibilita), las tecnologías disponibles, las costumbres y
condiciones mexicanas.
Luis Barragán (1912-1988), Guadalajara
Su formación fue de ingeniero, sin embargo, Barragán descubrió que tenía una afinidad más
fuerte por la arquitectura.
1919-1923: Estudió en la Escuela Libre de Ingenieros de Guadalajara, siguiendo los cursos
opcionales para obtener simultáneamente el grado de arquitecto bajo la tutela de Basave.
1925-1926: viajó a Francia y España como parte de su proceso formativo. Asistió a la
Exposición de Artes Decorativas de 1925. Una de las imágenes que más le impresionó en
esa época fue la foto de un jardín diseñado por Ferdinand Bac, que en ese año había
publicado un libro titulado Jardins enchantés, y se inició entonces una relación personal
entre ambos.
A finales de los ‘30, regresa a la Ciudad de México y diseñó una serie de edificios al estilo
internacional, que para entonces había llegado a ser muy [Link]
habitacionales, de tipo funcionalista e inspiradas en Le Corbusier. Estos edificios de
apartamentos genéricos de estilo internacional le dieron el camino hacia el altamente
abstracto y personal trabajo de su periodo de madurez.
ETAPA MADURA:
En los ‘40 comienza a descubrir su estilo más personal por el cual sus posteriores trabajos
serán fácilmente reconocidos. Esta etapa comienza con el Pedregal.
- Jardines del Pedregal (1943-1950). Proyecto del paisaje en un área árida cubierta de
lava volcánica cerca de San Ángel en la parte sur de la Ciudad de México. Su
intención fue crear un área de casas selectas, irrumpiendo lo menos posible en el
paisaje inusual. Actuó como urbanista y arquitecto, diseñando varias casas para el
pedregal y planeando calles, estanques, senderos, y fuentes- siempre con la
intención de proteger las formaciones rocosas naturales.
- Casa Propia Barragán (1947). Tacubaya. ) Estableció muchos de los temas de su
arquitectura madura: volúmenes cúbicos, espacios tranquilos, muros con textura de
colores uniformes, planos ambiguos, variaciones sobre la plataforma, el patio, la
terraza y el jardín secreto. Su arquitectura incorporaba vistas controladas,
transiciones, estanques reflectantes y fuentes de luz ocultas. El mundo exterior se
mantenía apartado tras muros compactos, con huecos mínimos que permitían
vislumbrar unos interiores que se alejaban del desorden.
Luis Barragán se inscribe en el grupo de arquitectos que, al generarse una crisis del
paradigma de la máquina, buscan un nuevo lenguaje apartado de la simplicidad de los
espacios geometrizados, acercándose más a la vertiente organicista con una alta calidad
estética y a una admiración por la arquitectura vernácula, popular y anónima.
Su arquitectura se caracteriza por la recreación de las formas arquitectónicas, lejana a la
calidad tecnológica, a través del tratamiento de los muros con texturas y colores vivos, de
planos puros y paredes agresivas que contrastan con las simplicidades del lenguaje de la
máquina, y del recurso del agua, de influencias mediterráneas y árabes. El uso las paredes
para crear un cerramiento doméstico que envolvieron todo, permitiendo pequeñas vistas del
cielo y un poco más del mundo exterior. Las vistas se concentraban mejor en el patio que
estaba rodeado por altas paredes. El color fue usado en la superficie de las paredes para
efectos espaciales o para expresar estados de ánimo.
Durante los ‘50 en adelante, Barragán se vio envuelto en más proyectos del paisaje y
residenciales. Barragán es mejor conocido por sus casas. Cada casa fue una variación de
un tema continuo. No estaba interesado en la innovación técnica, y estaba contento con un
simple vocabulario de materiales como el adobe y vigas de madera.
VENEZUELA
Carlos Raúl Villanueva (1900-1975), Londres
Arquitecto y urbanista, considerado como uno de los más influyentes y pionero de la
arquitectura moderna en su país.
Nació en Londres hasta 1907 cuando se trasladó a París donde comenzó sus estudios.
1922-1928: se formó como arquitecto en la Escuela de Bellas Artes de París.
1928: viajó por primera vez a Venezuela, conoció Caracas. Luego viaja a EEUU donde
trabajó con su hermano en la oficina de proyectos arquitectónicos con fines educativos.
1929: regresa a Venezuela, se establece allí y comienza a trabajar para el Ministerio de
Obras Públicas.
1937: regresa a Francia y reinició sus estudios en el Instituto de Urbanismo de la
Universidad de París. Pocos meses después, regresó a Venezuela cuando el presidente del
país le ofreció trabajar en la proyección y construcción de la nueva sede de la Univ. Central
de Venezuela, la Ciudad Universitaria de Caracas, la cual sería su obra más destacada.
Otra obra característica es El Silencio. En 1941 el gobierno decidió su reurbanización y en
1942 Villanueva inició el proyecto para la remodelación como ganador del concurso. Se
trataba de la construcción de un conjunto de viviendas populares, inserto dentro del casco
urbano de Caracas, el cual debía cumplir las condiciones necesarias para la vida social
urbana. Lo público en torno a la plaza y la calle, y lo privado mira hacia los patios interiores
de los diferentes bloques, donde hay un mayor aislamiento acústico y del calor.
En su obra se puede encontrar un continuo diálogo entre su formación academicista, su
vinculación a la vanguardia moderna y su profundo sentido del respeto y comprensión de la
arquitectura tradicional venezolana.
Los rasgos más característicos de su obra son: dinámica y espontaneidad en la
construcción, que cobra fuerza con el hormigón visto, su estrecha colaboración con pintores
y escultores y su atrevida utilización de la policromía y un marcado sentido de la de la
composición en gran escala, cosa que le permitió enfrentarse a los grandes proyectos en
que trabajó.

Los aportes del exilio europeo de posguerra

Lina Bo Bardi (1914-1992), Roma, Italia
Durante la década del ‘30 estudió arquitectura en la Escuela de Arquitectura de la
Universidad de Roma.
1939: se graduó y se mudó a Milán, donde se convirtió en editora de la Revista Quaderni di
Domus, después de haber trabajado para Gio Ponti.
Durante la 2da Guerra Mundial se enfrentó a un período difícil después de que su oficina
fuera bombardeada. En ese momento fundó, junto con Bruno Zevi, la publicación Cultura
della Vita, y formó parte del Partido Comunista Italiano.
1946: tras la guerra, emigra a Brasil, se muda a Río de Janeiro, donde expandió sus ideas
influida por una cultura reciente y desbordante. En ese momento su pareja, Pietro Maria
Bardi, conoce a Assis Chateaubriand con quién propone crear un nuevo museo de arte
contemporáneo en Sao Paulo. La pareja se traslada a Sao Paulo, donde establecen su
residencia definitiva.
- MASP - Museu de Arte de São Paulo (1956-1968), São Paulo. Una obra
radicalmente moderna. Estaba presente el tema de la primacía estructural como
generadora de la forma. Como un gran volumen suspendido y sostenido de
marcos rojos, dejando así el nivel de la calle de libre circulación. Esta estructura
porticada permitía extensas salas de planta libre, llenas de luz natural al mismo
 tiempo que reflejaba un carácter monumental, con el fin de expandir la cultura en la
ciudad.
Con un enfoque radical y moderno, todo su trabajo está impregnado de una voluntad de
acercamiento a la cultura y modo de vida popular, de eliminar las distancias entre la "cultura
de élite" y la "cultura popular".
Su repertorio arquitectónico se encuentra impregnado de proverbios modernistas como los
cinco puntos de Le Corbusier: las ventanas corridas, la planta libre, los pilotes, y las paredes
blancas, pero estos son manejados con una simpleza y una claridad casi instintivas. Se
destacó por comprender la cultura brasileña desde una perspectiva antropológica, atenta a
la convergencia entre vanguardia estética y tradición popular.
- Centro de ocio, cultura y deporte SESC (Servicio Social do Comércio) (1977-1986)
en el barrio popular de Pompéia, São Paulo. Rehabilitación de una antigua fábrica
de barriles de petróleo en un centro de ocio cultural. Una de sus obras más
representativas debido al complejo desarrollo y expresión plástica a través de
minucioso y honesto uso del concreto, esto en armonía con la forma, la
funcionalidad y los demás materiales del entorno y la estructura preexistente.

Antonio Bonet Castellana (1913-1989), Cataluña, Barcelona

Era destacado entre los estudiantes, alumno y discípulo de Sert.
1932: había comenzado a trabajar con Sert y Torres Clavé.
1933: Como estudiante, asistió al IV CIAM, lo que le permitió vincularse con los principales
miembros del grupo, entre los que se contaban Van Eestern, Aalto, Terragni y Le Corbusier.
Los resultados del CIAM (C. de Atenas), influyeron de manera decisiva en su pensamiento.
Desde ese año fue miembro del GATEPAC (1930-1936).
1936: obtuvo el título de Arquitecto.
1937: Sert lo lleva a París a la Exposición. En esa ciudad trabajó en el estudio de Le
Corbusier como discípulo y conoció al surrealista chileno Roberto Matta y a los argentinos
Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy.
1938: viajó a Argentina por la Guerra Civil española y, a partir de sus conversaciones con
estos últimos, fundaron el Grupo Austral (el cual tuvo un rol determinante en el desarrollo de
la arquitectura argentina del siglo XX).
A partir de aquí, su obra se inicia con una serie de proyectos ejecutados en colaboración
con distintos miembros del Grupo Austral, desarrollándose como una de las figuras
centrales de la Arquitectura Moderna argentina de los años cuarenta y cincuenta.
Sobre el entramado racionalista, trata de introducir los valores del surrealismo, con una
mayor preocupación por la psicología individual y un gran interés por establecer una
relación de continuidad con el paisaje, y con las técnicas y materiales de cada zona. Sus
obras señalan la calidad de producción de un arquitecto con sensibilidad y talento, capaz de
trabajar sobre un paisaje natural dominante y revalorizado con la presencia de su
arquitectura. El mejor valor histórico de su obra es haber llevado a la arquitectura moderna
del campo de la abstracción de las formas y las teorías al de una vigencia humanista de
respeto a los hombres concretos. Cuidado por la ejecución, valoración de los espacios.
Ejemplifica la postura de una clase de profesional más ligada a la tradición del “MM” conexa
a la idea del arquitecto como artista, es decir, como gestor individual de una operación
fundamentalmente ligada a una innovación, a una ruptura de los marcos contextuales.
Félix Candela (1910-1997), España.
Arquitecto e ingeniero hispano-mexicano nacionalizado estadounidense. En México desde
1939 a 1971. Tuvo gran repercusión y fama en ese país.
Fue una de las figuras más destacadas del siglo XX en el desarrollo de nuevas formas
estructurales de hormigón armado. Su mayor aportación en el terreno estructural han sido
las audaces estructuras en forma de cascarón generadas a partir de paraboloides
hiperbólicos, una forma geométrica de una eficacia extraordinaria que se han convertido en
el sello distintivo de su arquitectura.
- Restaurante Los Manantiales (1958), Xochimilco, México. Bóvedas características: 4
paraboloides hiperbólicos intersecados entre sí.
- La Fábrica Bacardí (1958-1960), Tultitlán, México. Son un gran registro
arquitectónico y una representación fiel de los postulados de Mies van der Rohe que
fue declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO el año 2001.
La embotelladora es el edificio eje de toda la planta y está formada por seis cúpulas
esféricas de pañuelo colocadas por pares y formando tres filas de forma cuadrada.
Cada una de ellas está delimitada por cuatro arcos que forman parábolas que se
anclan al suelo de forma diagonal. Las gruesas uniones que forman los encuentros
de estas cúpulas están cubiertas con marquetería y cristal, permitiendo el paso de la
luz, al igual que los grandes arcos que delimitan la planta cuadrada. Todos los
espacios están dotados de ventilación y luz natural sin afectar los procesos de
producción.

Vladimir Kaspé (1910-1996), Harbin, China

Arquitecto nacido en la colonia rusa en China (Harbin) y nacionalizado posteriormente en
México. Forma parte de la serie de arquitectos capaces de conciliar la irrupción del lenguaje
formal del movimiento moderno y el sistema internacional.
Estudió con Pani en la Escuela de Bellas Artes de París. Pani (mexicano) lo invita a México
en la época de la guerra.
En México desde 1942, llega como un arquitecto formado y hace muchas obras. Además
fue Jefe de Redacción de la Revista “Arquitectura” (fundada por Pani) hasta 1950.
Kaspé fue profesor en la UNAM, la Universidad Iberoamericana y la Universidad La Salle.
En su producción se destaca una elegancia austera y sin alardes resuelta con escasez de
materiales trabajados con rigor y meticulosidad.
- Centro Deportivo Israelita (1955-1958), México. Claro orden compositivo, el empleo
de formas geométricas simples, regulares, tendientes a la abstracción, racionalidad
constructiva, búsqueda de ligereza y transparencia; todos ellos criterios cercanos a
las ideas funcionalistas y sus variantes minimalistas. Empleo predominante del
blanco y de otros neutros.

Max Cetto (1903-1980), Coblenza, Alemania

Alemán que huye de Europa hacia México.
Estudió en las Universidades Técnicas de Darmstadt, Múnich y Berlín. En 1925 se graduó
como ingeniero-arquitecto dentro de la cultura expresionista alemana.
1938: Llega a México y se queda a vivir desde entonces. A su llegada, colaboró con José
Villagrán García y proyectó diversos edificios y casas para Luis Barragán; a él se deben
muchos de los mejores aportes de la arquitectura de Barragán entre 1938 y 1951-
1945: establece su propio estudio independiente.
1965: inicia su ejercicio docente en la Escuela Nacional de Arquitectura (ENA) (hoy Facultad
de Arquitectura) de la UNAM.
Además de una afinidad natural por lo mexicano, contribuyó de manera decisiva a la
arquitectura mexicana al incorporar elementos europeos.
- Casas en El Pedregal D.F. (1943-1950). El respeto por la naturaleza que lo
caracterizaba y que afianzó con Neutra es evidente en su manera de conciliar el
entorno rocoso con la arquitectura del Pedregal de San Ángel en la Ciudad de
México, donde colaboró con Luis Barragán, y construyó un buen número de
residencias, todas en bella armonía con el agreste entorno natural.

ARGENTINA
GRUPO AUSTRAL
Fundadores: A. Bonet (catalán), Juan Kurchan (argentino), Jorge Ferrari Hardoy (argentino).
Origen del grupo: los dos argentinos viajan a París en la misma época, estaban todos recién
graduados (de la misma generación). Van a pedir trabajo al estudio de Le Corbusier y éste
los invita a desarrollar el mapa de Buenos Aires y no les paga (se quedan igual sin cobrar
porque uno de los 2 tenía una familia que estaba bien económicamente).
Antes de la 2GM se vienen los 3 a Argentina (luego de conocerse en esa época en París)
con la idea de formar un grupo cuyo propósito sea lograr una transformación de la arq.:
Forman el Grupo Austral (1938). → Manifiesto → “Voluntad y acción” (1939), publicado en
una revista. Junto a ellos había muchos otros arquitectos de la misma promoción: Jorge
Vivanco, Horacio Vera Barros, Abel López Chas, Horacio Caminos, Hilario Zalba, Simón
Urigar, Itala Fulvia Villa, Samuel Sánchez de Bustamante, Juan Lepera, Luis Olezza.
Grupo Austral → grupo de acción, idealista, formado no solo para construir sino también
para debatir, polemizar y combatir y además defender sus propias ideas y las de los CIAM.
Construyeron el primer grupo “radicalizado” en la historia de la arquitectura argentina.
Algunos párrafos de los objetivos en el Manifiesto:
“el estudio de la Arquitectura como expresión individual y colectiva; el conocimiento
profundo del H° (...) como motor de nuestras realizaciones; la integración plástica y la
escultura; el planteo de los grandes problemas urbanísticos de la República. Este es el
camino trazado para nuestra acción.” → Siempre estaban en una posición/situación muy
activa ante los hechos de Argentina. Por ejemplo: Terremoto de San Juan.
Preocupaciones: el clima, los modos de vida de la gente, los sistemas constructivos
tradicionales, los materiales locales y la revalorización de soluciones funcionales populares
se esbozan en algunos estudios para viviendas rurales que expresan el deseo de transitar
la búsqueda por otro camino diferenciado del “estilo moderno”.
Tareas que se propusieron encarar:
a) establecer contacto con los grupos similares de otros países e internacionales;
b) estudios particulares y colectivos de los problemas teóricos y prácticos de Arquitectura
Contemporánea;
c) participación del grupo o de una representación suya en los concursos, exposiciones,
congresos nacionales e internacionales;
d) proponer y organizar sesiones culturales a las que serán invitados todos los socios;
e) redactar una revista órgano del grupo;
f) agrupar en torno del grupo a individuos y grupos de distintas actividades (pintores,
escultores, músicos, fotógrafos, médicos, abogados, financistas, sociólogos, etc.)
g) tomar iniciativas para la resolución de todos los problemas de arquitectura de la
República.
Tareas concretas que encararon durante sus casi tres años de existencia:
1) Redacción de un plan para la Ciudad Universitaria de Buenos Aires;
2) Ampliación del grupo y de sus relaciones con otros sectores de la sociedad arg. y del
mundo;
3) Construcción de un pabellón propio permanente en el centro de Buenos Aires;
4) Publicación de una revista;
5) Estudios sobre vivienda obrera;
6) Presentación a concursos.

Sus ideas: Presentación de sus ideas → principalmente en los primeros dos cuadernillos
publicados como suplemento de la Revista Nuestra Arquitectura en junio, septiembre y
octubre de 1939. Se observan allí 3 núcleos novedosos que el grupo introducía:
- La reivindicación del carácter estético de la creación arquitectónica: El surrealismo.
Hasta el momento, el Funcionalismo se había constituido en la Argentina a partir de
una base ética, entendiéndose que la modernización estética sería un producto más
o menos deseado de las nuevas técnicas. Sin abandonar esa base ética, la novedad
de Austral consistió en invertir la premisa heredada, en sostener que sólo a partir de
una nueva estética que permitiera una diversa manipulación de la técnica podrían
resolverse los problemas modernos. Se trataba de ampliar los grados de libertad del
creador tal como lo había conseguido la pintura surrealista.
En consecuencia, las formas heredadas del pasado podían coexistir con formas
contemporáneas, provocando las asociaciones analógicas entre elementos que los
surrealistas buscaban en oposición a las asociaciones lógicas. La adhesión al
surrealismo debió darse por Bonet, quién venía de ser cautivado por compatriotas
como Gaudí, Dalí, Miró y Buñuel. En Buenos Aires los orígenes surrealistas habían
comenzado a marcar la obra de muchos artistas, como Xul Solar o Berni.
- La interdependencia arquitectura - ciudad: consistió precisamente en su propuesta
de articulación entre Arquitectura Moderna y urbanística, por la cual aquella era
concebida como una manifestación particular de ideas generales sobre la ciudad.
Los jóvenes del grupo eran corbuserianos no solo porque concebían sus proyectos
como pequeños fragmentos anticipados de una ciudad futura, sino porque, a la
manera de los viejos académicos, pensaban que era posible y deseable imaginar a
la ciudad como un proyecto de escala monumental. Una de las metas de Austral fue
la promoción del Plan director para Bs. As. Buscaban unir aspectos aparentemente
opuestos: por un lado, la máxima densidad de población y con esto los más intensos
niveles de vida en comunidad, y por otro la integración con la naturaleza postulada
hasta entonces solo desde posiciones anti urbanas.
- El “descubrimiento” del interior del país: la superpoblación de BA era atribuida a un
desequilibrio nacional que podría corregirse con planes de organización y estímulo al
desarrollo regional que evitarán la profundización del éxodo rural (del campo a la
ciudad). A fines de 1939 aparecen los primeros anteproyectos del Grupo, realizados
para un concurso que impulsa el Banco de la Nación para casas rurales en todo el
país. Los integrantes del grupo trabajaron a veces de manera individual, en
pequeños equipos o en algunas ocasiones como unidad.

Obras (siempre se agrupan entre algunos de todos los que conformaban el Grupo Austral,
solo en un proyecto urbano de Mendoza -en el que seguían los lineamientos del CIAM-
estuvieron todos juntos):
 - Edificio Los Eucaliptus (1941), Buenos Aires. J.F. Hardoy y Juan Kurchan. Tratan de
extraer ideas de LC que puedan ser adaptables a las condiciones locales: es
interesante cómo lo receden de la línea municipal, dejando un jardín en el frente.
Otros elementos destacables: parasoles y balcones doble altura. Los eucaliptus se
intersecan con los parasoles. Los departamentos son en dúplex y los 2 últimos
niveles son de la casa de los padres de Ferrari que son quienes encargan la obra.
Estaba construido siguiendo los principios urbanísticos que el grupo le proponía a la
municipalidad en esa época.
- Casas Estudios para Artistas (1939-1940), Buenos Aires. Bonet, Vera Barros, López
Chas. Empieza a aparecer el gesto surrealista que va a tener el grupo. Pensaban
otras dimensiones de búsqueda: vidrieras de cristal curvo, cúpula catalana cubierta y
ladrillo de vidrio como otro elemento moderno. Por un lado, eran de marcada
tendencia tradicional (por ej, lo ligado a los CIAM) y, por otro, dejaban salir esos
gestos surrealistas (habían tomado contacto con pintores surrealistas en París).
- Urbanización “Bajo Belgrano” (1948), Buenos Aires. Equipo EPBA (Estudio Plan
Buenos Aires), Municipalidad de Buenos Aires + G.A. dirigido por Ferrari Hardoy. La
municipalidad les pide este trabajo. Re-estudian las posibilidades de realizar
urbanismo propio del CIAM puesto en juego.
- Sillón “BKF” (1941), Buenos Aires. Bonet, Kurchan, Ferrari Hardoy. Otra faceta del
GA era la producción de mobiliario. Difundido por todo el mundo, ícono de lo
moderno (en Brasil, casas de renombrados arquitectos eran amobladas con estos
sillones, en muchos países europeos también). Hierro y cuero (material que le daba
el toque local).

Amancio Williams (1913-1989), Buenos Aires, Argentina.

1931: Cursó estudios de ingeniería durante tres años.
Fundó luego una de las primeras compañías de aviación del país y más tarde, por no haber
podido seguir adelante con esa empresa, inició la carrera de arquitectura.
1941: egresó de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires.
Sumamente reconocido de la arquitectura argentina. No era muy ético, era muy soberbio,
era muy de lo que él decía (lo tomaban o lo dejaban). Pese a esto, desarrolló una tarea
docente desde los comienzos de su carrera. Su taller se constituyó en un verdadero centro
de experimentación, investigación y enseñanza.
Siempre tenía ideas adelantadas para su tiempo, lo que lo hace un caso único en nuestro
país. Su obra presenta como principal característica una suerte de condición intemporal,
con factores que hacen extremadamente difícil su periodización. La otra característica de su
trabajo es que rara vez logró concretarse, dado que consistió más bien en un extraordinario
conjunto de proyectos y en un puñado de construcciones, en general de pequeñas
dimensiones. Sus trabajos abarcan desde el planeamiento regional y las grandes obras de
arquitectura hasta el diseño de muebles y objetos.
Estableció relaciones con los más importantes arquitectos modernistas de todo el mundo, y
con artistas igualmente modernistas argentinos y extranjeros. Entre los primeros, se
encuentran figuras como Le Corbusier, Walter Gropius, Mies van der Rohe, y los
latinoamericanos Roberto Burle Marx, Emilio Pettorutti, entre otros.
Su obra recibió distinciones en numerosas oportunidades: miembro delegado por la
Argentina en el Congreso CIAM de Bérgamo (1949), premio Konex de Artes Visuales
(Argentina, 1982), entre otras.
Su obra maestra:
 - Casa sobre el arroyo / Casa del puente (1943), Mar del Plata, Argentina. Residencia
veraniega para su padre, se ubica en un terreno densamente arbolado. Principales
ideas: 1) total liberación del piso; 2) respeto por los árboles existentes, y por esa
razón uso de la única superficie libre disponible, atravesada por el arroyo; 3) uso de
la planta lineal con galería, típica de las llanuras pampeanas; 4) un volumen libre en
el espacio, sostenido por la elegante curva de la bóveda del puente (el corte de la
casa reproduce el de un aeroplano); 5) el puente espeja el perfil natural del sitio; 6)
perfección constructiva buscada de manera absoluta.
Otras obras:
- Proyecto rascacielos-edificio suspendido de oficinas (1942-1946), Buenos Aires. El
uso del hormigón armado como estructura principal, y el colgado de sectores de
igual cantidad de pisos de estructuras intermedias, que a la vez albergaban las
instalaciones de servicio, constituyó la idea central de su respuesta.
- Hospitales prototipos para Corrientes (1948-1953), Arg. Donde nacen los paraguas.
Una constitución sistemática de las diferentes áreas con total libertad para su
articulación y con la unificación del conjunto, obtenida mediante la incorporación de
las elegantes bóvedas cáscara que simultáneamente aseguran un adecuado control
climático. Las bóvedas constituyen una sutil construcción conceptual, en las que se
articulan en una nueva “forma estructural” las formas históricas de la bóveda y la
columna. El problema de estas “formas estructurales” estaba siendo abordado por
numerosos investigadores en distintos países, pero él consiguió la solución más
perfecta por su mínimo espesor y porque, además de resolver problemas como el
del desagüe, logró articular en su propuesta la forma circular de la columna con la
forma cuadrada de la cáscara/cubierta. Y este último no era un resultado
insignificante, puesto que permitía utilizar formas tradicionales de cerramiento (lo
que dificultaban los paraboloides hiperbólicos frecuentemente empleados).
- La ciudad que necesita la humanidad (1971-1989). Lo plantea para el Río Paraná.

Mario Roberto Alvarez (1913-2011), Buenos Aires, Argentina.

Racionalista convencido que representa un momento de transición importante entre los
esfuerzos precursores de los años 40 y las más recientes elaboraciones a partir de los 60.
1932: comenzó a formarse como arquitecto en la Universidad de Buenos Aires, donde se
graduó en 1936.
1938: recibió el premio “Ader” patrocinado por la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y
Naturales (por su promedio). Esto le posibilitó viajar a Holanda, Alemania, Francia,
Inglaterra, Bélgica e Italia para estudiar la problemática de las viviendas económicas y de
los hospitales en dichos países.
Participó en un gran número de concursos y fue premiado en varias oportunidades. Sus
trabajos se han presentado en exhibiciones nacionales e internacionales.
Su obra abarca una gran variedad temática: viviendas unifamiliares, edificios de oficinas,
sedes bancarias, sanatorios, teatros, laboratorios, galerías comerciales, edificios de
propiedad horizontal y proyectos urbanísticos.
Posición particular dentro del campo de la arquitectura → Su ideología no es la de las
grandes transformaciones o la del compromiso social, sino la del “hacer” pragmático.
Arquitectura como una forma de producción y organización del trabajo que va desde la
ideación a la realización y el posterior mantenimiento de la obra. Insistir en las calidades de
los espacios, en las proporciones apropiadas según sitios y premisas generales, son parte
de las constantes con que se agudiza la resolución de los detalles para maximizar su
eficiencia técnica y confortabilidad.
Se evidencian 3 etapas en su trayectoria que se corresponden con momentos
históricos-culturales diferenciados y con cambios de orientación en la oficina según se
transforma la complejidad en las encomiendas. → La primera es la que se estudia en este
momento ya que va desde 1937 (cuando termina la obra del Sanatorio San Martín) hasta
1960 (cuando termina el Teatro General San Martín).
PRIMERA ETAPA (1937-1960): se caracteriza por la práctica estético-técnica con carac. de
la modernidad, despojada de toda afección retórica. Búsqueda de síntesis basada en la
economía funcional (con la que ordena las plantas y purifica los muros y las carpinterías).
- Teatro General San Martín (1954-1960) Bs. As. En asociación a Oscar Ruiz y
Kopiloff. Fue proyectado dentro del Plan de Obras Municipales con la atribución de
las facultades otorgadas por la Ley de Obras Públicas. El conjunto se organizó de
acuerdo a un cuerpo de “conceptos rectores”, en los que la racionalidad presidía la
concepción funcional y plástica, y dotaba a la obra de una tonalidad contenida,
evitando el exceso. Se logró componer un conjunto de volúmenes diferenciados,
dentro de las limitaciones impuestas por el predio, de acuerdo con la concepción
inicial de construir en bloques que engloban funciones comunes, y se destacó tanto
la especificad de cometido de cada función como su interrelación con el resto. Se
trató de usar materiales y sistemas constructivos locales en razón y atención a sus
costos o a la fácil provisión. Solución distributiva inédita, superposición de salas.
Gran economía de recursos. Presentó al edificio como un corriente edificio de
oficinas con su fachada de vidrio y acero. Espacio del hall, es la ampliación cubierta
de la vereda a escala de ciudad.

El Peronismo y la arquitectura oficial del "Estado benefactor". Los equipos técnicos

estatales.
Arquitectura del Primer Peronismo (1945-1955). Gobierno peronista (1946-1952).
Contexto:
- Los antecedentes de los años ‘30 y ‘40 representan la llegada de la modernidad. Se
acepta que la modernidad toma impulso en Argentina una vez que el Estado la adopta como
símbolo de la obra pública. Hasta entonces, fue un recurso de innovación y de
vanguardismo de los grupos de avanzada; pero, del peronismo en adelante en 1945, la
modernidad desarrollará la retórica sin retorno a las fórmulas del pasado.
- 4 de junio 1943: Golpe militar en el Ministerio de Trabajo de Juan Domingo Perón.
- 1945: asume la presidencia Juan Domingo Perón.
- Estado fuerte: el estado guía a la sociedad en su conjunto → Estado Benefactor: crear una
fundación de ayuda al pueblo.
- Primer Plan Quinquenal (1948-1952).
- Formación tradicional. Proyectos de arquitectura monumentalista y también moderna.
Arquitectura peronista:
La arquitectura fue un instrumento para la propaganda política. Perón dice que no a la
racionalización constructiva por los problemas que la Argentina tenía de desocupación.
Prefiere la construcción tradicional. Ocupó cientos de miles de mano de obra en poco
tiempo, dando trabajo a miles de familias. Lo hacía a través de los créditos hipotecarios que
generaba el gobierno.
Política de vivienda: cambio total de Estado supera la producción del sector privado. La
postura del profesional se desdibuja ante la dinámica de la acción del gobierno “el estado en
la práctica era el creador de la arquitectura”.
- Las acciones llevadas a cabo por el peronismo (1945-1955) en la ciudad de Buenos Aires,
se basan fundamentalmente en intervenciones de conjuntos de vivienda. En general, estas
adoptaron una localización periférica, mientras que en las zonas céntricas o de mayor
densidad se construyeron puntualmente edificios públicos destinados a otros fines. Las
localizaciones de estos conjuntos representan en parte una elección política, ya que el
peronismo enfatizó la intervención del estado en los sectores urbanos menos favorecidos
anteriormente.
La vivienda propia, “realidad argentina” → por un lado se genera mano de obra y por el otro
se pierde la posibilidad de adoptar sistemas industrializados, también se pierde la
posibilidad de urbanizar los territorios.
Imagen de la arquitectura nacional: chalet de tejas de estilo californiano y muros
blanqueados (se lo consideraba adecuado para el interior del país o para conjuntos
suburbanos en la capital), realización de enormes conjuntos de baja densidad (de alta
incidencia de infraestructura y equipamiento) se realizaron por la excepcional situación
económica del país en la posguerra.
Las imágenes de estos barrios tuvieron mucha difusión en la prensa partidaria y en la
propaganda política, y quedaron fijados en el imaginario social como “arquitectura
peronista”, a la vez que como un signo del apoyo que tal gobierno había brindado a la
vivienda popular, aunque esta articulación de Pintoresquismo y ciudad jardín tenía
desarrollos anteriores en el país.
Ejemplos de obras en torno a los conjuntos de vivienda:
- Conjunto “Presidente Juan Domingo Perón” (1947-1949), Barrio Saavedra, Bs. As.
Fundación Eva Perón + mano de obra pública. Grandes conjuntos modernos.
- Ciudad Evita (1946-1950). Al oeste de la ciudad de Buenos Aires, dentro del partido
de la Matanza. Ciudad pintoresca de viviendas sociales para la clase trabajadora.
Uno de los diseños introducidos en el peronismo en la Argentina fue el monoblock (edificio
multifamiliar, bloque de forma rectangular sin ornamentos ni balcones) estos se ven en las
obras de vivienda social del barrio Los Perales. Las características de su producción fueron:
la adopción de formas cúbicas, el uso discreto de materiales exteriores, la racionalización
de las áreas húmedas, una distribución interior con sectores de uso bien delimitados, la
geometría simple en la generación de fachadas, repetición de proyectos comprobados en
distintas ubicaciones. O sea, un manual de racionalismo aplicado masivamente.
- Además de incurrir en el ámbito de la vivienda, también lo hacía en el de los
equipamientos institucionales, como el caso de las construcciones vinculadas con Correos y
Telecomunicaciones. Los edificios de Correo en Argentina, fueron constituidos como
espacios de extrema relevancia social y cultural, tanto por el servicio otorgado a la
comunidad, como por su implicancia como cara visible del Estado.
- Dirección de Arquitectura de Correos y Telecomunicaciones - Edificio sede distrito V.
(1954-1959), Santa Fe. José M. Spencer y Walter Finkbeiner. Al igual que la sede de
Córdoba, tenían un tipo de matriz corbusierana, con terrazas y emplazados en
extensos espacios públicos.
Incursión del Peronismo en la Arquitectura Moderna:
- Plan de San Juan (1945). Reconstrucción de la ciudad luego de ser devastada por el
terremoto. Respetan las manzanas preexistentes, sólo se abre una avenida.
- Aeropuerto de Ezeiza (1949).
El grupo Onda y el Casablanquismo
Contexto: mediados de la década del ‘50. Casablanquismo como búsqueda de identidad
arquitectónica argentina, en donde la reinterpretación del pasado colonial se combina, y se
relaciona, con los elementos vanguardistas modernos del momento, creando así un único
estilo basado en la síntesis de ambas corrientes.

- La caída del peronismo paralizó las soluciones de obras de carácter social desde el
Estado.
- Notable realización de obras de interés social y la introducción del movimiento moderno en
la arquitectura pública.
- La utopía de los sistemas prefabricados pensada para resolver los problemas de la
vivienda en países no industrializados fue acompañada por la crisis del movimiento
moderno.

Casablanquismo
No se trataba de un “movimiento” sino de una manera concluyente de mirar la arquitectura,
preocupados por las temáticas sociales, una ética en el ejercicio profesional, la búsqueda
de las tecnologías alternativas, el aprovechamiento de los materiales locales y sobre todo el
acento en cualificar los espacios para dar una respuesta vital y enriquecedora. Es un
“momento” más que un “movimiento” arquitectónico.
Los rasgos comunes de esta arquitectura fueron el empleo de la mampostería de soporte, el
privilegio de los llenos y las opacidades en los planos verticales, el uso del revoque
bolseado pintado de blanco, el hormigón visto en losas y algunos detalles (gárgolas,
maceteros, muebles fijos) revestimientos cerámicos, volumetrías articuladas relativamente
complejas y la exclusión de todo gesto o señal de vanguardismo técnico.
En 1964 se realizó en el Museo de Arte Moderno, una exposición sobre arquitectura
argentina que fue denominada “Casas Blancas” enfatizando su carácter de los muros
encalados que constituían un común denominador. La muestra recogió 14 proyectos de
quienes eran docentes de talleres de muy diversas tendencias ideológicas y arquitectónicas.
Reaccionan al espacio racionalista, se caracterizaban por espacios compartimentados,
muros portantes, techo y aleros de H°A°.
A simple vista esta arquitectura es de carácter moderno, donde el predominio del color
blanco se relaciona con el cubismo racionalista y el uso del hormigón visto con las primeras
intervenciones brutalistas de Le Corbusier. Pero en una observación detenida de los
interiores y sus espacios y de las técnicas constructivas, podemos apreciar cómo
comienzan a aparecer los elementos que caracterizaron el pasado colonial argentino. Los
patios internos como organizadores del espacio y los techos inclinados típicos de la vivienda
colonial son los elementos que con más fuerza aparecen, así como también el uso de la
chimenea, las galerías, y los interiores maderiles. El casablanquismo busca generar una
arquitectura más humanista, para el hombre local, respetando sus tradiciones y generando
vínculos con el pasado. Pero sobre todo lograr que este hombre local se sienta identificado
con el espacio que lo rodea, lograr una arquitectura local, pero con estilo internacional.
Obras:
- Iglesia Nuestra Señora de Fátima de Caveri y Ellis (1957), Martínez, Buenos Aires.
Retoma la arquitectura colonial desde una perspectiva moderna diferente a las
tendencias arquitectónicas del país en ese momento. Se proyectó una reflexión
sobre una arquitectura humanizadora, austera, que recogiera el espíritu del lugar, sin
renunciar al espíritu del tiempo, y estos conceptos se irían difundiendo entre
 arquitectos de diversas tendencias y posiciones políticas. Expresaba el deseo de
“vernaculizar” la nueva arquitectura. Esa intención ideológica se evidencia en la
austeridad de los tratamientos y en el manejo de la luz. Cierta influencia
corbuseriana (línea Ronchamp, la Tourette) en el manejo de las luces y texturas, una
especie de síntesis del “brutalismo” corbusierano (materiales a la vista, estética).
Espacialidad organicista. Planta central con locales complementarios pero no del
estilo de las iglesias tradicionales.
* Claudio Caveri (1928-2011) fue el principal representante del casablanquismo. Esta fue su
obra más paradigmática.
Adscripto a grupos católicos. Fundador de la cooperativa Tierra de Trujui a fines del ‘50.

Grupo Onda
Grupo de arquitectos / estudio de arquitectura integrado por: Miguel Asencio (Salta), Carlos
Fracchia (Bs. As.), Jorge Garat (Bs .As.), Lorenzo Gigli (Bs. As.) y Rafael Iglesias (Bs. As.).
La producción del grupo fue realizada entre 1957 y 1974 y se encuadra dentro del
Movimiento de las Casas Blancas. Sus obras abordan el tema de la vivienda individual
suburbana dentro de un lenguaje que toma como referencia al Le Corbusier brutalista y a la
tradición colonial argentina.
Ideas proyectuales recurrentes: cierta complejidad de las plantas y la volumetría, cierta
economía circulatoria relacionada a la exaltación de los recorridos complejos y los accesos
más o menos retorcidos, y una fuerte texturalidad en las superficies de los muros
(principalmente en los exteriores) y pisos. Trabajos austeros, en base a materiales
artesanos. Obras que combinan los muros encalados con losas inclinadas de H.° A.° o
bóvedas catalanas.
Unidad Temática IV - LOS AÑOS ’60. DIVERSIDAD DE PERSPECTIVAS
Los ’60, años de subversión y rebeldía. Las nuevas corrientes del arte. La ciudad como
centro del problema: las propuestas de la Utopía Tecnológica. R. Buckminster Fuller. El
Grupo Archigram. El Metabolismo japonés. Las metodologías de diseño: el simposio de
Portsmouth. Megaestructuras (Banham). Los '60 en América Latina: continuidades y
rupturas con la arquitectura de la modernidad. Argentina: Arquitectura y estado desarrollista,
nuevos programas, nuevas soluciones.

IV. 1 - Contexto cultural:

Los ’60, años de subversión y rebeldía. La Revolución Cubana. La Revolución Cultural
China. Los grandes movimientos pacifistas y antimilitaristas: contra la Guerra de Vietnam; la
Primavera de Praga; el Mayo Francés. La matanza de Tlatelolco en México y el Cordobazo
en Argentina. La carrera espacial en su apogeo. La Revolución Sexual. El rock. El
movimiento hippie. Las nuevas corrientes: Pop Art; Nueva Abstracción; Arte Óptico; Arte
Conceptual; Hiperrealismo. Su relación con las nuevas estéticas de la arquitectura.

Los ’60, años de subversión y rebeldía

Años ‘60 → momento de inflexión y de diversidad de perspectivas en lo cultural, artístico y
disciplinar. Contexto de trastorno y rebeldía cultural. Inestabilidad, época de antisistema,
contracultura.
Contexto:
- Nuevo orden mundial en el clima de la segunda posguerra.
- Revoluciones políticas:
● Revolución China (1949) → Mao Tse-Tung (1893-1976) fundador y líder del
Partido Comunista Chino y fundador y presidente de la República Popular de
China. Bajo su liderazgo, el Partido Comunista confrontó la política de
exterminio anticomunista del Partido Nacionalista, en la primera parte de la
Guerra civil china (1927-1936); impulsó el Segundo Frente Unido para luchar
contra la ocupación japonesa y luego venció a la dictadura de Chiang
Kai-shek en la Revolución China de 1949, proclamando una nueva república.
● Revolución Cubana (1959) → Movimiento liderado por Fidel Castro
(comunista) en contra de la dictadura militar de Batista. La revolución
comenzó en 1953 y continuó hasta 1958 cuando derrocaron a Batista y
sustituyeron su gobierno y fue el principal resultado del movimiento
revolucionario (Movimiento 26 de Julio) liderado por Castro. Posteriormente,
este se convirtió en el Partido Comunista de Cuba en octubre de 1965. La
Revolución cubana fue la primera revolución comunista en el continente
americano y tuvo fuertes repercusiones nacionales e internacionales.
- Bloques y Guerra Fría. Bloque capitalista → EEUU y bloque socialista → URSS.
- Los grandes movimientos pacifistas y antimilitaristas, protestas culturales en los
eventos de orden público:
● Guerra de Vietnam (1955-1975) - guerra para reunificar Vietnam bajo un
gobierno comunista → Ingreso de [Link]. en 1965. Movimientos y
manifestaciones civiles en varios países del mundo (principalmente en
EEUU) en contra de la guerra. Protestas que comenzaron en 1963 en donde
participaron estudiantes, madres de soldados, afroamericanos, hippies,
educadores, religiosos, académicos, periodistas, abogados, médicos,
 militares veteranos, entre otros. Se dieron desde manifestaciones pacíficas a
disturbios callejeros.
● Primavera de Praga (1968) - periodo de liberalización política y protesta en
Checoslovaquia como estado socialista → Checoslovaquia bajo la órbita de
Moscú. Ocupación militar directa (ahora dividida en República Checa y
Eslovaquia). La gente se paraba desarmada frente a los tanques para
frenarlos. Dentro de uno de los países del socialismo real, expresa como esta
ansia liberadora se ve frenada bruscamente por el poder soviético y no podrá
aflorar hasta la crisis total del imperio soviético a finales de los ´80.
● Mayo Francés (1968) - cadena de protestas por grupos estudiantiles en
contra de la sociedad de consumo, el capitalismo y el autoritarismo, protestas
y huelgas iniciadas por estudiantes universitarios de izquierda → Fue el
símbolo máximo del movimiento hiper-modernizador, teniendo inmediato eco
en muchas otras sociedades desarrolladas (fue lo más famoso de la época).
- Crisis de los misiles de Cuba 1962.
- John F. Kennedy (1917-1963) Presidente de [Link]. desde 1961-1963 (asesinado).
- Carrera aeroespacial sustentada en los avances continuos → lucha entre EEUU y la
Unión Soviética (en el ámbito científico de la Guerra Fría) por la conquista del
espacio (aprox entre 1955-1988). Dos potencias tratando de tener los mayores
avances en el dominio del espacio exterior → Unión Soviética en 1961 pone el
primer hombre en una nave espacial, pero EEUU en 1969 el hombre pisó la luna.
- Tensión bélica y conflictos armados en zonas periféricas del mundo.
- Masacre de Tlatelolco o Matanza del 2 de Octubre (1968): Hechos ocurridos durante
un mitin llevado a cabo por estudiantes en la Plaza de las Tres Culturas, ubicada en
la Unidad Habitacional Nonoalco-Tlatelolco, Ciudad de México. Dicha concentración
se llevaba a cabo en el contexto del movimiento estudiantil que había estallado el 22
de julio de 1968, debido a la represión de estudiantes por parte de las fuerzas
policíacas del D.F. y de elementos militares del ejército mexicano.
- Revolución Cultural China (1966-1976): movimiento sociopolítico iniciado por Mao
Zedong, líder del Partido Comunista Chino. Dentro de la China Revolucionaria, esto
marcó de manera muy significativa el porvenir de la sociedad de ese país. Su
objetivo era acabar con los elementos capitalistas y tradicionales de la sociedad.
Impusieron la doctrina ideológica dominante dentro del partido, el maoísmo. Fue un
período particularmente violento. Se formaron cuadrillas como la Guardia Roja,
quienes persiguieron a todos los que fueran acusados de detractores, los
encarcelaron y humillaron públicamente, confiscando sus bienes y haciéndoles
realizar trabajos forzados, cuando no los destinaban a la simple ejecución.
- La Revolución Cultural triunfó por la fuerza e implantó los procedimientos maoístas
en todo el país. En 1969 fue declarada terminada por el propio Mao. Sin embargo,
muchas de sus actividades continuaron hasta la muerte del líder en 1976. Entonces
fueron detenidos sus más fervientes seguidores, acusados de delitos cometidos
durante la Revolución Cultural.
- Cordobazo en Argentina (1969): insurrección popular y obrera ocurrida entre el 29 y
30 de mayo del ‘69. Liderada por Elpidio Torres y Atilio López, secretarios generales
de los sindicatos SMATA (mecánicos) y UTA (transporte), respectivamente, y Agustín
Tosco, perteneciente al sindicato de Luz y Fuerza (energía eléctrica). Todos
englobados en la CGT, el máximo organismo sindical argentino. El Cordobazo formó
parte de una serie de rebeliones en Argentina entre 1969 y 1972 (todas terminadas
 en "azo"), contra la dictadura gobernante autodenominada "Revolución Argentina".
Debilitaron al gobierno militar y fueron uno de los factores que llevaron a la salida del
dictador J.C. Onganía, en junio de 1970, abriendo paso a elecciones generales,
concretadas en las votaciones presidenciales de 1973.
- Luchas sociales y surgimiento de grupos contraculturales.
- Nuevas costumbres y expresiones culturales: el rock and roll (música y cultura:
Woodstock Music y Art Fair en 1969, NY; The Doors 1965-1973; Pink Floyd (1964);
The Beatles 1962-1970 y la película “The Yellow Submarine” 1968), movimiento
hippie (el más importante movimiento cultural que encerraba toda esta noción de
contracultura, libertad y pacifismo. Los seguidores pregonaban una anarquía no
violenta, preocupación por el medio ambiente y rechazo al consumismo del mundo
capitalista. Lideraron protestas contra la guerra de Vietnam). Revolución sexual:
derechos de la mujer y liberación femenina (píldora anticonceptiva); moda y diseño,
la minifalda (creación de Mary Quant); época de psicodelia y drogas.
- Cultura de masas. Sociedad de consumo.
- Derechos humanos y movimientos sociales. Martin Luther King (1929-1968).
- Arte y arquitectura: nuevos planteos críticos y experimentaciones.
- Década del 60’ → década muy convulsa y la arquitectura está muy relacionada con
esto. Se da un momento de optimismo con el progreso técnico.

Las nuevas corrientes del arte y su relación con las nuevas estéticas de la
arquitectura
Los años ‘60 → diversidad de perspectivas.

Pop Art:
Nace en Inglaterra y permanece hasta el día de hoy. Surge como respuesta contra la
corriente artística del momento: el Expresionismo Artístico (identificado con la parte elitista
de la sociedad).
Pop Art → Estilo que se desarrolla dentro de la cultura de masas y del capitalismo y de la
reproducción industrial → Arte consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo.
Arte reproducible → todo el mundo puede acceder a él y conocerlo.
- Imágenes icónicas de las sociedades de masa y del consumo masivo.
- Reproducción de objetos de consumo con precisión.
- Collages.
- Satisfacción espiritual y material de los consumidores.
- Actitud irónica y provocadora. Muchas veces tocaban temas tabú.
- No busca ser un tipo de arte convencional, sino anti-arte.
Los artistas pop documentan lo que ven a su alrededor. Es la manifestación plástica de una
cultura caracterizada por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el
ocio, las modas, la democracia. → Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.
Andy Warhol (1928-1987): artista más reconocido del movimiento, sus obras han llegado
hasta nuestros días como iconos de una época, de una sociedad y de una cultura → de la
corriente del Pop Art. Basaba sus creaciones en variaciones fotográficas de un mismo tema,
el centro de su obra, y entre sus técnicas destaca la impresión de estas fotografías
directamente sobre su soporte de trabajo. No solo vende su imagen sino que crea una
imagen propia mística, que lo expone como un personaje/obra más.
- Latas de sopa Campbell (1962).
 - Shot Sage Blue Marilyn (Retratos de Marilyn Monroe) (1964). Obra más significativa,
hecha con serigrafía (su arte se puede reproducir industrialmente).
- Cajas de esponjas de metal “Brillo”. Expo: The American supermarket. NY (1964).
Impulsaba bandas de rock:
- Portada LP de Velvet underground & Nico (1966). Banana.
- Portada de Sticky Fingers de The Rolling Stones (1971). El cierre del pantalón es un
cierre de verdad puesto en la tapa.
CÓMIC: Viñetas. Técnica de producción dentro del Pop Art, una especie de puntillismo de
carácter industrial. → [Como objeto de consumo cultural, barato y masivo.]
Tom Wesselmann (1931-2004): collages mezclados con pintura tradicional. Obras: Bañera
n° 3 (1963), Still life #12 (1962) y Still life #30 (1963).
Jasper Johns (1930): idea de patriotismo. Obras: Bandera (1955), la primera de una serie
de banderas que va a pintar en diferentes estados.
Robert Rauschenberg (1925-2008): collages de distintos elementos de la cultura del
momento, espíritu de época norteamericano. Obra: Signos (1970).
Claes Oldenburg (1929): Papas fritas y ketchup (1963) y otras obras de comida chatarra.
Plasticismo, elementos inflables.

Nueva Abstracción:
Expresionismo abstracto en [Link]. en los ‘50s → el gran estilo de la posguerra.
Búsqueda de conmover e impresionar (máxima pureza del lenguaje), búsqueda con colores
(primarios generalmente), soluciones bicromáticas o tricrómicas sin gradación tonal. Tiene
que ver con la acción del cuerpo (usan todo el cuerpo para pintar), relacionado con el
manejo espontáneo de los artistas. Óleos de gran tamaño (lienzo). Artistas más destacados:
Jackson Pollock (1912-1956): sus problemas personales estaban plasmados en su obra.
- Número 14 (1948) y Número 32 (1950).
Francis Bacon (1909-1992): Retomaba obras anteriores y las reinterpretaba. Hace
exploraciones casi surrealistas.
- Estudio para el Papa Inocencio X (1953), hace 40 reinterpretaciones o reversiones.
Otros: Willem de Kooning (1904-1997), Franz Kline (1910-1962), Mark Rothko (1903-1970).

Arte Óptico:
Idea de percepción. Es un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para
engañarlo, usando a menudo ilusiones ópticas o trampantojos. El espectador participa
activamente, desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. No existe
ningún aspecto emocional, es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos
utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos. Es casi siempre un tipo de arte
abstracto y geométrico. Bridget Riley (1931), Victor Vasarely (1906-1997): Triond (1973).

Arte Conceptual:
Desarrollado a finales de los ‘70 y principios de los ‘80. Sus orígenes se encuentran en la
obra de Marcel Duchamp que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto
artístico con el readymade (ejemplo: La fuente en 1910 - obra del mingitorio). La
característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales
sobre los puramente formales o el objetivo físico y material.
Los artistas de este se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su
obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de
actos en público y otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o
explicar eventos que ocurren fuera de los museos.
Joseph Kosuth (1945-actualidad)
- Una y tres Sillas (1965). Obra en la que representaba al medio una silla de madera
plegable, a un lado una fotografía de la misma, y al otro, la definición de la palabra
silla.

Hiperrealismo:
O fotorrealismo. Representación de escenas de la vida cotidiana con la mayor veracidad
posible. Muchas veces acentuando algunos materiales. Se exacerban brillos, percepciones,
texturas. → “Más perfecto que la realidad.”
Fue una reivindicación de la técnica, una reacción contra el arte conceptual y el pop art (que
habían dejado las técnicas artísticas de lado, se centraban solo en el contenido intelectual).
Richard Estes (1932):
- Cabinas telefónicas (1968).
- Nedick’s (1970).
Don Eddy (1944):
- Untitled 4VWs (1971).
Claes Odenburg (1929)
- Clothespin (1976), [Link]. Se ve formado el número 76 (año) en el alambre del
broche (bicentenario de la Independencia).

IV. 2 - Ciudad y Territorio:

La ciudad como centro del problema: las propuestas de la Utopía Tecnológica. El consumo
energético y el hiper-desarrollo industrial como sustento. La referencia de R. Buckminster
Fuller: las cúpulas geodésicas. El Grupo Archigram: las Walking City, Instant City y
Plug-in-city. El Metabolismo japonés: el Plan para la Bahía de Tokio, la Ciudad del Aire, la
Marine City. Yona Friedman y el París Espacial. La crisis energética y los cambios
tecnológicos.

La ciudad como centro del problema: las propuestas de la Utopía Tecnológica. El

consumo energético y el hiper-desarrollo industrial como sustento.
Utopías tecnológicas → ideas, críticas y desarrollos proyectuales y materiales.
Distintas miradas, propuestas nuevas que no pensaban la ciudad como la ciudad existente.
Criterio de una idea de progreso, y de cómo a partir de la apoyatura de la tecnología se
pueden resolver toda una serie de problemas que están contemplando los arquitectos,
diseñadores, artistas y la sociedad en general de este momento.
De los ‘50 a los ‘60 - la carrera aeroespacial → marca de una forma muy directa este
momento en cuanto a la imaginación y la creatividad de muchos de los diseñadores.
Estas miradas sobre la tecnología son las que nos permiten entender este tipo de
propuestas → propuestas que son utopías porque por su escala, por su dimensión o por lo
que proponen son irrealizables, pero que se apoyan en la posibilidad de utilizar todo el
conocimiento, insumo y bagaje tecnológico de la época para dar respuesta a distintos tipos
de necesidades y cuestiones que aparecen en diferentes contextos y con dif. intereses.
Relacionado con las megaestructuras → concepto de Fumihko Maki de 1964.
La referencia de R. Buckminster Fuller: las cúpulas geodésicas.
Antecedente / Referente → Richard Buckminster Fuller → arquitecto, diseñador e inventor.
Estudia sistemas prefabricados e industriales, tecnologías innovadoras, etc. Estudió y fue
profesor en Harvard.
Tenía una mirada grandilocuente de querer resolverle problemas a la sociedad. Su
preocupación concretamente se remite a los años ‘20 en la construcción de viviendas
prefabricadas para dar respuesta a la demanda habitacional, pero que en cierta forma se
aleja de los estándares clásicos y tradicionales de lo que era la construcción en ese
momento sino que va más orientado a la articulación con la industria. Viviendas económicas
con buenas prestaciones livianas, ensamblables, con reducción de tiempo y posibilidad de
resolver en muy poco tiempo amplios y complejos habitacionales.
Fuller acuñó la palabra Dymaxion (abreviación de Dynamic Maximum Tension) para
referirse a su filosofía de obtener lo máximo de cada material. Esta palabra le sirvió como
marca que empleó en muchas de sus invenciones, como la casa Dymaxion, el mapa
Dymaxion o el coche Dymaxion.
- Casa Dymaxion (1946). Dinamismo, rendimiento máximo, tensiones (más
rendimiento del material). Aunque nunca se construyó, el diseño del Dymaxion
aparece con visión de futuro e innovaciones en la prefabricación y la sostenibilidad.
Cúpulas geodésicas → tetraedros con estructuras muy resistentes y de grandes escalas.
Es quizá por lo que más se lo recuerda.
- Biósfera para el Pabellón de los EEUU en la Exposición de Montreal (1967). Es una
de las cúpulas geodésicas más características de este arquitecto, una de las más
grandes que hizo (76 m de diámetro y 41,5 de altura y llega a reproducir tres cuartas
partes de una esfera). En acero y acrílico, aunque después de un incendio solo se
mantuvo la estructura de acero.

El Grupo Archigram: las Walking City, Instant City y Plug-in-city.

Grupo de estudiantes ingleses (Peter Cook y David Greene, Mike Webb, Ron Herron,
Dennis Crompton y Warren Chalk) de la actual Architecture Association en Londres →
conforman Archigram inspirándose en la tecnología con el fin de crear una nueva realidad
que fuese expresada solamente a través de proyectos arquitectónicos hipotéticos. Aunque
sus propuestas radicales son composiciones metafóricas, que pertenecen a un mundo
ilusorio, sus planteamientos formales se convertirán en una referencia básica de la
arquitectura contemporánea. Alternativas muy diferentes a la ciudad tradicional y a las new
towns. Estética de comics.
El nombre Archigram → (Arquitectura + Telegrama) fue inventado una revista casera en
1961 por los jóvenes arquitectos Esta revista fue diseñada para explorar formas de pensar
en oposición a los dictados modernos de la década de 1960 y las reminiscencias de la
segunda guerra mundial, le permitía al grupo divulgar las imágenes tecnológicas de sus
proyectos [Link] obras de Archigram basaban su sesgo futurista en el trabajo de los
arquitectos Buckminster Fuller y Sant’Elia con su Manifiesto de la arq. futurista.
Los miembros de Archigram irán planteando diversas propuestas, desde pequeñas células
intercambiables hasta gigantescas ciudades en el espacio por agregación de dichas células.
Obras:
- Walking city (1964). Ron Herron y Brian Harvey. Niega lo existente. Ciudades en
movimiento, con pies telescópicos capaces de moverse sobre el agua. Todo esto
que se imagina, aparece en la realidad aunque adecuadamente transformado, así
los moving cities son torres de extracción de petróleo en el mar.
 - Instant City (1964). Johana Mayer (miembro de Archigram). Se proponía transportar
y recrear las posibilidades culturales de las grandes ciudades en áreas periféricas,
de manera itinerante. Culturalmente, el crecimiento de las ciudades provoca en los
focos aislados de dicho crecimiento una barrera cultural frente al cambio y un
sentimiento de inferioridad de sus habitantes. Instant City intenta luchar contra esto.
- Plug-in city (1964) Peter Cook. De las más importantes. “Ciudad enchufable”.
Carácter futurista, paradigma de ciudad en el espacio. El proyecto contiene unidades
residenciales modulares que se "conectan" a una máquina central de mega
infraestructura. Es una mega estructura en constante evolución que incorpora
residencias, transporte y otros servicios básicos (transportables por grúas gigantes).
- Seaside bubbies (1966). Ron Herron. Estética de submarino amarillo de Los Beatles.

El Metabolismo japonés: Plan para la Bahía de Tokio, Ciudad del Aire, Marine City.
Grupo de arquitectos japoneses que se conforma en 1960 (Kisho Kurokawa, Kiyonori
Kikutake, Fumihiko Maki, Masato Otaka y Kenzo Tange como su fundador, entre otros).
Este movimiento arquitectónico se originó por la necesidad de reconstruir varias ciudades
desde cero después de la devastación que causó la 2da Guerra Mundial en Japón.
Posguerra en Japón → muchas ciudades destruidas y una gran demanda de viviendas.
Esta disyuntiva brindó la oportunidad de realizar una nueva planificación urbana desde los
cimientos y plasmar nuevas ideas para la creación de las ciudades y su desarrollo futuro.
La sociedad japonesa dispone de poco espacio → la demografía en este momento
posguerra y la recuperación muy rápida que tiene Japón ha escalado bastante y tienen que
responder a necesidades habitacionales con poco espacio para un número muy alto de
personas. → Se pone en disputa los modos tradicionales de vivienda japoneses con las
nuevas propuestas que van a estar presentando este grupo. → La arquitectura metabolista
se caracterizaba por tener una infraestructura similar a una columna vertebral. Esta
estructura funcionaba como un eje al cual se podían unir cápsulas o módulos prefabricados
y reemplazables. → Van a trabajar no solamente a escala de lo urbano y arquitectónica sino
también respecto al equipamiento dentro de estas cápsulas o hábitat donde van a tener que
resolver todas las necesidades básicas, como un estándar de usuarios y que va a requerir
también el trabajo con diseñadores industriales como Charlotte Perriand y kenji Ekuan.
Características: Producción en serie, relación con las megaestructuras (elementos
permanentes en el tiempo + elementos pequeños internos que se pueden cambiar).
Resoluciones habitacionales utópicas y futuristas en un país con mucha población y poca
superficie. Todas quedan en papel, no se construyen. Obras:
- Plan para la Bahía de Tokio (1960), Japón, Tange. Llamó la atención de arquitectos
con esta propuesta de reconstrucción de posguerra. Intentó comprender la
estructura básica de la ciudad moderna. Idea principal: reemplazar el tradicional
diseño radial de crecimiento, que la ciudad poseía desde su fundación, por un
modelo lineal inspirado en los modelos de ciudad lineal europeos. Concepto
innovador: dirige el crecimiento de la ciudad hacía la bahía, conecta las unidades
espaciales (islas artificiales y estacionamientos flotantes) usando puentes.
Gigantescos apoyos sobresaliendo del agua (que incluían instalaciones y
ascensores) y enormes vigas estructurales y puentes adosados (que sostenían las
viviendas y otros servicios urbanos).
- La Ciudad del Aire (1960-1962) Arata Isozaki. Proyecto de cápsulas suspendidas en
el aire sobre megaestructuras cilíndricas y modulares. Estas estructuras permitían la
expansión y la reorganización del espacio urbano, incorporando o quitando unidades
 de cápsulas en la búsqueda por satisfacer en tiempo real las necesidades de los
residentes. Los cimientos de las torres asemejan cráteres dejados por bombas como
referencia a las nubes de humo del bombardeo de EEUU en la 2da GM. .
- La Marine City (1958). Kiyonori Kikutake. Un archipiélago flotante concebido para el
medio del océano. Sistema de crecimiento de la ciudad inspirado en la reproducción
celular por bipartición. Compuesta por una “ciudad madre” y otras ciudades más
pequeñas, donde todas quedan conectadas por grandes puentes. Se trata de una
ciudad de tipo móvil, autónoma y climáticamente controlada. Las torres se
predisponen en dif. etapas de crecimiento y cuando una isla es demasiado vieja y no
apta es atraída al fondo del mar y hundida. Visión más poética del metabolismo.

Yona Friedman (1923-2020), Budapest → París Espacial

Fue un arquitecto y urbanista francés.
En 1958 publica el manifiesto “L'Architecture Mobile", que constituye a su vez el documento
fundacional del "Groupe d'étude d'architecture mobile (GEAM)". Las ideas de estos
manifiestos fueron visionarias y adelantadas a su época: megaestructuras sobre ciudades
existentes en las que los ciudadanos podrían reconfigurar su vida futura de manera flexible.
GEAM propone: 1. desarrollo de elementos arquitectónicos variables e intercambiables; 2.
desarrollo de posibilidades fácilmente modificables para suministro de energía y agua, y la
eliminación de desperdicios; 3. desarrollo de mayores unidades espaciales a nivel urbano.
La arquitectura móvil como idea fija: “El arquitecto es quien crea uno de los obstáculos más
insalvables: las ciudades. [...] Debemos tratar de que las ciudades sean elásticas.
Señalemos algunas posibilidades: los bloques sobreelevados pueden aumentar de
inmediato la capacidad de población de las ciudades existentes; los barrios espaciales
pueden adquirir preponderancia a convertirse en centro de las ciudades que ya existen,
permitiendo una gran densidad de población y aplicación de técnicas modernas como la
climatización urbana; los conglomerados espaciales permiten prácticamente todo tipo de
desarrollo, o sea la movilidad total.”
- Ciudad espacial (1958). Es el concepto central de la obra de Friedman. El proyecto
consiste en una rejilla elevada (superestructura aérea) que contiene un
entrecruzamiento de células: conductos principales y pasillos de la zona (calles),
dentro de los cuales se encuentran las casas unifamiliares, en las que se insertan
los principios que aseguran la luz natural, el aislamiento y la accesibilidad. Calidad
ambiental con alusión al funcionamiento de un árbol (bosques). El terreno bajo la
Ciudad Espacial permanece prácticamente intacto.

Referencias para la ciudad posterior

- Ciudad en el ártico (1972) Frei Otto. Población 40.000 hab. y preocupaciones
ambientales. Proyecto, no se construyó.
- La primera ciudad en la Antártida (1980-1983). Amancio Williams. Proyecto.

Referencias para la arquitectura posterior

- Centro Pompidou (1977), París. Richard Rogers y Renzo Piano. El edificio es una
materialización de la retórica tecnológica e infraestructural de Archigram.
- “SpaceLab” Museo de Arte Kunsthaus (2003), Graz, Austria. Peter Cook y Colin
Fournier. En la que las formas curvas y orgánicas de las páginas de la revista
Archigram se hacen realidad.
IV. 3 - Arquitectura:
Los problemas de metodologías de diseño: el simposio de Portsmouth. El diseño y las
lógicas matemáticas: Christopher Alexander, sistemas y lenguaje de patterns. El aporte de
la antropología en la valoración del hábitat; el descubrimiento del Tercer Mundo por parte de
los jóvenes europeos: Aldo Van Eyck.
Megaestructuras (Banham). Dispositivos de articulación espacial y funcional de gran
tamaño. El problema de la gran escala. La contundencia volumétrica. La idea de edificio
trama. La megaforma.
Los '60 en América Latina: continuidades y rupturas con la arquitectura de la modernidad.
Rogelio Salmona y Eladio Dieste: la poética del ladrillo. Ricardo Porro, R. Gottardi y V.
Garatti: arquitectura para la Revolución. Joao Vilanova Artigas y Joaquim Guedes: el
Brutalismo paulista. Pedro Ramírez Vázquez: monumentalidad e identidad mexicana.
Arquitectura y estado desarrollista en Argentina: La experiencia del Instituto Di Tella. Los
concursos de arquitectura: el Rascacielos Peugeot y la Biblioteca Nacional. Edificios para la
industria, la educación y la salud. La arquitectura de sistemas. La persistencia de Mario
Roberto Álvarez; Clorindo Testa, Estudio SEPRA, Estudio STAFF. Los nuevos programas y
las nuevas soluciones.

Configuraciones teóricas y criterios compositivos para una nueva arquitectura:

Los problemas de metodologías de diseño: el simposio de Portsmouth.
“El simposio de Portsmouth: problemáticas de metodología del diseño arquitectónico” → se
celebró un simposio (conferencia de especialistas para tratar un tema) en la ciudad de
Portsmouth, Inglaterra y se publicó un libro en el año 1969 o 1971; autores:
- J. Christopher Jones (profesor de diseño industrial en el Manchester Institute of Science
and Technology, de Gran Bretaña). Libro: Métodos de diseño.
- Geoffrey H. Broadbent (director de la Escuela de Arquitectura del Portsmouth College of
Technology, también de Inglaterra).
- Juan Pablo Bonta (profesor de Diseño Arquitectónico en la Facultad de Arquitectura y
Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires).
“El estudio de los procesos de diseño, es decir de los medios de que se vale el diseñador
para resolver los problemas que se le presentan, es hoy uno de los campos decisivos de la
investigación teórica relativa a la arquitectura…”. Se reúnen tres ensayos que plantean de
una manera general la nueva problemática. J. Christopher Jones describe el estado actual
de los métodos de diseño y prevé el carácter de su posible evolución en el futuro inmediato.
Geoffrey H. Broadbent resume las posiciones expuestas en el simposio de métodos de
diseño arquitectónico, recientemente celebrado en Portsmouth con la participación de
calificados especialistas. Por último, J. P. Bonta discute algunas opiniones formuladas en el
simposio, confronta las posiciones de Jones y Broadbent y traza a su vez un panorama de
las perspectivas futuras de la investigación, la enseñanza y el ejercicio profesional.
En este momento, en la Arquitectura comenzó a estudiarse cómo abordar la complejidad.
“No somos suficientemente científicos al hacer arquitectura”, pensaban. Se alinearon más a
la ciencia, querían ser tomados en serio, explicitando los procesos de creación. Se alude a
las teorías de sistemas, de comunicación y, sobre todo, se piensa una metáfora de que ese
proceso subconsciente quedaba en una caja negra y no se podía explicitar (la creación
-cabeza del creador- no se explicitan). Querían que eso pasara a ser una caja transparente,
siendo capaces de explicitar el proceso (creían que de esta manera se alineaban con los
científicos). El arquitecto crea como científico.
Metodología: “caja negra vs. caja transparente”→ muy visto en la enseñanza de esa época.
La herencia del pensamiento sociológico: arte y arquitectura alternativas.
A lo largo de los años ‘70 se van configurando diversas construcciones teóricas y criterios
compositivos para una nueva arquitectura pensada en función de los usuarios y de sus
posibilidades de participación en los espacios públicos y privados. Los arquitectos han
empezado a cambiar su foco de atención hacia el entorno marginal, hacia “la arquitectura
sin arquitectos”. Todas estas propuestas se insertan en una nueva sensibilidad que no
renuncia a los avances de la tecnociencia aunque esta se tenga que versatilizar.
Por primera vez una parte de la cultura en general y de la arquitectura en concreto
empiezan a aceptar a fondo las consecuencias del relativismo cultural y antropológico,
entendiendo que no todas las sociedades pueden ser medidas según los mismos patrones
culturales y de desarrollo, asumiendo que la cultura occidental no es el centro del mundo ni
es superior a las demás culturas, aceptando la pluralidad y diversidad cultural se inaugura
también una mirada hacia el Tercer Mundo.
- Los patterns de Christopher Alexander que parten de que todo el mundo puede
desarrollar la capacidad de ser el arquitecto de sus propios espacios.
- Joseph Beuys y las propuestas de “arte povera” y su afirmación de que “todo el
mundo es artista” tiene una correlación con la idea de participación de los usuarios.
- El aporte de la antropología en la valoración del hábitat.

Diseño y lógicas matemáticas: Christopher Alexander, sistemas y lenguaje “pattern”

Christopher Alexander (1936-2022). Arquitecto y matemático austríaco.
La propuesta que ha tenido mayor trascendencia metodológica y disciplinar es la de
Alexander → investigaciones que culminaron en un nuevo sistema de composición
arquitectónica: el “pattern language” o lenguaje de patrones. Realiza toda una serie de
trabajos para cuantificar científicamente y establecer modelos sobre los procesos
funcionales que intervienen en la forma arq. y su relación con el contexto. Los “patterns” se
constituyen según relaciones espaciales de diversas escalas que funcionan correctamente.
Alexander incursionó en sociología, psicología, ecología y antropología, lo que sirve para
justificar teórica y empíricamente cada “pattern”. También la influencia del pensamiento Zen,
de la idea-sensación, y la importancia de la percepción, aflora en muchos de los “patterns”.
Esta metodología de patterns fue ensayada en su propuesta para el concurso PREVI
(Proyecto Experimental de Vivienda) en Lima (1966-1968). Se basaba en una densa trama
generada por la repetición de células de vivienda estrechas y alargadas que, según las
posibilidades de cada familia, iban desde una solución mínima a una máxima. Cada célula
disponía de partes o patterns esenciales: la entrada, el patio principal, el patio de la cocina,
el mirador, los dormitorios pequeños encarados, etc., que respondían a partes de la cultura
espacial de los futuros habitantes. Cada pattern tiene una estructura similar. Arranca de un
ejemplo arquetípico que define la imagen fotográfica de esta relación o fragmento espacial
idóneo. Los patterns van de las ideas más generales hasta las más concretas y de detalle
constructivo o material. Se estructuran según tres escalas: ciudad, edificios y construcción,
y se articulan según una malla de relaciones, cada uno de ellos se relaciona con otros.
Su última intención es la de explicitar una manera de sentir y realizar la arquitectura que
puede estar en cada sujeto y que puede trascender fuera del mundo de los especialistas.
Su objetivo es el de recuperar la capacidad individual y colectiva del hombre para diseñar su
medio ambiente armónicamente con el mismo y en la naturaleza circundante. Su voluntad
es recuperar los valores de las arquitecturas populares.
Publicó un libro en 1977 sobre esta teoría llamado “A pattern Language”.
Otra publicación suya sobre metodología de diseño: “A city is not a tree” (urbanismo).
Antropología y arquitectura.
El aporte de la antropología en la valoración del hábitat; el descubrimiento del Tercer
Mundo por parte de los jóvenes europeos: Aldo Van Eyck.
Años ‘70 → nuevo fenómeno en el mundo de la arquitectura. Se empieza a aceptar a fondo
las consecuencias del relativismo cultural y antropológico, entendiendo que no todas las
sociedades pueden ser medidas según los mismos patrones culturales. Se empiezan a
buscar soluciones a los vigentes criterios culturales, económicos, tecnológicos, soluciones
más experimentales y adecuadas a cada contexto social, que no imponga modelos sino que
se aprenda de cada lugar. Tendencia al humanismo y el interés por el individuo común.
Previamente (años ‘50 y ‘60) → crítica radical y movimientos ecologistas ponen en duda el
modelo capitalista de desarrollo. Se empieza a pensar en una arq. del “hágalo usted
mismo”. Estos movimientos culminan en 1957 con la creación de la Internacional
Situacionista que defienden una arquitectura sin arquitectos, proponiendo la creación de un
ambiente urbano como obra de arte colectiva, síntesis creativa de todas las act. humanas.
En arquitectura esta concepción es heredera del auge de las ciencias del hombre y es
resultado de inclinaciones iniciadas ya por la tercera generación como Van Eyck,
especialmente por su humanismo, su estudio de las culturas primitivas y su admiración por
la arquitectura vernacular.
- B. Rudofsky en 1964 realiza una exposición y un catálogo llamado “arquitectura sin
arquitectos”. Demuestra con fotografías que la arquitectura de los arquitectos es
incapaz de producir la belleza, sentido común, la adecuación y capacidad de
permanencia de las arquitecturas populares de diversas culturas.
Descubrimiento del Tercer Mundo
Años ‘70 → en los países latinoamericanos abundan experiencias de muy diverso tipo de
remodelación de los barrios autoconstruidos o de canalización de la capacidad participativa
de los usuarios. Se las denominó “políticas de autoconstrucción” y consistían en
intervenciones públicas de los barrios: aportando infraestructura, repertorio tipológico de
vivienda, orientaciones técnicas, ayudas económicas, servicios y equipamientos, etc. (todo
ello basado en mantener la capacidad participativa de los usuarios).
- Programa de Renovación Habitacional Popular, México tras el terremoto de 1985:
uno de los ej. más claros de grandes operaciones de intervención de los usuarios.
Otro campo de aplicaciones, altamente útil para los países del tercer mundo, son todos los
diversos caminos de arquitecturas bioclimáticas pensadas para construir con tecnologías y
materiales locales, según formas tradicionales, siguiendo presupuestos económicos
modestos e integrándose ecológicamente en el contexto y las condiciones climáticas.
La participación de los diversos usuarios lleva al radical eclecticismo y mezcla de estilos.
Aldo Van Eyck → miembro de los CIAM y cofundador del Team X, su arquitectura consistía
en la construcción del reino de lo intermedio, edificios y lugares como entorno que sustentan
y mejoran el diálogo entre personas, basada en una clara articulación de espacios neutros
para favorecer la apropiación de ellos por parte de los usuarios. Desde el punto de vista
arq., el factor de la posible participación de los usuarios es más un deseo sociológico que
una definitoria variable formal, metodológica y disciplinar. Solo por una vez, la arquitectura
abrió su ventana al mundo, a la realidad de la mayoría, intentando superar su círculo elitista.
Pero muy pronto volvió a cerrarla y a olvidar que debía servir a toda la humanidad y no solo
a unos pocos privilegiados clientes de revista.
Megaestructuras. Dispositivos de articulación espacial y funcional de gran tamaño.
Problema de gran escala. Contundencia volumétrica. Idea edificio trama. Megaforma.
Reyner Banham (1922-1988) → fue profesor de historia y teoría de la arquitectura. Escribió
libros sobre brutalismo, megaestructuras, arquitectura bioclimática, entre otras cosas.
El concepto de megaestructuras se institucionaliza en el libro “Futuro urbano del pasado
reciente” de Reyner Banham (edición original inglesa 1978). Es una categoría de producción
arquitectónica que tiene particularidades de fenómeno intermedio entre la escala urbana y la
escala arquitectónica. Se relaciona en algunos puntos con la utopía tecnológica.
Banham cita a Fumihko Maki (1964): “Una gran estructura en la que tienen cabida todas las
funciones de una ciudad o gran parte de ellas. La tecnología actual la ha hecho posible. En
cierto modo, es un rasgo artificial del paisaje. Es como la gran colina sobre la que se
construyeron las ciudades italianas (...) Una forma a escala de la masa humana, que incluye
una mega-forma y unidades discretas rápidamente cambiables, que encajan dentro de la
estructura mayor.” → No llega a totalizar el concepto. Por su escala, se constituye en
paisaje. Integrada por unidades menores que componen una estructura mayor. Maki
ejemplifica con ciudades medievales italianas como San Gimignano (Siglo XIII). Elementos
que se integran y articulan. Maki fue alumno de Kenzo Tange (uno de los precursores).
“Una megaestructura no es solo una estructura de gran tamaño /…/ sino una estructura que
frecuentemente: está construida por unidades modulares; es capaz de absorber una
ampliación <<grande>> y aún ilimitada; es un armazón estructural en el que se pueden
construir/enchufar/sujetar unidades estructurales menores prefabricadas en otro lugar; es un
armazón estructural al que se le supone una vida útil mucho más larga de la que las
unidades menores podrían soportar.” Ralph Wilcoxon (1968), citado por Banham.
“Más allá de obsesiones formalistas o estímulos tecnológicos, una megaestructura se basa
en el concepto de una estructura permanente y dominante que contiene alojamientos
subordinados o transitorios. Es probable que esa dualidad sea el eje de una crisis del
pensamiento arquitectónico que también puede resultar la crisis final de la arquitectura
moderna tal como la hemos conocido.” Reyne Banham, Megaestructuras, 1978.
Luego de que se definiera el concepto de megaestructura, se consideró (en retrospectiva) el
proyecto Fort-l'Empereur en el Plan de Argel de Le Corbusier (1931) como uno de los
primeros ejemplos (las megaestructuras existieron antes de que exista su definición):
maciza e imponente subestructura en una supercarretera elevada, construida como si se
tratase de una librería gigante de H°A°, en cuyas estanterías los habitantes han edificado
casas de dos pisos. → contenía los elementos esenciales del concepto de megaestructura,
tal como éste iba a surgir 30 años después.
“Edificios gigantes, adaptables, multifuncionales y que sean capaces de cubrir la mayor
parte de las funciones de una ciudad. Bajo estas premisas de trabajo, durante las décadas
de los 50 y 60 aparecen numerosos proyectos de megaestructuras, ocupando una posición
intermedia entre el edificio y la ciudad. Por su tamaño, constituían una nueva forma de
monumento; por su adaptabilidad, ofrecían al habitante enormes posibilidades de
conformación de diferentes ambientes dentro del esquema general. Las megaestructuras
inauguran nuevas relaciones entre lo construido-privado y lo construido-público. La célula
repetida se relaciona con el resto de células y con sus espacios intersticiales mediante una
nueva jerarquía de valores, donde los espacios de relación se gradúan escalonadamente,
desde lo más privado a lo más público.
Propuestas que recorren todo el planeta, con el pretexto de cualquier programa: centros
urbanos, centros de negocios, universidades, vivienda masiva, etc. Grupos como el
británico Archigram, los metabolistas japoneses o los situacionistas, o personajes como
Paolo Soleri, Frei Otto, Moshe Safdie o Yona Friedman, pretendían monopolizar el futuro del
hombre en ciudades construidas con megaestructuras.”
Las megaestructuras que efectivamente llegaron a terminarse tenían mala prensa y una
recepción hostil más o menos garantizadas: habían tardado tanto tiempo en construirse,
debido a su gran tamaño, que antes de estar terminadas la moda intelectual que las
engendrara ya había pasado. Banham decía que las ciudades universitarias fueron claros
ejemplos de megaestructuras (por los importantes conjuntos y superficies y la disposición
de los objetos). En Argentina se puede reivindicar, entre otras cosas, haber producido el
primer proyecto de megaestructura cuya obra llegó a empezar: el abortado proyecto para
una nueva ciudad universitaria en Tucumán, propuesto por Horacio Caminos en 1951. O. Ej:
- Conjunto habitacional Monte Amiata en el barrio Gallaratese (1968-1973), Milán,
Carlo Aymonino y Aldo Rossi. Perfectamente definida la noción de megaestructura.
La estructura “permanente” y duradera como matriz mayor que sostiene todo.
Contraste morfológico entre lo macro y lo micro. Elementos menores como
componentes “provisorios”, “puestos” o colocados de modo más “aleatorio”.

Los '60 en América Latina: continuidades y rupturas con la arquitectura de la

modernidad. Rogelio Salmona y Eladio Dieste: la poética del ladrillo. Ricardo Porro,
R. Gottardi y V. Garatti: arquitectura para la Revolución. Joao Vilanova Artigas y
Joaquim Guedes: el Brutalismo paulista. Pedro Ramírez Vázquez: monumentalidad e
identidad mexicana.

COLOMBIA
Rogelio Salmona (1929-2007), París, Francia
Nació en Francia en 1929 pero en 1931 su familia viajó a Colombia donde se establecieron.
Estudio 3 semestres de arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia.
1948: regresó a Francia, donde ingresó a trabajar como colaborador en el Atelier 35 de Le
Corbusier, durante unos años.
1953: viajó al sur de Francia, a España y a África.
1958: regresó a Colombia. La mayor parte de su obra se encuentra en Bogotá.
Búsqueda de una síntesis que paralelamente a los avances de la arquitectura internacional
tuviera en cuenta el legado cultural colombiano y las técnicas constructivas autónomas.
Preocupado por la función social de la arquitectura, sin abandonar la vanguardia, y por el
respeto por las necesidades concretas del individuo.
Rechazó no sólo las frustraciones estilísticas de la academia y al “ahistoricismo” del
racionalismo moderno. Era necesario superar la arquitectura abstracta capaz de ser ubicada
en cualquier lugar del planeta. Se cuestiona su obra no por su calidad o coherencia entre
programa y respuesta, sino por el carácter o nivel económico de sus destinatarios. Su
intervención a escala urbana no pierde individualidad, pero a la vez se integra potenciando
su entorno jerarquizando el conjunto, valorando la vinculación de lo público y lo privado.
Obras:
- Conjunto Residencial el Parque de Bogotá (1968-1970). Conjunto de torres
escalonadas más cerca de la arquitectura de Aalto que la de Le Corbusier. Más que
un proyecto arquitectónico, se trataba de provocar un hecho urbano contundente:
renovación de un sector y transformación del paisaje urbano, evidenciar el paisaje
natural; transparentarse a través de la arquitectura; utilizar un material local
dominante y crear una densidad acorde con una adecuada ocupación. La
arquitectura no debe separarse ni de su tiempo ni de su gente.
URUGUAY
Eladio Dieste (1917-2000), Montevideo, Uruguay
Ingeniero civil , estudió en la Universidad de la República (Universidad pública de Uruguay).
Interés hacia los temas estructurales, desarrolló una gran capacidad creativa que se
manifiesta en el perfeccionamiento de tecnologías derivadas del uso del ladrillo, un material
básico y accesible que permite desligarse de grandes procesos industriales en la
construcción y puede ser utilizado en todo el continente sin necesidad de esperar
espectaculares desarrollos industriales. (Uso de la cerámica armada, término que acuñó).
Obras:
- Iglesia Cristo Obrero, Atlántida (1958-1960). La bóveda de ladrillo o los muros de la
iglesia son 2 ejemplos del manejo plástico y efectivo de la luz, el espacio que genera
demuestra que es posible combinar vanguardia arquitectónica + creatividad formal +
trabajo artesanal + economía de medios.

CUBA - Arquitectura para la Revolución

Ricardo Porro (1925-2014), Camaguey, Cuba; Roberto Gottardi (1927-2017), Venecia,
Italia; Vittorio Garatti (1927-2023) Milan, Italia.
Los tres graduados en la década del ‘50 (1949, 1952 y 1957, respectivamente). Coautores.
Gottardi y Garatti, ambos italianos que fueron reunidos por el cubano Porro.
En el año 1957 Porro se vio obligado a exiliarse de Cuba debido a las complicaciones que le
causó su apoyo a la Revolución Cubana y sus actividades subversivas. Se trasladó a
Caracas, Venezuela en donde reunió a los dos italianos.
Después de la victoria de la Revolución Cubana (1959), Porro regresó a Cuba y en 1960 fue
designado por Fidel Castro como jefe de diseño para las nuevas Escuelas Nacionales de
Arte de La Habana. Porro invitó a Gottardi y Garatti a unirse a él en el proyecto, para la que
diseñó la Escuela de Danza Moderna y la Escuela de Artes Plásticas. Estas escuelas han
sido consideradas como una de las experiencias arquitectónicas más singulares y unas de
las pocas obras que se han desarrollado en Cuba en el periodo post-revolución.
Obras como las Escuelas de Arte diseñadas por estos tres arquitectos marcaron los
cambios de calidad de las obras signadas claramente por una tendencia formalista que no
parecía compatibilizarse muy claramente con la planificación y el sistema socialista. La
solución de estos diseños con bóvedas catalanas nace no solo de una voluntad formal sino
también de la real carencia de las tecnologías habituales originada por el bloqueo de las
importaciones. Surge así la creatividad de una arquitectura alternativa que retoma las
propias posibilidades tradicionales y la desarrolla con exigencias nuevas. Si bien las
Escuelas de Arte son obras singulares no reflejan producción de conjunto, pero señalan
entusiasmo creativo que los propios marxistas verían como romántica.
- Escuela Nacional de Arte de Cuba (1961). Construida en los terrenos de un famoso
club de campo de La Habana, transformando así un emblema de riqueza y capital en
un instituto de enseñanza gratuita. Se construyeron un total de cinco escuelas:
Danza contemporánea, Bellas Artes, Artes Escénicas, Música y Ballet. Todos los
edificios compartían un enfoque similar en cuanto al material y la estructura pero
cada uno presentaba una interpretación diferente del sitio y reflejaba su programa.
Los arquitectos se guiaron por tres principios fundamentales: primero, integrar las
escuelas con el variado y salvaje paisaje; segundo, utilizar ladrillos y tejas de
terracota producidos localmente, que, tras el bloqueo de los Estados Unidos a Cuba,
eran más baratos que los materiales importados como el acero y el cemento; y
tercero, utilizar la bóveda catalana como elemento arquitectónico dominante. Su
 singular morfología espacial estaría en contradicción con la arquitectura geométrica
y "capitalista" del Estilo Internacional.
El entusiasmo idealista de la nación que acompañó a la creación de las escuelas comenzó
a deteriorarse con la crisis de los misiles en Cuba en 1962. Las escuelas parecían fuera de
escala luego de la Revolución: un uso extravagante e innecesario de los recursos. Las
escuelas cayeron rápidamente en desuso, quedando en decadencia en etapas previas a su
finalización. Además, el nuevo aliado de Cuba, la Unión Soviética comunista, prefería una
arquitectura funcional, anónima y pragmática, que contrastaba con el proyecto de
inspiración orgánica y artesanal diseñado específicamente para el sitio. Los tres arquitectos
fueron acusados de promover ideales de expresión individual, marcados como "burgueses",
elitistas culturales y fueron obligados a abandonar el país. En 1965, a pesar de las diversas
etapas en las que se intentó terminar las escuelas, la construcción se detuvo por completo.
En los años próximos, las escuelas se convirtieron en un refugio para invasores y vándalos.

BRASIL - El Brutalismo paulista

Escuela paulista o Brutalismo paulista es un término utilizado para identificar la arquitectura
producida por un grupo de arquitectos liderado por Vlanova Artigas. El grupo se distingue
por su énfasis en la técnica constructiva, la valorización de la estructura y la adopción del
hormigón armado visto.

Joao Vilanova Artigas (1915-1985), Curitiba, Brasil

Arquitecto graduado en la Escuela Politécnica de la Universidad de Sao Paulo. Su obra está
relacionada a la escuela paulista y es uno de los principales nombres de la historia de la
arquitectura de São Paulo, debido a la gran cantidad de obras realizadas en este lugar y el
reconocimiento de gran parte de estas a nivel internacional.
Fue docente en la Escuela Politécnica y posteriormente formó parte del grupo de profesores
que dieron origen a la FAU (Facultad de arquitectura y urbanismo) de la Universidad de Sao
Paulo. Profesor activo en esta nueva escuela y autor del proyecto de reforma curricular.
- Edificio de la Facultad de arquitectura y urbanismo, Universidad de Sao Paulo (1961)
Vilanova Artigas + Cascaldi. Principal ejemplo de la arquitectura del brutalismo
paulista. Idea de generar una continuidad espacial, por lo que sus seis niveles están
vinculados por un sistema de rampas que buscan dar la sensación de un solo plano
y favorecen los recorridos continuos. Espacio abierto e integrado. De hormigón a la
vista y terminaciones sencillas → lenguaje plástico y constructivo. La estructura
debía expresar la gracia con la que los materiales dan forma al edificio, además de
permitir luces amplias y formas simples que resaltan la imagen de levedad del
edificio, a pesar del peso y la fuerza que este ejerce sobre su entorno.
- Conjunto Residencial Louveira (1950). Vilanova Artigas. El edificio residencial
multifamiliar ubicado en la Plaza Vila Boim en el barrio de Higienópolis de São
Paulo, se caracteriza por la composición de dos cuchillas paralelas, una con siete y
otra con seis plantas e intermediada por un patio ajardinado. Parte de un proceso de
sustitución de la trama urbana. (no se si estopa dentro del brutalismo paulista).
Joaquim Guedes (1932-2008), São Paulo, Brasil
Arquitecto y urbanista graduado en 1949 en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la
Universidad de São Paulo. Allí recibe la influencia decisiva de su profesor Vilanova Artigas.
Su carrera adquiere notoriedad cuando gana el concurso para la construcción de la iglesia
del barrio de Vila Madalena, en 1955, y con el proyecto de la residencia A.C. Cunha Lima,
en 1958, por el que recibe el premio internacional en la Bienal de São Paulo, en 1965.
Sus primeras obras:
- Casa Cunha de Lima (1958) y Casa Toledo (1963). Ambas mostraban cierta
adscripción al brutalismo formal en la vertiente corbusierana. Sin embargo, su
utilización del ladrillo y el cemento con un criterio artesanal hacian predecir un
retorno a una sensibilidad de valoración de materiales locales.
Desde mediados de la década del ‘50 venía combatiendo el “nuevo academicismo” del
formalismo arquitectónico y en 1968 denunciaba las soluciones del movimiento moderno
brasileño como frívolas, oportunistas, en fin, ignoraban al Brasil a causa de su
incompatibilidad metodológica.
Su lenguaje estaba próximo a recuperar las escalas y valores de integración con la
naturaleza, uso de materiales tradicionales, respeto por la topografía.
- Casa Waldo Perseu Pereira (1967-1969) uso del ladrillo, tratamiento de espacios de
diversa altura jerarquizados por el ingreso de la luz y texturas indican un oficio que
recupera el cuidado artesanal como para afirmarse en los valores históricos de la
arq. brasileña, antes que en las espectacularidades formales de la presunta
vanguardia.

MÉXICO - monumentalidad e identidad mexicana

Pedro Ramírez Vázquez (1919-2013), Ciudad de México, México
Uno de sus primeros encuentros con la arquitectura: viaje a la Acrópolis de Grecia. Estudió
arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México, egresó en 1943. En sus
primeros años, diseñó una estructura para escuelas rurales que dio origen a 35000
escuelas de todo México. Uno de los más prolíficos, considerado el más preeminente
arquitecto mexicano de las décadas de 1960 y 1970, diseñó pabellones de México en tres
ferias mundiales, y fue el rector fundador de la Universidad Autónoma Metropolitana.
Arquitecto moderno con claras influencias de las vanguardias europeas y el imaginario
precolombino, sus diseños destacan por sus líneas limpias y elegantes; el concreto fue su
material más usado. Diseñando tanto museos y embajadas como mercados y viviendas de
interés social, infundió un aspecto elegante a grandes edificios públicos y privados, sin dejar
de crear inmuebles al servicio de sus habitantes. Transformó y definió el urbanismo en una
de las ciudades más grandes del mundo en un momento clave de su historia.
Su visión metropolitana fue clave en la conformación de los 3 grandes íconos de la capital
mexicana, símbolos inequívocos del urbanismo, dignos continuadores de una tradición
enraizada en Tenochtitlán que expresa su esplendor y monumentalidad (además de ser
centros de reunión para tres públicos muy diferentes: el deportivo, el cultural y el religioso):
- Museo Nacional de Antropología (1963-1964), Bosque de Chapultepec, Ciudad de
México. Se edificó sobre una superficie de 70000 metros cuadrados. Retoma el
monumentalismo mexicano, donde la simetría y la sacralización del espacio
ceremonial vacío adquieren todo el protagonismo. “Su diseño materializa el respeto
a la tradición de los pueblos prehispánicos, al tiempo que conserva sus valores y
constantes culturales, los aplica con soluciones nuevas y en armonía con materiales,
técnicas y necesidades contemporáneas”. Equipo del museo.
 - Estadio Azteca (1962-1966), Ciudad de México, PRV y Rafael Mijares Alcérreca. Fue
construido como parte de la estrategia para obtener la sede de la Copa Mundial de
1970. La fachada se compone de columnas de concreto reforzado que soportan el
sistema de gradas de concreto, así como el techo de acero laminado.
- Nueva Basílica de Nuestra Señora de Guadalupe (1974-1976), Ciudad de México.
Incorpora la monumentalidad arcaica basada en la forma y la escala, junto con la
tecnología moderna de los pasillos deslizantes de ferias y aeropuertos, dando
muestras de la lucidez pragmática del autor. Construida con hormigón armado para
la estructura de la cubierta, su característico color turquesa proviene de las láminas
de cobre usadas para su recubrimiento. Destaca por su planta circular, que puede
albergar hasta a 10000 personas.

ARGENTINA - DESARROLLISMO
Contemporánea (arquitectura): (adj) Se dice de la arquitectura que se corresponde con
nuestro tiempo. Más aún: se califica como “contemporánea” a la producida durante un
período en que el uso del adjetivo “moderna” resulta innecesario, por cuanto la arquitectura
ya no puede ser concebida de otro modo. (...) a pesar de que el concepto incluye, como es
obvio, lo producido en nuestros días, desarrollaremos la “arquitectura contemporánea” de
manera convencional y a falta de otro modo de designarla, como aquella que se
corresponde con el período de maduración de los modernismos arquitectónicos, entre 1960
y 1980. Trataremos el período que va de 1980 a la fecha de edición de esta obra en la voz
“arquitectura reciente”.

Arquitectura contemporánea → periodo entre 1960 y 1980. (Unidad 4 → de 1960 hasta

finales de década -hasta 1973 en Argentina con el fin de la dictadura de Onganía-; Unidad 5
→ durante la dictadura militar -desde unos años antes del ‘76- hasta que asume Alfonsín).

Contexto Internacional: Diversidad de perspectivas culturales y arquitectónicas.

En el marco mundial de: la “tercera generación” de arquitectos europeos en acción; la
cultura Pop; y el auge de las utopías tecnológicas.

Arquitectura y estado desarrollista en Argentina: La experiencia del Instituto Di Tella.

Arquitectura y estado modernizador
En torno a 1960 → concluyó el periodo de instalación y expansión de las condiciones de la
modernidad, lo que en términos de normativa significaba un generalizado reconocimiento de
la liquidación de los fundamentos, las instituciones y las formas heredadas de la tradición.
En torno a 1970, la arquitectura moderna alcanzó el reconocimiento y la adopción de este
lenguaje por parte del estado.
→ Aparecen temas inusuales que demandan: nuevos programas y la renovación de los
programas existentes como también nuevas soluciones arquitectónicas.
→ Toma importancia el mecanismo de Concursos de Arquitectura.

Contexto del país:

Desarrollismo → Situación política (1958-1966)
El desarrollismo en Argentina, surgió como un plan de política económica dentro de un
grupo de intelectuales e investigadores de distintos sectores políticos a principios de la
década de 1950. El modelo desarrollista se basó en el desarrollo de la industria nacional en
todos los sectores pero con énfasis en petróleo, carbón, siderurgia, energía eléctrica,
petroquímica, gas y celulosa. Para terminar con la dependencia externa era necesario dejar
de importar, abasteciendo a la industria liviana con los bienes necesarios para aumentar la
producción. En aquel momento, la situación política, social y económica del país era crítica.
1955-1958 → General Pedro E. Aramburu. Revolución libertadora.
1958 → Arturo Frondizi llega a la presidencia de la nación. Proscripción del peronismo. UCR
escindida entre UCRP: Unión cívica del pueblo; y UCRI: Unión cívica radical intransigente.
Proponía un programa económico desarrollista: Banco de crédito industrial (automotriz,
siderurgia, construcción y petroquímica), Ley de promoción industrial (1958), Batalla del
petróleo. Promovía la integración del campo y la industria, según su visión la solución para
la industria y el campo era una sola, el desarrollo económico.
1962 → José Maria Guido presidente hasta 1963. (UCRI) mismo contexto de Frondizi
1963 → Arturo Illia presidente hasta 1966. Proscripción del peronismo. (UCRI) ídem anterior
Programa económico: defensa del mercado interno y del capital nacional, control de precios,
florecimiento industrial y nivel óptimo de importaciones.
Tanto Arturo Frondizi y Arturo Illia intentarán impulsar el desarrollo nacional. El desarrollismo
promoverá las esperanzas de progreso de los países pobres que abren sus economías a
inversiones extranjeras. El periodo se caracterizará por la reapertura de la economía a los
grandes capitales internacionales. La eficiencia económica se direccionará a favorecer el
avance tecnológico y científico. El Estado funcionando como promotor de grandes obras y
planes, en un contexto que daba como liquidadas las formas de la tradición moderna.
El empuje modernizador hacia la meta del desarrollo determinó en las universidades la
apertura y los avances en la aceptación de todos los factores críticos culturales que
constituían múltiples expresiones de la arquitectura Moderna y el abandono, incluso el
repudio, de las formas académicas aún vigentes a mediados del 50.
1966 → General Juan Carlos Onganía dictador argentino que fue presidente de facto entre
1966-1970, durante la primera etapa de la dictadura cívico-militar autodenominada
“Revolución Argentina”, que continuaría con Roberto Marcelo Levingston (1970-1971) y
Alejandro Agustín Lanusse (1971-1973).
En todo el país, especialmente en las principales ciudades, las facultades de arquitectura
vivieron en la siguiente década (‘60) un período dorado que en la mayor parte de los casos
se interrumpió con la intervención a las universidades decretada por el general Onganía en
1966.
Durante los años ‘60 y ‘70, todos los gobiernos electos fueron derrocados por golpes
militares. El conflicto social y la violencia política fueron creciendo en intensidad. Muchas de
las conquistas sociales logradas durante los gobiernos peronistas desaparecen.
Dictadura militar argentina (1976-1983) → con ella culminó un modelo modernizador basado
en la instalación de grandes empresas multinacionales, al amparo de una fuerte
intervención estatal. Mientras, en el plano disciplinar, la arquitectura continuó la búsqueda
de salidas de la crisis generada por la ilusión de homogeneidad del international style y del
funcionalismo. El desengaño de la solidez de los dogmas modernistas coincidió con el
desastre del último gobierno militar del XX.
Se desarrollaron, por un lado, corrientes que apuntaban a los cambios en la sociedad como
condición previa a toda definición formal; y por otro, otras en las que comenzó a admitirse la
posibilidad de trabajar en un universo interior de problemas de la arquitectura y
desentendido, en cierto modo, de los problemas generales del mundo externo.
Se registran dos paradojas: 1) que los grupos que surgieron como renovación radical al
principio del periodo se congelaron como establishment al final, mientras sus seguidores
eran exiliados; 2) que el poder autoritario actuó en los hechos como la última expresión del
Modernismo reaccionario al que supuestamente venía a romper.
La dictadura militar (1976-1983) contó con el decisivo respaldo de los grandes grupos
económicos pasando a ser el Estado el principal promotor del liberalismo económico. Sin
dudas, la propaganda es uno de los instrumentos más importantes que tienen los gobiernos
dictatoriales y en ese sentido, el Mundial de Fútbol fue una herramienta útil para ocultar
maniobras políticas y económicas ilegales y dar una buena imágen del régimen para
obtener apoyo internacional.

SIAM Di Tella
Compañía fundada por Torcuato Di Tella en 1911.
SIAM → Sociedad Industrial de Amasadoras Mecánicas - Di Tella Electromecánica S.A.
El negocio original de esta fue la fabricación de amasadoras mecánicas de pan pero
posteriormente la producción se diversifica incorporando otros productos (heladeras,
lavarropas, cocinas, televisores).
1959: la integración de Siam Di Tella al Régimen de Promoción Automotriz, permite a la
empresa producir bajo licencia modelos de la British Motors Corporation (Siam Di Tella
1500). Se crea entonces Siam Di Tella Automotores S.A. Era un período de florecimiento
industrial en nuestro país, se necesitaban edificios para sedes administrativas y fabriles.

La experiencia del Instituto Di Tella

1958: los hijos de Torcuato Di Tella, Guido y Torcuato crean la Fundación Torcuato Di Tella y
el Instituto Torcuato Di Tella en homenaje a la memoria de su padre. El Instituto Torcuato Di
Tella (ITDT) fue concebido con la misión de promover el estudio y la investigación de alto
nivel, de modo de modernizar la producción artística y cultural del país, sin perder de vista el
contexto latinoamericano donde se encuentra la Argentina. Financiado por la Fundación y
con el apoyo de organismos nacionales y extranjeros, el ITDT contribuyó a la formación de
varias generaciones de artistas, profesionales y académicos de destacada actuación
nacional e internacional, conocidos como “generación Di Tella”. Sus actividades se llevaban
a cabo en un ambiente genuinamente plural, a través de diferentes centros de investigación.
“El Di Tella” se constituyó en un hito cultural, en un centro de diseminación e investigación
de ideas de avanzada, en un ambiente genuinamente plural.
Se abogaba por: utopía, experimentación, unión de las artes, internacionalismo,
entusiasmo, ludicidad, radicalización del lenguaje, desmaterialización de las formas y
materialización de los contenidos.
Tuvieron varias sedes, pero la del Centro de Artes Visuales (CAV), es la que le daría mayor
fama al Instituto. El CAV modificó para siempre la percepción de los fenómenos artísticos en
la Argentina. Sinónimo de vanguardia y provocación, allí se dieron a conocer tendencias
rupturistas, como el neo-figurativismo y, sobre todo, el arte pop.
Algunos de los artistas vinculados con la sede Florida del ITDT han sido: Clorindo Testa,
Francisco Bullrich, Alicia Cazzaniga, Antonio Berni, Marta Minujín (produjo muchas obras,
incluso 1 con Andy Warhol), León Ferrari, Nacha Guevara, Gerardo Gandini y Les Luthiers.
A fines de los años sesenta, la censura impuesta por el gobierno militar de Onganía dificulta
la continuidad del ITDT y varios centros debieron cerrar sus puertas. No obstante, el
Instituto mantuvo su independencia intelectual y continuó su producción en las ciencias
sociales a través de diversos programas, proyectos y publicaciones.
Edificios para la industria, la educación y la salud.
La promulgación de una ley de radicación de capitales impulsó un gigantesco proceso de
transformación por el que el país abrió sus puertas a grandes empresas multinacionales.
Junto a la radicación del gran capital privado, parte de la misma política fue la promoción y
financiamiento por parte de los organismos internacionales de crédito, el resultado de todo
lo cual fue el comienzo de un progresivo y acelerado proceso de concentración del capital.
Principales cambios que afectaron a nuestra arquitectura:
1-La instalación de nuevas plantas industriales, especialmente en el ámbito automotriz,
petroquímico y siderúrgico y la construcción de las sedes administrativas de esas empresas.
2- Como consecuencia de lo anterior, la construcción de las sedes administrativas de esas
empresas.
3-El impacto urbano de ambos factores que pueden resumirse en:
la creación del cordón industrial en las principales ciudades, la Re terciarización de sus
áreas centrales, la definitiva declinación del sistema ferroviario a favor de la automotriz, la
ampliación de la presencia del automóvil en las áreas urbanas y suburbanas; y el aumento
de la importancia del capital financiero privado.
4- Las transformaciones en la industria de la construcción, como producto de la nueva
composición y dimensión del capital.
5- El redimensionamiento de las unidades de intervención pública, como consecuencia del
punto anterior y de la disponibilidad de nuevos créditos internacionales.
6- Como producto de esto último, el impulso a la renovación de programas estatales, como
el de la sanidad.
Durante el gobierno de la dictadura se destacan programas de gran envergadura
desarrollados por el régimen militar para difundir una imagen de eficiencia y progreso. Entre
los que se destacan edificios de infraestructuras de servicio (terminales, mercados),
construcciones para la educación y la cultura, los estudios de televisión del canal estatal,
instalaciones deportivas como los estadios de fútbol de Mendoza, Córdoba, Mar del Plata, y
River Plate, y plazas construidas en las ciudades de Córdoba y Buenos Aires.
Las ideas arquitectónicas que caracterizan a estas obras fueron muy diversas, y abarcan
desde la representación tecnológica del estadio de Mar del Plata, hasta los juegos de la
memoria de ATC o el Centro Cultural Recoleta. Lo que se destaca, más allá de las
diferencias o la calidad de los trabajos, fueron los rasgos comunes. La desaceleración del
impulso al “desarrollo” y la aniquilación de las posiciones contestatarias características del
final del periodo se expresan en ellos al pegarse el desenfado, la esperanza abierta o las
convicciones éticas que identificaban a la arquitectura de los primeros sesenta.

- Industrias:
Las instalaciones industriales re-adquirieron importancia como “imagen de empresa”, un
valor significativo que había sido perdido o al menos relegado en las décadas anteriores.
Construidas en la periferia de las grandes ciudades, estas industrias pudieron en general
ocupar grandes predios destinados a futuros crecimientos y tratados paisajísticamente
como parte del conjunto. En algunos casos, la construcción de esas instalaciones permitió
la introducción de nuevas técnicas de organización y la fabricación de elementos aportados
por empresas constructoras, muchas veces vinculadas a las firmas promotoras.
Oficinas como SEPRA o Aslan y Ezcurra, se especializaban en el tema. Se destacaron los
casos de Siam Di Tella (1960), General Motors Argentina (1961) de SEPRA; la Planta
industrial Otis en San Fernando (1970); los laboratorios Upjohn (1971) y Saab Scania, en
Tucumán (1973), de Aslan y Ezcurra; y la planta de Coca Cola (1961), de M. R. Álvarez.
- Oficinas:
Los programas complementarios a los grandes establecimientos fabriles fueron las sedes
administrativas de esas mismas empresas en los centros urbanos. La novedad respecto de
lo ocurrido hasta entonces consistió en la aparición de un nuevo tipo, el del edificio en torre
y su adopción como emblema empresario, por ej. los casos de Peugeot (1962).
El predio de Catalinas Norte se convirtió en un campo de ensayo para estas grandes
construcciones. El proyecto, orientado por Eduardo Sarrailh en relación con el Plan
Regulador, se inició en 1956. Compleja y articulada con la ciudad en las propuestas de los
urbanistas, la iniciativa se redujo a un conjunto de torres en 1967. De sus construcciones
cabe destacar el edificio Conurban (1968), el de la Unión Industrial Argentina (1968) y el de
IBM (1979). La Ley de Entidades Financieras implantada durante la segunda dictadura
militar de esta etapa impulsó el crecimiento de las actividades terciarias superiores en el
área central norte de la ciudad de Buenos Aires y con ello la construcción de numerosas
oficinas en esa zona. En ese contexto surgió la ampliación de la Bolsa de Comercio
(1972-1977), de Mario Roberto Álvarez.

- Bancos:
Desde sus comienzos, el signo de la época fue el crecimiento del poder del capital
financiero, hasta su culminación en la carrera casi exclusivamente especulativa promovida
por la dictadura del general Videla. De manera que durante esta “larga década” los bancos
constituyeron uno de los temas más frecuentados por las oficinas consagradas. Sin
embargo, la principal transformación que puede observarse parece tener un signo inverso,
puesto que consistió en el paulatino abandono del paradigma monumental y su reemplazo
por imágenes despojadas de toda vocación trascendente. El periodo se abrió con un
ejemplo de obras de este tipo, por ejemplo: Banco de Londres y América del Sur
(1960-1966) de Clorindo Testa. La actitud pop orientada a transformar al propio edificio en
signo publicitario no constituyó la única respuesta al proceso de desacralización de los
edificios bancarios. Las obras de este tipo construidas por Mario Roberto Álvarez dieron una
respuesta de signo opuesto, por ejemplo: Banco Popular Argentino (1960) o Sede del Bank
of America (1963) de M.R. Alvarez. Si bien son obras concebidas con extremo cuidado y
excelencia en la construcción, reducen los procedimientos, criterios y recursos técnicos y
expresivos de la arquitectura a un juego de piezas intercambiables, características óptimas
para imprimir una extrema neutralidad, pero de este modo el banco pasa a ser una oficina
más, otra célula repetida hasta el infinito.

- Educación:
Dentro de este programa que se destaca se encuentra:
- Ciudad Universitaria en Buenos Aires. Proyecto de Catalano+Caminos+Sacriste,
quienes repitieron los bloques que ya habían ensayado en Tucumán. Expresan la
“industrialización” de la enseñanza universitaria, el resultado fueron unas
gigantescas estructuras de hormigón armado de grandes luces cuyas capacidades
de contener todo el programa y permitir cualquier transformación interna era
directamente proporcional a su incapacidad de generar un carácter o al menos
ámbitos de acoger al encuentro o compartir las creencias y dudas.
Como también, durante el gobierno de la dictadura se destacan construcciones para la
educación y la cultura como una serie de escuelas primarias edificadas por la Municipalidad
de Buenos Aires (1980-85) o el Centro Cultural Recoleta (1979-82).
- Salud:
Un modelo emblemático lo constituyen los concursos para hospitales nacionales (1971), El
Hospital Nacional de Pediatría de Aftalión, Bischof, Egozcue-Vidal, y el Hospital de Orán de
Llauró y Urgell.

Los concursos de arquitectura: el Rascacielos Peugeot y la Biblioteca Nacional.

De una transparencia organizativa ejemplar, los concursos abrieron paso a la renovación y
la experimentación; también consolidaron una cierta irreflexividad, estimularon una actitud
despreocupada hacia la gestión y el manejo de los aspectos comerciales y políticos de la
profesión.
Articulados con la nueva Universidad de masas, permitieron, ante todo, una renovación
generacional y social, puesto que a través de este mecanismo nuevos grupos accedieron a
importantes encargos que hasta entonces habían sido reservados a círculos reducidos
sociales o políticos, ligados al Poder. Fueron frecuentes los planes urbanos, las
instalaciones educativas o culturales, deportivas y bancarias, las sedes administrativas y los
tribunales de justicia.
Los concursos fueron el vehículo principal, pragmático, de un debate específico serio y
valioso, mutilado por unas condiciones generales, disciplinares, culturales y políticas que
impidieron su expresión en claras formulaciones teóricas o críticas.
Las nuevas características de programas, comitentes y modalidades de encargos incidieron
sobre la organización de la disciplina y determinaron cambios en la constitución de sus
actores protagonistas. El rasgo general más destacable fue el reemplazo de los
protagonistas individuales por equipos.
- Rascacielos de Peugeot (1962): En 1962 la Foreign Building and Investment Company
convocó a un concurso internacional para construir la torre de oficinas más alta de
Sudamérica en la zona de Retiro, [Link]., que se destinaría a la empresa Peugeot. Aunque
nunca llegó a construirse el proyecto ganador de los brasileños Aflalo & Gasperini, lo
interesante y llamativo es la cantidad de estudios prestigiosos que se presentaron (entre
ellos Aldo Rossi, Mario Sacripanti e Arata Isozaki) y la calidad de proyectos jugados a una
experimentación estética y estructural, que miraba a un futuro (injustamente todos los
valientes se fueron sin premios).
Si bien algunos proyectos reproducen casi textualmente los ejercicios de la Bauhaus, otros
avanzan por caminos muy similares a los que atraviesan en general importantes estudios
hoy en día, y con gran éxito. Torsiones, deformaciones de planos, grillas en pares que se
articulan, geometrías angulares que apenas se tocan, grandes rebanadas en planos
diagonales, disposición libre de llenos y vacíos desordenados planta por planta, etc. Todas
estas propuestas que no lograron gran reconocimiento hoy las reivindicamos ya que nos
adelantaron mucho de lo que es capaz de hacer un gran estudio del cambio de milenio.
- Biblioteca Nacional (1962): Se llamó a un concurso de carácter nacional en 1961.
Construida a partir del proyecto ganador de Clorindo Testa, Francisco Bullrich y Alicia
Cazzaniaga y finalizada su construcción a comienzos de la década del ‘90, se ha convertido
en una marca de la arquitectura moderna argentina y en un ejemplo de la variante del
expresionismo del siglo XX llamado “brutalismo”.
La propuesta ganadora del concurso consistió en elevar las salas de lectura, como mirador
urbano, y soterrar los depósitos de libros, facilitando su futura expansión. El resultado es un
modelo programático interesante y pertinente para el desarrollo de un programa acorde a
una institución pública y un contexto local. Introduce simbólicamente una “separación entre
la tarea intelectual (lectura) y la función de memoria (depósitos) quedando así claramente
exteriorizada y donde produce una inversión del planteo característico de las bibliotecas de
las últimas décadas”. El programa organizativo de una biblioteca tradicional (donde
generalmente se ubican las estanterías en las paredes alrededor del espacio de lectura) es
en este caso descompuesto y vuelto a articular, dando lugar a vistas de la ciudad y el río.
Invitando a la lectura como una actividad vinculada al contacto exterior. Además, el modelo
programático permite una planta baja libre integrada a los parques, creando un ámbito para
realizar múltiples actividades al aire libre. Una interpretación o re-figuración programática
que pone en foco otras cuestiones del mundo literario. La elevación constituye un hito
urbano (un volumen que se apoya sobre cuatro núcleos que alojan las escaleras, los
ascensores y otros servicios) y asegura una relación directa entre el espacio verde, la
barranca y el edificio. Se configura un espacio de actividades múltiples o plaza de acceso
(dominado por una "quinta fachada") que actúa como balcón hacia los parques aledaños y
evidencia cómo el proyecto se constituye en su mayor proporción por un volumen enterrado.
En cuanto a su estructura, se ha dividido en dos tipos de fundaciones independientes. Una
directa correspondiente a los depósitos de libros y sala de máquinas y una indirecta que se
identifica con sus cuatro núcleos, que además sostienen un plano estructural del que
cuelgan por medio de tensores las losas del primer y segundo piso.
El proyecto da cuenta de cómo existen numerosas interpretaciones de un mismo programa
y que permite que una biblioteca pueda ser de muchas maneras, de la importancia de la
formación académica y práctica para lograr diferentes propuestas y de cómo el aporte de
cada obra nos permite formarnos y ampliarnos para tener una visión un poco más completa
acerca de lo que significa responder a la problemática de un enunciado de arquitectura.
- Otros concursos del contexto (parques→sanidad): Concurso Nacional Cementerio del
Parque de Mar del Plata y Concurso Nacional Colegio Mayor Argentino en C.V. de Madrid.

La arquitectura de sistemas
El inicio de esta tendencia tiene directa relación con acontecimientos anteriores que
redefinen el campo de la cultura arquitectónica, como por ejemplo, el concurso de la
Biblioteca Nacional (1960).
Arq. de sistemas: Bajo esta modalidad podría englobarse un capítulo importante de la
arquitectura argentina de los años ‘60 y ‘70. La corriente comienza a tener entidad a
mediados de la década del ‘60 y se desarrolla hasta fines de los ‘70.
Lenguaje formalmente reconocible: por la división morfológica de sus partes funcionales, la
proyectación a partir de grillas universales, la apelación a imágenes tecnológicas de
carácter dinámico, el uso de acero y vidrio, los colores contrastantes, las instalaciones
complementarias a la vista, la utilización de macrográfica, etc.
La creencia sostenida por amplios sectores de la sociedad de que un desarrollo continuo y
sustentado por un proceso general de modernización permitiría, en un mediano plazo,
alcanzar una rápida evolución política y económica, está en la base del éxito de esta
modalidad estilística. De allí que las expresiones resultantes de la tendencia sean
representativas, durante los ‘60 y ‘70, en la construcción del imaginario de progreso que
caracteriza la etapa de optimismo desarrollista.
Características significativas:
- La afirmación de un futuro que niega el presente, el contexto cultural y las referencias
históricas. Esta apuesta se basa en el posible impacto regenerador de la obra sobre el
entorno. Solo pueden realizarse en espacios abiertos y conectarse con la cuadrícula a partir
de una propuesta funcional regeneradora.
- La posibilidad de conciliar profesionalismo y experimentalismo en una sola mezcla. Al no
diferenciarse los encargos profesionales de carácter comercial de aquellos del campo
específico de la experimentación, el equilibrio se torna inestable.
A diferencia de otros períodos, lo que se proyecta en el ámbito local no es tan claramente
distinguible de la producción contemporánea publicada en las revistas internacionales.
Detrás de todo esto está la atención explícita con que muchos arquitectos argentinos miran
la arquitectura británica: Team X (Stirling y los Smithson en un primer momento) y las
radicales propuestas de Archigram, los Metabolistas japoneses → retórica tecnológica.
Época de los ‘60 → será precisamente cuando se configura una amplia arquitectura
Argentina con una importante trascendencia internacional, teniendo en este enriquecimiento
un papel relevante los concursos nacionales de anteproyecto que se proponen y
disponiendo este momento cultural tan rico de un testimonio y espacio de reflexión tan
cualificado como la revista suma creada en 1963.
La clara confianza en las nuevas tecnologías y el intento de huir de las configuraciones
espaciales más simples, tendiendo a soluciones que expresen la plasticidad de los nuevos
materiales, como hormigón, cristal, aluminio, etc., se recreará en muchas obras de estos
arquitectos tendiendo a caminos formalistas y Neo brutalistas (Clorindo Testa) hiper
tecnológicos (como el estudio Llauró, Urgell y Asociados), de un claro énfasis en los valores
de significado, centrado con experiencias más poéticas y escultóricas.

La persistencia de Mario Roberto Alvarez - (1913-2011), Buenos Aires, Argentina.

SEGUNDA ETAPA (1960-1980): etapa de madurez.
Modelo de país industrializado basado en las teorías desarrollistas. Surgen los grandes
edificios industriales, las obras de ingeniería y la arquitectura corporativa en Argentina. En
este contexto, Álvarez crea una imágen profesional de prestigio. Su estudio, denominado
“MRA y Asociados” se consolidó y fortaleció como oficina profesional construyendo una
serie de edificios bancarios, de vivienda y de oficinas en torre que demostraron la capacidad
y el rigor alcanzado para ejecutar obras de gran escala, utilizando siempre un criterio
funcionalista y racionalizado, sin apelar a la ornamentación. Estructuras de hormigón
armado a la vista, fachadas vidriadas y planos de granito o mármol aparecen con elementos
característicos de la arquitectura sobria y moderna alcanzada en esta época. Participa en
los sistemas de concursos.
- Bank of América (1963-1965). [Link]. En un terreno en esquina en el microcentro de
la ciudad. Volumen prismático compuesto por dos bloques superpuestos, uno
suspendido entre la planta baja y el segundo piso donde se sitúa un vacío con un
jardín, y otro bloque que llega hasta el noveno piso. Una expresión contundente que
refleja decisiones programáticas claras al separar volumétricamente las dos
funciones, una pública en el prisma más pequeño del primer piso y otra privada en el
más grande luego del vacío del jardín del piso jerárquico es característica de este
grupo de arquitectos. Clara intención de colaborar con el espacio público, la planta
baja es un gran espacio semicubierto que produce el efecto de ensanchar la vereda
y generar una situación de acceso confortable. Muro cortina de bandas horizontales
de vidrio conforma la imagen del prisma de carácter “miesiano”.
- Centro Cultural San Martín (1962-1970). CABA. Proyectó la segunda etapa de un
complejo cultural que se había iniciado con el Teatro San Martín (construído por él
en su 1era etapa). Aunque adoptan el mismo nombre y están conectados
físicamente por una galería subterránea, representan dos entes independientes.
 - Edificio Somisa (1966-1972). [Link]. Edificio en la esquina. Sede Central para la
Sociedad Mixta Siderúrgica Argentina (SOMISA), fue el primer edificio erigido en la
Argentina totalmente en acero y el primero totalmente soldado en el mundo. Imágen
formal que da cuenta del valor emblemático de la tecnología y la idea de progreso
técnico. Comprende 7 subsuelos y catorce pisos por encima del nivel de calle. Sus
elementos estructurales, forjados, cerramientos exteriores y particiones interiores
son íntegramente de acero, base para la industria del país, y del cual SOMISA fue
su principal productor. El edificio está constituido por una piel exterior de cristal con
su infraestructura de sostén de acero, la estructura portante vertical y horizontal de
acero y los núcleos de hormigón armado pretensado de ascensores. Todo el
perímetro vidriado es tratado para una aislación térmica y acústica óptima. Fue el
primer edificio erigido en la Argentina totalmente en acero y el primero totalmente
soldado en el mundo.

Clorindo Testa (1923-2013), Nápoles, Italia.

Nacido en Italia se trasladó a Argentina cuando tenía meses de edad. Crece en Arg.
Antes de comenzar sus estudios como arquitecto, inició las carreras de Ing. Civil y Naval.
1947: se graduó de arquitecto en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de [Link].
Trabaja como dibujante en las oficinas del Plan Regulador de la Ciudad de Buenos Aires
junto con el Grupo Austral e influenciado por Le Corbusier.
1949-1951: Permanece en Italia.
1952: Regresó a [Link]. Ganó el concurso nacional para la construcción del edificio de la
Cámara Argentina de la Construcción.
La sensibilidad brutalista se despliega manifestándose con rasgos de mayor actividad que
otros profesionales contemporáneos. Su tendencia a manipular los materiales y los
lenguajes, inicialmente de referencialidad corbuseriana, ha ido variando conforme a las
modificaciones del campo cultural en el plano local e internacional. Emblematiza como
ningún otro la figura del arquitecto “renacentista”, del creador sin límites disciplinares, y al
mismo tiempo del paradigma modernista de la continua búsqueda de soluciones inéditas.
Culto y sensible, pero también pragmático y poco afecto a las teorizaciones, tampoco se
destacan en su producción intentos de sistematización o reflexión global, más allá de unos
pocos principios.
PRIMERA ETAPA: Testa inició su actividad profesional asociándose en un estudio junto a
Rossi, Gaido y Dabinovic, equipo con el que trabajaría hasta 1958, marcando la primera
etapa de su obra. Fuerte adhesión a los postulados corbuserianos especialmente en el uso
de la planta libre, la fachadas de parasoles de H visto y las cubiertas independientes.
SEGUNDA ETAPA: Trabajó con distintos colegas, este período se caracteriza por la
manifestación plena de su personalidad plástica. Los proyectos de esta época fueron
trabajados como masas plásticas, modeladas con sensualidad escultórica, utilizando para
ello al máximo las posibilidades ofrecidas por el HA°. Mediante un material se definen
grandes contenedores, plegados, perforados en múltiples formas, cajas capaces de cobijar
en su interior otras formas menores. En las décadas del ‘50-’60, se implantará esta
arquitectura llamada “del desarrollo” (neo-productivismo). El Banco de Londres y América
del Sur, es una de las muestras explícitas de ello y marca el comienzo de su 2da etapa.
- Banco de Londres y América del Sur (1959) Bs. As. Testa + SEPRA. (Hoy Banco
Hipotecario). Producto de un concurso privado. Apostaba a una imagen de futuro, lo
que se constituía como un cambio radical en el carácter hasta entonces conservador
de las sedes financieras y fue el motor principal de la empresa, pero no dejaba de
 resolverse como un monumento. Hay una fuerte expresión del hormigón a la vista,
remite al brutalismo, siempre muy plástico. Importante atención al contexto en una
particular relación interior-exterior: capaz de integrarse al contexto urbano a partir de
la continuidad y no de la ruptura o la indiferencia, generando un espacio más vivible
para el ciudadano común. No funciona como un edificio tradicional, más bien como
una plaza abierta. Plateas en el interior, espacios fluidos. Singular planteo
estructural, muy ligado a la actitud formal. Contrasta con las tradicionales
construcciones bancarias que lo rodean, icono de la modernidad nacional. Cambia la
forma de ver la idea del banco como fortaleza y cerrado en sí mismo.
- Instituto Di Tella, calle Florida 936. (1958). Testa + Bullrich + Cazzaniaga.
- Biblioteca Nacional (1962 concurso | 1992 construcción), Capital Federal. Testa +
Bullrich + Cazzaniaga. Junto con el Banco de Londres son sus dos obras más clave
(aunque tiene muchas más). Concurso Nacional de Anteproyectos. Planteo funcional
innovador. Salas de lectura en nivel superior, depósito de libros en el subsuelo.
Montacargas y ascensores en las patas estructurales. Fuerte importancia de la
expresión formal, H°A° visto.

Estudio SEPRA
Estudio de arquitectura conformado por Santiago Sánchez Elía, Federico Peralta Ramos y
Alfredo Agostini en 1936. La sigla del estudio se refiere a las iniciales de sus fundadores.
Formados dentro de un lenguaje académico y ecléctico, los años iniciales de SEPRA
(finales década del ‘30) coinciden con la introducción en la Argentina de los primeros pasos
del Movimiento Moderno, sin que esto haya implicado el abandono de los diversos
lenguajes historicistas que habían acompañado a la arquitectura del siglo XIX. Poseen una
sensibilidad académica para definir la opción lingüística según los requerimientos del
programa: las casas particulares suelen ser pintorescas, mientras que la Modernidad se lee
en clave monumental, por ejemplo, en su primera obra destacada: el edificio de la compañía
de navegación Yatahi (1945). Ya entonces emerge en las mejores obras un tema central en
la trayectoria del estudio: el valor expresivo de la estructura.
Obras que constituyen para la historiografía local el avance de lo que se llamó Brutalismo:
- Municipalidad de Córdoba (1954-1958)
- Edificio de Teléfonos del Estado en Buenos Aires (1951- 1956) (hoy Telefónica de
Argentina). Estos dos edificios retoman, amplificadas, sus preocupaciones por el
tema estructural expresivo.
La monumentalidad de las soluciones y la espacialidad lograda en los dos ejemplos se
constituyen como antecedentes de la obra más importante del Modernismo argentino:
- Banco de Londres (1960-1966), realizado por el estudio en colaboración con el
arquitecto Clorindo Testa, invitado especialmente a participar en el concurso.
SEPRA se dedicará en gran medida al desarrollo de plantas industriales (programa que se
consideraba de avanzada para la transformación de la sociedad argentina):
- Los Talleres Perdriel (1956), los Laboratorios Abbot (1957), la Planta Industrial SIAM
(1960) deben leerse en íntima relación con la afluencia local de capitales
norteamericanos. Esto significa que las variantes adoptadas están definidas dentro
de los límites estrictos de los clientes internacionales: la fachada limpia y
homogénea en su tratamiento plano, frecuentemente de ladrillo y revoque; la
diferenciación nítida de estructura y cerramiento; la localización y articulación de las
funciones como en una máquina de reloj. Los talleres Perdriel hacen presente las
primeras experiencias locales de elementos suspendidos mediante tensores, lo que
 significa la desaparición del valor plástico de la estructura. La planta de SIAM aborda
en cambio el tema del hormigón combinado con ladrillos.
Aportaron soluciones creativas y avanzadas, como la revalorización del ladrillo y el
hormigón en los años ‘40. Conservan el principio de calidad constructiva, sea esta en
materiales tradicionales (ladrillo), en hormigón o en modernísimas soluciones estructurales.
Agostini falleció en 1972 y en 1976 falleció Sánchez Elía. El estudio permaneció
conformado por Sánchez Elía (hijo) y Federico Peralta Ramos.
Hacia 1988, la oficina se disuelve en tres estudios:
- Sánchez Elía - SEPRA, realiza obras de importancia, como el Park Hyatt Hotel y la torre
Le Parc, en colaboración con Mario Roberto Álvarez.
- Diego Peralta Ramos - SEPRA
- Asoc. y Beccar Varela – SEPRA, ha proyectado también obras importantes, como las
torres Bouchard y Fortabat en Puerto Madero.

Estudio STAFF
Estudio de arquitectura conformado por Ángela Teresa Bielus, Jorge Goldemberg y Olga
Wainstein Krauk en 1964, desplegando sus actividades entre 1964 y 1993.
Los puntos de vista elaborados por Staff definieron en el diseño urbano una forma de hacer
ciudad comprometida con las inversiones del Estado, con una finalidad social y con el
reposicionamiento de la figura del arquitecto como un actor técnico-político alejado de
esteticismos. La propia denominación del estudio refería al espíritu de trabajo en equipo,
ponderando las consecuencias programáticas que las acciones interdisciplinarias aportadas
por sus integrantes, proponen como forma de construir un campo abierto en torno de la
sociología, el urbanismo y la arquitectura.
Concentró su producción edilicia en la temática de la vivienda masiva. Propusieron un
conjunto de ideas alternativas que acercaron al grupo a la crítica de la ciudad tradicional,
pero también a los modelos sugeridos por los CIAM. Participantes activos en el sistema de
concursos nacionales, obtienen una importante cantidad de premios y menciones, lo que le
permite construir muchas de sus propuestas para los conjuntos habitacionales.
Sus principales obras fueron grandes conjuntos de vivienda social en Buenos Aires y sus
alrededores como parte del plan PEVE “Plan de Erradicación de Villas de Emergencia”
(proyecto gubernamental del país destinado a solucionar el problema de la vivienda para las
clases humildes y marginadas y la resolución del déficit habitacional de los sectores
sociales de bajos recursos, reglamentado por primera vez en la presidencia de Illia):
- Conjunto Habitacional Ciudadela (1970-1978). En 960 viviendas, el estudio recurrió
a la tipología de tiras horizontales de cuatro plantas. Al año siguiente se realizó un
nuevo certamen gracias a la adquisición de un terreno contiguo de mayores
dimensiones, para una segunda fase del conjunto de viviendas. Así, STAFF volvió a
ganar con su proyecto “Conjunto Habitacional Ciudadela II”, y esta vez con un
elemento nuevo como parte del barrio: una serie de torres de trece plantas que los
arquitectos llamaron nudos, ya que se ubican precisamente en la intersección de las
tiras de cuatro plantas. Así, ambos conjuntos de Ciudadela sumarían viviendas para
17000 personas. En etapas, la primera se terminó en 1973 y la segunda en 1978.
Con el paso del tiempo y el abandono tanto del Estado como de sus propietarios el
conjunto se transformó en un lugar marcado por la marginalidad y la ruina de sus
edificios.
- Conjunto Habitacional Villa Soldati (1972-1978). Conjunto de gran cantidad de
viviendas en una superficie acotada con un programa más complejo: incluía centro
 comercial y escuelas primarias. Se dio gran énfasis al diagnóstico sociológico y a su
traducción al diseño urbano. Desde tal punto de partida, se puso el acento en la
“anomia”(aislamiento del individuo), el sentido de no-pertenencia creado
particularmente por los bloques repetidos y aislados. Por lo tanto, sus búsquedas se
dirigieron a: 1) materialización de un clima urbano en escalas diferenciadas; la
vivienda, la calle, el encuentro de calles, la noción del conjunto; 2) dentro de una
estructura general de orden, dar respuesta desde un punto de vista económico e
individualizar la vivienda en la totalidad del conjunto, creando situaciones variadas;
3) compactar, obteniendo “densidad de situaciones”; 4) buscar continuidad,
articulando el conjunto mediante las circulaciones (fundamentalmente peatonales).
- Conjunto Florencio Varela (1973-1978). Uno de los grandes proyectos de vivienda
masiva desarrollado por el estudio. 103.000 m2 cubiertos en 14 hectáreas
recurriendo nuevamente a la tipología de tiras bajas y longitudinales.
Si bien la oficina ha sido disuelta, sus integrantes principales desarrollaron una práctica
continuada en el campo de la investigación y la docencia en la FADU-UBA.
A escala metropolitana, junto con la oficina de Manteola, Santos, Sánchez Gómez, Solsona
y Viñoly, plantearon el anteproyecto de remodelación del Centro de Stgo. de Chile (1972).
Unidad Temática V - AÑOS ‘70. POSMODERNIDAD, FRAGMENTACIÓN Y DISPERSIÓN
Etapa de equilibrios inestables. El capitalismo transnacional financiero; las nuevas formas
de dependencia. Aldo Rossi y la arquitectura de la ciudad. Robert Venturi y el aprender de
Las Vegas. La ciudad collage. Las tendencias de la arquitectura de los '70 (K. Frampton):
Neo-productivismo; el protagonismo de la tecnología. Neo-racionalismo, revalorización del
lenguaje racionalista. Los Five de N. York. Contextualismo y populismo: la arquitectura
como comunicación. Las expresiones de la posmodernidad en Argentina y América Latina.
"La Escuelita". Cultura posmoderna, tradición y localismos en los países americanos.

V. 1 - Contexto cultural:
Etapa de equilibrios inestables en el marco de la política internacional. En Europa, el
“estado de bienestar” convive con el terrorismo (IRA, ETA, Brigadas Rojas). El capitalismo
transnacional financiero; las nuevas formas de dependencia. Las sangrientas dictaduras
militares en países de América. El Plan Cóndor. La crisis del petróleo. La Revolución
Tecnológica, el microprocesador y el advenimiento del mundo informático. La reacción
antimoderna; pluralidad y eclecticismo en las corrientes del arte y la arquitectura.

Los años ‘70 - Etapa de equilibrios inestables en el marco de la política internacional.

En términos históricos hay algunos hechos que son decisivos para detonar esta década:
- Europa: el “estado de bienestar” convive con el terrorismo.
→ “Estado de bienestar” (modelo general del estado en el que el rol de este consiste
en proveer equidad a los ciudadanos al satisfacer las necesidades básicas,
promover igualdad de oportunidades y distribución equitativa de la riqueza).
→ Organizaciones terroristas: IRA, ITA, Brigadas Rojas.
En los ‘70 se dan los movimientos de guerrillas en algunos países occidentales, por
ej. Italia con el surgimiento de las brigadas rojas, el ejército rojo japonés, la yihad
islámica, el conflicto árabe-israelí, los movimientos pro nazis en Alemania, etc.
Situaciones que van a detonar una perspectiva de violencia en las sociedades y que
en el caso europeo se contrastan con un aumento de los niveles de vida de la
sociedad europea. Sociedad que recién en los ‘70 sale plenamente de la guerra y
desarrolla industrias, sistema de servicios y protección → lo que en Europa va a ser
el estado de bienestar años empieza en los ‘60 pero se consolidan los ‘70.
España es convocada a formar parte del mundo europeo.
- Se reconocen los límites que habría alcanzado la sociedad industrial | Modelo
histórico de la Modernización.
- 1era crisis del petróleo 1973 | Guerra Israel con Siria y Egipto (impacta directamente
en los arquitectos, el factor energético no había sido considerado hasta entonces).
- 2da Crisis del petróleo 1979 | Guerra entre Irán e Irak en 1980.
- Dictaduras militares sangrientas en América Latina: Durante las décadas de ‘60 y
‘70, América Latina vivió, de manera sistemática y estratégica, un proceso de
militarización, el cual utilizó como acto político de expresión, la forma del golpe de
Estado. La toma violenta del Estado, en cuyo seno descansaba el poder político
mismo, se convirtió en una práctica recurrente de las instituciones de defensa
nacional, constituyéndose no sólo en actores fundamentales del proceso de cambio
que sufrió el continente, sino en garantes del curso irreversible que este proceso
adoptó en los años siguientes. Se trata de un proceso de cambio que implicó
diversos planos de la escena nacional, y que podrían ser resumidos en la abolición
de la idea tradicional de Estado y de la centralidad de las instituciones públicas.
 - La condición posmoderna de Jean-François Lyotard en 1979.
- Ulrich Beck | Anthony Giddens | Zigmunt Bauman: Segunda Modernidad.
- La sociedad del riesgo es un segundo tipo de sociedad moderna (Beck) | Exigencia
principal → la seguridad | Cambio radical en la manera de pensar la naturaleza.
- Tras el fin de la Guerra Fría | Caída del Muro de Berlín (1989): cristalización de un
nuevo paradigma global.

Posmodernidad → mediados s. XX (años ‘70 y ‘80)

Concepto amplio que se refiere a una tendencia de la cultura, el arte y la filosofía occidental
que surgió en la década de 1980 y se caracteriza por la crítica al racionalismo.
La posmodernidad tiene por un lado un encuadre histórico de inicio que podemos
extenderlo desde finales de la 2da Guerra Mundial como hecho detonante.
Para darle un momento de surgimiento pleno como una como una situación histórica social
y cultural en desarrollo ya hablamos de los años ‘70.
Hasta los ‘60 se vivía un momento revulsivo donde todo es puesto en tela de juicio, todo es
revisado, pero, a diferencia de los ‘70 esos años ‘60 tenían esperanza, esas
transformaciones se hacían pensando en qué esos caminos revolucionarios iban a llevar a
la superación. En los 60 había una idea de progreso. Esto va a ser muy puesto en tela de
juicio y va a ser el resultado en los años ‘70 y el rasgo fundamental de lo que denominamos
posmodernidad. Cuando se habla de posmodernidad, es en donde se mueren los grandes
relatos, se muere esta idea de progreso, relato que venía desde la ilustración. Ese ideal de
progreso es el gran quiebre de los 70.
Características: pesimismo; crítica a los medios como ejes de poder; crítica a las dinámicas
de consumo; rechazo a la pérdida de privacidad; cuestionamiento a los nuevos procesos
comunicacionales; crítica permanente; preocupación por el medio ambiente.
Crítica → Corriente de pensamiento caracterizada por cuestionar las ideas de la
modernidad, al considerar su fracaso para el avance social → en contra de → Modernidad:
Corriente de pensamiento caracterizada por promover la idea de progreso social a través
del conocimiento y la razón.

V. 2 - Ciudad y Territorio:
Aldo Rossi y la arquitectura de la ciudad; el discurso sobre la ciudad histórica y el valor de
los monumentos; la relación elemento primario-tejido; la recuperación de la tipología en la
configuración urbana; la ciudad análoga.
Robert Venturi y el aprender de Las Vegas: la crítica posmoderna a la tabula rasa del CIAM,
una visión antiutópica y “contextualista” (K. Frampton). La ciudad collage: la negación de la
utopía moderna; del Townscape a la ciencia ficción (Colin Rowe).

Aldo Rossi y la arquitectura de la ciudad; el discurso sobre la ciudad histórica y el

valor de los monumentos; la relación elemento primario-tejido; la recuperación de la
tipología en la configuración urbana; la ciudad análoga.

Aldo Rossi (1931-1997), Milán, Italia

Arquitecto y diseñador italiano considerado como uno de los principales exponentes del
movimiento postmoderno.
1959: se graduó de arquitecto en el Politecnico de Milano.
1963: Comenzó su actividad docente, primero en la Escuela de Urbanismo de Arezzo y
después en el Instituto Universitario di Architettura di Venezia.
1966: publicó su primer libro: “La arquitectura de la ciudad” en el que establecía sus teorías
sobre el diseño urbanístico de las ciudades. En este libro, Rossi promueve pensamientos
diferentes de espacio y estructuras arquitectónicas. Pretende que la arquitectura sea una
ciencia positiva y sea entendida como un mundo igual al de los científicos. En cuanto a su
ideología, podemos ver que es muy similar a los tratados de la época clásica. Él expresa,
sobre todo, puntos para los arquitectos de cómo se podría contemplar la ciudad.
Contextualización → Italia: importante tener en cuenta que este país coexiste con toda la
tradición y el pasado histórico, ya sea por las ruinas o por todas las producciones
posteriores que han ido jalonando el paso del tiempo. Por lo que para ellos, articular la
arquitectura nueva con la ciudad existente y con los elementos de la ciudad, va a ser una
problemática muy importante; muy distinto a lo que vamos a ver en el caso americano
donde la relación con la tradición y la historia es mucho más laxa.
La Arquitectura de la Ciudad
“Tendenza” → grupo arquitectónico italiano de estilo neo-racionalista compuesto
principalmente por Aldo Rossi, Giorgio Grassi y Giuseppe Samaná. Era un intento de evitar
que tanto la arquitectura como la ciudad fueran invalidadas por la fuerza omnipresente del
consumismo megalopolitano. Este retorno a los “límites” de la arquitectura se inició con la
publicación de dos textos trascendentes: “La arquitectura de la ciudad” de Rossi y “La
construcción lógica de la arquitectura” de Grassi. El primero, es la concepción de la
tipología como emergente de la estructura morfológica urbana y de la misma historia, así
como las variaciones que se desarrollan sobre la misma en el tiempo y los valores que se la
han ido sumando en torno a lo colectivo, lo social y el uso. Ideas centrales: la evolución de
los hechos urbanos, la vinculación con las preexistencias, la permanencia y el monumento,
intervención en el perfil urbano, la tipología en el proyecto y la ciudad análoga. El segundo,
intentaba formular las necesarias reglas compositivas o combinatorias para la arquitectura.
Para los miembros del grupo, la arquitectura debe dirigir el crecimiento urbanístico de las
ciudades, desligada de cualquier otra disciplina en una autonomía específica que depure la
arquitectura de dependencias extra-arquitectónicas. En esta nueva relación de la
arquitectura con la ciudad los usos colectivos de la morfología urbana definirán las nuevas
tipologías arquitectónicas a seguir.
La Tendenza en Italia construyó muy poco, si bien tuvo un gran impacto en el urbanismo y
en la conservación histórica de los centros urbanos del país. A partir de finales de los años
‘70, el neo-racionalismo reunió muchos seguidores en toda Europa Continental.
El aspecto más enigmático del pensamiento de Rossi radica en su preocupación no
declarada por el Panóptico bajo cuya rúbrica seguramente incluiría la escuela, el hospital y
la prisión. Para él, junto con el monumento y el cementerio, constituían los únicos
programas capaces de encarnar los valores de la arquitectura por sí mismos.
Rossi reconoció que los programas más modernos eran vehículos inadecuados para la
arquitectura, y para él esto significaba recurrir a una arquitectura llamada “analógica” cuyos
referentes y elementos deben abstraerse de lo vernáculo en un sentido lo más amplio
posible.
Rossi entiende siempre a la arquitectura en relación a la ciudad, a su gestión política,
memoria, ordenanzas, trazado y estructura de la propiedad urbana. La arquitectura aquí se
concibe no sólo como imagen visible sino como construcción, conformante de la ciudad en
el tiempo. La arquitectura tiene carácter colectivo, dirá el autor. Se manifiesta en la sociedad
y le da forma concreta, está íntimamente relacionada con ella desde la creación del
ambiente en el cual ésta vive. La intencionalidad estética y la creación de un ambiente más
propicio a la vida (como caracteres permanentes de la arquitectura), se reflejan e iluminan la
ciudad, que es entendida por Rossi como bien histórico y cultural, creación humana
connatural a la formación de la civilización, hecho permanente, universal y necesario.
Robert Venturi y el aprender de Las Vegas: la crítica posmoderna a la tabula rasa del
CIAM, una visión antiutópica y “contextualista” (K. Frampton). La ciudad collage: la
negación de la utopía moderna; del Townscape a la ciencia ficción (Colin Rowe).
Contextualismo | Populismo | Participacionismo → términos que pueden coincidir al
denominar una de las tendencias arquitectónicas de la Posmodernidad. Línea que se da en
gran parte de origen norteamerticano.
Crítica “contextualista” → Visión / crítica antiutópica y “contextualista” sobre:
- Empobrecimiento del espacio urbano, debido a los códigos reductivos de la
arquitectura contemporánea.
- Pérdida de la identidad cultural.
[Frampton]: El reconocimiento de la pérdida de la identidad cultural, aparecido en el rastro
del proceso de urbanización, retornó con fuerza a mediados de los años ‘70, cuando los arq.
empezaron a darse cuenta de que los códigos reduccionistas de la arquitectura
contemporánea habían llevado a un empobrecimiento del entorno urbano. Sin embargo, el
modo exacto en que se había producido este empobrecimiento es un tema complejo y
crítico ya que no sabemos hasta qué punto se debía a las tendencias abstractas presentes
en la propia racionalidad cartesiana o, alternativamente, a la implacable explotación
económica. No puede negarse que el reduccionismo de tábula rasa del Movimiento
Moderno desempeñó un papel destacado en la destrucción sistemática de la cultura urbana;
así pues, el énfasis que la crítica “posmoderna” ha puesto en el respeto del contexto urbano
existente difícilmente puede desestimarse.
Esta crítica antiutópica y “contextualista” ya estaba disponible en los años ‘70: primero en
ese enfoque de la forma urbana inspirado en Sitte que propugnaba Colin Rowe (enseñado
en sus clases en la Universidad de Cornell y presentando en el libro “Ciudad Collage”, de
1979),y luego en “Complejidad y contradicción en la arquitectura” de 1966 en donde Venturi
escribía: “Los viejos clichés que implican a la vez banalidad y desorden serán aún el
contexto para nuestra nueva arquitectura, y nuestra nueva arquitectura será,
significativamente, el contexto para ellos. Estoy adoptando una perspectiva limitada, lo
admito, pero esta perspectiva limitada, que los arquitectos han tendido a menospreciar, es
tan importante como la perspectiva visionaria, que han tendido a glorificar pero que no han
puesto en práctica. La planificación a corto plazo, que tan oportunamente combina lo viejo y
lo nuevo, debe acompañar a la planificación a largo plazo.”

Robert Venturi (1925-2018), Filadelfia, EEUU

Arquitecto. Uno de los principales teóricos de la arquitectura contextual. → Antimoderno.
Si en Rossi la crítica al Movimiento Moderno era más implícita que explícita (construir una
nueva teoría sobre la ciudad, crítica al funcionalismo ingenuo y a la ciudad racionalista); en
cambio, en Venturi esta voluntad de superación del Movimiento Moderno es más
pragmática. Él mismo se definirá como posmoderno.
1943: inició arquitectura en la Univ. de Princeton. Licenciatura+Maestría. Graduado en 1950.
1950: ingresó como becario en la Academia Americana en Roma, hasta 1956.
1956: trabajó hasta 1958 en el estudio de Eero Saarnien y Louis Kahn.
1958: estableció su propio despacho. Se asoció con John Rauch en 1964 y se sumó Denise
Scott Brown (su esposa) en 1969, conformando el estudio.
Fue docente en la Universidad de Pennsylvania - UCLA - Yale University.
Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento
moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía
una arquitectura compleja y que aceptará sus contradicciones. Rechazó la austeridad del
movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un
rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.
1966: publica su texto crucial: “Complejidad y contradicción en la arquitectura”, que defiende
una visión contraria a la de la arquitectura moderna, una visión contradictoria, compleja y
ambigua, transgrediendo el principio de coherencia del Movimiento Moderno. En este:
- plantea la noción de que no hay una verdad absoluta en la arquitectura.
- se manifiesta en contra de la “intolerancia” de la arquitectura moderna y su accionar sobre
el ambiente existente que busca cambiarlo y cambiar a sus usuarios.
- propone interpretar y valorar en lugar de suprimir complejidades y contradicciones propias.
- sugiere que la propuesta arquitectónica mire fuentes de tradiciones eclecticistas,
clasicistas y populares.
1968: Venturi, Scott Brown y S. Izenour partieron hacia La Vegar para investigar elementos
arquitectónicos que hacían a la ciudad un lugar tan especial, donde a partir de toda una
serie de fotografías que se toman desde dentro de un coche a distintas velocidades ellos
establecen características o patrones. → “Aprender del paisaje existente es la manera de
ser un arquitecto revolucionario”.
1972: publicó “Aprendiendo de Las Vegas”, escrito por él junto a D. Scott Brown e Izenour.
“El proceso de aprendizaje es algo paradójico: miramos atrás, a la historia y la tradición,
para avanzar (..)”. Concretamente lo que van a plantear es estudiar cuáles son las lógicas
de funcionamiento de esta ciudad, una ciudad que tiene un propósito comercial muy
marcado y en el cual hay obviamente todo un desarrollo, un tránsito vehicular y peatonal
muy importante para el momento para poder entender en dónde estarían las esencias de
ciertas arquitecturas o ciertos programas arquitectónicos y poder establecer un diálogo y
tratar de repensar la arquitectura o plantear ideas. Actitud contextual, trabajar sobre la
cultura nacional, cultura pop, formas del consumo y del desarrollo del capitalismo.
Con esta publicación, la evaluación sensible y juiciosa de Venturi acerca de las realidades
culturales con las que se enfrentaba la práctica cotidiana (la necesidad de poner el orden
frente al desorden y viceversa) pasó de la aceptación del mal gusto a su glorificación; de
una valoración modesta del concepto de “Main Street” (calle mayor o principal) diciendo que
estaba “casi bien”, a una lectura del Strip, esa franja urbana llena de carteles publicitarios,
como la utopía transmutada de la Ilustración, aparecida allí como una trasposición de
ciencia ficción en medio del desierto. (Frampton)

Colin Rowe (1920-199), Rotherham, Reino Unido

Teórico de la arquitectura. Desarrolló su trabajo centrado en la historia de la arquitectura, la
crítica, la teoría y la enseñanza. Conocido por ser uno de los mayores intelectuales que
influyeron sobre la teoría urbanística en la segunda mitad del siglo XX, particularmente en el
planeamiento de ciudades, su regeneración y en el diseño urbano.
Profundiza la línea contextualista en Cornell University, New York.
1979: publica el libro “Ciudad Collage” junto a Fred Koetter. En este habla de un abismo
entre la cultura de élite y la cultura de masas y propone restablecer el puente comunicativo
entre estos dos mundos. La arquitectura ha de asumir su dimensión pública y utilizar la
metáfora, el símbolo y la historia para conectar con la gente.
Collage para el que se apela a universos arquitectónicos dispersos en tiempo y espacio, de
los que se extraen objetos para usar a modo de objets trouvés, “según gusto y convicción”.
“utilizar los residuos del mundo, preservar su integridad y darles dignidad” → Al conformar
con ellos nuevos contextos urbanos, se ampliará al infinito la posibilidad de referencias,
apropiándose de la herencia arquitectónica total.
V. 3 - Arquitectura:
Las tendencias de la arquitectura de los '70 (K. Frampton):
Neoproductivismo; el nuevo protagonismo de la tecnología; los antecedentes; su valor de
significación; Kevin Roche; John Portman; César Pelli; Richard Rogers y Renzo Piano;
Norman Foster; [Link].
Neo-racionalismo; la idea de tipo; la revalorización del lenguaje racionalista. Aldo Rossi y la
"Tendenza"; [Link]; Mario Botta. Los "Five Architects" de New York: la autonomía de
la forma y la recuperación de la modernidad del “período heroico”.
Contextualismo y populismo: la arquitectura como hecho de comunicación; la relación con la
historia y con las arquitecturas populares; Robert Venturi; Charles Moore; Michael Graves.
Otras experiencias: estructuralismo; participacionismo; Aldo Van Eyck, Ralph Erskine.
Las expresiones de la posmodernidad en Argentina y América Latina. "La Escuelita"; Tony
Díaz; Estudio Baudizzone, Erbin, Lestard, Varas; Miguel Angel Roca; Estudio MSGSSS. La
persistencia de Clorindo Testa y Oscar Niemeyer. Cultura posmoderna, tradición y
localismos en países americanos.

Las tendencias de la arquitectura de los '70 (K. Frampton):

Los años ‘70 → Posmodernidad, fragmentación y dispersión (carecían totalmente de
uniformidad). Continuidad con los cambios iniciados en los años 60 y presentación de
nuevas problemáticas desde el debate teórico y disciplinar. Los conceptos básicamente
modernos fueron 'replanteados' en culturas y países diversos. Sería inútil indicar una línea
principal e imprudente intentar establecer una ecuación entre estilo y calidad, e intolerante
fijar uno de los movimientos como el clave. En lo que sigue, los 'ismos' se han evitado en la
medida de lo posible, y las tendencias más amplias se examinan mediante obras concretas.
Diferentes aproximaciones al proyecto desde posturas teóricas o productivas diversas, que
Frampton encauza y ordena con un sentido historiográfico.
Según Frampton las tendencias de la arquitectura de los ‘70 son: Neoproductivismo;
Neo-racionalismo; Contextualismo | Populismo | Participacionismo.

Neoproductivismo; el nuevo protagonismo de la tecnología; los antecedentes; su

valor de significación; Kevin Roche; John Portman; César Pelli; Richard Rogers y
Renzo Piano; Norman Foster; [Link].
“El productivismo, en el sentido más muro, es virtualmente indistinguible, como posición en
favor de la modernidad, de la visión que sostiene que una arquitectura auténticamente
moderna, podría y debería ser simplemente, una elegante ingeniería o un producto de
diseño industrial a escala gigantesca.” (Frampton)

Neoproductivismo → Nace y se desarrolla después de la 2da Guerra Mundial.

Antecedentes | Influencias:
- Mies Van der Rohe → “casi nada es demasiado”, “menos es más”.
- Buckminster Fuller → “Dymaxion”, tener un efecto máximo con un mínimo de medios.
- Konrad Wachsmann → “Prefabricación con Gropius 1956. The turning porn of building”
- Max Bill → “Noción de PRODUCTFORM. Pabellón de Exposición Desmontable (1963).
Norman Foster cita precisamente esas Produktion Formen como antecedentes de su obra,
enumerando por ej: el Crystal Palace de Paxton.
- Eero Saarnien → Imaginación y audacia estructural. Formas escultóricas. Arquitectura
comunicacional. Estructura como generadora del espacio.
El término neo-productivismo se utiliza para referirse a la arquitectura neo-modernista que
se desarrolla entre las décadas del ‘60 y ‘70 y que vuelve a identificarse con la ingeniería,
tanto por procesos productivos de obra (elementos prefabricados a gran escala, es decir,
arquitectura como diseño industrial) como por la apariencia formal que deja al descubierto
estructuras diferentes a los rascacielos de líneas paralelas y verticales. Trabaja en la
arquitectura como un producto de diseño industrial de escala gigantesca.
Este tipo de arquitectura usa elementos independientes de la estructura básica para formar
un todo: se superponen vigas, colgantes, fachadas y otros, dando apariencia de una
sostenibilidad casi imposible, que deja al descubierto los elementos y estructuras utilizados.
Los preceptos del Productivismo (según Frampton):
1) El cometido del edificio debería alojarse en una nave o hangar sin decoración, y esta
construcción debería quedar tan abierta y flexible como sea posible.
2) La adaptabilidad de este volumen debería mantenerse mediante la inclusión de una red
homogénea e integrada de instalaciones (energía, luz, calor).
3) Necesidad de articular y expresar estructuras e instalaciones, algo que suele conseguirse
siguiendo la famosa separación de Kahn entre espacios servidos y espacios servidores.
Este precepto se manifiesta de modo patente en las obras más importantes de Richard
Rogers: el Centro Pompidou y la sede central de la firma Lloyd 's en Londres (1978-1986).
4) La obra como manifestación sin trabas de la producción misma, la expresión de todas las
partes componentes como Produktion Formen, una regla que pocas veces se cumple en los
edificios de minimalistas norteamericanos de construcción vista, aunque productivistas tanto
norteamericanos como británicos se esfuercen por conseguir una piel limpia y “consumista”.
Una de las pocas variables básicas del planteamiento productivista es hasta qué punto la
piel o el esqueleto constituyen el medio de expresión predominante. Durante un tiempo,
esta diferenciación permitió distinguir entre las actitudes retóricas adoptadas por los
estudios de Foster y Rogers: el primero prefería la piel y el segundo situaba la carga
expresiva en la estructura. Sin embargo, más adelante Foster Associates modificó su
planteamiento, orientándose cada vez más hacia la expresión extrínseca de la estructura.

Kevin Roche (1922-2019), Dublín, Irlanda

1940: comenzó a estudiar arquitectura en la Universidad de Dublín. 1945 se graduó.
1948: abandona Dublín y se traslada a EEUU para estudiar su posgrado con Mies.
1950: Terminada su etapa académica, Roche trabajó para Eero Saarinen en proyectos tan
emblemáticos como la Terminal de la TWA en Nueva York, y fue el socio principal del
estudio hasta la muerte de Saarinen en 1961. Junto con su colega John Dinkeloo, completó
muchas de las obras de Saarinen después de su muerte.
1982: recibió el premio Pritzker entre otros.
Las propias obras de Roche se caracterizan con menos facilidad que las de su mentor; no
tienen una relación formal particular ni traicionan fijaciones conceptuales.
Buen manejo de grandes escalas. Con sus edificios administrativos representa la
arquitectura de las grandes corporaciones americanas.
- Edificio de la Fundación Ford (1968) New York. Edificio de oficinas de 12 pisos de
vidrio y granito. Introduce el concepto de un espacio verde abierto al interior, un
invernadero, sistema para el control ambiental y la calidad de los espacios de
oficinas, precursor en un ámbito en el que el cerramiento de vidrio alcanza la tercera
dimensión, un paisaje interior aislado climatológica, ambiental y acústicamente del
exterior. Correcta relación con el entorno en el que se sitúa. El cristal, elemento
crucial,refleja la transparencia modernista y ayuda a lograr las experiencias visuales.
John Portman (1924-2017), Carolina del Sur, EEUU
Al finalizar la 2da Guerra Mundial entró al Instituto de Tecnología de Georgia donde estudió
arquitectura. En 1950 se graduó.
1953: fundó en Atlanta su estudio de arquitectura, John Portman & Associates, que, según
la propia definición de la firma, se especializó con el tiempo en estas tres áreas
fundamentales: arquitectura urbana; revitalización de barrios degradados; y proyectos de
varios usos combinados en las zonas periféricas de las grandes ciudades.
Desde el principio, se embarca en ambiciosos proyectos inmobiliarios, sobre todo hoteles,
que construyó con éxito en las principales ciudades americanas y también en Shanghái o
Bombay. Edificios pensados para el alto consumo.
Sus proyectos “aspiran a ser un espacio total, un mundo completo en sí mismo, una especie
de ciudad en miniatura”.
Portman también reinventó el atrio. Desde los romanos, el atrio ha sido un hoyo en la casa o
en un edificio que inyecta luz y aire (el exterior) al centro; con Portman se convirtió en lo
opuesto: un contenedor de artificialidad que permite a sus ocupantes olvidar la luz del día
para siempre: un interior hermético sellado contra lo real. Ejemplo:
- Hotel Hyatt Regency (1974), San Francisco, EEUU. Su volumetría en forma de cuña
abre la plaza hacia la bahía creando un gran espacio público de reunión. El atrio de
17 plantas ofrece a su vez un espacio dramático donde la gente puede congregarse.
Las salas de conferencias y zonas de exposición tienen unas dimensiones de más
de 6000 metros cuadrados. Además el hotel incluía gimnasio, restaurante, biblioteca,
zonas ajardinadas, tiendas, etc.

César Pelli (1926-2019), Tucumán, Argentina

1948: se graduó de arquitecto en la Universidad Nacional de Tucumán. Luego comenzó a
trabajar en Argentina.
1952: se trasladó a Estados Unidos, desde donde ha realizado gran parte de su carrera.
Fue socio en la Oficina de Eero Saarinen hasta que en 1977 fundó su propio estudio César
Pelli and Associates.
1977-1984: fue decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Yale.
1995: recibió la medalla de oro del American Institute of Architecture (AIA).
- Pacific West Center (1971-1976), Hollywood, California. A menudo se lo describe
como la “Ballena Azul” debido a su gran tamaño en relación con los edificios
circundantes y su revestimiento de vidrio azul brillante. Alberga el principal mercado
de muebles y decoración de la costa oeste, con salas de exhibición, espacios
públicos y privados y solía albergar una sucursal del Museo de Arte Contemporáneo
(MOCA). Años después se le ha agregado otros edificios circundantes que culminan
el proyecto, el edificio verde y el rojo.

Richard Rogers y Renzo Piano

Richard Rogers (1933-2021), Británico nacido en Italia
1959: diplomado como arquitecto en la Architectural Association de Londres, donde tuvo
como profesores a James Stirling y Peter Smithson.
1962: obtuvo una maestría por la Universidad de Yale en EEUU, allí entablará amistad con
Norman Foster.
1963: En EEUU, durante la maestría, forma el Team 4 (estudio de arquitectura británico
formado por Su Rogers, Wendy Cheesman, Norman Foster y Richard Rogers). Sus diseños
de alta tecnología pronto les otorgaron gran reputación.
Renzo Piano (1937-actualidad), Pegli, Italia
1964: se graduó como arquitecto en el Politécnico de Milán.
Sus trabajos iniciales fueron estructuras experimentales ligeras; trabajó con su padre y su
hermano en la sociedad familiar.
1965-1970: en su etapa formativa aprendió con Louis Kahn.
1971-1977: Richard Rogers y Renzo Piano se asocian
- Centro Pompidou (1971-1976), París. Richard Rogers y Renzo Piano. Esta obra es
el paradigma de esta eclosión de la arquitectura de alta tecnología. Según el
concurso, la propuesta debería ser un gran contenedor homogéneo capaz de alojar
todo tipo de funciones relacionadas con la cultura y el ocio. El edificio es una
materialización de la retórica tecnológica e infraestructural de Archigram.
Extraordinario éxito popular, tanto por su naturaleza sensacional como por todo lo
demás. Es un brillante alarde tecnológico para exaltar su aspecto “high tech”. Sin
embargo, parece que fue concebido dedicando poca atención a la especificidad de
su programa, a los fondos artísticos y bibliográficos que estaba destinado a albergar.
No solo fue necesario construir otro “edificio” dentro de su volumen esquelético con
el fin de proporcionar suficiente superficie de pared para la exhibición de obras de
arte; sino que también el empleo de todo el conjunto de vigas trianguladas de 50 m.
de luz, con objeto de asegurar la máxima flexibilidad, parece haberse demostrado
excesivo. Aspecto de la refinería de petróleo cuya tecnología pretende emular,
tipológica y estilísticamente el edificio hace referencia a la arquitectura industrial. La
escalera mecánica, sobre la fachada principal, lo que la convierte en el elemento
protagonista continúa la celebración moderna del movimiento. El edificio lleva hasta
las últimas consecuencias la tendencia a mostrar todos los materiales de la
estructura y dejar las instalaciones a la vista del nuevo brutalismo.
Richard Rogers, por su parte, retoma algunos principios que utiliza en el Centro Pompidou.
Entre los conceptos principales que maneja Rogers posteriormente están los siguientes:
flexibilidad, estructura visible y expresiva, servicios a la vista. También aparecen espacios
que hacen alusión o utilizan el concepto de Atrio de Portman.
- Seguros Lloyd (1989), Londres. Edificio pensado para durar 50 años, osea que el
requisito fundamental era su versatilidad en el tiempo: tenía que adaptarse a
medidas y necesidades en épocas diferentes. La configuración inusual es un
resultado de su localización dentro del patrón medieval irregular de la calle y de la
filosofía del arquitecto consistente en que el edificio debe parecer ser montado en un
“kit de piezas”. Todos los detalles estructurales están completamente en exhibición,
dando al espectador apenas una comprensión de cómo se apoya el edificio. Es uno
de los más futuristas levantados en Londres. Envoltorio de metal pulido y
ascensores en su parte externa. Dentro de la atmósfera de esta asombrosa catedral
la luz se vierte abajo y la iluminación adicional viene de las grandes guarniciones,
que también actúan como extractores de aire, fijas en el techo.

Norman Foster (1935-actualidad), Reddish, Reino Unido

1956-1961: estudió arquitectura en la Universidad de Manchester.
1961-1962: Maestría en Arquitectura en Yale School of Architecture, EEUU.
Trabajó durante un tiempo con Richard Buckminster Fuller.
1963: fundó el estudio de arquitectos Team 4, junto a Wendy Cheesman, Richard Rogers,
Su Brumwell (Su Rogers) y Georgie Wolton. Wolton era la única con cualificación de
arquitecta, lo que permitió que el estudio ejecutará los proyectos de arquitectura, sin
embargo ella dejó el estudio a los pocos meses.
1967: Team4 se dividió en dos estudios, Foster and Partners con Wendy Cheesman como
socia cofundadora y directora del estudio, y el estudio Richard + Su Rogers.
1999: ganador del premio Pritzker.
Especialmente en plena década del ‘70, cuando la ola ascendente de los distintos
posmodernismos tendía a replegarse sobre la historia y la atención manierista en el
lenguaje, Foster, no sólo seguía adelante con los desarrollos contemporáneos de la
arquitectura del movimiento moderno, sino que enfatizaba uno de sus aspectos fundantes:
la apoyatura en los adelantos tecnológicos e industriales de nuestra época. Esta actitud dió
origen dentro del pensamiento arquitectónico contemporáneo a la corriente denominada
“High Tech”, de la cual Foster, junto con Richard Rogers, aparece claramente como líder.
Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo "High-tech" muy pronunciado.
Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese
carácter técnico llevado al extremo. Los proyectos de Foster llevan un marcado sello
industrial, en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten.
High-Tech: el término no fue acuñado por él sino por el arquitecto y crítico Peter Buchanan
en 1983, con motivo de la presentación de la fábrica Renault de Norman Foster. La idea de
esta tendencia es la de solucionar distintos problemas arquitectónicos mediante los medios
tecnológicos más sofisticados. Esta arquitectura sólo resulta adecuada en edificios de
grandes dimensiones y elevados presupuestos.
- Sede central del Banco de Hong-Kong y Shangai actualmente: Edificio “HSBC Main
Building” (1979-1985). Hong Kong, China. El rascacielos de 99.000 metros
cuadrados y 180 metros de altura fue revolucionario, ya que Foster decidió mover la
estructura del edificio desde el centro hacia el exterior, una característica clave de la
arquitectura de alta tecnología. Este edificio es un indicio de esta tendencia madura
de high tech. La necesidad de construir más de un millón de metros cuadrados en
poco tiempo sugiere un alto grado de prefabricación, incluidos los módulos
terminados en fábrica, mientras que la necesidad de construir simultáneamente
arriba y abajo llevó a la adopción de una estructura de la suspensión.
- Sede del Commerzbank (1991-1997). Alemania. Este edificio de casi 300 metros de
altura y 53 plantas tiene el honor de ser el primer rascacielos de oficinas ecológico
del mundo. Su superficie ronda los 121.000 m2, tiene capacidad para unas 2.400
personas e incluye jardines a distintas alturas. Destaca por tener un sistema de
iluminación y ventilación naturales. Además de contar con una amplia variedad de
especies vegetales, en el rascacielos también hay espacios comerciales, culturales y
de restauración.

[Link] (Ieoh Ming Pei) (1917-2019), Cantón, China

1935: Se trasladó a los Estados Unidos con 18 años para cursar estudios de arquitectura
matriculandose en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, donde se graduó en 1939.
Al no poder regresar a China debido al estallido de la 2da Guerra Mundial, realizó varios
contratos de arquitectura en Boston, Nueva York y Los Ángeles.
1945-1948: ejerció como docente en Harvard bajo la tutela de Gropius y Breuer.
1954: funda I. M. Pei & Associates que se convirtió en I. M. Pei & Partners en 1966 y
posteriormente Pei Cobb Freed & Partners en 1989.
1975: volvió a China por primera vez para diseñar un hotel y 15 años más tarde para
diseñar “Bank of China Tower”.
En sus proyectos Pei busca la pureza de líneas, unida a una eficacia funcional, siguiendo el
llamado "estilo internacional" y los criterios de Gropius. Utiliza frecuentemente formas
abstractas, recurre a materiales fríos, como el acero, el cemento y el vidrio, e incorpora
efectos que resultan impactantes para el observador. Sus obras se caracterizan en muchas
ocasiones por unas estructuras que requieren soluciones valientes. Manifiesta en su obra
una tendencia hacia la utilización de formas geométricas simples realizadas a escala
monumental, las líneas puras, la eficacia funcional y la audacia estructural.
Fue el arquitecto encargado de colaborar con la renovación del Museo del Louvre y quien
diseñó la famosa pirámide vidriada.
- Torre del Banco de China (1985) Hong Kong, China. El reducido tamaño de la
parcela hizo que fuera necesaria una torre alta. El edificio se compone de cuatro
ejes triangulares que se elevan desde una base cuadrada, sostenidos por una visible
armadura que distribuye la carga a las cuatro esquinas de la base. Usando vidrio
reflectante, que se había convertido en una especie de sello personal, Pei organizó
la fachada en torno a unos refuerzos diagonales en una unión de estructura y forma
que repite el motivo triangular establecido en el proyecto.

Neo-racionalismo; la idea de tipo; la revalorización del lenguaje racionalista. Aldo

Rossi y la "Tendenza"; O.M. Ungers; Mario Botta. Los "Five Architects" de New York:
la autonomía de la forma y la recuperación de la modernidad del “período heroico”.
Neo-racionalismo: agrupaciones de arquitectos, ya sea comprometidos ideológicamente o
asociados a través de la perspectiva de la crítica arquitectónica, operando en bloque y
discutiendo sobre las esencias y problemas arquitectónicos.
Frente a un clima de continuidad a las críticas del movimiento moderno, esta corriente
reflexiona sobre los valores, formas y producciones esenciales de la arquitectura moderna
de 1919-1945. Se vuelve hacia las enseñanzas claves de los grandes maestros, ya sea por
una relación directa de discípulo o bien por el estudio de la obra de los mismos.
Figuras más destacadas: Aldo Rossi (1931-1997), Carlo Aymonino, Vittorio Gregotti,
Massimo Scolari, Enzio Bonfanti.

Grupos / corrientes identificables:

Movimiento italiano: “Tendenza” y Aldo Rossi
Producciones teóricas: La Arquitectura de la Ciudad (A. Rossi 1966) y La Construcción
Lógica de la Arquitectura (Giorgio Grassi 1967). Aunque insisten en que había que
satisfacer las necesidades cotidianas, ambos arquitectos rechazan el principio según el cual
se supone que la forma sigue la función y reivindicaban en cambio la autonomía relativa del
orden arquitectónico.
Obras y proyectos:
- Unidad residencial Gallaratese (1969-1974), Milán. Diseñado como parte de un
conjunto residencial de Carlo Aymonino construido a las afueras de Milán en 1973,
fue una ocasión para evocar la arquitectura de la tradicional casa de vecindad
milanesa. Su idea era que se debía trascender el funcionalismo mediante una
modalidad analógica de proyecto, que combinase los tipos anteriores con las
necesidades del presente en un lenguaje de geometrías simples. Sin dudas el estilo
de Rossi estaba en deuda con los prototipos del racionalismo italiano de los 30. El
término “neo-racionalista” se acuñó para describir su obra y su movimiento llamado
“Tendenza”. La sensibilidad neo-racionalista se deleitaba en la composición axial y
en la reducción a las geometrías más primarias.
Región del Ticino, Suiza → Mario Botta (1943-actualidad)
La influencia de Rossi fue considerable, especialmente en la región del Ticino al sur de
Suiza donde, a principios de los años 1970, surgió un ambiente de rechazo a la aridez
tecnológica de gran parte del diseño moderno. La intervención más extensa de la Tendenza
fuera de Italia tuvo lugar en esta región, donde una escuela 'racionalista' de considerable
vigor estaba floreciendo ya a principios de los años sesenta. La escuela del Ticino incluía a
arquitectos cuyo trabajo vio la luz bajo una influencia racionalista mucho más amplia, dentro
de los cuáles, uno de los más importantes era Mario Botta, cuyos trabajos rigurosos y con
frecuencia modestos, marcaron más de lo que parece en los años setenta. Aunque Botta y
varios de sus coetáneos del Ticino fueron agrupados a veces como un movimiento, la
verdad es que tenían distintos puntos de vista y estilos personales diferenciados dentro del
área de sus intereses ampliamente compartidos. Botta llegó a adoptar la metodología
neoracionalista italiana como algo propio, al tiempo que conservaba una capacidad para el
enriquecimiento artesanal de la forma. Otros dos rasgos de su obra pueden considerarse
críticos: preocupación constante por lo que llama 'construir el lugar'; y por otro, su
convicción de que la pérdida de la ciudad histórica sólo puede compensarse con 'ciudades
en miniatura'.
Obras y proyectos:
- Centro Administrativo de Perugia (1971). Se concibió como 'una ciudad dentro de
otra ciudad', y las mayores repercusiones de este diseño derivaron de las
posibilidades de ser aplicado en muchas situaciones megalopolitanas por todo el
mundo.

Alemania → Mathias Oswald Ungers

Ungers fue un importante teórico y profesor neo-racionalista. Su adopción de este enfoque,
modificado con respecto a la forma urbana, fue significativo para la corriente alemana.
Ungers recomendaba una estrategia urbana fragmentaria que incluyera formas de
desarrollo limitado de acuerdo con las restricciones topográficas e institucionales de un
cometido específico en un contexto particular. Todo ello aparece en proyectos como:
- Hotel Berlín (1976). Optó por una “ciudad en miniatura” independiente, próxima al
devastado paisaje urbano de la Lützowplatz.
- Edificio multifuncional en el centro de Hildesheim (1978). Intentó racionalizar y
reinterpretar el tipo tradicional del mercado medieval.
- Manzana cerrada de la Schillerstrasse (1982), Berlín. Su única realización
verdaderamente contextual en esa época.
* A pesar de ciertas debilidades y falta de realismo técnico y político, la Tendencia tuvo en
Alemania un enorme impacto. Ungers y Kleihues supieron corregir las fallas de la teoría y
concretar realizaciones particulares.

Luxemburgo / Austria / Inglaterra → León y Robert Krier

Robert Krier pasó algunos años como ayudante de Ungers en su estudio de Colonia. Sin
embargo, mientras que Ungers iba a seguir abierto al intercambio y la gestación libres tanto
de tipos como de técnicas, incluida la técnica industrial, Robert Krier y, aun en mayor
medida, su hermano León, adoptaron un enfoque exclusivamente artesanal con respecto a
la generación de las formas tectónicas y urbanas.
En Austria, Luxemburgo e Inglaterra, los trabajos a veces diferentes de los hermanos Krier,
ilustran en escalas muy distintas los conceptos urbanos de la Tendencia. Los Krier
desarrollaron las oposiciones radicales de Grassi contra el zoning, cuestionando la
determinación capitalista de dividir la ciudad en zonas correspondientes a la división del
trabajo, de la que el proceso de producción industrializada sería el punto de partida. León
Krier desplaza así el acento de la calle hacia el agrupamiento de viviendas y el barrio,
ilustrando magníficamente su concepción en el proyecto presentado para el concurso de la
Villette en París; pero la fuerza de las tesis sostenidas y la calidad gráfica de los
documentos presentados no pueden ocultar las debilidades del movimiento y,
fundamentalmente, de la posición de los Krier: la imposibilidad en Europa, en razón misma
de la racionalización de los modos de construcción, de obtener como norma standard una
producción artesanal de calidad.
Su libro “Teoría y práctica de los espacios urbanos” (1975) reunía una taxonomía
morfológica de tipos de calles y plazas (por ej., bulevares, rotondas y glorietas), vista como
un antídoto contra la versión CIAM de la ciudad entendida como un parque lleno de objetos.
Aunque Le Corbusier había basado la salud de la ciudad en la muerte de esa 'calle corredor'
vieja y asfixiante, ahora ocurría todo lo contrario. Los Krier retomaban a la calle con una
venganza nostálgica (cualquier tipo de calle servía) y la trataban prácticamente como un
fetiche, como si el diseño refinado de los espacios abiertos y los ambientes exteriores
garantizase por sí mismo la vida de un organismo urbano duramente vapuleado; arremetían
contra la zonificación y alababan la disposición de las ciudades tradicionales europeas
donde se mezclaba la vida y el trabajo. Sus imágenes tenían un aire vagamente evocador
del siglo XVIII, mientras que sus declaraciones indicaban una nostalgia poco práctica en
favor de una era de la artesanía.
- Proyecto para Echternach (1970), Luxemburgo. L Krier. Los edificios con cubierta
inclinada continua (desde el centro hasta la esquina inferior derecha) contienen
tiendas, viviendas y una escuela.

Estados Unidos: los “Five Architects”: la autonomía de la forma y la recuperación de

la modernidad del “período heroico”.
Integrantes: Peter Eisenman (1932), Charles Gwathmey (1938-2009), Michael Graves
(1934-2015), John Hedjuk (1929-2000) y Richard Meier (1934).
Pese a los seguidores norteamericanos que tuvo Aldo Rossi, el neo-racionalismo no ejerció
mucha influencia en la evolución de la arquitectura en los Estados Unidos. Esto puede
atribuirse en parte a su falta de relevancia para la ciudad norteamericana, que en ningún
caso tiene la misma complejidad tipológica y morfológica que la ciudad tradicional europea.
La tesis de la Tendenza sobre la 'continuidad del monumento' no podía tener mucha
credibilidad en una sociedad en la que el propio contexto urbano era tan inestable. Por otro
lado, en la segunda mitad de los años sesenta, se hizo un intento de desarrollar una
producción teórica y artística tan rigurosa como la lograda por la vanguardia europea antes
de la guerra. Este esfuerzo cristalizó en torno a la obra de los llamados 'Five Architects', un
grupo de cinco arquitectos radicados en Nueva York, y unidos por lazos poco rígidos, bajo la
dirección de Peter Eisenman. En [Link]., la Tendencia sufrió interpretaciones muy
americanas, los seguidores del movimiento están menos interesados que los europeos por
la tipología y no atribuyen la misma importancia, por razones históricas evidentes, al
monumento y a la continuidad espacial de la ciudad antigua. Los New York Five se
inscribieron desde la primera hora en esta corriente intentando interpretar la sintaxis
racionalista de figuras históricas del Movimiento Moderno: G. Terragni (Eisenmann), Le
Corbusier (Graves, Meier, Owathmey) y en menor medida la de De Stijl (Hejduk).
Curiosamente y a pesar de su oposición al funcionalismo demasiado rígido de sus
predecesores, los New Five se abstuvieron -con una o dos excepciones- de toda reflexión
sobre las relaciones entre el edificio y su contexto urbano.
Publicaciones: Five Architects (1972).
Obras y proyectos:
- Casa VI - Frank (1972-1975), Connecticut, Peter Eisenman. El compromiso de 'los
cinco de Nueva York' con la idea de una arquitectura autónoma -alejada de lo que
consideraban como el funcionalismo reduccionista de la Neue Sachlichkeit- quedó
aquí expresado de la forma más categórica.
- Casa Smith (1965-1967), Darien, Connecticut. Richard Meier. Arquitecto que
siempre trabaja especialidades blancas diáfanas, es el que más trata de recuperar
ideas de Le Corbusier. En la superficie hay cierta rusticidad y en la construcción no
está usando hormigón armado, sino que está usando la clásica estructura del ballon
frame apoyado también con estructuras metálicas. Tiene una contradicción con esta
idea de cómo se pensaba o cómo se armaba la arquitectura moderna y cómo lo
resuelve él a partir de las condicionantes locales, las posibilidades de prefabricación
de la propia industria americana y tradición propia de Estados Unidos.

Nueva tendencia japonesa → Arata Isozaki y Toyo Ito

El declive de la visión metabolista en Japón llegó con la evidente vacuidad ideológica de la
Exposición de Osaka en 1970. De ahí en adelante, el protagonismo crítico en la arquitectura
japonesa pasó de los viejos metabolistas a los miembros de la llamada “nueva ola” cuyo
trabajo se conoció principalmente gracias al apoyo de arquitectos de la generación
intermedia, entre los cuales estaba Arata Isozaki. La importancia de este deriva de su doble
reputación: como intelectual crítico y como arquitecto público.
La nueva corriente japonesa, los neo-realistas, opuestos a los metabolistas, se afirmaron a
consecuencia de los primeros trabajos de Isozaki. Buscaban probar la ausencia de relación
significativa entre un edificio aislado y la ciudad. El miembro más independiente y sin duda
el más brillante de esta nueva tendencia japonesa es Toyo Ito (su obra es al tiempo
sumamente estética e ideológicamente crítica), quien basa una parte de su reflexión sobre
una postura agresiva frente a la megalópolis que él considera como un fenómeno vacío de
sentido, desvarío ambiental, artificial y delirante. El único medio que ve Ito de dar una
apariencia de vida a la ciudad sería insertar en el tejido urbano escenografías
arquitecturales cuyo dominio artificialmente cerrado y las formas inspiradas poseyeran una
belleza violenta. Considera que la única posibilidad de significación cultural radica en la
creación de ámbitos cerrados y poéticos, en contraste con el desorden arbitrario de la
'esfera urbana del no lugar'.
Obras:
- Edificio PMT (1978) en Nagoya. Una de sus mayores obras, el edificio es una
intervención estructural 'sutilísima' cuya forma hermética e iluminada principalmente
desde arriba posee una belleza estoica y acerba.
Contextualismo y populismo: la arquitectura como hecho de comunicación; la
relación con la historia y con las arquitecturas populares; Robert Venturi; Charles
Moore; Michael Graves. Otras experiencias: estructuralismo; participacionismo; Aldo
Van Eyck, Ralph Erskine.

Contextualismo y populismo
Contextualismo y Populismo, también conocido como Participacionismo → términos que
pueden coincidir al denominar una de las tendencias arquitectónicas de la Posmodernidad.

La arquitectura como hecho de comunicación

→ Crítica semiológica de los ‘60 al Movimiento Moderno:
- Pérdida de capacidad connotativa à Ausencia de comunicación
- La arquitectura se ha vuelto incapaz de transmitir significados y valores simbólicos.
- El MM había planteado una fuerte traslación semántica; utilizar el lenguaje
funcionalista de fábricas, oficinas y hospitales para resolver la forma de todo tipo de
arquitectura.
- El hombre real no se corresponde con el usuario ideal para el que proyectaba el MM.
- La arquitectura ha de asumir su dimensión pública y utilizar la metáfora, el símbolo y
la historia para conectar con la gente.
→ Crítica “contextualista”
- Empobrecimiento del espacio urbano, debido a los códigos reductivos de la
arquitectura contemporánea.
- Pérdida de la identidad cultural.
La propuesta de esta línea se basa en:
- La arquitectura como sistema comunicativo toma relevancia: valores simbólicos (semiótica,
la comunicación necesita de signos), culturales e históricos.
- Populismo o participacionismo ya que se busca recuperar los lazos de comunicación entre
la cultura arquitectónica y la colectividad.
- Contextualismo ya que la forma arquitectónica se estructura de acuerdo a un contexto
/natural, físico, histórico, cultural, ideológico), como concepto de proximidad, de cercanía.
Idea de vínculo con algún referente.

Durante los ‘70 se comienza a afrontar un problema, una de las críticas más importantes al
Movimiento, que es la pérdida de la capacidad connotativa (del significado). La arquitectura
se ha vuelto incapaz de transmitir significados y valores simbólicos. El Movimiento Moderno
planteó en su arquitectura una fuerte traslación semántica: utilizar el lenguaje funcionalista
de fábricas, oficinas y hospitales para resolver la forma de todo tipo de arquitectura.
Esta no ha aportado la idea de confort, seguridad y forma convencional, que el público
desea. Se necesita que la arquitectura aporte la idea de privacidad, seguridad, identidad,
convencionalidad, memoria. La arquitectura moderna es demasiado técnica, anónima,
repetitiva, abstracta. La necesidad de lugares definidos e interiores ha puesto en crisis a los
espacios continuos y transparentes. El hombre real no se corresponde con el usuario ideal.
La arquitectura ha de asumir la dimensión pública y utilizar la metáfora, el símbolo y la
historia para conectar con la gente. Plantea la arquitectura moderna a partir de la utilización
de un lenguaje abstracto con denominaciones o formas que no tiene nada que ver con los
símbolos. Esto también va a estar muy asociado con esa transición que hace utilizar el
lenguaje funcionalista a través del desarrollo de pensar en fábricas oficinas y hospitales
edificios digamos de funciones muy marcadas para dar respuesta a todo tipo de
arquitectura.
En Norteamérica es donde esta crítica a la pérdida de capacidad comunicativa se convierte
en teoría. La obra de Robert Venturi es la más destacada en este contexto y por ello, el
desarrollo de esta línea es en gran parte de origen norteamericano.

Robert Venturi (1925-2018), Filadelfia, EEUU

Arquitecto. Uno de los principales teóricos de la arquitectura contextual. → Antimoderno.
1958: estableció su propio despacho. Se asoció con John Rauch en 1964 y se sumó Denise
Scott Brown (su esposa) en 1969, conformando el estudio.
Quiere demostrar la complejidad de la forma arquitectónica y su irreductibilidad a un solo
sistema lógico-estético. Se opone a los arquitectos tecnológicos y homogeneizadores y
escribe contra la pretensión de buscar sólo la diferencia y la novedad y olvidar las
enseñanzas de la tradición. Se rebela contra una vanguardia que se ha convertido en
academia y contra una arquitectura que sirvió para el período de entreguerras pero que ya
no es adecuada.
Venturi se va a interesar mucho en volver a estudiar el pasado para tratar de encontrar
ideas, más resoluciones formales para poder vincularlas con sus propios edificios pero
siempre con un sentido irónico.
Para comprender su pensamiento es importante tener en cuenta su admiración a Kahn por
haber restablecido la conexión con el pasado y por haber otorgado a la composición
arquitectónica un desarrollo autónomo.
- Casa Vanna Venturi (1962) Filadelfia, Pensilvania. Reúne características de
“Complejidad y contradicción…” → escala doméstica y a la vez escala áulica y
monumental (cubiertas inclinadas que rememoran formas retóricas del frontón;
recuperación de la ornamentación), las cosas no son lo que parecen (un ingreso que
aparece enorme por su sombra arrojada), arquitectura como escenografía (fachada
telón antepuesta al volumen), complejidad de espacios interiores (en torno a la
chimenea y a la escalera; interpretación cubierta plana y curva).
- Butler College, Princeton University (1983), New Jersey. Estilo de base: Gótico inglés
tardío + rasgos modernistas: ventanas modernas de aluminio, techos planos, planta
baja libre, tiras de ventanas corridas + elementos tomados de distintas tradiciones:
signos chinos y ventanales de planta circular. Superficies rasas dejando en un
mismo plano diversos materiales y figuraciones.

Charles Moore (1925-1993) Michigan, EEUU

1947: terminó sus estudios de arquitectura en la Universidad de Michigan.
1947: realizó un doctorado en filosofía y se graduó en 1957 en la Universidad de Princeton.
Fue asistente de Louis Kahn.
Fue profesor de arquitectura en la University of California, en Berkeley, decano en la
universidad de Yale, docente en UCLA y en la Universidad de Austin, Texas.
La figura de Moore es asociada a una generación de arquitectos estadounidenses que
buscaron desvincularse del movimiento moderno. Vinculado al contextualismo no porque
esté siguiendo los parámetros de Robert Venturi sino porque su propia forma y a partir de
las ideas que va a desarrollar los historiadores lo vinculan más con esta corriente que con
otras de la posmodernidad.
- Piazza d’Italia (1975-1979), Nueva Orleans. Arquitectura escenográfica, referencias
a la cultura del cine. Moore extrajo gran parte de su simbolismo al darle participación
 a la comunidad italiana en este proyecto. Interpretación particular de la italianidad
como referencia publicitaria. Referencia a los órdenes clásicos teñidos de ironía con
luces de neón y anillos y capiteles de latón. Juego de significaciones. Se adoptan
caracteres populares y elementos clásicos. Método compositivo basado en el
collage. Complejidad Lingüística: Historicismo + Eclecticismo + Barroco + pop.

Michael Graves (1934-2015), Princeton, Nueva Jersey

Estudió en las universidades de Cincinnati y Harvard.
1964: fundó su estudio.
1972: desde este año Diseñador Industrial y Profesor en Universidad de Princeton.
Su vasta producción puede categorizarse dentro de distintas vertientes. Por ejemplo, fue
uno de los cinco integrantes del grupo Five Architects junto con los arquitectos Peter
Eisenman, Richard Meier, John Hejduk y Charles Gwathmey.
- Ayuntamiento de Portland (1979-1982), Oregon. Formato populista del “cobertizo
decorado”. Impulso escenográfico. Cisma total entre la sustancia interior y la forma
exterior. Tratamientos ornamentales a modo de aplique. Desarrollo escenográfico de
fachada. Superposición de repertorios en el aventanamiento: Repetitivas, Pequeñas
e historicistas, ventanas cuadradas, ventanas alargadas modernas, muro cortina.
Superposición de formas procedentes de tipos históricos de templos y arcos de
triunfo en el coronamiento. Referencias al contexto histórico. Esta obra lo lanzó al
centro del frenesí posmoderno con un edificio público en el que el aspecto más
polémico derivada de las arbitrarias composiciones pintadas en la fachada.

Estructuralismo → Aldo van Eyck (1918-1999)

El credo de los hermanos Krier -que la función sigue a la forma-, y su insistencia en la
importancia cultural del lugar, tuvieron su paralelo en la obra y el pensamiento del arquitecto
holandés Herman Hertzberger, que en todos los demás aspectos no podía estar más lejos
del espíritu de la Tendenza. La influencia más determinante en el pensamiento y la práctica
de Hertzberger fue Aldo van Eyck, responsable de la crítica más significativa y más
consistentemente fundamentada de la arquitectura moderna como parte inseparable de la
Ilustración. Van Eyck rechazaba «esa actitud sentimental de tecnócrata hacia el futuro» y
«esa actitud sentimental de anticuario hacia el pasado» e indicaba que «el pasado, el
presente y el futuro deben actuar en el interior de la mente como algo continuo».
El concepto unificador con el que el estructuralismo holandés esperaba superar el aspecto
reduccionista del funcionalismo fue calificado por Van Eyck de 'claridad laberíntica', una idea
que luego fue completamente elaborada por sus discípulos.
Obras:
- Edificio de Oficinas “Centraal Beheer” (1974), Hertzberger. Construido según su
proyecto a modo de una “ciudad dentro de otra ciudad”. Esta construcción de
estructura de hormigón armado y paredes de bloque de hormigón se ordena en
torno a una agrupación irregular de plataformas de trabajo colocadas dentro de una
retícula regular de cuadros ortogonales que incluyen forjados, columnas, rendijas de
luz y conductos de instalaciones. Galerías de distintas alturas, iluminadas
cenitalmente, separan entre sí estas plataformas cuadradas de 7,5 metros de lado y
permiten que la luz natural se filtre hasta los niveles públicos más bajos. Las
plataformas suspendidas proporcionan una red de espacios que pueden ocuparse
de manera individual o grupal, mediante la redistribución de elementos modulares
como mesas, sillas, lámparas, armarios, sofás, máquinas de café, etc.
 Era un digno descendiente del orfanato de Van Eyck, de más de diez años atrás y,
como su prototipo, trataba de crear toda una variedad de espacios ambiguos a partir
de un juego de piezas normalizadas y de pequeña escala.

Participacionismo → Ralph Erskine (1914-2005)

Un problema importante del alojamiento antes de la guerra había sido el fracaso en la
comunicación entre los arquitectos y los usuarios, en la década de 1960 se intentaron
aplicar varias clases de 'urbanismo de participación'. El conjunto de viviendas conocido
como Byker Wall en Newcastle (1969-1975), obra de Ralph Erskine (otro miembro más del
Team X) se proyectó sobre la base de esta especie de diálogo que incluía a los futuros
habitantes en el proceso real de proyecto. El emplazamiento estaba cerca del trazado de
una futura autopista y bajaba en suave pendiente hacia unas hileras de casas del siglo XIX.
La solución consistía en una muralla ondulada, adaptada al terreno irregular, que volvía la
espalda al norte para protegerse del ruido del tráfico, y se abría al sur, donde unas casas en
hilera se situaban dentro de un recinto protegido. El Byker combinaba un sólido
pragmatismo con cierto romanticismo nórdico -una atmósfera que se reforzaba gracias a
unas siluetas inquietantes y una sombría fábrica de ladrillo- y desde lejos tenía algo del
carácter de una fortificación. En Byker, la muralla colectiva llevaba aparejadas otras
imágenes épicas de Erskine: la cubierta de cobertizo (para dar un carácter doméstico y
proteger de la lluvia), balcones de tablas de madera colocados irregularmente y con colores
brillantes (para añadir el toque humano y la variedad) , ladrillos entremezclados de
diferentes colores (para aligerar la masa) y delicadas construcciones de entrada (para
asegurar una transición gradual desde el mundo público al privado). De los diversos
conjuntos residenciales 'anti-heroicos' de los años 1970, Byker fue uno de los que más éxito
tuvo, social y arquitectónicamente. Pese a los intentos de los defensores de Byker de
argumentar que la buena gente de Newcastle prácticamente había generado la arquitectura
por sí misma , era obvio que la imaginería había sido fruto de una interpretación formal y
simbólica. El bando populista rechazaba el planteamiento precisamente por esta razón y
afirmaba que las casas debían dejarse a los individuos y no ser 'monumentalizadas' por los
arquitectos con 'conceptos imponentes'. Una rama de esta opinión antielitista señalaba que
sería mejor imitar los tipos de las 'construcciones vernáculas' existentes antes que permitir
otros conjuntos de viviendas según el modelo de la Unité, pero no estaba claro cuáles.

Las expresiones de la posmodernidad en Argentina y América Latina. "La Escuelita";

Tony Díaz; Estudio Baudizzone, Erbin, Lestard, Varas; Miguel Angel Roca; Estudio
MSGSSS. La persistencia de Clorindo Testa y Oscar Niemeyer. Cultura posmoderna,
tradición y localismos en países americanos.

Las expresiones de la posmodernidad en Argentina y América Latina.

Posmodernismo - (Liernur)
Finales década del ‘70 → la arquitectura posmoderna comenzó a difundirse en la Argentina.
Las condiciones culturales, políticas y económicas en que se encontraba el país entre
mediados de los ‘70 y mediados de los ‘80 eran propicias para que se produjera una
expansión que afectó la obra de muchos arquitectos ya consagrados en períodos
anteriores. Y esa posibilidad estuvo determinada ante todo porque el posmodernismo como
estilo se articulaba con un cuestionamiento a los sentidos fuertes de los modernismos, y
particularmente a sus contenidos de reforma social y a su vocación crítica respecto de las
propuestas conservadoras. Ese cuestionamiento estaba en la base de la fuerte crisis de las
ideologías y utopías que habían movilizado la cultura argentina en el período anterior.
Si las condiciones económicas de estos años de fuerte crisis también contribuyeron a la
expansión del posmodernismo, es porque ante la caída de los volúmenes reales
construidos, la primacía y autonomía del dibujo (una de las manifestaciones de la irritación
de la forma que el posmodernismo propugnaba) constituía un vehículo legitimado que daba
continuidad a los procesos de consagración y ocupación del campo profesional.
La experimentación con la pura forma y el uso de la historia como reservorio iconográfico
comenzaron a ensayarse en tres diversas sedes:
- En Buenos Aires: 1) en los Cursos de Arquitectura más conocidos como La Escuelita,
dirigidos por Díaz, Katzenstein, Solsona y Viñoly; 2) en el Laboratorio de Arquitectura
organizado por Alberto Varas (aunque fue algo posterior);
- 3) En Córdoba, a través de la actuación pública y privada de Miguel Ángel Roca.

Fases del posmodernismo en Argentina:

En la primera fase, que coincidía con el rechazo por parte de las burocracias académicas de
la dictadura militar, el posmodernismo tuvo un carácter experimental y las principales obras
construidas (paradójicamente todos encargos estatales) fueron los mercados y plazas
cordobesas, y algunos rasgos de la obra de Solsona, Viñoly y sus socios, en particular los
elementos que definen la plaza-techo de ATC (Argentina Televisora Color). También de este
primer período son algunas incursiones posmodernas de Clorindo Testa, como el Centro
Comercial Paseo de la Recoleta y la sucursal del Banco de la Nación en Villa Carlos Paz.
En una segunda fase, en los años siguientes, en una infinidad de obras anónimas (bares,
casitas de clase media, cines, comercios) se emplearon hasta el hartazgo los tímpanos
como remate de las fachadas, las columnillas a ambos lados de los accesos, los lucernarios
longitudinales triangulares, la simetría, los falsos arcos en puertas y ventanas, las sillerías
igualmente falsas y las cornisas con perfil de pecho de paloma.

"La Escuelita"
Contexto:
Con la dictadura instalada en 1976 las universidades argentinas sufrieron las consecuencias
con miles de estudiantes y profesores desaparecidos, asesinados o exiliados.
En el plano profesional los gremios de arquitectos enfrentaron decididamente actuaciones
de la dictadura como el caso de las autopistas urbanas de Buenos Aires, la defensa de
colegas colocados en prisión o la destrucción de obras significativas como el Mercado de la
calle Corrientes y Montevideo. Otros profesionales asumirían cargos de responsabilidad en
la dictadura o realizarían las obras emblemáticas como el conjunto de Televisión Color
(ATC) o los estadios para el Campeonato Mundial de Fútbol de 1978.
Las facultades de la dictadura, en tanto cancelaron bruscamente las experiencias iniciadas
en los ‘70, persiguieron, encarcelaron o asesinaron docentes y alumnos que habían estado
implicadas en ellas y regresaron a un modo tradicional de enseñanza cuyos contenidos
apuntan a convenciones modernas que ya no causaban ninguna resistencia. Todo debate
intelectual había sido censurado y condenado durante la dictadura en Argentina. Las
facultades de la época llegaron a su punto académico más bajo con el exilio o
desaparecimiento de la mayor parte de profesores de valía.
La formación de grupos espontáneos de profesionales que buscaron mantener espacios de
reflexión y debate caracteriza este momento. Una de las ideas fue posibilitar la contención
de muchos docentes que habían sido expulsados de sus universidades o habían tenido que
renunciar a sus cargos, u otros que volvían de exilios. → Para ello se creó en 1978 el
Instituto Argentino de Investigaciones de Historia de la Arquitectura y el Urbanismo (que
duró hasta 1995) que posibilitó la realización de Jornadas de Reflexión anuales en diversas
partes del país, asegurando concurrencias masivas de docentes jóvenes y profesores.

“La Escuelita” → grupo de enseñanza alternativa de arquitectura.

Conformada por un grupo de profesores que habían sido expulsados de la Facultad de
Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires a partir del golpe de Estado de 1976 → ellos
eran Tony Diaz, Justo Solsona y Rafael Viñoly, en conjunto con Ernesto Katzenstein.
El objetivo era conseguir un espacio para arquitectos de [Link]. y retomar la reflexión sobre
problemas de la disciplina. Convocaron diversos docentes a debatir y plantear cursos de
formación complementarios a la tarea proyectual, justamente en momentos en que los
cambios de la posmodernidad requerían una reflexión específica. Como vanguardistas,
introdujeron en Arg. ideas novedosas de lo que luego se conocería como Posmodernismo.
Pese al crecimiento y las diferentes transformaciones por las que pasó durante su corta
vida, tuvo una gran informalidad institucional: funcionando en edificios improvisados, de
noche, sin entrega de diplomas y dependiente de donaciones y trabajos no remunerados.
A partir del vínculo de algunos de sus miembros en el panorama internacional (como la
amistad entre Aldo Rossi y Tony Díaz), el grupo de la Escuelita pudo mantener contactos
con personajes como Manfredo Tafuri o Rafael Moneo. Estas relaciones construyeron una
atmósfera de reflexión a partir del proyecto, la crítica y la historia en relación con el contexto
del quehacer arquitectónico internacional. A este centro de debate se convocaron muchos
protagonistas de la arquitectura internacional como Rossi, Siza, Machado & Silvetti.
En 1983, en paralelo a la democratización del país, La Escuelita fue disuelta y varios de sus
miembros volvieron (o empezaron) a actuar como docentes en las instituciones de
educación superior tradicionales.

Tony Díaz (Antonio Díaz del Bó) (1934-2014), Buenos Aires, Argentina
Hasta 1977, participó de diversos proyectos que marcaron los caminos de la arquitectura
argentina en los tempranos ‘70. La importancia de su trabajo puede estimarse en dos
planos estrechamente ligados: el profesional y el de renovación disciplinar a través de
prácticas docentes y de investigación en temas particulares de la arquitectura.
Trabajaba para la dictadura haciendo obras para el Estado, al mismo tiempo que tenía un
discurso académico contradictorio a esta: (*)
Fundador de “La Escuelita” (institución privada de enseñanza e investigación en
arquitectura) junto con otros profesionales de prestigio. Se funda con un variado equipo de
representantes del posmodernismo, sin embargo, dentro de esta etiqueta, las corrientes
eran en muchos sentidos opuestas: la que prevaleció fue la línea fuertemente intelectual
que cruzaba la nueva izquierda de vocación adorniana, el historicismo italiano,
especialmente a través de la nueva escuela histórica de Venecia, y las sutiles
deconstrucciones de repertorio modernista de la costa este norteamericana. En este
contexto, Díaz introdujo una de las propuestas más ricas: la de Aldo Rossi.
Las formas planteadas por Díaz refieren exclusivamente a la tradición reelaborada de la
arquitectura urbana. Es el “lugar común” (en el sentido de compartido y público) el material
de trabajo de Díaz. A partir de tal perspectiva, la forma proyectada pretende retomar
aquellos temas de izquierda clásica: sociedad, metrópoli, necesidades del gran número, etc.
* Por más que estaban enfrentados a la dictadura, tenían que pactar con los militares para
poder trabajar y/o financiarse (era eso o el exilio).
Estudio Baudizzone, Erbin, Lestard, Varas - BELV
Estudio de arquitectura argentino conformado en 1966 por:
Miguel Baudizzone (1943-actualidad), Buenos Aires
Jorge Erbin (1937-1996), Buenos Aires
Jorge Lestard (1942- actualidad), Tucumán
Alberto Varas (1943-actualidad), Buenos Aires
Tony Diaz (1934-2014), Buenos Aires
Uno de los grupos más representativos en el mundo de las nuevas tecnologías, los cambios
programáticos, de la redefinición radical de la arquitectura que plantean las abiertas
experiencias de los años ‘70. Combina la experimentación formal, desarrollada mediante
una constante participación en concursos, con encargos profesionales que intentan innovar
dentro de las necesidades del mercado inmobiliario.

3 etapas del estudio:

1º - Entre 1966 y 1977: presenta una serie de proyectos caracterizados por combinar en su
resolución la arquitectura de sistemas, la arquitectura pop de carácter experimental.
Proyecto para el nuevo edificio de la Facultad de Ciencias Exactas de la UNLP (1968). En el
marco de una política que planeaba una radical transformación del parque edilicio de esa
universidad para adaptarlo a la enseñanza masiva, es un punto de partida de su producción
posterior preocupada por la inteligibilidad de la experiencia del diseño. Su voluntad de
formular una teoría de la proyección que explique el cambio que se está produciendo y se
transforme en manifestación didáctica de los caminos posibles a seguir. Esta voluntad de
clasificación, surgida originalmente en diversas vertientes del campo internacional, es
compartida y experimentada por BELV mediante una serie de desarrollos originales.
preocupación por la inteligibilidad de la experiencia del diseño. Fuentes: Stirling> el edificio
sólo es legible a partir del discurso propio de la teoría de sistemas que involucra también a
todo el complejo no construido la preocupación por generar un “carácter” que exprese
retóricamente a las nuevas tecnologías, pero a la vez que sirva para diferenciar las distintas
funciones que organizan la composición.
2º - Entre 1971 y 1976: incorporan valores tales como la autonomía disciplinar y el uso
conceptual de la tipología. Esta radical transformación determina la aparición en sus obras
de nuevos problemas como la valencia estética o histórica del entorno, las particularidades
locales, el trabajo con formas a priori, etc. Anti-Estilismo que, poco a poco, se transformará
en el sello de un producto que no se ve obligado a responder programáticamente a las leyes
tradicionales de la composición del Modernismo. Solo la perspectiva profesionalista se veía
como variable posible en los tiempos de la dictadura. Para esta época los trabajos
realizados muestran la influencia de las motivaciones proyectuales de T. Díaz, que luego se
acentuaron más claramente en su obra individual. Otra vez el problema es abordado desde
la teoría de los tipos, ahora se busca una solución particular y pragmática en la morfología
exterior. El abandono de la teoría de la articulación de partes diferenciadas de acuerdo con
una idea “funcional” de la tipología. Se cristaliza, en cambio, la opción por una autonomía
que se desentiende de la tradición sistémica del estudio y ensaya respuestas cuya
justificación está más en relación con experimentaciones formales autárquicas
3º - La tercera etapa, en cambio, se caracteriza por un retorno hacia las posiciones iniciales,
lo que implica una reafirmación de la tradición moderna, el uso de la alta tecnología y
procedimientos proyectuales que tienden a la abstracción y son característicos del proceso
de internacionalización de la arquitectura que caracterizó los años noventa.
A partir del restablecimiento de la democracia (1983) es destacable la actuación de los
integrantes de BELV en la enseñanza universitaria y en especial en los problemas
referentes al proyecto y la gestión urbana. Durante esa década, los trabajos del estudio
toman un nuevo giro, esta vez hacia el Contextualismo que inunda la problemática teórica
del momento. Sin abandonar su preocupación por la cuestión tipológica, las obras
construidas tratan de realizar una autocrítica de las posiciones iniciales.
Una contribución particular la constituye el barrio “San Gerónimo” mejor conocido como
barrio Centenario de la Ciudad de Santa Fe, en el que la racionalidad didáctica es llevada a
su extremo. Este barrio es proyectado dentro del concurso de proyectos del FONAVI..
- Barrio Centenario (1978-1982), Ciudad de Santa Fe. Conjunto de 1.289 viviendas
con equipamiento, organizado en 12 manzanas, una de las cuales es vaciada para
el centro comunal. Este vacío-patio urbano no se adscribe sólo a la superficie de la
manzana, sino que carcome las adyacentes en una figura compleja. En relación con
la historia de las ciudades argentinas, retomando el debate sobre la vivienda social,
continuando las objeciones sobre la ausencia de urbanidad en los grandes conjuntos
modernos, recogiendo las sugerencias de la Modernidad no rupturista vienesa y
respondiendo hacia otro tópico “posmoderno” que en [Link]. se consolidaba: la
“preservación de la identidad” recordemos el auge de los temas sobre el “espacio
público” a partir del gobierno democrático. El esquematismo del conjunto responde
así a una voluntad de racionalizar las tipologías y la trama en la que se vive
“naturalmente”.

Miguel Angel Roca (1936-actualidad)

Obtuvo su título de arquitecto en la Universidad Nacional de Córdoba (1965). Una de las
figuras mediáticas más activa y polémica, protagonista de la cultura arquitectónica en la
segunda mitad del siglo XX en Argentina. Ha ocupado numerosos cargos públicos (como
por ejemplo Secretario de Obras Públicas) desde los que realizó una parte importante de su
obra, entre las que se cuentan proyectos, intervenciones y parques urbanos, reciclaje de
edificios históricos, edificios para la educación, hospitales, entre otros. Desde su cargo
público, pudo realizar muchas cosas de alto nivel presupuestario gracias a que no existía el
concejo deliberante (ente regulador) en la época de los militares. Además hizo numerosas
obras privadas.
Preferencia por la composición de geometrías contundentes. Una de las pocas
manifestaciones locales reconocidas a escala internacional. El signo que caracteriza a su
producción es su sometimiento a las leyes de la máxima velocidad que demandan los
hechos políticos, creaciones rápidas = adopción de soluciones de geometrías simples,
aunque en apariencias complicadas.
Desde su gestión municipal en Córdoba durante la dictadura, impulsó la vertiente
posmodernista expresada en la decoración lineal de los pavimentos y en los puentes
virtuales con vistas a jalonar y consolidar un área acotada en el centro histórico de Córdoba.
También incursionó en la rehabilitación de antiguos mercados y en la formación de plazas
evidentemente más preocupadas por el diseño geométrico que por el uso de los espacios.
Autor de un importante volumen de obra en Córdoba y en el exterior:
- Iglesia Villa General Belgrano (1964-1968).
- Áreas peatonales de Córdoba, Plaza Italia, Plaza España, Peatonal 9 de Julio, Plaza
de Armas.
- Complejo habitacional Cerro San Bernardo.
- Banco Provincia Córdoba en Bs. As. (1972-1978). (varias sucursales)
 - Centro Cultural Mercado San Vicente.
- Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Córdoba.
- Varios centros distritales en La Paz, Bolivia.

Estudio MSGSSS
Estudio de arquitectura argentino conformado por:
Flora Manteola (1936-actualidad)
Javier Sánchez Gómez (1940-2020)
Josefa Santos (1931-actualidad), Buenos Aires
Justo Solsona (1931-actualidad), Buenos Aires
Carlos Sallaberry (1943-actualidad)
Sus inicios se remontan a 1956 con trabajos en colaboración entre Solsona y Santos.
Solsona es el líder del estudio, se graduó en la UBA, secretario académico, profesor y
director de maestría.
MSGSSS ha proyectado y realizado numerosas obras en todas las escalas: intervenciones
urbanas, edificios industriales, comerciales y de oficinas, conjuntos de viviendas, hospitales,
reciclaje de edificios históricos, centros deportivos, escuelas, fábricas, viviendas
individuales, diseño de interiores y de muebles. Su obra es considerada entre las más
representativas de la arquitectura argentina, tanto en el país como en el exterior.

Sus comienzos:
A raíz de la crisis de las fórmulas más reductivas y más ilusoriamente protagónicas del
urbanismo de la Carta de Atenas, y de la paralela puesta en cuestión de las teorías
racionalistas más radicales, la trayectoria de MSGSSS comenzó como la búsqueda de una
alternativa. Sin importantes bases políticas, sociales o familiares para la constitución de una
precisa cartera de clientes, y sostenida por una pasión creativa y por los talentos
individuales que se fueron articulando en la oficina, esa búsqueda fue ante todo
desprejuiciada y en cierto modo pragmática.
Características del estilo del estudio:
La obra de MSGSSS es una de las más significativas y representativas de la arquitectura
argentina de las últimas décadas. Significativa por el excepcional volumen proyectado y
construido, y por su calidad arquitectónica (reconocida nacional e internacionalmente).
Representativa porque, por los temas y las estrategias proyectuales desarrolladas, ha sido
eco y al mismo tiempo modelo para su generación y las que siguieron.
Además, la obra se caracterizó porque su experimentalismo se instaló de lleno,
exponiéndose en obras de gran impacto social y cultural. Carente de una elaboración
teórica paciente, fue guiada de forma pragmática, pues da la impresión de estar librada casi
sin rumbo propio a los impulsos siempre cambiantes del debate.
Rasgos particulares y constantes:
- La creatividad: Toda la obra se caracteriza por la búsqueda de soluciones inéditas a los
problemas abordados.
- La recreación del programa: La manipulación del programa de necesidades es una
constante. En la mayor parte de los casos la obra surge como el resultado de una puesta en
cuestión del organigrama más elemental, que busca nuevas agrupaciones posibles de las
funciones, o trastocar los lugares y las características habituales para las mismas.
- La claridad de planta: reconocimiento de una autonomía del orden geométrico de la planta
en la composición de la totalidad de la obra.
- La espacialidad difusa: para ello proponen condiciones: la primera es la disolución de los
límites de los recintos; la segunda, un especial interés por la proyectación en corte: y la
tercera, la devaluación de la materialidad concreta de la obra en la medida en que se
considera subordinada al efecto espacial.
- La fusión con el suelo: Cuando se ubican en un contexto de gran densidad construida, los
edificios proyectados por el estudio suelen procurar destacarse como objetos autónomos.
Sin embargo, al afrontar temas en los que el entorno se libera y el objeto podría presentarse
en su autonomía total, la estrategia elegida suele ser la de fusionarse con el suelo.
- El uso de la diagonal explícita: Existen en la obra de MSGSSS ejemplos de composición
diagonal no explícita, pero lo que más la caracteriza es su materialización.

4 periodos que pueden distinguirse en la obra de MSGSSS:

1° 1957-1967: Etapa de constitución y preparación del funcionamiento estable y articulado
del Estudio. Se caracteriza por la fuerte voluntad de romper con el riguroso racionalismo del
Modernismo de comienzos de la década. Las influencias que más se destacan son: las
teorías del Team X, especialmente en lo referido al cambio y la flexibilidad; y las
arquitecturas de los form-givers norteamericanos y japoneses. La generación de una “nueva
forma” se busca especialmente mediante la manipulación del programa y, en ocasiones, se
apela a grandes gestos totalizantes, como en el proyecto de la Biblioteca Nacional (1962)
que obtuvo el 2do lugar frente a Testa. Los encargos que en esta etapa consiguen
construirse provienen de familias, consorcios de vivienda, o pequeñas empresas, aunque se
obtienen premios en varios concursos, que permiten vinculación con el Estado.
2° 1967-19725: Es este el período de expansión del Estudio. En su transcurso se llevó al
límite la estrategia de innovación radical en la interpretación de los programas y la
generación de la forma. En esos años resulta evidente la fuerte influencia de la Arquitectura
Pop (Archigram) y la Arquitectura de Sistemas, del Metabolismo japonés (Conjunto Rioja,
1969), la arquitectura inglesa y de origen norteamericano, como en el caso de Sert y,
particularmente, de Louis Kahn, cuya expresión más clara es el Banco de Corrientes (1970).
- Sede de la Unión Industrial Argentina (UIA) (1968-1974) CABA.
3° 1972-1980: Como consecuencia de las experiencias de la etapa anterior, la obra de
MSGSSS parece consolidar una estrategia proyectual de mayor prudencia. Siguen estando
presentes las constantes ya señaladas, pero se nota una mayor preferencia por las
geometrías nítidas y, con ello, un abandono de la radical flexibilidad experimentada
anteriormente; también se manifiesta una modalidad compositiva que puede caracterizarse
como de “corrosión de la forma”. Esta consiste en el empleo de una forma relativamente
pura, contenedora general del programa, para luego trabajarla extrayendo partes, a la
manera de la escultura sobre piedra. A diferencia de la etapa anterior, las grandes torres de
oficinas se presentan con una rotunda definición estructural y con una geometría neta, como
en el caso de los edificios Prourban, 1977, CABA.
La mayor cautela proyectual que se percibe en este período es proporcional a la magnitud
de los encargos. A las obras obtenidas por concurso, se agregaron las de grandes
empresas o instituciones, la intervención de grandes grupos constructores y el encargo
directo por parte del Estado de obras significativas de carácter nacional. Producto de este
último tipo de comitente fueron algunas de las más significativas creaciones de la etapa,
como la sede de ATC (1978) y del Estadio de Fútbol de la Ciudad de Mendoza 1976-1978.
- Estudios de Argentina Televisora Color (ATC), (1976-1978), CABA. Levantada en
plena Dictadura Militar; sede de la televisación del Mundial de Fútbol del 78, exigió
inmediatez resolutiva para su ejecución, contrapuesta a la complejidad del
 programa. Recompone el espacio público. Proyecto dominado por un edificio cuyo
techo inclinado conforma una plaza sobre la cual se despliega un juego de formas y
volúmenes prismáticos que resuelven los estudios de grabación. Distintos temas y
piezas geométricas configuran lúdicamente la plaza inclinada, la columnata de
acceso, el anfiteatro, el laberinto de siluetas, las tiras triangulares de iluminación y
otras líneas longitudinales y octogonales que forman los bancos. Rigurosidad formal
dominante en el conjunto, ciertas decisiones quiebran la unívoca percepción
geométrica del edificio (cubos, se vuelven octógonos).
- Fábrica de Papel Prensa (1975-1978), CABA.
4° 1980-1993: Se advierten cambios con orígenes diversos. En alguna medida son
consecuencia del desarrollo de características que comenzaron a advertirse en la etapa
anterior, pero a esto se agregan otros factores como la desaparición casi total del concurso
público nacional, la paralela reducción de las inversiones en vivienda masiva y en la
construcción en general. Etapa de introversión, un repensar temas transitados y un cada
vez mayor cuidado de aquello que en un principio había jugado un rol subordinado: la
cualidad constructiva de las obras.

La persistencia de Clorindo Testa y Oscar Niemeyer. Cultura posmoderna, tradición y

localismos en países americanos.

Clorindo Testa → tercera etapa (desde ‘80)

Su tercera etapa, se inició aproximadamente en 1980, y la obra en la que se advierte el
cambio de rumbo con más claridad es la remodelación del Centro Cívico de La Pampa
(1981). También aquí ha sido permeable a los debates internacionales, no rechazó ideas ni
elementos del repertorio de Aldo Rossi o de Charles Moore, y son evidentes sus lazos más
recientes con algunos motivos de-constructivistas. Pero simultáneamente, y en consonancia
con las libertades que se observan en su pintura, el período puede definirse como de una
deliberada coexistencia de órdenes compositivos diversos. De este período deben citarse:
- La casa en la Barranca (1992).
- El Auditórium de la Paz (1993).
* Rasgos predominantes (toda su obra, no solo la 3era etapa): en términos generales puede
decirse que la obra de CT tiene una vocación vanguardista, vale decir que tiende a poner en
cuestión la organización y los valores social y profesionalmente aceptados de la disciplina.
El propósito de esta puesta en cuestión es el de generar un "extrañamiento", una distancia
entre la obra y el observador que liquide la inercia de la percepción cotidiana.
Lógicamente, y aunque administrada con ironía, como consecuencia del efecto de
"extrañamiento", la obra de CT produce un impacto difícilmente soslayable que
desestructura su contexto urbano, cultural y disciplinar. Los mecanismos del
"extrañamiento" pueden comprenderse si se analiza la organización funcional, metafórica,
visiva y constructiva de sus proyectos.
1- La función como sustancia plástica: el programa organizativo es descompuesto en sus
componentes y, en la medida de lo posible, vuelto a articular de un modo nuevo.
2- Desplazamiento de la imagen: negar la imagen que el observador espera para la función
a la que están destinadas. Se disuelve minuciosamente todo rasgo de "carácter" mediante:
la disolución de los límites entre edificio y terreno, la alusión metafórica, y en su opuesto la
destrucción de la síntesis.
3- Las máquinas de mirar: cuestionadas la organización del programa y de la imagen global,
CT propone además a la obra como instrumento para alterar la mirada distraída del
observador; sobre la propia obra y sobre el contexto en el que ésta se inscribe. Para esto
recurre a dos procedimientos: la promenade architecturale corbusierana, y la construcción
de "oculos" organizadores de la visión. La promenade consiste en el movimiento del
observador a lo largo de un recorrido que se desarrolla en el espacio. Para esto cubren un
rol decisivo las escaleras, las rampas y el modo en que se alternan los elementos y la luz a
lo largo de ese recorrido. En efecto, toda su obra está protagonizada por esos elementos.
4- La técnica como "Objet trouvé" (objeto encontrado): en manos de CT, las técnicas
constructivas constituyen un elemento más para completar el shock del observador. Para
esto sus materiales son administrados explorando sus límites plásticos, o como partes de la
obra, como objetos que se presentan con una aparentemente inexplicable autonomía. El
hormigón armado ha sido trabajado examinando las posibilidades del modelado artesanal
de sus encofrados en curvas, dentados, perforaciones y motivos geométricos variados.
5- Bibliografía y análisis de la crítica: una característica de CT es su escasa vocación
autopromocional, algo que determina una igualmente escasa bibliografía sobre su obra.

Oscar Niemeyer → tercera etapa

A mediados de los ‘70 → Hasta ese momento se encontraba trabajando en Brasilia pero su
militancia en el partido comunista lo forzó a exiliarse en Francia ante el advenimiento de la
dictadura militar en su país. Durante esos años fuera de Brasil proyectó obras de gran
importancia, como la Universidad de Constantine en Argelia (1969), la sede del Partido
Comunista francés (1965-1980) o el Centro Cultural de Le Havre (1972), en Francia.
Años ‘80 → con el fin de la dictadura, retomó su carrera en Brasil enseñando en la
Universidad de Río de Janeiro y trabajando en forma privada. A su regreso se encontró un
país diferente de lo que era cuando le pidieron que diseñara Brasilia, un país cuya población
se dispersaba en las afueras de las ciudades.
Desde el momento de su regreso a Brasil, son muchas las obras y proyectos que realizó en
su país natal. En obras de este período, Niemeyer continuó trabajando con tipologías
previamente exploradas, losas sinuosas, cúpulas, arcos y plataformas, en definitiva, el
vocabulario de su universo curvo.
En esta última etapa siguió trabajando y proyectando hasta sus últimos días de vida.
- Museo de Arte Contemporânea de Niterói (1991-1996), Niterói, Brasil. La
combinación de los elementos que la rodean, un espacio abierto de 2500 mil metros
cuadrados, un espejo de agua en su base con 817 metros cuadrados de superficie y
60 centímetros de profundidad le dan a la estructura una apariencia de gran ligereza.
El proyecto consta de una planta semienterrada rodeada por un espejo de agua y un
cuerpo superior formado por tres plantas. Una rampa sinuosa externa que lleva a los
visitantes a través de los 98 metros de espacio libre sirve como enlace a los dos
primeros pisos del museo, conectando el espacio público con el núcleo central que
contiene la sala de exhibición permanente.
- El nuevo Teatro en el Parque Ibirapuera (2002) São Paulo.

Mario Roberto Álvarez → tercera etapa

En la década de 1980, se consolidó definitivamente su prestigio con una victoriosa
trayectoria de obras para grandes empresas, en las que presentaba su templanza miesiana:
- Edificio IBM (1979-1983), Buenos Aires. Torre de alta carga simbólica, emblema
corporativo, expresión de seguridad. La tensión manifiesta entre el volumen
autónomo del conjunto de oficinas y su articulación puntual con la base del edificio
resuelve con claridad conceptual la operación formal. Síntesis racional y unitaria
 entre sus componentes. Alternancia de opacidad y transparencia. Contribuyen a esta
lectura el contraste entre la verticalidad del volumen respecto de la horizontalidad de
las bandas aventanadas y las barandas de escape.
- Edificio American Express (1987-1989), Buenos Aires. Formaba parte de uno de los
magníficos paisajes de la capital argentina, junto a la plaza San Martín.
- Hotel Hilton y South Convention Center (1998-2000), Bs. As. Integran el desarrollo
urbanístico de Pto. Madero con una sobriedad acorde con su trayectoria profesional.

Cultura posmoderna, tradición y localismos en países americanos

Años ‘70, vinculado al proceso abierto por la instauración del gobierno justicialista, la
voluntad de un progresismo por así llamarlo, socializante, devino en el desarrollo de criterios
o normativas que intentarán, al menos desde la perspectiva teórica, sistematizar y
racionalizar la arquitectura provista desde el estado, fundamentalmente en los campos de la
vivienda, educación y salud.
Los problemas de la arquitectura moderna en el Tercer Mundo: abundaban a los largo de
estos años experiencias de muy diverso tipo de remodelación de los barrios autoconstruidos
o de canalización de la capacidad participativa de los usuarios. Se las denominó “políticas
de autoconstrucción” y consistía en intervenciones públicas en diversos momentos de la
consolidación de los barrios aportando infraestructura, repertorio tipológico de vivienda,
orientaciones técnicas, ayudas económicas, servicios y equipamientos, etc. Todo ello se
basaba siempre en mantener la capacidad participativa de los usuarios.
Otro campo de aplicaciones son todos los diversos caminos de arquitecturas bioclimáticas
pensadas para construir con tecnologías y materiales locales, según formas tradicionales,
siguiendo presupuestos económicos modestos e integrándose ecológicamente en el
contexto y las condiciones climáticas. Investigaciones dirigidas al aprovechamiento de
fuentes alternativas de energía (solar, elíptica). Ello puede tener cierta influencia en la
transformación de las formas de los edificios, las ciudades y el territorio.
Unidad Temática VI – LOS AÑOS ’80 y ’90. ÚLTIMAS TENDENCIAS DEL SIGLO XX
La restauración conservadora en la década del '80: la “década rosa”. Los regionalismos. La
pérdida de la ciudad finita como objeto cultural significativo (Frampton). Las corrientes
ambientalistas; la sustentabilidad. Arquitectura y poder. Las relaciones entre arquitectura y
política. El uso de la Historia como herramienta de proyectación. La nueva vanguardia:
deconstrucción y arquitectura. América y Argentina en las últimas décadas: Validez
conceptual de la dicotomía Regionalismo-Internacionalismo. Escala global y escala local.

VI. 1 - Contexto cultural:

La restauración conservadora en la década del '80: la “década rosa”. La crisis de la
experiencia socialista y la desarticulación del mundo bipolar. La confrontación entre
Modernidad y Posmodernidad; de la tecnología mecánica a la tecnología de la información
(Montaner). Las High-Tech como expresión y exacerbación de la cultura y el poder de los
países centrales. El auge de los regionalismos. El Regionalismo Crítico como contra-oferta
cultural.

Década Rosa. Arq. y política en la era de Reagan: del posmoderno a la deconstrucción.

1981-1989: Mandato presidencial de Ronald Reagan en [Link].
“Los ochenta pasarán a la historia como una década rosa: próspera, conformista, ligera,
maquillada y sentimental (...) Una década de economía rosa, crecimiento burbujeante y
dinero ostentoso (…) La arquitectura se ha adaptado sin violencia a las nuevas
coordenadas funcionales y formales. Ya no se construyen viviendas sociales o escuelas,
sino edificios de oficinas, centros comerciales y museos…” → consumo popular. “Lo formal
desplazó a lo social; la atención se dirige hacia el rostro tras la forma: hacia el arquitecto.”
«La arquitectura posmoderna es la arquitectura del reaganismo.» Entre muchos arquitectos
y críticos izquierdistas, este tipo de afirmación se ha convertido en un tópico. La nostalgia
pseudohistórica, las tradiciones inventadas, el galanteo con una clientela de nuevos ricos, la
retórica populista que con frecuencia suena más paternalista que democrática, el abandono
de toda visión social, todos estos hechos parecen relacionarse de alguna manera con el giro
que ha experimentado la política norteamericana.
Arquitectura norteamericana → donde primero se popularizó el término “posmoderno”. La
primera interpretación del término se refiere a la tendencia que rechaza las componentes
formales y sociales del Movimiento Moderno y abarca un lenguaje formal más amplio, que
con frecuencia es figurativo e históricamente ecléctico. Temas explorados: estilos históricos,
regionalismo, decoración, contextualismo urbano y morfologías, entre otros. Objetivo:
búsqueda de comunicación arquitectónica, deseo de hacer de la arquitectura un vehículo de
expresión cultural. Los arquitectos y críticos posmodernos han tendido a buscar su
justificación ideológica no en el programa. la función o la estructura, sino en el significado.
En los últimos años ha surgido otra interpretación del movimiento posmoderno: una
interpretación que intenta relacionar la arquitectura con una situación epistemológica
general, con frecuencia asociada al posestructuralismo. En este caso, el objetivo parece
casi el opuesto al de los primeros posmodernos. Mientras que el primer grupo criticaba la
arquitectura moderna por ser abstracta, secreta e inaccesible -por haber abandonado el
tradicional papel comunicativo de la arquitectura-, este segundo grupo acepta, e incluso
exalta, la propia desintegración entre comunicación y consenso: la imposibilidad, de hecho,
de formular significado alguno. Aunque estas dos posiciones son dialécticamente opuestas,
el terreno del debate continúa siendo el mismo: el significado y su disolución.
El movimiento posmoderno coincidió con el interés creciente del público por la arquitectura.
(Curtis): La arquitectura de finales del siglo XX no puede atribuirse a un único estilo ni a una
única ideología; ni puede describirse y analizarse de manera satisfactoria mediante términos
como 'alta tecnología’, 'regionalismo', 'neo-racionalismo', 'clasicismo', 'contextualismo' o
'minimalismo'. (evocan aproximaciones, pero no penetran en las ideas arquitectónicas)
El debate entre arquitectura 'moderna' y 'posmoderna' no hizo mucho por esclarecer la
auténtica complejidad de la década de 1980. La arquitectura posmoderna resultó ser un
fenómeno pasajero y relativamente localizado.
La realidad de la producción arquitectónica en las décadas de 1980 y 1990 tenía que ver
más con la evolución y la reevaluación que con la revolución y los cambios radicales. Hablar
de heredar y extender dicha tradición no significa copiar lo que ha venido antes ni imponer
normas estilísticas; implica más bien la asimilación de los principios que hay tras las
soluciones anteriores y su transformación para satisfacer distintas condiciones y adecuar
nuevas intenciones. Hubo sin duda crisis y disyunciones, pero varias corrientes de la
arquitectura moderna también continuaron extendiéndose, criticándose, amanerándose,
regionalizándose e incluso cruzándose con otras tradiciones.
Cualesquiera que fuesen sus creencias, los proyectistas de los 80 se encontraban frente a
inquietantes realidades derivadas de una nueva revolución industrial, relacionada con el
tratamiento electrónico de la información. El estatus mismo del objeto arquitectónico cambió
inevitablemente cuando se vio obligado a competir en un campo de imágenes parpadeantes
y motivos ópticos transmitidos rápidamente. La megalópolis dispersa -sin un centro fijo, sino
con múltiples nodos enlazados por redes de comunicación- llegó a ser el modelo urbano
dominante tanto en los países 'en vías de desarrollo' como en los 'desarrollados'.
Incluso los más idealistas tenían que reconocer la existencia de incertidumbres con relación
a la misión y el contenido últimos de la arquitectura. Estas dudas reflejaban un escepticismo
más amplio sobre la capacidad de los lenguajes para afrontar las 'realidades'.
(Montaner): Arquitectura posmoderna se ha ido convirtiendo en un término ambiguo que
tanto puede designar una situación general, la condición posmoderna; como ciertas
tendencias de la arquitectura que son más marcadamente historicistas o eclécticas.
El concepto de sociedad postindustrial es referido a la sociedad que ha pasado de la
tecnología mecánica de los motores a la tecnología intelectual de la información, el
conocimiento codificado y el micro procesamiento, las infraestructuras de comunicación son
más trascendentales que las de transporte y energía, los técnicos y profesionales se
convierten en cruciales. Este es un proceso que se ha ido asentando en los países más
desarrollados desde finales de los años sesenta hasta finales de los ochenta. Puede
establecerse un paralelismo genérico entre sociedad postindustrial y arquitectura
posmoderna.
El concepto de posición arquitectónica se basa en la consideración de que en la actividad
de ciertos arquitectos se dan opciones en cuanto a tipo de espacios, materiales, lenguaje,
tecnologías y relación con la ciudad. Las posiciones arquitectónicas que se intentarán
delimitar van a ser seis: el historicismo y revival basado en la recuperación del lenguaje
clasicista; la continuidad del contextualismo cultural que valora primordialmente los valores
urbanos e históricos de cada obra; la versatilidad del eclecticismo, basada en la búsqueda
de nuevas formas a partir de la fusión y collage de lenguajes y convenciones existentes; el
paradigma de la singularidad de la obra de arte; el surgimiento de una nueva abstracción
basada en el juego formal; y la continuidad en el uso radical de la alta tecnología. Con este
despliegue de tendencias más la lectura detallada de una serie de obras representativas, se
va a intentar detectar los temas trascendentales de la arquitectura más reciente, aquellas
cuestiones que se sitúan en el centro de su evolución.
High-Tech → movimiento arquitectónico que nace en los años 70 y consiste en incorporar
elementos industriales y tecnológicos en la concepción de todo tipo de edificios (viviendas,
oficinas, museos, fábricas). Aparece como una continuación de la arquitectura moderna.
Los personajes más conocidos de esta corriente arquitectónica son principalmente Renzo
Piano y Richard Rogers, junto con otros arquitectos ingleses como Norman Foster.
Sirven a un sector limitado de la sociedad y atienden una franja acotada de problemas
arquitectónicos y necesidades sociales. Se centran en el éxito, representan el poderío de
sus comitentes o autores, habiendo llegado a la total transformación de las concepciones
estructurales, por extrañas triangulaciones o por la fragmentación del edificio en diversas
partes capaces de generar un equilibrio.
Solo resultan eficientes en determinados sectores del mundo ya que movilizan fuerzas
creativas dentro de una línea muy precisa: la del desarrollo tecnológico de alta complejidad,
apoyado por poderosas bases económicas. Aunque es imitada, fuera de su ámbito de
origen pierde calidad y eficiencia. No puede ser considerada una arquitectura central.
Todas las arquitecturas high-tech han sido elogiadas, y sus elementos técnicos han sido
promocionados, con una presentación ostentosa de componentes técnicos y funcionales.
Las paredes de vidrio y las estructuras en acero son también retomadas por los arquitectos
del high-tech. Para valorizar los elementos técnicos, estos son frecuentemente posicionados
al exterior, acompañando la estructura portante que salta a la vista.
Uno de los ejemplos más típicos es el centro Pompidou en París donde el sistema de
ventilación se expone de una manera espectacular en una de las fachadas.

El auge de los regionalismos. El Regionalismo Crítico como contra-oferta cultural.

El término “regionalismo crítico” no pretende denotar la tradición vernácula tal como se
produjo espontáneamente por la interacción combinada del clima, la cultura, el mito y la
artesanía, sino más bien identificar esas “escuelas” regionales relativamente recientes cuyo
propósito primordial consistió en ser el reflejo y estar al servicio de las limitadas áreas en las
que estaban radicadas. Entre los factores que contribuyeron a la aparición de un
regionalismo de este orden estaba no solo cierta prosperidad, sino también una clase de
consenso anticentralista, una aspiración a alguna forma de independencia cultural,
económica y política.
El concepto de una cultura local o nacional es un enunciado paradójico no sólo debido a la
obvia antítesis actual entre la cultura arraigada y la civilización universal, sino también
porque todas las culturas, tanto antiguas como modernas, parecen haber dependido para su
desarrollo intrínseco de cierta fecundación cruzada con otras culturas. Ricoeur dice que las
culturas regionales o nacionales deben constituirse en última instancia como
manifestaciones localmente conjugadas de la “cultura mundial”.
Desde el punto de vista de la teoría crítica hemos de considerar la cultura regional no como
algo dado y relativamente inmutable, sino más bien como algo que, al menos hoy en día, ha
de ser cultivado de manera consciente.
Un buen ejemplo de regionalismo explícitamente anticentralista fue el movimiento
nacionalista catalán que surgió, con la fundación en 1952, del Grupo R en Barcelona. Este
grupo, encabezado por J. M. Sostres y Oriol Bohigas, se encontró atrapado desde el
principio en una situación cultural compleja. Por un lado, estaba obligado a reavivar los
valores y los procedimientos racionalistas y antifascistas del GATEPAC (el ala española de
los CIAM antes de la guerra); por otro, seguía siendo consciente de la responsabilidad
política de evocar un regionalismo realista, accesible para la población en general. Este
programa doble se anunció públicamente por primera vez en 1951. Los diversos impulsos
culturales que configuraron este regionalismo heterogéneo tienden a confirmar la naturaleza
inevitablemente híbrida de la cultura moderna auténtica. En primer lugar, estaba la tradición
del ladrillo, que se remontaba al periodo del Modernismo; luego estaba la influencia de
Neutra y del Neoplasticismo; el estilo neorrealista del arquitecto italiano Ignazio Gardella; y
la influencia del Nuevo Brutalismo británico.
Una actitud regionalista también lidera la obra del arquitecto mexicano Luis Barragán, cuyas
mejores casas adoptan una forma topográfica. Como diseñador de paisajes y como
arquitecto, buscó siempre una arquitectura sensual y enraizada en la tierra; compuesta de
recintos, estelas, fuentes y cursos de agua; situada entre rocas volcánicas y vegetación
exuberante; referida indirectamente a las “estancias” coloniales mexicanas.
El regionalismo se ha manifestado en otros lugares de América: en Brasil, durante los años
cuarenta, en las primeras obras de Niemeyer y Affonso Reidy; en Argentina, en la obra de
Amancio Williams, sobre todo en su casa puente de Mar Del Plata, en el banco de Londres
y América del Sur de Clorindo Testa; en Venezuela, en la ciudad universitaria de Caracas,
construida por Carlos Villanueva; en Los Ángeles en la obra de Neutra de finales de los
años ’20, luego en la escuela de la Bay Área fundada por William Wurster, y en la obra de
Harwell Hamilton en el sur de California.
No es casual que Tadao Ando (que es uno de los arquitectos con más conciencia
regionalista de Japón) este afincado en Osaka y no en Tokio, y que sus escritos teóricos
formulen más claramente que los de ningún otro arquitecto de su generación un conjunto de
preceptos que se aproximan a la idea del regionalismo crítico. Lo que Ando tiene en mente
es el desarrollo de una arquitectura en la que el carácter táctil de la obra trasciende la
percepción inicial de orden geométrico.
El regionalismo crítico no es tanto un estilo como una categoría crítica orientada hacia
ciertos rasgos comunes que pueden no estar siempre presentes en los ejemplos. Pueden
resumirse en:
1. Una práctica marginal que, aunque es crítica de la modernización, todavía se niega a
abandonar los aspectos emancipadores y progresistas del legado arquitectónico moderno.
2. Una arquitectura conscientemente delimitada, que más que hacer hincapié en el edificio
como objeto aislado, pone el acento en el territorio que ha de establecer la construcción
levantada en el emplazamiento.
3. La arquitectura como un hecho tectónico más que como la reducción del entorno
construido a una serie de episodios escenográficos variopintos.
4. Es regional en la medida en que resalta invariablemente ciertos factores específicos del
lugar, factores que abarcan desde la topografía (considerada como una matriz
tridimensional en la que se encaja la construcción) hasta el juego variable de la luz local a
través del edificio. La Luz se entiende invariablemente como el factor primordial gracias al
cual se revelan el volumen y el valor tectónico de la obra.
5. Hacer hincapié en lo táctil tanto como en lo visual. Es consciente de que el entorno se
puede experimentar con otros sentidos además de la vista.
6. Insertará, en ciertos casos, elementos vernáculos reinterpretados como episodios
disyuntivos dentro de la totalidad. Se esforzará por cultivar una cultura contemporánea
orientada al lugar, sin llegar a hacerla excesivamente hermética, ni en el plano de las
referencias formales ni en el de la tecnología.
7. Su aparición indica que esa noción heredada consistente en un centro cultural dominante
rodeado por satélites dependientes y dominados es, en última instancia, un modelo
inadecuado con el que valorar el estado actual de la arquitectura moderna.
VI. 2 - Ciudad y Territorio:
La pérdida de la ciudad finita como objeto cultural significativo (K. Frampton). El urbanismo
contextualista y el peso de la historia: Berlín y Barcelona. OMA: la ciudad del globo cautivo y
la desmesura urbana. Nuevos paradigmas: corrientes ambientalistas, la idea de
sustentabilidad, la ciudad informacional y las minorías sociales.

La pérdida de la ciudad finita como objeto cultural significativo (K. Frampton).

Desde un punto de vista humano, económico y ecológico, no hay un área de la actividad
humana que esté tan necesitada de una nueva relación con la naturaleza como nuestra
modalidad actual de desarrollo suburbano al azar: ruinosa parcelación aleatoria, strip o
franja urbana repleta de anuncios, centro comercial e incalculable cantidad de hectáreas de
paisaje relativamente abierto perdidas cada año en la expansión urbana descontrolada. El
concepto de “poca altura y alta densidad” ha sido reconocido como un método conveniente
para la urbanización residencial ex-urbana de finales del siglo XX, pero pocos
asentamientos se han llevado a cabo según estos principios. Resulta inquietante pensar
que dicha concepción se planteó originalmente de manera extensiva como una estrategia
reformista para la expansión urbana neo-capitalista hace más de un cuarto de siglo, y que
desde entonces ha sido muy poca la legislación que se ha puesto en marcha para frenar la
contaminación ambiental y los resultados de la universalización de la propiedad del
automóvil y la especulación del suelo.
La pérdida de la ciudad finita como objeto cultural significativo sin duda explica parcialmente
la decadencia del pensamiento vanguardista y el reconocimiento de que la arquitectura ya
no puede intervenir a escala global. El vacío dejado por nuestra incapacidad para hacer
realidad unos ámbitos urbanos claramente definidos, junto con las instituciones que en su
momento encarnaron, estuvo oculto hasta hace relativamente poco debido a las ilusiones
optimistas del urbanismo operativo, una disciplina casi positivista cuya eficacia en la gestión
de la economía consumista dependía del mantenimiento de cierta indiferencia hacia la
forma cultural. Frente a esto, el enclave urbano se reafirma ahora como una estrategia
alternativa y factible, dado el fracaso del urbanismo como práctica de proyectar. Sin
embargo, el enclave es tan sólo un “qué” potencial en un momento en que la arquitectura ha
de adoptar una nueva posición con el fin de conservar cierto sentido de continuidad y
profundidad en relación con el contexto global. Con objeto de llegar a un método general
viable para el ejercicio completo de la arquitectura, al “cómo” se le debe conceder la misma
categoría.

El urbanismo contextualista y el peso de la historia: Berlín y Barcelona

La continuidad del contextualismo no solo se manifiesta en la arquitectura sino también en
experiencias urbanas destacables (principalmente experimentando en el tejido histórico de
grandes ciudades, modernizándolas).
Década del ‘80 → dos ciudades se destacaron por el proceso de transformación completa
de estas áreas históricas → Berlín y Barcelona.
BERLÍN: la reconstrucción se dio con el impulso del programa IBA (Bauausstellung o
Internacional de la Construcción) → un programa de construcción y recuperación
comenzado en 1977. Se basó en una reformulación de los barrios decadentes con nuevos
proyectos de arquitectura y la revitalización de los edificios antiguos. Para construir nuevos
y para la recuperación de los edificios, el programa IBA se dividió en dos grupos: Neubau
(nuevas construcciones) y Altbau (restauración), cada uno asesorado por un grupo formado
por arquitectos, políticos y planeadores que actuaban como consejeros para el
desenvolvimiento proyecto. El objetivo fue integrar los nuevos y las antiguas construcciones,
con el uso de la estructura urbana tradicional, donde el pasado y el futuro sería uno solo.
Berlín ha servido como modelo para la intervención en otras ciudades europeas aportando
un importante repertorio tipológico. Las intervenciones realizadas han sido de muy diverso
tipo:
- En un extremo, se destacan las intervenciones de Aldo Rossi o Robert Krier que se han
basado en la reconstrucción perimetral de las manzanas y en la recreación de las tipologías,
morfologías y lenguajes de la ciudad europea.
- Por otro extremo, Peter Eisenman se basó en explicitar una complicada red de
superposiciones y John Hejduk erigió torres independientes y antropomórficas.
BARCELONA: la transformación se destaca por la creación de nuevos espacios públicos de
diversos tipos (jardines, plazas, avenidas, parques, etc.). En estas intervenciones también
se resalta la voluntad de tratar todos los espacios urbanos (ya sean parques, puentes o
túneles) de una nueva manera: dando importancia al proyecto arquitectónico y al mobiliario
urbano.
Es importante resaltar que las primeras intervenciones (en torno a 1982) se basaron en
remodelar plazas ya existentes en tejidos históricos consolidados. Hacia 1985 ya
proliferaron operaciones más ambiciosas, de mayor tamaño y en áreas más periféricas o
núcleos urbanos de menor carácter. En muchos casos estos espacios están singularizados
por esculturas al aire libre.

OMA: la ciudad del globo cautivo y la desmesura urbana.

OMA (Office for Metropolitan Architecture) → Oficina de arquitectura creada en 1975 por
Rem Koolhaas y Elia Zenghelis. Trabajaron en Londres.
Premisa: trabajo en equipo y experimentación radical; su modelo es el de las grandes
ciudades, y sus primeras influencias vienen de los Archigram.

Rem Koolhaas (1944-actualidad), Rotterdam, Países Bajos

1978: publicó una novela histórica sobre la ciudad de Manhattan → Delirious New York
(Delirio de Nueva York). Desarrolla 3 categorías sobre la metrópolis moderna dentro de las
que aparece la metáfora de “La ciudad del globo cautivo”.

“La ciudad del globo cautivo” → Se consagra como una concepción artificial y a través de
esta teoría ligada directamente al utopismo radical, propone repensar la ciudad y entenderla
como una piel silenciosa que esconde en su interior un
programa único, que en lo absoluto lo refleja en su
exterior, es decir, existe dentro de cada ciudad una
parte ligada al formalismo (exterior) y otro al
funcionalismo (interior). En ella confluyen las
situaciones características: un urbanismo
semi-espontáneo, una elevada densidad, la
descoordinación y la congestión; en una retícula
infinita e isótropa que organiza el territorio en
manzanas, donde se ubican los edificios/rascacielos
más heterogéneos.
Fragmento de Delirious New York (1972), Rem Koolhaas:
(…) La “Ciudad del globo cautivo” fue una primera exploración intuitiva de la arquitectura de
Manhattan. (…) Si la esencia de la cultura metropolitana es el cambio –un estado de
animación perpetua- y la esencia del concepto “ciudad” es una secuencia legible de
permanencias diversas, únicamente los tres axiomas fundamentales en los que se basa
esta ciudad (la retícula, la lobotomía y el cisma) pueden reconquistar el territorio de la
metrópolis para la arquitectura.
En este capítulo, la “Ciudad del globo cautivo” sintetiza toda la disertación teórica
desplegada a lo largo de este “manifiesto retroactivo” que es Delirio de Nueva York. Rem
Koolhaas crea de manera póstuma un movimiento arquitectónico que se ajuste a la
arquitectura de la ciudad de Manhattan desde su nacimiento hasta 1939, fecha en la que
según el autor la ciudad pierde su identidad coincidiendo con el inicio de la II Guerra
Mundial. Este movimiento, el manhattanismo, podría ser un posible nacimiento prematuro
de la posmodernidad incluso antes incluso de que la modernidad llegase a desplegarse
completamente.

Nuevos paradigmas: corrientes ambientalistas, la idea de sustentabilidad, la ciudad

informacional y las minorías sociales.
Las condiciones sociales y tecnológicas cambian rápidamente, y la explosión de la
metrópolis de la 'información' (un sistema de redes visibles e invisibles que destruye las
antiguas definiciones del campo y la ciudad) está exigiendo una nueva escala de
pensamiento situada entre la arquitectura, el urbanismo, el arte paisajista y la planificación
territorial.

VI. 3 - Arquitectura:
Arquitectura y poder. Las obras del París del Bicentenario y las prácticas arquitectónicas de
la década del '80. Las relaciones entre arquitectura y política. Los pabellones de Sevilla ’92.
El uso de la Historia como herramienta de proyección; el contextualismo cultural;
connotaciones ideológicas y diversas lecturas de esta actitud; Ricardo Boffil en Abraxas;
Philip Johnson; Robert y León Krier.
La nueva vanguardia: de-construcción y arquitectura; Frank Gehry; Zaha Hadid; Coop
Himmelblau; Rem Koolhaas y el grupo OMA; Peter Eisenman.
América Latina y Argentina en las últimas décadas: Validez conceptual de la dicotomía
Regionalismo-Internacionalismo. La producción de la arquitectura en las nuevas
condiciones del capitalismo transnacional. La escala global y la escala local. La
trascendencia internacional de arquitectos argentinos: César Pelli, Rafael Viñoly,
Gandelsonas-Agrest, Machado-Silvetti, Emilio Ambaz.

Arquitectura y poder. Las obras del París del Bicentenario y las prácticas
arquitectónicas de la década del '80. Las relaciones entre arquitectura y política.
Estrategia de la geometría en París, fines del Siglo XX:
Además del parque de la Villette, París ofrece más realizaciones que simpatizan con este
énfasis en los hitos geométricos, que se desarrolla en los 80. Trazada desde la pervivencia
de las geometrías radicales del barroco, ha desarrollado una especial sensibilidad para
definir en su tejido hitos y ejes fuertemente geometrizantes, como los mismos boulevards,
las barrieres de Ledoux o los arcos de triunfo, constituyéndose como la expresión de las
certezas relacionadas con la geometría, el orden y la axialidad.
El concurso internacional convocado en 1971 para el Centro Pompidou en París, inauguró
un amplio programa de edificación de patrocinio público que culminaría en las grandes
obras realizadas en París y otros lugares de Francia en los años ochenta, durante la
presidencia de Francois Mitterrand. Entre los numerosos adornos que se añadieron en esa
época a la capital francesa, hay que resaltar, en los dos extremos del gran eje de la ciudad:
- Ampliación del Museo del Louvre (1988), del norteamericano Ieoh Ming Pei. La
intervención adopta al exterior la forma de una gran pirámide de cristal. Se
solucionan así tres tipos de problemas: funcional, urbano y simbólico. El funcional
era el más complejo, con la configuración de la pirámide se define un nuevo acceso
monumental que se sitúa en el punto central para acceder fácilmente a las tres alas
del Louvre. Con respecto al contexto urbano, la definición de la pirámide, además de
mejorar los sistemas de acceso público (a pie, metro, autocar, vehículo) sirve para
enriquecer la relación con el entorno y enfatizar el monumental eje urbano de la
ciudad. En lo que se refiere a la resolución técnica de la pirámide y su forma, se
sitúan en un punto de equilibrio entre el respeto por la tradición y la voluntad de
modernidad. Se entronca con la tradición clasicista, y con las propuestas de las
vanguardias. La utilización de la alta tecnología, de la transparencia, el agua y la
iluminación nocturna otorgan una imagen de radical contemporaneidad.
- El nuevo arco de la Défense (1989), proyecto del danés Johan O. von Spreckelsen.
El edificio de oficinas, en el límite del gran barrio terciario, se constituye como un
cubo perfecto que vaciado adopta la forma de gigante arco tecnológico, completando
la línea axial que arranca del Louvre hasta la Défense. Se trata de una puerta
gigante en la frontera entre la ciudad de la geometría y el vacío. Intenta establecer
un hito visual dentro del desorden de los rascacielos que configuran La Défense.
Entre otros importantes proyectos realizados, procedentes de concursos celebrados en la
primera mitad de los años ochenta, se incluye:
- Parque de La Villette, de Bernard Tschumi. En 1982 fue propuesto el concurso para
diseñar un nuevo parque modélico del siglo XXI, situado en una antigua gran área
de servicios surcada de canales, edificaciones industriales y rodeada de barrios de
trabajadores e inmigrantes. Se presentaron Rem Koolhaas, E. Zenghelis, Zaha
Hadid, entre otros, y Bernard Tschumi fue el ganador.
El parque ha planteado un universo autónomo basado en las leyes de la geometría,
a partir de la superposición de tres tipos de tramas formales: puntos, convertidos en
folies de color rojo, de forma cúbica, con diversos usos y expresividad
neoconstructivista; líneas, recorridos lineales y curvos que al superponerse y
cruzarse crean puntos de tensión formal; y superficies, plataformas verdes y
volúmenes de diversos usos culturales y lúdicos. Son las superposiciones e
interrelaciones y conflictos que se crean entre estas tres lógicas, las que generan la
forma global del parque. Esta propuesta, además de pertenecer a la disciplina de la
nueva abstracción formal, constituye una reinterpretación del parque inglés. Otro
elemento importante que está en la base del proyecto es la interpretación de K.
Lynch sobre “La imagen de la ciudad”, con su establecimiento de cinco referencias
básicas en la percepción: sendas, bordes, barrios, hitos y nodos. Se plantea la
cuestión de cómo debe ser realmente un parque de finales del XX, si aún debe
pensarse de forma tradicional (como espacio alternativo a la ciudad, como respiro) o
si debe aceptar que esta heterotopía ha sido engullida por la ciudad, sin que se
pueda mostrar otra cosa más que su imposibilidad de huir de la metrópolis.
Tschumi ha seguido el camino de las apropiaciones y contaminaciones figurativas. Las dos
fuentes máximas de inspiración: la literatura y el cine (intentando plantear una arquitectura
cinemática, pensada desde la sensibilidad del siglo XX). El cine, el teatro, la coreografía y
la fotografía son tomadas como la fuente de inspiración de la vanguardia. Tschumi ha
intentado explorar las posibilidades formales y arquitectónicas de estos mundos próximos.
La preocupación por la velocidad, el movimiento, el dinamismo, se expresa en lo
discontinuo, en lo fragmentario, en choques de imágenes. Busca una arquitectura que
exprese la explosión del potencial del deseo reprimido por la sociedad capitalista. En su
obra hay influencias de Eisenman (la serie de casas partiendo del cubo y el proyecto para el
Cannaregio de Venecia).

Los pabellones de Sevilla ’92

En el año del quinto centenario del descubrimiento de América, se celebró la Exposición
Universal de Sevilla, que fue la mayor de la historia tanto por su tamaño como por el
número de participantes. Con ella, se trataba de poner de relieve todos los aspectos
culturales, científicos, técnicos y económicos que por medio del Descubrimiento de América
han ejercido influencia en la evolución y progreso de la humanidad, pero también se
presentaba como un nuevo instrumento capaz de resolver los objetivos de diversos
intereses. Junto a los ideales que han venido persiguiendo las exposiciones universales
desde la segunda guerra mundial -ser encuentro entre las naciones- y los tradicionales
resultados prácticos de su materialización -servir de acicate para múltiples reformas
urbanas-, se aprovechó la ocasión para proyectar la imagen de una España moderna,
organizada, con buen capital humano y avanzada tecnológicamente, y a la vez para
modernizar estructuralmente la región.

El uso de la Historia como herramienta de proyección; el contextualismo cultural;

connotaciones ideológicas y diversas lecturas de esta actitud.

Revival - Historicista y Vernacular → A lo largo de los años 70 se fue extendiendo una

manera de hacer arquitectura enraizada en la historia, la tradición y la reutilización de un
sistema de convenciones aceptadas, pretendiendo asegurar así la comunicación con el
usuario. En la mayoría de los casos se recurre al prestigio y confortabilidad de los lenguajes
clásicos, en un camino que tiende a renunciar a los experimentos innovadores.
Indudablemente el sistema compositivo con mayor pervivencia a lo largo de la historia de la
arquitectura ha sido el clasicismo.
A lo largo de los ‘80 la arquitectura posmoderna ha recibido innumerables críticas. En los
países con más peso de la tradición, esta arquitectura se desarrolló más fuerte, y se dio a
conocer cómo arquitectura “revivalista”, ligada a la recuperación e interés por la tradición
Beaux-Arts y la revalorización de arquitectos eclecticistas. Esta tendencia se desarrolló
ampliamente en [Link]. con arquitectos como Stern, C. Alexander, M. Graves, entre otros, y
en Europa con Culot, Leon y Robert Krier, Ricardo Boffil, y más. Así como las referencias a
lo largo de la historia del clasicismo son muy diversas, también existen radicales diferencias
dentro de los clasicismos recientes. Esta arquitectura no duda en recurrir de manera literal y
cerrada a los lenguajes del pasado: frontones triangulares, pilastras clásicas y otros
elementos, reaparecen directamente sin ninguna voluntad de experimentación,
reelaboración o abstracción. Se trata de un estilismo clasicista o historicista.
Ricardo Bofill (1939-2022), Barcelona, España
Su arquitectura ha intentado desarrollar, a partir de mediados de los años 70, una síntesis
estridente entre dos mundos aparentemente distanciados de manera irreconciliable: el
clasicismo y la alta tecnología. Ha intentado desarrollar esta síntesis proponiendo incluso
sistemas de prefabricación con molduras que configuran edificios resueltos según una
interpretación libre de la tradición clásica. Esta experiencia parte de la voluntad de recuperar
los valores históricos y simbólicos de la arquitectura con el fin de convertirla en un
fenómeno popular. El éxito de su arquitectura estriba en esta recuperación decadente de un
lenguaje basado en el prestigio del pasado que sintoniza con el gusto anacrónico de
políticos y usuarios.
Las utopías tecnológicas de los años setenta, en especial de Archigram, empiezan a
interesarle y hace pública su voluntad de formalizar una nueva arquitectura agregativa
dentro de la idea de una nueva ciudad vertical, recurre al estudio de nuevas células de
vivienda y posibles combinaciones sobre el soporte de nuevas tecnologías.
A lo largo de su experiencia de construcciones en Francia, fue cambiando sus
planteamientos y tendiendo a esta recuperación del clasicismo / regionalismo catalán:
- Conjunto Antígona (1979). Es una de las realizaciones más explicativas; resolución
de los grandes conjuntos urbanos recuperando los criterios compositivos de la
ciudad barroca, a base de avenidas y plazas definidas por una forma arquitectónica
que intenta contestar el circundante caos urbano. En cada edificio, se produce un
contraste entre las gigantes molduras clásicas realizadas con prefabricados y los
grandes acristalamientos. Conviven órdenes gigantes y monumentales con las
pequeñas ventanas y frontones reales de cada célula mínima de habitación. La duda
estriba en la conciencia de que la lógica de la tecnología avanzada poco tiene que
ver con la recuperación del lenguaje clásico, y tras esa máscara clasicista y la
celebración decante de un lenguaje ya fuera de época se ocultan graves problemas.
- Conjunto Walden 7 (1970-1975), Barcelona. Su obsesión por la imagen del castillo
alcanzó su apoteosis. Con vaciones de doce alturas, cuartos de estar mal
iluminados, balcones diminutos y un revestimiento de placas cerámicas que pronto
empezó a desprenderse, el conjunto marcó un desafortunado límite donde lo que
inicialmente era un impulso crítico degeneró en una escenografía sumamente
fotogénica. Pese a su homenaje pasajero a Gaudi, Walden 7 muestra su preferencia
por la seducción. Es la arquitectura del narcisismo por excelencia, ya que la retórica
formal se orienta hacia la moda de prestigio y hacia la mística de la extravagante
personalidad de Bofill.
- Les Espaces D'Abraxas (1982), París, Francia. Como edificio emblemático de la
Ville Nouvelle de Marne-la Vallée, el conjunto formado por “El Palacio”, “Le Théâtre”
y “L'Arc” necesitaba tener un carácter monumental y simbólico para convertirlos en
lugar y punto de encuentro de referencia para la ciudad nueva. Si bien su impacto en
el tejido urbano no es determinante, Les Espaces d'Abraxas cumple a la perfección
su función de monumento urbano que marca el inicio de la nueva ciudad. Imbuidos
de este carácter representativo, los tres edificios se disponen en un espacio barroco,
más francés en unas zonas, más mediterráneo en otras, para constituir un gran
espacio público en el que la monumentalidad sirve de telón de fondo a la zona más
noble de la nueva urbanización. Las referencias históricas están presentes a lo largo
de la obra, tanto en la configuración del conjunto como en las características de
ciertos detalles. Las formas clásicas, muy arraigadas en la cultura francesa, se
transforman y renuevan en la forma en que se utilizan.
Philip Johnson
En esta etapa, que oscila de un lado a otro entre la arquitectura moderna tardía y la
postmoderna, ha tomado el muro cortina del Seagram y se ha dedicado a jugar con él en las
torres de Pennzoil Place. La idea de que la arquitectura moderna tardía es la fase
exagerada, distorsionada y extrema de la moderna está aquí muy clara. De la misma
manera en que el renacimiento tardío se entretiene en sus juegos manieristas con la
gramática renacentista, Johnson bromea con el lenguaje anterior de todas las maneras más
inimaginables para darle una nueva vida.
- Pennzoil Place (1974-1975), Houston, P.J. y John Burgee. Es el edificio Seagram
cortado en dos, colocando los dos trozos diagonalmente de manera que culminen en
los puntos de corte, en un delgado espacio manierista que se proyecta más de cien
metros: en una esquina desciende vertiginosamente el techo del vestíbulo y todo el
conjunto puede entenderse como una serie de recursos esquizofrénicos: la “doble
unidad” con su “suave dureza”, el muro cortina, que es “el mismo y diferente” desde
cada ángulo, produciendo una “armonía inarmónica” con su “lógica irracional”. El
rascacielos modelado es una típica respuesta tardomoderna de la caja anterior.

Robert y León Krier

Fundamentalismo europeo → La nueva sensibilidad respecto a los centros históricos de las
ciudades europeas juega un papel trascendental. Una voluntad excesivamente
conservacionista de reconstrucción de tejidos, donde se perdió toda nota de modernidad.
- Escuela de Bruselas y los Archives d'Architecture Moderne. Liderados por Culot y los
hermanos Krier. Es el caso más emblemático europeo a finales de los años 70 y
principios de los 80. Siguiendo una pretendida batalla anti industrial, propusieron
manifiestos en retorno a las tipologías y a los materiales tradicionales. Se trataba de
volver a construir casas artesanales con madera, piedra y ladrillo, criticando
totalmente las modernas tipologías y los materiales modernos como estructuras de
acero y fachadas de cristal. Aparecen en estos arquitectos resonancias ruskinianas
en su defensa del trabajo artesanal en contra el industrial.

La nueva vanguardia: de-construcción y arquitectura

(McLEOD, Mary, La era de Reagan. Del Posmodernismo a la Deconstrucción, 1989*):
Posestructuralismo y deconstructivismo: Una tendencia arquitectónica nueva, relacionada
tanto con la teoría posestructuralista como con las formas constructivistas, es en parte una
vehemente reacción contra lo posmoderno y contra lo que se entiende como sus
dimensiones conservadoras: sus imágenes historicistas, su contextualismo complaciente,
sus propiedades conciliatorias y ratificadoras, su humanismo, su rechazo de las imágenes
tecnológicas, y su represión de lo nuevo. En lugar de buscar la comunicación cultural, la
arquitectura, desde su perspectiva, debería hacer explícita su supuesta extinción. La
fragmentación, la dispersión, la descentralización, la esquizofrenia y la perturbación son los
nuevos objetivos; y es a partir de estas cualidades de donde la arquitectura ha de obtener
su filo crítico. Pero se plantea la cuestión de si el papel político de esta nueva vanguardia
arquitectónica -esta segunda deformación de lo «posmoderno»- difiere significativamente
del correspondiente al primer movimiento.
Como los arquitectos posmodernos anteriores, los deconstructivistas son un grupo dispar
con diferentes estilos e intenciones; pero, a diferencia de sus antecesores -que compartían
una valoración crítica frente al Movimiento Moderno, y que reconocieron sus propias
semejanzas a lo largo de una década de crítica y debate-, estos artistas han trabajado
individualmente durante años, y en algunos casos con anterioridad a la completa aparición
de las tendencias historicistas. Entre los incluidos: Coop Himmelblau, Peter Eisenman,
Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind y Bernard Tschumi.
Hermetismo formal → Como reacción a lo posmoderno, el deconstructivismo comparte
algunos aspectos con el Movimiento Moderno. La preferencia por las formas abstractas, el
rechazo de la continuidad y la tradición, la fascinación por las imágenes tecnológicas, el
desdén por el academicismo, y la retórica polémica y apocalíptica recuerdan, todos ellos,
una época moderna anterior. Pero el deconstructivismo -como ya se ha indicado- surgió
también a partir de muchos de los mismos impulsos del movimiento posmoderno. Como
este, la nueva tendencia rechaza las premisas ideológicas fundamentales del Movimiento
Moderno: funcionalismo, racionalismo estructural y fe en la regeneración social. Pese a su
retórica contraria a las citas históricas, el deconstructivismo también busca en el pasado sus
fuentes formales, sólo que ahora la búsqueda se centra en el propio Movimiento Moderno y
en las formas de la era de la máquina. Finalmente, también enfatiza las propiedades
formales de la arquitectura. (A este respecto, resulta irónico que el Constructivismo ruso,
con sus programas políticos y sociales, sea considerado la fuente primordial.)
La estetización de la arquitectura deconstructivista muestra efectivamente un nuevo
abandono de los procesos sociales, pero sería un error descalificar sus búsquedas formales
como políticamente neutras o irrelevantes. Incluso la abstracción artística tiene
implicaciones sociales, y, dadas las connotaciones cada vez más conservadoras de la
figuración posmoderna, el deconstructivismo puede ser muy bien un ejemplo de cómo la
abstracción adopta resonancias progresistas, como hizo inicialmente el Movimiento
Moderno. Las formas no son siempre tan mudas como a veces declaran los arquitectos.
Estas formas neoconstructivistas poseen por el momento una frescura y una energía que
abarcan el presente y el futuro. Incluso cuando las imágenes se remontan al
Constructivismo ruso, invocan (todo lo conscientemente que se quiera) el sueño
revolucionario de un futuro heroico. La tecnología es en este caso una fuente de placer y de
juego: algo que debe ser explotado y ampliado para hacer realidad las nuevas posibilidades
espaciales. Del mismo modo, el acero, el vidrio, la chapa metálica corrugada y la tela
metálica -los signos de la economía industrial- ofrecen nuevas opciones e imágenes.
La arquitectura deconstructivista corre el riesgo de recibir las mismas acusaciones de
elitismo que la arquitectura moderna sufrió con la crítica posmoderna. Otra consecuencia
del hermetismo formal del deconstructivismo ha sido la negación del contexto urbano y el
renovado interés por el edificio como objeto. La fragmentación y la explosión formal de
estas obras significan que no sólo contrastan radicalmente con un tejido urbano tradicional,
sino que no se pueden unir fácilmente a otros edificios para formar un espacio público
definido. El edificio aislado se convierte de nuevo en algo más importante que la ciudad, y la
creación individual resulta más relevante que la agregación colectiva.
* Tener en cuenta que esto fue escrito en el ‘89 y que hubo un desarrollo posterior.

Frank Gehry (1929-actualidad), Toronto, Canadá

Desarrolla obras basadas en el ensamblaje artesanal de diversas formas simples, en la cual
caducidad y movilidad son términos complementarios, que muestran la tendencia a esta
arquitectura dúctil, flexible y plástica como el arte. Desarrolla una capacidad única en la
utilización de envoltorios arquitectónicos, promulgando una arquitectura táctil, basada en la
textura de cada material como todo ornamento y en la variedad cromática como reflejo de
las arquitecturas populares. Su método se basa en el choque y la deconstrucción de
diversos volúmenes que forman el programa del edificio, lo que le permite mayor
espontaneidad formal y variedad de usos. Influido por las arquitecturas y los objetos
populares plantea proyectos que son una fiesta de volúmenes, materiales, texturas, colores
y objetos, en lo que hay una densidad máxima de referencia. Desarrolla una gran
proximidad al arte de vanguardia (Andy Warhol). Su obra muestra la pérdida de los valores
de permanencia y solidez en la arquitectura contemporánea, opuestas a las ansias de
monumentalidad y trascendencia. No trabaja a partir de ningún a priori tecnológico, sino que
se encarga de desmembrar cada programa, asignando formas a cada función distinta y
articulando una estructura común que mantenga viva la fuerza y tensión de unas formas
que conservan todas sus posibilidades de crear, evolucionar y vivir.
Su arquitectura sería imposible de realizar analógicamente, se desarrolla por ordenador,
software CATIA. Cada elemento es diferente, como un mecano. Rompe totalmente con la
idea tradicional de la repetición
Es otra racionalidad, diferente a lo clásico, pero no se considera irracional. La
postmodernidad reclama a la modernidad una racionalidad diferente. Niega apotegmas
como que la forma sigue a la función. Obras:
- Guggenheim Bilbao (1997). Intrincado sistema de fragmentos para romper cualquier
intento de estabilidad, certeza, unidad, sentido. Tiene que ver con el contexto
globalizado. Posible gracias al ordenador, y al software CATIA, que permite el
diseño, que luego es trasladado a planos y maquetas: hace la maqueta, la escanea,
y la PC racionaliza y resuelve la estructura. Extraordinario prestigio visual. Idea de
una inmensa escultura habitable. Formas curvilíneas en el espacio, que se integran
magistralmente en el escenario urbano. Una flor metálica realizada con una
estructura reticular principal de barras rectilíneas y perfiles curvos secundarios.
Revestimiento de placas de titanio. Estética particular que reafirma la vocación
simbólica y de ícono urbano. Organismo pensado como objeto artístico, fragmentos
e imágenes estimulantes del consumo cultural.

Zaha Hadid (1950-2016), Bagdad, Irak

Fue una arquitecta anglo-iraquí. Pasó la mayor parte de su vida en Londres, donde realizó
sus estudios de arquitectura. Su obra se plantea como una obra de-constructivista, ya que
sigue patrones totales o parciales extraídos de geometrías no-euclidianas, caos y fractales.
Sus edificios neo futuristas se caracterizan por las formas curvas con múltiples puntos de
perspectiva y geometría fragmentada que buscan evocar el caos de la vida moderna.
Sistema basado en notaciones geométricas de bases matemáticas: a partir de un software,
se introduce una forma racional, que se deforma, y el propio software te indica cada
deformación. Triunfo de las geometrías fluidas: el pasaje o reemplazo de la lógica de los
sólidos por la lógica de los líquidos.
Pese a que su obra se encuentra enmarcada dentro de la corriente del deconstructivismo,
ha recibido influencias de otras corrientes artísticas como el minimalismo y el cubismo. Sus
obras se caracterizan por un diseño de tipo no lineal, completamente dominado por la curva
con el que pretende dotar a las ciudades de realidades utópicas en las escenas urbanas.
- Puente en Zaragoza para la Expo (2008). No es sólo lo clásico del puente de unir
una cosa con otra, sino que propone recintos, lugares para detenerse. Es una
producción en un sentido lúdico. Este edificio conecta el margen derecho del río
Ebro con el recinto de la Expo, mediante una planta con forma de un gladiolo tendido
de 270 de longitud, cubierto por curvas imposibles creada para alojar salas de
exposiciones sobre la gestión sostenible del agua, y que tras la expo ha sido
utilizado en innumerables campañas publicitarias por su aspecto futurista.
Coop Himmelblau (fundación 1968), Vienna, Austria
Grupo de arquitectos de influencia del expresionismo alemán y las fantasías tecnológicas de
los Archigram. Utilizado como un instrumento intermedio entre el croquis inicial y la maqueta
de trabajo, el ordenador permite a Coop Himmelblau trasladar a sus edificios la naturaleza
gestual y aleatoria de sus dibujos. El proceso de diseño arranca con un croquis que luego
se pasa a una maqueta. La misma es digitalizada (Programa Form Z, Electric Image),
creando la base del futuro edificio.
Las obras de los ’80 tienen pretensiones dinámicas máximas, sugiriendo una marcada
poética del ensamblaje de multitud de piezas lineales, en proximidad al mundo de la
aeronáutica. Ninguna obra puede entenderse sin su relación con el contexto histórico, por lo
que este método empírico genera que cada obra sea singular e irrepetible.
Sus últimas propuestas son de-constructivistas, se destacan:
- “The Open House” (1983). Iniciado con un dibujo garabateado con los ojos tapados.
Proceso con el que se intentan eludir los mecanismos de la razón, partiendo de un
instantáneo dibujo automático, haciendo aflorar lo que esconde el inconsciente, lo
que proviene del Surrealismo. El objetivo es conseguir una arquitectura totalmente
libre, para lo que se abandona cualquier forma preconcebida y se recurre a un
proceso fenomenológico.
- Ático convertido en Oficinas (1983-1988), Viena. Se basa en un cuidado y calculado
contraste respecto a los edificios antiguos y el trazado de la ciudad tradicional, con
juegos de vigas en voladizo, paneles inclinados y lucernarios tecnológicos.

Rem Koolhaas y el grupo OMA

Los Five no fueron los únicos arquitectos de finales de los años sesenta que basaron su
trabajo en las premisas estéticas e ideológicas de la vanguardia del siglo XX. El papel que
ellos desempeñaron en Nueva York lo asumió en Londres el grupo OMA, creado en 1975
por Rem Koolhaas y Elia Zenghelis. Su premisa es el trabajo en equipo y la
experimentación radical. Su trabajo inicial se inspiraba eclécticamente a partes iguales en el
Neoplasticismo y en lo último de Mies. Basaban sus proyectos urbanos en la arquitectura
suprematista de Ivan Leonidov, al tiempo que recurrían a la práctica surrealista en busca de
vías para alcanzar lo que Roland Barthes denominaba répétition différente.
Además de dar origen a una nueva generación de neo suprematistas, OMA hizo
importantes proyectos de diseño cívico a principios de los años ochenta, entre ellos una
colonia de villas para la isla griega Antiparos y un barrio de viviendas para la Kochstrasse
de Berlín.
Premisas: experimentación radical; modelo de las grandes ciudades; primeras influencias
vienen de Archigram; parten del gusto por lo artificial, que remplazaría a una realidad
naturalista; principal referencia la de los constructivistas soviéticos; admiración por la
estética de las modernas estructuras y fascinación por la densidad y el eclecticismo del
universo metropolitano; reinterpretación de las propuestas del MM, no buscan recuperar el
orden ni criterios racionales. Se los ha denominado como corriente neo-constructivista.
Aquello que distingue los primeros dibujos de OMA fue su entusiasmo por las posibilidades
de las propuestas de las vanguardias. A esto añadieron una peculiar interpretación
hedonista de la arquitectura del Movimiento Moderno.
Los acontecimientos históricos se han encargado de destruir este orden. Al regresar a
Europa, Koolhaas y Zenghelis dejan de trabajar juntos. A partir de 1986 el estudio de
Rotterdam, encabezado por Koolhaas empieza a cobrar importancia:
 - Teatro de Nacional de Danza (1984-1987), La Haya. Expresa el énfasis en la
autonomía de cada pieza arquitectónica articuladas entre sí y la voluntad de recrear
nuevas ideas de espacio. Se sitúa en el centro histórico de La Haya, rodeado de una
plaza pública. El largo vestíbulo, relaciona las dos fachadas del edificio y se extiende
de forma oval y dinámica, debajo del techo inclinado que define la sala del teatro y
siguiendo el ritmo de una trama de columnas de colores. En el exterior, las
tonalidades negras, grises y blancas de textura metálica y fría, contrastan con el
gran mural figurativo y con el expresivo restaurante.

Peter Eisenman
(McLEOD, Mary, La era de Reagan. Del Posmodernismo a la Deconstrucción, 1989):
“El emplazamiento, el cliente, el proceso de producción y el programa de necesidades
raramente son objeto de investigación o transformación radical. Sin embargo, que dos de
los arquitectos de la exposición del MoMA, Eisenman y Tschumi, han proclamado la idea de
acentuar el proceso por encima de la forma, y han usado el concepto posestructuralista de
«intertextualidad» para defender una nueva contaminación que desafía la autonomía del
objeto diseñado…
En su ensayo «El final de lo clásico: el final del principio; el final del final», Eisenman
describe su objetivo como «la arquitectura como un discurso independiente, libre de valores
externos, sean clásicos o de cualquier otro tipo; esto es, la intersección de lo carente de
significado, lo arbitrario y lo intemporal en lo artificial».”
Obras:
- Biocentro de la Universidad de Frankfurt (1987).

América Latina y Argentina en las últimas décadas: Validez conceptual de la

dicotomía Regionalismo-Internacionalismo. La producción de la arquitectura en las
nuevas condiciones del capitalismo transnacional. La escala global y la escala local.
Rasgos del período: Argentina en plena recuperación de la democracia con una cultura
arquitectónica vaciada de contenidos y con su joven generación aniquilada. El paradigma
profesionalista, reducido más aún como consecuencia del proceso de concentración del
capital, en contraste con una demanda cada vez más restringida. Pero con la dictadura
militar había culminado también una parte del sistema de ideas del Modernismo, que
vinculaba formas y contenidos de la Nueva Arquitectura con la realización de programas de
alcance social y envergadura colectiva.
Los años ‘80 y ’90 fueron resultado de una reestructuración general del capitalismo en todo
el mundo, la concentración de la riqueza alcanzó en la Argentina un nivel desconocido hasta
entonces. Durante diciembre de 2001 las tensiones hasta aquí descritas estallaron en la
peor crisis atravesada por el país desde su organización como tal, a fines del siglo XIX.
En el plano arquitectónico: Abandono de los ideales de renovación social y cultural radical
que habían impulsado las transformaciones modernistas. En 1982 la llegada de Charles
Moore a la Facultad de Arquitectura del Proceso, pero sobre todo la de Aldo Rossi a La
Escuelita, fueron las primeras señales de importancia que indicaron la difusión de las
posiciones antimodernistas que la crítica norteamericana difundió como “posmodernistas”.

En los años siguientes, bajo la presidencia del Dr. Carlos Menem: desmantelamiento de las
antiguas estructuras del Estado Nacional. Consecuencias: privatización de empresas y
servicios, hasta entonces bajo su control, y descentralización de una importante cantidad de
funciones en las provincias y municipios. Las economías regionales profundizaron una crisis
comenzada con anterioridad en algunas provincias, sin embargo, y aunque de manera
desigual, las transformaciones estructurales de los años noventa, producidas bajo el
impulso de la mundialización, comenzaron a inducir modificaciones del paisaje regional.
• Plan Estratégico: instrumentos empleados por los municipios más activos fue la
organización sistemática de una serie de acciones de puesta en valor y desarrollo de las
ventajas comparativas de la comunidad, algunas veces de manera directa y otras PE.
• Crisis de economías regionales estimularon la llegada de inmigrantes a Rosario lo que
trajo aparejado la creación de cordones miseria.
• Caída de la inversión pública: deterioro de la viejas áreas centrales provocando la
expulsión de sectores medios y el crecimiento de la tugurización. Gentrificación/guetificación
por los sectores de mayores ingresos o en emprendimientos privados puntuales de gran
escala vinculados al comercio o la recreación.
• Solamente entre 1996 y 2000, en la Región Metropolitana de Buenos Aires se concretaron
160 de estos nuevos barrios privados en el Tigre, sobre el Delta del Paraná, afectando una
superficie de 1600 ha (Nordelta).
• Traslado parcial o total a la periferia de sedes administrativas de empresas de primer nivel.
Muchas se han mudado a edificios anónimos mientras que, en algunos casos, se ha
preferido la identificación con piezas arquitectónicas de relevancia.
• Creación de ghettos-ricos (o medios), prefiriendo la intensidad de vida en la ciudad
tradicional: construcción de grandes volúmenes, como en el de la torre Le Parc, proyectada
por Mario Roberto Álvarez en la Capital Federal.
• Explotación inmobiliaria para sectores medios. Antonio Díaz → sus obras se
caracterizaron por el empleo masivo del ladrillo a la vista, material que él mismo fabricaba.
• El espacio público se privatizó de dos maneras:
1. Se acentuó la tendencia a la venta, con destino a la especulación inmobiliaria, de predios
pertenecientes a la Nación, las provincias o los municipios; por otro, numerosos lugares de
esparcimiento de propiedad pública pasaron a ser accesibles exclusivamente para quienes
estaban en condiciones de pagar por ello 250 hectáreas de las tierras más valiosas del país
han pasado a manos de unos pocos en solo una década, sin que los beneficios fueran
claramente planeados y controlados por sus antiguos propietario.
2. Rosario, actitud diferente. Parque de España, proyectado por Oriol Bohigas y financiado
por el gobierno español, o la incorporación de los antiguos túneles portuarios del Ferrocarril,
una pieza urbana valiosa desde un punto de vista funcional y cultural. Paraná en zonas
centrales de la ciudad. Recuperación de la costa en el barrio de la Boca, como una de las
consecuencias del Programa.
• Fracaso de los planes generales: propuso alternativas “ciudad x partes”: 1986” 20 ideas
para Buenos Aires” (concurso), el procedimiento constituía un avance en relación con la
tradición autoritaria de la planificación y más especialmente con las concepciones
militarizadas del período inmediatamente precedente.
En la AR, a la ruptura con la Historia propugnada por algunos sectores modernistas y
consagrada por las corrientes profesionalista y por las neovanguardias tecnológicas y
sociales, se opuso una omni valorización del pasado en la que el historicismo suplanta a la
historicidad. Y si en los 60 y 70 las discontinuidades y la creatividad habían alcanzado su
pico de adhesión, los 80 pretenden consagrar, gracias a una articulación entre el respaldo
teórico del estructuralismo y los desarrollos de la semiología, la misma inmovilidad que el
pos estructuralismo de los 90 traduciría tras la apariencia de una movilidad total,
permanente y sin centro alguno.
Dicotomía Regionalismo-Internacionalismo
El regionalismo de los 80 fue en rigor mucho más una fuerte operación crítica o un deseo
que una realidad. A partir de los 80 la preservación del patrimonio se desarrolló con una
intensidad y difusión hasta entonces nunca alcanzadas. La “presencia del pasado” no podía
darse sino como mera disponibilidad de significantes. Despojado de sus contenidos, vale
decir de sus ligamentos con los hechos, el cúmulo de huellas de lo ocurrido quedó
disponible para la reconstitución de infinitos “discursos”, mediante desplazamientos
intertextuales que presagiaban el estado de “heterogeneidad discursiva y estilística carente
de norma” que caracteriza en su conjunto a la cultura contemporánea. El Regionalismo
ocupó un gran espacio en la cultura arquitectónica de los ochenta. Regido con criterios más
dependientes de capillas políticas que preocupado por debates teóricos disciplinares, el
Regionalismo argentino constituyó por este motivo un conjunto de posiciones muchas veces
antagónicas, desde la reivindicación de las construcciones de adobe hasta la de la
Arquitecturas Ferroviaria de origen británico. Kenneth Frampton, uno de los teóricos
internacionales de esta corriente, llegó a incluir en la lista de ejemplos de Regionalismo
Crítico a la obra del estudio liderado por Justo Solsona. El Laboratorio de Biotecnología y
Ecología Ambiental de Chascomús se presentó como una llamativa declaración de rechazo
de las posturas sistémicas con las que el estudio se había embanderado en etapas previas.
→ Procedimiento típicamente vanguardista, puesto que lo que se proponía era un
inesperado cambio del carácter. El Regionalismo de los ochenta fue en rigor mucho más
una fuerte operación crítica o un deseo que una realidad.

La trascendencia internacional de arquitectos argentinos:

César Pelli (1926-2019)
Fue un arquitecto argentino nacionalizado estadounidense de gran prestigio. Radicado en
EEUU, donde desarrolla su práctica profesional, su estudio se encuentra entre las firmas de
arquitectura más acreditadas dentro del concierto internacional. Su trabajo se caracteriza
por la aceptación de preceptos universales que, sin olvidar la tradición moderna o
particularidades locales, participan de una tendencia globalizadora de la disciplina en la cual
los avances en la tecnología de la construcción tienen especial importancia.
Ha sido considerado como un arquitecto de la “tercera generación”. Trata de construir para
el presente, basado en el cambio y no en la permanencia como condición natural de la
práctica del habitar; de operar con materiales sintéticos y de suponer los aportes
tecnológicos como una motivación para desarrollar e intensificar la experiencia de los
espacios. Ha privilegiado el proceso de diseño por sobre la perfección del objeto y
diferenció asimismo ese proceso de muchas de las sofisticadas metodologías operativas en
el marco de la 3G.
El trabajo sobre la noción de “caja de cristal” le ha permitido potenciar en los edificios de
oficinas volúmenes funcionales, reduciendo la forma a películas envolventes vidriadas, las
que asumen simultáneamente el papel de fachadas y cubiertas. La estructura y la superficie
acristalada definen un concepto de volumen diferente de la idea de masa.
- Torres Petronas, Kuala Lumpur (1998). Se levantan en el contexto de un master plan
respecto del que las torres son el emblema de mayor significación. Su carácter dual
y las alturas reflejan una preocupación por la forma en relación a la magnitud, ante la
necesidad de instalar una imagen regional en ausencia de tradición a la cual hacer
referencia. Organiza una figura de 8 puntas con referencias islámicas. Las torres
están unidas por un puente que vincula los pisos 41 y 42, semblanza de una “puerta
al cielo que crea una conexión con el infinito”.
 - Edificio República (1996). Una obra única pero homologable a construcciones de
prestigio en otras capitales de occidente. El edificio presenta innovaciones técnicas
como el uso de un sofisticado curtain wall y la implementación de un sistema de
programación para el logro de una buena performance de sus instalaciones. Tiene
un comportamiento contextual basado en inflexiones y gestos que, como la
curvatura de la fachada que da al río, o como el socavamiento en el lobby de
acceso, acentúan ciertas tensiones formales con una actitud convencional.
En la frontera de la ciudad tradicional y la nueva de Puerto Madero. Sobresale por el
uso de última tecnología, un sofisticado sistema inteligente y un diseño de avanzada,
con un novedoso muro cortina tridimensional. Recupera referencias de la
arquitectura de [Link]. para convertirse en una torre bien porteña. Adopta un orden
de basamento, fuste y coronamiento. De sobria elegancia formal y eficiencia
funcional. Reflejo de la heterogeneidad cultural en la finalización del siglo, la
persistencia de los ideales modernos que el edificio materializa resignifica los más
optimistas momentos técnicos de nuestra vanguardia.

Rafael Viñoly (1944-2023), Montevideo, Uruguay

Fue determinante para la creación de la “escuelita”. Tuvo sede de su oficina en NY, Londres,
y BA. A partir del TIF (Tokyo International Forum –concurso) su rumbo profesional cambió,
ya que se inició un proceso de inserción y reconocimiento internacional ascendente y un
igualmente acelerado crecimiento del volumen y la complejidad de la obra encarada por su
oficina. Realizó numerosos proyectos para personas e instituciones de América, y Asia y
participó del concurso para las Torres Gemelas en NY (3° premio). Dejó atrás esas
seguridades de algún modo provinciano en parte para escapar del clima asfixiante de la
Dictadura Militar, pero también en buena medida para subir la apuesta e ir a buscar lo que
aparecía como máximo desafío profesional, el reconocimiento en la “capital del mundo”.

Gandelsonas-Agrest (fundación 1980-actualidad), Nueva York, [Link].

Asociación de renombre internacional que fue formada por Diana Agrest y Mario
Gandelsonas. Desde los años 70, su trabajo se ha centrado en la arquitectura, el diseño de
interiores, el diseño urbano y su interrelación, particularmente en la ciudad de Nueva York.
Los proyectos combinan una consideración sensible de las condiciones históricas y
contextuales particulares de cada proyecto, con una comprensión clara de los parámetros
programáticos, técnicos y presupuestarios. Proyectos de diferente carácter y escala:
Urbanos, institucionales, comerciales, residenciales, interiores, en USA, Europa,
Sudamérica y Asia. A menudo trabajan en conjunto con otras empresas. Han sido
defensores del Urbanismo Verde desde 1990 desarrollando una serie de diseños verdes,
incluyendo: Plan Maestro de Boulogne, Francia; Propuesta de Midtown West Manhattan,
NY; Plan Maestro de Xujiahui, Shanghái, China; Cinturón Verde de South Amboy, NJ; y el
John and Mary Pappajohn Sculpture Park, Des Moines, Iowa. Han obtenido numerosos
premios por su trabajo.

Machado-Silvetti (fundación 1985 -trabajaban juntos desde 1974–actualidad)

Destacados profesionales en arquitectura, teoría y crítica, de extensa labor docente en
EEUU. Parte de la generación que puso más radicalmente en tela de juicio el relato
canónico del MM. Se advierte la especialización de la oficina en programas de educación
superior y en equipamientos vinculados (museos, galerías y bibliotecas), fuertemente
articulados, en todos los casos, con la implantación ambiental o con el contexto urbano.
Emilio Ambaz (1943-actualidad), Resistencia, Chaco
Es un arquitecto, profesor y diseñador argentino. Radicado en EEUU, realizó una destacada
carrera internacional. Etapa inicial: desarrolla una serie de reflexiones teóricas y
proyectuales acerca de la técnica y la materia como elementos fundamentales de la
construcción de una poética arquitectura. Encargos internacionales y a la propuesta de
mayor escala: reflexión ambiental y el uso de una tecnología sofisticada comprenden un
todo inseparable, que da como resultado una arquitectura singular dentro del cambiante
panorama contemporáneo.
Sus trabajos teóricos y proyectuales han sido publicados en las más importantes revistas de
arquitectura. Su obra abarca diversos géneros y programas, así como objetos de diseño
industrial y gráfico. Aun trabajando desde un principio en el ambiente internacional, parte de
la producción inicial está desarrollada en función de una perspectiva latinoamericana, donde
la recuperación del carácter particular de la naturaleza del continente juega un rol
importantísimo. Influencia de Amancio Williams, en su formación, y de sus ideas de
armonización entre técnica sofisticada, vacío natural y creación tipológica.
Construcciones alternativas, planteadas como proyecto-manifiesto, cuyos usuarios son la
mayoría de las veces pertenecientes a sectores marginales, el esfuerzo del diseño está en
la constitución de un sitio, de un hábitat refundante de la identidad y superador de las
condiciones de vida originales. Cada uno de los detalles técnicos está estudiado con
absoluta minuciosidad, lo que lo hace perfectamente construible dentro de ciertos
estándares tecnológicos.
- Fukuoka Perfectural Internacional Hall, Japón. Reconcilió 2 propósitos opuestos del
comitente: necesidad de un nuevo edificio de gobierno, y el último espacio verde
libre de la ciudad como único lugar disponible para levantarlo.