BARROCO

Barroco tiene una connotación peyorativa. Se denominaba a una perla irregular, imperfecta,
asimétrica. O de un silogismo sin coherencia. Se lo define durante el neoclasicismo y la
ilustración. Lo ven como un arte sin lógica, simetría y sentido compositivo.
El barroco es muy diverso. Es un término polisémico, abarca muchas formas de producir y
componer, abarcando un gran abanico de artistas.
Históricamente
Surge luego de la reforma luterana y el concilio de Trento 1545 - 1563. Modifica la forma de
representación y de construcción de las iglesias, así de cómo se llevarán cabo procesiones y
festividades. Se le otorga un carácter teatral, se piensa en el punto de vista de ¿l observador.
Roma había sido saqueada en 1525, los artistas se habían ido. Se necesitaba una
reconstrucción. Esta reconstrucción se realiza teniendo en cuenta los objetivos del concilio y
convertirla en el centro de la cristiandad. El papa Sixto V planea el trazado, retoma acueductos
romanos.
Se afirman los estados nacionales, la iglesia pierde influencia en la soberanía de cada nación. Se
establecen las monarquías absolutas, con reyes divinos.
Periodos de barroco
Primitivo: 1580-1630: Tiziano, Caravaggio
Maduro: 1630-1680: Bernini, Rubens,Rembrandt, Velazquez
Tardío: 1680-1715: Le Brun

Caravaggio
Da elementos que luego son fundamentales en el barroco. Pinta escenas evangélicas. Busca
acercar, humanizar los personajes, dándoles un sentido teatral, uso de la luz focal que tiene un
sentido semántico. Pierde separación figura y fondo, la composición es integrada con el fondo,
pierde definición. Surge el arte de la apariencia, nosotros debemos terminar de completar la
figura.
Niño con cesto de frutas: Luz diagonal, frutas imperfectas picadas, podridas, naturalismo.
Influencia manierista en el color, gesto de la figura.
Vocación de San Mateo: Espacio interior, taberna contemporánea, moda contemporánea. Las
figuras no están definidas, se pierden en el fondo, emergen de la luz partes de figuras.
Tenebrismo: el cuerpo surge de la oscuridad. Tenebre es oscuridad. Luz focal, dirigida,
acompaña la intención de la obra. Teatralidad en los gestos y el movimiento, las expresiones.
Conversión de san Pablo: Escorzo en el cuerpo. Diagonales de los cuerpos dan profundidad,
generan el espacio intimo entre figuras. Ocupan toda la tela los personajes, el espacio esta
generado en su elación. Trabajo de las miradas. Teatralismo en las posiciones. La luz tiene un
lugar semántico, es lo divino, no aparece Jesús. Acción pasa íntimamente.
Crucifixión de san pedro: Figuras ocupan todo el espacio, fondo oscuro, figuras surgen del
fondo. Todas las figuras unidas, no se puede recortar ninguna sin afectar la composición
general. Todas las figuras relacionadas. Diagonales. Mucho dinamismo.
Los discípulos de Emaús: Composición centralizada en la figura de Jesús. Las líneas y
perspectivas se orientan hacia él. El observador incluido en la mesa como un comensal más.
Comida regional y vestiduras contemporáneas.
Dormición de la Virgen: Composición marcada por diagonales. Obra rechazada porque la figura
del a virgen recuerda a una mujer muerta ahogada, parece que buscó una mujer muerta
ahogada como modelo. LA virgen no puede parecerse al cadáver de una prostituta embarazada.
Última pintura en roma. Tiene una pelea y asesina un tipo, se tiene que exiliar y se empieza a
trasladar por diferentes cortes.
Luego no puede tomar modelos vivos porque tiene que estar trasladándose, usa cuadernos y
apuntes. Marca el tenebrismo. En los santos jerónimos Paleta muy reducida. Rojo luz y
oscuridad.
La decapitación de Juan bautista: Paleta cada vez más reducida, más trabajo del espacio del
fondo. Naturalismo.

Artemisa Gentileschi:
Recupera el estilo de Caravaggio. Susana y los viejos: influencia clasicista. Primer caso
documentado de un juicio por violación ganado, por ella. Esta obre surge de esa inspiración.
Judith decapitando a Holofernes, tema de la mujer como protagonista de las obras, activamente
representada.

Bernini:
Arquitecto encargado de construir iglesias, fuetes, esculturas, etc. de Roma. Arquitecto principal
de los papas. Se planifica la ruta de que une las iglesias para lograr indulgencias, ordenar las
procesiones.
Pautas arquitectónicas para las iglesias durante el concilio. La planta longitudinal son las
preferidas, para recibir más fieles. Estaban elevadas sobre el nivel del terreno, para marcar el
acceso a un lugar sagrado. Elementos estructurales como elementos decorativos en las
fachadas. No son elementos simétricos. Se incorporan nichos que solamente tienen una función
decorativa, no estructural arquitectónico.
Sus primeras obras son esculturas. Se autopercive como escultor. Desde una escultura con
influencia manierista a una composición en forma de espiral, predomina el movimiento, líneas
diagonales, vista de 360. Busca transmitir el pathos, el dramatismo del momento. Equilibrio
entre vacío y lleno. Piensa una vista principal que permita comprender la totalidad. Concepto: El
público necesita vivenciar la experiencia, nos involucra espiritualmente.
Baldaquino de San Pedro, mecenas Urbano VIII: Utiliza bronce, distintas pátinas de color.
Columnas serpentinadas. Dimensiones descomunales. Con motivos decorativos que hacen
referencias a la familia Barberini, del papa. Sirve para enmarcar la catedra de San Pedro. Luego
de esto por 50 años va a ser el arquitecto y escultor m[as importante de Roma.
San Andrés de Quirinal: 1658-1670: No había espacio, adecuar el espacio para generar una
ilusión óptica de mayor amplitud. Planta oval. Se ve el altar desde la entrada. Fachada incorpora
elementos que hace referencia a la familia del papa. Elementos decorativos no estructurales. La
escalera une los espacios se mete ene el espacio del espectador, de la ciudad. Fachada sin
función portante. La arquitectura hecha en función de la escultura, trabaja lo pictórico en la
elección de los mármoles, relaciona escultura y arquitectura que sucede al mismo tiempo. Hace
ventanas escondidas para manejar y orientar la luz en las esculturas.
Las obras están hechas por su taller, no necesariamente por su mano.
Plaza de San Pedro: Tiene que tener en cuenta con la liturgia y la geografía. La iglesia de San
Pedro de empieza a construir antes del Concilio, está emplazada a nivel del terreno, no elevada
como indicaba el concilio. La plaza tiene una función litúrgica. Bernini, propone ensalzar la
iglesia, situarla por encima del nivel del terreno, excavando la plaza que va a estar delante.
Genera una cierta colina, la plaza está inclinada y realiza escaleras. Plaza en forma de trapecio
unida a una plaza elíptica con un obelisco en el medio, que marca el lugar donde San Pedro fue
martirizado. Estas dos formas tienen una simbología, la primera impresión que se tenía era un
abrazo una contención a los fieles. Limita le espacio con grandes columnatas, de estilo dórico
simplificado, con esculturas de santos por encima. Estas columnas permiten un refugio contra la
lluvia y encuadran los accesos laterales. Elección de formas clásicas, similares a un templo
griego. Bernini trabaja a una escala monumental, inmensa.
Santa Teresa en éxtasis: Capilla Cornaro, iglesia santa maría de la Victoria: 1652: La arquitectura
y escultura concebidas pictóricamente, es un cuadro tridimensional. A los costados la familia
Cornaro, en bajo relieve, representa también arquitectura al estilo de Donatello detrás de los
personajes de la familia. En el centro, el éxtasis de Teresa. Busca hacer vivir y experimentar en
primera persona los estados psicológicos de los santos. Intenta involucrar al espectador en la
vivencia del santo. Los contemporáneos a Bernini están observando a Teresa. Utiliza como
recursos escultóricos el pliegue de las vestimentas, muchos pliegues, gesto dramático, Esconde
una ventana para darle énfasis a la luz focal. Utiliza rayos de bronce y distintos mármoles para
darle color. Sobrecarga de elementos decorativos en el trabajo de sellería y mampostería, en el
frontón y sobre él. El mármol de color es más económico, y delimitar lo central, lo celestial, del
contexto, de lo terrenal, de la capilla.
Tumba de Urbano VIII: Diferencia lo terrenal, con bronce, y lo celestial (virtudes), con mármol
blanco. Sarcófago, acompañado de las virtudes del papa a los lados. Sobre el sarcófago un
esqueleto que sostiene el epitafio. Sobre ello el retrato de cuerpo entero de Urbano VIII. Este
esquema para tumbas se vuelve paradigmático. Se sostiene durante un siglo y medo.
Cátedra de San Pedro: Detrás del Baldaquino, también construido por él. Imagen central el
Espíritu Santo en un Vidrio. Luz divina en bronce
Busto del rey Luis XIV: Agrega pliegues en el busto, exagerados. Formas sinuosas, en el cabello.
Borromini, Francesco (1599 - 1667): Contrafigura de Bernini, antagonista. No tiene una cantidad
de obra tan extensa. Asentaba todos sus proyectos en un cuaderno. Antes de morir los quema,
luego se suicida.
Su experiencia y formación no es la italiana clásica. Él es del norte, no trabaja con módulos,
ligado al gótico internacional, en base a figuras geométricas. Utiliza arcos abocinados, arcos
rampantes, recursos del gótico. Trabaja en el Domo de Milán.
Trampantojo en patio del Palacio Spada de Roma. Entrada alargada, es una ilusión creada por la
perspectiva. La familia quería que pareciera más grande. Utilizando bóvedas con columnas
reduciendo el espacio en altura y anchura, generando una ilusión óptica.
Iglesia de San Carlo, por los trinitarios. Construye el claustro, el refectorio y la iglesia.
Concepción geométrica de realización. Un rombo como bace de la planta, al cual se le da forma
curva a los lados, se parece a un ovalo, es un romboide. Se entra para una punta para dar una
sensación de más espacio. La fachada está muy sobrecargada, parecida a un retablo. Tiene un
registro inferior y superior divididos por un entablamento super decorado y dinámico, con
curvas. A su vez cada sección está dividido en calles con columnas. Con nichos con santos.
Alterna formas cóncavas y convexas abajo, pero arriba no mantiene la simetría. En la parte
superior con escudos. El juego cóncavo convexo se repite en el interior. Marca un antecedente,
como fuente de inspiración fuera de Italia, en España, fachada como retablo. La cúpula respeta
la forma de la planta, no es esférica, tiene forma romboide, en los ángulos pequeñas ábsides, en
el centro cúpula oval. Da la sensación de que es más alta porque reduce la forma a medida que
se acerca al tope.
Sant Ivo, dentro de la universidad de Roma, la Sapienza. 1642 1650. Espacio reducido,
delimitado por dos pórticos que encuadran el patio de ingreso. Busca una fachada que siga con
la construcción previa. En forma de exedra, semicircular para adentro. Continua con los arcos de
medio punto entre pilastras a semejanza del pórtico. Planta: Novedosa, original. En forma de
flor. Triángulos equiláteros, superpuestos, dándole forma cóncava y convexa a los ángulos.
Estrella de seis puntas con puntas redondeadas, en referencia l rey David, rey de la sabiduría o
una abeja, familia Barberini. La misma forma se ve en la cúpula, que está trabajada con
ventanas siguiendo los movimientos, similar al gótico, agranda el espacio interno de la iglesia.
La linterna, por encima de la cúpula, con arcos rampantes a modo decorativo, con columnas y
juego de curvas y contra curvas, encima forma espiraladas que hace referencia a la búsqueda
del conocimiento.

BARROCO CORTESANO
Siglo XVII se configuran las monarquías absolutas y cortes o familias importantes son los
comitentes. Fuera de Italia en los estados católicos se van a seguir generando arte de temática
religiosa. En las cortes hay más variedad de temas, sobre todo retratos, escenas mitológicas
escenas de cacerias, de batallas y decoración de palacios.
RUBENS 1577-1640: De la región de Flandes. Reinaban los Hasburgos que también reinan en
España, por eso trabaja para Hasburgos de Flandes y España. Trabaja en Inglaterra y Francia
también.
Flandes tiene una tradición, son los primeros en usa oleo sobre tela, mucho detalle, realismo,
adornos de ropas, gusto por el detalle y el hiperrealismo. Estaba ocupada por los españoles con
la reforma se divide. La burguesía tenía mucha influencia, se forman los países bajos. Sociedad
Calvinista con burguesía aristocrática. Seria Bélgica y Holanda.
Imaginería cristina protestante.
Es un artista cortesano, en Italia se dedicaba a copiar obra de las colecciones de la corte.
Periodo de formación y de copia.
Va a la corte de Felipe IV.
Retrato Ecuestre del Duque de Lerma: Aparece con atributos de poder, escudo de la orden de
Santiago, bastón de mando, armadura, caballo. Se toma como modelo para representar a
personajes de la corte. Composición dinámica, en el movimiento del caballo, de su pelo. Fondo
y vegetación trabajado desde la mancha no definido, modulación de colores, trabaja distintos
tintes y coloraciones para dar sensación de mayor o menor luz.
La adoración de los magos: realizada en Roma. Horror vacui, llenar de figuras una obra que
puede resolverse con muchos menos personajes. Figuras contorsionadas con movimiento y
confusión. Toma de la pintura flamenca el realismo. De miguel ángel el trabajo de la figura
humana y la musculatura. Toma de Caravaggio, las composiciones diagonales que impiden
separar figura de fondo. DE los venecianos, la modulación del color.
Vuelve a Flandes 1609: Paz o tregua se firma sobre las guerras de religión, paz de Amberes. Se
recupera la prosperidad y hay trabajo. Hace su taller en Amberes, trabaja para las cortes, pero
es independiente. Trabaja con otros artistas, no como discípulos. Muchas obras las terminan
otros o solo hace el boceto.
El levantamiento de la cruz: Tríptico en un retablo. Composición diagonal formada por la cruz,
produce una unión entre las figuras en primer plano y en el fondo. Estudio anatómico inspirado
en miguel ángel. Se destaca la línea de contorno en las figuras, pero a la vez el fondo se mezcla
con las figuras. Composición integrada, todas las figuras unidas. Paleta de claros oscuros. Horror
vacui, mete figuras en todos lados, no hay espacio de reposo. Presencia del patetismo, las
figuras tienen un carácter psicológico.
Descendimiento de la cruz: Tres paneles, Predomina la diagonal, la figura es más manierista.
Resurrección: ocupa todo el espacio, clara influencia de los cuerpos musculosos de Miguel
Ángel.
Ciclo de Maria de Medici, reina regente esposa de Enrique IV, obras narran la vida Enrique IV y
Maria de Medici. Ella se encuentra una guerra con su hijo, ya que ella no le entrega el trono.
Rubens tenía que mantener una postura neutral. Decoran el palacio de Luxenburgo. Muchos
elementos alegóricos. Sobrecarga visual.
Retratos: le agrega atributos que dan a entender su posición social. Las ropas son descriptivas
también.
Retratos de duques hace paisajes abiertos mostrando lo que habían aportado al matrimonio y
sus dominios.
La toilette de Venus: El espejo agrega al público como parte del cuadro, lo incluye íntimamente
en la escena representada.
Últimas obras trabajan más el paisaje y escenas costumbristas, caserías
REMBRANDT
Se forma con maestros manieristas y barrocos. No quiere viajar a Italia. Indaga en el sujeto
moderno> En la subjetividad en la individualidad. Pieter Lastman es su maestro. Tiene un
interés por la vejez. Mundo íntimo es lo más importante. Cena de Emaús: más que una acción
es una introspección. Toma escenas de los testamentos. Los grabados son importantes, también
los trabaja con claroscuros. Le interesa el mundo interior. Lección de anatomía: la encarga el
gremio de los médicos. Tiene profundidad movimiento. Se casa con una joven hija de un
comerciante de cuadros. Tiene éxito. Retrato colectivo de gremios y agrupaciones comerciales y
la burguesía. Retrato de su padre: elegantemente vestido a pesar de ser un molinero, no hay
idealización detalla las arrugas. Muchos autorretratos.
Velázquez
Nace en Sevilla. A los 6 años entra en el taller de Pacheco.
Vieja cociendo huevos: Tema de lo cotidiano, sin idealizaciones. Caravaggismo. Hace cuadros
adentro de cuadros.
Serie de bufones: Sin idealización.
Las Meninas: Velázquez nos retrata a nosotros. Usa la pintura visual, no definido. En el fondo, en
el espejo vemos a los retratados.
Las hilanderas: el cuadro dentro del cuadro. Escenas cotidianas.
Barroco cortesano en Francia: Cuadro de Aparato: retrato de Luis XIV: Rigaud: Rey Vestido a la
moda, Super adornado. Es un retrato oficial.
Versalles: Construido por el Rey Sol. Era un Coto de Caza y lo hace un palacio real. Símbolo del
poder del -rey.

ROCOCÓ O LA PINTURA GALANTE

Vinculado al despotismo ilustrado
En Francia. Se alejan del arte propagandístico político. Toma temas más banales, emocionales,
galantes. Una sociedad muy ociosa e ilustrada.
WATTEAU: Representa los usos y costumbres de la nobleza luego de la muerte de Luis XIV. Sus
temas son banales. Crea una situación ajena al espectador. Naturaleza domesticada. Los
personajes están ociosos, la nobleza haciendo nada. Luz ambiental esfumada. Predominan los
colores pasteles. La naturaleza son jardines. Representan un tiempo de placer. Las esculturas
son pauta de la cultura, no están en un bosque salvaje, sino una naturaleza refinada,
domesticada. No hay acción, es un pintor de clima.
En la época de Luis XIV se crea la escuela de Bellas Artes de Paris. Va a tener el poder y la
regencia de las artes clásicas. Embarque a Cythera: une la cultura galante y la mitología. Están
embarcando a la isla del amor, donde llega venus. Establece la temática de las fiestas galantes.
BOUCHER: Influencia de Rubens. Colores Pastel. Idealización de la mujer. El desnudo femenino
aparece como tema. La naturaleza es linda, amable. Ámbito elegante, cultural y sensual.
Muestra las licencias que se permitían los nobles.
Mujeres eran las regentes de los salones. Se escuchaba música, filosofía arte. Boucher retrata a
Madame Pompadour que fue una de las amantes de Luis XV.
JEAN BAPTISTE CHARDIN: La academia lo condenó, había que pintar o Histórico, mitológico,
religioso o retratos. A Chardin le gustaban los temas menores. Está influenciado por el mundo
Flamenco. Representa niños burgueses. Naturalista, retrata la vida cotidiana de la burguesía.
FRAGONARD: Mundo de encantamiento. Bañistas: Fiesta del cuerpo femenino, los colores.
Paleta pastel – Motivos eróticos. Detalles virtuosos de telas.
Elizabeth VIGEE LEBRUN: Hija de artista. Pintora favorita de María Antonieta. Retrata a Maria
Antonieta. Retrata a la nobleza. Mirada femenina, relación madres con hijos. Retrata a su hija. El
arte de la revolución, neo clasicismo empieza antes. Ella se retrata como romana.

NEOCLASICIMO s. XVIII
La burguesía empieza a retomar el estilo de vida de la Roma Republicana. Refuerza esto el
descubrimiento de Pompeya y Herculano. Carlos III (Borbón) financia las excavaciones. Este
descubrimiento produce una gran influencia de la pintura mural clásica. Se convierten en el
paradigma del arte neoclásico. Se Pone de moda el mundo clásico. La gente se empieza a vestir
de forma clásica, también cambia el mobiliario.
Carlos III manda a grabar en chapa, nueve tomos que reproducen el arte presente en Herculano.
Estos tomos fueron la escuela de arte del mundo. Se revela de primera fuente el legado del
mundo antigua.
GAVIN HAMILTON: Autor de la antigüedad de Atenas. Busca una aproximación histórica,
científica al arte Greco Romano. Coincide con el crecimiento del iluminismo. La enciclopedia va
a ser el libro de la ilustración.
Cambio en la fundamentación del poder. El poder divino se cae, la ilustración permite la
formación del estado moderno, de la democracia moderna que va unida a la secularización del
Estado. Rousseau escribe el Contrato Social.
Pompeo Batoni 1708 - 1787: Retrata a los estudiantes ilustrados con obras clásicas. Se pone de
moda viajar a Italia si eras ilustrado. Los representa para que se sepa que estuvieron en Roma,
hizo el Grand Tour.
Antony Raphael Mengs: Alemán: El parnaso: Aparece Apolo con las Ninfas. Agrega una
condesa.
Winckelmann: Primer historiador del arte. Erudito, hijo de Zapatero que llega a bibliotecario en
Roma. Escribe La historia del arte en la antigüedad : Defiende el mundo antiguo como superior
a lo actual.
Se fundan los primeros museos. La colección se hace pública, en palacios reales; Louvre y Prado.
Se empiezan a hacer más temas mitológicos. Con modelos de belleza griegos. El dibujo pasa a
tener importancia por sobre la modulación de color
Joseph Marie Vien 1809: Frances: Temas mitológicos, copia el atuendo en la pintura
pompeyana pero hay elementos del Rococo en el uso del color.
Pinta moviliario clásico. Los temas son una mescal entre el ROCOCO y el Clásico. Los perfiles son
griegos. Vuelve el esquema de la arquitectura clásica. Orden ortogonal y caja escénica.
Jacques Louis David: Fue parte de la revolución francesa, era jacobino. Estudia con Vien.
Antíoco y Estratonice: Caja escénica. Arquitectura Clásica. Luz Barroca.
El juramento de los Horacios 1784: La obra es un programa de la revolución. El padre entrega
las espadas a los hijos, para que se enfrenten a otra familia patricia. Los jóvenes se vana Bator
contra el enemigo en duelo para no entrar en guerra. Pero las hermanas están casadas con el
enemigo. Aparecen llorando, porque vana aperder a sus hermanos o a sus maridos. Obra
morializante. Republica romana. Habla del presente, se pide una reunión de _Nobleza, Rey,
Pueblo: Se le pide al rey que convoque a los estados, se le pide al rey que haga un sacrificio,
sacrifique a a sus hijos por el pueblo. Caja escenográfica. Perspectiva central, orden axial
simétrico. La arquitectura de los arcos dividen a los tres grupos de personajes. La composición
es clara y distinta, Racional, el punto de vista es privilegiado. Todo ordenado, vemos la escena
completa, nada librado al azar. Formas clásicas, tomadas de los relieves romanos y griegos.
La muerte de Sócrates 1787: Apología dela racionalidad. Sócrates acusado de impiedad. Toma la
cicuta. Cuerpo idealizado por más que sea un hombre mayor, lo bello bueno y racional se
identifican. Caja escénica. Sitúa la imagen en la Bastilla. Donde estaban encarcelados lo presos
políticos de la monarquía. Lineas horizontales y veriticales. Toda la luz y el espacio esta centrado
en la figura de Sócrates. Toma la relación aurea, genera movimiento y equilibrio.
Brutus firma la ejecución de sus hijos, por traicionar a la república. Metafora, de sacrificar todo
a la revolución.
LA muerte de Marat: Luego de la revolución. El rey foemaba parte del directorio de la
revolución. El rey decide escapar lo agarran y lo ejecutan. Los revolucionarios se dividían en
distintas tendencias. Los jacobinos eran los más extremistas. Marat era Médicos de la revolución
jacobino. E s asesinado por una joven girondina, otra facción de la revolución. Marat tenía una
enfermedad de la piel por eso se da baños. Aparece un cuchillo y la pluma, la idea de civilización
o barbarie. Ortogonal. Caravaggismo. Ella deja una carta. El cuerpo de marat remite al cuerpo
de cristo, des cendiendo de la cruz.
El rapto de las Sabinas: hace una batalla. Aparece la sabinas deteniendo a los opositores. Las
sabinas separan a sus esposos, de sus familiares. Aparecen desnudos en referencia a las
esculturas clásicas. La idea de lo bello en el cuerpo. EL fondo es un castillo Románico.
Napoleón cruzando los Alpes: retrato ecuestre. Napoleón protege la revolución frente a las
potencias monárquicas.
Coronación de Napoleón: El suceso es Norteadme pero la escenografía de la obra es neoclásica.
Napoleón se corona a si mismo y a su mujer. Se retratan todos los personajes de su momento.
Antonio Canova> Italiano, escultor
Trabaja para Napoleón en Roma. Toma temas mitológicos. Escultura sobria, bastante realista.
Cuerpos siguiendo el canon griego. Escultura mucho más sobria que la barroca.
Retrato de la hermana de Napoleón, Paulina. La represente como una venus, todo de mármol
blanco, al modo clásica. La hace con un perfil griego, difícil reconocerla.
Apolo autocoronandose: referencia a napoleón.
Tumba de la Archiduquesa Maria de Austria: reproduce la procesión de las palas ateneas.

En Francia está muy ligado al proceso previo a la revolución, y el gobierno de Napoleón.

Neoclasicismo representa los valores de la revolución francesa

GOYA
Artista bisagra entre neoclasicismo y romanticismo.
Napoleón toma España. Los civiles se organizan y pelean, gobernándose en Juntas. Vuelve
Fernando. Goya abandona su lugar de pintor de Cámara.
Goya tiene obras que retratan el contexto contemporáneo.
Sus primeras obras en Zaragoza son de temática religiosa. Luego consigue trabajo en Madrid en
la Corte de Carlos III. Su primer trabajo son cartones para tapices, con temática de la vida del
pueblo español- Temas costumbristas, cacerías, juegos, galantería. Una España muy idealizada
buscaba ilustrarse. Los hace bajo la dirección de otros que marcan los temas. Manejo de la luz,
del uso de la mancha, modulación de los tintes de color. Siempre tuvo encargos, pero a la vez
hace obras personales.
El quitasol: Composición triangular, personajes idealizados, España ociosa, relajada.
LA conducción de un sillar: incluye un muerto. Crítica a lo que sucede en España, plantea un
España más realista.
Se queda sordo, hace que esto lo aisló de su entorno. Le da más peso a su obra personal.
Realiza encargos de retratos. Es poco parcial, deja manifiesta su opinión personal sobre la
persona retratada. Embellecía o marcaba defectos.
Duquesa de Alba: lo ayuda a recuperarse de su enfermedad. Se instala en su cas y se enamoran.
Relación tormentosa. Muchísimos retratos de ella. La idealiza mucho. Ella señala su firma. Goya
no trabaja una caja escenográfica, se enfoca en la representación emocional, el gesto. En el
fondo aplica colores bastante neutros.
Reina maría luisa de Austria: Naturalismo, a Goya le desagrada. Muestra sus brazos cuando ella
pide que no lo haga. La hace vieja y fea.
LA revolución francesa: Afecta mucho en España. Las familias reales de Francia y España
estaban emparentadas. España cierra las fronteras y se vuelve a atrás en las políticas que
buscaban la ilustración del pueblo, vuelve a contactarse con la inquisición. A Goya no le gusta,
Carlos IV. Lo desprecia y aparece en el Retrato de la familia de Carlos IV: Toma de referencia de
Las Meninas. Goya se pinta a si mismo. En Goya no hay punto fuga, se trabaja el primer plano,
en el fondo pone cuadros realizados por él. La referencia espacial es la sobra a los pies. Es un
retrato colectivo. Carlos IV lo hace mirando la nada, abstraído, mirada poco inteligente.
Fernando VII mira al espectador, como la prometida no estaba definida la hace mirando hacía
atrás. Había un rumor de que uno de los hijos de la reina era Bastardo. Goya le pone a la reina
un tocado regalado por su amante y el mismo tocado se lo pone a la hija.
Goya después de su enfermedad es más romántico. Una característica del romanticismo es el
SUBJETIVISMO; Goya pone siempre su opinión. Se trabaja más lo emocional y el contexto
contemporáneo. Goya muy comprometido con su realidad.
La carga de los Mamelucos / 2 de mayo: Retrata cuando el pueblo se levanta en contra de los
soldados franceses. La composición es muy integrada, mucho movimiento. Incorpora lo
morboso, cuerpos muertos sangre, no son figuras heroicas. Las personas no tienen detalle, sino
que son masas de color, se confunden entre sí.
Los fusilamientos del 3 de Mayo: Franceses ejecutando a los españoles. A los franceses los hace
de espaldas no les da entidad. Representa a al pueblo español, no representa héroes sino
caídos, sufrimientos. Usa la luz focalizada estilo Caravaggio. Los cuerpos se confunden. No hay
perspectiva. Fondo oscuro genera más contraste.
Pinturas de Gabinetes:
Asalto de ladrones: Muestra la España realista.
El aquelarre, las brujerías: Pierde la línea trabaja las manchas toques de luz colores.
LA Maja desnuda y vestida: No busca realismo anatómico.
Representación expresionista, deforma rostros para mostrar características psicológicas o
conceptuales.
Grabados, en aguafuerte aguatinta y punta seca.
Serie de los Caprichos: aborda temáticas como profesiones, familias aristocráticas, la mujer, La
mujer que se vende, supersticiones embrujos, critica la inquisición, Critica a la iglesia. 80
láminas. Tenía miedo a la inquisición, por ello los regala al rey Carlos IV. Este las deja en la real
calcografía, donde la inquisición no los podía tocar. Por ello se mantienen hasta hoy,
Hace otras series relacionados a la guerra a la tauromaquia. Serie disparates: no tienen una
lectura tan clara, escenas oníricas, fantasiosas, ridiculizaciones a las instituciones
Pinturas negras. Serie que realiza, grande. Había dejado el trabajo en la corte. Tiene una
enfermedad, se compra una quinta (del sordo) y se retira. Después se traslada a Francia hasta su
muerte. Pinturas murales, luego se entelan, porque eran muy frágiles. Tienen una paleta
bastante baja, no son de una clara interpretación. Muy expresionistas, exagera facetas, usa oleo.
Trabaja manchas con pincel con espátula. Trabaja desde la apariencia. Aquelarre: Se pierden las
figuras, en una falta de identidad.

ROMANTICISMO EN ALEMANIA: El romanticismo surge como una oposición a la ilustración y al

neoclasicismo desde la literatura y la filosofía. Además, se introduce el yo en la escritura. A
diferencia de las formas clásicas que resaltaban ideales universales, el romanticismo intenta
resaltar el carácter psicológico de genio del artista y su emocionalidad, presenta un subjetivismo
exagerado. Es un movimiento nacionalista, buscan representar la cultura regional, en este caso
la alemana. Por eso, revindican la arquitectura románica, se intenta recuperar la espiritualidad y
los orígenes del pueblo germano. Los artistas retoman las historias orales, buscando representar
el pathos nórdico que se distancia del ideal greco-latino. Intentan captar la naturaleza inhóspita
del norte que refleja a la vez el espíritu de la gente, moldeado por la geografía que habitan.
Hay rechazo de los artistas a la revolución industrial que modifica el paisaje y no respeta las
costumbres de los pueblos. A la vez que rechazan la estética de la revolución francesa, el
clasicismo, que también intenta colonizar los pueblos y abolir las antiguas tradiciones.
Napoleón había realizado una campaña de conquista hacia Alemania. Los pueblos generan una
confederación del Rin que le jura lealtad a Napoleón. Cae Napoleón y luego la región norte
queda bajo el imperio Austro – Húngaro. Pero ante este influjo extranjero, los artistas intentan
recuperar y proteger lo propio.
Búsqueda de lo sublime, el humano sintiendo la inconmensurabilidad frente a la naturaleza.
Artistas buscan representar y reproducir la experiencia de lo sublime.
Los artistas dejan de producir para una academia o un estado y empiezan a producir por
necesidad propia. Lo cual hace que las ventas sean más difíciles. Se genera un nuevo público.
CASPAR DAVID FRIEDRICH 1774 - 1840
Nace en Suecia de familia alemana. En la Academia de Copenhague se forma como dibujante,
pero sus obras son pictóricas. Desde los 6 a 13 años se le mueren gran parte de sus familiares
cercanos, lo que lo convierte en una persona depresiva, melancólica según el testimonio de los
que lo conocieron y su obra. Anticipa el simbolismo en lo icónico y el impresionismo en su modo
de trabajar el color. 1801 primer intento de suicidio. Luego hace un viaje al norte de Europa y
toma apuntes de paisajes. Dios en la naturaleza. Sus primeras exposiciones son dibujos y
bocetos de paisajes.
La cruz en las montañas: Composición piramidal, vínculo entre el ser humano, lo religioso y la
naturaleza. Busca lo sublime. Primera obra en la que se lo reconoce.
Luego realiza cuadernos con paisajes.
La primera parte de su vida pinta paisajes, hasta 1816. Son simbólicos, suele incluir tumbas o
ruinas, arboles típicos, paisajes nevados. Lo humano fusionado con el paisaje, que es inhóspito.
Asocia el azul y el violeta con el estado de ánimo que experimenta la persona frente a estos
paisajes. Además, en muchas obras la modulación del color hace que se pierda la figuración,
generando imágenes borrosas, paisajes difuminados con niebla. Presta mucha atención a la
reproducción del ambiente climático del norte. Él menciona en sus notas que los árboles
erguidos son representativos de la fe.
Monje en la orilla del mar (1810): El paisaje es bidimensional, generado por la superposición de
campos de color. Las figuras son solitarias, abrumadas, ínfimos frente al paisaje. Representaba
claramente el sentimiento de lo sublime y el pathos nórdico.
A partir de 1816, la región pasa a formar parte del imperio Austro-Húngaro. Friedrich empieza a
representar la figura humana. Vuelven a una monarquía absolutista, queda atrás el giro político
que Napoleón traía, se restauran las monarquías. El nuevo gobierno aplica políticas culturales
represivas, prohíbe hablar alemán, vestirse típicamente, reunirse con fines político
intelectuales. Toda actividad nacionalista es castigada.
Caminante sobre un mar de nubes: La figura está vestida con traje alemán. Mirando al
precipicio. Quizás contemplando la patria perdida. Está de espaldas en relación con la
naturaleza y la patria inalcanzable. Representa el espíritu de lo sublime. En cuanto a la técnica,
se puede apreciar un gran manejo de la luz, a través de la modulación del color en valores muy
altos. También el contraste entre el primer plano y la figura, permite adentrarnos en la
profundidad con la mirada.
Figuras contemplando la naturaleza. Utiliza siempre vestimentas típicas.
Mar de hielo. Luego de una expedición fracasada al estrecho de Bering. Formas violentas.
Sus últimas obras, son más simbólicas.
Las tres edades: realiza una comparación entre las generaciones de seres humanos y los barcos
que han navegado distintas distancias de viaje. El barco que representa al anciano se encuentra
cerca de las barcas que representan la niñez. La composición es centralizada con formas
triangulares. EL manejo de la luz modifica tanto la percepción del mar como de los barcos.

JOHN CONSTABLE 1776 – 1837

Inglaterra: El paisaje va a ser una temática fundamental. Ya tiene un estado consolidado, es una
monarquía parlamentaria, no vive las revoluciones, ya habían resuelto la representación de las
distintas clases sociales. Es pionera en la Rev. Industrial genera un cambio en la economía, dejan
de producir materia prima, venden productos manufacturados. Artistas disconformes: cambia
totalmente la zona urbana y la demografía. Se retiran cerca de un lago, los laquistas, desarrollan
nuevas temáticas en la literatura, piensan que lejos de las zonas urbanas van poder relacionarse
con el arte de un modo nuevo. Blake es uno de ellos. En cuanto a la pintura: ya había empezado
con la construcción de un arte nacional. Existe una academia inglesa de las artes. En ella el
enfoque es el copiado de la naturaleza. El paisaje y la antigüedad es románica o gótica. Se
estudiaba el clima y el territorio. Paisaje intervenido por el hombre, pero de manera integrada,
un paisaje acogedor.
Tres ejes: crítica a la Rev. industrial, lo sublime y lo pintoresco (lugar ameno, el lugar donde nos
sentimos acogidos).
Constable represente paisajes cercanos a londres, la naturaleza pintoresca, el paisaje
típicamente ingles. frente a las zonas urbanas.
Formación lo acerca a los paisajes de la pintura holandesa, luego el busca capatar la atmosfera
inglesa. Utiliza la mancha. En algunas obras es casi puntillista en otras utiliza una pincelada más
grandes. Aplica puntos blancos muy pequeños, que generan una sensación de rocío o humedad
en las plantas.
Utiliza diferentes tintes de verde, no diferentes valores del mismo tinte. Esto lo hace mucho más
realista.
El carro de heno 1821: la obra más importantes, se lleva a Francia para homenajear la pz entre
Francia e Inglaterra. Algunos franceses deciden formar escuela a partir de esto. Se trabaja la
atmosfera de humedad, con mucho realismo a partir de la mancha.
Elser humano esta trabajando ,es un paisaje intervenido, esto se realciona con lo pintoresco.
Salisbury Cathedral: 1828: La catedral enmarcada por arboles. La incluye en el paisaje. El artista
toma apuntes, pinta al aire libre. Busca captar la luz, la atmosfera, el clima.
William Turner 1775 – 1851
Turner permanece en la ciudad. Aprovecha la revolución industrial en Londres para representar
la nueva vida úrbana. También pinta los paisajes atmosféricos. Es una suerte de niño prodigio,
entra a una cátedra como profesor muy tempranamente. Tiene obras más académicas y obras
más experimentales. Participa del espíritu positivista a través de la aplicación a la pintura del
método científico.
Aníbal cruzando los Alpes: Lo sublime, el uso de la mancha-
Lleva a otro nivel la acuarela que deja de ser una forma de hacer bocetos. Incluso trabaja el óleo
como si fuera acuarela. Es un antecedente de Monet y del impresionismo.
Pierde la figuración en el paisaje, da solo algunos elementos figurativos, todo lo demás es color,
el espectador debe completar la representación.
Incendio desde el puente de Waterloo: EL lo vio personalmente y realiza una serie del mismo.
Lluvia, vapor y velocidad: El ferrocarril representado en la atmosfera. Sin embargo son solo
unos trazos los que permiten la figuración es un gran trabajo del color.
Luz y color teoría de Goethe: Obra académica sobre el color. Intenta refutar la idea de Goethe
de que el cálido da más genera emociones positivas y el frio negativas.
Amanecer con monstruo marino, se pierde toda figuración.
BLAKE 1757 - 1827
Fue poeta, pintor, ilustrador. Están muy acompañados todos estos artes.
Viene de una familia que lo ayuda y le otorga libertad. Su primera formación la hace con
grabador. Tenía que copiar de obras de las catedrales u obras de Rafael, miguel ángel, Durero.
Entra a la royal académie y se pelea con la academia que era de un enfoque más barroco
(Rubens). Desde chico ve visiones de ángeles y cosas así. Esto lo lleva a hacer muchas obras
relacionadas al misticismo y temas religiosos. Conoce afiuslich en grupos de escritores. Busca
recuperar las sagradas escrituras y textos medievales. No se pueden separar al poeta del artista
visual. Ilustración y texto van juntos. Hace aguafuertes en planchas de cobre que incluían el
texto y la ilustración y luego las coloreaba con acuarela. Cada libro tenía un proceso de
elaboración manual. Muestra la influencia de miguel ángel, en el tratamiento del cuerpo.
Importante el tratamiento y la representación emocional de lo que lee o escribe. Pierde las
reglas tradicionales de composión, perspectiva, corporalodad, trabaja de manera libre.
Tenia ideas que iban mucho más allá de las ideas tradicionales de la época. Está vinculado con el
feminismo. Le esnseña a su mujer a leer y escribir y el oficio, ella lo ayuda en la encuadernación.
Esta contra la esclavitud. Era muy critico del momento.
Fussli 1741 - 1825
Nació en Suisa, vive en Inglaterra gran parte de su vida. Es escritor dibujante, grabadistas.
Participa del movimiento Trueno e ímpetu que se forma en Alemania y se opone a la ilustración.
La obra busca una recuperación de los canonesde representación del manierismo y del
clasisimo. En la figura es manierista, pero en la composición y el dibujo es clasisita. Pero el
carácter teatral de su obra lo vemos más romántico. Es un artista de transición.
La pesadilla: nightmare: Mare es llegua en ingles. La figura de la mujer es manierista. Mucho
contraste entre luces y sombras. Paleta oscura. Tenebrista.
Le interesa la temática del teatro. Capta todas las emociones humanas. Ilustra a Shakespeare
Soledad en el ocaso o Silencio: representa un estado de animo un sentimiento

Romanticismo:
Subjetivismo es una característica impresindible. Tiene una carga narrativa, alegórica,elementos
agragados a la simple visión o análisis de lo representado.
El realismo se opone a toda carga alegórica o simbólica.
Romanticismo en Francia
DELACROIX XIX
El romanticismo en el resto de Europa ya estaba perfilado cuando en Francia surge tardíamente.
El imperio napoleónico promovía una cultura neoclásica, que había defendido los gustos de la
burguesía. La estética de Roma imperial fue impuesta por Napoleón como norma visual para su
gobierno.
Los primeros artistas que abordan temáticas relacionadas al Romanticismo, se pueden
encontrar durante en el imperio napoleónico, son discípulos de David. Si bien su estética sigue
siendo neoclásica, con un dibujo muy claro y un trabajo de los espacios a partir de la caja
escenográfica, sus temas ya empiezan a tener que ver más con el romanticismo, son batallas
con mucho sentimentalismo en las cuales enfatizan las emociones. Además el espacio se trabaja
atmosféricamente, el humo está muy presente y se pierde la caja escenográfica. Gerard,
Girodet, Gros e Ingres.
Contexto: 1804 a 1814: Napoleón I. Luego abdica y sube un hijo de Luis XVI, comienza la
restauración monárquica. Los países empiezan a recuperar a sus soberanos. Todavía hay
liberales que están derrotados. En Francia dura hasta 1830, donde sucede un estallido
revolucionario, llevado a cabo por los burgueses. Aparece un nuevo poder que son los obreros y
también la prensa, que estaba reprimida durante la restauración. Esta revolución es el auge del
romanticismo francés. Derrocan a Carlos X y prohíben a los Borbones tener derechos sobre la
corona francesa. Asume al poder un Rey burgués que es Luis Felipe de Orleans, era un militar, lo
eligen por votación. Luego se lo vuelve a derrocar, y asciende en 1852, Napoleón tercero, un
nieto adoptivo de Napoleón.
Temas individuales, el yo. Además de temáticas literarias y estados emocionales, trabajan sobre
el presente y cómo se vive, mostrando el pathos, el drama en los sucesos.
La técnica que se utiliza difiere de la del clásico. Se empiezan a elaborar teorías del color.
Relacionando colores con estados de ánimo, con la temperatura. El color empieza a tomar
mayor importancia, sobre el dibujo.
Se busca una obra de arte total, trabajan en conjunto pintores, escritores y músicos.
Hitos en el Romanticismo: Notre Dame de Victor Hugo. Hernani de Hugo, obra teatral, generó
mucho rechazo. Se pelearon en la representación, se armó una batalla. / Sinfonía Fantástica de
Berlioz. / La libertad guiando al pueblo de Delacroix refiriéndose a la revolución de 1830.

GROS
Era discípulo de David. Se había instalado en Roma, después de ganar el premio. En su recorrido
por Italia ve pasar al ejercito de Napoleón. Dice que vio al “nuevo Alejandro magno de la
modernidad”. Se dedica a hacer propaganda de Napoleón, siempre idealizado, llevando el
imperio y la cultura francesa a todos lados.
Bonaparte en el puente de Arcole: Con esta obra empieza a ser parte de los artistas de la corte
de Bonaparte (junto con David). Es un retrato con mucho movimiento, está llevando a cabo una
acción, guiar a su ejército. Si bien el dibujo es fundamental, en el fondo ya se da una
modulación del color en la atmosfera y el humo que es algo más propio del romanticismo.
Bonaparte visitando a los afectados de Jaffa: Se trata de un episodio imaginario. Después de
una campaña, Napoleón va a visitar a enfermos de Lepra y con su toque mágico, habilidad que
tenían los reyes de curar con la mano, sana a los leprosos. Gros le atribuye habilidades que eran
otorgadas a los reyes directamente por Dios (San Luis). En cuanto a la composición Napoleón
está en el centro, el resto de las figuras forman un circulo que lo rodea. Hay una caja
escenográfica formada por la arquitectura arabesca. La incorporación de elementos exóticos va
a ser un rasgo característico del romanticismo.

GÉRICAULT
Su actividad artística se da durante el periodo de la restauración de la monarquía. Su pintura
deja en claro su desacuerdo en relación a la vuelta de los reyes.
Recupera artistas del Barroco desde un punto de vista técnico. Recupera artistas como
Caravaggio o Rembrandt. Hace que las figuras surjan de la oscuridad. Además, retoma el
naturalismo y el elemento psicológico de las personas sobre todo cuando retrata persona con
problemas psiquiátricos. También era un gran amante de Miguel Ángel. Hacía muchos estudios
anatómicos durante su proceso de obra, llega incluso a hacer dibujos en la morgue y naturalezas
muertas con pedazos de muertos.
Oficial de cazadores a caballos de la guardia imperial: Lo fascinan los caballos y la figura
masculina(también). Retrato con muchísimo dinamismo. No hay línea de contorno ni espacio
escenográfico, se trabaja la atmosfera. Juego de luces y sombras con el humo. El oficial tiene un
elemento exótico, la piel de un leopardo sobre el caballo.
Estudio de caballo árabe, vemos como forma la luz desde la oscuridad , el naturalismo del
detalle.
Estudio de desnudo, también hay muchos.
Hace un dibujo de San Martin por más que no lo conozca, encarna el Liberalismo Anti-realista.
Coracero herido que abandona la línea del frente; anti héroe abandonado la batalla, representa
todo lo contario al neoclasicismo.
La balsa de la Medusa: 1819: Al poco tiempo que asume Luis Felipe de Orleans naufraga un
barco por incompetencia del capitán y el capitán había sido elegido por ser amigo del Luis XVIII.
Uno de los tripulantes sabía más y no se le tiene en cuenta. Naufragan. Muestra a los
sobrevivientes del naufragio, donde se dieron muertes, canibalismo hasta que los rescatan. Está
haciendo una crítica de la incompetencia de Luis XVIII, que capitaneaba con pensamientos
retrógrados. Composición piramidal, aglomeración de cuerpos muy barrocas, gran manejo del
cuerpo humano. Otra pirámide, formada por la vela. ES un claro ejemplo de lo sublime, la
belleza terrorífica.
Serie de retratos que le encarga el psiquiatra Georget: pensados para ilustrar su libro, que
finalmente no se publicó. Busca captar las características físicas y psicológicas de los personajes.
Importa el rostro, la obsesión, la mirada, la alienación.

EUGENE DELACROIX
Artista autodidacta, estudia las obras del Louvre. No hace el viaje a Italia, tiene una formación
francesa. Entra a la academia con:
La barca de Dante: obra de tema Literario con mucho trabajo atmosférico, en la que no hay
punto de fuga. Está fuertemente influenciada por Rubens y Tiziano. Lo más importante es el
color.
Empieza a trabajar conceptos que luego toman los impresionistas. Trabaja con colores
complementarios, para resaltarlos o para generar grises.
Huérfana del cementerio: Tiene un trabajo impecable de graduación tonal para trabajar la
textura de la piel, trabaja poniendo colores uno al lado del otro sin mezcla.
La matanza de Quíos: Isla griega bajo el poder de los Otomanos. Los habitantes de quíos se
habían levantado contra la ocupación y los otomanos masacraron a todos. Representa la
tristeza, la muerte, el secuestro y abuso de las mujeres. En el fondo vemos un conflicto poco
nítido, se trabaja la atmosfera, la mancha y la sobreposición de los contrastes.
Aplica colores primarios casi puros. Inventa el círculo cromático que divide y ordena los colores
primarios y secundarios.
La Libertad guiando al Pueblo: La realiza a partir de los estallidos revolucionarios de 1830 que
habían explotado debido a la exagerada carga impositiva, la represión de la libertad de prensa,
la anulación de la nueva constitución, y, en general, contra el absolutismo. Delacroix representa
al pueblo que se levanta. Tiene una estructura piramidal, el movimiento viene hacia el
espectador. La figura central es una alegoría de la libertad y el pueblo francés. Lleva un gorro
frigio, que usaban los esclavos liberados, y la bandera francesa. Ella no está idealizada, es una
mujer popular. Delacroix toma esta figura de la venus de Milo, que recién había llegado al
Louvre. Aparecen a su lado representados los sectores que participaron en la revolución: los
canillitas, representando a la prensa (se inspira en el personaje de los miserables), un burgués,
un trabajador.
Además, hizo muchas ilustraciones de Goethe: Mefistófeles volando.
Realiza un viaje al norte de África que le sirve para tomar referencias apuntes a futuro y seguir
aclarando su paleta de colores. Introduce el exotismo.
La muerte de Sardanápalo: quien fuera un rey asirio a punto de ser conquistado. Decide
suicidarse y destruir todas sus posesiones, incluidas las mujeres. El cuadro está cargado de
exotismo. Trabaja lo pictórico, no hay casi dibujo. El rojo es protagonista, pero aparecen
elementos amarillos y azules, utiliza los colores primarios.
Hacia al final de su vida vemos una pincelada casi impresionista, muy modulada, corta.

CAMILLE COROT 1796 1875.

Expone a la vez que Delacrouix. Expone un paisaje muy objetivo, Es una visagra entre
romanticismo y realismo. Empieza a trabajar al aire libre y estudia los fenómenos de la luz. La
luz afecta la volumetría y el espacio . Viaja a Italia. La distorsión de la imagen a medida que
cambia la luz del día. Goza de reconocimiento, durante el segundo imperio Napoleonico. Para
los impresionistas es una influencia. EL puente de NArni: trabaja desde la mancha, estudia los
contrastes de luz. El colicei cvisto desde los jardines Farneses: la visión que hace Corot anticipa
la fotografía, capturar la imagen de la luz. No da importancia Simbolica a los elementos, trata de
capturar en su obra exactamente lo que está viendo. Catedral de Chartes 1830. Representa una
catedral pero en lugar de destacarla en la composición, toma una fachada lateral e incluso tapa
una parte de la catedral con un montículo de tierra. Observa y copia exactamente lo que ve.
Al mismo tiempo recupera algunos aspectos de la pintura Rococo, galante, desnudos,
romantización del paisaje, por eso es bisagra.
Escuela de Barbison: Al norte de parís, servia como lugar de veraneo. Sonnun grupo de artistas
que representan el paisaje de modo realista. Aparecen luego de una expo que traía obra de
Constable a Francia, retoman el paisajismo Ingles en Francia. Salen al airelibre a pintar. Paisajes
rurales. Intentan captar la atmosfera, lo pintoresco. No hay alegoría ni símbolo, solo muestra.
Empiezan a trabajar la luz y eso va descomponiendo la pincelada, trabajando la graduación
tonal.
REALISMO
Contexto: A partir de la consolidación de la burguesía en todo Europa, empieza el periodo de
revolución industrial que se expande, haciendo crecer las ciudades. Crece el proletariado como
clase social. Los trabajadores se organizan corporativamente en talleres nacionales (Francia), el
gobierno los suspende. Tras su cierre se producen protestas en Paris Jornadas de junio 1848, en
ellas el proletariado reclama mayor participación política. Surgen movimientos similares en toda
Europa. Acompaña la publicación del manifiesto comunista que registra y explica la aparición de
la nueva clase, el proletariado. En los años sucesivos, durante el periodo de Luis Napoleón, el
segundo imperio napoleónico, se transforma París que deja de ser una ciudad medieval para
convertirse en una ciudad moderna, planificada racionalmente, con el objetivo de poder tener
mayor control sobre la población y poder reprimir más fácilmente protestas en el futuro. Es un
periodo de mucho crecimiento económico, sobre todo para la burguesía. Entonces, surge el
positivismo, filosofía que promueve el estudio “objetivo de la naturaleza, se interesa por los
fenómenos sin parcialidades.
También surge el realismo artístico. La palabra realismo la utiliza aplicada a la pintura Gustave
Courbet (1819 – 1877), que realiza una expo de arte realista con ese nombre.
Características del realismo:
Está muy asociado al socialismo. Tiene un interés documental. Mostrar las clases no
representadas, se busca estudiar lo que está enfrente lo más objetivamente posibles. Se busca a
tomar modelos nuevos, contemporáneos. No lo ideal. Por ello los cafes, los cabarets, pasan a
ser los centros de los movimientos artísticos. Los artistas se juntan por fuera de la academia,
van a lugar públicos intercambiar ideas y pintar.
La fotografía como referencia documental aparece en 1826 y los artistas empiezan a utilizarlas
como herramienta para luego recrear cuadros.
COURBET:
Se manifiesta contra el Romanticismo y el Neoclasicismo. Políticamente está vinculado a las
tendencias revolucionarias, anti academicistas. 1855 abre un pabellón de pintura “Realista”,
difundido y gestionado por él, se independiza de la academia.
Principios
No copiar lo que otros hacen
No copiar lo que yo hago
No copiar a Rafael, mejor suicidarse
Hacer lo que veas, sientas o quieras
Él no busca en sus obras un relato una narrativa o una alegoría.
Primeras obras:
Autorretrato: claramente usa la fotografía para realizarlas.
A partir 1849: son las obras realistas.
Sobremesa en Ornans: tema costumbrista en grande formato, no correspondía ese formato a
ese tema. Muestra personajes tal cual son, la vida cotidiana no es pintoresca, ni decorativa.
Los Picapedreros: Tema social de gran dimensión. La forma de trabajar es bastante tradicional,
la composición es simétrica se mantiene el peso compositivo de las figuras, hay línea de
contorno. Lo novedoso es que toma lo cotidiano y lo trabaja en grandes formatos. La temática
es socialista, busca una democratización del arte, todos son objetos de estudio y pueden
aparecer representados. Lo importante para él es representar la realidad tal cual es.
El entierro de Ornans: Se trata de una escena de género, representada en gran formato.
Muestra a todo el pueblo, cada personaje es trabajado realísticamente y no hay jerarquía entre
los personajes. Hay algunos aspectos tomados del barroco.
El taller del pintor: Es un manifiesto de su obra. En el centro está el artista con una modelo. A la
derecha hay retratos de amigos, a la izquierda aparecen representados los que viven y mueren
en la pobreza (podemos distinguir a Jesús en la cruz). Aparece el paisaje, el retrato, la escena de
género, el denudo, todo entra en el taller del artista.
Mujeres a orillas del Sena: Esta obra generó rechazo en su época dado que las mujeres que
están vestidas como de clase social acomodada son grotescas. Les chocó que no sean mujeres
idealizadas.
Las Cribadoras: Mujeres trabajando, ociosas. Aparece la influencia de la estampa Japonesa.
El origen del mundo: retrata una concha. LA compra Lacan, no se suele exponer. Realismo en el
trabajo del Pubis. En los desnudos se separa de la pintura neoclásica, no son idealizados,
aparece la textura de la piel, el bello, el tipo de cuerpos, el desnudo es realista

HONORÉ DAUMIER: 1808 1879: Fue caricaturista, grabador y pintor. Se ríe del proceso histórico
en caricaturas, sátiras, ilustraciones, que publica en revistas. Es censurado en el reinado de Luis
Napoleón.
En su pintura preserva el trazo caricaturista, sintético, casi impresionista.
En las ilustraciones critica a Luis Felipe de Orleans. Sus litografías lo vuelven famoso, pero lo
llevan tener muchos conflictos. Asiste a las cámaras del congreso a hacer bocetos o modelados
de arcillas de los personajes políticos de la época.
Los emigrantes es una serie de obras que representa a muchas de las personas que emigran
para evitar ser deportadas a Argelia, luego de haber participado en los levantamientos.
Su forma de representación es expresionista, a la vez que es sintética.
El vagón de tercera clase, realizados por un pedido del ferrocarril de Chicago. Pinta el transporte
público, que era algo bastante nuevo. En el centro de la composición una mujer, y niños de clase
baja, trabajadora, atrás se muestran personas de distintas clases. Se ve un amontonamiento de
personas una alado de la otra.
Durante la represión se dedica a hacer ilustraciones del Quijote. Muy sintética, expresionistas,
pincelada gestual, bien marcada.

JEAN FRANÇOIS MILLET 1814 1875

Escenas de paisajes rurales, representa la clase social de la cual proviene y realiza el contraste
con la vida corrupta de la ciudad. La vida en el campo es sencilla, de trabajo.
Van Gogh lo admira. Los campesinos no están idealizados, es muy realista.
Las espigadoras: Composición clásica, centralizada, perspectiva. Juntan lo que sobra de la
cosecha, la vida campesina también es pobre. El derecho de las mujeres pobres y de los niños
era juntar lo que quedaba en el campo. Paleta influenciada por el estudio de la luz, la atmosfera.
No están idealizadas, tienen la piel bronceada.
El ángelus: Pareja rezando, la pintura es atmosférica, con una pincelada modulada, están
rezando la muerte de un niño, una situación usual en el campo, tiene que modificarla por la
censura.

MANET:
Es un artista bisagra entre realismo e impresionismo. Está muy influenciado por el realismo,
aunque aspira a ser un artista académico. Por ello, trabaja temáticas tradicionales dentro de la
historia del arte, pero les da una factura y un punto de vista contemporáneo.
El almuerzo sobre la hierba: Podemos ver dos burgueses y una mujer desnuda que mira al
público rompiendo la cuarta pared. En el fondo una mujer se baña. Este cuadro retoma los
conciertos campestres del renacimiento que representaban a los artistas rodeados de las
musas. En sus contemporáneos genera rechazo que el desnudo no esté idealizado. Se puede
identificar a la mujer con una especie de prostituta. Para el paisaje utiliza una mancha abierta y
más precisión en las figuras. El cuadro incluye otros géneros como la naturaleza muerta, el
paisaje, el desnudo.
En el salón de arte oficial, rechazan la mayoría de las obras de estos nuevos artistas. Abren una
muestra de obras rechazadas.
Retrato de Emile Zola: quien había defendido su obra frente a los críticos. Incluye sus intereses
como la estampa japonesa. Manet es uno de los artistas que incorpora en su pintura elementos
de la estampa japonesa como la planimetría, la línea de contorno que modula y simplifica las
imágenes, la lectura invertida (de margen inferior derecho a margen superior izquierdo), la
sobreposición de planos o campos de color y los paisajes con perspectiva a vuelo de pájaro
(desde arriba). Manet no utiliza la caja escenográfica para construir el espacio de
representación, simplifica las figuras en planos de color, aplicación del color realizando manchas
y yuxtaponiendo pinceladas.
Manet era fanático del arte español, específicamente de Velázquez y Goya.
El fusilamiento del emperador Maximiliano de México: hace referencia al fusilamiento de
goya. El pueblo observa. Esta es la única obra con temática política de Manet. La realiza para
manifestarse críticamente frete a los sucesos, representa a los soldados como franceses y no
como revolucionarios.
Olympia: En este desnudo vemos a una prostituta reconocida en la época. Ella observa al
público y recibe un regalo flores. Manet retoma una tradición que ya había trabajado Goya en
sus Majas. Esta es la venus contemporánea a Manet. El uso del blanco es prominente, hay
diferentes tonalidades de color con un valor muy alto que generan un blanco colorido. Se
genera un gran contraste entre las zonas de luz y oscuridad. El trabajo es planimétrico,
bidimensional.
Ninfa sorprendida: trabajo planimétrico, ninfa no idealizada, trabajadora. Diferencia de
pincelada entre el paisaje y la figura. Recupera una temática tradicional, pero sin idealizar ni
estilizar la figura. Le critican que parece no acabada.
Música de Tullerías, 1862: Representa a la sociedad burguesa parisina. Mucha iluminación,
salen al aire libre a completar las obras al aire libre.
Incorpora la fotografía como herramienta de trabajo. Incorpora el nivel de saturación de luz en
algunas imágenes
El pífano, Esta obra tiene influencia de estampa japonesa, lo podemos apreciar en su
bidimensionalidad, en los planos de color sobre un fondo neutro, en la línea de contorno
marcada. La imagen está resuelta mediante planimetría de color, el recorrido del brazo y del
hombro, por ejemplo, se reconstruye mentalmente. En cuanto al fondo, no hay ningún
referimiento al espacio, salvo la sombra a los pies.
Con el tiempo Manet empieza a dejar las temáticas tradicionales y comienza a representar
escenas de la vida parisina contemporánea. En cafés y cabarets pinta la vida nocturna de la
ciudad.
Esto coincide con un nuevo tratamiento pictórico, comienza a trabajar más desde la mancha y
se acerca al impresionismo. Se interesa por el movimiento y la luz. Compone a partir de la
yuxtaposición de pinceladas.
Aparece el afiche publicitario como parte de la ciudad.
aparecen muchos estudios científicos sobre la luz. Los artistas intentan captar los fenómenos
naturales de la luz.

IMPRESIONISMO
Los elementos que incorporan los impresionistas en su actividad artística son estudio de la luz y
el color que se forma a partir de la refracción del rayo de luz; salen a pintar al aire libre, se
representa y se estudia la realidad como está delante, esto se toma del realismo.
Boudin ya pintaba paisajes en el exterior, principalmente vistas marinas en pequeños formatos.
Estos motivos decorativos ya guardaban un interés por trabajar desde la mancha y captar la luz,
buscando que se parezca al momento del día en que se había pintado. Además, sus pinceladas
eran abiertas y separadas. Boudin es un claro antecedente del impresionismo.
Los impresionistas se empiezan a juntar en el café Guerbois junto a intelectuales de distintas
áreas. Entre ellos se encuentran Monet, Renoir, Pizarro, Manet. No eran reuniones con fines
políticos, sino artísticos. Este movimiento no tiene ningún tipo de denuncia social, como sí era el
caso del realismo.
Cuando Francia entra en guerra con Prusia el grupo se disgrega, al menos hasta que se
establece la tercera república. Entonces, el gobierno, que se consolidaba como imperio colonial,
quiere mostrar a Francia como potencia cultural. Por eso, se hacen exposiciones universales que
incluían artistas de países aliados de Francia. Allí se exponen las nuevas tendencias y los
impresionistas comienzan a ser reconocidos.
Los artistas impresionistas se consideran artistas científicos, estudian los fenómenos de la luz.
Estudian los paisajes, y como se fragmenta la luz en los objetos. Están inmersos en el contexto
positivista. Todo fenómeno es susceptible de ser analizado mediante la fragmentación, dice
Comte. Por ello Trabajan la modulación de la luz y no los valores blanco y negro. También suelen
evitar la línea de contorno. Buscan representar la luz natural. El objeto o paisaje o tema pasa a
un segundo nivel de importancia. Siguen la ley de contraste cromático, es decir que todo color
es relativo al color que lo rodea. Por ello un mismo objeto con distinta luz genera un cuadro
totalmente diferente. Pinceladas de colores puros, el ojo une todo. Toman la teoría de la
Gestalt. Todo a partir de partes.

La sociedad cambiaba muy rápido debido a los avances técnicos. Los impresionistas quieren
representar el movimiento que identifica a la sociedad. Tratan de captar la velocidad, pintan
muy rápido, trabajan en serie, suelen hacer varios cuadros a la vez a lo largo del día, pintan lo
mismo en diferentes momentos del día con diferentes luces, pintan el ambiente.
No hay una preconcepción de la obra, no hay caja escenográfica, no hay figura fonda, no hay
claroscuro.
Se pone de moda el orientalismo, debido a que en 1870 Japón empieza a comercializar sus
productos con Europa. Les llegan las estampas japones y publicidades del teatro kabuki. Ellos se
interesan por esas imágenes que son bidimensionales, con campos de color, lectura invertida,
visiones desde arriba. También se impone la moda mobiliaria y textil japonesa.
La fotografía es una herramienta. Se empieza a experimentar artísticamente con ella.

MONET
Es del norte Francia. En sus primeras obras tiene una forma similar a Daumier, hace caricaturas.
Lo rechazan en la academia de Paris. Entra en la academia Suis que no tenía una formación tan
tradicional, era dentro de todo liberal. Allí conoce a Renoir y a Pizarro. Boudin lo impulsa a
trabajar al aire libre. Pinta paisajes, escenas burguesas, de ocio, galantería, fiestas en el jardín.
Todavía no fragmenta el color, pero si tiene interés por la luz y el trabajo al aire libre.
Serie que muestra el estilo de vida de parís de la burguesía.
En la Grenouillere se cómo empieza a separar la pincelada y fragmentar los colores
La garza: estudia la luz, el color, no usa blanco puro sino una modulación de colores.
Impresión del sol naciente: Pintado luego de que Monet viaje a Inglaterra donde conoce la obra
de Turner. Es un amanecer, el paisaje está hecho por modulación de color. La pincelada está
fragmentada. El observador es el que tiene que reconstruir la imagen, las figuras y los colores.
Es expuesta en el taller de Nadar en 1874 junto a otras obras impresionistas que no eran
admitidas en la academia. Se reconocen como artistas independientes. Esta obra genera un
gran rechazo, ya que parece un boceto. Uno de los críticos dice que esta obra parecía hecha de
manchas o impresiones, y llama despectivamente al grupo “impresionistas”. Desde entonces
ellos se apropian del término.
Cuatro periodos
1: Argentuil 1872: empieza la fragmentación de la pincelada. Pinceladas de color yuxtapuestas.
El tema es el agua y su movimiento.
El campo de amapolas: Trabaja la mancha
Boulevard de Capucines: La profundidad generada con diagonales intercaladas, al modo
japonés. Se representa la nueva Paris.
Trabaja en serie para poder pintar las transformaciones de la luz a lo largo del dia. Se repite la
temática cambia la luz y el color.
La Gare Saint Lazare: Pinta el mundo moderno, las nuevas estructuras arquitectónicas.
2: Port- Villez: muchas pinturas con paisajes acuáticos, campos, arboles. Pinceladas breves y
yuxtapuestas, estudia los fenómenos atmosféricos.
3: Giverni: comienza el trabajo en series. Estudia el movimiento. A raíz de una enfermedad en
los ojos (cataratas). La figuración se va air perdiendo.
Serie de las nenúfares
Serie de la catedral
Nymphéas: Mural de gran formato que envuelve al espectador, casi circular con muchos
paneles. Muestra su interés por el agua y las plantas, pierde la figuración trabaja cada vez la
mancha, trabaja el juego de pinceladas, los colores
RENOIR 1841- 1919:
No pertenece totalmente al movimiento impresionista. Durante una época participa, luego
recupera el dibujo hacia un lenguaje más relacionado al clasicismo italiano. Trabaja mucho la
figura humana, sobre todo la femenina.
La Grenouillere: Pintada a la vez que la de Monet, se diferencia en que la pincelada es más
yuxtapuesta en el caso de Renoir y en que tienen distinta distancia del objeto.
El columpio: escena de galantería. Mucha luz solar, entre los árboles. Tiene una pincelada
acaracolada, envolvente.
Baile del moulin de la galette: Aire festivo parisino, recuerda al rococó.
PIZARRO
Trabaja en paisajes. A partir de 1886, que es la última muestra de artistas impresionistas,
empieza a trabajar el divisionismo, divide los colores de manera bien clara y precisa, para
componer la obra en la retina. No se mesclan los colores en la paleta. Se trabaja con puntos o
rayas de manera bien separada cada color.
BERTHE MORISOT: ella y su hermana se dedican a la pintura. Por el contexto está limitada en
cuanto a las temáticas. Aborda el retrato y la figura humana. Recrea el ambiente femenino,
intimo, con una técnica impresionista.
El moisés: Captura la luz en el blanco del moises, con transparencias, no son blancos puros,
logra una luminosidad a travex del color. Utiliza la pincelada personal, fragmentada,
yuxtapuesta.
Eva Gonzalez, Mary Cazat otras.

DEGÁS 1834.1917
Desarrolla un lenguaje impresionista muy propio. Trabaja el interior, algo poco usual dentro del
grupo impresionista, sobre todo el mundo del teatro. Pintas bailarinas, óperas, el mundo
femenino de los vestidores. Además, se interesa por el mundo de las carreras de caballos.
Trabaja en un taller, en interior. Piensa la obra como una caja escenográfica, tridimensional.
Tiene un punto de vista, un encuadre fotográfico en el cual hay partes de la escena que quedan
fuera de la obra y no se esfuerza por modificar la composición para que entren. Está en la
búsqueda de encuadres nuevos. En ocasiones, cuando pinta ambientes femeninos parece que la
mira desde un cerrojo. A veces recurre al dibujo y a la figura de contorno. Estudia la luz, pero es
la luz del teatro, artificial, explora cómo incide en las figuras, en la carnación, en las sombras.
Desarrolla una factura muy veloz que le sirve para pintar el movimiento. Para conseguir esto le
sirve utilizar pasteles. La velocidad lo lleva a la simplificación, quiere captar el gesto. El
movimiento lo lleva a perder en algún punto la figuración.
Por un glaucoma pierde la vista, entonces se dedica a la escultura, quedan muchos modelados
de cera que son frágiles. Su sobrino las lleva fundir. Por más que perteneció al grupo y participó
de todas las muestras impresionistas, su obra tiene aspectos que no comparte con los otros,
como que usa el negro, la línea de contorno.
DIVISIONISMO
Critican que los impresionistas no ejecutaron las reglas del color con rigor científico. Ellos
buscan que la fusión del color se forme en la retina, en el soporte hay separar el color para
preservar la vivacidad del color y de la luz. Terminan su obras en el interior, porque necesitaban
del estudio y el trabajo del detalle.
Las obras son como una composición musical: hay que buscar generar ritmos armónicos tanto
con la forma, la composición, como en la aplicación del color
SEURAT:
Tarde de Domingo en la isla de la Grande Jatte: 1884: Se presenta en la última muestra
impresionista. Utiliza el puntillismo como técnica, tomando la pintura directamente del pomo.
Dividen los colores que se recomponen en el ojo. Las figuras toman un carácter geométrico. Se
realiza en un estudio, si bien se toman apuntes al aire libre. La burguesía pasando la tarde. Las
verticales van formando cierto ritmo.
LA torre Eiffel 1889: Pintado el mismo año de su inauguración. Conmemora el centenario de la
revolución. Muestra la tecnología, como se puede construir en altura y en velocidad con piezas
prefabricadas y ensambladas. Se hace dorado, casi ocre.

Actuación Circense: La composición es aditiva, se podría recortar una parte y todavía

funcionaria. Típico de trabajo de taller.
Las Modelos 1888:
Las obras son bastante bidimensionales. Quieren romper con la caja escenográfica. Se busca
representar la profundidad de otra manera, el resultado es bastante bidimensional.
Signac: es el teórico del grupo
Compra tubos económicos. SE deterioran mucho los colores que se transforman y terminan
siendo mucho más fluorescentes. No era la intención original de Signac. El espacio se construye
sin perspectiva.
Artistas “relacionados con el impresionismo pero no son puramente impresionistas”
2 parcial 21/11
Goya, Realismo, Romanticismo e impresionismo
Goya Hellman trasmundo de Goya
Romanticismo: Hauser / Argán
Realismo: Courbet, Clark
Impresionismo: Serullaz / Neo impresionismo: Seurat, de Dalacroix al neoimpresionismo
Simbilismo: TAllel Gideon