Módulo 2: Arte y diseño gráfico

INTRODUCCIÓN AL MÓDULO

Introducción

UNIDAD 4: ARTE EN LA EDAD MODERNA

Introducción a la unidad

Tema 1: Renacimiento

Tema 2: Barroco

Cierre de la unidad

UNIDAD 5: CONCEPTOS Y TIPOLOGÍAS DE LAS ARTES VISUALES: ARQUITECTURA, PINTURA Y ESCULTURA

Introducción a la unidad

Tema 1: Artes visuales

Tema 2: Belleza
 Tema 3: Estética

Tema 4: Lo artístico

Tema 5: El estilo artístico

Tema 6: Teoría de las proporciones

Cierre de la unidad

UNIDAD 6: ORIGEN DEL DISEÑO GRÁFICO

Introducción a la unidad

Tema 1: Historia del diseño gráfico

Tema 2: Diseño gráfico americano

Cierre de la unidad

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Lección 1 de 18

Introducción

M2 INTRODUCCIÓN AL ARTE Y DISEÑO

EaD Kennedy

00:51

Este módulo desarrolla el arte de la edad moderna. Profundiza en las tipologías de las artes
visuales. Aborda el concepto de estética artística teniendo en cuenta la belleza, la estética y lo
artístico. Introducción al diseño gráfico, sus inicios e historia.
 Figura 1. Elaboración propia (2019)

Objetivos del módulo

Recorrer el arte de la Edad moderna y las principales características del

Renacimiento y el Barroco.

Definir los conceptos y tipologías de las artes visuales.

Poder diferenciar estética artística de belleza y lo artístico.

Presentar los orígenes históricos del diseño gráfico en Europa y América.

Contenidos del módulo

Unidad 4 - Arte en la Edad moderna

1. Renacimiento

2. Barroco

Unidad 5 - Conceptos y tipologías de las artes visuales: arquitectura,

pintura y escultura

1. Artes visuales

2. Belleza

3. Estética

4. Lo artístico

5. El estilo artístico

6. Teoría de las proporciones

Unidad 6 - Origen del diseño gráfico

1. Historia del diseño

2. Historia del diseño gráfico iberoamericano

Lección 2 de 18

Introducción a la unidad

¿De dónde viene el nombre Renacimiento?

Contenidos de la unidad

1 Renacimiento

2 Barroco
 En esta unidad se desarrolla el arte del Renacimiento y el Barroco. Detallando las principales
características de la arquitectura, pintura y escultura.

La Edad Moderna es el tercero de los periodos históricos en los que se divide convencionalmente

la historia universal, comprendido entre el siglo XV y el XVIII. Cronológicamente, alberga un

periodo cuyo inicio puede fijarse en la caída de Constantinopla (1453) o en el descubrimiento de
América (1492), y cuyo final puede situarse en la Revolución francesa (1789). La Edad Moderna
se corresponde al período en que se destacan los valores de la modernidad como el progreso, la
comunicación y la razón, frente al período anterior, la Edad Media, que es generalmente
identificado como una edad aislada e intelectualmente oscura. El espíritu de la Edad Moderna
buscaría su referente en un pasado anterior, la Edad Antigua identificada como Época Clásica.

En la Edad Moderna se encontraron los dos “mundos” que habían permanecido casi

absolutamente aislados desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (América) y el Viejo Mundo (Eurasia
y África). Cuando se consolidó la exploración europea de Australia se habla de Novísimo Mundo.

Los nuevos descubrimientos realizados por los artistas italianos y flamencos en la primera mitad
del siglo XV crearon gran agitación en toda Europa. Pintores y patrocinadores a la par fueron

fascinados por la idea de que el arte no solo podía servir para plasmar temas sagrados de manera
sugestiva, sino también para reflejar un fragmento del mundo real. Tal vez el más inmediato
resultado de esta gran revolución en arte consistió en que los artistas de todas partes
comenzaron a experimentar y procurar nuevos efectos sorprendentes. Este espíritu de aventura
que sostuvo el arte del siglo XV señala la verdadera ruptura con el medievo.

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Lección 3 de 18

Tema 1: Renacimiento

Función del artista

En Europa y sus colonias, desde el Renacimiento, pintores, escultores y arquitectos no solo

salen del anonimato y empiezan a firmar su obra, sino que se codean de igual a igual con
filósofos y príncipes. Este ascenso social se adelanta varios siglos al de otras partes de la

burguesía, y conforma una nueva aristocracia del mérito intelectual, en la que más tarde
ingresarán también los literatos y científicos. Por otro lado, la Iglesia, la nobleza y la monarquía,
clientes tradicionales, dejan de serlo exclusivos, como puede ejemplificarse en la burguesía
holandesa, y nace un verdadero mercado del arte que empieza a no funcionar por encargo y puede

surgir la creación del artista con mucha mayor libertad. Cuando en el siglo XIX el proceso se
complete, y la sociedad responda ella misma a los criterios del mercado, habrá muerto el arte de
la edad moderna y nacido el arte contemporáneo (paradójicamente junto con la figura del artista
maldito, que no triunfa en vida). (Wikipedia , s.f.)

Renacimiento

El término “Renacimiento” procede del italiano Rinascita y fue

acuñado por el artista e historiador Giorgio Vasari en sus Vidas
(1542–1550), en alusión al renacer de la cultura clásica tras el
oscurantismo medieval. Como tal, supone un fenómeno tanto
social como político y cultural que abarcó todo el continente
europeo durante los siglos XV y XVI.
 Figura 1. La Gioconda. En Imagenesmy.

El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están controladas por
los gremios, sino bajo la protección de los príncipes y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las

familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi; la palabra mecenas hace referencia a aquella persona que, por

contar con los recursos económicos suficientes, toma bajo su protección a un artista o científico para

permitirle realizar su tarea y beneficiarse con ella de algún modo más o menos directo. La figura del artista

es engrandecida y admirada, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el
taller del maestro, que controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien recibe

los encargos de los clientes. Además de la burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los

artistas, ya que se descubre el valor propagandístico del arte.

Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente:

El sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa al artista

para que trabaje.

El mercado, en el que el artista simplemente vende las obras que crea por
encargo.

La academia, en el que el artista trabaja para el Estado.

Todo esto exige una formación científica de los artistas y una gran capacidad de creación.

No es una copia de la antigüedad, sino su interpretación. Se busca el realismo, pero se idealiza la naturaleza,

se trata de un arte burgués. Se recupera el retrato y la naturalidad sin hieratismo, de la mano de la nueva
burguesía.

Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente, Virgen o cortesana, Apolo o Cristo, lo

que importa es la figura humana. El tema interesa poco, pero sí lo bello frente a lo representativo.

El objeto del arte es el mundo natural, la imagen del mundo que se identifica con la civilización. Hay un nuevo

humanismo y una mentalidad burguesa que busca al hombre ideal en equilibrio con la naturaleza.
En su última etapa, cuando están conseguidas todas las soluciones técnicas, es cuando se pinta "a la

manera de" un maestro o de otro, corriente a la que se llama manierismo.

 Figura 2. El David
Nota. Recuperado de [Link]

Características principales:

Se recuperó la cultura clásica, es decir, la cultura romana y griega.

Apareció una concepción de los seres humanos, el antropocentrismo.

Se buscó la belleza en la simetría, la perspectiva, la proporción humana

como base de todas las estructuras. Así cómo también, se buscó el
equilibrio de las formas, y la mesura de las expresiones.

Apareció una nueva característica, la cual tuvo como objetivo

fundamental, la renovación que estaba relacionada con todas las
estructuras de las Iglesias.

Una característica muy importante del Renacimiento y que se puede

considerar que está por encima de todas las otras, es que el cuerpo
humano recupera su importancia.

Se creó una imitación en la escultura y la arquitectura realizada en Roma y

Grecia.

Se buscó hacer representaciones de una belleza ideal.

Se Busca el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para crear una obra

armónica.

Se crearon obras cuya perfección y claridad fueron dirigidas por la razón

universal.
 Su interés principal fue el cuerpo humano y en particular, el desnudo.

El Renacimiento se consideró realista, ya que las obras creadas fueron

realizadas con sumo cuidado y con la máxima realidad posible.

Las pinturas fueron creadas con una vista geométrica y se buscó lograr
una ilusión de profundidad.

Se recuperó la escultura exenta y entre los principales materiales que se

usaron destacan el mármol y el bronce.

Se recuperaron los temas mitológicos y aunque en menor medida que en

el gótico, también encontramos temas religiosos.

Etapas del Renacimiento

Quattrocento

Este período se origina en el siglo XV y principalmente abarca el Renacimiento primario que se inicia en
Florencia, Italia. En este periodo se busca un nuevo lenguaje, la arquitectura civil adquiere gran importancia,
buscando espacios racionales y organizados con unas reglas esenciales, como una distribución
organizada de los espacios públicos. Por lo tanto, las áreas residenciales, centros comerciales, y los
palacios dejan de ser concebidos como fortalezas, dando una nueva imagen al nuevo poder ciudadano. La
decoración de las fachadas se basa en la utilización del almohadillado, que son sillares con aristas
rehundidas, y se utilizan elementos puramente arquitectónicos con un toque clásico. Uno de los ejemplos
más notables es el Palacio Medici-Ricardi de Florencia, construido por Michelozzo en 1444. Otras obras
importantes son las de Brunelleschi, de la “Iglesia de San Lorenzo”, la “iglesia del Santo Spirito”, el “Palacio
Pitti”, y la “Capilla Pazzi”. Igualmente, los grandes maestros del Quattrocento fueron Filippo Brunelleschi y
Leon Battista Alberti.
Cinquecento

Siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se
centra en el primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anti clásica
que conforma el Manierismo.
Este período se establece en el siglo XVI en Roma, que pasará a ser el centro de la cultura. Los Papas Julio
II y León X se convirtieron en grandes mecenas, y los artistas van a Roma atraídos por su rico pasado
clásico. En estos dos períodos aparecieron artistas cuyas obras se hicieron famosas a lo largo de los
siglos. Es por ello que, es muy importante diferenciar una etapa de la otra y los artistas que hay en cada
etapa. En este periodo surgen artistas como Sangallo, arquitecto del Palacio Franesio, el modelo de palacio
del cinquecento con el que nos vamos acercando a lo que serán los palacios barrocos, más estéticos, más
ornamentales y menos defensivos.
Palladio, por su parte, busca la perspectiva en sus construcciones, creando las villas de recreo próximas a
las ciudades. Igualmente, Bramante recoge los avances teóricos y prácticos

Arquitectura en la Etapa Quattrocento

El Quattrocento tuvo su centro neurálgico en Florencia y la Toscana. La sencillez y claridad

estructural y decorativa fue el rasgo fundamental de la arquitectura de este momento. Los
modelos clásicos se someten a un proceso de estilización y se adaptan al templo cristiano. Fue
frecuente recurrir a los órdenes clásicos, con columnas y pilastras adosadas, capiteles con
preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales,
fustes lisos y casi omnipresencia del arco de medio punto. Se usa también la bóveda de cañón y
de arista, y cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la
arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento es la decoración menuda, guirnaldas de
flores o frutos, grutescos, etc.

Las cúpulas con nervios, con ciertos resabios góticos, por ejemplo la catedral de Florencia, de Filippo
Brunelleschi y las fachadas simétricas de pisos superpuestos en el palacio Medici−Riccardi, de Michelozzo.

También con sillares almohadillados, el palacio Rucellai, de Bernardo Rossellino; proyecto de Alberti, palacio
Pitti. En general, la arquitectura cuatrocentista da la impresión de orden, sencillez, ligereza y simetría,
predominando en el interior de los edificios la luminosidad y la desnudez. Los arquitectos más destacados
de este período fueron Brunelleschi (Basílica de San Lorenzo, 1420; Basílica del Santo Spirito, 1436) y Leon
Battista Alberti (San Andrés de Mantua, 1460); y la principal obra fue la catedral de Santa María del Fiore de

Florencia y su famosa cúpula, obra de Brunelleschi.

Figura 3. Cúpula de Brunelleschi, Catedral de Santa María del Fiore en Florencia.

Recuperado de: [Link]

Arquitectura en la Etapa Cinquecento

 Figura 4. Basílica San Pedro
Nota. Recuperado de [Link]

El Cinquecento tuvo como centro Roma: en 1506 Donato Bramante terminaba su célebre proyecto para la
Basílica de San Pedro en el Vaticano, que sería el edificio que marcaría la pauta en lo restante del siglo XVI.

En esta etapa, los edificios tienden más a la monumentalidad y la grandiosidad. Miguel Ángel introdujo el
“orden gigante” en su proyecto para la basílica vaticana, lo que rompió con el concepto de arquitectura
hecha a la medida del hombre. Los palacios se adornaban con elaborados bajorrelieves (palacio Grimani de

Venecia, 1549, obra de Michele Sanmicheli) o de esculturas exentas (Biblioteca de San Marcos, 1537–1550,
Venecia, obra de Jacopo Sansovino). Predominaría de este modo la idea de riqueza, monumentalidad y lujo

en las construcciones. A medida que avanza el siglo, el manierismo se introdujo en la arquitectura, con
edificios cada vez más suntuosos, rebuscadas decoraciones y elementos que pretenden captar la atención
del espectador por su originalidad o extravagancia. Podemos distinguir autores como Bramante, Miguel

Ángel, Antonio da Sangallo el Viejo, Jacopo Sansovino, Andrea Palladio, Giorgio Vasari, Giulio Romano,
Jacopo Vignola y Vincenzo Scamozzi.
 Escultura en el Renacimiento

Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la antigüedad, inspiración
en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la
escultura de este período. Aunque se siguieron haciendo obras religiosas, en las mismas se
advierte un claro aire profano; se reintrodujo el desnudo y el interés por la anatomía con fuerza, y
aparecieron nuevas tipologías técnicas y formales, como el relieve en stiacciato (altorrelieve con

muy poco resalte, casi plano) y el tondo, o composición en forma de disco; también la iconografía
se renovó con temas mitológicos, alegóricos y heroicos. Apareció un inusitado interés por la
perspectiva, derivado de las investigaciones arquitectónicas coetáneas, y el mismo se plasmó en
relieves, retablos, sepulcros y grupos escultóricos. Durante el Renacimiento decayó en cierta

manera la tradicional talla en madera policromada en favor de la escultura en piedra, mármol

preferentemente, y se recuperó la escultura monumental en bronce, caída en desuso durante la
Edad Media.

En el Cinquecento, siglo XVI, estará marcado por la aparición de uno de los escultores más geniales de

todos los tiempos, Miguel Ángel. Hasta tal punto marcó la escultura de todo el siglo que muchos de sus
continuadores no fueron capaces de recoger todas sus novedades y estas no se desarrollaron hasta varios

siglos después. Miguel Ángel fue, como tantos otros en esta época, un artista multidisciplinar. Sin embargo,
él se consideraba preferentemente escultor. En sus primeras obras recoge el interés arqueológico surgido
en Florencia: así, su Baco ebrio fue realizado con intención de que aparentara ser una escultura clásica.

Igual espíritu se aprecia en la Piedad, realizada entre 1498 y 1499 para la basílica vaticana.
 Figura 5. La Piedad del Vaticano, de Miguel Ángel.
Nota. Recuperado de: [Link]

Manierismo

El término “manierismo” proviene de maniera moderna, en referencia a aquellas obras que se

decían realizadas a la manera de los grandes maestros del Alto Renacimiento. La imitación de las
obras de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas. En cierto
sentido, la propia grandeza de esas obras maestras cerraba las vías a la creatividad artística, y a
 las jóvenes generaciones no les quedaba sino la imitación. Es un arte propio de la época de crisis,
tanto económica como espiritual, en el medio de la Reforma protestante. No se intenta
representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada,
como un capricho.

Figura 6. Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno

Nota. Recuperado de [Link]

Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por
representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan
posturas complicadas. Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva

es infinita. El manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación

intelectual como a las cualidades artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada

de manera antinatural, lo mismo que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados
entre sí, en vez de apoyarse en gamas.
Lección 4 de 18

Tema 2: Barroco

El estilo Barroco partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en

numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza,
teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo
también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en
Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o
menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país.

Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época

caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos
y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los
Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente
burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.
 Figura 1. Las meninas (1656), de Diego Velázquez

Nota. Recuperado de [Link]

Durante los siglos XVIII y XIX el término “barroco” tuvo un sentido peyorativo, con el significado de

recargado, engañoso, caprichoso. Se puede dividir el Barroco en tres períodos: primitivo (1580-1630), maduro
o pleno (1630-1680) y tardío (1680-1750). Aunque se suele entender como un período artístico específico,
estéticamente el término “barroco” también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, Así

pues, el término “barroco” se puede emplear tanto como sustantivo como adjetivo.
El Barroco fue un estilo heredero del escepticismo manierista, que se vio reflejado en un sentimiento de

fatalidad y dramatismo entre los autores de la época. El arte se volvió más artificial, más recargado,
decorativo, ornamentado. Destacó el uso ilusionista de los efectos ópticos; la belleza buscó nuevas vías de
expresión y cobró relevancia lo asombroso y los efectos sorprendentes. En la conducta personal se

destacaba sobre todo el aspecto exterior, de forma que reflejara una actitud altiva, elegante, refinada y
exagerada que cobró el nombre de préciosité.

El Barroco se define principalmente por oposición al Renacimiento:

Frente a la visión lineal renacentista, la visión barroca es pictórica.

Frente a la composición en planos, la basada en la profundidad.

Frente a la forma cerrada, la abierta.

Frente a la unidad compositiva basada en la armonía, la

subordinación a un motivo principal.

Frente a la claridad absoluta del objeto, la claridad relativa del efecto.

Así, el Barroco es el estilo del punto de vista pictórico con

perspectiva y profundidad, que somete la multiplicidad de sus
elementos a una idea central, con una visión sin límites y una
relativa oscuridad que evita los detalles y los perfiles agudos,
siendo al mismo tiempo un estilo que, en lugar de revelar su arte, lo
esconde.
 El arte barroco se expresó estilísticamente en dos vías:

1 Por un lado, hay un énfasis en la realidad, el aspecto mundano de la vida,

la cotidianeidad y el carácter efímero de la vida, que se materializó en una
cierta vulgarización del fenómeno religioso en los países católicos, así
como en un mayor gusto por las cualidades sensibles del mundo
circundante en los protestantes

2 Por otro lado, se manifiesta una visión grandilocuente y exaltada de los

conceptos nacionales y religiosos como una expresión del poder, que se
traduce en el gusto por lo monumental, lo fastuoso y recargado, el
carácter magnificente otorgado a la realeza y la Iglesia, a menudo con un
fuerte sello propagandístico.

El Barroco fue una cultura de la imagen, donde todas las artes

confluyeron para crear una obra de arte total, con una estética
teatral, escenográfica, una mise en scène que pone de manifiesto
el esplendor del poder dominante (Iglesia o Estado), con ciertos
toques naturalistas pero en un conjunto que expresa dinamismo y
vitalidad. La interacción de todas las artes expresa la utilización
del lenguaje visual como un medio de comunicación de masas,
plasmado en una concepción dinámica de la naturaleza y el
espacio envolvente.

Para cumplir con su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración católica solía ser de grandes

obras de arte público, tales como pinturas murales monumentales y enormes frescos en los techos y

bóvedas de iglesias y palacios. Así, la pintura barroca ilustra los elementos fundamentales del dogma
católico, ya sea directamente en obras bíblicas, o indirectamente en composiciones mitológicas o
alegóricas. Junto con este enfoque monumental, magnánimo, los pintores retratan típicamente un fuerte

sentido del movimiento, usando remolinos espirales y diagonales ascendentes y fuertes colores suntuosos,

para deslumbrar y sorprender.

Igualmente, se desarrollaron nuevas técnicas del tenebrismo y el claroscuro para mejorar el ambiente. La

pincelada cremosa y amplia, a menudo resulta en gruesos empastes. Sin embargo, la teatralidad y el

melodrama de la pintura barroca no fue bien recibido por críticos posteriores, como el influyente John Ruskin

(1819-1900), quien los considera falsos. En la escultura barroca, el tamaño fue típicamente más grande, se
caracterizó por un sentimiento similar de movimiento dinámico, junto con un uso activo del espacio.

Figura 2. Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632), de Rembrandt.

Nota. Recuperado de: [Link]

Arquitectura barroca
 Figura 3. Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane (1634-1640), de Francesco Borromini,

Roma.

Nota. Recuperado de [Link]

La arquitectura barroca desarrollará un estilo claramente recargado y detallista, opuesto en gran modo a la

simpleza del estilo renacentista. La característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas
curvas que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la utilización de todo el espacio

disponible con elementos como la curva y la contra curva, además de las increíbles decoraciones

escultóricas que no dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa las fachadas
toman el papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas columnas y cornisas. De forma

que en esta etapa la arquitectura se podría considerar un estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este
periodo la arquitectura destaca por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus

plantas ovaladas.

Figura 4. Arte Renacentista Italiano

Nota. Recuperado de [Link]
Lección 5 de 18

Cierre de la unidad

¿De dónde viene el nombre Renacimiento?

Fue el renacer de la cultura clásica tras el oscurantismo medieval. Como tal, supone un fenómeno
tanto social como político y cultural que abarcó todo el continente europeo durante los siglos XV y
XVI.

Bibliografía
Bazin, G. (1981). Historia del arte: de la prehistoria a nuestros días.
Barcelona: Omega.

Gombrich, E. (1999). La historia del arte. Londres: Phaidon Press

El Renacimiento, obra de los mecenas. (s.f.). En National Geographic.

Paoletti, J. T. (2003). El arte en la Italia del renacimiento. Madrid: Akal.

Vasari, G. (2011). Las vidas: de los más excelentes arquitectos, pintores y

escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Madrid: Catedra.
Lección 6 de 18

Introducción a la unidad

¿Cuál es la clasificación actual y más difundida de “Bellas

Artes”?

Contenidos de la unidad

1 Artes visuales

2 Belleza

3 Estética
 4 Lo artístico

5 El estilo artístico

6 Teoría de las proporciones

Esta unidad define los conceptos y tipologías de las artes visuales: Arquitectura, pintura y
escultura. Recorre la evolución a través de los siglos del concepto de Bellas Artes.

Las distintas connotaciones que hacen posible el diálogo entre el diseño y las obras de arte
tienen tres referentes categóricos: la belleza, la estética y lo artístico. Sus significados son
mutables según sea la cultura, la tradición y el contexto histórico en que se utilicen sus términos.

Teoría de las proporciones, contemplando el canon egipcio, griego y renacentista.

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Lección 7 de 18

Tema 1: Artes visuales

El término bellas artes se popularizó en el siglo XVIII para referirse

a las principales artes y buen uso de la técnica.

Quien pretendió unificar las numerosas teorías sobre belleza y gusto. Batteux incluyó en las bellas
artes originalmente a la danza, la escultura, la música, la pintura y la literatura; añadió

posteriormente la arquitectura y la elocuencia.

Con el tiempo, la lista sufriría cambios según los distintos autores que añadirían o quitarían artes
a esta lista, se eliminó la elocuencia. En 1911, Ricciotto Canudo es el primer teórico del cine en
calificar a este como el séptimo arte, en su ensayo “Manifiesto de las Siete Artes”, que se publicó

en 1914.
También por la evolución histórica del término, es habitual que el uso de bellas artes se asocie, en
instituciones educativas y en museos de bellas artes, casi exclusivamente a las artes plásticas o
artes visuales. En este sentido, la palabra arte también es muchas veces sinónimo de artes
visuales, al emplearse en términos como galería de arte.

Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una

necesidad del ser humano de expresarse y comunicarse mediante
formas, colores, sonidos y movimientos; el arte es un producto o
acto creativo.

Los griegos antiguos dividían las artes en artes superiores y artes menores.

Artes superiores

Las artes superiores eran aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores
(vista y oído), con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las bellas artes
eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluye la poesía, y
con la música se incluye el teatro. Esa es la razón por la que el cine se considera en la actualidad el
séptimo arte.

Artes menores

Las artes menores, en cambio, son aquellas que impresionan a los sentidos menores (gusto, olfato y tacto),
con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y artesanía.

Las artes plásticas son aquellas artes que utilizan materiales capaces de ser modificados o

moldeados por el artista para crear una obra. Son aquellas manifestaciones del ser humano que
reflejan, con recursos plásticos, algún producto de su imaginación o su visión de la realidad. Se
refiere el término de manera más amplia a las artes visuales para diferenciarlas del arte musical,
de la danza, la literatura o del teatro.
 Incluidas dentro de las Bellas Artes, el término “artes plásticas” aparece a principios del siglo XIX
para referirse a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la

orfebrería, la artesanía y la pintura mural.

A mediados del siglo XX se comenzó a utilizar el término artes visuales, que engloba el de artes
plásticas y todos los nuevos medios. Las artes visuales añaden otros recursos como puede ser el

sonido, el video, la informática, la electrónica, etc., para crear obras o propuestas artísticas.

La clasificación más difundida es la que designa a siete oficios como “Bellas Artes”, y es
ampliamente conocida porque comprende a las manifestaciones estéticas que invariablemente
pensamos relacionadas con la creación artística:

Literatura

Es el arte que tiene por instrumento la palabra escrita. Es el conjunto de las composiciones literarias de un
pueblo, época o género. Pueden ser crónicas y anécdotas de algún suceso o ideas fantasiosas.

Escultura

Es el arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales.

Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios.
En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Giorgio Vasari (1511-1574), empieza Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori con un prólogo
técnico que habla de arquitectura, escultura y pintura, unas disciplinas agrupadas bajo la denominación de
“artes del diseño”. La obra es un tratado informativo y valioso sobre las técnicas artísticas empleadas en la
época. En referencia a la escultura comienza así: “…el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a
la forma que existe dentro de la mente del artista.”
Arquitectura

Es el arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables en el tiempo, que cumplan una función y
placer estético o admiración al espectador.
Fefinición de Le Corbusier: La arquitectura está más allá de los hechos utilitarios. La arquitectura es un
hecho plástico. (…) La arquitectura es el juego sabio, correcto, magnífico de los volúmenes bajo la luz. (…)
Su significado y su tarea no es solo reflejar la construcción y absorber una función, si por función se
entiende la de la utilidad pura y simple, la del confort y la elegancia práctica. La arquitectura es arte en su
sentido más elevado, es orden matemático, es teoría pura, armonía completa gracias a la exacta
proporción de todas las relaciones: esta es la “función” de la arquitectura. Vers une Architecture, 1923.

Pintura

Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes
orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de
composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie
determinada, una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc. Una técnica
determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una
obra de arte según algunos principios estéticos.
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas. En teoría del arte, la pintura está considerada
como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies.
Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las
técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.
Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra pintura se aplica
también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de pintura; en este sentido es empleado
en la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: “pintura al fresco” o “pintura
al óleo”.

Música

Es el arte que combina los sonidos conforme a los principios de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre.
Danza

Es el arte donde se utiliza el movimiento de cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión
de sentimientos y emociones, y de interacción social, con fines artísticos, de entretenimiento, o religiosos.

Cine

Es el arte que posee proyecciones de fotografías o imágenes mostradas sucesivamente y de forma breve,
conocidas como películas.
Lección 8 de 18

Tema 2: Belleza

Lo bello en el pensamiento griego se entendía como un concepto

objetivo, lógico y racional, asociado a las leyes de la naturaleza.

Figura 1. Partenon en Atenas.

Nota. Recuperado de: [Link]
Para que la obra del hombre fuese considerada bella esta debía responder a los cánones análogos a las
leyes eternas que regulan el comportamiento de la naturaleza. El canon expresaba lo esencial, lo

proporcionado, lo armónico, lo ideal y aspiraba a la perfección; una perfección no basada en lo cuantitativo

sino en la unidad universal. Utilizando las herramientas de orden, medida, mensurabilidad, simetría, ritmo y

armonía; las construcciones humanas se guiaban por una visión matemático-geométrica muy estricta.

Los romanos no fueron tan propensos a la elaboración de

reflexiones sobre las artes. Su gran tarea fue desarrollar unos
procesos constructivos mucho más eficientes y a raíz de esto se
empezó a abrir la grieta entre lo útil y lo bello, entre lo que
pertenece al arte y lo propio de la habilidad.

La simetría empezó a perder valor a favor de la cualidad como aspecto general para dotar de
unidad y espíritu a la materia. La inspiración creativa volvía a residir en la naturaleza, pero con
convencimiento de que podían modificar la materia, a su gusto y placer, para que los elementos
que son necesarios para el buen funcionamiento humano no queden ensombrecidos por el buen

uso de los cánones estético. A pesar de esto, la idea clásica de belleza en las construcciones
siguió imperando.

El cristianismo hizo de la época medieval un período creativo básicamente funcional. El trabajo de

los artesanos sirvió de herramienta pedagógica para la afirmación de poder de la religión sobre la
sociedad feudal

Con la irrupción de la burguesía a finales de la Edad Media las artes liberales resurgieron de su
letargo. A raíz de las corrientes filosóficas del Renacimiento primero y la confirmación del método
racional-lógico-matemático después, las artes se separaron de las ciencias. En el campo de la
construcción esto propició que los componentes estructurales o resistentes tuviesen un peso
específico dentro de cualquier resolución estética y, por tanto, en el marco de la belleza.
Conceptos matemático-físicos como equilibrio, tensión, resistencia, estabilidad, movimiento,
ritmo se convierten en estéticos al verse representados en una forma estructural. De este modo
se van consensuando y asentando estables cánones estéticos en base a conceptos como el
equilibrio, la medida, la sobriedad, la serenidad y la armonía de las partes con el todo. La confianza
ciega en la razón y la aplicación de dichos cánones determinarán el grado de belleza de las obras

construidas.
Tres siglos más tarde, el idealismo alemán, en oposición al teórico realismo, abogó por la
reflexión hacia un conocimiento complementado con la teoría metafísica. La belleza se desató de
la visión objetiva que hasta entonces la había contextualizado para empezar subjetivarse,

entendiendo lo subjetivo como algo real y no solo abstracto.

Lección 9 de 18

Tema 3: Estética

Lo estético coloquialmente es sinónimo de lo bello, pero su origen

es filosófico.

Nació como concepto en la Grecia clásica, pero no fue hasta el siglo XVIII que se convirtió en
ciencia filosófica. Su creador fue el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten. En 1735

utilizó por vez primera el término en su obra Reflexiones filosóficas acerca de la poesía mediante
la conjunción del adjetivo griego Aisthetike (sensación, percepción) que tiene su orígen en el
sustantivo Aisthesis (sensación, sensibilidad) y el sufijo ica (relativo a). Ya en 1750 Aesthetica
fue el título de su libro inacabado donde institucionalizó del término estética como el

conocimiento de lo sensible, del sentimiento y de la percepción de lo bello.

La sistematización que Kant realizó en la estética Immanuel Kant establece cuatro tipos de objetos de
le valió el atributo de disciplina filosófica. En su estudio: lo agradable, lo bueno, lo bello adherente y lo
Crítica del juicio o Crítica de la facultad de juzgar bello libre, donde solo este último entra en el ámbito
Kant investiga el origen del sentimiento y su del juicio estético. Para Immanuel Kant, lo agradable
manifestación más pura, el arte. Kant establece los y lo bueno tienen intereses condicionados por los
cimientos de la estética moderna que, a diferencia sentidos y la razón con un fin en particular; la belleza
de la tradición clásica, separa lo bello de lo bueno. adherente supone un concepto del fin que determina,
Para Kant el juicio estético no aporta conocimiento es decir, lo que el objeto debe ser; en cambio, la

del objeto, viene dado por la razón o el juicio lógico: belleza libre parte de la mera contemplación de la
la estética estudia el conocimiento sensible, la belleza del objeto, y no está condicionada o
percepción del objeto. determinada por conceptos.
Lección 10 de 18

Tema 4: Lo artístico

A finales del siglo XVIII, además de configurarse la estética o

filosofía del arte como una nueva disciplina empezó a gestarse un
nuevo ciclo histórico del arte. La estética otorgó respaldo filosófico
a la autonomía del hecho artístico, iniciándose lo que hoy llamamos
arte moderno.

El arte fue alejándose del contexto político, religioso y social y empezó a buscar sus propias
razones, su propia autonomía. Lo que hasta entonces era artesanía empezó a ser considerado
arte. El arte pasó a ser Arte.
Aun así, del mismo modo que la modernidad propició la separación entre forma y contenido, entre
arte y técnica también generó movimientos que volvieron a preguntarse por la nueva ontología de
ambos conceptos. Por ejemplo, el Romanticismo como reacción al espíritu racional e hipercrítico
de la Ilustración empezó a entender dicha subjetividad de un modo más individual, de un sujeto

que intenta liberarse de lo bello objetivo. En él, la belleza se buscaba de un modo mucho más
simbólico, generando un desequilibrio entre la idea infinita y la forma sensible. Hegel como
máximo exponente de la estética romántica lo expresaba de este modo: “el arte bello y libre no se
cuida de su forma exterior no permite observar en ella ninguna reflexión, ninguna finalidad, no
permite descubrir ninguna intención, sino que en cada expresión, en cada aspecto, revela la idea y
el alma del Todo”.Esta autonomía proporcionó las bases para que se empezaran a ver las obras de
arte como una ocasión para el juicio estético. Fueron varias las actitudes con que los artistas
pretendían interpretar la realidad, la creación de sentimientos de vitalidad, placer, imaginación y
 reflexión dio lugar a diferentes estilos o planteamientos artísticos que volvieron a preguntarse por
la nueva ontología entre ambos conceptos. El siglo XIX empieza la época de los movimientos
artísticos: neoclasicismo, romanticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, art noveau o

modernismo, etc.

Figura 1. La revolución industrial

Nota. Recuperado de [Link]

La Revolución Industrial tuvo un papel importante tanto en el cambio de rumbo del Arte Moderno como en

este constante cambio de estilos artísticos. La artesanía y la burguesía, excluidas del nuevo sistema

productivo, se apropiaron de los ideales estéticos para fundar escuelas de artes y oficios, separándose de
las ciencias.

Significativo fue el hecho que a pesar de la incesante transformación en los modos de producción que

ofrecía la tecnología, tanto lo artístico como lo técnico, aun reconociendo sus diferencias, no se quedaron al
margen el uno del otro.

Desde la técnica se terminó generando una corriente de opinión estética donde los valores
artísticos clásicos dejaron de tener valor y el pragmatismo de la técnica pasó a ser un arte por sí
mismo. La ausencia de preocupaciones artísticas ya no era causa suficiente para que no hubiera

resolución estética en la obra construida, la obra ya no era vista como un objeto de culto, se
profanó su espíritu convirtiéndola en algo puramente formal. Fue el origen del diseño. El diseño
está explícitamente vinculado a la actividad productiva y al comercio, pero en su razón de ser
toma prestado de lo artístico los conceptos de creatividad y el lenguaje para ejercer su trabajo.

Paralelamente, la emancipación de lo bello como idea perfectamente controlada también empezó

a tomar fuerza en el Arte de principios del siglo XX. Es en las vanguardias dónde los límites de lo
artístico se ven ampliados hacia los límites del lenguaje, lo bello queda relegado a un atributo
más. Aparecieron numerosas corrientes vanguardistas: art decó, fauvismo, cubismo, futurismo,
expresionismo, constructivismo, suprematismo, dadaísmo, surrealismo, racionalismo, pop art,
happening, minimalismo, hiperrealismo, arte conceptual, land art, arte povera, etc; que perduraron
hasta después de la segunda Guerra Mundial.

Hoy en día el arte contemporáneo utiliza lo bello o lo feo indistintamente con el objetivo de
producir emoción estética, de ir más allá de lo sensible, entrar en el terreno de la experiencia
estética, de la emotividad, del juego y de la sorpresa. Con el auge de lo conceptual y de lo popular
el arte actual se evapora en cualquier acción humana, lo feo puede ser estético y lo artístico

puede ser cualquier cosa. El aura que siempre intentó tener el arte dejó de existir. Todo se ha
vuelto imponderable, ilógico e indeterminado y se expresa mediante la valoración del gusto.
Lección 11 de 18

Tema 5: El estilo artístico

La expresión “estilo artístico” se define como un conjunto

identificable de características que permiten agrupar a una serie
de obras o autores, los cuales compartirán elementos estables en
cuanto a su forma y contenidos, permitiéndonos afirmar que tal
obra o autor pertenecen a uno u otro estilo.

En general hay un importante grado de flexibilidad, ya que cada autor introduce sus propios
elementos; sin embargo, siempre habrá de permanecer aquella esencia que realmente defina al

estilo.
Hasta el s. XVIII los estilos artísticos abarcan espacios temporales y geográficos muy
importantes. A partir del s. XIX la sucesión de tendencias artísticas se acelera y el concepto de
estilo se sustituya a veces por otros de menor entidad como los de “corriente” o”movimiento
artístico”.

No obstante, el estilo artístico no siempre es uniforme ni homogéneo, pueden acontecer diversas

posibilidades que hagan más difícil concretar sus límites:
Las fronteras temporales de un estilo nunca son radicales, la
transformación de uno a otro es siempre lenta, por lo que podemos
encontrarnos en un mismo momento obras de estilo diferentes (ej: el
tránsito del Románico al Gótico en algunos puntos de Europa fue lento).

Puede ocurrir lo contrario, que se produzca un “revival” de estilos pasados

y que se rescaten las mismas formas artísticas de épocas anteriores,
encontrándonos así con un mismo estilo en épocas muy diferentes.

En otras épocas, sobre todo en la Contemporánea, se superponen formas

muy diferentes de expresión plástica, lo que supone la multiplicación de
estilos diferentes en una misma época.
Lección 12 de 18

Tema 6: Teoría de las proporciones

La teoría de las proporciones es definida como el sistema de

relaciones matemáticas entre los distintos miembros de un ser
viviente.

Las relaciones matemáticas pueden ser expresadas por la división de un todo o bien por la

multiplicación de una unidad. Las diferencias entre los cánones no solo se encuentran en el
método, sino también en su finalidad, es decir, en el contenido teórico que lo fundamenta. La
palabra canon deriva del griego: kanën, regla, modelo, a través del latín canon. Significa en general
regla o precepto. Aplicado a las artes plásticas: Regla de las proporciones de la figura humana,

conforme al tipo ideal aceptado.

A partir del estudio de las teorías de las proporciones humanas vigentes en cada momento, puede
arribarse a conclusiones significativas sobre el estilo de que se trate, sobre la “voluntad artística
que cristalizó en la arquitectura, en la escultura y en la pintura de una época determinada o de un
artista concreto” (Panofsky, 1983). Establece la diferenciación entre proporciones objetivas, que
son aquellas que surgen al momento de estudiar el cuerpo humano independientemente del
quehacer artístico, y las proporciones técnicas que son las que se aplican a la representación
plástica de la figura humana. La importancia de esta diferenciación radica en que en la historia de
las proporciones humanas no siempre han coincidido ambas.
Para Panofsky existen tres condiciones que se oponen a esta coincidencia:

1 En un cuerpo orgánico cada movimiento modifica las dimensiones del

miembro, que se mueve a su vez de las restantes partes.

2 El artista, de acuerdo con las condiciones normales de la visión , percibe el

objeto a manera de escorzo.

3 El observador potencial también percibe la obra acabada en escorzo, que

en algunos casos, necesita ser corregido por medio de un deliberado
distanciamiento de las proporciones correctas (euritmia).
 Figura 1. Relieve de Hesiré.

Nota. Recuperado de [Link]

Los egipcios usaban un sistema de cuadrículas en el que cada parte del cuerpo ocupaba un número

diferente de cuadrados. Cada cuadrado era del tamaño de un puño. Partiendo de esa base, cada figura de pie

tendría una altura de 18 cuadrados desde los pies hasta el nacimiento del pelo. Siguiendo con la misma

referencia, las rodillas acabarían con el sexto cuadrado y el resto del cuerpo ocuparía 10 unidades, dejando

las últimas dos para cubrir el cuello y la cabeza. La cuadrícula sirve para localizar y dar tamaño a diferentes

partes del cuerpo: el ombligo está a la altura del undécimo cuadrado, los pies ocupan tres espacios, etc.
Este sistema permitía a los egipcios mantener un sistema de proporciones constantes en una composición

por muchos personajes que apareciesen a no ser que el simbolismo exigiese un cambio, como cuando el
faraón se representaba de mayor tamaño para dejar constancia de su poder. En las figuras sentadas la altura

es menor: 14 cuadrados.

Los griegos consideraban a la obra como una imagen representativa. Es una imitación. A diferencia de los

egipcios el canon era concebido de forma flexible; se adapta a las necesidades de cada caso teniendo en
cuanta el escorzo que se produce por la visión y la perspectiva. El artista griego tiene libertad para corregir

las dimensiones según la impresión óptica del observador. Para los griegos la belleza no consiste en los

elementos, sino en la proporción armoniosa entre las partes.

Al escultor griego POLICLETO se lo conoce como el padre de la antropometría. En el siglo V aC formuló el

“Tratado de Proporciones” que se conoce son el nombre de Doríforo, un modelo hecho de mármol en base

en el canon de 7 cabezas.

El canon romano, que dividía al cuerpo en ocho cabezas, determinado por el arquitecto Vitruvio, quien realizó
sus estudios en base a los cánones griegos.
Figura 2. Canon 7 cabezas en el Doríforo de Políceto.
Nota. Recuperado de [Link]
Leonardo Da Vinci en el Renacimiento trabajó en base a una antropometría científica focalizando
en la estructura natural del cuerpo de manera tridimensional. Identificó lo bello con lo natural
fundándose en la observación empírica. Buscaba la uniformidad orgánica del cuerpo humano

antes que la excelencia estética. El movimiento orgánico de la figura humana era tenido en cuenta
no solo en la observación que hacía el artista antes de realizar la obra, también se analizaba en
función del futuro espectador, no eran solo mediciones constructivas como en la edad media. En
la Grecia Clásica las correcciones de las figuras en escorzo eran hechas de manera intuitiva,

según la sensibilidad del artista; en cambio, en el Renacimiento, se aplicaba la Teoría de la

Perspectiva, desarrollada en función de los conocimientos matemáticos, geométricos y
antropométricos que realizó Leonardo estudiando las teorías de Policleto y Vitruvio.
Figura 3. El Hombre de Vitruvio es un canon leonardino.

Nota. Recuperado de [Link]

Leonardo basó su dibujo en las indicaciones de Vitruvio. En el texto que acompaña su dibujo, realizado en

escritura especular, corrigió algunas proporciones y añadió otras

Cuatro dedos hacen una palma.

Cuatro palmas hacen un pie.

Seis palmas hacen un codo.

Cuatro codos hacen un paso.

Veinticuatro palmas hacen a un hombre.

Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y
estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior
de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades
separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un
triángulo equilátero.

Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del
hombre completo.

Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte.

La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte.

Desde el codo a la punta de la mano será la cuarta parte.

Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte.

La mano completa será la décima parte.

El comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.

El pie es la séptima parte.

Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte.

Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte.

La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento

del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma y como la oreja.

Desde el inicio de la rodilla hasta el inicio de la pelvis, será la misma medida del
torso.
 Desde el centro del pecho hasta la punta de los dedos, será igual a la longitud de
toda la pierna.

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo

humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores está
considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento. El
dibujo también es considerado a menudo como un símbolo de la
simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en
su conjunto.

Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de brazos y piernas
crea realmente dieciséis posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos
se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las

dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el
cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad
el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.
Lección 13 de 18

Cierre de la unidad

¿Cuál es la clasificación actual y más difundida de “Bellas

Artes”?

La clasificación más difundida es la que designa a siete oficios como “Bellas Artes”, y es
ampliamente conocida porque comprende a las manifestaciones estéticas que invariablemente
pensamos relacionadas con la creación artística:

1. Literatura

2. Escultura

3. Arquitectura
 4. Pintura

5. Música

6. Danza

7. Cine.

Bibliografía

Adorno, T. (2004). Teoría Estética. Madrid: Akal.

Eco, U. (1987). Estética y teoría de la información. Buenos Aires: Paidós.

Gombrich, E. (1999). La historia del arte. Londres: Phaidon Press.

Lo bello, lo estético, lo artístico. (s.f.) En

dobooku. [Link]
artistico-y-la-muerte-del-arte/.

Panofsky, E. (1983). El significado de las Artes Visuales. Madrid: Alianza

Forma.

Vasari, G. (2011). Las vidas: de los más excelentes arquitectos, pintores y

escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos. Madrid: Catedra.
Lección 14 de 18

Introducción a la unidad

¿Por qué motivo fue necesario diseñar nuevas tipografías en el

Siglo XV y como impactó en la historia del diseño?

Contenidos de la unidad

1 Historia del diseño gráfico

2 Diseño gráfico Iberoamericano

 El término diseñador gráfico fue acuñado por el norteamericano William Addison Dwiggins; el
mismo fue utilizado a partir del año 1922, aunque antiguamente se encuentran diferentes
ejemplos de diseños en culturas tales como los fenicios que idearon el alfabeto para representar

gráficamente el lenguaje hablado. A medida que se extendía el uso de la palabra escrita aumentó
la necesidad de organizar correctamente el material creado, lo que dio surgimiento al diseño tal
cual hoy lo conocemos aunque menos elaborado. Los primitivos sistemas de escritura en
columnas o filas revelan el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar
la comunicación.

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Lección 15 de 18

Tema 1: Historia del diseño gráfico

Para la mayoría de las personas, el término Diseño Gráfico, evoca imágenes que funcionan como
anuncios seductores, a todo color, que comunican distintos mensajes. Pero no solamente se
relacionan con este tipo de informaciones, también forman parte de este arte publicitario las
cosas tan cotidianas como impresos de declaraciones de la renta, recibos telefónicos, libros,
sellos, murales, periódicos, tickets de avión y de banco, tarjetas de felicitaciones, papeles de
cartas y cualquier cosa que esté impresa. Lo que el diseñador tiene que lograr es que su mensaje
sea claro y eficaz.
El término diseñador gráfico fue acuñado por el norteamericano William Addison Dwiggins; el
mismo fue utilizado a partir del año 1922 aunque antiguamente se encuentran diferentes

ejemplos de diseños en culturas tales como los fenicios que idearon el alfabeto para representar
gráficamente el lenguaje hablado. A medida que se extendía el uso de la palabra escrita aumentó
la necesidad de organizar correctamente el material creado lo que dio surgimiento al diseño tal
cual hoy lo conocemos aunque menos elaborado. Los primitivos sistemas de escritura en

columnas o filas revelan el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar
la comunicación.
Conviene mantener la cautela a la hora de establecer la prehistoria del diseño gráfico, dado que
podríamos caer en el error de emparentarlo al arte, dejando sin contenido la faceta utilitaria que lo
distingue.

Las Lápidas y mosaicos de las civilizaciones antiguas tienen más de arte que de diseño. No
sucede lo mismo, en el caso del Imperio Romano, con las monedas e incluso con los carteles de
los establecimientos comerciales, donde el fin estético queda subordinado a un propósito
práctico. Así pues, podríamos vincular los orígenes del diseño a esa progresiva especialización de

las artes aplicadas, cada vez más cerca del criterio económico y publicitario, que se da durante la
Edad Media.
 Figura 1. Codice miniados.

Ya desde los primeros acercamientos a la publicación de libros, cabe hablar de rudimentos del diseño

gráfico. Cuando se elaboran los códices miniados (libros escritos a mano y decorados con dibujos en

miniatura), el artesano se esfuerza en componer la página, creando letras capitulares llamativas y

monogramas con los cuales simbolizar ciertos contenidos.

Además de la elaboración de los monogramas, presentes en la actividad religiosa, conviene mencionar las
enseñas comerciales, origen de lo que luego dará en llamarse logotipo. Estas enseñas, distintivas de un

determinado gremio y de cierto profesional, irán proliferando cada vez más, sobre todo cuando las técnicas

de reproducción impresa permitan su difusión masiva.

La entrada en juego de la imprenta favorece la madurez de este diseño primitivo, dado que es necesario

amoldar la plancha con una determinada estructura y cierta composición de letras e ilustraciones. Los

primeros calendarios y los juegos de naipes comercializados durante el siglo XV sirven de ejemplo a esta

circunstancia.

La imprenta requiere, además de una determinada tipografía, las marcas de impresor,

determinantes de quién se ha encargado de la tirada. Con ese creciente negocio editorial, los
diseñadores tipográficos de las imprentas han de refinar cada vez más su trabajo.

La invención de la imprenta mecánica en el siglo quince supuso un cambio radical, ya que antes
 de su invención un libro costaba tanto como media hectárea de tierra, de esta manera la imprenta
mecánica supuso la disponibilidad de libros y folletos en grandes cantidades.

En el siglo XVI destacan diseñadores de tipos como el francés Nicolas Jenson y el veneciano Aldo Manuzio.

Pero destaca, por su belleza formal, el alfabeto de Luca Pacioli, llevado a la prensa en 1809. Cada vez más

refinado, el trabajo del tipógrafo se formula como el cauce impresionista más adecuado para atraer a los
compradores de libros.

El Tratado Caligráfico, de Giovanni Battista Palatino, aparece en 1540, cuando los alfabetos poseen, dentro

de este proceso, una perfección inaudita. De hecho, algunos de los tipos ideados en ese periodo aún se

mantienen en uso durante el siglo XX.

Es el caso de la tipografía diseñada por Claude Garamond en 1545, hoy conocida sencillamente como tipo

de letra Garamond. Claude Garamond fue el primero que se especializó en el diseño, grabado y fundición de

tipos como servicio a otros impresores. Dicho sea a modo de digresión, no deja de resultar sintomático que
esas letras construidas en pleno siglo XVI figuren en los modernos programas informáticos para el

tratamiento de texto y la maquetación.

 Figura 2. Muestra de un impreso con Garamond.
Nota. Recuperado de [Link]

Con la sofisticación de los gremios, el aumento de la competencia y la subsiguiente necesidad de

ofrecer nuevas fórmulas de promoción, surgen métodos de identidad comercial tan eficaces
como las etiquetas, diseñadas por dibujantes de fama. Por estas fechas, artistas de la relevancia

de Hans Holbein alternan el trabajo comercial con su obra más creativa y ambiciosa.
Théophraste Renaudot edita desde 1632 una publicación publicitaria, Feuille du Bureau d'Adresse,
una hoja de anuncios que revoluciona el mundo publicitario y convierte en un hecho el negocio
periodístico, íntimamente ligado al diseño gráfico.

La proliferación de los grabados calcográficos, hojas de anuncios y demás publicaciones,

también anticipa lo que, a partir del siglo XVIII, será el diseño en prensa y publicidad, necesitado
de creadores tipográficos y cajistas expertos, pero también de ilustradores y caricaturistas.
 Figura 3. Grabado calcográfico. San Rafael socorre la falta de pan. 1640.

Nota. Recuperado de [Link]

El tránsito al siglo XIX, marcado, justamente, por la prensa, es lo que anticipa el diseño gráfico comercial y el

surgimiento de la publicidad moderna. Es un periodo de avances tecnológicos, tan significativos como la

tinta de imprenta desarrollada por Lorilleux, la estereotipia de Nicolás Serrières y la prensa mecánica de

Friedrich Koenig.

Gracias al perfeccionamiento de la litografía, avanza con fuerza el cartelismo y, con la aparición de la

fotografía, el arte abandona la esclavitud realista y se entrega a la especulación estética, especulación que

también atañe al diseño, ligado a las vanguardias por su necesidad de llamar la atención e impactar. El XIX

es un siglo de creatividad tipográfica (entre 1804 y 1805 Robert Thorne diseña las letras Egipcias), pero

sobre todo de ilustradores de enorme talento.

Por otra parte, continúan sucediéndose los avances técnicos, muy influyentes en los progresos y nuevas

necesidades del diseño. La linotipia es inventada por Ottman Mergenthaler en 1884 y diez años después se

perfecciona el huecograbado. Años después, con la rotativa ideada por Marinoni, el negocio de la impresión
masiva se consolidará industrialmente, logrando con ello un amplio campo de trabajo para los diseñadores.

A fines del XIX, además de una impresionante nómina de cartelistas en activo, la industria
editorial descubre un notable número de ilustradores capaces de mejorar sensiblemente el
aspecto de los libros.

Entre los ilustradores finiseculares más capaces del entorno anglosajón destacan Walter Crane,
Arthur Rackam y Beatrix Potter, todos ellos especializados en la iluminación de textos infantiles.

La aparición de la litografía y la revolución industrial durante el

siglo XIX dieron el punto de partida al diseño moderno.
 Figura 4. Logotipo de Coca Cola a lo largo de su historia

Nota. Recuperado de [Link]

La Revolución Industrial impone el compás de la publicidad, contraponiendo el mundo de la belleza al mundo

de la eficacia comercial. Al tiempo que se populariza el logotipo funcional de F.M. Robinson para Coca-Cola

(1886), el mundo editorial se beneficia de los diseños del británico William Morris, caracterizados por su
rebuscado modernismo.
En 1890, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kelmscott Press, una imprenta dedicada a la

impresión de libros bellos y bien terminados. Morris creó diseños naturalistas basados en la ornamentación

medieval y en las formas vegetales. Aubrey Beardsley, contemporáneo de Morris, sintetizó las ideas de la

Kelmscott Press y las combinó con el estilo de las estampas xilográficas japonesas, trabajando para ello en

blanco y negro, para afianzar el contraste entre lo natural y lo geométrico. Este último dirigió una revista de

arte de vanguardia publicada en Londres denominada The Yellow Book.

Figura 5. Logotipo de Kelmscott Press, 1891.

Nota. Recuperado de [Link]

arts-and-crafts/attachment/kelmscott-press-logotipo-wikipedia/

Otro importante diseñador fue Charles Riketts que, según su visión, un libro debía diseñarse como
una entidad total dominada por la armonía entre todos sus elementos internos y externos; de esta
manera fundó la Vale Press y produjo algunos volúmenes muy bellos.

Tanto Beardsley como Ricketts pertenecieron al movimiento modernista de Francia, a fines del
siglo XIX. Sintetizaban el arte europeo y las estampas japonesas conocidas en occidente a
mediados de siglo.
 Figura 6. Henri Toulouse-Lautrec. Aristide Bruant en su cabaret, 1892. Nota. Recuperado de:

[Link]

Uno de los primeros seguidores del movimiento fue el pintor francés Henri Toulouse-Lautrec, famoso por

sus carteles sobre la vida nocturna de París. Asímismo, Alphonse Mucha, un pintor checo que llegó a París

para estudiar en 1887, fue conocido por el arte del cartel modernista, de gran impacto social, tal es así que a

veces se hablaba del “estilo Mucha” como sinónimo de modernismo.

 A juicio de Enric Satué, “el movimiento modernista no descansa sobre bases programáticas
suficientemente sólidas y tan solo una vaga filosofía de la utilidad puede aportar la coherencia
mínima necesaria para constituirse, a pesar de sus muchas variantes autóctonas, en un corpus

formal capaz de ser encuadrado en un impulso unitario. La ventaja de su falta de ideología y el

compromiso asumido por muchos pintores al divulgar sus experiencias plásticas a través del
papel impreso (en un sentimiento utilitario hacia la sociedad de su tiempo), constituyen las
razones elementales que deciden a la burguesía industrial a apadrinar el ecléctico movimiento.”

(Satué, 1988)
La mayor parte de los movimientos artísticos de principios del siglo veinte rechazaron el estilo
modernista, influenciados por la violencia que asoló Europa durante las dos primeras décadas del
siglo. Las distintas vanguardias artísticas de ese tiempo, cubismo, dadaismo, futurismo,

surrealismo y el constructivismo ruso, dejaron una huella profunda en el lenguaje del diseño
gráfico.

Próxima a estos estilos de vanguardia, la escuela alemana “Bauhaus”, abrió sus puertas en Weimar el año

1919 con la dirección del arquitecto Walter Gropius. La Bauhaus se esforzó por unir arte e industria,

convencida de que la industrialización ofrecía excelentes oportunidades al artista y a la vez que solo las
ideas más brillantes justificaban la producción en masa. Esta escuela introdujo muchas ideas innovadoras

en el diseño gráfico y en otras áreas de la creatividad, y su influencia aún se detecta en muchas prácticas

tipográficas en uso, como la organización del texto en cuerpo y densidad desde lo más importante hasta los

detalles o el empleo de tipos sin pie de letra. El decorativismo se fue reemplazando por lo puramente

funcional como en el caso del tipógrafo alemán Jan Tschichold.

 Figura 7. El logotipo de la Bauhaus, diseñado en 1922 por Oskar Schlemmer.

Nota. Recuperaddo de [Link]

 Figura 8. Diseños de tapas de libros de Jan Tschichold.
Nota. Recuperado de [Link]

tschichold/

En los años cincuenta, los diseñadores suizos desarrollaron lo que se llamó Estilo Tipográfico Internacional,

siguiendo el enfoque académico que continuaba las ideas de Tschichold. Sus aspiraciones eran la

legibilidad y el orden. Para crear sus tipos de pie de letra recurrieron al uso de gráficos matemáticos,

reproducciones y fotografías.

Como consecuencia del cierre de la escuela Bauhaus en Alemania, la creación artística se

desplaza de Europa a Nueva York, donde ya empezaban a surgir otros estilos de diseño.
 ..."La institución más importante para el desarrollo del diseño fue la
Bauhaus, creada por Walter Gropius en 1919, en Weimar, con el nombre
de Academia Estatal de Arquitectura. En 1925 fue trasladada a Dessau y
cerrada en 1933, después de la toma de poder de Hitler. La meta de la
Academia era influir en la conformación de la vida de la moderna
sociedad industrial a través del diseño artístico y atesanal"... (Fuchs &
Burkhardt, 1988)
Fragmento extraído del libro -150 años de diseño alemán

En Estados Unidos se siguió un tratamiento más intuitivo y pragmático y menos formal que en
Europa. Lo que importaba era la originalidad; los diseñadores trataban de presentar la información

de manera directa y abierta, pero expresando a la vez sus propias ideas. Los seguidores de lo que
acabaría por llamarse escuela norteamericana de expresionismo gráfico, combinaban collage,
fotomontaje, caligrafía, símbolos y otros elementos.
En la década de los setenta surgió en Suiza un movimiento postmoderno que incorporó al Estilo

Tipográfico parte de la espontaneidad y de los sugestivos efectos visuales del diseño

norteamericano. Además, diseñaron nuevos tipos en respuesta a la nueva tecnología.
Desde la segunda guerra mundial, los límites del diseño gráfico se han ampliado. Las demandas
de las grandes compañías industriales y las agencias de publicidad requerían cubrir nuevas

necesidades además de las tradicionales. Los sistemas de creación por computadora y los
nuevos medios visuales constituyeron un nuevo lenguaje, un nuevo desafío para el diseñador
actual.
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Tema 2: Diseño gráfico americano

Desde sus inicios, se anuncia en el diseño iberoamericano una presencia preponderante de

contenidos ideológicos, pues no en vano la política, a medida que avanza su historia, está
sometida a constantes vaivenes y enigmas que señalan la tónica del cartelismo (especialidad de
las artes gráficas consistente en la realización de carteles.) y otras manifestaciones del diseño
de América del sur.

En lo relativo a la ilustración comercial, cabe establecer, a modo de generalización, que su estilo

se ve motivado por las influencias foráneas, sean estas ibéricas, norteamericanas, soviéticas,
francesas o italianas. No obstante, en ciertos países la personalidad de su diseño gráfico es tal,
que llega a obtener repercusión internacional.
 Figura 1. Pío Collivadino. Cartel para los Cigarrillos París, c. 1900.

Nota. Recuperado de [Link]

En el caso de Brasil, hasta 1808 no existe la prensa de imprimir, de forma que el fenómeno del diseño es

bastante tardío, y cuando surge, parte de cierto estilo naïf.

Tras las primeras incursiones de J.C. Brito, en la primera mitad del siglo XX, la consolidación progresiva de la

gráfica comercial conduce a la primera gran generación de diseñadores, característica de los años sesenta:
Aloisio Gergio Magalhaes, Alexandre Wollner, Millor Fernandes, Hélio de Almeida y Glauco Octavio Castilhos

Rodrigues. Más recientemente resaltan nombres como los de Oswaldo Miranda y Jack Ronc.

En Argentina el diseño gráfico adquiere su rumbo con el cartelismo comercial de fines de XIX y principios del

siglo XX, gracias a pintores como Pío Collivadino y Torcuato Tasso. Desde 1958 Argentina cuenta con el

Instituto Torcuato di Tella, donde se imparten enseñanzas relativas al diseño.

De esa institución parten creativos como Juan Carlos Distéfano, Rubén Fontana y Humberto Rivas. Durante
los años sesenta desarrolla su labor Edgardo Miguel Giménez, un artista original, que acepta los retos más

audaces. Posteriormente, cabe citar a Raúl y Ronald Shakespeare, quienes propugnan un tipo de diseño muy

competente, con amplitud de fundamentos estéticos, en busca de la novedad.

Figura 2. Pío Collivadino. Cartel para los Cigarrillos París, c. 1900. Nota. Recuperado de

[Link]
Otro argentino, el caricaturista Oski, desarrolla parte de su labor como diseñador en Chile, país
que cuenta con grafistas tan notables como Fernando Krahn.
El primer modelo del diseño cubano se asienta durante siglo XIX, cuando la industria del cigarro

habano toma la costumbre de encargar el diseño de tejuelos para las cajas de cigarros. Desde
1854 la tabaquería “La Eminencia”, de Ramón Allones, comercializa estuches de lujo. Lo mismo
harán otras empresas, compitiendo por lograr cajas y vitolas más barrocas y llamativas.
Al margen de la tipografía desarrollada por Francisco Murtra a mediados del XIX, el siguiente hito

del diseño cubano llega con la revolución castrista. Inspirándose en la obra de artistas plásticos
soviéticos, el cartelista Raúl Martínez configura ese modelo inconfundible del cartel
propagandista, simple y lleno de colorido. Otros creadores de esta corriente son René Mederos,
Emilio Gómez, Rolando Córdoba y Félix Beltrán, quien imparte un curso de diseño industrial en la

Escuela de Diseño Industrial desde 1964.

Figura 3. Mercurio volante. Mexico, 1772.

 Nota. Recuperado de [Link]

México es uno de los países iberoamericanos con una tradición de diseño más antigua, hasta tal extremo

que algunos historiadores proponen antecedentes tan lejanos como los sellos precortesianos. Se establece

la tipografía desde 1539, y el primer impresor comienza a trabajar en 1568. Existe además una extraordinaria

imaginería religiosa, muy representativa del barroco hispanoamericano e influyente en el estilo de modernos

artistas del diseño.

En el siglo XVIII ya existen publicaciones como la Gaceta Literaria y el Mercurio Volante, con una interesante

maqueta. A fines del siglo XIX, José Guadalupe Posada realiza sus famosas xilografías inspiradas en las

calaveras festivas y en la Revolución. La obra de Posada se diversifica en carteles, portadas e incluso

almanaques, e identifica un tipo de diseño muy local y representativo.

Tras el movimiento postrevolucionario de los muralistas, surgen ilustradores como Miguel Covarrubias,

Francisco Díaz de León y Gabriel Fernández Ledesma. La Guerra Civil Española y el subsiguiente exilio de
diseñadores en México favorece el avance del diseño mexicano.

Figura 4. José Guadalupe Posada y su obra La Catrina, originalmente llamada La Calavera

Garbancera.
 Nota. Recuperado de [Link]

Figura 5. Marta Granados. Afiches: XXX Salón anual de artistas colombianos 1986. II festival

iberoamericano de teatro 1990.

Nota. Recuperado de [Link]

El español Miguel Prieto será profesor de diseño tipográfico y el cartelista Josep Renau realiza murales y
fotomontajes en este país adoptivo. Posteriormente, aparecen grupos de diseñadores como los que forman

el Taller de Gráfica Popular, cuyos datos formales indican las inquietudes del moderno arte mexicano.

Figuran entre estos diseñadores de la nueva generación Adolfo Mexiac, Adolfo Quinteros Gómez, Ismael

Guardado y Fernando Castro Pacheco.

El diseño peruano está caracterizado por la obra de Reynaldo Luza y por la influencia profesional del francés

Claude Dieterich, profesor de la Universidad Católica de Lima. En el caso de Colombia, cabe citar a David

Consuegra, Marta Granados y Dicken Castro.

En Venezuela, el diseño gráfico es promovido por pioneros como el lituano Gerd Leufert y el italiano M.F.

Nedo. Tras ellos y seguido de su obra, la nómina de creativos venezolanos se incrementa con Víctor Viano,
Mariano Díaz, Rolando Dorrego, Santiago Pol, Álvaro Sotillo, Óscar Vázquez y Andrés Salazar, entre otros.

Figura 6. Gerd Leufert logo del Museo de Arte, Caracas.

Nota. Recuperado de [Link]

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Cierre de la unidad

¿Por qué motivo fue necesario diseñar nuevas tipografías en el

Siglo XV y como impactó en la historia del diseño?

La invención de la imprenta mecánica en el siglo quince supuso un cambio radical, ya que antes
de su invención un libro costaba tanto como media hectárea de tierra, de esta manera la imprenta
mecánica supuso la disponibilidad de libros y folletos en grandes cantidades.

La imprenta requiere una determinada tipografía para poder imprimir mecánicamente libros. Con
el creciente negocio editorial, los diseñadores tipográficos de las imprentas han de refinar cada

vez más su trabajo.

La entrada en juego de la imprenta favorece la madurez de este diseño primitivo, dado que es
necesario amoldar la plancha con una determinada estructura y cierta composición de letras e
ilustraciones. Los primeros calendarios y los juegos de naipes comercializados durante el siglo

XV sirven de ejemplo a esta circunstancia.

Bibliografía

Fuchs, H. y Burkhardt, F. (1988). Producto Forma Historia. 150 años de

diseño alemán. Stuttgart: Instituto de Relaciones con el Extranjero.

Grandes maestros de la tipografía: Claude Garamond (s.f.). En Unos tipos

duros. [Link]
tipografia-claude-garamond/

Meggs, P. B. y Purvis, A. (2009). Historia del diseño gráfico. Barcelona: RM.

Panofsky, E. (1983). El significado de las Artes Visuales. Madrid: Alianza

Forma.

Satué, E. (1988). El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días.
Madrid: Alianza.
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