Historia de la Música - 3º ESO

UNIDAD 4. LA MÚSICA EN EL BARROCO

▪ Tema 4.1. La música en el Barroco.
▪ Tema 4.2. El nacimiento de la ópera.

TEMA 4.1. LA MÚSICA EN EL BARROCO

El Barroco abarca aproximadamente desde el 1600 hasta 1750. Durante esta época se produjeron grandes
avances científicos y descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. En
el Barroco cobró un enorme auge la exaltación de los sentimientos (pathos) frente a la serenidad y la
mirada puesta en el hombre que habían sido propias del periodo anterior. De hecho, en un principio, el
término barroco se empleó para designar el arte recargado y poco natural, en comparación con lo que se
había hecho hasta entonces, ya que el estilo musical barroco contrastaba enormemente con el que se
practicaba en el Renacimiento.

El estilo Barroco surgió en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica. La música
fue utilizada como medio de propaganda por las iglesias y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto a
algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales.

En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista y comenzaron a

convivir diversos estilos, utilizados con plena consciencia por los compositores según el lugar y el género
musical en el que trabajasen.

DIFERENCIAS MUSICALES ENTRE RENACIMIENTO Y BARROCO:

RENACIMIENTO BARROCO

⬥ Equilibrio entre las voces. ⬥ Predominan una voz principal y el bajo.

⬥ Casi siempre música para voces a capella. ⬥ Las voces se acompañan con
instrumentos.

⬥ Claridad en la textura. ⬥ La textura es más compleja.

⬥ Iniciaciónde la música instrumental, ⬥ Música instrumental totalmente

aún muy ligada a la vocal. independiente de la vocal.

⬥ El ritmo está suavemente marcado ⬥ El

ritmo se marca claramente, siendo
(salvo en las danzas o en la música la mayoría de las veces muy enérgico.
inspirada en danzas).

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Historia de la Música - 3º ESO
LA MÚSICA DEL BARROCO

El Barroco va a ser un periodo de gran importancia para el desarrollo de la música clásica. A lo largo de esta
época surgieron importantísimas novedades musicales, entre ellas la melodía acompañada y la ópera; y
además, se consolidó la música instrumental.

A finales del siglo XVI los nobles y artistas se reunían para charlar sobre música, poesía, filosofía y arte en
general. Se leían poemas y se cantaba y tocaban instrumentos en un ambiente propio del espíritu
humanista de la época. A estas reuniones se las conocía con el nombre de camerata. Una de las más
famosas fue la camerata fiorentina, llamada así por reunirse durante muchos años en Florencia. De allí
surgían nuevas ideas musicales que después eran puestas en práctica. Por ejemplo, intentando recuperar el
carácter musical escénico de la antigua Grecia, realzaron la importancia de la voz, con lo que se evitaban las
complicaciones de la polifonía anterior. De esta manera, apareció un nuevo estilo de hacer música: una
melodía acompañada por un bajo, del que, con el tiempo, nacería la ópera. El bajo que acompañaba a la
melodía principal se convirtió en otra de las características fundamentales de la música barroca, es lo que
conocemos como bajo continuo o simplemente continuo. La forma de interpretarlo era la siguiente: un
instrumento melódico grave (viola de gamba, violonchelo, fagot…) tocaba la línea melódica del bajo, y un
instrumento polifónico (laúd, guitarra, clave, órgano…) improvisaba los acordes de acompañamiento
basándose en el cifrado. Todo este procedimiento se empleaba para acompañar una o varias melodías
principales.

La música vocal siguió teniendo gran importancia desarrollándose sobre todo en el entorno de la música
religiosa. Entre los géneros debemos referirnos principalmente a las siguientes formas: ⬥ Oratorio: es la
principal forma vocal de música religiosa. Se puede decir que es equivalente a la ópera, pero con tema
religioso y sin representación escénica, ya que ésta estaba prohibida en el interior de la iglesia. El oratorio
contiene arias, recitativos y fragmentos orquestales o corales. En todos ellos se narra una historia, con la
participación de cantantes solistas que interpretan a los distintos personajes. En cuanto a los autores
destacados de este género es ineludible la mención de Haendel que con sus importantes oratorios Israel en
Egipto o El Mesías conquistó la fama desde entonces hasta nuestros días.
⬥ Cantata: (cantada) es una composición para una o más voces solistas que se acompañan de
instrumentos. La cantata alcanzó su forma definitiva en el ámbito protestante, donde pasa a llamarse
cantata luterana. Tanto luteranas como católicas, las cantatas tenían una parte oral muy consistente,
destinadas a ser cantadas por los feligreses. El gran maestro de este género religioso fue J. S. Bach.

Hasta el Barroco, la música instrumental era considerada un género menor, siendo la música vocal la
preferida por los compositores. Pero durante las primeras décadas del siglo XVII empezaron a utilizarse en
Italia las palabras sonata y concierto para designar un número cada vez mayor de composiciones

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puramente instrumentales. Esta aceptación de la música instrumental se basó, entre otras razones, en el
éxito obtenido por los instrumentos de arco (violín, viola, violonchelo y contrabajo) construidos por
luthiers, algunos de gran fama, como la familia italiana Stradivarius, cuyos instrumentos son hoy día
considerados joyas de extraordinario valor.

Durante el Barroco, los compositores aprendieron a escribir formas musicales complejas y de gran duración
para conjuntos instrumentales y orquestas, considerándose la música instrumental al mismo nivel que la
vocal en cuanto a interés y belleza. La sonata, la suite y el concierto constituyen las formas instrumentales
más importantes del Barroco:

⬥ Suite: para uno o más instrumentos consta de una serie de movimientos breves cada uno de ellos
inspirados en una antigua danza. Una suite típica puede contener, tocados sin interrupción: un
preludio, una allemande, una courante, una sarabande y una giga. En el Barroco se hicieron muy
frecuentes las suites orquestales, que son iguales que las demás, pero interpretadas por toda una
orquesta. Su origen está en las danzas que constituían los ballets franceses.
⬥ Sonata: (sonada) composición para instrumento solista y continuo o dos instrumentos y continuo
(sonata en trío), son muy frecuentes también las sonatas para teclado. En cuanto a su estructura la
sonata está formada por varios movimientos o partes. Fue la forma preferida para la música de
cámara.
⬥ Concerto: está compuesto también para una agrupación instrumental, pero acompañando a un solista
(violín, flauta…) con el que dialoga. En el concertó grosso, un grupo de solistas es acompañado por la
orquesta. Fue una de las formas preferidas de la música orquestal.

La ópera apareció también a comienzos del siglo XVII, y con ella la música hecha por profesionales dejó de
ser privilegio de la Iglesia y la nobleza para extenderse también entre la burguesía. Tanto la ópera como la
música instrumental hicieron uso de la gran novedad del Barroco, la melodía acompañada. Este nuevo
estilo arrinconó a la antigua polifonía vocal, predominante desde la Edad Media, abriendo nuevas
posibilidades expresivas para la música.

En cuanto a los compositores destacados de este periodo, tenemos al italiano Claudio Monteverdi (1567 -
1643) como principal figura del ámbito operístico. Después de éste, los compositores más destacados
vivieron ya en la primera mitad del siglo XVIII. También en Italia sobresalió Antonio Vivaldi (1678 - 1741), el
autor de los famosos conciertos Las cuatro estaciones.

En Alemania nacería el músico que llevará a su más alto grado de realización la técnica del contrapunto
desarrollada desde la Edad Media: Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), considerado como uno de los
compositores más importantes de todos los tiempos. Se conservan más de mil obras suyas, en las que
abarca, excepto la ópera, todos los estilos y géneros de su tiempo: cantatas, motetes, misas, corales; obras
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para clave, para órgano, para violín solo, violonchelo solo, para orquesta; sonatas a solo y en trío,
conciertos, etc. Lo habitual en su tiempo era pasar toda la vida al servicio de una iglesia o de un único
noble. Sin embargo, Bach, que residió en distintas ciudades como Lünerburg, Arnstadt, Mülhausen,
Weimar, Cöthen o Leipzig, dependió de diferentes superiores eclesiásticos, salvo durante su estancia en
Cöthen, donde fue director musical de la corte del príncipe.

Un contemporáneo suyo, también alemán pero nacionalizado inglés e instalado en Londres, Georg
Friedrich Haendel (1685 - 1759) se convirtió en el primer compositor moderno en haber adaptado y
enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los
mecenas, como era habitual. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y
el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio. Su inmenso legado
musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye
obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son
lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

TEMA 4.2. EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

La idea de representar con música una historia sobre el escenario ha sido una de las más fecundas en la
historia de las artes. Sin embargo de entre los muchos géneros nacidos de esta idea, destaca la ópera que
precisamente tuvo lugar en los inicios del siglo XVII.

El Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi puede ser marcado como la primera ópera en el sentido que
nosotros conocemos actualmente. Las primeras óperas eran muy sencillas de representar, pero poco a
poco, su montaje se fue volviendo más recargado al añadirles partes con coros, arias con instrumentos
melódicos que les dieran variedad, fragmentos instrumentales, trozos bailados, etc.

En poco tiempo se establecieron las siguientes partes:

⬥ Obertura o preludio: La interpreta la orquesta. Sirve como breve introducción y, al mismo tiempo, avisa
al público de que la representación comienza.
⬥ Recitativos y arias. Un recitativo es un fragmento para uno o más solistas que, más que cantar, parecen
“recitar” el texto. El aria es más elaborada, y a veces, participa en ella toda la orquesta.

¯ “When I Am Laid in Earth”, Dido y Eneas de Henry Purcell. Se conforma como una de las mejores y
más conmovedoras arias de la historia de la música. Basada en la Eneida de Virgilio, la obra cuenta la
dramática historia de amor entre Dido, reina de Cartago y el héroe troyano Eneas. Fue estrenada en
1698 en un internado de señoritas y posteriormente de manera comercial en 1700.
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AUDICIONES RECOMENTADAS

Música sacra

¯ Merula. Pegaso

¯ Haendel. “Comfort ye my people”. El Mesías.

¯ Haendel. “Aleluya”. El Mesías

Música instrumental
¯ Bach. Concierto de Brandemburgo.

¯ Bach. Tocata y Fuga.

¯ Pachelbel. Canon en Re mayor.

¯ Vivaldi. Sonata al Santo Sepulcro. Sonata para 2 violines y viola en Mi Mayor, RV 130. II Mov. ¯

Vivaldi. Concierto para Oboe y Cuerdas en La menor.

¯ Vivaldi. L’estro armonico, Op.3. Concierto No 10 en Si menor. 4 violines, cello y continuo, RV 580. III Mov. ¯

Vivaldi. Op. 8. Concierto Las cuatro estaciones No 1 en E major. “Primavera” II y III Mov. ¯ Vivaldi. Op. 8.

Concierto Las cuatro estaciones No 2 en G minor. “Verano” III Mov. ¯ Vivaldi. Op. 8. Concierto Las cuatro

estaciones No 4 en F minor. “Invierno” I Mov.

Ópera barroca

¯ Monteverdi. L’Orfeo. Act1. “Vieni, Imeneo” (coral)

¯ Monteverdi. L’Orfeo. Act2. “Vi ricorda” (recitativo)

¯ Cesti. Orontea. “Intorno all’Idol mio”. Venecia, 1649, revisado en Innsbruck, Austria, 1656. ¯

Cesti. Orontea. “Vieni Alidoro”. Venecia, 1649, revisado en Innsbruck, Austria, 1656. ¯ Cesti.

L’Argia. “Diserratevi abissi”. Innsbruck, Austria, 1655.

¯ Cesti. La Dori. “Amor se la Palma”. Innsbruck, Austria, 1657.

¯ Purcell. Dido y Eneas. “Dido´s Lament”. (aria)

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