UNIVERSIDAD HISPANO GUARANÍ

LICENCIATURA EN EDUCACIÓN ESCOLAR BÁSICA

1ER Y 2DO CICLOS

REVISIÓN DOCUMENTAL
LA TEORÍA DEL ARTE EN LA EDUCACIÓN COMO
HERRAMIENTA PARA EL DESARROLLO INTEGRAL DEL
ESTUDIANTE

PRESENTADO POR:
MARÍA JOSEFA PÉREZ SÁNCHEZ

DOCENTE:
PROF. ALEJANDRA RAQUEL RECALDE GAYOSO

Ciudad del este, PARAGUAY

ABRIL 2025
INTRODUCCIÓN

La educación actual el reto de formar personas creativas sensibles y capaces

de pensar críticamente en un mundo en constante transformación. En este
contexto el arte se presenta como una herramienta educativa poderosa, capaz
de enriquecer la experiencia de aprendizaje más allá de los métodos
tradicionales la teoría del arte en la educación analiza como las prácticas
artísticas en sus diversas formas contribuye al desarrollo integral del ser
humano estimulando tanto la dimensión emocional como la intelectual.

Subir el brillo lejos de ser una disciplina aislada o decorativa el arte en la

educación cumple funciones esenciales facilita la expresión individual
promueve el diálogo cultural desarrolla habilidades cognitivas y sociales y
fomenta una comprensión más profunda del mundo diversos teóricos, como
John deaway, Víktorlowenfeld y ElliotEisner han destacado la importancia de
integrar el arte en los procesos pedagógicos como medio de conocimiento,
experiencia y formación crítica.

Esta reflexión permite comprender porque el arte debe ocupar un lugar central
en el currículum escolar y como su inclusión puede transformar positivamente
la práctica educativa y la vida de los estudiantes.

2
 MARCO METODOLÓGICO
Tema: Teorías sobre el Arte en la Educación

Título: la teoría del arte en la educación como herramienta para el desarrollo

integral del estudiante

Objetivo General:

- Comprender el papel del arte en la educación aprendizaje y cómo puede

contribuir al desarrollo integral del estudiante.

Objetivos Específicos:

 Describir los fundamentos teóricos que sustentan la inclusión del arte en

los procesos educativos.
 Identificar las principales corrientes pedagógicas autores que han
influido en la teoría del arte en la educación.
 Explorar como el arte contribuye al desarrollo cognitivo emocional y
social de los estudiantes.
 Valorar el papel del arte como medio para fomentar la creatividad la
sensibilidad la estética y el pensamiento crítico.

3
  Determinar la importancia del arte en el contexto educativo inclusivo y
multicultural.

Justificación: la teoría del arte en la educación resulta fundamental en la

formación integral de los estudiantes, ya que el arte no solo cumple una función
estética, sino también promueve el desarrollo de las habilidades conectivas,
emocionales, sociales cognitivas. A través del arte los alumnos pueden
expresar sus ideas del mundo fortalece su densidad personal y colectiva.

MARCO TEÓRICO
Conceptualización del arte en la educación.

4
Arte es la habilidad de trasformar la cualidad de un objeto insignificante en
admirable. Productos marginales como el carbón el azufre, el óxido de cobre o
el cinabrio, acaban iluminando las esperanzas del cristiano que suspira frente a
la imagen del Creador, en la Capilla Sixtina. Arte es una ambiciosa expectativa
que en su desarrollo encuentra los elementos que le dan forma, color, sonido y
lo más espectacular de todo, el atractivo.

El arte absorbe la sensibilidad del optimista, el pensamiento del perspicaz, la

voluntad del emprendedor.

Generalmente se asocia al arte con la categoría de lo supremo. Es una

actividad que posibilita el mejoramiento del dominio, no solo de las habilidades,

sino también de las virtudes, lo que denota su importancia en el desarrollo
cultural de un determinado momento y lugar Sin embargo, la tendencia actual
en la enseñanza de las artes plásticas ha caído en la tentación de priorizar la
custodia de aspectos fragmentarios, textura, presentación, o envoltura, por
sobre el reconocimiento de las jerarquías naturales y la transmisión de las
Razones Constantes Infanentes contenidas en el proceso creativo, como son la
temática, comunicación y supremacia en los valores de plenitud, concordia, y
madurez de la proposición.

Oficio y novedad, novedad y oficio, son dos aspectos complementarios de la

actividad creativa, el uno no puede sustentarse sin el otro, por lo tanto, es un
error pretender eliminar a uno de ellos por la defensa del contrario. Aun así, se
tiende a imponer la experimentación del momento por sobre el descubrimiento
de lo trascendente y en eso, la verdad del instante debilita a la calidad de la
verdad trascendente cuando no son coincidentes.

5
La defensa de las libertades sociales en su extremo, ha motivado al hombre
contemporáneo a utilizar un criterio tolerante y permisivo por lo demás,
necesario para comunicarse, derrumbar fronteras y para la conquista de
nuevos horizontes aunque totalmente inadecuado en el ámbito de los oficios,
provocando la ignorancia de los márgenes profesionales y perdiéndose con ello
la identidad profesional del creador y curador de las Bellas Artes.

Esta tendencia, en su vehemencia, ha generado conflictos antagónicos y una

lucha de intereses entre conocimientos y convencimientos - dos palabras
parecidas que denotan diferencias especificas- se puede estar convencido sin
conocimiento y se puede conocer sin estar convencido.

Es importante descubrir esta verdad, porque, en ocasiones, nos convencemos

sin elementos de juicio, (prejuicio) y en otras juzgamos sin convencimiento (el
desajuste del desubicado). Pero, "no hay nada repartido más equitativamente
en el mundo que la razón. Todo el mundo está convencido de tener la
suficiente" (René Descartes). Y, en cuanto a la identificación del arte, debemos
estar convencidos de la justificación de nuestro conocimiento para que
nuestras opiniones sean consideradas justas.

Argumentar que la bellema es variable, y determinada por cada individuo,

destruye la concepción máxima de la belleza como sensación de plenitud y
propone el significado de plenitud en el rango de cualquier complacencia,
perdiéndose de este modo la orientación por lo máximo, lo justo y lo pleno.
Pretender igualar lo máximo con lo minimo, lo justo con lo injusto y lo pleno con
los fragmentos, infra-valora lo supremo y supra-valora lo mínimo, lo que denota
una tremenda injusticia a la jerarquia de la creación.

Justificar pleno aquello que satisface al inmaduro es evidenciar con ello la

ignorancia de lo maduro. Los niveles de complacencia son proporcionales a los
estratos de necesidad, y no todos son iguales, ni en intensidad, ni en finalidad o
6
dimensión, lo que nos obliga a establecer categorías y reconocer su ubicación
en dichas jerarquías. Pero existe en el mercado la imperante necesidad política
a eliminar estas diferencias. Esta tendencia a igualar los valores, en lugar de
igualar las oportunidades, hace que el arte pierda su naturaleza original de ser
contenedor de los procesos de maduración del dominio sobre los oficios, lo que
facilitaría trabajos excelentes, ideas brillantes y pensamientos profundos.

Un arte decadente colabora en la construcción de una cultura decadente. Si

esta tendencia global continúa, la cultura no puede sino declinar en todos sus
aspectos. Por lo tanto, para mejorar nuestra cultura es necesario replantearse
el entendimiento de los valores contenidos en el arte, y estos, basados en los
principios de la creación, que por ser constantes garantizan la justificación del
postulado, abrirán las puertas al nuevo entendimiento y replanteamimiento de
las categorías y jerarquías de valor estético.

Solo la justificación de la finalidad natural normada, sea esta cualquiera que

sea, puede remediar los excesos del libre albedrio.

Los procesos y estrusturas adecuados a la naturaleza y desarrollo de las artes

existen contenidos en cada oficio, de manera que se hacen evidentes a la
apreciación sensible de quien los descubre y concuerda con ellos, pero es la
libertad de optar del ser humano la que posterga o aproxima el descubrir su
reconocimiento y permitir con ello el cumplimiento de su función.

El arte ha sido testigo y protagonista de los logros sociales en cada era Las
representaciones prehistóricas declaran ejercido el dominio. ero su deambular
en el ejercicio de su maduración ha derivado en la creación de ambientes
diferentes en cada momento de su histórico vagar.

7
Antipatro de Sidón en un breve poema escrito 125 a.C. nos habla de las siete
maravillas de la cultura helénica: la gran Pirámide de Giza, los jardines
colgantes de Babilonia, el templo de Artemisa en Éfeso, la estatua de Zeus en
Olimpia, el mausoleo de Halicarnaso, el Coloso de Rodas y el Faro de
Alejandria. Obras estas de admirable belleza e inteligencia, y dominio de los
recursos a niveles de excelencia. Nada improvisado porque la improvisación no
se consideraba un arte.

En el Renacimiento, por ejemplo, las artes se transformaron en orientadoras

protagonistas, Miguel Angel decía que la perfección no es cosa pequeña, pero
está hecha de pequeñas cosas. Lo mismo ocurrió en la Revolución Francesa,
siendo J.L.David el precursor del Neoclasicismo. O en la Revolución Socialista
Rusa, donde Stalin se apodera de su utilidad propagandística.

Trotsky en "Literatura y Revolución" dice: "El arte tiene sus propias reglas y no
puede trazársele los surcos sin arruinarlo". Stalin parece haber leido este libro
para hacer todo lo contrario: imponer una linea y estilo oficial, aplicar el
dirigismo en al arte por parte del partido, y reprimir a quienes no lo aceptaron.

En la revolución socialista oriental podemos destacar las obras literarias de Lu

Xun considerado el padre de la literatura moderna China

El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores modernos como Pablo
Picasso y Henry Moore, y sus obras influenciaron la trayectoria del
pensamiento tradicional. Pero esta influencia tiene efectos retroactivos y la
independencia de los paises.

El artista ha de tener algo que decir, pues su deber no es dominar la forma sino
adecuarla a un contenido que coopere con las exigencias de la necesidad
social o voluntad popular del momento y lugar.

8
Estas contribuciones aportaron al desarrollo de dichas culturas, por lo tanto, si
se pretende establecer una cultura universal, o si se postula la creación de
tradiciones basadas en las razones constantes naturales, es preciso desarrollar
una tendencia artística que abogue por el ideal de un arte concordante con el
ordenamiento natural de la función creativa.

Por un lado, la globalización económica, fomentada por una suerte de

necesidad generalizada en comunicación, transporte, e intercambio de
beneficios, y que pretende la integración de las diversas economias nacionales
en una economía de mercado mundial, conlleva en su realización, la apertura
de criterios distintos que deben ser aceptados. Y sobre esta base, sometidos al
juicio de la verdad constante para definirlos ciertos o falsos, lo que facilita el
entendimiento y la confianza necesarios para vincular razas, clases sociales,
lenguas y costumbres que irán de apoco estableciendo la tradición de lo
normado. Algo a lo que el individuo no podrá resistirse.

Por otro lado, la comunicación internacional vía satélite, Internet, Skype,

televisión, y celulares permite el libre acceso al intercambio de conocimiento
que deriva en la apertura de fronteras cognitivas y en el desarrollo y amplitud
del sentido común, ya que se adquieren con mayor facilidad las generalidades,
estadísticas y el conocimiento más justo sobre la realidad de las cosas.

Y finalmente, la aceptación de las personas, basada en el reconocimiento de

sus igualdades, abrirá el espacio al atractivo interracial, internacional e
interclase, lo que en su desarrollo fomentará el arte.

El arte ha transformado al individuo en defensor o fiscal sin reglamentación

alguna que identifique a cada uno de ellos. Sin ley no existe defensor ni fiscal
que se justifiquen. Asi ocurren situaciones como lo que aquí les presento:

9
Una gestora cultural, para resolver este tema de evaluar artistas, dijo:

"La evaluación realizada ha puesto de manifiesto, asimismo, la necesidad de

garantizar la rotación de los jurados que colaboran en las comisiones de
evaluación, la importancia de fortalecer la pluralidad y la diversidad de puntos
de vista, y la pertinencia de contar con un banco de jurados en donde
participen artistas y creadores culturales de calidad, con trayectoria reconocida
y de todas las regiones del país. Todo ello con el propósito de que prevalezcan
los principios democráticos de operación, se dé paso al perfeccionamiento de
los programas y, por supuesto, se consolide la confianza de los participantes en
la transparencia y equidad en la asignación de los estímulos a la creación"

Cuestionario sobre las Politicas Culturales Iberoamericanas de la Gula de la

Administración Cultural Administrado por el Portal Iberoamericano de Gestión
Cultural (2003) COLABORADORES LOCALES: CONACULTA ÚLTIMA
ACTUALIZACIÓN: 2003

Aqui se pone al juez por ley, y al arte por loteria. El valor, ni se menciona. Rotar
a los jurados que ignoran las normas y valores de la creación, no garantiza la
evaluación justa del arte, sencillamente porque se ignora la legitima justicia de
la creación y sus valores.

La pluralidad y diversidad de puntos de vista, asi como los principios

democráticos, tampoco benefician el establecimiento de lo justo cuando se
ignora la justicia. Luego, de nada sirve la transparencia de los procedimientos
cuando se desconoce la finalidad de los mismos.

1. La teoría del arte en la era de la inflación icónica

Teorías del arte desde las teorías de la imagen

10
Todo hoy tiende a adoptar una configuración visual, consecuencia de esa
pasión que nos domina por dar a ver. Es clave, por ello, el preguntarnos sobre
el sentido del arte en una época en la que hemos devenido activos creadores
(y también gestores) de nuestras propias representaciones, cuando todo el
mundo es productor de la mayoría de las imágenes de las que quiere disponer.
Esto nos lleva a la cuestión acerca del artista como operador visual específico
en un escenario en el que la imagen cada vez tiene más de
autorrepresentación, y cuando la automatización de la producción de
imágenes, asistida por tecnologías de inteligencia artificial, está alcanzando ya
niveles sorprendentes[1]. En este contexto, es obligado hacernos algunas
preguntas: ¿cómo debe actuar el arte en una cultura eminentemente visual,
caracterizada por una presencia excesiva de imágenes, en un tiempo de
inflación icónica?, ¿cómo puede el arte atender criticamente a esa nueva
condición que es el primado del hacer ver, del valor exhibitivo de las
imágenes?, ¿qué esperamos del artista visual cuando lo que más abunda son
imágenes?

La experiencia comunicativa cotidiana acontece ya, sobre todo, como

experiencia audiovisual, mediada digitalmente. Somos incansables
televidentes, adictos a las pantallas, casi siempre portátiles, de las que nos
resulta dificil separarnos (las llevamos siempre encima). Pasamos la vida
medio hipnotizados en un interminable desfilar de elementos visuales, en un
continuo fluir de lo siempre-igual-siempre-diferente que transita delante de
nuestros ojos. Y aunque nos domina la sensación de estar saturados de
imágenes, esto, en verdad, solo acontece en el plano cuantitativo;
cualitativamente hablando, las diferencias existentes en ese mar de imágenes
son, en realidad, escasas. Predominan las formalizaciones reiterativas, el
seguimiento de patrones especialmente exitosos en la producción de un
imaginario que se globaliza más.

Es más deseable, de hecho, que lo haga haciendo suyos, estratégicamente, la

impaciencia, lo camaleónico y ese apetito por la acumulación de sensaciones

11
que hoy tanto padecemos. Quizá no le quede al arte otra alternativa que
abordar esa fascinante paradoja que es la de perseguir una cierta inmortalidad
momentánea, seguramente la única posible de imaginar en estos raudos
tiempos digitales.

La historia del arte contemporáneo es la de la problematización cuestionadora

de los órdenes de valor y semióticos hegemónicos, esos que, casi siempre, los
artistas han tratado de desestabilizar. Las obras son sutiles señalizaciones de
los excesos de sentido de aquellos órdenes y de su injustificada univocidad;
formaciones que se oponen a ser simplemente medios de entretenimiento,
abriendo vías a otras formas alternativas, más sutiles y complejas, de
experiencia. Su exigencia de un esfuerzo interpretativo por parte del
espectador es, en el fondo, un posicionamiento crítico respecto a esos excesos
de sentido que inundan, en una atrayente plenitud, las imágenes que
predominan en la cultura del consumo. En ello radica parte de su capacidad
para disentir respecto a la legitimación generalizada de los órdenes semióticos
sobre los que esta cultura fundamenta sus valores.

Este mundo de lo visual es productor de una estetización generalizada que, sin

embargo, no se da a la luz del arte, como se soñó en algunos de los más
ambiciosos momentos de las vanguardias y neovanguardias, sino condicionada
por las forn.as de la seducción comercial y de sus procesos típicos de
identificación. Estetización que, en términos generales, no corresponde a la
conversión de la vida en obra de arte, a ese enaltecimiento vital a través de lo
estético al que se ha aspirado tantas veces a lo largo de la historia, sino a la
colonización económica de nuestras vivencias estéticas. No reclamemos, pues,
del arte un empuje a comportarnos estéticamente (de eso ya hemos tenido
bastante), sino a reflexionar críticamente sobre cómo vivir en un mundo
intensamente estetizado.

12
Podemos estar de acuerdo con los que aseguran que este contexto de
estetización difusa (en la que la imagen adopta tan intensamente funciones de
modelo-ideal o de tipo compensatorio) es malo para el arte, pero no con los
que afirman que todo el arte se ha volatilizado en «éter estético».

Lo que el arte nos da a ver

Estuvo may presente en los debutes teóricos de finales del siglo pasado la idea
del arte como critica a la representación, como práctica problematizadora de
los poderes implicitos en las formas representacionales, de los modes más
asentados de identificación entre imágenes y realidad. Se pensó asi la función
critica del arte como una escisión, una hiancia entre ambos ámbitos, como
elocidación de las maneras en las que las imágenes sirven para imponer
ficciones, codificando la realidad, distorsionandola.

Bajo la óptica debordiana, el espectáculo era exterioridad, visión del mundo

objetivado, apariencia separada de la verdad. Hoy, por el contrario, ya no
parece más tarea del arte evidenciar verdales sino operar criticamente con sus
condiciones de posibilidad. Su cometido critico no comiste en interroganse
acerca de cuál es la wrdad que queda oculta tras los efectos
representacionales, qué se esconde en el escenario de la representación o qué
hay en esa ausencia de referente propia de las prácticas sinulatorias. Hemos
pasado de la idea de la Imagen como image, en la que todavía resonaria algo
de realidad, al imperio de

lo visual, en el que la imagen tiende a ser su propio referente, incluso,

podríamos decir, imagen de sí misma.

Según la teoría de HebertRead (1943): Entiende el arte como “…un modo de

integración -el modo más natural para los niños- y como tal, su material es la
totalidad de la experiencia. Es el único modo que puede integrar cabalmente la

13
percepción y el sentimiento” [[Op cit. p. 80]]. En este concepto encontramos
que H. Read considera la experiencia, “memorable y utilizable en la medida
que toma forma artística”, como un hecho necesario y conveniente para los
niños en el medio educativo; pero además involucra dos elementos
complementarios que hacen parte de lo que él concibe como arte y por
supuesto de la estructura mental de una persona: la percepción y el
sentimiento. El primero, ligado con los sentidos, con el aprendizaje, con la parte
lógica de la persona; el segundo, atado a la sensibilidad, a la emotividad, a la
intuición. Es este hecho dual, integrador, complementario, dialéctico, que el
autor considera no se ha tenido en cuenta en el sistema educativo a través de
la historia, con algunas excepciones.

Teoria de Lev Vygotsky fue un reconocido psicólogo que destacó la relación

entre el juego crecimiento cognitivo. También enfatizó la importancia de las
interacciones soci en este proceso. Su trabajo me ayudó a mostrar a otros las
importantes oportunidades de aprendizaje que ofrece el juego infantil.

El concepto de Vygotsky de la Zona de Desarrollo Próximo (ZDP) se convirtió

en consideración importante en mi docencia. Esta idea sugiere que los niños
apren mejor cuando se les ofrecen actividades que los impulsan ligeramente
más allá capacidades independientes.

En mi práctica, esto significó adaptar las áreas de investigación del aprendizaje

lecciones de enseñanza explícitas al nivel actual de desarrollo de cada niño.

Integrar la Teoría del Juego de Vygotsky en mi aula ha cambiado mi perspectiv

haciéndome ver el tiempo de investigación como vital para un aprendizaje ópti
rol evolucionó. Me convertí en facilitadora y observadora, lo que elevő mi ense
a otro nivel.

[19:01, 22/4/2025] Lic Yessica Pérez: ¿Quién es Vygotsky?

14
Lev Vygotsky fue un destacado psicólogo ruso. Su vida fue breve, pero
impactante.

Nacida en 1896 en el seno de una familia judía, obtuvo su educación

universitaria en Bielorrusia gracias a una lotería. A pesar de las difíciles
circunstancias de la Revolución Comunista, la temprana admiración de
Vygotsky por las obras de Jean Piaget (conocido por su teoría del desarrollo
cognitivo por etapas) inspiró sus primeras investigaciones. Sin embargo, la
perspectiva de Vygotsky pronto trascendió la simple réplica de los
experimentos de Piaget, forjando su propio camino al enfatizar la importancia
del contexto social en el juego infantil.

El legado de Vygotsky moldea nuestra comprensión del aprendizaje y el

desarrollo de los niños a través del juego.

El impacto y el legado de Vygotsky

Vygotsky hizo una profunda contribución a la psicología del desarrollo.

Su interés por los aspectos sociales del desarrollo infantil lo llevó a examinar
críticamente y profundizar en las obras de Jean Piaget. Mientras que Piaget se
centró en las etapas del desarrollo cognitivo, Vygotsky introdujo la idea de que
el entorno social desempeña un papel importante en el desarrollo.

Sostiene que el aprendizaje infantil es esencialmente un proceso socialmente

construido. Su trabajo pionero está bien representado en su pensamiento
innovador sobre la Zona de Desarrollo Próximo (ZDP). Puede leer más sobre
este importante concepto a continuación.

15
Vygotsky descubrió que los niños alcanzan su máximo potencial al interactuar
con personas con mayor conocimiento. A pesar de su prematura muerte a los
38 años por tuberculosis, las ideas que Vygotsky documentó han influido en
educadores de todo el

[19:02, 22/4/2025] Lic Yessica Pérez: Durante años, su trabajo ha dado forma a
la educación de la primera infancia, des el Informe Plowden de 1967 en el
Reino Unido hasta validaciones más recientes co el proyecto EPPE en 2004.

El trabajo de Vygotsky en Psicología exploró las diferentes etapas del

aprendizaje

motora

sociocultural

cognitivo

Él creía que el aprendizaje es una interacción de pensamiento, acción e

interaccia social, y que cada etapa se basa en la anterior.

La Teoria de las Inteligencias Múltiples de Howard Gardner es una teoría

psicológica que propone que la inteligencia no es una habilidad única, sino que
está compuesta por diferentes tipos de inteligencias independientes entre si.
Gardner identifico inicialmente ocho tipos de inteligencia: lingüística, lógico-
matematica, espacial, musical, corporal-cinestésica, interpersonal,
intrapersonal y naturalista.

Inteligencia Lingüistica:

Capacidad para usar y comprender el lenguaje, incluyendo la lectura, escritura,

conversación y expresión oral

Inteligencia Lógico-Matemática:

Habilidad para razonar, resolver problemas, utilizar la lógica y realizar cálculos

matemáticos.

16
Inteligencia Espacial:

Capacidad para percibir y representar objetos en el espacio, incluyendo la

navegaci la creación de imágenes y la comprensión de diagramas.

Inteligencia Musical:

Habilidad para percibir crear, ejecutar y apreciar la música

Inteligencia Corporal-Cinestésica:

Capacidad para usar el cuerpo y las habilidades físicas, como la danza, el

deporte artes manuales

Inteligencia Interpersonal:

Habilidad para entender, relacionarse y comunicarse con los demás

Inteligencia Intrapersonal:

Capacidad para entenderse a sí mismo, incluyendo sus emociones,

motivaciones deseos.

Inteligencia Naturalista:

Habilidad para identificar, clasificar y comprender los patrones en la naturaleza,

incluyendo la flora, la fauna y los ecosistemas

Teoría del Aprendizaje Experiencial de David Kolb: Enfatiza la importancia del

aprendizaje basado en la experiencia, donde la creación artística permite a los
estudiantes reflexionar y construir conocimientos significativos.

Teoría del Aprendizaje Significativo de David Ausubel: Destaca que el arte

facilita la conexión entre los conocimientos previos y nuevos, promoviendo un
aprendizaje profundo y contextualizado.

Enfoque Reggio Emilia de Loris Malaguzzi: Considera el arte como un

"lenguaje" fundamental para el aprendizaje infantil, fomentando la expresión y
creatividad a través de diversos materiales y técnicas.

Pedagogía del Arte de Elliot Eisner: Resalta el papel del arte en el desarrollo
del pensamiento crítico y la resolución de problemas, así como su influencia en
la percepción y sensibilidad estética.

17
Aplicación en la práctica docente.

Estrategias basadas en cada teoría y su implementación en el aula.

Desafíos y oportunidades.

Retos de la aplicación del arte en la educación y posible solución

Es sorprendente la falta de reconocimiento social que todavia impera para

dichas Carreras en comparación con otras, como derecho, economia,
medicina... Falta de reconocimiento y deslegitimización de la que se hacen eco,
en muchos casos, las propias familias de los estudiantes, a través del retiro de
apoyo económico, de una franca oposición a sus proyectos, de
cuestionamientos, desvalorización, etc.

Todo esto impacta seriamente en los alumnos y puede generarles, sentimientos

de culpabilidad, problernas de autoestima, sobre exigencias, desmotivación,
deficit en su rendimiento y aprovechamiento escolar, y hasta apatia,
enfermedad, deserción

Por todo ello es muy importante que nosotros, como artistas, docentes e
investigadores tengamos conciencia de esta situación y desde nuestros lugares
de trabajo podamos ayudar a nuestros estudiantes a legitimizar la tarea
artistica y la profesionalización en artes como un dador de identidad personal y
social

En base a lo anterior, compartire ahora con ustedes algunas reflexiones

derivadas de mi ejercicio pedagógico durante 20 años, como maestra de
actuacion en la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana y en diversos
talleres que he impartido en las Facultades de Danza, Música y Artes Plásticas.
Entendiendo que, si bien cada una de estas disciplinas tiene sus
especificidades, también existen problemáticas comunes a todas.

18
Dentro de este marco, puedo afirmar que los retos son constantes y de distinta
indole, abarcando desde lo estrictamente material (caractensticas y estado de
los salones de clase, mobiliario, equipamiento tecnológico, etc.) hasta lo
complejo de los procesos artístico/ académicos y su implementación práctica
en las aulas. Tema del que hablaré más adelante

Asi mismo, es importante señalar que los retos de la Educación en Artes varian
con el tiempo y están estrechamente ligados a las nuevas tendencias en las
politicas educativas a nivel mundial y sus consecuentes cambios de modelos
pedagógicos y de paradigmas, en cuanto a conceptos, corrientes y teorias.

Un ejemplo representativo de ello es la Declaración Mundial de la Organización

de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO)
sobre la Educación Superior en el Siglo XXI. En sus lineamientos, trazados en
1998, se destaca la necesidad de concentrar los esfuerzos en el aprendizaje y
se hace hincapié en la formación integral de los estudiantes, en tanto
ciudadanos y futuros egresados universitarios que deben contribuir a forjar una
mejor sociedad

Así mismo, se flexibiliza el proceso educativo haciendolo más versátil y

adecuado a las necesidades, exigencias, inquietudes y problemáticas de los
correspondientes campos profesionales, se propicia que los estudiantes
diseñen su propia ruta de aprendizaje de acuerdo a sus proyectos, se
diversifican los perfiles de egreso y se elaboran nuevas estrategias didácticas
en virtud de la heterogénea constitución de los grupos, por mencionar solo
algunos objetivos. Este giro radical de concepción nos ha llevado y nos lleva a
reflexionar de una manera continua y colegiada con el fin de lograr una
adaptación congruente entre el curriculo formal y el curriculo vivido.

19
Como vamos viendo los retos se suceden y no hay unos menores que otros,
sin embargo me detendre alrededor de una problemática que considero nodular
dentro de la Educación formal en Artes, me refiero especificamente a como
mantener el equilibrio entre lo artistico y lo académico

Un equilibrio siempre delicado y precario, donde intervienen factores

pedagógicos, psicológicos y sociales. Daré algunos ejemplos de ello.

Desde el punto de vista del docente y tratándose de experiencias educativas

prácticas es a veces muy dificil cubrir la totalidad de contenidos programáticos
durante periodos lectivos cada vez más cortos, donde no hay el tiempo
suficiente para transmitir a profundidad los conocimientos, herramientas y
técnicas actorales correspondientes, viéndonos cohercionados, en muchas
ocasiones, a desviar nuestra atención hacia los resultados finales en
detrimento del proceso didactico y creador.

Por otra parte y en cuanto a los alumnos, esa misma falta de tiempo, hace que
se les reduzca las probabilidades de una suficiente y adecuada asimilación
cognoscitiva y heuristica de dichos conocimientos, técnicas y herramientas

De igual manera he observado frecuentemente en los estudiantes, como, poco

después de haber ingresado a la Carrera, va apareciendo en ellos una
tendencia a identificar inconscientemente la estructura académica con la
estructura familiar con la consecuente retaliación y/o el desafio hacia la
autoridad y a las reglas de la institución académica. O lo que es peor
vivenciando como una obligación e imposición las tareas solicitadas en clase,
levantando, en muchos casos, una serie de resistencias para el cumplimiento
de estas y olvidando en el camino su vocación original, el placer por lo que
hacen y el sentido profundo de por qué estan alli

20
Esto es muy preocupante porque fagocita las células de la creatividad y del
compromiso con los propios sueños

Por todo lo anterior considero sustancial que, como parte de la planeación

educativa en artes se tome en cuenta esta problemática para detectar los
factores académicos que puedan estar contribuyendo a su conformación

Así mismo, se ponga el énfasis en la importancia que los procesos creativos

tienen dentro de la formación en artes

Al respecto diré que, desde mi punto de vista, los procesos creativos son el
alma de la educación artistica que, aunados a la preparación técnica especifica
de cada disciplina, y a la adquisición de las bases teoricas correspondientes,
debieran constituir una unidad indisoluble y un cuerpo de conocimiento sensible
e intelectual solido en la formación academica de todo profesional de las artes

Sin embargo, en la realidad de las aulas, nos encontramos habitualmente con

que los procesos de creación quedan relegados a segundo plano por la
preparación técnica. Generándose una separación inaudita entre creatividad y
dominio técnico, convirtiendo a este último en el principal objetivo pedagógico

Y si bien el dominio de la tecnica es de suma importancia, no debernos olvidar

que en artes, la técnica es solo un medio y no puede pensame como un fin en
si mismo.

Hiegel en su obra introducción a la Estética lo manifiesta ciaramente cuando

dice: "La obra de arte presenta un lado puramente técnico, que solo consigue
dominarse con la práctica Cualquier arte se ejerce sobre una materia más o
menos densa, más o menos resistente, que hay que aprender a dominar

21
Pero por otra parte el artista debe conocer tanto más las profundidades del
alma y del espiritu humanos cuanto más elevado sea el rango que ambiciona,
este conocimiento no se adquiere de una forma directa sino tras un estudio del
mundo exterior e interior, y es este estudio, este conocimiento el que suministra
al artista los temas de sus representaciones..."

temas de la técnica, el entrenarse e involucrase en procesos de creación

continuos que les permitan proyectar.

Es por ello que los alumnos de las distintas áreas de arte requieren, además de
la técnica, el entrenarse e involucrase en procesos de creación continuos que
les permitan proyectar su subjetividad y establecer un contacto profundo y
verdadero con su interior y su mundo inconsciente

Al respecto, y refiriendose especificamente al trabajo del actor y del bailarin,

Eugenio Barba nos dice "El trabajo actoral y dancistico requiere de una
precisión exterior, pero tiene raíces profundas en el organismo viviente y en la
motivación, a su vez ésta se extiende en ramificaciones visibles hacia el
exterior

Por todo lo anterior es necesario que, como docentes, conozcamos,

comprendamos y manejemos, con la mayor solvencia posible, el complejo
temtorno de los procesos creativos, sus caracteristicas, sus momentos o
etapas, sus bloqueadores, asi como, sus condiciones de posibilidad.

En referencia a dichas condiciones, vale la pena destacar la necesidad de

ambientes de trabajo humana y materialmente adecuados que permitan una
buena concentracion, que liberen la energia creadora de los estudiantes, que

22
sensibilicen al alumno y despierten sus percepciones, desarrollen su
imaginación y fortalezcan la integración de su cuerpo, mente y emociones,
buscando la toma de conciencia de sus bloqueos, para poder aceptarios y
transformar su situación. Y desde ya, propiciando la utilización de su
pensamiento vertical como de su pensamiento lateral o inventivo,
dialécticamente. [1]

Por supuesto que todas estas condiciones hay que generarlas y defenderlas
dia a dia y solo pueden darse sobre las bases interpersonales de confianza,
respeto, generosidad, aceptación de las diferencias, apertura y por sobre todo
de la ética que el o los facilitadores practiquen e inculquen en el grupo, no
permitiendo la cntica destructiva que utiliza generalmente discursos técnicos a
veces brillantes, pero con fines espurnos, competitivos y narcisistas. Asi
tampoco siendo cómplices, menos aun propiciadores de chistes, burlas sobre
el trabajo de ningun compañero alumno

Como bien sabemos dichas condiciones por optimas que sean, no garantizan
un estado creativo pleno, pero si son lo necesario e indispensable, para que las
personas que están con una actitud creativa, que se ponen en riesgo, que se
"abren", permitiéndose bajar sus defensas, estando por lo tanto sensibles y
vulnerables no sean maltratadas, agredidas, inhibiendo su creatividad en ese
momento y bloqueándola a corto plazo

En mi opinión este es una de las grandes retos que debe asumir un docente si
pretende lograr un trabajo creativo por parte de sus alumnos dentro de una
disciplina artistica determinada.

Aquel que funja como guia tiene que poder acompañiar sin imponer Contener
sin asfixiar. Exigir sin paralizar. Evaluar sin condenar. Saber poner los limites
cuando sea necesario. Estimular sin aplastar ef imaginario del otro Propulsar la
independencia y el autoconocimiento para que los jovenes creadores aún en
23
formación puedan in creciendo en su contacto interior asi como en su disciplina
formal. Un pedagogo en artes que no olvide la empatis, que haga de ella su
principal estrategia didáctica y un puente de comprensión profunda con sus
alumnos

Un docente en artes que sea creativo que ame su trabajo y que sepa mantener
vivo y saludable el tejido de la pasión en sus estudiantes y en el mismo.

Ejemplos de actividades basadas en la teoría.

Habla externa a habla interna: Inicialmente, los niños vocalizan sus

pensamientos en voz alta. Este habla externa se dirige a los demás como un
proceso social. Con el tiempo, a medida que los niños se desarrollan, este
habla externa se vuelve interna, convirtiéndose en habla o pensamiento
interno.

Esta transición es crucial porque marca el punto en el que el lenguaje empieza

a cumplir una doble función: sigue siendo un medio de comunicación, pero
también se convierte en un instrumento clave para el pensamiento y la
resolución de problemas a nivel individual.

El habla privada como puente: antes de que se complete esta transición, hay
una etapa en la que los niños participan en lo que se llama habla privada.

Esto es cuando hablan consigo mismos en voz alta, no necesariamente para

comunicarse con otros, sino como una forma de organizar sus pensamientos y
resolver problemas.

Esta fase actúa como puente entre el habla social externa y el habla cognitiva
interna. Refleja la creciente capacidad del niño para usar el lenguaje no solo

24
para la interacción social, sino también para procesos cognitivos individuales
como la planificación, el razonamiento y la reflexión.

Importancia del cambio: El cambio del habla externa al habla interna y el papel
del habla privada en esta transición es significativo por un par de razones.

En primer lugar, indica un hito en el desarrollo del lenguaje infantil. Muestra que
están empezando a internalizar sus procesos de pensamiento, utilizando el
lenguaje como herramienta para el pensamiento privado.

En segundo lugar, y quizás más importante, implica un cambio en la forma de

pensar de los niños. A medida que el lenguaje se internaliza, permite procesos
de pensamiento más complejos. Los niños empiezan a pensar con palabras, y
este diálogo interno les ayuda a desenvolverse en el mundo con mayor
eficacia.

Esta transición resalta la relación cada vez más profunda entre el lenguaje y el
pensamiento en el desarrollo cognitivo y muestra cómo el lenguaje evoluciona
desde un medio de comunicación externa a un componente vital de nuestros
procesos de pensamiento internos.

Las feorías de Vygotsky sobre el desarrollo del lenguaje enfatizan el profundo

impacto de la interacción social y el contexto cultural en el crecimiento
cognitivo.

El lenguaje no es sólo una herramienta de comunicación. Es esencial para el

desarrollo cognitivo, permitiendo a los niños más pequeños navegar y
comprender s mundo.

25
Esto tiene implicaciones en el aprendizaje basado en el juego. Debemos
asegurarnos de que nuestra pedagogía y nuestro entorno de aprendizaje
valoren y brinden oportunidades para la interacción social y el aprendizaje
colaborativo.

El habla privada puede mejorar significativamente las experiencias de

aprendizaje los niños al brindarles las herramientas cognitivas que necesitan en
el mundo real.

26
 CONCLUSIONES

En el ámbito de la educación infantil, la Teoría del Arte cobra

una relevancia especial al ser el arte una de las formas más
naturales y efectivas de aprendizaje en los primeros años de
vida. A través del dibujo, la pintura, la música, la danza y otras
formas de expresión artística, los niños desarrollan su
creatividad, mejoran su motricidad fina, exploran sus
emociones y comienzan a comprender el entorno que los
rodea. Además, el arte promueve la comunicación, la
colaboración y el respeto por las ideas de los demás. En este
sentido, el arte no solo es una herramienta pedagógica, sino
también una vía esencial para el desarrollo emocional,
cognitivo y social en la infancia.

27
 BIBLIOGRAFÍA
Mc Ardle, J. (2024)

Paniagua, KL. (2008), Las teorias de las inteligencias multiples en la practica

docente educación escolar. Recuperado en:
https://www.redalyc.org/pdf/1941/194114582017.pdf
Mc Ardle, J. (2024) Teoria de Vigotsky: guia para profesores. Recuperado en
https://www.myteachingcupboard.com/blog/vygotskys-play-theory-a-guide-for-
play-based-teachers
Moss, L. (2013). Retos en la educación en artes. Recuperado de:
https://www.uv.mx/artes/academico/retosartes/
Soria, M. (2013). Teoria del arte. Recuperado de:
https://books.google.es/books?
hl=es&lr=&id=2Vf90fH15VUC&oi=fnd&pg=PP5&dq=+LA+TEOR
%C3%8DA+DEL+ARTE&ots=j81nXGGa0f&sig=dhfal-tLeJqpu6sw09Na-
KkzVB8
Prada, JM.(2023). Teoría del arte y cultura digital. Recuperado de:
https://books.google.es/books?
hl=es&lr=&id=Ceu_EAAAQBAJ&oi=fnd&pg=PT4&dq=+LA+TEOR

28
%C3%8DA+DEL+ARTE&ots=QD1tLIsvOR&sig=QXSbiP4HRIvsrUUBvqWCpca
gaMg
Read, H. (1943). Educación por el Arte.Recuperado de:
https://www.revistaaleph.com.co/el-arte-en-la-educacion-segun-herbert-read/

29