Historia de la Música - 3ºESO

UNIDAD 8. LA MÚSICA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

▪ Tema 8.1. La primera mitad del siglo XX: corrientes de tradición.

▪ Tema 8.2. La primera mitad del siglo XX: vanguardias de ruptura.

La civilización occidental llega al siglo XX con mucho optimismo. Los primeros años serán de gran
prosperidad hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial donde las desastrosas consecuencias,
cambiarán totalmente el panorama general, algo que afectará muy especialmente a intelectuales y artistas.

Por una parte, la exaltación de la ciencia y la tecnología que había tenido lugar desde los primeros años del
XIX siguió en plena revolución. Durante los últimos años del siglo romántico se produjeron grandes
descubrimientos como los rayos X o el teléfono, y se hicieron grandes obras de ingeniería como el Canal de
Suez o la Torre Eiffel. Otro aspecto fundamental fue la economía, pues en estos años se produce el auge del
capitalismo al que se suman nuevas potencias como [Link]., Rusia, Alemania, etc. lo que propició un
intercambio entre Occidente y otras culturas más primitivas (algo que se reflejará en el arte).

TEMA 8.1. LA MÚSICA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX: CORRIENTES DE TRADICIÓN

A partir del 1914 el desarrollo del mundo occidental cambia drásticamente. Con la llegada de la guerra
veremos dos tendencias artísticas totalmente diferentes: por una parte, obras tremendamente
comprometidas donde el artista siente su expresión artística como una manera de cambiar el mundo. Por
otra parte, una corriente de tendencia a la huída y evasión a lugares mejores.

En música, la primera tendencia la encontramos en la corriente expresionista representada por los

compositores de la Segunda Escuela de Viena: Schönberg, Berg y Webern. La otra corriente estuvo
principalmente representada por los neoclásicos que se desarrollan en la filosofía de los “felices años 20” y
cuyas máximas figuras fueron las que formaron el llamado Grupo de los Seis. Además de estas dos
vanguardias debemos referirnos al Impresionismo, que también tuvo lugar en estos momentos y cuyos
rasgos difieren tanto de la tradición romántica como de las nuevas vanguardias.

EL IMPRESIONISMO MUSICAL

El Impresionismo es un movimiento estético que surge en París y cuyas manifestaciones tienen lugar tanto
en música como en pintura. El término fue impuesto por Leroy en 1874 refiriéndose al Impresión, sol
naciente de Monet. En música, fue utilizado por primera vez en 1887 por la academia de Bellas Artes de
Francia, que lo aplicó a la obra Prin Temps de Debussy y lo utilizó con cierta connotación negativa para
minusvalorarla en la Academia de Roma. Para establecer el marco cronológico de esta vanguardia existen
varias teorías: la primera apunta en torno al 1882, año en el que confluyen la influencias de los poetas
simbolistas, como Verlaine, Rimbaud y Mallarmé, y de los pintores impresionistas; otra teoría, quizá más
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acertada, sería señalar el 1890 coincidiendo con el estreno de las obras de Debussy, Preludio a la siesta de
un Fauno y Nocturnos. Podemos decir que hacia 1920, coincidiendo con el final de la trayectoria de Claude
Debussy (creador y principal precursor) el estilo impresionista fue desapareciendo quedando únicamente
como influencia para compositores posteriores.

El Impresionismo musical buscó un nuevo lenguaje con predominio del timbre y en la constante búsqueda
de la belleza del sonido, insistiendo en los aspectos sensoriales de la música. El movimiento impresionista
se configuró como antirromántico ya que no buscaba expresar sentimientos sino intuir sensaciones,
creando atmosferas basadas en imágenes visuales o ambientes sugeridos por un poema. Aunque la
realidad es que, en muchos aspectos, la música impresionista está muy cerca del estilo romántico.

En cuanto a las características musicales del Impresionismo debemos destacar los siguientes puntos:

▪ Utilización de fuentes de inspiración objetivas con la mirada puesta en la naturaleza. ▪ Desaparición de

la melodía lineal para dar paso a masas sonoras de acordes sin aparente coherencia pero de gran efecto
auditivo.
▪ Ruptura con la armonía tradicional y las reglas clásicas, y creación de nuevos acordes relacionados por
bloques, de armonías y escalas nuevas.
▪ Utilización magistral del timbre partiendo de los instrumentos de forma individual y creación de una
atmósfera sonora basada en “impresiones” auditivas.
▪ Formas, en principio, vagas e imprecisas pero que presentan un fondo estructural muy trabajado. ▪
Predilección por los títulos poéticos.

Compositores: Claude Debussy (1862-1918) fue el primero y, en cierta medida, el único representante puro
del impresionismo musical. Mostró un rechazo hacia la ortodoxia musical del momento y hacia las reglas
clásicas compositivas. Para él, los acordes son sonoridades que valen por sí mismas. Debussy usó,
escapando de la tonalidad clásica: escalas orientales y modos medievales, atmósferas indefinidas, ritmos
imprecisos e irregulares y un peculiar colorido orquestal. Tras un primer periodo compositivo ajustado a los
cánones clásicos y románticos, en 1893 Debussy compone Cuarteto de cuerda, en el que ya se aprecia un
cambio estilístico. Un año más tarde, basándose en los textos de su amigo el poeta simbolista Mallarmé,
compuso Preludio a la siesta de un fauno, obra con la que se marca el punto de inflexión en la carrera del
compositor. El estilo impresionista quedó fijado con la ópera Pélleas et Mélisande compuesta en 1902 sobre
textos del poeta belga Maeterlinck. Debussy volvió a renovar su estilo con la obra La Mer y también renovó
el lenguaje del piano, instrumento al que dedicó gran parte de su producción. Suite Bergamasque (con su
famoso “Claro de Luna”), Preludios, Imágenes y Estampas son algunos de los títulos de sus obras más
significativas.
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Maurie Ravel (1875-1937), fue discípulo de Fauré aunque éste ejerció una influencia muy limitada en su
carrera. Con quien sí tuvo una gran aproximación estilística fue con Debussy, aunque Ravel supo imprimir
un sello personal de gran elegancia a su obra. En ella se aprecia la herencia de su padre, relojero suizo, en el
gusto por lo mecánico y la precisión; y de su madre, de origen vasco, por la que adquirió el gusto por el
ritmo y carácter español. Su estilo denota además, huellas del Clasicismo, del Barroco, de la música oriental
y del jazz. Ravel fue un gran instrumentista y magnifico orquestador. Su primera etapa estuvo caracterizada
por obras pianísticas de técnica similar a la de Debussy, como Mi madre la oca, Espejos, Gaspar de la nuit y
Valses nobles y sentimentales. Por influencia de su madre, compuso obras como la ópera bufa La hora
española y la Rapsodia española. Aunque sin lugar a dudas, su obra más popular es el Bolero en el que da
muestras de su dominio de la orquesta.

Otros músicos relacionados con el impresionismo musical fueron Fauré, Dukas, D’Indy y Satie.

▪ Gabriel Fauré (1845-1924) es considerado, por algunos, como precursor del impresionismo, pero al
mismo tiempo se mantuvo ligado a la tradición romántica. En su obra destacan la música de cámara,
las canciones del ciclo de La bonne chanson, su Requiem y la ópera Peleas y Melisanda.

▪ Vincent d’Indy (1851-1931) fue discípulo de Cesar Franck y profesor de un buen número de músicos
españoles. Compuso óperas como El canto de la campana y El extranjero; sinfonía como Sinfonía sobre
canto montañés de Francia; obras para piano, como Cuadros de viaje, corales y música de cámara.

▪ Erik Satie (1866-1925) creó un lenguaje musical propio y de gran simplicidad, en estrecha relación con el
dadaísmo y el surrealismo. A él se deben el ballet Parade, numerosas composiciones para piano, como
Tres gimnopedias, y el drama sinfónico Sócrates.

▪ Paul Dukas (1865-1935) es universalmente famoso por su poema sinfónico El aprendiz de brujo. Entre
sus restantes obras figuran la ópera Ariana y Barba Azul y el ballet La Pén.

EL EXPRESIONISMO MUSICAL

A principios de siglo surge un nuevo movimiento, el Expresionismo, un movimiento predominantemente

alemán que afecta a la pintura, la literatura, la música y el cine, y se caracteriza por la expresión del alma de
forma dura y pesimista. Los expresionistas no quieren describir ni sugerir las formas de la naturaleza, sino
que pretenden expresar la subjetividad del individuo, mostrar los sentimientos, enseñar el dolor. Desde el
punto de vista técnico, resulta difícil adscribirlas a un movimiento, ya que algunas siguen las directrices del
Postromanticismo, mientras que otras utilizan claramente la técnica atonal.

En cuanto a las características musicales del Expresionismo debemos destacar los siguientes puntos:
 ▪ Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión
continua, sin momentos de reposo.

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▪ Utilización de un sistema atonal que rompe todas las reglas de organización melódica y armónica. ▪
Sustitución de la melodía por una especie de canto recitado denominado “sprechgesang” que tiene
como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.
▪ Interpretación para pequeñas formaciones de cámara en las que cada instrumento cumple un papel de
solista.

Compositores: Los principales compositores de este movimiento fueron los miembros de la llamada
Segunda escuela de Viena, encabezada por Arnold Schoenberg y por sus dos alumnos Anton Webern y
Alban Berg.

EL NEOCLASICISMO MUSICAL

El Neoclasicismo surge en la década de 1920 como reacción frente al Postromanticismo, el Impresionismo y

el Expresionismo. Rechazando la concepción expresiva de la música cargada de significados profundos y
subjetivos, la idea principal de esta corriente consistía en volver a los ideales estéticos del Clasicismo y del
Barroco, pero manteniendo las conquistas armónicas, rítmicas y melódicas de la modernidad.

En cuanto a las características musicales del Neoclasicismo debemos destacar los siguientes puntos:

▪ Recuperación de las formas y géneros barrocos y clásicos (suite, concierto, sinfonía, etc.) buscando una
nueva sencillez.
▪ Música tonal de estilo claro y conciso que evita toda emoción personal y abandonan la técnica del
desarrollo.
▪ Riqueza tímbrica pero sin utilizar grandes agrupaciones.
▪ Importancia de la melodía, sencilla y sin cromatismos.
▪ El objetivo principal es lograr una música agradable y fácil de escuchar.

Compositores: El iniciador de esta corriente fue el compositor ruso Igor Stravinsky con obras como el ballet
Pulcinella, basada en la música del barroco Pergolesi.

Tras la huella de Stravinsky surgieron grandes figuras representantes de este estilo como los compositores
franceses Erik Satie (1866-1925) y el llamado “Grupo de los Seis” formado por: Georges Auric (1899-1983),
Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc
(1899-1963) y Germaine Tailleferre (1892-1983, única mujer del grupo); que integraron en su música las
influencias del jazz y el music-hall, y utilizaron la parodia y el humor como el mejor antídoto contra los
excesos del romanticismo.

Otros compositores neoclásicos importantes fueron los alemanes Paul Hindemith (1895-1963) y Kurt Weill
(1900-1950) defensores de una “música utilitaria” que aspira a llegar al gran público con un lenguaje fácil y
asequible; el también alemán Carl Orff (1895-1892), con su célebre Carmina Burana sobre las canciones de

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goliardos del siglo XIII; y los rusos del periodo soviético Sergey Prokofiev (1891-1953), que utilizó un
lenguaje de ritmos violentos y lleno de disonancias aunque sin abandonar la tonalidad como vemos en la
Sinfonía Clásica y el popular cuento para narrador y orquesta Pedro y el lobo; y Dimitri Shostakovich, uno
de los compositores más reconocidos del siglo XX. Obtuvo fama en la Unión Soviética bajo el patrocinio del
jefe de personal de León Trotsky. Pero después tuvo una relación difícil con la burocracia estalinista y el
partido comunista (PCUS), quienes denunciaron públicamente su obra y acabaron decretándola prohibida.
Curiosamente, tras la Segunda Guerra Mundial fue colmado de honores y halagos dentro de la URSS e
incluso reconocimientos del Estado. Además de otros géneros, compuso un buen número de sinfonías,
destacando la Séptima, inspirada en la invasión alemana y conocida como “Leningrado”.

IGOR STRAVINSKY

Entre estos movimientos de vanguardia es necesario hacer una mención especial a uno de los compositores
más importantes del siglo XX, Igor Stravinski (1882-1971). Su larga vida, murió a los 89 años, le permitió
conocer prácticamente todas las vanguardias de su tiempo y en ellas compuso, destacando tanto por la
calidad de sus obras como por la complejidad y evolución de su estilo musical a lo largo de su vida.

Stravinsky fue discípulo de Rimski-Korsakov y, al igual que Bach, asimiló diversas tendencias musicales para
crear una obra propia en una línea de progreso y con gran proyección futura. Aunque ruso de nacimiento y
formación, revolucionó desde París la música europea tras su encuentro en 1908 con el empresario Sergei
Diaghilev y sus ballets rusos. Su música es totalmente objetiva, oponiéndose al subjetivismo romántico y
sus sonoridades, agrupadas por bloques audaces e hirientes, contrastan con las refinadas armonías
impresionistas. Sin duda, una de las cosas que llaman la atención de su estilo musical es la facilidad con la
que lo adaptó a tres de las corrientes de esta época: nacionalismo, expresionismo y neoclasicismo.

Su primer éxito lo obtuvo con el ballet El pájaro de fuego, que fue representado en París por la compañía
de Diaguilev y en el que se aprecian influencias de Rimski-Korsakov. La ruptura total con las estéticas de su
tiempo lo llevó a cabo en su obra Petrushka, en la que existen aspectos del nacionalismo ruso. Sus obras La
historia del soldado, La consagración de la primavera (apoteosis de su periodo ruso) y Las bodas contienen
innovaciones métricas y armónicas que en su tiempo fueron consideradas como excesivas. Influido por el
jazz, escribió Ragtime para once instrumentos. En todas estas obras el músico llevó al límite la herencia de
la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.
La siguiente fase del estilo musical de Stravinski, solapando al primero ligeramente, es marcado por dos
trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. Ambos trabajos ofrecen lo que será
un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o "vuelta atrás" a la música clásica de Mozart,
Bach y sus contemporáneos. Este estilo neoclásico, que de hecho nació como una oposición al arrebatado
subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico, involucró el abandono de las grandes

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orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1950,
Stravinski se vuelca mayoritariamente hacia los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara.
A este periodo neoclásico pertenecen sus obras, Mavra, El beso del hada, Edipo rey y Sinfonía de los Salmos
donde llegó al más arcaísmo y logró una gran profundidad religiosa utilizando esquemas muy sencillos. El
último escalón de este período es la ópera The Rake's Progress (1951) donde Stravinski recoge todo lo que
había perfeccionado en los 20 años anteriores a su período neoclásico. Tras ésta ópera, Stravinski no
escribió nunca más en estilo neoclásico, comenzando a definir el que sería su cambio estilístico final.

Solo después de la muerte de Arnold Schoenberg, el inventor del dodecafonismo, en 1951, Stravinski
empieza a utilizar ésta técnica en sus propios trabajos. Stravinski empezó a impregnarse de la técnica
dodecafónica en los primeros trabajos vocales más pequeños como Cantata (1952), Tres Canciones de
Shakespeare (1953) e In Memoriam Dylan Thomas (1954), como si estuviera probando el método. Más
tarde empezó a expandir el uso de la técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como Cánticum
sacrum y Threni o El Diluvio (1962). Además durante esta etapa sobresalen títulos como Movimientos para
piano y orquesta (1959), Monumentum pro Gesualdo y Réquiem canticles (1966), aunque ninguno de estos
ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes.

LOS BALLETS RUSOS DE DIAGUILEV

Una de las figuras que más contribuyeron al esplendo cultural de París durante las primeras décadas del
siglo XX fue la del empresario ruso Serguei Diaghilev (1872-1929) dotado de extraordinario gusto e intuición
para descubrir nuevos talentos.

En 1909 se trasladó a París y presentó, con primeras figuras del Teatro Imperial Ruso, la que sería su
primera temporada con una compañía de ballet. El éxito fue total. En 1911 formó su propia compañía, los
Ballets Rusos, que revolucionaron la estética coreográfica e iniciaron la era del ballet moderno.

Con Diaguilev colaboraron los mejores artistas de su tiempo y en sus ballets se originaron algunas de las
más grandes obras musicales del siglo, convirtiéndose en el centro de la vanguardia parisina. Diaguilev
descubrió a Stravinski y estrenó La consagración de la Primavera, iniciando una colaboración que duró
años. Además de Stravinski, compositores como Debussy, Ravel, Prokofiev y Falla escribieron obras para
Diaguilev, y pintores como Picasso y Braque crearon para él escenarios y vestidos. Grandes escritores como
Jean Cocteau y poetas como Apollinaire colaboraron también en sus producciones.

La última representación fue la de 1929 en Londres. Ese mismo año, Diaguilev murió en Venecia.
Curiosamente, los Ballets Rusos nunca actuaron en Rusia.

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TEMA 8.2. LA MÚSICA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX: VANGUARDIAS DE RUPTURA

Tras estos movimientos se fueron desarrollando nuevas corrientes estilísticas que denominamos de
ruptura. Futurismo, Dadaísmo y Dodecafonismo constituyen los primeros movimientos de vanguardia que
realmente se desligan de las formas de composición tradicionales.

EL FUTURISMO MUSICAL

El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia creado en 1909 por el poeta Marinetti. Rompía con
la cultura del pasado y defendía la nueva sociedad industrial y su símbolo más característico: la velocidad.

En el ámbito musical, abogaba por incorporar ruidos a la música tradicional. El principal representante del
futurismo musical fue Luigi Rùssolo (1885-1947), que utilizaba ruidos producidos por motores, silbatos,
ruedas, etc. En 1914 dio un concierto en Milán con música de ruido, sustituyendo los instrumentos
tradicionales por quince aparatos llamados intona rumori, algunos de ellos eléctricos. Russólo fue el
precedente técnico y estético de lo que más tarde se conocerá como “música concreta”.

EL DADAÍSMO MUSICAL

Fue un movimiento deliberadamente antiestético que se desarrolló principalmente en Alemania, Francia y

Estados Unidos entre los años 1916 y 1920. El propio término “dadá”, propuesto por el fundador del
movimiento Tristán Tzara, es una denominación carente de sentido, ejemplo del inconformismo que define
a sus seguidores. El Dadaísmo exalta el absurdo y la destrucción de los valores establecidos negando la
historia y todas las formas de arte. No es un movimiento creador organizado sino una ideología de protesta
radical que busca el impacto y el escándalo del público.

Musicalmente, el Dadaísmo es una designación ambigua relacionada con el Futurismo, cuya importancia
radica no tanto en la concreción de determinados compositores y obras, sino en la anticipación de las
vanguardias posteriores como la Música Aleatoria.

EL DODECAFONISMO MUSICAL

Después del periodo atonal y tras varios años de inactividad, el mismo Schoenberg dio un paso de gigante
al inventar un sistema de organización para las obras, que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que
durante siglos había representado la tonalidad. La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con
las doce notas cromáticas, que podían ordenarse de la forma que el compositor decidiera. Sin embargo,
una vez establecido el orden, este debía mantenerse a lo largo de toda la obra. Pronto los compositores se
dieron cuenta de que una sola serie limitaba enormemente las posibilidades compositivas. Por ello, y para
disponer de un margen de acción, se empezaron a utilizar también en una misma obra series derivadas de la
primera mediante técnicas que ya J.S. Bach utilizó en sus obras: inversión, retrogradación y retrogradación
invertida.

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