Clases HISTORIA III.

UNIDAD 1. La institucionalización de las vanguardias y búsquedas locales.

● Clase 1. Vanguardias en arte y arquitectura en Europa.

QUÉ SON LAS VANGUARDIAS

Hipótesis de clase: las vanguardias, como proyectos insatisfechos, su proclividad a desembocar en la

arquitectura no pone al descubierto sino una voluntad, un sueño utópico por realizarse, por configurar de un
modo artístico la ENTERA REALIDAD cotidiana o material. Sobre este sueño se asientan muchas de las
pretensiones de conciliar el arte con la vida cotidiana o la producción material.

En términos de nueva configuración del modo artístico, prefiguran una realidad cotidiana totalmente nueva.

Definición de Argan, “vanguardia es un movimiento que confiere al arte un interés ideológico (1), y que
deliberadamente prepara y anuncia una alteración (2) radical de la cultura y las costumbres, al negar en
bloque todo el pasado y sustituir (3) la búsqueda metódica por una audaz experimentación estilística y
técnica”.

(1) “...confiere al arte un interés ideológico”: el artista se posiciona desde una manera de ver el mundo, y
desde esa visión plantea su arte, que no está al servicio de clientes, sino que propone su obra de
arte desde su propia visión del mundo, poniendo en el mundo su opinión.
(2) “...prepara y anuncia una alteración”: se refiere al anuncio a través de los manifiestos y la idea de
propaganda. Alteración de la cultura y las costumbres. La vanguardia va a operar como un factor de
ruptura.
(3) “... negar en bloque todo el pasado y sustituir”: no solo es motivo del arte la representación del
mundo, sino también la experimentación. Incorporación de materiales diversos. Romper con la idea
de que la obra de arte es como una ventana para mirar al mundo (idea desde el renacimiento).

Es importante entender que el espacio histórico de la vanguardia, si bien tiene antecedentes en el siglo XIX,
se consolida en el siglo XX, 1914 (inicio de la 1era guerra mundial). Teniendo en cuenta el contexto histórico
y la relación con la guerra, Walter Benjamín establece que se trata de un momento estructurante de la
sociedad: comienza a prefigurar lo cambiante, lo dinámico, acelerado y complejo que será este siglo XX.

“Las vanguardias dominan la creación como cambio hacia una permanente búsqueda de innovación y de
propuestas en todos los caminos del arte y la arquitectura. pese a que nació para morir, las vanguardias
persiguen un ideario de progreso y de futuro sin límite. romper con los cánones anteriores (renacimiento),
molestar a la estructura existente (francia burguesa XIX). La primera ruptura con la mimesis la realiza el
romanticismo, y fueron las vanguardias históricas las que defendieron la idea de “el arte imita a la vida”. las
vanguardias construyeron un andamiaje teórico, artístico y político a partir del “movimiento de rupturas”, fue
el modo de enfrentar y cuestionar el mundo académico y las instituciones del arte. Ello significó la
construcción de un nuevo paradigma cultural. Patrones y contaminaciones que influyen en el arte, el teatro, la
danza, la música, la literatura. el diseño, los objetos y las máquinas, los espacios de arquitectura y la ciudad.
Hacia los años 60´se da un agotamiento de las vanguardias con el arte conceptual y el pop art.” Reinante.

A modo de resumen: El término "vanguardia" se utiliza en diversos contextos para referirse a movimientos
innovadores, pioneros o avanzados en diferentes áreas, como el arte, la política, la tecnología o la cultura en
general. En el ámbito artístico, la vanguardia se refiere a un conjunto de movimientos y estilos que surgieron
a fines del siglo XIX y principios del siglo XX, en un contexto de profundos cambios sociales, políticos,
económicos y tecnológicos. Se caracterizaron por su ruptura con las tradiciones artísticas establecidas. Estos
movimientos buscaban explorar nuevas formas de expresión, experimentar con técnicas innovadoras y
desafiar las normas convencionales.

EN QUÉ CONTEXTO SE DESARROLLAN / SURGEN

Subirats establece que las vanguardias históricas constituyeron al mismo tiempo el reverso de la decadencia
ligada al nacimiento de la sociedad industrial. Decadencia de los valores estéticos de la burguesía clasicista y
liberal del siglo XX; decadencia social, crecimiento más allá de los imaginable de los conflictos en las
modernas metrópolis industriales.. He ahí los momentos contra los que las vanguardias se elevan como
PROTESTA Y FUERZA DE CHOQUE, principio generador y promesa de salvación”.
Por definición, “las vanguardias atacaron la sensibilidad burguesa desde la corrosión de sus ideales estéticos
y la renuncia a la artisticidad de las academias, para ello, el punto central de ataque fueron las instituciones
representativas, pero en decadencia de ese mundo y por sobre todo, el mercado, de quien guardaron un
distanciamiento agresivo como base de su eficacia” Jorge Mele.

Algunos puntos importantes que llevaron al surgimiento de las vanguardias:

- Cambio Social y Cultural: Urbanización e Industrialización, el rápido crecimiento de las ciudades y la

industrialización transformaron la vida cotidiana. Las ciudades se expandieron, surgieron nuevas clases
sociales, y las condiciones de vida y trabajo experimentaron cambios significativos. Nuevos Modos de Vida,
la vida urbana trajo consigo una diversidad de experiencias culturales y sociales. La gente buscaba nuevas
formas de expresar sus identidades y experiencias en un mundo en transformación.

- Desarrollo Tecnológico: Innovaciones Tecnológicas, Avances como la fotografía, el cine, la radio y la

telegrafía electrónica cambiaron la forma en que las personas percibían el mundo. Estos medios influyeron
en la percepción del tiempo, el espacio y la realidad. La fotografía influyó en la pintura al liberar a los artistas
de la necesidad de representar la realidad de manera precisa, permitiéndoles explorar nuevas formas de
expresión y abstracción.

- Crisis Política y Social: Primera Guerra Mundial: La devastación y el trauma de la Primera Guerra
Mundial generaron un profundo escepticismo hacia las instituciones tradicionales y las normas culturales.
Muchos artistas sintieron la necesidad de romper con el pasado y buscar nuevas formas de expresión. La
guerra y sus consecuencias provocaron una crisis en la percepción de la identidad y la estabilidad, llevando a
los artistas a cuestionar las convenciones establecidas y a buscar nuevas formas de representar la realidad.

Tópicos pedagógicos (PARA ORIENTAR LA INTERPRETACIÓN PROBLEMÁTICA DEL TEMA).

- Antecedente-sucedente: la historia del arte y arquitectura, se recuperan ciertos aspectos de esta historia.
- Ruptura: concepto central en relación a las Vanguardias.
- Arte imita a la vida, ruptura con la mímesis. Refundación de los códigos del arte y la arquitectura:
desmontaje de las estructuras miméticas. Permanente camino a la innovación.
- Metáfora de “las vanguardias nacen para morir” (relación con el futurismo). Aun así, persiguen un
ideario, tienen la idea de progreso y futuro sin límites.
- “Contaminaciones figurativas”. Momento de la arquitectura con mayor sublimación del arte.
- Doble estructuración “Arte objetivo y arte subjetivo”.
- Centros de difusión, espíritu de la época. Centros de enseñanza, centros de producción de ideas,
centros de lucha incluso.
- Idea de “manifiesto” como vehículo de representatividad de la lucha. Herramientas de producción
teórica.
- “Vínculos con la arquitectura moderna” y los denominados “maestros de la arquitectura moderna”, como
así también con las demás manifestaciones artísticas.
- Dos figuras de la vanguardia que caracterizan a la época, la metrópolis y lo maquínico.
- Espacio VITAL: diferentes autores hablan de este espacio, como espacio de transformación, de
dinamismo, de velocidad. La idea de la vitalidad, de lo energético.
 Los centros son países, son ciudades, instituciones, revistas, manifiestos, exposiciones. Hay una
proliferación de textos y producción material y simbólica que se interconecta en este proceso de
contaminación del arte: música, escultura, pintura, arquitectura y urbanismo.

A continuación, características de las diferentes manifestaciones estéticas y principales líneas. En todas

vemos transformación de los principios de forma- armonía, aspectos provocativos, arte que imita a la vida,
guerras e industrialización, metropolización y maquinización.

1. EXPRESIONISMO 1909-15: antecedentes en el Romanticismo, el Naturalismo y el Realismo.

En el Arte Pictórico.
- Surge en Alemania a principios del SXX. Vinculado con este proceso en donde Alemania se
incorpora al mundo de la industrialización; discute la hegemonía de Inglaterra.
- Temas tratados: mundo moderno, opresión, terror, soledad, miseria, locura, prostitución, margindad
social.
- Carácter antipositivista y antiliberal: Hegel, Karl Marx, Nietzsche.
- Colores violentos.
- Movimiento heterogéneo: reunió a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente
formación. Todos sin embargo, defendían un arte más personal e intuitivo, donde predomine la visión
interior del artista, “la expresión”, dando primacía a la expresión de los sentimientos, más que a la
descripción objetiva de la realidad.
- El expresionismo reflejó la amargura que invadió la primera guerra mundial (1914-1918) y el periodo
de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo de cambiar la vida. Fiel reflejo de las
circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la
angustia existencial del individuo.
- Buscaba representar las emociones y las experiencias internas más que la realidad externa. Los
artistas expresionistas a menudo utilizaban colores vibrantes, formas distorsionadas y pinceladas
expresivas para transmitir una sensación de intensidad emocional. Las representaciones eran
frecuentemente distorsionadas y exageradas, mostrando una visión subjetiva y perturbadora de la
realidad.
- Defendía la libertad individual, la primacía de la subjetividad, el apasionamiento y los temas
prohibidos: lo morboso, demoníaco, sexual o pervertido.

En Alemania, el Expresionismo se organizó en torno a 2 grandes grupos…

- Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) - 1911: grupo pictórico fundado por Kandinsky en 1911, y es
considerado como oposición al cubismo porque considera una limitación a su fundamento racionalista
y realista (aunque reconoce su acción innovadora). Tiene una orientación espiritualista que se unió
por el intento de penetrar las cosas más allá de las apariencias para acercarse a su esencia secreta.
Este movimiento es anticlásico porque perfila la renovación del arte como la victoria del irracionalismo
oriental sobre el racionalismo artístico occidental, y por lo tanto sobre el cubismo. A pesar de ser
expresionista, el grupo tiene relación con las tendencias abstractas.
- Die Brücke (El Puente) - 1905: su mayor interés era destruir las viejas convenciones. La inspiración
debía fluir libre y dar expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Presentan un estilo
lúgubre y oscuro. Su carácter es denuncialista. Reacción a la degradación social.
- En la Bauhaus, Gropius deja afuera a todo el Jinete Azul y El Puente, al único que acepta es a
Kandinsky, pero condiciona su actividad.

Grupo "Die Brücke" (El Puente) Grupo "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul)
 En la Arquitectura:

El expresionismo arquitectónico europeo toma la visión de una cultura elevada mediante el uso del cristal,
como herramienta para consolidar una sensibilidad no represiva y por ende, antiacademicista enfrentada a
toda forma conservadora. Movimiento pro expresionista encabezado por Kandinsky que promovió una
oposición a la cultura estatal que se había iniciado con la Deutscher Werkbund.
La forma libre y la producción racional eran aspectos incompatibles. Behrens y Gropius tendían a una
modalidad normativa que es la clásica, mientras que Van de Velde y Taut manifestaban en sus edificios una
voluntad de forma libremente expresada.

“Estas vanguardias se preocupaban por construir una meta teoría cuando no podían instalar un código
innovador”. Reinante.
En “el Pabellón de Vidrio en la exposición Deutsche Werkbund” de Bruno Taut (Colonia, 1914), podemos
entender, con el conjunto de ideas y proyectos de Taut, los significativos problemas que presenta el
expresionismo. Su idea plantea de una manera profunda una crítica al imperativo racionalismo industrialista.
Sus obras, coincidentes con el desarrollo industrial y la difusión del vidrio considerado material misterioso y
sugestivo, evocan un mundo idealizado y purificado. Entiende a la ciudad y a la arquitectura como un
resguardo ante la eliminación producida por los medios de producción: la transparencia del vidrio deja ver,
pero ofrece ese resguardo necesario.

“Pabellón de vidrio en la exposición “observatorio e instituto astrofísico en

Deutsche Werkbund” bruno taut, colonia 1914 telegrafenberg” E. Mendelsohn en potsdam 1920-21.

2. DEUTSCHER WERKBUND 1907-14: asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales fundada en 1907
en Alemania. Integración del arte y la industria a escala nacional. Esta organización desempeñó un papel
significativo en el desarrollo del movimiento moderno en diseño y arquitectura.

En un contexto en el que Alemania se convierte en un centro de la cultura arquitectónica europea,

caracterizado por su falta relativa de tradiciones arquitectónicas comparables con otras naciones. La
industrialización en Alemania es un fenómeno reciente, pero la nación ha logrado establecerse como una
potencia industrial más nueva. Esto ha permitido la formación de una minoría de profesionales abiertos y
progresistas, que incluyen técnicos en economía, políticos y artistas. Estos individuos no se posicionan de
manera polémica contra las autoridades establecidas, sino que están en condiciones de asumir roles de
liderazgo en una sociedad en pleno proceso de transformación. En este contexto histórico y social, surge la
organización cultural alemana más importante de la preguerra: el Deutscher Werkbund

La misma plantea el proceso de identidad cultural y debate acerca de las condiciones de producción artística
y de estandarización o libertad del arte. El Werkbund era un movimiento artístico que buscaba integrar los
oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un
lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña.

Es decir, el Deutscher Werkbund buscaba unir el arte y la industria para mejorar la calidad del diseño
industrial y promover la colaboración entre artistas, artesanos y fabricantes. El movimiento buscaba superar
la brecha entre la artesanía tradicional y la producción industrial en la Alemania de principios del siglo XX.
Además, sentó las bases para la Bauhaus, escuela de diseño Alemana que surgió más tarde.

Tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento:

- separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que la vinculan.
- Imponer la normalización del formato DIN.
 - Adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
(la Bauhaus tomaría esta base).

3. Futurismo 1909-15: vinculación con el proceso de industrialización tardío de Italia. Tensión entre los ejes
Roma-Milán. La máxima de los futuristas tiene que ver con la glorificación de la guerra. La audacia, la
energía, el movimiento. El principal hacedor de este manifiesto es Citta Nuova: proyectos innovadores,
mecanización de la ciudad mediante transporte vertical, etc.
Liderado por el poeta y escritor Filippo Tommaso Marinetti. Nace en italia, en un contexto donde esta nación
se encuentra en un plano inferior respecto de las grandes potencias, por lo que la frustración por los atrasos
tecnológicos produce idolatría a la máquina, consideraban que a través de la destrucción de las instituciones
académicas y de todo lo que los atrae al pasado lograron llegar a cabo sus ideales y el método para
realizarlo era a través de la guerra, símbolo de la destrucción total. Los artistas buscaban despojarse del arte
del pasado y persiguen la inspiración en la sociedad industrial. Es el primer movimiento que se puede llamar
vanguardia, porque introduce en el arte un interés ideológico, y prepara un vuelco radical en la cultura.
Puntos claves del Futurismo:
- rechazo de las tradiciones artísticas del pasado y abrazaba la modernidad, la velocidad y la
tecnología como los principios fundamentales de una nueva estética.
- buscaba romper completamente con las formas artísticas tradicionales. Rechazaban la nostalgia por
el pasado.
- Los artistas futuristas utilizaron elementos visuales para representar la velocidad y el dinamismo. Las
formas geométricas, líneas diagonales, colores vibrantes y composiciones que transmitieran
movimiento.
- Algunos futuristas apoyaron activamente el conflicto (guerra mundial), viéndolo como una
oportunidad para destruir viejas instituciones y dar paso a una nueva era. “Piden guerra como higiene
del mundo”.

“Dinamismo de un futbolista” Boccioni 1913 “Desnudo bajando la escalera” Marcel Duchamp 1912
Efecto estroboscópico de la pierna, el movimiento es la cuarta dimensión. Movimiento estroboscópico de los objetos, usaban la fotografía.

- En la Arquitectura:

En 1914 se da el primer intento consciente de trasladar al campo de la arquitectura el espíritu revolucionario

de la vanguardia a través del manifiesto de la arquitectura futurista. “Crear la nueva casa construida a través
de todos los recursos de las ciencias y las técnicas”.
Se presentan las condiciones para un cambio profundo: perfeccionamiento de los medios mecánicos, el uso
racional y científico de los materiales. Los futuristas buscaban expresar la sensación de movimiento y
velocidad en sus diseños arquitectónicos. Esto se reflejaba en formas y líneas dinámicas, así como en la
integración de elementos que sugerían movimiento, como líneas diagonales, curvas y espirales.
Incorporación de nuevos materiales como el vidrio, el acero y el hormigón armado. Buscaban diseñar
edificios que se adaptaran a las necesidades prácticas de la sociedad moderna.
 - En el Urbanismo:

Los futuristas no solo se limitaron a diseñar edificios individuales, sino que también propusieron visiones para
ciudades del futuro. Estas ciudades imaginarias a menudo presentaban rascacielos, infraestructuras
modernas y una organización urbana que reflejaba la velocidad y la eficiencia.
- El tema urbano es el centro de las búsquedas del futurismo.
- monumentos tecnológicos.
- buscan una imagen poética de la ciudad.
- no se plantea un modelo urbano, sino gráficos, perspectivas y dibujos.
- Sant´Elia fue el principal exponente de la arquitectura futurista.
El futurismo en la arquitectura y el urbanismo tuvo un impacto limitado en la práctica real de la construcción,
ya que muchas de las ideas propuestas eran difíciles de implementar con la tecnología disponible en ese
momento.

“Citta Nuova” “Estación única de pasajeros de Milán” Sant´Elia “Central eléctrica” Sant´ Elia

4. Cubismo 1907-14: Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Da pie a las otras vanguardias. No se trata de un ismo más,
sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
Es la primera expresión que se dedica a definir una estructura funcional dentro de la obra. se quiere innovar
el plano estrictamente técnico, sin hacer caso a los sucesos socioculturales. quieren hacer la revolución
estrictamente a través del cuadro, si bien tiene algunas figuras humanas, no tienen una carga de denuncia
como en el caso del expresionismo. Ruptura con la perspectiva. Disocian la integridad de la imagen en sus
componentes elementales. Los artistas cubistas rompían las imágenes en partes geométricas como cubos,
conos y pirámides, mostrando múltiples perspectivas en una sola imagen.
ilusión plástica de la 4ta dimensión. Posee 2 momentos:
- Uno analítico, impresionista, más abstracto, donde los elementos del cuadro se descomponen en
formas geométricas, abarcando temáticas como la naturaleza muerta mediante instrumentos
musicales, pipas, frutas, vasos y botellas, usando colores restringidos y técnica de collage. ruptura
figura fondo.
- El segundo momento más sintético, donde ya hay una percepción de una forma global identificable.
la luz como sustancia especial que revela los objetos. Elementos más simplificados y colores más
vivos.

“La señoritas de avignon” Picasso 1907 “Los tres músicos” Pablo Picasso.
Primera ruptura en la historia del arte moderno. el fondo se acerca, y se encaja entre las figuras.

5. Purismo 1918-25: distorsión y geometrización de lo real, síntesis y simplificación de formas.

- Sentido lúdico y positivo de la vida.
- Retórica de formas geométricas puras en el plano y en el espacio.
- Fuerte estructuración de las ideologías visuales.
- espíritu nuevo, ya no es tiempo de revoluciones.
- colores más planos y puros en lugar de la paleta más diversa y expresiva del cubismo.
El pintor Amadee Ozenfant y el pintor y arquitecto Le Corbusier, desarrollaron en la Francia de la primera
posguerra, un movimiento pictórico que se plantea explícitamente como una superación del cubismo.
 Considera como valores positivos, el desarrollo de 4 dimensiones y el intento de la abstracción, sin embargo,
plantea que su modalidad no se basa dentro de las reglas de las filosofías neoplatónicas.
Esta vanguardia es un arte basado principalmente en el uso de las formas básicas, despojadas de elementos
superfluos, que procura la armonía estética mediante el uso de la sección áurea.
A diferencia del cubismo, el purismo buscaba una mayor claridad y orden en la representación visual; y no
buscaba la abstracción total. Los artistas puristas aún mantenían cierto grado de representación reconocible
en sus obras.
El purismo también se extendió más allá del arte visual hacia la arquitectura y el diseño. Los puristas creían
en la conexión entre el arte y la vida cotidiana, abogando por un enfoque más funcional y utilitario en la
creación artística y arquitectónica.

- En la Arquitectura:

Amédée Ozenfant y Le Corbusier, desarrollaron en la Francia de la primera posguerra, un arte basado en el

uso de formas básicas, despojadas de elementos superfluos, que procura la armonía estética mediante el
uso de la sección áurea. Pureza y claridad en el diseño. Posee una afinidad con el futurismo, inspirada en las
máquinas modernas consideradas como paradigma de belleza.
Al igual que otros movimientos arquitectónicos de la época, como el Movimiento Moderno, el purismo
abrazaba el funcionalismo. Los arquitectos buscaban diseñar edificios que respondan eficientemente a las
necesidades prácticas y funcionales, evitando la ornamentación superflua.
Comenzaron a utilizarse materiales modernos como el acero, el vidrio y el hormigón.

Le Corbusier, en particular, desempeñó un papel fundamental en el desarrollo y la promoción del purismo,

que luego influyó en sus ideas y contribuciones al Movimiento Moderno en la arquitectura.

“Pabellón del espíritu nuevo” París 1925

6. Neoplasticismo 1917-31:
- Momento de la tradición de los países bajos.
- De Stijl (El estilo): revista como productora de una teoría, que se vincula con diferentes espacios de
distribución de la enseñanza (Italia, Bauhaus). Fue fundamental para la difusión de las ideas
neoplásicas. Publicada entre 1917 y 1931, la revista fue un medio clave para la discusión y
promoción de las teorías y obras de los artistas y arquitectos del movimiento.
- Influencia de la matemática plástica y la filosofía neoplatónica. Orden plástico nuevo, líneas
ortogonales, colores primarios. Geometrización y abstracción como nuevos lenguajes del arte y la
arquitectura.
Fue fundado en Holanda por los pintores Van Doesburg y Mondrian. País donde nace una nueva rebelión
moral contra la violencia irracional de la guerra: idea de que la razón, y no la violencia, es la que debe
determinar los cambios en la humanidad. Buscaban llevar todo a la mínima expresión, despojar al arte de
todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y
universal. Querían construir una nueva plasticidad, con un método con el cual hacer sistemática la operación
de la abstracción, utilizando elementos bidimensionales.
El neoplasticismo se basaba en el uso de formas geométricas básicas, como líneas horizontales y verticales,
cuadrados y rectángulos. Estos elementos se combinaban para crear composiciones equilibradas y
armoniosas. La paleta de colores del neoplasticismo se limitaba a los colores primarios (rojo, azul y amarillo),
así como al blanco, el negro y las gamas de grises. Esta elección de colores no solo buscaba la simplicidad,
sino que también reflejaba la creencia en la universalidad y la atemporalidad de estas combinaciones.
Utilizaban proporciones matemáticas precisas, como la proporción áurea. Rechazo a la ornamentación (al
igual que otros movimientos).
 - En la Arquitectura:
- Deben servir como herramientas para satisfacer las necesidades sociales, pero no con el fin de lograr
una reforma en la sociedad.
- estrecha relación con la bauhaus.
- elemental, económica y funcional, antimonumental y dinámica, anti cúbica en su forma y anti
decorativa en su color.
- formas geométricas básicas como bloques, líneas horizontales y verticales, y planos rectangulares
para componer edificios.
- La paleta de colores se limitaba a los colores primarios, negro y blanco.
- Buscaban la pureza y la simplicidad en el diseño, eliminando cualquier elemento decorativo que no
contribuye a la función.
- Algunos arquitectos exploraron la modulación.
- promovía la idea de un diseño integral que abarcara la arquitectura, el mobiliario y otros elementos
del entorno. Esto se reflejó en el diseño de interiores y mobiliario de la época, que buscaban una
coherencia visual y funcional con los principios neoplásticos.

Cafe de Unite en Rotterdam Casa Schroeder, Rietveld 1924 “Composicion rojo, amarillo y azul” “Composicion VIII” abstraccion de una vaca
Jacobus J. [Link] 1921 Mondrian 1921 Van Doesburg 1917

7. Suprematismo 1915.25: Surgido en Rusia. Este movimiento buscaba liberar el arte de las representaciones
figurativas y de cualquier relación con el mundo visible, priorizando la abstracción y la expresión puramente
visual. Supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas. Identidad de la idea con percepción.
Fenomenizacion del espacio en un símbolo geométrico. Abstracción absoluta. tiene que ver más con la razón
que con la percepción visual. cuadro como un medio para comunicar el estado no solo de equilibrio, sino
también de identidad entre sujeto y objeto. niega la función social y la estética del arte. La función del artista
es espiritual y educativa: escuela y museos como instrumentos. La paleta de colores se limitaba a los colores
primarios, negro y blanco. Formas geométricas básicas, como el cuadrado, el círculo y la cruz. Rechazo de la
perspectiva y cualquier intento de representar profundidad.

“cuadro negro sobre fondo blanco” Malevich 1915

representa la culminación de la abstracción y la simplificación del arte.

8. Constructivismo 1918-32: con los nuevos ideales luego de la Revolución Bolchevique (Revolución Rusa),
la monarquía y la aristocracia no eran considerados símbolos de la nueva situación del país. Entonces, se
debía rechazar el pasado y construir todo nuevo; de allí viene la palabra constructivismo.
Tatlin fue el representante de esta vanguardia: el arte debe estar al servicio de la revolución, fabricar cosas
para la vida del pueblo. El arte pasa a ser informativo. La función del artista es espiritual y educativa, es el
arte al servicio de la revolución, como herramienta del gobierno. Creían que el arte debía contribuir
activamente a la construcción de una nueva sociedad, sirviendo a propósitos prácticos y funcionales.
En sí, el movimiento estaba ligado a los ideales del socialismo y buscaba utilizar el arte y la arquitectura
como herramientas para la construcción de una nueva sociedad comunista.
 - materiales industriales como el acero, el vidrio y el hormigón.
- elementos geométricos y abstracción
- Los elementos decorativos se eliminaban en favor de una estética simple y funcional.

En la Arquitectura:

El concepto del abandono de toda referencia imitativa y el deseo de partir de cero para construir una nueva
realidad autónoma, es lo que intenta aplicar Tatlin para las nuevas instituciones soviéticas. La arquitectura se
asocia a la idea de progreso y modernidad. La idea de ser un producto totalmente realizado por la máquina
industrial. nuevo tema: vivienda obrera. Melnikov proyecta un cubo obrero en el que aparece el principio de lo
que va a ser un nuevo emblema racionalista: “la forma sigue la función”.

“Torre de tatlin” Vladímir Tatlin “con la cuña roja, golpea a los blancos” El Lissitzky

Las últimas dos son vanguardias rusas: con tema central el vínculo entre el arte y la política. Las escuelas
tienen un proceso de discusión acerca de la composición ideal, versus la construcción real.

9. ESCUELA BAUHAUS, ALEMANIA, 1919-1933.

- Alemania.
- Surge con esa idea de generar un lugar de trabajo, de elaboración, de taller, hábitat, vivienda,
hospedaje
- enseñan a hacer los objetos de las casas, los objetos de las cosas.
- Diseño, industria, producción en serie, materiales.
- Su cierre en 1933 por Hitler, da por cerrada esta escuela, pero deja un legado evidente durante todo
el siglo XX.
- Kandinsky, Klee, Mies van der Rohe, Van de Velde, Gropius.

Se combina la escuela industrial con la escuela de arte. Van de Velde y Gropius se juntan. El objetivo es
restablecer las relaciones entre el arte e industria, como aquella relación que unía al arte y la artesanía. La
Bauhaus tuvo contacto con todas las tendencias del arte europeo.

Es una escuela democrática basada en el principio de la colaboración, de la búsqueda común entre maestros
y alumnos: idea de la unidad de las artes (pintura, escultura y arquitectura) y de socializar al arte. El
programa de esta escuela se trata de la combinación creativa donde se aprenden cada uno de los materiales
y por último arquitectura. Los objetos diseñados en la Bauhaus alcanzaron un nivel estético y funcional que
aún tienen vigencia: “La función determina la forma y la tipología de los edificios”. Esto llevó al desarrollo de
un estilo minimalista y moderno que influyó en lo que más tarde se conocería como el Estilo Internacional.

La enseñanza en la Bauhaus se basaba en la idea de "aprender haciendo". Los estudiantes pasaban por
talleres prácticos dirigidos por maestros y experimentaban con diversos materiales y técnicas.

La Bauhaus se enfrentó a presiones políticas y conflictos ideológicos, y finalmente fue cerrada por las
autoridades nazis en 1933. Muchos de sus miembros emigraron a diferentes partes del mundo, llevando
consigo los principios y la influencia de la Bauhaus.
10. Dadaísmo 1916-20: Viene de la onomatopeya DADA, que no significa nada.
- Nace de una necesidad de independencia y libertad. Defiende la desconfianza, la negación, la
rebelión y todo lo instituido.
- No reconoce teorías (salvo el automatismo psíquico y ciertas técnicas del psicoanálisis).
- Sostienen que orden=desorden, yo=no yo, afirmación=negación.
- La gran ciudad, metáfora del caos y la indiferencia óptica.

Surgió durante la Primera Guerra Mundial en Zúrich, Suiza (se expandió rápidamente a otras ciudades
europeas como Berlín y París). Es una vanguardia negativa, no pretende instaurar una nueva relación, sino
demostrar la imposibilidad de cualquier relación entre arte y sociedad. idea de que el arte estaba muerto y
era inutil salvarlo. Rechazaron la lógica y la razón como herramientas para comprender y resolver los
problemas del mundo, considerándose responsables de la devastación causada por la guerra. Creían que el
arte tradicional y la cultura convencional estaban corruptos y contribuyen a la perpetuación de la violencia y la
injusticia. Buscaron destruir las instituciones culturales establecidas y socavar las normas artísticas
existentes.

“La fuente” Marcel Duchamp “El violín de Ingres” Man Ray

11. Surrealismo 1918-25: principal desarrollo en España.

- Influencias de Freud y el psicoanálisis.
- Importancia del inconsciente y la realidad liberada de toda lógica y racionalidad.
- Fantasía onírica: pesadillas, sueños, obsesiones.
- André Breton, Salvador Dalí.
El surrealismo buscaba explorar el subconsciente, lo irracional y lo ilógico, dando lugar a obras de arte que
desafiaban las convenciones tradicionales y buscaban liberar la creatividad sin restricciones. trata de lo que
está más allá de lo real. utiliza técnicas tradicionales como la fotografía y objetos simbólicos; y elementos
alejados de su significación habitual, descontextualizados.

“Paisaje Catalan” Joan Miro “El Sueño” Salvador Dali “Relojes derretidos” Salvador Dali

Estas últimas dos responden al arte subjetivo.

Entonces, se resumen las principales líneas de producción de estas corrientes vanguardias…

1 - Estética de la OBJETIVIDAD
2 - Estética de la MÁQUINA
3 - Estética de lo POLÍTICO
4 - Estética de lo ORGÁNICO
5 - Estética del PLANO
6 - Estética de la ESENCIALIDAD
Todas estas posturas sobre las relaciones entre estética y arquitectura no son sino respuestas a esa
pregunta siempre presente en la modernidad: ¿es posible mantener unidos razón y sentimiento, ciencia y
arte, sociedad e individuo? La estética de la vanguardia artística y arquitectónica vive del conflicto o
DUALIDAD entre lo posible y lo imposible, entre liberación e imposición, entre razón y sentimiento, entre arte
y ciencia o mejor dicho entre arte y técnica.

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● Clase 2. Vanguardias artísticas latinoamericanas. Búsquedas regionales.

Reflexión – Refracción. Dos modos de análisis, uno unicentrista y otro policentrista.

Reflexión significa un cambio de dirección cuando los rayos u ondas rebotan en una superficie. Se asocia al
espejo, en el sentido que devuelve una imagen idéntica a sí misma. Refracción significa el pasaje de un
medio a otro de diferente densidad. Un proceso donde aparecen reorientaciones, pérdidas y
transformaciones.

La REFLEXIÓN explica entonces la visión canónica del arte: el arte como reflejo, donde el “modelo del centro
se reproduce en la periferia”; “casa matriz y sucursal”; etc.

La REFRACCIÓN, en cambio, explica la posición hermenéutica del arte, “de las obras a la historia”, “la
mirada construye el objeto de estudio”, etc. Como en el fenómeno de la refracción, aparecen reorientaciones
y pérdidas, que en la arquitectura explican el fenómeno que tiene que ver con la llegada de estas búsquedas
de las vanguardias a un contexto propio latinoamericano.

¿Qué queremos decir? No podemos entender entonces esta producción artística latinoamericana con una
mirada europea. No corresponden equivalencias u homologaciones para analizar el arte europeo o el
americano. Sucesivas fracturas, falta de unidad epistemológica y la constancia de una ejemplaridad propia en
cada sitio-situación, alejan toda consideración CANÓNICA, UNIVERSALISTA y HOMOGENEIZADORA

El arte, como parte de una expresión cultural, origina su propio escenario de sentido. Los artistas americanos
enrolados en posturas de vanguardia no rompen con la tradición, la historia o el pasado, sino que buscan en
su propia tradición o pasado referencias para este nuevo arte. El arte como expresión cultural.

Al igual que en las vanguardias europeas, en los años 20 ya luego de transcurridos los primeros años del
siglo, aparece esta idea, esta aspiración al orden, a la pureza, a la espiritualidad. Una posición antinaturalista
y antipositivista de estos artistas de vanguardia latinoamericanos: por ejemplo, Xul Solar, Petorutti, Borges.

Entonces, el arte latinoamericano de vanguardias va a centrarse en la búsqueda de temáticas y de un

lenguaje propio, arraigado en su cultura, que viene de los pueblos originarios. Pero si toma de las
vanguardias europeas, todas estas búsquedas en cuanto a…

● Experimentación: con las formas, los colores, las texturas. Antiacademicismo

● Síntesis de la forma, geometrización que lleva a la abstracción.
● Color puro y plano. Saturación.
● Influencias del primitivismo.
● Representación del movimiento.
● Desaparición de la perspectiva.
● Arte por el arte mismo, no arte como mímesis (mímesis como imitación de La naturaleza, del mundo, o
que relata un hecho; la vanguardia por el contrario busca un arte que es arte en sí mismo).
● Arte como denuncia social
● Arte como expresión íntima del interior del ser humano.

Contexto mundial del siglo 20: los acontecimientos ponen en crisis la dependencia cultural hacia europa:

- Primera guerra mundial (19144/18) crisis del modelo civilizado europeo.

- Triunfo de la revolución rusa (1917) ola de movimientos sociales.
- En América: revolución mexicana(1910) reivindicación del campesinado y el indigena.
- Reforma universitaria en Córdoba (1918).
- Crisis del positivismo.
- Reivindicaciones nacionales.
 Entonces… Las vanguardias en latinoamérica surgieron en un momento de transformación social y política.
Muchos países de la región experimentaron cambios significativos, como revoluciones y movimientos de
independencia, que influyeron en las percepciones y expresiones artísticas. El núcleo del debate se centra en
el problema de la identidad. Los artistas americanos no rompen con el pasado sino que necesitan servirse de
las tradiciones. Son los hechos del contexto los que marcan a la arquitectura y la estética, a diferencia de
Europa.

1. Uruguay.

Torres García Joaquín. Utilización de la sintaxis

vanguardista con particularidades del artista y de su
historia personal en relación con un contexto
cultural propio. Lenguaje geométrico y sintético
para representar aspectos de su contexto: el
urbano relacionado con el mar de Montevideo.

2. Brasil.

Tarsilia do Amaral. Artista del movimiento brasileño “antropofagia” que buscaba desprenderse del humanismo
para encontrar un lenguaje más puro, descontaminado de las academias, que lo encuentra justamente en
este entorno o contexto brasileiro. La obra de Tarsilia se caracteriza por la presencia de un lenguaje muy
particular propio, en cuanto a personajes trabajados mediante una síntesis y la presencia de vegetales
propios del paisaje natural brasileño.

La segunda de las obras “Cerro de la favela”, muestra una temática social muy fuerte en los años 20. Se
acerca a la abstracción pero además hasta parece “ingenuo” debido al grado de síntesis y los colores.

En la tercera obra, “Palmeiras” volvemos a encontrar este lenguaje puro, simple, puro, y casi ingenuo.

3. Cuba.

Wilfredo Lam. Cercano al surrealismo. Desarrolla un lenguaje propio, con influencia de las vanguardias
europeas, pero con temáticas propias: la presencia de la cultura afroamericana y el contexto natural de Cuba.
4. México.

Luego de la revolución mexicana (1910), los gobiernos buscaban a los artistas para formar culturalmente al
nuevo pueblo: el arte como herramienta social. Figuraciones murales y Estampas populares. La temática
dominante se inspirara en el sentido de libertad: los artistas mexicanos se liberan del academicismo
tradicional y establecen relaciones con las corrientes modernas europeas de tinte populista (expresionismo
alemán, vanguardias rusas).

Siqueiros David. Va a realizar arte al servicio de la revolución y del pueblo: un arte comprometido con la
realidad mexicana. Presencia de un lenguaje surrealista. A diferencia de lo que ocurría en Europa,
construyen su obra rastreando los orígenes y los mitos precolombinos referenciando las culturas primitivas de
América. En el último de la segunda imagen, “Madre proletaria”, podemos ver rasgos aborígenes para
representar una temática actual y contemporánea como era la del obrero.

También lo podemos encontrar en Argentina, en el museo del Bicentenario, donde junto a otros artistas
latinoamericanos como Antonio Berni, realizan un ejercicio plástico en 1933, con la técnica del muralismo. El
tema que trata el mural es el desnudo, pero favorece a compartir entre estos artistas comprometidos las
técnicas vanguardistas, como utilización de colores y geometrización de las formas.

Diego Rivera. Como Siqueiros, es también uno de los principales representantes de origen mexicano. Fue el
esposo de Frida Kahlo. Usa un simbolismo influenciado por las tradiciones indígenas mexicanas, para contar
en los diferentes edificios públicos (por ejemplo, la primera obra se encuentra en el Palacio Nacional), la
historia mexicana desde la época de los pueblos originarios.

Representa y busca representar temáticas sociales y políticas, como el caso de la segunda pintura “Zapata
líder agrario”: utiliza el lenguaje visual de las vanguardias artísticas para mostrar sus ideas sociales
revolucionarias.

El tercer ejemplo, muestra cómo en el muralismo era frecuente la técnica de la yuxtaposición: muestra
cientos de personajes, para de manera pedagógica mostrarle al pueblo la historia de México antes de la
llegada de los conquistadores, y también la contemporaneidad de ellos que era la lucha (parte inferior del
mural). Crítica al colonialismo reinante. Función pedagógica popular.

Jose Clemente Orozco. Representa a su manera, con su lenguaje propio, sintético y geométrico, la lucha y la
situación política mexicana. En este caso, la realidad política zapatista, los combates y guerras internas.
 Su obra retrata a los personajes de las clases bajas, la Revolución Mexicana, la metafísica existencial, la
crisis del capitalismo, fueron algunos de los temas que ocuparon la mente y su obra.

En la segunda de las obras, vemos el nivel de síntesis de las formas, la superposición de elementos, para
contar una realidad social propia de su época.

Frida Kahlo. También comprometida socialmente con la revolución mexicana, pero con una producción
artística más cercana al expresionismo, trabajando una temática más autorreferencial: retrataba por lo
general sus vivencias propias. Ha desarrollado un lenguaje muy característico y particular. Los surrealistas
siempre quisieron encasillarse como tal, pero ella se oponía a esta definición de su obra.

En la pintura de Frida Kahlo predominan los autorretratos, en ellos se indaga a sí misma y al mundo personal
que la rodea. De esta manera la intersubjetividad de la artista aflora en la autorreferencialidad de la obra de
arte: un planteo típicamente moderno y vanguardista que sigue la idea que “el arte imita la vida”

Pero además de la frecuencia del autorretrato, trata temas históricos como por ejemplo en la 2da obra
“Autoretrato en la frontera entre México y EEUU" de 1930, que habla de esta realidad anti-imperialista de
EEUU hacia México.

5. Argentina. CONTEXTO SIGLO XX EN ARGENTINA. Renovación en el arte argentino.

ENTRE LA TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA: La llegada de la Modernidad a la Argentina se da en un marco

cultural heterogéneo; en él confluyen posiciones, tendencias y grupos con diferentes concepciones teóricas y
políticas.

Recordemos que ya para fines del siglo XIX, se registraba cierta ruptura con las temáticas trabajadas por
algunos artistas (por ejemplo, Ángel della Valle), pero que no rompen con las composiciones academicistas.
Fue un “academicismo social”, es decir, las técnicas tradicionales, pero para instruir sobre civilización y
barbarie.

Martín Malharro y Ramón Silva. Representantes argentinos de la vanguardia en cuanto al impresionismo:

búsquedas que tienen que ver con generar un arte como arte en sí mismo, enfocándose en las texturas y los
colores.
 Desde mediados del siglo XIX y principios del XX, sabemos que en Argentina se estaba dando el conocido
“proceso de europeización”, donde se imponen modelos europeos: es decir, se veía en Europa un modelo a
seguir, para nuestra nación.

Desde 1880, una vez insertos en el mercado mundial, y en consecuencia, frente a una gran estabilidad
política / económica / social, se buscó imitar a las capitales europeas, que eran nuestro “modelo” a seguir
CULTURALMENTE (arte, arquitectura, urbanismo) para representar la pujanza, el progreso, lo “civilizado”.
Por ello es que las formas académicas, resultaban las más adecuadas.

Por ello, es que podemos decir, que en el plano auge cultural había cierta DEPENDENCIA para con Europa,
y en particular los modelos franceses-parisinos.

Pero es a partir del surgimiento de las primeras estrategias de vanguardia que se comienza a dar una
búsqueda de nuevos códigos estéticos. En la década del 20’ irrumpe la modernidad como estilo cultural. Los
cambios sociales y económicos iniciados a finales del siglo XIX, las nuevas tecnologías, el espíritu de cambio
de una élite cosmopolita , que van apuntalando un espíritu de renovación que abarca a la sociedad entera.

El gobierno de Yrigoyen (1916), posibilitado gracias a la Ley Saenz Peña de 1912, marcaba la irrupción de la
clase media en el poder político y el triunfo del radicalismo en el país. Posteriormente, la presidencia de
Alvear (1922-28), de orientación aristocrática, determinó circunstancias auspiciosas para la cultura. La guerra
europea (1914-18) había permitido a la Argentina a través de la producción agropecuaria un particular
florecimiento en el plano económico; además, la misma generó un aumento en la cantidad de inmigrantes
radicados en Buenos Aires y por lo tanto, la ampliación del protagonismo de las clases medias.

La publicación de la Revista Prisma (1921) abre el camino en el afán de esta nueva generación por
manifestarse. Le siguen Revista Proa (1922-25), Inicial (1923), y la más importante de la época fue la
Revista Martín Fierro, relevante tanto por sus colaboradores como por abrirse a expresiones europeas y de
Latinoamérica que estaban viviendo experiencias similares.

Pero es a partir del 24’ que se producen una serie de hechos de gran intensidad, que se fueron acrecentando
años posteriores: CONTACTO CON EL DEBATE INTERNACIONAL. Se suman exposiciones colectivas e
individuales, de extranjeros y de locales, de pintores argentinos que enviaban sus obras desde Europa, y de
los recién llegados. Además, las publicaciones periódicas, que aportaban imágenes de exposiciones
europeas, fijando posiciones y debates acerca del arte nuevo. Así, el arte moderno fue ganando espacio en
Buenos Aires, y se fue difundiendo a ciudades como Rosario o La Plata.

Hacia fines de los años 20’, Buenos Aires y su campo artístico poseía un escenario rico en matices, tanto a
nivel producciones como en el plano de las instituciones.

La característica de las obras para el Arte Moderno en Argentina entonces fue la convivencia de una variada
gama de planteos artísticos - plásticos. Una vanguardia que se caracterizó por adoptar formas de acción que
las diferenciaban de las históricas europeas, ya que su tono nunca fue el de la provocación, pero sí buscó
fisuras dentro de los espacios constituidos para diferenciarse y lograr aceptación.

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BATALLA FLORIDA-BOEDO.

En los años 20, el arte argentino presenta una fuerte tensión entre dos líneas o grupos diferentes de
vanguardia y modos. “La batalla Florida-Boedo”.

● Por un lado, el GRUPO de FLORIDA 1924, que integran Borges, Girondo, Marechal, Gonzalez, Tuñón,
Güiraldes, Xul Solar, Forner, N. Borges, Spilimbergo, Berni, Basaldúa, Badí, Pettoruti, Guttero, Butler, Del
Prete, Centurión, etc. Búsquedas más estéticas: modernismo, surrealismo, dadaísmo.

Representaba la corriente literaria de vanguardia y modernista en Argentina. Este grupo se formó en torno a
la revista literaria Martín Fierro y tenía su base en el barrio de la Recoleta.

Publicación de la revista “Nueva generación” MARTÍN FIERRO (1924-27). Conciencia de una “nueva
generación” que enfrenta el pasado pero no lo descarta, rescata aquellos valores que pueden ser
recuperados desde una nueva mirada. Síntesis donde se articula el campo artístico local y el extranjeror, una
construcción cargada de cosmopolitismo que busca colocar a Buenos Aires entre las metrópolis modernas.
 Luchan por instalar nuevos códigos estéticos. Surgen nuevos espacios y las primeras exposiciones del Arte
Moderno.

Se caracterizaba por su enfoque más experimental y vanguardista. Buscaban romper con las tradiciones
literarias establecidas, explorar nuevas formas de expresión y adoptar una actitud más cosmopolita. A
diferencia del grupo Boedo, este se interesaba más en la experimentación formal y en la exploración de la
subjetividad. Algunas de sus obras incluyen elementos surrealistas y expresionistas.

Obra de Xul Solar; Obra de Emilio Petorutti; Obra de Antonio Berni

● Por el otro, el GRUPO de BOEDO, se formó en el barrio de Boedo, y lo integran L. Barletta, E. Castelnuovo,
N. Olivari, A. Yunque, R. Mariani, R. Gonzalez Tuñón, César Tiempo, (A. Pinetta), R. Arlt, J. Arato, A. Bellocq,
G. Hebécquer, A. Vigo (artistas provenientes de los campos del anarquismo, socialismo y comunismo).

Más comprometidos con la realidad social, con la lucha obrera: estética del expresionismo, anarquismo,
lucha obrera, inmigrantes, campesinos. En las publicaciones de revistas como “Claridad” o “Diario Crónica”,
emitían sus juicios de valor, su crítica a la derecha y al diario la prensa y nación.

Estos sostenían que el arte debe ser un instrumento de acción político social y debe estar al servicio de la
voluntad renovadora o revolucionaria que anima a ciertos sectores populares. Rechazaban las conquistas
formales de la renovación preconizada por los artistas de Florida, los acusaban de insensibilidad política y
humana. Fue un movimiento revolucionario en el contenido político pero conservador en sus formas.

En sus obras describieron el conventillo, el arrabal, la vida de los humildes, de los trabajadores. Abordaban
temas como la injusticia social, la desigualdad, la pobreza y la explotación laboral. Aspiraron a poner en ellas
el dolor, para llevar al pueblo el mensaje de solidaridad, de rebelión, y de esperanza.

Su debilitamiento en cambio, residió en intentar comunicar mensajes de su tiempo, pero en un idioma de otro
tiempo; desdeñaron de algún modo las conquistas y descubrimientos expresivos de los movimientos de
vanguardia.

Obra de José Arato; Obra de Adolfo Bellocq; Portadas de la Revista Claridad.

- Algunos artistas:

Xul Solar. Fue uno de los principales artistas argentinos vanguardistas, con sus producciones surrealistas. El
simbolismo que demuestra en ciertas obras manifiesta su interés por el espiritualismo del artista, como el
tema de la reencarnación.

Relación con el expresionismo visionario- utópico alemán (Kandinsky). Las arquitecturas visionarias de Xul
(última pintura, “Ciudad Lagui”) reflejan este espíritu de fusión entre el arte y los hombres, por mediación de
la arquitectura. Considera al arte como una actividad visionaria y creadora de modelos espirituales para la
nueva sociedad.

Emilio Petorutti. Como Xul Solar, es un artista formado en Europa que desarrolla una obra cubista a la par de
los artistas europeos, muy relacionado con el cubismo y el futurismo. Producción a la par y semejante al
cubismo europeo, pero con temáticas más propias: en la primera obra vemos arlequines tocando acordeón y
el violonchelo más propio del tango y el contexto porteño.

Pedro Curatella Manes. Cubismo plasmado en la escultura y en los altorrelieves. Geometrización y síntesis
de la forma en temáticas nuevas y reelaboradas.

Antonio Berni. Del surrealismo al arte social, recorre las vanguardias desde una perspectiva propiamente
original: compromiso con la realidad.

"El verdadero artista y el verdadero arte de un pueblo es aquel que abre nuevos caminos, impulsados por las
cambiantes condiciones objetivas. En cambio, dejan de serlo los que pasan y obran según un cliché
establecido, aferrándose a formas pasadas y caducas, que no obedecen a ninguna realidad artística ni
social", expresó una vez el artista argentino, Antonio Berni.

En los años treinta, cuando Berni ya estaba de nuevo en el país: el inicio de la década infame en la
Argentina. Es este periodo cuando Antonio Berni comenzó a trabajar en pinturas capaces de expresar no
solo su preocupación, sino también su compromiso.
La 3er obra, se trata del mural “Manifestación” hoy ubicado en el MALBA. Toma contacto con la obra del
mexicano Siqueiros y su concepto de mural, y comienza a entenderlo como arte no para una minoría, sino
para las masas. Berni comprendió que la revolución no estaba solamente en lo social, sino también en el
ejercicio de la forma.

El arte argentino recorre expresiones objetivistas y subjetivistas, alineándose cada artista a favor o en
contra de las tradiciones, de la política como de las líneas estéticas que conculca cada tendencia

Las vanguardias latinoamericanas tienen características propias, que sirven al contexto y buscan en
el pasado y en su historia, su propio escenario de sentido, utilizando búsquedas estéticas
experimentadas por las vanguardias europeas.

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● Clase 3. Llegada de la modernidad a Argentina: principales corrientes. Parte 1

- CONTEXTO.

El período histórico que corresponde estuvo asignado por diferentes acontecimientos y cruces.

En lo político con la Ley Sáenz Peña en 1912 que establece el voto obligatorio y secreto. Se suceden una
gran cantidad de gobiernos democráticos y de facto, de hecho, el primer golpe de estado argentino se
desarrolla durante este período (1930).

En lo económico, el paso de una economía agroexportadora a una economía de industrialización nacional,

marca un cambio en la producción e incluso en la construcción del país.

En lo cultural, la aparición de grupos de intelectuales como los grupos Florida y Boedo, la proliferación de
lugares de encuentro (salones de baile, bares, cines), y la consolidación de la radio como medio masivo de
comunicación hizo llegar a cada argentino, no solo información sino también productos como el radio teatro.
Esto hacía que todos los días la familia se reúna en algún lugar de la casa, a la misma hora, para escucharlo.

En este mismo plano, pero enfocado en lo arquitectónico, la visita de Le Corbusier en 1929, resulta un hito
en la conformación y compresión de la modernidad en la arquitectura. Cabe destacar que hablamos de
modernidad en la arquitectura, y no movimiento moderno, porque es un tema a tratar más adelante.

También en esta época se da el Centenario de la Revolución de Mayo, que se establece como momento de
reflexión para intelectuales, artistas y arquitectos, acerca de qué es lo propio y qué es lo ajeno. De alguna
manera, comienza una revisión y una búsqueda del ser nacional. Si a esto le sumamos la llegada de la luz
eléctrica, la aparición del automóvil y los inicios de la condición metropolitana, nos encontramos con el
inminente arribo de LA MODERNIDAD que se estaba gestando hace varios años.
 En Argentina, LA MODERNIDAD en la ARQUITECTURA se desarrolla en 5 principales TENDENCIAS:

1- PERSISTENCIA DE LA TRADICIÓN ACADÉMICA - ACADEMICISMO (eclecticismo y pintoresquismo)

2- MODERNIDAD NEOCOLONIAL (vertientes: Hispánico, Hispanoamericano, Precolombino y Ecléctico)

3- MODERNIDAD ART DÈCO (tradición europea, americana y local)

4- MODERNIDAD MONUMENTALISTA (modelo imperial y arquitecturas del Estado Fuerte)

5- MODERNIDAD RACIONALISTA (modelos funcionalistas y sus derivados)

1. Persistencia de la tradición académica - Academicismo.

Se vive como un renacimiento del arte arquitectónico. Mantiene el sistema compositivo del Beaux Arts, las
reglas claras y armónicas, pero sufre una reducción de ornatos y estilos: hay un despojamiento decorativo en
pos de una simplicidad geométrica, que persigue mayor sobriedad, pero no abandona la monumentalidad y la
presencia.

Lo moderno va a estar representado en que estas obras de arquitectura van a tener todas las nuevas
tecnologías, que a su vez permitieron nuevas espacialidades, respondiendo a nuevos programas y
necesidades de la sociedad.

¿Por qué hablamos de persistencia? Las formas académicas reciben una renovada significación, una
simplificación; las obras responden al lenguaje tradicional pero no son obras del siglo XIX sino que se han
modernizado y resignificado.

- reglas claras y armónicas

- garantía de persistencia
- despojamiento de lo decorativo
- simplicidad geométrica
- simplificación del orden Beaux-Arts
- advenimiento de lo moderno

Liernur. Las elites no se identificaban con las invenciones lingüísticas. El clasicismo continuó sirviendo de
ropaje de buena parte de las construcciones. Hacia finales del período, el camino académico tradicional daba
señales de haber acabado con su capacidad de exploración, y se calcificaba en fórmulas decorativas o
compositivas incapaces de absorber las demandas de caracterización nacional, de libertad y expresión
individual.

Se desarrolló entonces una propuesta ambigua: conscientes de la necesidad de aceptar los problemas de la
modernización, trataron de encararlos negándose a abandonar las tradiciones de la disciplina. El clasicismo
tardío fue una reacción frente a las invenciones modernistas. Este clasicismo participaba del cuestionamiento
del LIBERALISMO estilístico y lingüístico. El despojamiento decorativo, la simplicidad geométrica, constituían
el primer paso elemental, primitivo, hacia un renacimiento del arte arquitectónico. Las críticas fundamentales
al modernismo apuntaban a su materialismo y su internacionalismo.

Algunas obras clasicistas tardías se constituían en una suerte de desafío antimodernista: no descartaron
todos los elementos de confort técnico, las dimensiones de los recintos eran incuestionables, al igual que las
condiciones de higiene, así como la funcionalidad. De modo que el debate con los modernistas se limitaba al
plano ESTÉTICO, al lenguaje.

Para Reinante, esta persistencia del academicismo puede darse en clave ecléctica o pintoresquista.

A- Vertiente Ecléctica. El lenguaje académico, pero con las comodidades tecnológicas y programas
modernos, recibe una renovada resignificación.

B- Vertiente Pintoresquista. Estética pintoresquista, casas pequeñas. Adopción del modelo suburbano
anglosajón de la “ciudad jardín”, que aísla el habitar de las restantes funciones sociales.
Una de las figuras más importantes en este escenario es la de Alejandro Bustillo, que supo desarrollarse
tanto en un clasicismo tardío (dos de sus obras principales, el Museo Nacional de Bellas Artes y el Banco de
la Nación Argentina) como también en el pintoresquismo (en Bariloche y Mar del Plata).

Para los edificios de fuerte presencia institucional, el

Estado optó por el clasicismo. Tal es el caso del Banco de
la Nación Argentina. El edificio debía ser construido en
una manzana irregular, y el pedido expreso hacia el
arquitecto Bustillo fue la necesidad de un monumento
eterno. El resultado: este edificio imponente de 40m de
altura, cuya fachada sobre la ochava de 60m dialoga con
la Casa Rosada y la Plaza de Mayo. Enfatiza la idea del
estilo clásico nacional coronando el pórtico del ingreso con
un frontis donde se incluye un escudo nacional.

La plata remite a un espacio central, cubierto por una cúpula de 50m de diámetro y cuádruple altura,
materializada con nervios de HºAº y superficie vidriada. Esto permite la iluminación cenital en PB en las áreas
de atención al público. La cúpula descarga sus 45.000 toneladas en 4 pares de columnas, que a su vez
organizan la planta.

La organización de la planta en torno a ejes en una clara composición académica. Este espacio central está
posibilitado entonces por la tecnología del hormigón.

El edificio cuenta con 5 plantas, 3 subsuelos y el nivel de la mansarda. En los subsuelos están proyectados
una gran cantidad de cocheras, que marcan a la obra como avanzada en su época.

Sobre la ochava, en esa 5ta fachada, Bustillo arma el ingreso jerarquizado con un pórtico tetrástilo donde,
como hemos dicho, el frontis incluye el escudo nacional. Hay un juego de avances y retrocesos metafóricos,
leves gradientes que insinúan articulaciones: la fachada lingüísticamente es académica. Bustillo se
desenvuelve con absoluta solvencia en la utilización del repertorio de formas clásicas, pero utilizando nuevos
materiales nacionales. Ésto último da cuenta de que se trata de un ejemplo de la vertiente ecléctica.

El pintoresquismo, en cambio, va a ser utilizado para arquitectura de tiempo libre, del hedonismo, el placer y
el disfrute. También en un proyecto encomendado por el Estado, el conjunto marplatense Playa Bristol,
vemos claramente que, a pesar de ser un encargo del Estado, Bustillo se inclina por esta suerte de
pintoresquismo.

Una conjunción entre lo clásico y lo pintoresco. Los edificios presentan una impronta clásica en su explanada,
desarrollo y mansardas abovedadas, pero denotan la intención de adaptarse a la pintoresca ciudad balnearia.
Podemos observar como trabaja los distintos materiales propios del lugar, la cuarza blanca-dorada de Mar de
Plata, junto al rojo-anaranjado de los ladrillos prensados, el gris azulado de las tejas, las carpinterías blancas,
que hacen de esta enorme masa de mampostería algo ligero y agradable, en armonía con la ciudad.
 El pintoresquismo va a imponerse como la arquitectura del tiempo libre, y Mar del Plata como la ciudad ideal
para ello. Vemos que en esta época se construirán una gran cantidad de chalets pintoresquistas, para las
familias adineradas de Buenos Aires, que deseaban sus casas veraniegas en esta ciudad balnearia.

La última de estas grandes obras de Bustillo es el Hotel Llao Llao: la

obra se ganó por concurso en 1936, se inauguró en 1938 y se
incendió un año después. En 1940 se reconstruye según el proyecto
original, pero cambiando la madera, por mampostería de piedra y
HºAº.

Si bien se distancia del clasicismo, perdura el compromiso

académico, con la pertenencia a un lugar determinado, a su cielo, a
su paisaje, a su sustancia. Este inmenso chalet de estilo normando,
de techo quebrado con fuerte pendiente, se piensa en clave
pintoresquista pero compositivamente simétrico: presenta una planta
en H y el cuerpo central elevado sobre una loma, se integran al
paisaje.

Es importante saber que al frente de Parques Nacionales Argentinos

estaba Ezequiel Bustillo, su hermano, por esto es que Bustillo se
convirtió prácticamente en el arquitecto del Estado. No obstante, no
puede negarse su solvencia en la realización de los proyectos.

Sigue esta preceptiva también el Centro Cívico de Bariloche:

ciudad que se establece como ideal para el turismo invernal, así
como Mar del Plata era para veranear. Contribuyen este estilo
pintoresquista a la nueva imagen de Bariloche, centrado en el
paisaje de los pueblos típicos de montaña, los centros de ski
internacionales, conocido en muchos lugares como “estilo
alpino”: mampostería de hormigón, techos de pizarra o tejas
cerámicas, madera para balcones (aspecto rústico).

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● Clase 4. Llegada de la modernidad a Argentina: principales corrientes. Parte 2

2. Modernidad NeoColonial (1910-1930).

Alude al conjunto de teorías, proyectos y construcciones que, en las últimas décadas del siglo XIX y las
primeras del siglo XX, tomaron como modelo las obras producidas durante el período de la dominación
española en América, denominado también, período colonial.

Es reivindicativa, toma fuerza en el debate sobre “arquitectura nacional” búsqueda de un

lenguaje que diera cuenta y respuestas al clima, geografía y tradiciones locales.

Su presentación fue en la exposición universal de Rio de Janeiro de 1922, como respuesta a la discusión
latinoamericana, cuál es el ser nacional, supone una vuelta al pasado colonial para buscar las raíces de la
cultura y la representación latinoamericana.

Reinante. El movimiento neocolonial requiere una teoría que lo avale: muchos de los propulsores del
movimiento neocolonial lo entienden como una propuesta más dentro del eclecticismo; sin embargo, toma
una posición frente al clasicismo Beaux Arts, basada en la búsqueda de las propias tradiciones: el uso de
materiales regionales, la respuesta rigurosa al condicionamiento climático, el mayor margen de libertad del
diseño. Sin embargo, puede entenderse como un antecedente que paulatinamente asimila los postulados del
movimiento moderno, como una prolongación del eclecticismo que de algún modo anticipa los códigos
formales del Art Decó. Como una postura intermedia entre lo ecléctico y lo moderno.
La búsqueda en las tradiciones propias, permite la libertad de los sistemas compositivos, constructivos y
formales, en contraposición a los rígidos principios asumidos por las Beaux Arts. El neocolonial permite dar
respuestas más espontáneas, a las necesidades funcionales y contextuales de cada país.
 Se plantea la idea de enfocar los valores del paisaje americano con motivo de inspiración, integrando las
ideas neocoloniales con los postulados organicistas, valorando el paisaje. Comienzan a dejar de lado la idea
de que lo único susceptible de ser valorado es lo universal, y comienzan a adaptar las teorías generales a
condiciones específicas de cada región. A esto contribuye la gran cantidad de literatura sobre arquitectura
colonial americana que se difunde en esta época.

- Liernur. Arquitectura Argentina en el Siglo XX.

● La cultura de la recuperación del pasado. Hasta mediados del siglo XIX, las élites dirigentes construyeron la
nueva cultura independiente y revolucionaria sobre un supuesto rechazo al legado español. Luego de las
extenuantes luchas por las formas de organización nacional, en la segunda mitad del siglo XIX aquel
pensamiento comenzó a quebrarse junto con la firmeza del sistema de convicciones revolucionarias,
iniciándose un período de reconsideración sobre el pasado.

Para el viejo patriarcado criollo, las transformaciones sociales a que dio lugar la ola inmigratoria iniciada en
1860, que permitió la participación de los recién llegados en las disputas por el poder económico y político,
supuso una revisión de esos principios. Como forma de autolegitimación, no solo se pone en duda el
pensamiento antiespañol, sino que se comienzan a revalorizar las raíces españolas como sustento
fundamental de la condición patricia y criolla.

A lo largo de las 2 últimas décadas del siglo, fue conformándose una visión idealizada del escenario urbano
construido durante el periodo de dominación española.

Pero en 1898 un suceso exterior vino a articularse con este proceso: España resulta derrotada por EEUU,
perdiendo así prestigio y por lo tanto sus últimas posesiones imperiales; las cuales quedaron bajo distintas
formas de dominio norteamericano. Para los americanos, supuso una nueva amenaza.

En el lado americano esta convulsión dio origen a un movimiento de ideas que tenían como blanco la
voracidad norteamericana hacia Latinoamérica, y que culminó con los movimientos antiimperialistas de la
Reforma Universitaria (1918). Estas actitudes iniciales de reacción contra Estados Unidos, provocaron un
cambio cultural: se dejó de pensar en una cultura genéricamente americana, reemplazandola por una
conciencia de diferencia, apareciendo los rasgos de una identidad latinoamericana.

De esta manera, el inicio del siglo XX comenzó con una revisión conservadora del legado cultural español
articulado con componentes nacionalistas.

● El debate sobre “Arquitectura nacional”. En las últimas décadas del siglo XIX, habían surgido en los países
centrales las ideologías de la “particularidad nacional”, que postulaba la necesidad de una arquitectura que
diera respuesta particular al clima, la geografía, y sus tradiciones locales. La mirada hacia las tradiciones
locales que se extendía por latinoamérica tuvo en Argentina, manifestaciones tempranas en los primeros
años del siglo XX, como parte de la reaccion nacionalista ante la consolidacion de diversas comunidades
extranjeras. A diferencia de lo que ocurría en Europa, donde el debate remite a una unidad cultural, en
América del Sur cada comunidad nacional contaba con un repertorio particular de imágenes y acudía a sus
profesionales para construirla.

● Características compositivas de la arquitectura Neocolonial. Las construcciones neocoloniales ofrecieron

además una vía de legitimación estilística para la baja calidad de mano de obra local: el estilo contaba a favor
de su amplia difusión, la laxitud de su normativa y la rusticidad extrema a la que su aplicación podía ser
llevada. Muros de mampostería cubiertos con gruesos revoques capaces de ocultar la baja calidad de
construcción, maderas blandas que podían ser teñidas, baldosas cerámicas o azulejos, piedras moldeables,
permitieron evitar el empleo del bronce, piedras preciosas, telas, maderas nobles y otros materiales de
calidad.

Junto con la introducción de modalidades características de la Arquitectura Española, la composición

neocolonial permitía tomarse muchas licencias en relación a las normas académicas, lo que dio lugar a
interesantes exploraciones. La más evidente de las alteraciones fue el énfasis en los agrupamientos
irregulares de las masas, conformaciones cubistas y asimétricas que tanto eran exploradas por los
modernistas (e iban en contra del academicismo). Ej: Pabellón Argentino de Martín Noel.
Por razones sísmicas, climáticas o bien de pobreza de materiales,
era frecuente el muro desnudo de grandes dimensiones
interrumpido por los aventanamientos o por los accesos en torno a
los cuales se presentaba la decoración y se daba rienda suelta a
la línea. Un ejemplo es la Casa propia de Martín Noel, en la que
puede observarse el aparato decorativo que rodea el portal de
acceso, y las ventanas de distinto tamaño.

El sistema neocolonial no solo afectó plantas y volumetrías, sino

también en corte. Fue el vehículo que permitió en la argentina
comenzar a romper con el sistema académico de recintos
autosuficientes y a explotar la interpretación espacial que luego
caracterizará al modernismo maduro.

De todos modos, el sistema neocolonial tenía sus límites en

cuestiones de ESCALA. Apto para resolver pequeñas residencias
suburbanas, ya que, el juego de elementos decorativos recortados
sobre grandes planos bastos se dificultaba a medida que el edificio
crecía en dimensiones y principalmente en altura.

- Las líneas del Neocolonial.

Al circunscribirse a lo formal-decorativo, el neocolonial se expresó en la elección de repertorios variados que

incluían “corrientes” internas, sin que la adhesión a alguna significase el rechazo de las otras.

1. Los Hispanistas: repertorio formal se busca en la arquitectura histórica española fundamentalmente

del período renacentista y también en el barroco. Se trata de tomar el legado español y reivindicar en
sus manifestaciones jerarquizadas. Ej. Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires.
2. Los Indigenistas: debido a la menor incidencia de las culturas indígenas en el proceso cultural del Río
de la Plata, esta vertiente careció de fuerza, pero podemos decir que se vinculó con el surgimiento
“indigenista” americano y en general a la promoción de estudios arqueológicos
3. Los neocoloniales americanistas: los reivindicadores de la arquitectura nacional comprendieron que
el repertorio de formas coloniales era insuficiente y admitieron la dimensión americana del problema.
Martín Noel, fue el que mejor manejó estas composiciones formales, donde si bien predominaban
elementos de repertorio americano, también había presencia española.
4. Los neocoloniales eclécticos

- Teorización del Neocolonial. Ejemplos.

Está muy vinculado a la reforma universitaria de 1918, por lo que veremos diversos personajes intelectuales
inmersos en esta tendencia; y también diversas posturas: por ejemplo, Martin Noel, habla de la necesidad de
una síntesis, o Héctor Greslebin que aconseja la toma de ejemplos donde predomine el elemento indígena.

Uno de los intelectuales teóricos va a ser Angel Guido, quien es el primero que logra elaborar una de las
mejores miradas al pasado, basadas en dos puntos principales:

● La validación teórica racional del barroco y su desarrollo en América: estudio exhaustivo y explicativo
del estilo barroco.
● Entender la arquitectura como un sistema plástico, de valoración de formas.

Estas ideas van a estar plasmadas en sus principales escritos: uno de ellos es “La machinolatrie de Le
Corbusier”, donde hace también una crítica al arquitecto europeo; Y también las vamos a ver plasmadas en
sus obras: tal es el caso de su casa propia en Rosario, donde va a comenzar a alejarse de los cánones
clásicos, rompiendo con la organización clásica de la planta. El ingreso de esta vivienda se da por un lateral.
Los ambientes están interconectados y no tiene jerarquía uno por sobre otro, las dimensiones son más
reducidas.

La construcción va a ser simple, no se va a necesitar una mano de obra especializada, es tradicional y las
imperfecciones van a poder esconderse bajo gruesos revoques que luego son pintados de blanco. Este muro
blanco, como masa construida, se ve interrumpida con las molduras de argamasa, con detalles que pueden
asimilarse al barroco indígena. Con estas molduras va a tratar de otorgar cierto volumen a la fachada plana,
con suaves avances y retrocesos marcados por las propias molduras.

Otro de los grandes teóricos va a ser Martín Noel (nombrado anteriormente). Su figura reviste particular
importancia porque es el primero que reacciona contra un modelo que hegemoniza la cultura francesa, con
permanentes referencias a la arquitectura del Beaux Arts.

Su reacción partía de una mirada al pasado, buscando las manifestaciones de un idealizado momento de la
dominación española. Esta inquietud va a surgir luego de su formación académica que tiene lugar en la
Escuela de Bellas Artes en París. Es importante, tanto por su corpus teórico, que está basado en esta
construcción ideológica, como también por sus obras.

Va a elegir un modelo de síntesis arequipeño, es decir, de Arequipa, por ser aquel en el cual no habían
prevalecido ni los rasgos españoles ni los indianos, sino que se había logrado una síntesis. En el repertorio
andaluz también encuentra el estilo aceptable para la compleja situación del presente.

Viaja mucho por Roma, Grecia, España, donde demuestra interés por la arquitectura doméstica andaluza.
También viaja a América: es en el Alto Perú donde entiende que el legado cultural del periodo hispano está
en la arquitectura arequipeña, que es la auténtica tradición de la arquitectura religiosa.

En 1913, de vuelta a la Argentina va establecer un vínculo con Manuel Gálvez y Ricardo Rojas, (ambos
teóricos del neocolonial) y va a continuar su búsqueda de una estética conservadora que descubra los
secretos de la tierra y la tradición, lo nacional y nuestra raza. ¿Pero qué pasaba? En nuestro país no había
huellas significativas del pasado colonial, entonces va a basarse en Arequipa porque reunía los cánones de
nuestra herencia artística.

En su vivienda propia, hoy Museo Fernández Blanco (1920/22), va a plasmar estas cuestiones: la vivienda
ocupa un terreno irregular, por lo cual plantea una resolución en pabellones alrededor de un patio central. En
las diferentes fachadas de estos pabellones encontraremos nuevamente el muro blanco interrumpido por
planos superpuestos de molduras, arcos, partidos, columnas salomónicas, cornisas, escudos.
 Vivienda de MARTÍN NOEL hoy Museo de Arte Hispanoamericano Fernández Blanco

Entre las corrientes neocoloniales, la presente se corresponde con la ecléctica, por la profusión y mezcla de
estilos figurativos. También vemos el cuidadoso trabajo de herrería en las rejas y los balcones.

En el interior, el neocolonial va a comenzar a romper con el sistema académico de espacios autosuficientes.

Noel intenta una exploración espacial en planta y en corte, trabajando, por ejemplo, dobles alturas, pasillos
que balconean sobre los distintos ambientes de la casa, entre otras cuestiones.

Otra obra neocolonial es el Banco de Boston (1920/24), hoy ex Banco de Boston, de los arquitectos. P. B.
Chambers y L. N. Thomas. Esta firma va a proyectar sus diferentes sucursales, en claves que se relacionen
con el país donde se encuentran. Incluso estos mismos arquitectos que realizan en clave neo-plateresca la
sucursal en Buenos Aires. Van a proyectar también diferentes sucursales en otras partes del mundo,
atendiendo a las ideas de cada lugar.

Este edificio tiene la sede bancaria y también oficinas de renta, con un total de 19.000 metros cuadrados. Va
a poseer lo más novedoso en servicios centrales: sistema de lavado y enfriado de aire recirculado en verano,
prestaciones de electricidad, tesoros y cajas de seguridad, ascensores, telefonía e iluminación.

En el exterior se propone una adaptación del clásico renacimiento español, con adornos y ornamentos
platerescos y simple simetría de líneas. Los arquitectos van a buscar en distintas obras españolas, elementos
que serán reinterpretados en este edificio. Por ejemplo, el plateresco utilizado se asemeja al Convento de
San Marcos en León y también posee detalles de la librería de la Catedral en la plaza de la Platería de
Santiago de Compostela.

El ingreso principal en la curva, tiene un pórtico de 17 metros de altura con adornos y esculturas inspiradas
también en el Hospital de la Santa Cruz de Toledo. El basamento y el primer piso se trabaja con piedra
calcárea de Indiana. Ese pórtico de ingreso va a tener distintos elementos que fueron tallados en Estados
Unidos según diseño y luego trasladados a Buenos Aires para su instalación final.

El resto de la fachada se realiza en granito gris claro hasta el primer piso, y luego en revoque de piedra
artificial blanco. Así podemos ver que las ornamentaciones son más profusas y elaboradas en el exterior y en
las primeras plantas, donde tiene mayor presencia urbana.
 Primeras dos imágenes: fachada Banco de Boston. Tercera imagen: Convento de San Marcos en León. Cuarta imagen:
Hospital de la Santa Cruz de Toledo.

En el interior más despojado, se abandona el ornato, pero el lujo y la imponencia del edificio va a estar dada
por los materiales nobles que se utilizan: mármoles y granitos, principalmente. También podemos observar,
que las plantas no abandonan la axialidad.

Una de las dificultades del neocolonial es la resolución en altura, más precisamente en las relaciones de
escala. Sin embargo, estas dificultades se logran resolver en gran medida en la Caja de Ahorro de la
provincia de Córdoba (1927/29): realizada por el arquitecto Jaime Roca, fue uno de los primeros encargos
al arquitecto luego de su regreso de la universidad de Michigan. Es parte del proceso de modernización de la
ciudad de Córdoba.

Roca expresó que le otorga al edificio elementos platerescos en su forma barroca, para darle más
importancia a la institución que manejaba dinero. La fachada está ordenada de acuerdo a principios de
composición académica, basamento-desarrollo-coronamiento, aunque no posee eje de simetría y se adapta a
la línea de edificación.

El ingreso principal se jerarquiza con un arco de doble altura, que jerarquiza el ingreso principal en la esquina
curva: sobre este, la torre circular de dos cuerpos funciona como remate superior. El otro ingreso a destacar
es el ingreso al salón de actos, conformado por 3 puertas con arcos de medio punto, donde sobresalen las
rejas de hierro.

Una joya del proyecto es el hall de entrada principal: circular y de doble altura, cubierto por una cúpula con
casetones, soportadas por orden compuesto y grandes arcadas que conectan los diferentes espacios.

La última obra de esta modernidad neocolonial es el Teatro Cervantes (1921) encargada por una pareja de
artistas españoles, que pretendía honrar a Carlos V. Para ello, la arquitectura elegida por F. Arana y B.
Repetto, fue el plateresco: para ello sus autores reprodujeron en escala menor, la fachada de la Universidad
de Alcalá de Henares, España.

Su fachada es la protagonista, y oculta con su lenguaje, la tecnología industrial implícita en los espacios
logrados: la modernidad llega de la mano de los dinteles y las vigas de perfiles conformados, y también las
vigas reticuladas de la cubierta para cubrir los grandes espacios proyectados.
 Primeras dos imágenes: Teatro Cervantes. Tercera imagen: Universidad de Alcalá de Henares, España.

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● Clase 5. Llegada de la modernidad a Argentina: principales corrientes. Parte 3

3. Modernidad Art Decó.

El art decó conjuga una tradición europea, americana y local. Hay autores que plantean que es la primera
estética globalizada y de masas, de reproducción en serie.

- énfasis en la ornamentación y la decoración.

- Formas geométricas como círculos, rectángulos y triángulos, así como la simetría; líneas rectas.
- materiales lujosos y costosos, como mármol, acero inoxidable, cromo y vidrio espejado.
- Gran influencia en el diseño de interiores: mobiliario elegante, lámparas geométricas, espejos
decorativos y paneles murales ornamentados.

Se presenta al mundo en la exposición de París de 1925. Allí veremos los pabellones que presentan
características que pueden asociarse a esta tendencia. No obstante, no podemos dejar de mencionar que en
esta misma exposición van a aparecer dos pabellones alejados de estas tendencias y que muestran los
indicios de las nuevas arquitecturas. Estos son el pabellón L'esprit Nouveau de Le Corbusier y el Pabellón
Soviético de Melnikov.

Liernur. El autor afirma que se trata de una corriente modernista originada en Francia en los años 20, que
elaboró un código propio, asimilando aportes a la visión moderna y del redescubrimiento de estéticas
periféricas. Su momento culminante es con la Exposición Internacional de las Artes Decorativas, en París, en
1925, y si bien para muchos europeos fue el último y efímero gesto moderno, para los latinoamericanos que
asistieron fue el primer paso a la nueva modernidad. El art deco se perfiló como una identidad propia en
defensa de una cultura regional, en oposición al racionalismo abstracto de la vanguardia. Además de la
argumentación, trascendió muchas veces el fachadismo o la decoración interior, produciendo obras con una
concepción constructivo-espacial nueva y propia, utilizando técnicas modernas del vidrio, hierro y el H°A°. En
cuanto a la decoración, ésta se localizaba en lugares precisos con lenguajes variados, combinaba materiales
tradicionales y modernos y se resolvían en base a la geometría.

Art Decó en Francia: se hace presente mediante volúmenes escalonados, uso de redientes, claroscuros y
particiones geométricas. Ornamentación en las fachadas y espacios interiores. En cuanto a la escultura,
predomina la figura humana. Estos estilos se retoman en Argentina, pero de manera más severa y callada.
Art Decó en Argentina: se da a partir del 1925 hasta los 40´. Se diferencia de Europa, ya que la tipología local
se generó como transculturación de los modelos de los países centrales y no como postura de una estética
propia. La disciplina Art Decó no fue debatida, fue recibida sin entusiasmo crítico.

Las obras se corresponden a un campo acotado, ya que el aparato del Estado y la alta burguesía seguían
prefiriendo las obras de corte historicista ecléctico. Por lo que los programas se manifestaban en las casas de
renta de los sectores medios, edificios de servicios (bancos, aseguradoras, mutuales, clubes, mercados),
sectores populares de menores recursos, garajes, y salas de cines. También los cabaret danzantes, los
cafés. Son pocas las obras totalmente Decó, en una concepción total.

El gran cambio, es el abandono del lenguaje historicista y la capacidad de generar nuevos paradigmas, por lo
que es considerado por algunos autores como una vía de acceso a la primera modernidad racionalista.

Fue despreciado por la élite, que no estaban dispuestos a reconocerse en un repertorio o una estética tan
fácilmente reproducible.

En nuestro país, este movimiento fue haciendo apariciones a través de distintas vertientes:

Art Decó con influencias futuristas y expresionistas: la vanguardia artística, la ausencia de decoraciones
tradicionales, las volumetrías libres y cubistas, las composiciones dinámicas, el uso de mástiles y barandas
metálicas. Mario Palanti es un arquitecto que se destacó por su relación con el futurismo (estudio con Saint
Elia). Una de sus obras más destacadas es el ”Palacio Barolo” (1919-23) . La necesidad de crear un estilo
nuevo para la sociedad metropolitana, tomando la experiencia de los estilos del pasado y la búsqueda de esa
grandiosidad lo conduce hacia la arquitectura barroca, con lo que identificaba el uso de la línea curva. Con
esta obra, cumple el papel de apertura del ciclo del Art Decó en Argentina.

Art Decó francés: Alejandro Virasoro, cuya obra es la más representativa del art decó, es un arquitecto
académico que está ensayando ese reemplazo del estilo clásico. Es el único que continúa siendo
considerado un precursor, considerado “el gran arquitecto moderno”.

Virasoro era ante todo un inventor, un creyente en la capacidad de dar respuesta a las necesidades masivas
contemporáneas. Desarrolla una poética propia, concebida desde la racionalidad matemática y la geometría.
Su arquitectura se caracteriza por las formas puras, como el cuadrado, y sobre esta base, otras formas y
proporciones generales.

Sostiene que es necesaria una arquitectura nueva para una nueva vida, con un lenguaje que refleje el
progreso y los nuevos materiales. Es por eso que concibe a la obra desde la estandarización, la
prefabricación y la organización económica: en su empresa constructora Viribus Unitis (fuerzas unidas) logra
juntar todos los rubros de la vivienda y organiza a sus trabajadores con sistemas de horarios, vacaciones y
participación en las ganancias, con una fuerte posición integral del ser humano.

Banco El Hogar Argentino (1926). Esta obra, quizás la más representativa de su producción, presenta una
planta en L con ingreso por dos calles, siendo sobre Florida un lote muy angosto. Por esta razón, el ingreso
principal se va a dar por Mitre por un portal de bronce con un ventanal vidriado de triple altura, trabajado
hasta el máximo detalle con motivos geométricos tipo zigzag. Realizado en símil piedra y sin juntas, parece
tallado en una sola pieza. Si bien Virasoro no logra desprenderse totalmente de los principios compositivos
clásicos, resulta este ejemplo un importante quiebre con el vocabulario historicista de la arquitectura
bancaria.

El hall principal es uno de los elementos de mayor riqueza espacial del proyecto, con cinco niveles de altura
que remata en una cúpula vidriada. Virasoro defiende las formas geométricas a ultranza y las asocia a cada
una de las partes del edificio: estructura, función y forma; para lograr una magistral fluidez y continuidad
espacial de acuerdo a las funciones.

También se puede observar un gran manejo de proporciones, de la luz, de los elementos formales,
subordinados a la tecnología del hormigón armado. Articula claramente la distribución espacial y vincula
zonas principales y de servicio.

En otra de sus obras, la Casa del Teatro (1924), podemos observar también estos principios. Este proyecto
fue donado por la artista soprano Regina Alvear. Podemos observar muchos de los elementos del art decó:
compresión telescópica, axialidad, geometrización, hay una fuerte vigencia de la simetría y manifiesta la
conciencia de la época: simplificación y supresión de elementos figurativos; utiliza claroscuros, particiones
geométricas y elementos básicos del art deco, tales como grecas, zigzag, motivos florales geometrizados
dentro de rectángulos, textura de trazos, curvas ondulantes, abanicos, agua y rayo del sol. En el remate
también encontramos los mascarones simbólicos del teatro tragedia y comedia.

Funcionalmente se organiza de manera racional, y también es moderna la decisión de poner el teatro en el

segundo y tercer piso, las habitaciones de los pensionistas en el 5º, 6º y 8º y aunar las reuniones comunes en
el 9º, cocina y comedor.

Art Decó estructural: carácter abstracto y sinceridad estructural. La expresión de mayor claridad es El
Mercado de Abasto (1926) del arquitecto August Perret, con su gran espacio central cubierto por las
bóvedas de cañón corrido, logra expresar la tecnología de la época: eficiencia funcional y estructural. Sus
bóvedas, su tratamiento estructural, los arcos, el modelado de sus fachadas, la magnitud de sus
dimensiones, su eficiencia funcional, el tratamiento visto del material, el equilibrio de la composición clasicista
de la planta, la complejidad y riqueza de la utilización del espacio interior, instalaron al edificio como una de
las piezas metropolitanas más significativas de la producción local.
Art Decó en las metrópolis, influencias norteamericanas: el polo opuesto al art decó futurista, surgen las
metrópolis. Desde EEUU llegaron las influencias de los rascacielos, imaginario de la modernidad tecnológica.
ciudades como Buenos Aires y Rosario demandaban en los años 20, una “nueva cualidad de masas” y
comenzaba a construirse como la gran escena de consumo. La expresión más destacable es el caso del
Palacio Minetti (1929) de Gerbino, Schwarz y Durand en Rosario, obra emblemática de la ciudad. El
rascacielos de mayor vocación norteamericana. A los elementos propios del art decó, como la
geometrización, líneas verticales, cornisas quebradas, se suma la imponente escultura de bronce que lo
corona.

El caso Cine Teatro Ópera (1935/36) de Bourdon, es un claro ejemplo de los lineamientos hollywoodenses
para cine y teatro. El lenguaje exterior declara su pertenencia al mundo del esparcimiento: es suntuoso y
magnífico. El espacio interior, más precisamente en el foyer, el mensaje es del lugar de encuentro. Con su
triple altura, en este foyer se logra una síntesis geométrica en la definición de detalles y presenta un clima
exótico creado por las barandas de acero inoxidable, el vidrio tallado y la iluminación difusa.

Su arquitecto Bourdon conjuga hábilmente los estigmas del art decó. Presenta claramente el concepto de lo
telescópico, estiliza el volumen con líneas verticales recurrentes en esta tendencia y utiliza materiales que
enfatizan esta situación.

El revoque simil piedra delineado con mármol negro, los abanicos superpuestos de acero inoxidable que
lamentablemente generalmente están ocultos por la cartelería. La marquesina ocupa también un lugar
importante con sus círculos de neón, convirtiéndose en el espacio de transición que invita a ingresar.

El Teatro Ópera posee alta tecnología y servicios, calefacción y aire acondicionado central, sonido estéreo y
en la sala una gran pantalla con un tamaño mayor al doble de lo habitual. Además, posee servicio de bar, de
nursery, dispenser de agua, entre otros.

Una figura que no podemos dejar de mencionar es Francisco Salamone, un arquitecto bastante peculiar y
difícil de clasificar porque en sus obras se pueden encontrar tanto rasgos art decó como gestos futuristas o
incluso pretensiones monumentalistas.

Su obra cobró presencia gracias al gobierno de Fresco, quien pretendía descentralizar la ciudad. Para ello
pretende realizar edificios institucionales en las ciudades y pueblos chicos. Estos edificios tenían que ser
representativos del poder del Estado y comunicar esto a la gente. Salomone entonces va a realizar un
masterplan y sale a ofrecerlo a los distintos municipios. Claro está el uso de la geometrización en la
realización de estos edificios. Ornatos simples pero representativos y cargados de significación y
simbolismos.

Art Decó con influencia balcánica (península balcánica): Para cerrar esta estética nos encontramos con la
Confitería Munich (1927) de Andrés Kalnay. La obra, si bien tiene cierta cercanía al art decó, intenta
sintetizar influencias diversas. La obra reflejaba su pensamiento en tanto la creación arquitectónica debía
responder a las posibilidades técnicas, pero también que debía evitarse la repetición: era obligación del
artista buscar la originalidad en cada caso.

Sus formas tienen puntos de contacto con el art decó y en su intento por desprenderse del sistema
decorativo clásico y crear un nuevo sistema en geometrías puras influenciado por el cubismo checo, una de
las tendencias que mostraron la renovación del lenguaje arquitectónico en los países centroeuropeos.

La Cervecería Munich refleja estas características en su arquitectura: el empleo de ejes de composición, el

considerar la obra como una obra de arte total, la invención de órdenes de arquitectura como columnas
gigantes, el encastre de formas huecas con formas sólidas, las características festivas, las distintas estatuas,
daban cuenta de la bebida y de la comida, el uso de terrazas, balcones, vitrales y bajorrelieves. La obra
constituye una verdadera joya de esta arquitectura.

Lamentablemente, Kalnay pretendió utilizar esta solución individual universalmente y solo consiguió una
suerte de réplicas de la cervecería. Al poco tiempo, abandonó la extravagancia de sus búsquedas.

Dice Liernur “La Cervecería Munich constituye un monumento perfecto al desenraizamiento, a la

incomunicación lingüística, a la desesperante soledad y a la extraordinaria energía de los miles de
inmigrantes expulsados de sus países de origen por el hambre, las guerras o la intolerancia”.

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 ● Clase 6. Llegada de la modernidad a Argentina: principales corrientes. Parte 4

4. Modernidad Monumentalista.

El Monumentalismo es un estilo que se da en el período de entreguerras (1930-1940), que consiste en

destacar el carácter, la grandeza, el poder, la modernidad y la nacionalidad en cada obra de arquitectura.

Necesitamos ampliar un poco el contexto que presentamos al principio, ya que la modernidad

monumentalista tendrá su auge en un período designado por dos grandes acontecimientos:

● A nivel global la caída de Wall Street en 1929

● A nivel local en 1930, el primer golpe de Estado en Argentina

Es por eso que la modernidad monumental va a ser considerada la arquitectura de los ESTADOS FUERTES,
edificios que representan la autoridad y la presencia del Estado. Ramón Gutiérrez llama a esta corriente
“arquitectura imperial” o de “elefantes blancos”.

Alrededor del mundo, esta corriente tuvo distintas miradas: en Argentina, por ej., fue mal vista muchas veces
ya que se decía que representaba a los gobiernos con regímenes totalitarios y/o fascistas, pero, al mismo
tiempo, otros autores la vincularon con la arquitectura de EEUU, ya que en ese momento el mismo entra en
relación con nuestro país, alejándonos del modelo europeo.

El Monumentalismo en Estados Unidos: tiene que ver con una arquitectura que busca representar el Estado
Democrático, refiere a la arquitectura de las grandes corporaciones, siendo las obras más representativas el
edificio Chrysler y el Empire State, y por otro lado, el Rockefeller Center (7 edificios), paradigma del
poderío económico del país.

Monumentalismo en Italia: tiene que ver con una arquitectura que busca representar el Estado Autoritario, es
decir, tiene deseo de generar sensación sobre el Estado Fuerte de Mussolini (fascista). Podemos mencionar
la obra del Palacio de la Civilización Italiana, de los arquitectos Guerrini, Padula y Romano, de 1932,
donde aparecen elementos representativos de la arquitectura romana y, la larga escalinata, le confiere al
edificio un fuerte simbolismo.

En la Argentina, en cambio, va a ser la arquitectura del Estado intervencionista. La crisis de 1929, como toda
crisis, impacta en la industria de la construcción. No hay inversión, por lo tanto, aumenta la desocupación.
 Entonces el Estado, para intentar mejorar esta situación, va a invertir para incrementar la obra pública. Esto,
sumado al crecimiento de la producción nacional del cemento/hormigón, da lugar a una época de
construcción de grandes infraestructuras y grandes obras de arquitectura. El Estado, se convirtió en el
protagonista central de la vida económica.

Estado Intervencionista genera:

- Incremento de la obra pública

- Grandes infraestructuras
- Crece la producción nacional de cemento/hormigón

En nuestro país, podemos reconocer que las obras llevadas a cabo por el Estado, se diferenciaban entre las
que requerían una impronta institucional y aquellas que tenían un carácter de servicio. Las primeras se
resolvieron mediante la corriente monumentalista, mientras que las segundas podían construirse sin
problemas o según los criterios modernistas de los arquitectos.

El modernismo encaró la mayoría de obras con programas de servicios que tenían que ver con obras
sanitarias, escolares, deportivas (donde predominaba la eficiencia).

1. Podemos distinguir un monumentalismo clasicista: la llamada “arquitectura imperial” por Ramón Gutiérrez,
con edificios majestuosos, sobrios pero imponentes, que siguen los cánones clásicos en la composición y
utilizan elementos de arquitectura clásica. Aparece la distorsión proporcional, rasgos clásicos, fachada telón,
apilamiento de las masas, materiales lujosos, repetición de los ritmos, notable decoración, entre otros.

Algunos ejemplos de este tipo de monumentalismo son el Banco Nación, del cual ya se habló y la Facultad
de Derecho, Templo del Saber, con su inmensa fachada, con 14 columnas dóricas en el pórtico de entrada.

2. Por otro lado, tenemos el monumentalismo modernista: se trata de volúmenes puros, sin ornatos, que
buscan una racionalidad compositiva y funcional. Consigue un fuerte efecto de masa volumétrica con algunos
volúmenes curvos y ciertas licencias formales como mástiles y grandes aleros.

Es la arquitectura de las transformaciones productivas y territoriales, algunos ejemplos son: la Sede del
Automóvil Club Argentino (ACA), los laboratorios y sedes de YPF. Toda una apuesta al desarrollo y
expansión del automóvil como nueva forma de conectar el país.

En el ejemplo del Edificio Sede Central del ACA, podemos observar cómo el cuerpo frontal adopta un
repertorio monumental y se lleva a cabo con materiales modernos. Mientras que la zona posterior, presenta
un carácter industrial. A veces, la misma Institución buscaba dar respuestas distintas en una misma
edificación. Podemos decir que se trata de una modalidad híbrida, entre el clasicismo tardío y la modernidad.

Edificio Sede Central de ACA; Laboratorios de YPF; Sede central de YPF.

También en clave modernista encontramos los edificios del Ministerio de Obras Públicas (1933/36). Uno
de los más contundentes símbolos de “Estado fuerte”, en una búsqueda de identificar a lo moderno con el
progresismo, de la mano de un Estado que desde su administración pretende extender la modernidad y la
modernización, a lo largo del territorio.

Nuevamente observamos el juego volumétrico, cuya plasticidad está dada por pequeños avances y
retrocesos, y la regular trama de aventanamientos, completamente racionalizada. Es un verdadero elefante
que se eleva en la Avenida 9 de Julio. Cabe destacar que los murales de Evita se colocaron en el 2011.

También encontramos la Facultad de Ciencias Médicas (1936) que se consolida como una suerte de
híbrido entre clasicismo tardío y modernismo. Pueden observarse incluso algunas citas art decó en la
verticalidad de sus líneas. La Facultad de Medicina es un conjunto donde funcionan distintas carreras como
Medicina, Odontología y Bioquímica.

Enfatizando la monumentalidad y la verticalidad, encontramos también el edificio Atlas (1950/51)

(Agrupación de Trabajadores Latinoamericanos Sindicalizados). Es interesante aquí la iniciativa de una obra
de carácter residencial, que condice con el Estado Proteccionista y los trabajadores sindicalizados: todo un
rasgo del gobierno peronista.
No podemos dejar de nombrar el Monumento a la Bandera (1939), por concurso; aquí encontramos a dos
arquitectos cuya obra ya analizamos. Bustillo, con su carácter monumental y clasicista, y Ángel Guido, quien
suma su mirada nacionalista para el proyecto del edificio que honra a la bandera nacional.

El mismo se eleva como la proa de un barco mirando hacia el Río Paraná. En el lugar donde se izó por
primera vez la bandera, con un mástil que domina la avenida y que posee esculturas, bajos y sobre relieves,
que simbolizan la patria, su historia, su producción.

Cabe destacar que dentro de los escultores está Bigatti, a quien ya habíamos visto en el Palacio Minetti
(escultura superior). La galería, concebida como un propileo, lleva al Museo de las Banderas y presenta una
ausencia de ornato y detalles para enfatizar su carácter monumental.

El Kavanagh (1934/35), principal protagonista de la Plaza San Martín. Es un ejemplo de vivienda colectiva
que combina la idea de rascacielos con un art decó (compresión telescópica) de carácter monumental.
Encomendado por Corina Kavanagh, una hacendada con gran poder económico, a los arquitectos Sánchez,
Lagos y De la Torre. Se alzan 30 pisos y 120 m de alto en un terreno triangular, los cuales se van
escalonando sujeto al reglamento de edificación, de manera tal de lograr un máximo aprovechamiento de
superficie, que da como resultado un juego volumétrico con terraza, balcones y diferentes soluciones
espaciales en el interior de los departamentos.

También es paradigmático por sus avances técnicos y su construcción: se realizó en menos de dos años y
fue, en aquel momento, el edificio de hormigón armado más alto del mundo. Posee detalles de alta calidad,
materiales nobles como por ejemplo pisos, carpintería de roble y caoba, herrajes especialmente diseñados.
La planta es claramente funcional y presenta servicios de ascensor diferenciados (de servicio y para dueños),
entre otros como calefacción, aire acondicionado central y espacios comunes como gimnasio y piletas.

Es un símbolo de absoluta modernidad.

En este período se construyen en Buenos Aires otros edificios también, que si bien no son tan pretenciosos
como El Kavanagh, fueron configurando el perfil urbano de la ciudad. Por ejemplo, el edificio Comega
(1931/34) y el edificio Safico (1932/34). Se trataba de edificios, de programas de masas, que daban cuenta
de la presencia de los sectores más populares.

En el edificio Comega, podemos observar la elección, por parte del arquitecto, de llevar a cabo técnicas de
montaje en seco de paneles. Además, las fachadas absolutamente despojadas de ornamentos.
5. Modernidad Racionalista.

En Argentina, la aparición del racionalismo tiene que ver con el rechazo a los modelos clásicos y académicos
y a los supuestos (falsos) estilos autóctonos como el neocolonial. Surge la necesidad de explorar un nuevo
vocabulario arquitectónico.

La misma presenta características que no son similares con los procesos norteamericanos, europeos e
incluso de otros países de Latinoamérica. En su desarrollo, va compartiendo algunos indicios con una u otra
modernidad, pero siempre dentro de sus condicionamientos de origen.

Vale entender aquí, la impronta de los arquitectos argentinos, que de alguna manera construyen una propia
modernidad.

El movimiento moderno en Argentina no va a ser una entidad, sino un registro de múltiples constelaciones de
experiencias. Es decir, que la figura del arquitecto cobra vital importancia.

Por supuesto, en esta tendencia es donde la visita de Le Corbusier (1929), va a cobrar mayor importancia. Le
Corbusier queda encantado con el Río de la Plata e imagina su famoso dibujo del skyline para la ciudad de
Buenos Aires. Dicta 10 conferencias, pero es importante aclarar que se produce un intercambio de ideas en
sus visitas a países latinoamericanos. Es en estas donde termina de conformar su escrito “Precisiones”: hay
una retroalimentación, ambas partes aportan.

Vamos a encontrar un racionalismo formal y uno conceptual, siendo algunos rasgos comunes:

- Utilización de la técnica y los avances para lograr especialidades que se pretendan.

- La nobleza de los materiales.
- La objetividad y la razón orientada a fines.

La casa de Victoria Ocampo (1928), es un claro ejemplo de arquitectura racionalista como FORMA.
Victoria Ocampo elige como arquitecto a un amigo, un arquitecto que ya hemos visto en varias obras a lo
largo de esta unidad: Alejandro Bustillo. Como dijimos al principio, se afianza en ese rol de arquitecto
ecléctico que puede manejar distintas tendencias.

Bustillo busca imitar o reemplazar los aventanamientos corridos de la arquitectura moderna mediante
ventanas rectangulares recortadas sobre volúmenes puros, blancos y sin ornamentos. Hay un intento formal
de generar estas arquitecturas de volúmenes. Los interiores son también limpios y despojados, en su máxima
expresión geométrica. En la planta busca correrse de la composición clásica, logrando, por ejemplo,
abandonar la simetría y negándole a la escalera el lugar protagónico que solía tener en las arquitecturas
antiguas. Pero los ambientes siguen siendo compartimentados.
En cambio, la vivienda para Victoria Ocampo y Julián Martínez (1931), proyecto no construido del
arquitecto Le Corbusier, es un proyecto desde el CONCEPTO. Logra plasmar aquí sus 5 puntos: planta libre,
pilotis, aventanamiento corrido, fachada libre, y terraza jardín.

En resumen, formal y visualmente intenta ser moderna, pero desde el concepto es racional: plantea ideas
neoplasticistas, cubistas, articula espacios dobles y triples.

Uno de los mejores espacios modernos en Buenos Aires de este período fue el Gran Rex (1937). Se trata de
una obra llevada a cabo por el Ingeniero Adolfo Moret, quien desarrolla un gran hall vidriado recubierto o
“revestido” por grandes gajos de hormigón armado, otorgándole una doble materialidad a la fachada (plana y
sencilla: moderna), similar al edificio del Radio City en Nueva York.

El programa era puramente moderno: incluía cocheras para 200 vehículos, bar de 3 plantas, bowling, sala de
billar. El arquitecto utiliza materiales nobles, incluyendo nuevos como la luz de neón. Lo estructural fue muy
estudiado por el ingeniero.
Siguiendo con la proliferación de edificios en las grandes ciudades como Buenos Aires, tenemos el caso del
Edificio Maipú (1938) de Carlos Vilar, que presenta algunas de las características formales pensadas desde
el concepto:

- Renovación moderna del paisaje urbano: por ejemplo, la construcción de la ochava como curva.
- Maquinismo
- Abstracción formal
- Neutralización de la expresividad
- Disolución del carácter autoral

Hay una eliminación del ornamento y una búsqueda de geometrías puras y abstractas. Se eliminan las
características propias de cada arquitecto. Se busca ese lenguaje universal, para el hombre universal. Se
comienza a pensar el proyecto por sobre la composición: las formas se van adecuando a las funciones.

Esta modernidad racionalista va a ser también un campo de experimentación formal. Los ensayos van a
darse principalmente en edificios recreativos, destinados al tiempo libre, como clubes náuticos o
establecimientos recreativos, cuya función es quizás un poco más flexible.

● Proas
● Ventanas continuas
● “ojos de buey”
● Barandas metálicas
● Escaleras en helicoides libres
● Pilotes
● Arriesgados voladizos
● Antenas o mástiles tomados con tensores

Así se pueden ver ejemplos, en diversas partes del país (homogeneización):

El Balneario Costa Buero (1938), en la ciudad de Mar del Plata. Qué diferente que se observa este espacio,
en relación al pintoresquismo visto en la Playa Bristol de esta misma ciudad. Se interpreta el modernismo
como una manera adecuada de encarar la informal vida moderna.

El Club Regatas de Concordia (1938) donde observamos una arquitectura sobre pilotes, que permite que
cuando el río suba se pueda seguir usando; curvas, aleros, sintaxis formal. La modernidad del edificio incluye
un sistema estructural que prevé su funcionamiento en tiempo de crecidas del río Uruguay.
En Mendoza es importante la obra de los hermanos Civit. Apenas se reciben, viajan a Alemania, donde
contactan con la arquitectura moderna, y con la racionalidad de la misma. Alguno de sus edificios: Playas
Serranas (1935), es un complejo recreativo donde hoy funciona un museo: podemos observar los volúmenes
curvos, la torre que simula una proa o un mástil, una explanada que recorre totalmente el edificio, incluso en
su interior; y otros elementos tales como las barandas metálicas, los ojos de buey, los aventanamientos
corridos.

Con la misma impronta nos encontramos con el Jockey Club de Ensenada, Buenos Aires. Nuevamente se
reconocen los aleros, las barandas metálicas, los ojos de buey, los espacios fluidos como recorridos.
Podemos decir que no se puede suponer que existe un comienzo de la arquitectura moderna. Se
observan distintas expresiones del modernismo, pero hay una representación común:

● La desaparición de los rasgos de carácter: la arquitectura moderna como un lenguaje que se

aplica de manera homogénea a todos los temas.
● La compactación de la planta
● La eliminación del poché (lo residual), a veces de la simetría, de los ornatos.
● La homogeneidad.
● Las cubiertas planas.
● El geométrico abstracto.

El lenguaje universal para el hombre universal.

La CRISIS del racionalismo, se da por la aparición del Grupo Austral, quienes se rebelan contra las
soluciones intelectuales del mismo.