LITERATURA GRECOLATINA

TEMA 1
¿Qué entendemos por literatura clásica?

El canon tiene dos criterios: agradar al público y docere, enseñar.

HAROLD BLOOM hizo un libro sobre el canon.

El canon pervivió hasta el siglo XIX, y los autores que se consideraban clásicos, cumplian
todos los requisitos del canon.

DOCERE ET DELECTARE
Goethe (autor de “El fausto”), Schiller y Scheleger, dejan el canon grecolatino como modelo
debido al prestigio que le dan.

ALASTAIR FOWLER

-EMISOR
-PÚBLICO (receptor)
-CÓDIGO
-(CONTEXTO)

Hablamos de literatura moderna, a la literatura a partir del siglo XVI.

En el mundo moderno, el autor no está tan vinculado a una voz ajena desde su
individualidad.
En el mundo antiguo había dos ideas sobre cómo componer la obra en el mundo clásico.
a) Yo no soy quien escribe, me guía una musa
b) La figura del poeta como aquel que entrelaza. Ata unos versos con otros. Metáfora
del tejer. De ahí viene la palabra “poema”.

Cuando alguien imita algo siempre hay una máscara que está en medio del emisor
real-histórico, por tanto no existe la igualdad entre el mensaje y el emisor, no existe
identificación.

-PERSONA LOQUENS → Sujeto de la iniciación del poema. Es aquel que habla en el

poema, no el que lo escribe.

DIFERENCIAS ENTRE AUTOR MODERNO Y ANTIGUO.

En la época del autor antiguo no se comercializó con libros, había un control religioso. No
existía censura de los textos, solo en casos muy puntuales, como por ejemplo Ovidio.
No había un sistema establecido de transición, existió a partir del siglo XVIII.

CARACTERÍSTICAS DEL AUTOR ANTIGUO

El autor antiguo pertenecía a la clase social alta, porque tienen tiempo para escribir, es
decir, disposición para el ocio. Aristóteles dice que son labores del espíritu.
Además, no es original, está limitado por ciertas convenciones, como el público, ya que este
tiene expectativas, como que el héroe no sea cobarde. El autor contemporáneo no le hace
caso a las convenciones.
También, se ciñe a los géneros literarios: el drama siempre en verso; la épica en versos
hexámetros; en la tragedia, héroes mitológicos; en la comedia, personajes vulgares; y en la
novela, una separación y un reencuentro de los personajes. El tema principal es el amor.

TEXTO (código y mensaje)

Antiguos:
Una vez escrito se escapaban del autor, es decir, el autor no puede controlar las copias que
se hacían.
Habían variaciones porque el que las copiaba veía errores, además también cometían
errores copiando e iban pasando los errores de copia a copia. También ponían cosas
nuevas.

En la Edad Media, debido al cristianismo, los monjes copiaban los manuscritos.

Cuando se creó la imprenta se hacían copias del que estaba en ese momento, no el
original.

En cada proceso de copia hay 2 factores:

→ MATERIAL. El material era el papiro, que era muy escaso, y, además, como era una
planta, se corroía y había que volver a copiarlo en otro papiro, hasta que se pasó al
pergamino y ya no se enrollaba (el papiro sí), sino que se encuaderna en lo que la
actualidad llamamos libro (antes códice). El cambio de un soporte a otro se llama
metakharakterismos.

→ CULTURAL. Depende de tu cultura. Si el copista es cristiano, no copia lo que no le gusta

si dice algo en contra de los cristianos. Se perdieron textos obscenos, en contra del
cristianismo y muchas comedias en las que las mujeres eran las protagonistas.

La imprenta no lo imprimía todo. Hacían una selección teniendo en cuenta el canon.

Los textos que tenemos son ediciones que están hechas en función de las copias que
conservamos, una combinación de todos los textos, no tenemos el original.
Al texto perdido se le llama arquetipo.
Normalmente al texto original se le pone una letra griega. Por ejemplo:

Con Homero (tradición oral), sabemos menos aún cómo era porque no había ninguno
escrito, ninguno original, porque era tradición oral.
Cuando se habla, como se improvisa, nunca va a decir exactamente lo mismo, en cambio,
cuando se pone por escrito sí. A esto lo llamamos, transmisión textual.
La antigüedad clásica nos ha llegado mutilada, no hay nada entero.
¿QUÉ ES UN GÉNERO LITERARIO?
Una ordenación de la realidad que nació en Grecia. Nosotros hemos hecho modificaciones.
Hay algunos que perviven como la prosa, el drama y la lírica, luego hay subdivisiones, como
la Fábula que se han perdido, o como la épica, aunque esta última, según teóricos de la
cultura moderna, ha pasado al cine o a la novela moderna.
Aunque hayamos perdido géneros, hemos ganado géneros nuevos como el cine, el internet
o las performances, y en la literatura el ensayo ( que no estaba en Grecia, aunque ahí si
habían tratados).

CARACTERÍSTICAS DE LOS GÉNEROS LITERARIOS ANTIGUOS

→ Normas que el autor no se puede saltar.
→ Los géneros literarios no se mezclan (no existió la tragicomedia).
→ Todo el lenguaje es retorizado, no es de la [Link] van pasando los siglos está
más sometida a las reglas de la retórica.
→ Tróbica.
→ La retórica se mezcló con la poética.
→ Tópicos literarios invadidos por la retórica.

La retórica tiene tres partes:

-Inventio. Repertorio de ideas que el autor no puede saltarse.
-Dispositio. Cómo ordeno las ideas.
-Elocutio. Cómo lo voy a decir (uso metáforas, o no…).

En la literatura moderna es todo invención del autor.

TEMA 2. LA ÉPICA ARCAICA

1. Homero como educador de la Grecia antigua: universalidad y proyección en la

literatura

2. El problema homérico: paralelos aducidos por Parry y Lord. Figura histórica de

Homero

[Link] y escritura: datación y alfabeto

[Link]ón con otros géneros: influjo léxico y temático

2.3.Fórmulas y escenas típicas

[Link] problema de la transmisión: oralidad, vulgata, filología alejandrina

3. Los poemas homéricos

[Link]ática principal. Diferencias entre los poemas

3.2.Métrica, dicción, estilo

[Link] de realia

4. Influencia posterior en la literatura griega, latina y moderna

TEMA 2. LA ÉPICA

1. HOMERO COMO EDUCADOR DE LA GRECIA ANTIGUA: UNIVERSALIDAD Y

PROYECCIÓN EN LA LITERATURA
Homero escribe con un lenguaje común a todos los griegos, por eso, adquirió a lo largo de
los siglos un prestigio.
Homero es el que transmite los valores de la paideia, distingue ideas sobre los nombres, la
geografía,la muerte, el valor, qué es lo que hace un héroe diferente de la gente común, la
procedencia de los personajes, etc.
Desde la época clásica hasta el final, viene entrado el cristianismo, y los valores y los
modelos van cambiando y van entrando otros nuevos, pero sobretodo en la época clásica
incluido el griego y el romano, fue referente en el que medir la valía de los otros escritores
literarios, por eso se citan a otros autores, por ejemplo Aristóteles cita a Homero.

PROYECCIÓN EN LA LITERATURA
¿Qué significa el mensaje de proyección en la literatura en este epígrafe?
Es universal porque pertenece a todos los griegos de todos los tiempos, y es el mejor
exponente de la proyección en la literatura, porque al escribir épica y no haber elementos o
referentes anteriores a él, su épica es la que pone las normas del género literario, por lo
tanto pone los límites, los temas, la personalidad de los héroes, los mitos que intervienen, la
épica guerrera…

Hay muchas diferencias entre Ilíada y Odisea.

Al principio la Ilíada es un poema sobre la guerra de Troya, que está situada en el último
año de la guerra de Troya; mientras que la Odisea es un poema muy diferente al tono y la
sensibilidad de la Ilíada, porque deja a un lado en muchas ocasiones al personaje del
guerrero, que tiene una virtud que los griegos llamaban areté, que es la capacidad que tiene
el guerrero de enfrentarse a la muerte, basándose en la nobleza de su origen. En la Odisea,
Ulises lo único que quiere es volver a casa, el nostos, que es la nostalgia de volver a casa.
En la Ilíada los Dioses actúan frente a los Griegos, o a favor de los Griegos, porque está en
la naturaleza de los Dioses apoyar a unos u otros, pero en la Odisea, como Ulises es un
hombre justo y sin embargo es castigado. Se evidencia que los Dioses no están siempre de
parte del justo. En la épica cristiana Dios siempre apoya al justo.
En la Odisea se meten temas que antes no se habían tratado, quizá porque la sociedad
griega se va haciendo cada vez más compleja y los griegos son capaces de
autoexaminarse a sí mismos, de huir de los esquemas previos y de incorporar una cierta
complejidad en la vida. El tema principal de la Odisea es el tema de los marineros, que esto
no sale en la Ilíada.

La Iliada y la Odisea han influido, no solamente en todos los géneros literarios de Grecia,
sino también en las formas de las literaturas siguientes, como por ejemplo a Virgilio. Incluso
las lenguas vernáculas están influidos.

[Link] PROBLEMA HOMÉRICO: PARALELOS ADUCIDOS POR PARRY Y LORD. FIGURA

HISTÓRICA DE HOMERO
Se establece la contraposición entre oralidad y escritura. Homero pertenece a una época en
la que la poesía es oral, y por tanto, la recepción de esa poesía es audal, es decir,
escuchada.

El problema Homérico es que si la poesía es oral, cada una de las ejecuciones y

actuaciones del poeta delante de un público, es a través de la improvisación, utiliza su
memoria pero en cada ocasión en la que está recitando el poema, hay diferencias, porque
no están escritos.

El problema Homérico consiste en preguntarnos: ¿cómo es posible que un poeta pueda

dominar tantísimos miles de versos, siempre iguales?
Los poetas eran itinerantes, que iban de un lugar a otro, sobretodo de un palacio a otro,
porque los oyentes ideales de este tipo de épica es la nobleza y no el pueblo, porque la
nobleza se ve reflejada en este tipo de héroe mítico y legendario.

La fecha aproximada en la que esta época se crea es en la época arcaica del periodo
griego, entorno a los siglos VIII-VII-VI a-C,pero siempre desde una ejecución oral, por eso el
poeta le pide a la musa que le ayude porque él no se siente capaz, entonces el poeta habla
por la boca de la musa, que es la que le va a dar toda la información posible sobre aquello
que quiere cantar.

Perry y Lord eran dos profesores anglosajones y estuvieron estudiando, en los años 30 del
siglo XX, la épica de la antigua Yugoslavia y descubrieron que había una épica oral justo al
principio del siglo XX.
El paralelo con Homero era evidente, tenemos poetas épicos que son capaces de recitar
como recitaban estos poetas en la antigua Yugoslavia tiradas de miles de versos.

2.3. Fórmulas y escenas típicas

Si el poeta tiene decir siempre el mismo poema y cada vez que lo dice tiene que,
forzosamente, batallar, sin embargo, siempre va a tener recursos que hagan que los
poemas sean más o menos siempre iguales.
Recursos:
- El poeta acude siempre a esquemas prefijados, nunca improvisa, que es lo que
nosotros llamamos escenas típicas, como por ejemplo el reconocimiento de dos
héroes que son enemigos. Las escenas típicas tienen siempre una secuencia fija en
la que cada héroe le dice al otro antes de luchar cuál es su ascendencia, si están
relacionados por familia, etc.
- Comparaciones. Evita al poeta tener que estar pensando qué va a decir, la tiene en
su repertorio y la presenta cuando le viene bien.
- La dicción formular, se refiere a que el poeta tiene clichés lingüísticos que va
repitiendo una y otra vez en vez de improvisar. Por ejemplo los epítetos que son fijos
para cada personaje, o para cada ciudad.
- La consideración de la creación épica como producto de la inspiración del poeta. No
es él el responsable, es la musa la que habla por boca suya. Las musas son nueve
en el partenón griego, son hijas de Zeus y Mnemosine (la memoria).
2.4. El problema de la transmisión: oralidad, vulgata, filología alejandrina

Estamos diciendo que los poemas nacen y se desarrollan en ambientes orales, de

ejecuciones de un poeta delante de un público son diferentes en cada momento.

Si nosotros tenemos un libro de Homero, se escribió en una obra. Si se hubiese escrito en

otra tendríamos ligeras variantes. De hecho, cuando los escritores antiguos citan a la Ilíada
y la Odisea, a menudo citan un texto diferente al nuestro, porque se apoyan en otro
momento, en otra redacción o están citando de memoria.

Llamamos vulgata al texto que fue copiado a lo largo de la Edad Media, hasta nuestros días,
pero no el texto que pensamos que fue el origen. Fue puesto por escrito pero no por
Homero. El modelo de la vulgata es el que se imita a lo largo del tiempo.

En alejandría hubo una biblioteca muy grande, y los poemas se iban copiando una y otra
vez, pero como cada vez que había una copia había errores, es ahí donde nace la
necesidad de corregir un texto que, por haber sido copiado sin cuidado y a lo largo de
muchas manos, necesita ser limpiado de errores, a eso se le da el nombre ,en la Alejandría
del siglo III a.C, de filología.

[Link] POEMAS HOMÉRICOS

3.1. Temática principal. Diferencia entre los poemas.

La temática principal de Homero es la guerra

La guerra consiste en la Ilíada en el enfrentamiento entre personalidades, entre héroes.
La palabra héroe, que nosotros hemos banalizado, significa en Homero, alguien superior
por derecho de sangre, es decir, son gente cuyo carácter heróico le viene porque están
emparentados, todos tienen algo que ver con los dioses.
Mientras que en la Odisea, esta temática guerrera queda solamente como un recuerdo, y
cuando es mencionada, Odiseo llora. En la Ilíada no se llora.

En la Ilíada se reconocen como héroes, en la Odisea, justo cuando entran en memoria

estos acontecimientos, se produce un gran dolor.

NEKYIA→ bajada al infierno para volver a la superficie y tener el rumbo correcto de las
cosas. Se refiere a que cuando estamos muy perdidos tocamos fondo y lo único que nos
queda es subir. Es una metáfora en la Odisea, cuando Odiseo baja al infierno y ve a todos
los que murieron en la guerra de Troya.

Que haya diferencias entre los poemas ha hecho que los poemas no sean el mismo poema,
es decir, el que escribió la Ilíada no es el mismo, hay varios, probablemente dos, porque
dentro del poema de la Ilíada hay consistencias de personajes que mueren y luego
aparecen vivos.
3.2. Métrica, dicción, estilo.

Aparte de las diferencias, a eso a lo que llamamos Homero es una ficción. No es un nombre
propio, sino una descripción de alguien. Es posible que fuera uno de esos redactores o
compositores.

Los poemas Homéricos están escritos en verso, en el verso heroico, es el hexámetro

dactílico, consiste en la repetición esquemática de sílabas largas(más prolongada que la
breve) y sílabas breves, es la repetición de seis estructuras, a la que cada una de ellas
llamamos pie (una sílaba larga + dos sílabas breves), como dos sílabas breves, es una
larga, cada pie puede tener dos sílabas o tres. Es una métrica totalmente diferente a la
nuestra, donde lo importante es la combinación de un número de sílabas y los acentos con
la rima, ni el número de acentos, ni la rima, ni la métrica son importantes en la métrica
antigua, porque las lenguas romances están basadas en la intensidad del acento, mientras
que en el griego lo importante es el acento musical, lo importante en esa estructura es que
se repite seis veces.
Los griegos, en la épica y en la lírica, descubren que el ritmo consiste en la repetición de
estructuras sin fin, a lo que los griegos llaman rhythmós.
El verso épico, se convierte en el verso único y especial para la épica, no hay ninguna otra
composición (en principio) que lo vaya a utilizar.
La lírica, es decir, la poesía no épica, utilizará otro tipo de métrica bastante diferente, pero
todos los autores que vayan después a cultivar la épica y que tenga que ver con lo que hizo
Homero, van a utilizar el verso heroico, incluso la literatura latina.

Y en las literaturas vernáculas, es decir, las literaturas a partir de la Edad Media, como ya se
ha perdido ese acento musical y se ha perdido la distinción entre larga y breve, los versos
de la épica medieval intentan imitar el verso de herencia grecolatina. En castellano tenemos
el alejandrino, que es parecido al hexámetro dactílico.

Hasta el siglo XIX la lírica se basaba en , mientras que en la lírica griega

el acento de las lenguas romances es un acento,
mientras que el acento en el griego antiguo el acento es musical, y eso supone que las
sílabas son, por naturaleza, largas o breves,

La dicción y el estilo de la épica son las fórmulas y escenas típicas.

La lengua épica termina por ser reconocible, por no confundirse con ningún estilo de
dicción, ni en la lírica, ni en la tragedia, ni en la comedia. Tiene un estilo propio que viene de
usar, eso que llamamos fórmulas y escenas típicas, pero además, por usar palabras que
son propias de la épica. Esto tiene como consecuencia, que como la épica tiene tanto
prestigio, ese conjunto de léxico y estructuras sintácticas define lo que los antiguos llamaron
estilo elevado. Entonces, al final, la épica y otros géneros literarios de mucho prestigio,
porque utilizan por ejemplo caracteres míticos, mientras que otros estilos bajos como la
comedia o el mimo, que son estilos más callejeros, consisten en la parodia del estilo
elevado, es decir que la épica al final de su historia fosiliza su estilo, “lo convierte en piedra”
y es imitado por los géneros literarios que quieren tener un registro alto.
4. INFLUENCIA POSTERIOR EN LA LITERATURA GRIEGA, LATINA Y MODERNA

En el siglo III a.C, casi 600 años después de que Homero pudiera haber vivido, era tal la
influencia de Homero que los poetas alejandrinos, que son amantes de una poesía mucho
menor, menos delicada, menos heróica, sino más apegada a lo sentimental. Según estos, la
poesía de Homero es un río de barro, un río enorme (muchos datos) pero lleno de suciedad.
Y ellos proponen una nueva poesía totalmente contraria a esta estética, que es lo que
llamamos estética [Link] estética donde lo principal es la brevedad y la erudición.
Estos poetas tuvieron que negar a Homero, porque es tal la potencia de la influencia de
Homero que los poetas tuvieron que buscar un hueco para poder producir su propia poesía.

En la literatura latina destaca Virgilio.

Virgilio es el poeta más importante, no solamente del clasicismo latino, sino de toda la Edad
Media europea.
Virgilio es un imitador de Homero, imita los temas, la épica, pero introduce rasgos nuevos, o
sea, cada generación va aumentando y variando los motivos tradicionales de la épica
griega.
Introduce que esa épica ya no es oral, es escrita, es decir, tiene la posibilidad de hacer
juegos textuales entre una literatura y otra, cosa que Homero, como es el punto de partida,
no tiene la posibilidad de hacer esos juegos textuales, no puede citar a nadie porque él es el
inicio.
Hace una combinación de las dos poesías, haciendo una nueva poesía pero sigue siendo
épica y respeta la métrica y sigue escribiendo en hexámetros dactílicos
La diferencia entre Homero y Virgilio, es que Virgilio es un continuador, y por tanto, puede
jugar con la tradición. Si definimos la literatura como aquel ejercicio estético que juega con
la tradición anterior, Virgilio es literatura mientras que Homero no.
Virgilio escribió la Eneida, siendo un encargo del emperador Augusto, esto quiere decir que
la máxima literatura de la literatura latina estaba al servicio del poder, y nace para alabar al
emperador. Virgilio la hace muy lentamente, y cuando se va a morir Virgilio quiere quemar la
Eneida.

Las literaturas modernas mantienen los rasgos que ya vimos en Homero, como los
caracteres heroicos, sucesos que ocurren en un periodo histórico inalcanzable. La épica
siempre tiene un paso más allá de nuestras posibilidades. Se mantiene porque ese es el
núcleo de la época.
La épica como género literario desaparece en occidente, ha sido sumida en otros géneros
literarios, a la llegada del Renacimiento.
La épica ha desaparecido, posiblemente, porque las condiciones de recepción social y el
lector han cambiado, y esa literatura ya no tiene nada que decirnos, porque, en primer lugar,
el mundo mítico de héroes, que van a una guerra mítica es pasado por el tamiz de la
revolución científica. A partir del siglo XVI en Europa se produce una revolución científica y
eso cambia las mentalidades y los lectores buscan otro tipo de literatura.
En segundo lugar, hay un descrédito de las formas líricas largas, como puede ser la épica ,
y una creciente influencia de las formas líricas menores.
De modo que, no es una contradicción el hecho de que en la literatura griega y latina la
épica fuese un género muy poderoso e influyente y que ahora no lo sea.
Los héroes modernos están sometidos a la ironía, hasta tal punto de que la literatura
moderna ha creado, en vez del héroe, el antihéroe.

Puntos para reforzar:

- Cuáles son las características del género (es un género oral y tiene recursos para
que el poeta pueda improvisar).
- Temas (los dos poemas épicos son muy diferentes,¿cuáles son esas diferencias?)

Kafka: por un momento el lector tiene la misma sensación porque hay una luz que no es
natural, al final lo que hay es simplemente una luz eléctrica que se había encendido en la
calle. Y el personaje piensa que estamos tan lejos de los Dioses que ni se lo había creído.
TEMA 3

LÍRICA ARCAICA

1. Denominación “lírica”. Transmisión. La cuestión de los orígenes. Oralidad o

escritura (creación de corpora: Teognis).

2. Canto coral y canto monódico. Persona loquens. Contextos de ejecución;

componente musical.

3. Temas y motivos. Estructuras. El lenguaje lírico.

4. Subgéneros principales. Poetas yámbicos y elegíacos: Arquíloco, Mimnermo,

Jenófanes. La lírica eolia: Safo. La lírica coral: Píndaro.

SELECCIÓN DE TEXTOS

Arquíloco s. VII a. C.

Fr.5 West

Algún tracio se envanece con mi escudo; aquel que, junto a un arbusto,

arma intachable, abandoné mal de mi grado.

Mas yo me salvé. ¿Qué me importa aquel escudo?

¡Que se pudra! De nuevo lograré otro no peor.

Fr. 19 West

No me importa de Giges la fortuna, de aquel tan rico en oro;

jamás de mí se apoderó la envidia, ni me irritan

las obras de los dioses; y no ansío la poderosa tiranía.

Lejos en verdad está de mis ojos.

Fr. 128 West

¡Corazón, corazón mío, por irresistibles penas agitado!

¡Arriba! ¡Frente a los enemigos, saca tu pecho y defiéndete

y en las insidias de tus contrarios, firme cerca de ellos, aguanta en pie!

No te jactes ante todos si eres vencedor

ni, vencido, te lamentes en casa postrado.

Con tus alegrías regocíjate y con las desgracias aflígete

sin desmesura: ve comprendiendo qué clase de cadencia al hombre rige.

Mimnermo de Colofón s. VII a. C.

Fr. 1a G.-P.

Mas poco tiempo dura, como un sueño,

la juventud preciada; y la penosa y deforme

vejez sobre la cabeza enseguida pende,

odiosa a la vez que despreciable, que torna irreconocible al hombre

y daña sus ojos y su razón al derramarse por todo su cuerpo.

Fr. 1b

¿Qué vida, qué placer sin la dorada Afrodita?

¡Quédeme yo muerto, cuando ya nada de esto me interese:

ni el amor a escondidas ni sus dulces dones ni la unión en el lecho!

Tales son las atrayentes flores de la juventud de que gozar pueden

hombres y mujeres; mas, una vez que sobreviene la dolorosa vejez,

que toma repulsivo por igual incluso al hombre bello,

no cesan de atribular su corazón penosas cuitas que lo envuelven

y ni siquiera disfruta de la contemplación de los rayos del sol,

sino que lo aborrecen los muchachos y lo desprecian las mujeres.

¡Tan dolorosa hicieron los dioses la vejez!

Jenófanes de Colofón s. VI a. C.

Fr. 18-19 G.-P.

3a

Los etíopes afirman que sus dioses son chatos y negros

y los tracios que son de ojos verdes y rubios.

3b

Si los bueyes, los caballos o los leones tuvieran manos

y supieran pintar con ellas o realizar las mismas obras que los hombres,

los caballos pintarían semejantes las figuras de los dioses

a las de los caballos, y los bueyes a las de los bueyes

y les harían cuerpos tales como los que ellos tienen.

Safo de Mitilene s. VII a. C.

Fr. 12 Voigt

Comparable a los dioses se me muestra

el hombre aquel que frente a ti

sentado está y escucha de cerca

tu dulce voz

y tu risa deseable. Esto ha sobresaltado

mi corazón dentro del pecho,

pues con sólo contemplarte un solo instante,

ni una sola palabra ya decir puedo:

mi lengua se quiebra y un leve fuego

sl momento corre por debajo de mi piel,

con mis ojos nada veo

y me zumban los oídos;

el sudor de arriba abajo me brota, el temblor

de mí entera se apodera, más pálida que la hierba

estoy y a mí misma me parece

que poco me falta para estar muerta.

Mas ten valor, pues incluso al pobre […]

Fr. 94 D

Las Pléyades ya se hundieron, δέδυκε μὲν ἁ σελάνα

la luna también, y media και Πληϊάδες, μέσαι δὲ

la noche, la hora pasa, νύκτες, παρὰ δ' ἔρχεθ' ὥρα,

y yo duermo sola. ἐγὼ δὲ μόνα καθεύδω.

TEMA 3: LÍRICA ARCAICA

1. DENOMINACIÓN “LÍRICA”. Transmisión. La cuestión de los orígenes. Oralidad o

escritura (creación de corpora: Teognis).

Es el género literario que no está escrito en prosa, que está sometido a metro y que tiene
como característica general que en este marco al que llamamos lírica caben infinidad de
temáticas, igual que en la actualidad. La palabra lírica es una palabra griega que significa
“aquella composición tocada o ejecutada con una lira”, siendo un género en verso, se
cantaba, por eso guarda una lejana semejanza con la música popular actual.

Como su propio nombre indica, es la lírica de la época arcaica. La lírica mantiene aún
algunos vínculos con la poesía homérica, en primer lugar, comparte muchos temas con la
épica, aquellas escenas más intimistas, sentimental; en segundo lugar, el lenguaje, ambas
están sometidas a metro, y en la lírica aparecen muchos giros y palabras que previamente
aparecían en la épica. Esto eleva el nivel del lenguaje de la lírica, porque la remiten a un
género literario muy consolidado y con mucho prestigio.

Sin embargo, al mismo tiempo tiene diferencias estructurales:

- Atendiendo a la métrica, la lírica es cuantitativa, basada en las cantidades y la

secuencia rítmica entre largas y breves, ya no es el hexámetro dactílico, porque se
reserva solamente a la épica.
- Nace en contextos muy diferentes a los de la épica ( épica: ambientes palaciegos,
público nobiliario), la lírica al ser un género literario que tiene multitud de variantes,
cada una de estas variantes tiene un contexto diferente, por ejemplo, hay una lírica
que nace como expresión de la intimidad del poeta, nace en ambientes
sinfosíacos,el de los círculos sociales más restringidos, la lírica que llamamos
himnos, que está destinada a la invocación o alabanza de los dioses pero su
contexto es el de las festividades públicas de la ciudad, la lírica política, donde se
ataca a los contrincantes del partido opuesto, entonces está sometida a los
condicionantes de determinados sectores sociales, que ya no se tienen que
identificar con los públicos de la épica.

La lírica es un género literario más complejo en su realización que la épica. Tiene un arco
temático más variado, va desde la lírica amorosa a la expresión de los sentimientos y de las
experiencias personales del poeta, pasando por aspectos políticos, religiosos, casi
dramáticos, e incluso, deportivos, con la lírica llamada los epinicios.

A diferencia de la épica donde suponemos a un autor que llamamos Homero, pero estamos
seguros de que hubo más de uno, para la lírica hay un nombre propio detrás de cada
poema, hay una persona que vivió y escribió, siempre conocemos el nombre del autor,
nombres reales.

Hubo una lírica popular o anónima, llamada lírica déspota, en las que no está claro quién es
el autor.
También existió la lírica popular, que tenía temas referidos a la renovación agraria, a los
cantos de recolección, etc.

La lírica literaria nace en contextos diferentes a los de la épica porque surgen necesidades
nuevas de expresión y nace con la escritura porque ya existe el alfabeto griego, y ya no está
sometida a las normas y a las características de la literatura oral. El que esta lírica se
escriba a la hora de componerse, no significa que los que la reciben la vayan a leer, porque
el grado de alfabetización de la época arcaica era mínimo, pero se recita en público. Estos
públicos pueden ser muy restringidos, como un círculo de amigos, la hetairía es un círculo
muy restringido de hombres que se reúnen en simposios, es decir, una fiesta privada, son
capas sociales nuevas (comerciantes, artesanos), pueden ser círculos religiosos… que
surgen por el desarrollo de la polis, el desarrollo de nuevos marcos de convivencia y
sobretodo nuevas formas de economía que ya no está basada en la economía del monarca
y de su corte.

Surgen estas nuevas necesidades de expresión porque hay capas sociales que se están
enriqueciendo y son capaces de enfrentarse a otras clases sociales, incluso con
enfrentamientos violentos se desarrollan nuevos cultos favorecidos por la rivalidad de las
ciudades.

Esta épica es una épica basada en varios puntos: en primer lugar, una épica más intimista,
una épica basada en preocupaciones por el paso del tiempo, la relación íntima del ser
humano con la divinidad, más cercana a nuestra sensibilidad moderna, preocupaciones
políticas que no tienen que coincidir con los intereses del gobierno de la ciudad. A todo esto
se suma un cataclismo político que fue la amenaza del Imperio Persa, en el siglo VI los
griegos se enfrentaron a los persas en las Guerras Médicas, entonces los griegos tomaron
conciencia de que todos ellos, a pesar de sus diferencias, constituían una unidad que se
expresaba dialécticamente, es decir, en algunos momentos se expresaba como diferencias
insalvables entre los griegos, pero en otros como una necesidad absoluta de reconocerse
todos como una etnia común, el helenismo.

En este momento nace una sensibilidad nueva que nosotros llamamos racionalismo que es
la oposición a todo lo que tenga que ver con el aparato divino de la Ilíada y la Odisea. Los
nuevos racionalistas son de clase media con medios suficientes como para dedicarse a una
vida ociosa y cuestionar toda la vida anterior, desde los dioses de la épica hasta los cultos
más tradicionales, las costumbres de sus contemporáneos.

Producto de esta racionalización, surgen la ciencia y la filosofía, que en Grecia es lo

[Link] ciencia y la filosofía tiene como consecuencia el ateísmo.

La lírica es una de las formas de expresión de esta nueva sensibilidad, una lírica que va
desde la expresión de las emociones personales del poeta, hasta la expresión de las
preguntas que se hace el poeta por la realidad.

Aristóteles dice que cuando se escribe filosofía en verso, es filosofía en verso, no poesía.
No todo lo que se pone en verso es lírica literaria.

La lírica arcaica la tenemos fragmentada, no tenemos ningún autor completo, es más, lo

normal es que lo tengamos muy fragmentario. Esto significa que la transmisión hasta
nuestros días de esta literatura, se ha enfrentado a problemas. Tenemos una transmisión
indirecta, porque los textos poéticos que tenemos, los tenemos porque otros autores los
citan en sus obras, es decir, tenemos que fiarnos de que el autor que la transmite tenga una
buena copia o que, cuando dice que la cita de memoria sea fiable.

Por otra parte, llegó el cristianismo y todos los poetas a los que no les interesaba, porque no
incidían en el fortalecimiento de la fe de los cristianos, no eran copiados. Los poemas de
corte amoroso o más obsceno fueron dejado de lado y fueron recuperados en el
Renacimiento con el Humanismo.

Cuando nace la lírica arcaica el alfabeto se está difundiendo. Aunque sea una lírica que
predominantemente fue escrita a la hora de su creación, no se recibió por escrito, se
recitaban. No existía el comercio de libros ni de copias, sin embargo, sí existían poetas que
lograron tal renombre que desde la época clásica empezaron a reunirse sus composiciones
en colecciones, entonces surge la corpora, palabra latina que es el plural de corpus, es
decir, colecciones atribuidas a determinados poetas, en las que podía haber, junto a todos
los poemas que consideramos auténticos, poemas espurios, es decir, falsos.

Uno de estos poetas de corpus, es Teobnis, que tiene varios temas para destacar: el paso
del tiempo, es un tema clásico en la lírica arcaica, y para él significa que hay una nueva
autoperfección de los seres humanos como seres efímeros,el paso del tiempo tiene la
consecuencia de que se hace tópico, es decir, una vez que el corpus se ha establecido
queda como un elemento que se va copiando, y está unido temáticamente al tópico del
amor, porque para los griegos, a diferencia de la sociedad moderna, solo puede darse en la
juventud, si para estos poetas, esto es así, hay que aprovechar la juventud. De este tópico
surgen más tópicos, como los amantes que no aprovechan su momento y son advertidos
por un anciano de que la juventud no dura para siempre; otro de los subtemas que se va
desarrollando conforme se va desarrollando la lírica arcaica, es el tópico de que todos estos
grandes núcleos temáticos se pueden metaforizar, es decir, se dice metafóricamente. Una
de las metáforas es la del árbol o de la flor (flor de un día, la flor dura poco), la juventud
como lo que dura una flor; otro de los subtemas es el del consejo acerca de la prudencia, es
decir, uno de los valores éticos que se desarrollan ahora y que apenas fue apuntado en la
épica es el de la prudencia. Prudencia en griego sophrosýne. Esa prudencia es abstenerse
de cualquier acción o actitud que no esté sometida a metro. Para Aristóteles, la prudencia
es la condición indispensable para la felicidad, y para los griegos en general, también.
Aristóteles llama a esto como el término medio, es huir de los extremos. Este término medio
aparece en la lírica como consejo.
En la poesía que nosotros llamamos córpora aparece un solo poeta que desarrolla todos
estos temas.

2. CANTO CORAL Y CANTO MONÓDICO. Persona loquens. Contextos de ejecución;

componente musical.

La lírica griega arcaica está dividida en dos grandes formas, en dos tipos de expresión.
Para nosotros solo existe una de ellas, que es el canto monódico.
El canto coral y el canto monódico son dos tipos de poesía que se diferencian por la
singularidad o la pluralidad en la composición y ejecución.
Entonces, monos en griego significa uno, y ódico significa cantar, entonces, el canto
monódico es ese tipo de poesía que es compuesta por una persona para ser recitada o
cantada por una sola persona, que no tiene por qué ser él, por ejemplo Safo.

La otra forma de lírica es lo que llamamos canto coral, que sería un tipo de poesía
compuesta por un poeta pero para ser ejecutada o recitada por muchas personas, por
ejemplo, tenemos este tipo de lírica coral en los epinicios y en los cantos festivos o de
matrimonio, y sobretodo, en el teatro griego, tiene actores pero también coro, y el coro, que
interviene como un único personaje, lo dice de manera sometida a metro.

Las diferencias entre ellas a parte de la voz, es la temática.

La temática coral es más comunitaria, aspectos sociales, religiosos, por ejemplo himnos,
cantos de banquete, cantos de guerra. Sin embargo, la lírica monódica, tiende, al contrario,
a expresar los estados de ánimo del poeta.
En este sentido, la persona loquens es distinta, es decir, el hablante o el sujeto de la
enunciación de la poesía coral es colectivo, que no tiene por qué identificarse con el poeta
que ha escrito la composición, mientras que la persona loquens en los poemas monódicos,
tiende a identificarse con el escritor o creador del poema.
poietes > lat. poeta, de ahí viene nuestra palabra poeta.
Que tiene que ver con el verbo “hacer” en griego, que es poiein.
Estos poetas ya no se identifican en su composición con ninguna musa, sino que son ellos y
su habilidad poética la que, en la mayoría de los casos, origina el poema. Los poetas son
conscientes de su labor como creadores, y a esa labor la comparan como un trenzado o
hilado, pero nunca como la personificación de la voz de la [Link] ante un cambio
de poética, por eso, en los poemas épicos como habla la musa a través de la musa del
poeta, el poeta nunca dice su nombre, pero ahora, muchos si que dicen su nombre propio
incluso en el poema. Esto no significa que estén orgullosos de sus creaciones o que quieran
pasar a la posteridad, sino que, esta nueva expresividad está ligada a un aspecto
importante de la sociedad, que es el nacimiento y desarrollo del “yo poético”, porque
empiezan a surgir ciudadanos con nombre propio en la vida social griega. Surge el inicio de
lo que podemos llamar “personalidad”.
La consecuencia de que el autor busque su propio camino, es que la religión entendida
como esa religión olímpica (Zeus, Atenea), empieza a entrar en crisis, y empiezan a
desarrollarse cultos de salvación personal, es decir, una religión en la que lo que es
importante y se busca es la salvación de cada uno, independientemente de lo que le pase a
los demás. Estos poetas, al diferenciarse los unos de los otros, se atacan entre ellos.

Contextos:
- Contexto sinfosíaco, el contexto del banquete que se celebraba en las casas de
ciertos sectores de la sociedad donde se difundía un tipo de poesía que llamamos
poesía de banquete. Esta poesía tenía subtipos, como el ataque personal, la poesía
amorosa, la poesía erudita, la poesía dedicada a la divinidad.

- Contexto político en sentido de la polis, contexto de una festividad o un acto social

compartido por toda la sociedad de la ciudad en el que se recitaban uno o dos textos
o un poemario que aludía al momento en el que se realizaba ese acto. A ese vínculo
 entre el poema y el momento en el que es desarrollado, lo llamamos paidós, que
significa que toda poesía de la lírica arcaica nace para un determinado público.

- Contexto religioso, los himnos constituyen una lírica que tiene una normativa muy
determinada, es decir, a tal Dios hay que cantarle de tal manera. Estos himnos
nunca son himnos vacíos, sino que se entiende que la divinidad los oye. Es muy
posteriormente cuando ya nadie cree en ningún Dios.

- El contexto de las fratrías políticas, una fratría es un sector de la sociedad con

intereses políticos muy opuestos a los demás, con mucha violencia y en los que el
poeta es la voz que expresa los deseos y objetivos de estos grupos. No tiene por
qué coincidir, estos son grupúsculos que quieren quitarle el poder a Tirano.

En cuanto al componente musical, la lírica son textos musicales (canciones).

Cuando empezaron a copiarse los textos, dejó de copiarse la música, porque cuando se
difunde el alfabeto cada vez más capas de la sociedad acceden a la posibilidad de leer,
pero la anotación musical era muy complicada, basada en unos signos extraños que a
menudo eran ininteligibles, y porque además, conforme van pasando los siglos, la lírica, a
pesar de que había nacido con ese componente musical, se entiende que lo importante de
ella no es la unión música-palabra, sino solamente lo que diga la palabra, es decir, se va
privilegiando el aspecto literario, en el sentido de letra de estas composiciones, y todo lo
que no sea literario no importa.
Esto lo sabemos porque ellos mismos lo dicen o bien, porque lo vemos reflejado en la
cerámica griega.

3. TEMAS Y MOTIVOS. Estructuras . El lenguaje lírico.

3 temas principales:
- Tema personal. Puede expresarse en forma de poesía amorosa, o con el tema de la
vejez, o con el tema de viaje.

- Tema religioso. Pueden usarse ditirambos, que es el tipo de poesía que está
dedicada exclusivamente a Dionisio. El pean es un género literario dedicado a
Apolo.

- Tema político. Muchas ramificaciones: tema del ataque político, o hablando de lo que
harían siendo políticos, también, aquella poesía que recuerda o halaba a caídos en
el combate o a políticos en activo, llamada poesía epadienética.

Cada uno de ellos tiene subtemas.

Cada una de estos subgéneros tiene su propio metro
asignado, además el dialecto también va determinado, cada uno de los subtipos tiene uno
particular, porque cada una nace en una región determinada de Grecia.
4. SUBGÉNEROS PRINCIPALES. Poetas yámbicos y elegíacos: Arquíloco, Mimnermo,
Jenófanes. La lírica eolia: Safo. La lírica coral: Píndaro.

Hay dos subtipos que se refieren tanto a temática como a métrica en la lírica monódica: el
yambo y la elegía. Esta denominación de elegíaco ha sobrevivido hasta nuestros días, a lo
que denominamos con acento triste o melancólico.

Tienen que ver con el tema y con la métrica. Hay un metro yámbico y otro metro que se
llama elegía, que es la combinación de dos versos, uno largo y otro breve.

Los poetas yámbicos son los que se dedican a 2 temáticas: la ridiculización del adversario y
al aspecto político.

La temática elegíaca tocaba lo político, lo personal, lo amoroso, pero nunca desde el punto
de vista del ataque personal, sino más bien desde la perspectiva del interior del poeta.

En la lírica eolia, destaca la poetisa Safo, porque constituye una lírica que denominamos
eolia porque está escrita en este dialecto y porque tiene una perspectiva sobre el amor más
profunda que la de los hombres. El amor en safo, en primer lugar, no está presente el
tiempo, no tiene que ver con el envejecimiento o la juventud, es decir, es un amor perenne;
segundo, introduce elementos novedosos, como la idea de que el amor tiene un aspecto
psicológico pero también un aspecto físico, es decir, cuando estás enamorado tu cuerpo lo
nota, es decir, el amor no es el puro deseo carnal, sino que tiene una dimensión psicológica
sutil; tercero, la idea de soledad, los hombres nunca hablan de soledad en la poesía lírica
arcaica.
Está escrita en dialecto eolio y una métrica muy particular que no se da en otra lírica.

La lírica coral o epinicios de Píndaro, escrita en dulio, es un tipo de poesía que se hace en
honor de los vencedores de los juegos atléticos
Tienen una temática referida a la divinidad y una alabanza personal al deportista.
Epinicio: canto en honor a alguien que ha ganado los juegos atléticos.

Los subgéneros principales son las distintas formulaciones que tenía la lírica en función del
cairós, del momento, del público, del objetivo del poeta, se daban ciertas formas que podían
variar con respecto a otros condicionamientos.
En primer lugar, uno de los subgéneros más importantes es el de la elegía, que hoy es un
tipo de lírica intimista, pero en Grecia, la elegía era un formato que podía tener muchas
temáticas, era un tipo de verso. Cabía el tema de la muerte, el de la fiesta, el del paso del
tiempo, es decir, cabía una gran variedad de temas y públicos.

Después estaba el yambo, es una forma de lírica que tiene como temática principal la burla
y el ataque a alguien que pertenece a una facción contraria, a su vez, no solamente es este
tipo de lírica sino que también el tipo de verso que emplea. Tiene un tono más desenfadado.
El peán es el himno dedicado a Apolo, en este tipo de composiciones se suele aludir a
episodios de la vida de Apolo, consignados en la mitología.
El ditirambo, dedicado a Dionisio, también alude a hechos de la vida de Dionisio
importantes. Es importante porque según Aristóteles es el origen de la tragedia y el drama.

Otra de las formas es el partenio, que es una composición dedicada a cantar la noche de
bodas, es decir, es un canto de bodas. Alude a los novios, algún mito relacionado con el
amor conyugal, se burla del novio, etc.

El epinicio es el tipo de lírica que practica Píndaro, un epinicio es un canto de victoria, son
cantos corales que se hacían en honor a los vencedores en los juegos de Grecia.

En la lírica filosófica destaca Jenófanes, pero hay otros hombres más importantes como
Heráclito. Están en verso porque el modelo de escritura seguía siendo Homero.

Los poetas yámbicos y elegíacos son los mejores representados, porque nos han quedado
más materiales de ellos.

Hay 3 grandes tipos, que son todos lírica monódica, es decir, solo lo recita un poeta.
En el siglo VII y VI a.C, se produce lo que llamamos lírica arcaica, y sus frutos principales
los dio en esta época, después en las épocas posteriores son totalmente diferentes. En la
época helenística hay poetas que, aunque compartan los mismos temas, le dan un matiz
diferente, la citan desde un punto de vista erudito.

La lírica erudita posterior fue imitada por los poetas romanos, como Catulo, Horacio y
Virgilio. Es la lírica que se imitará en el Renacimiento.
De manera que la primera queda relevada.

TEXTOS

Arquíloco

Fr.5 West
Menciona el escudo porque en Ilíada y Odisea, cuando un guerrero muere se reparte el
botín, y lo primero son sus armas.
No quiere el escudo, dice que se va a comprar otro mejor.
Cuando dice que se ha salvado dice que es más importante su vida que el honor del
escudo.

Fr.19 West
Desdeña los valores permitidos

Fr.128 West
Es un poema en el que da la clave de la lírica.
Da consejos: desdeña esa ética guerrera en la que el guerrero usa la areté para imponer de
una manera violenta y desmedida, su voluntad ante los demás.
Al hombre lo rige un tipo de cadencia.
En griego esa palabra que está traducida como cadencia es la palabra RHYTHMÓS, que
significa una secuencia, es decir, la vida está regida por una ley que no aparece en los
cantos homéricos, en un momento dado estamos arriba porque tenemos alegrías y luego
estamos abajo porque tenemos desgracias.

El métron es la medida, es decir, no pasarte de las condiciones que son naturales al ser
humano.
TEMA 4
TRAGEDIA

EL GÉNERO DE LA TRAGEDIA

La tragedia griega es un género difícil porque no se sabe de donde procede. Es el núcleo de

lo que nosotros entendemos hoy por drama, de modo que el origen del teatro occidental
viene de Grecia pero no tenemos muy claro cuáles son las líneas de origen de este teatro.

El género trágico devino, a través de su evolución y su perfeccionamiento en el siglo V a. C.,

en una manifestación literaria central en el legado griego: en ella se aúnan aspectos de la
épica, de la lírica y otros propios que desarrollan una forma única en Occidente que ha
pervivido hasta nuestros días.

En este tema aparecen dos teorías.

La primera teoría es de Aristóteles, que lo conecta con el cortejo satírico del Dios Dioniso; y
la segunda teoría es la que establece, por insuficiencia de la primera, que la tragedia habría
surgido en manifestaciones de tipo coral que tenían un carácter mimético, es decir, la
representación de escenas, que tenían un carácter mitológico. De este carácter mimético de
escenas mitológicas, vendría luego con un desarrollo posterior eso que nosotros llamamos
el teatro, en concreto, la tragedia.

Coincide significativamente con el esplendor político-cultural de Atenas, y es sede donde se

debaten aspectos irresolubles y contradicciones morales anejos a esa situación. Estas
reflexiones se articulan mediante la puesta en escena de un mito (más raramente un suceso
histórico) que es tratado personalmente por el autor trágico, toda vez que aquel era conocido
para el público y el genio del autor se veía en la articulación que él hacía. El marco era, como
es sabido, los festivales cívicos en honor de Dioniso. El escritor de tragedias – que al principio
también actuaba– se encarga de la dirección, la coreografía y la composición de la música.
Normalmente las obras se ponían en escena una sola vez, aunque sabemos que Esquilo fue
repuesto. Puesto que estas reposiciones –también la de Eurípides– corrompían el texto,
Licurgo en 330 a. C. promovió una “edición” definitiva de estos autores que eliminase
interpolaciones de actores, ediciones que trabajaron después los alejandrinos.
Sobre la tragedia como género, sostiene J. de Romilly que esta debe definirse, más bien
que por características externas, por sus temas y el esprit, por las modalidades y caracteres
que le son internamente propios: por ejemplo, los personajes son regios (o reyes míticos) que
elevan la majestad de la obra y la distancia respecto al espectador; por otro lado, la actuación
de estos héroes, enfrentados a nociones irreductibles. La definición de Romilly tiende a
destacar los aspectos psicológicos o metafísicos:
C’est une tragédie si l’action représentée met en scène des héros plus ou moins
mythiques qui, de façon douloureuse, sombrent dans le désastre, et si leur histoire,
d’une façon ou d’une autre, éveille en nous le sentiment des grandeurs et des
limites de l’homme.
 Pero el “hecho trágico” no puede ser considerado de una manera simple, pues admite
en el género griego varios grados. Es clásica la definición de Wilamowitz (en su introducción
a su Herakles):
Una tragedia ática es en sí misma una obra completa de la leyenda heroica,
elaborada poéticamente en un estilo elevado para la representación por medio de
un coro ático de ciudadanos y de dos o tres actores, y destinada, como parte del
servicio religioso público, a ser representada en el santuario de Dioniso.

El teatro en Grecia está dividido en dos principales subgéneros: tragedia y comedia.

Estaban completados por otro subgénero menos importante que era el drama satírico.

La tragedia, en oposición a la comedia y al drama satírico, es un género literario que tiene

como característica ser, casi siempre, de tema mítico, muy pocas veces es de tema
histórico. Por tanto, los personajes son propios de la mitología, es decir, están un paso más
allá de la cotidianidad de los espectadores, es decir, son personajes con los que el
espectador no podría tratar nunca, están situados en un más allá de cualquier acceso. El
estilo es elevado, no hay ningún tipo de caída en lo cotidiano ni en lo obsceno, todo está por
encima de los ciudadanos que van a ver esa obra. Es un género en verso, tanto en comedia
como en tragedia. Tenía una variedad riquísima de versos y estaba constituida por dos
aspectos, los personajes (caracteres) y el coro.
Una tragedia no está dividida en actos ni escenas, sino que es todo un continuo, y esta
acción no está obligada a transcurrir en un contexto histórico dado porque los personajes
son míticos.
En cambio, la comedia griega está formada por tipos cotidianos a los que se ridiculiza.

Entonces, en principio, actúan los personajes, y aunque sean muchos en la obra nunca hay
más de tres personajes en escena. Estos personajes actúan en diálogo entre ellos o con el
coro, que da consejos, hace admoniciones, a veces actúa como un propio personaje y está
formado por un conjunto de coreutas (integrantes del coro) y dirigidos por una voz única,
que se denomina corifeo. El coro tiene identidad propia, a menudo representa los intereses
de la ciudad, o el sentido común, o la sabiduría ancestral, o la voz del pueblo, es decir,
interactúa con los [Link] la comedia el aspecto musical era menos importante
porque estaba destinada a hacer reír, y en las situaciones cómicas no encaja bien la
música.

Los temas son, generalmente, temas en los que interviene un conflicto que desarrolla el
tema trágico o el asunto trágico, que no son las muertes, ni el sufrimiento, ni las tragedias,
sino que está encadenado por una acción anterior o justamente previa a la obra, que implica
cierto desajuste, que puede ser a nivel religioso en el plano de lo divino o trascendente, o un
desajuste en las leyes tradicionales, o un conflicto con las perspectivas de la lira ética
griega. Se resuelve a través de una resolución que implica dolor, pero no es obligatoria, hay
tragedias que acaban bien, y cuando la tragedia se resuelve volvemos al equilibrio inicial
que ese conflicto rompió, por ejemplo, se venga alguna muerte, los dioses intervienen para
aplicar justicia.

Las condiciones sociohistóricas para que la tragedia se desarrolle es el nacimiento de esta

en Atenas en el siglo V a.C, y conservamos un corpus de obras de algunos de sus autores
que fueron los más conocidos. Esos principales autores son los que han pasado a la obra
como representantes genuinos del género, es decir, han pasado a la historia como aquellos
que le dieron forma definitiva al género, son los más conocidos, con más prestigio que han
entrado en el canon y que han sido más imitados: Esquilo, Sófocles y Eurípides.
Este género se desarrolla en la Atenas clásica porque en ese momento en esa ciudad
existía democracia, esta democracia, como sistema político no fue parecido al nuestro,
comparte algunos caracteres como el hecho de la votación, pero tenemos que recordar que
la ciudad de Atenas era muy pequeña comparada con los estándares actuales, era una
democracia que no se basaba en partidos. Esta democracia fue una cierta libertad de
palabra que los griegos llamaron parresía, que posibilitó que en el teatro se difundieran
ideas de corte político, justiciero, religioso, social, literario, siendo el poeta totalmente libre
para expresar sus ideas. Estas ideas que el poeta expresaba por boca de los personajes
eran permitidas por ese sistema político que propugnaba la libertad.

Estos festejos ya no son literatura oral, sino que nace escrita porque el poeta tiene que
presentar a la ciudad su obra para que sea aceptada y aprendida por los actores. Como es
una obra escrita, los actores y el coro han de memorizar sus partes, es decir, que conlleva
una gran preparación previa, y esto no se podría haber hecho sin ayuda de la escritura.
Se producía en el marco de unos festivales en primavera y verano en honor de Dioniso
(grandes Dionisias) y de Atenea (grandes panateneas), en ese marco festivo religioso, una
de las fiestas fundamentales eran las representaciones de teatro que se hacían al principio
en teatros de madera improvisado, conforme van pasando los decenios, las obras van
adquiriendo mayor complejidad y los festivales mayor importancia internacional, y empiezan
a construirse teatros en piedra.

El autor de la obra trágica componía, no solamente el texto poético, sino que también la
música que acompañaba al texto poético, porque una tragedia griega se parecía muchísimo
a lo que nosotros llamamos hoy ópera, es decir, partes cantadas con instrumentación y
partes recitadas. De modo que, cuando nosotros hoy vemos una tragedia griega, vemos
solamente el texto representado por los actores en la forma en la que nosotros entendemos
hoy el teatro, es decir, alguien sale a escena y recita su papel, pero en Grecia, en ese
momento histórico, era todo musicado. De modo que, tenía tanta importancia el texto
poético, como la música, y como la danza, porque el coro, además de intervenir con versos,
evolucionaba en una escena con movimientos de danza. Entonces el poeta que presentaba
una tragedia era el autor, no solamente del texto poético, sino que también de la música y la
danza.
El poeta tragediógrafo (escritor de tragedias), al principio también era actor, es decir,
participaba en la ejecución de la obra. Esto con el tiempo desapareció y quedó como
externo.
Estas tragedias entraban siempre en concurso, es decir, no se representaban porque sí, las
presentaba y competía con otras tragedias, y había un jurado que premiaba a las mejores,
entonces lo que nosotros tenemos actualmente son las ganadoras de los concursos,
aunque no todas las que tenemos fueron las ganadoras, pero la mayoría sí.

El espectáculo teatral (que se parecía mucho a una ópera), no tenía nada que ver con el
teatro moderno, no solo porque el teatro moderno tenga ausencia de música, sino porque
nosotros hoy damos mucha importancia a que el actor sea muy bueno interpretando,
miramos como hablan, como se mueven en el escenario, sus expresiones faciales… pero
en Grecia esto no era así porque los actores llevaban máscaras estereotipadas, entonces
se potenciaba mucho el texto porque daba igual cómo estuvieran actuando porque no se les
veían las caras.
El teatro como espacio físico tuvo que potenciar los aspectos acústicos de la
representación, entonces se hicieron redondos o semicirculares, los arquitectos que hicieron
los teatros en Grecia tuvieron que buscar un medio para que el público tuviera el mejor
acceso al sonido, pues los actores no proyectaban la voz directamente ya que llevaban
máscaras. De este modo, al final se logró una especie de lectura teatral muy buena.
Todos los actores eran hombres, incluidos los caracteres femeninos. Las convenciones
estéticas son diferentes a las nuestras.

El teatro era escrito, es decir, cuando las obras de teatro tenían éxito se iban representando
una y otra vez, tanto en Atenas como después en otras ciudades. Y al representarse una y
otra vez en otras ciudades los textos se conocían, es decir, se iban copiando, el autor no
tenía control sobre su obra. Llegó un momento en el que los textos escritos de las tragedias
eran objeto del cuidado de los filólogos en Alejandría, que supuestamente, habían corregido
y limpiado los errores que se habían ido deslizando a través de los numerosos copistas que
copiaban la obra para que fuera representada en otras ciudades.

El núcleo fundamental de la tragedia, que tiene único y que no comparte con ningún otro
género, es que comparte elementos de la épica (ej: tema mítico), procede de la lírica
arcaica, y contiene elementos propios como por ejemplo que por primera vez un género
literario salta del texto escrito a la representación. Además, el género de la tragedia, es
diferente a la épica y la lírica porque es un reflexión sobre el dolor humano, y esta relación
de los griegos con el dolor se articulan distintos temas, como la posición del ser humano en
el mundo, es decir, el sufrimiento como nota fundamental del ser humano con los dioses,
también, hay una aparición de subtemas, los cuales aparecen en la épica y en la lírica pero
son tratados de manera diferente, como la justicia; el autoconocimiento que produce dolor
(páthei máthos → a través del sufrimiento, el conocimiento); la venganza, el diferente
estatus de la justicia divina y la justicia humana; el amor que no se puede cumplir, no es
factible a las formas humanas pero se intenta llevar a cabo, porque son mitológicos;
histórico (se hace una interpretación desde el conflicto trágico, se pone en relación con los
dioses, aunque fue algo que sucedió de verdad) , los personajes no son mitológicos, sino
históricos, y el hecho trágico nace porque hay una acción insensata de uno de los
personajes, por ejemplo Jerjes cae en la desmesura de querer igualarse con los dioses en
la dominación del mundo y el aniquilamiento de la libertad.
Una tragedia es un género literario que, aprovechándose de los géneros literarios
anteriores, hace una síntesis que es una reflexión sobre los límites del hombre y su relación
con los dioses a través del sufrimiento gracias a la exploración de dichos límites en muchos
ámbitos de la vida. ( ← Definición de tragedia)

Más allá de los condicionamientos externos, y siguiendo en esto a Romilly, debe tenerse en
cuenta que la identidad del género tiene que ver íntimamente con la noción de lo “trágico”,
que conlleva un sufrimiento. Admitamos aquí la distinción de Lesky ante el hecho de que no
pocas tragedias griegas acaban felizmente: Lesky distingue entre una visión trágica del
mundo (“la concepción del mundo como sede de la destrucción incondicionada de fuerzas y
valores que necesariamente están en pugna, destrucción sin solución y no explicable por
ningún sentido trascendente”), el conflicto trágico absoluto, un “suceso parcial del mundo”
y la situación trágica. No todas las tragedias conservadas se corresponden con cada uno de
estos grados. Lesky pone como ejemplo a Orestes: “el conflicto en que se encuentra Orestes
es extraordinariamente horrible, pero como conflicto no es absolutamente trágico, porque
permite la reconciliación de las potencias en pugna y, en esta reconciliación, la liberación del
dolor y del sufrimiento”.

EL PROBLEMA DEL ORIGEN

La cuestión de los orígenes del teatro griego en el siglo VI a.C. es una cuestión todavía
abierta, y que se ha abordado desde múltiples puntos de vista (filosóficos, antropológicos,
filológicos). Muchos son los problemas a los que se enfrenta la investigación (las teorías de
los autores antiguos, el lenguaje escénico, la suma de recitado y coral, etc.) y no es el menor el
de conectar los elementos y fases de los inicios con las manifestaciones literarias más
acabadas, sin caer en la pura especulación: recuérdese lo que decía Wilamowitz: “Sobre el
origen de la tragedia, solo sabemos lo que afirma Aristóteles”.

No sabemos cuáles son los antecedentes de este género literario, solo tenemos un texto
que nos dice de dónde viene la tragedia que es la Poética de Aristóteles.
Aristóteles nos cuenta de dónde viene la tragedia, pero lo hace de manera que da por
entendido que los que lo están leyendo saben de lo que está hablando, es decir, de manera
muy general y muy vaga. Además afirma que él tampoco tiene muy claro de dónde viene.

a)El informe de Aristóteles. Es controvertida la información suministrada por este filósofo

(Poética 1449a), que se hace más fiable cuando observamos que confiesa su ignorancia en
torno al origen de la comedia. Como es sabido, Aristóteles (incidiendo en los orígenes
literarios más que en los rituales) conecta la tragedia (que habría nacido en el Peloponeso con
Arión) con la representación del ditirambo, pero también con la tradición épica; afirma que
es una derivación de “lo satírico”, lo que vendría a reafirmar el carácter satírico del cortejo
dionisiaco (trágos = sátyros, una equivalencia discutida); los exarchóntes del ditirambo se
destacarían del coro e intervendrían autónomamente improvisando un diálogo con el coro.
Por su parte, afirma el filósofo que el mito es el alma de la tragedia, y buen ejemplo de mito
son Ilíada y Odisea. Ocurre, según Aristóteles, que la tragedia sufrió una serie de
transformaciones, que llevó a la primitiva dicción burlesca a hacerse seria. Otra versión
antigua es la de los alejandrinos conocida a través del Ars poetica horaciana, por la que el
lugar de origen sería el Ática, desde los ritos de culto áticos de Dioniso (tragodía = “canto
del macho cabrío”).
Lo que dice Aristóteles es que procede desde el cortejo de Dioniso porque sus cantos,
bailes y danzas, se realizaban en un subgénero lírico que es el ditirambo, que es un tipo de
composición poética destinada a cantar las aventuras mitológicas de Dioniso, Dios del
desenfreno y éxtasis.

b)Interpretaciones modernas. Las interpretaciones y teorías modernas pasan por la aceptación

o no de la explicación aristotélica, y en el último caso, por la búsqueda del origen en ritos
arcaicos. Las principales críticas contra Aristóteles se deben a la controvertida interpretación
del término satyricón en la Poética, que algunos han interpretado como “drama satírico”:
algo que se ha visto por muchos imposible, puesto que es con Prátinas de Fliunte con quien
nace literariamente hablando y se desarrolla esta forma. Adrados ya revisó la ingente
cantidad de bibliografía que había suscitado este problema: el autor critica cualquier
acercamiento que no sea histórico-filológico (como el etnográfico). Según Adrados, los
géneros teatrales “se han creado sucesivamente a partir de fiestas religiosas en que
intervenían coros que a veces tenían carácter mimético, representando dioses o héroes del
pasado, y de los que (...) se destacaban algunos de los coreutas, que representaban a algún
dios o héroe y entablaban diálogo con el coro”. En definitiva, el teatro surgiría en la
ampliación de un núcleo consistente en un diálogo lírico coro / actor, de carácter agonal. Los
tragodoi (coreutas y actores), según Adrados, no estaban atados a un tiempo, lugar o tema, y
llamados a Atenas se ligaron al culto a Dioniso: “A Dioniso quedó adscrita la tragedia y
luego la comedia, por más que en su origen están toda clase de rituales de la religión agraria y
no solo los dionisiacos”. Los corales trágicos y cómicos recibieron el influjo de los corales
dorios, y el verso del recitado (ático con elementos jonios) “se vio influido por el dialecto en
que más se había desarrollado el trímetro yámbico: el jonio”. Adrados sostuvo que los
elementos dóricos de los corales trágicos proceden rara vez de la lírica coral doria. El hecho
de la presencia de dos dialectos en un mismo género u obra literaria es visto por Adrados
como un recurso para señalar una diferencia en el tono emocional y el valor religioso del
diálogo y los corales. b)Interpretaciones modernas. Las interpretaciones y teorías modernas
pasan por la aceptación o no de la explicación aristotélica, y en el último caso, por la
búsqueda del origen en ritos arcaicos. Las principales críticas contra Aristóteles se deben a la
controvertida interpretación del término satyricón en la Poética, que algunos han
interpretado como “drama satírico”: algo que se ha visto por muchos imposible, puesto que es
con Prátinas de Fliunte con quien nace literariamente hablando y se desarrolla esta forma.
Adrados ya revisó la ingente cantidad de bibliografía que había suscitado este problema: el
autor critica cualquier acercamiento que no sea histórico-filológico (como el etnográfico).
Según Adrados, los géneros teatrales “se han creado sucesivamente a partir de fiestas
religiosas en que intervenían coros que a veces tenían carácter mimético, representando
dioses o héroes del pasado, y de los que (...) se destacaban algunos de los coreutas, que
representaban a algún dios o héroe y entablaban diálogo con el coro”. En definitiva, el teatro
surgiría en la ampliación de un núcleo consistente en un diálogo lírico coro / actor, de
carácter agonal. Los tragodoi (coreutas y actores), según Adrados, no estaban atados a un
tiempo, lugar o tema, y llamados a Atenas se ligaron al culto a Dioniso: “A Dioniso quedó
adscrita la tragedia y luego la comedia, por más que en su origen están toda clase de rituales
de la religión agraria y no solo los dionisiacos”. Los corales trágicos y cómicos recibieron el
influjo de los corales dorios, y el verso del recitado (ático con elementos jonios) “se vio
influido por el dialecto en que más se había desarrollado el trímetro yámbico: el jonio”.
Adrados sostuvo que los elementos dóricos de los corales trágicos proceden rara vez de la
lírica coral doria. El hecho de la presencia de dos dialectos en un mismo género u obra
literaria es visto por Adrados como un recurso para señalar una diferencia en el tono
emocional y el valor religioso del diálogo y los corales.
Los filólogos modernos no están muy de acuerdo con Aristóteles.
El tema del ditirambo sería un tema satírico-burlesco-orgiástico, para después coger los
temas mitológicos de la épica (Ilíada y Odisea), y se hizo serio.

La palabra “tragedia” (tragoedia) viene de dos palabras griegas, tragos (macho cabrío), que
es el animal que en occidente, desde Grecia, que hace sinónimo de incontinencia sexual; y
oidé, “edia” en castellano, que significa canto, sería entonces el canto del macho cabrío.

La otra teoría es la de Adrados, el término satiricón hay algunos de los filólogos que dicen
que no tiene que ver con el personaje sino con el género del drama satírico. Esto era una
obra de teatro muy breve en la que hay actores que son sátiros, pero estos sátiros que
aparecen en estas obras no están continuamente cayendo en deseos sexuales, de bebidas,
de éxtasis, sino que dialogan con héroes mitológicos y personajes que aparecen en obras
épicas, como el cíclope. Esto cambia completamente la interpretación que hay que hacer de
Aristóteles, y según los filólogos modernos hay que interpretarlo según Adrados, es decir,
habría fiestas religiosas, es decir, que el nacimiento del teatro tiene un carácter sacro, no
festivo en el sentido profano de la palabra; en segundo lugar, intervienen coros en honor a
los Dioses y ese coro tiene un carácter mimético, es decir, interpretan pasajes de la vida de
sus héroes, del que se destaca un solista.

Las convenciones escénicas de la tragedia griega son completamente diferentes a las de

ahora, esto quiere decir que los espectadores de la tragedia griega iban a ver una cosa a la
que nosotros llamamos teatro pero no es la misma concepción que tenemos ahora. Era un
espectáculo musical y poético, y lo más importante es que tenía una dimensión religiosa
que estaba por encima de todo lo demás, y esto significa que los premios que se daban a
las tragedias que competían, estaban basados, no solamente a la calidad lírica de la obra,
sino a la forma en la que el autor había honrado a los dioses. De modo que la tragedia no
pone en cuestión lo que hacen los dioses, sino que reflexiona sobre eso, sobre las
consecuencias que para la vida de los hombres tiene ese sistema de justicia, que
normalmente son trágicas o dolorosas.

En Grecia, la suspensión de la realidad que nosotros tenemos siempre que vamos al teatro,
solo ocurre en la tragedia. En la comedia, los actores pueden dirigirse al público sentado
(esto ocurre en el teatro vanguardista a veces).
En el caso de la tragedia, lo importante es que los actores mantienen una distancia
consciente con los espectadores porque llevan máscaras, de modo que no tienes delante a
alguien que tu puedas reconocer, además usaban procedimientos para enoblecer la figura,
es decir, los actores que salían a escena, eran actores cuya presentación física en el
escenario acentuaba la distancia entre los espectadores y lo divino, de modo que los
espectadores podían notar la distancia entre su generación y la de los dioses, este es el
origen de lo que Aristóteles dice que es el efecto trágico, la catarsis. La catarsis consiste en
lavar/limpiar a través de la identificación con los personajes trágicos todas las pasiones y
afecciones, es decir, el espectador ve reflejado su propio dilema en los dilemas de los
héroes trágicos, a esa identificación que produce llanto y liberación del sufrimiento interior a
través de la tragedia, Aristóteles la llama catarsis.

EL CORPUS DE LOS TRES TRAGEDIÓGRAFOS

Estos tres autores son muy importantes, sobre todo porque son los únicos de los que
tenemos obras completas.
Ambos vivieron en el siglo V a.C. y coincidieron con el sistema político de la democracia de
Atenas, que significa que mucho del pensamiento expresado en estas tragedias tiene que
ver con el pensamiento que había en ese momento en la Atenas democrática.

Esquilo
Cuando llega Esquilo a finales del siglo VI a.C. y principios del siglo V a.C., la tragedia está
totalmente desarrollada y conformada en sus elementos, por lo que Esquilo la recibe
completa, y por lo tanto Esquilo escribe como ya se escribía, pero no sabemos cómo se
escribía antes que él.

Esquilo es un tragediógrafo, y por tanto compuso el texto, la música y la danza.

La tragedia de Esquilo se reconoce porque tiene ideas motrices muy delimitadas, por
ejemplo, la idea de justicia. La justicia de los Dioses, la que viene de Zeus.
Zeus para Esquilo es un Dios único, del que emana todo y siempre se está refiriendo a Zeus
como garante de aquello que él consideraba propio del hombre dentro de sus límites;
también la idea del límite en unos personajes que son muy cercanos a los personajes de
Homero, es decir, los personajes de Esquilo son personajes mitológicos, lo que les ocurre
son conflictos trágicos que proceden de errores que heredan estas familias, no son errores
personales normalmente, están relacionados y conectados con herencias que no permiten
al hombre una actuación desprejuiciada, por ejemplo, Agamenón, en la obra Agamenón,
muere en el contexto de la maldición que afecta a su familia, es todo herencia.
Otra característica de Esquilo es que nunca llega a más de 3 personajes en escena, el coro
es un elemento central en su teatro. El coro al mismo tiempo, transmite el saber tradicional
que está ligado a la ética divina, ética de los dioses, y los personajes evolucionan en
contraste con este saber tradicional heredado acerca de los límites del hombre, de la
sabiduría, de la desgracia de los hombres, de la posibilidad de felicidad, la idea continua de
que el hombre tiene unos límites que no se pueden transgredir, la idea continua de que los
delitos de sangre son sacrilegios con una carga de castigo tremenda que se heredan de
padres a hijos, están enmarcados en la casa, es decir, la familia.
Estos personajes o conflictos todavía están muy cerca de la épica, son inalcanzables para
el espectador, están un paso más allá del espectador y de las preocupaciones triviales que
tengan.
Es muy lírico, tiene un lenguaje muy elevado a través de un lenguaje cuidado en el estilo,
con muchas figuras:metáforas, metonimias, palabras poéticas extraídas de la épica… es
decir, un lenguaje cuidado que será el modelo del lenguaje trágico.
El elemento central de la estructura de la tragedia es el diálogo incesante entre el coro y los
personajes. Como hay pocos personajes en escena, la tensión trágica no viene por la
continua dialéctica entre los personajes, sino por el contexto en sí, es decir, la carga trágica
no tiene que ver con el desarrollo del tema a través de los distintos personajes, puede haber
un solo personaje en escena que intensifique lo que Esquilo quiere transmitir. El coro
siempre es un personaje que interviene en la trama y puede modificarla e influye en ella, es
un personaje colectivo.

ESQUILO. El catálogo manuscrito de los dramas de Esquilo que se conserva menciona

ochenta obras, de las cuales solo siete se conservan completas. Como cada poeta acudía al
concurso con cuatro obras (tres tragedias y un drama satírico), Esquilo habría compuesto unas
veinte tetralogías. El corpus conservado está compuesto por Persas, Siete contra Tebas,
Suplicantes, Prometeo, y la trilogía formada por Agamenón, Coéforas y Euménides (la
Orestea). Con la Orestea ganó Esquilo en el certamen del año 458 a. C. y es sin duda la
mejor obra del autor, de una temática cercana a la homérica. El autor trágico vivió en un
momento de expansionismo ateniense: precisamente la Orestea se ha visto como una
prevención contra los riesgos de tal expansionismo con la imagen de la expedición troyana.
La producción esquilea se caracteriza por la escritura de trilogías “ligadas”, esto es, un
mismo tema continuado a lo largo de la trilogía (las obras de esta podían ser de tema
independiente). De este modo la reflexión sobre el motivo trágico, al darse en generaciones de
personajes y tiempos diferentes, podía ser más profunda.
En la teología del poeta, Zeus y la Justicia son los motores ideológicos y morales más
fecundos de la tragedia. Frente a los rasgos tradicionales con que se nos presenta a Zeus
(defensor del suplicante), en nuestro autor se nos impone como un dios que es resumen
paradigmático de las ideas de poder, sabiduría y justicia. Hasta el dolor, frente al cual solo
cabría resistir, se convierte en Esquilo, por obra de Zeus, en fuente de aprendizaje y
conocimiento. Solo quien lo celebre alcanzara la “suprema sabiduría”. Si Zeus es compendio
de las ideas que rigen el mundo, la Justicia es para Esquilo el elemento estabilizador de los
desequilibrios que amenazan al mundo de los hombres: la injusticia y sus correlatos, la culpa
y el castigo. La Justicia, en suma, cuando acompaña desde siempre a las casas de los hombres,
es garantía de un hermoso destino para todos los hijos de esas casas. La solución del dilema
trágico, cuando ambos imperan (Zeus y Justicia), siempre es feliz.
En cuanto a su estilo poético, su teatro presenta una elevación poética de todos sus
mensajes, sobre todo en el coro, donde se acumulan imágenes poéticas comparables a las de la
lírica, que actúa como comentarista de lo que los actores reviven en la escena. Sin embargo,
en las intervenciones de los actores las formas recuerdan más el estilo de la épica. Los
papeles trágicos eran representados solo por dos actores, de ahí el recurso constante a la figura
del mensajero o a que el diálogo sea llevado por el jefe del coro y un actor, mientras el
segundo actor queda libre para una posible intervención.
Según Murray, Esquilo dio majestad a la tragedia, elevando temas del folklore popular
a la categoría de problemas universales. Así lo demuestra en el metro usado, la lengua y las
expresiones figuradas o frases enigmáticas (kennings), que a menudo llevan adosada su
propia interpretación. Otro medio usado por Esquilo para dar extrañeza a la lengua es el uso
de palabras exóticas, o con acento extranjero, cuando intervienen personajes persas, egipcios o
jonios. Es un experto en la creación de imágenes audaces sin caer en lo artificioso.

Sófocles
Sófocles representa una evolución de la tragedia, en sentido:
- Estructuralmente. Introduce un personaje más en escena, puede haber hasta 3
personajes a parte del coro, esto tiene como consecuencia que el coro reduce su
papel, tiene menos importancia y menos influencia en el desarrollo de la trama.
También, que haya otro personaje más hace que haya mayor complejidad entre
personajes.
 - Temática. Los temas de Sófocles tienen que ver con dilemas de tipo ético-religioso,
pero ya no heredados, sino dilemas éticos que se convierten en trágicos cuando se
llevan hasta el final, es decir, cuando se llevan a su término.
- Autoconocimiento. El personaje no sabe quién es, cree que lo sabe pero en realidad
no lo sabe. El conflicto trágico como motor de conocimiento, como resolución. Como
un problema que afecta a dilemas personajes potenciados por el propio personaje.
- Exceso. Traspasar los límites. Edipo se pasa al matar a su padre y Creonte se pasa
cuando no hace caso al adivino Tiresias.
SOFOCLES. De familia distinguida, su vida está inmersa en la de su ciudad,
participando en las actividades políticas, siendo por lo menos una vez estratego en la guerra
de Samos, y otra administrador de los fondos públicos; su actitud política esta carente de
partidismos. A diferencia de otros hombres de letras de su época, residió siempre en Atenas y
solo abandono la ciudad cuando tenía que prestarle un servicio público. Vivió la época de
máximo esplendor ático, pero también el comienzo de los peligros que desde dentro y fuera
amenazaban la estabilidad y supremacía ateniense: la política imperialista ateniense creó el
descontento entre los miembros de la Confederación Ática, y además la rivalidad espartana
por la hegemonía los llevaría al enfrentamiento en la guerra del Peloponeso. Sófocles siempre
tuvo el favor del público ateniense.
Pronto abandonó la actuación, seguramente por las exigencias del arte de actor. La
lista epigráfica de los triunfadores en las Dionisias registra dieciocho triunfos de Sófocles.
Los eruditos alejandrinos le atribuían un total de 130 obras, pero en realidad son seguros 114
títulos de los que solo se conservan siete tragedias más un drama satírico. Como innovaciones
en la técnica de la tragedia, se le atribuyen el aumento del número de miembros del coro, que
pasa de 12 a 15, así como la introducción del tercer actor, con lo que aumentan las
posibilidades de acción y pierden protagonismo los coros. También se le atribuye la
introducción de la escenografía, aunque no sea una información segura; lo que si es cierto es
que abandona la estructura de la trilogía y escribe piezas de contenido independiente, en las
cuales los protagonistas individuales se convierten en el tema central. El corpus conservado
incluye Áyax, Antígona, Traquinias, Edipo Rey, Electra, Filoctetes y Edipo en Colono
(citadas cronológicamente).
En la producción trágica sofoclea hay un uso constante del mito, que a veces es tratado
de una forma particular por el autor, gracias a la propia versatilidad de aquel: en muchas
ocasiones los héroes míticos o legendarios se parecen poco a sus arquetipos épicos. En este
sentido se puede ver el interés del poeta por el propio individuo: “lo que constituye la
trabazón en su drama no es el linaje en sus generaciones como escenario abarcador del poder
divino, sino la personalidad del individuo”. Por ejemplo, en el Filoctetes los personajes no se
hallan frente a lo irracional de los poderes invisibles. Aunque las palabras de un vidente hayan
dado el impulso al suceso, la acción y la pasión de los personajes se desenvuelven desde su
propio interior en la obra. Pero ello no obsta para que tales personajes estén libres de toda
circunstancialidad, potenciando Sófocles su carácter universal.

Eurípides
Tiene un libro mayor de obras conservadas.
Eurípides constituye, desde el punto de vista de su producción teatral, una evolución mucho
más acentuada de los temas y de la caracterización de los personajes.
En cuanto a su vida personal, Esquilo se relacionó muchísimo con las nuevas tendencias
que había en Atenas en esa época, que eran tendencias racionalistas, que eran las de los
filósofos que había en esa época.
Eurípides conoce a Anaxágoras. Vamos a tener una racionalización del concepto trágico,
mientras que Esquilo era absolutamente ciego, eran conflictos oscuros dominados por el
destino, y en Sófocles vamos a ver una reflexión sobre los límites del ser humano y sobre la
idea de la felicidad del hombre.

EURIPIDES. Sobre la biografía de Eurípides poseemos pocos datos y no del todo

verosímiles. Nació en 485/484 a.C. y recibió una educación esmerada. La comedia abundó en
noticias sobre sus desventuras amorosas con sus dos mujeres. No alcanzó gran simpatía entre
sus con- ciudadanos por su carácter inconformista y crítico con los aspectos tradicionales, y
pronto fue objeto de las burlas de la comedia. En contraste con Sófocles, cuya vida estaba
incorporada tan sólidamente a la comunidad ateniense, Eurípides no participó activamente en
política. Esta oposición del público se manifestó en una acusación por impiedad formulada
por Cleón, aunque los datos no son seguros. En 408 abandonó Atenas y se refugió en
Macedonia. Parece que escribió unas veintidós tetralogías, pero disfruto de solo cuatro
premios.
Su corpus conservado consta de dieciocho obras, además de numerosos fragmentos.
Los títulos son Alcestis, Medea, Heraclidas, Hipólito, Andrómaca, Suplicantes, Hécuba,
Ión, Heracles, Troyanas, Electra, Helena, Ifigenia en Táuride, Fenicias, Orestes, y las
compuestas en su estancia en Macedonia Ifigenia en Áulide, y Bacantes; más un drama
satírico, El Cíclope. En cambio, Reso se considera apócrifa.
Como rasgo propio de Eurípides encontramos la inquietud intelectual. Trató con
espíritu nuevo las historias del pasado, utilizándolas a veces para desenmascarar a héroes,
como Eteocles, o criticar a los dioses por su comportamiento. En ocasiones pertenece al
apogeo clásico y en otras es muy renovador. El páthos de un gran apasionamiento se
encuentra junto a consideraciones racionalistas ajenas a la acción. El centro de su interés es el
hombre, viendo a las divinidades como símbolos de los poderes irracionales y sustituyendo su
fuerza por la de la týche que mezcla y dirige los destinos humanos. Critica muchos principios
de la normativa tradicional ática, como la superioridad hombre-mujer, griego-bárbaro, el
respeto a la tradición y el pasado glorioso, la virtud de la guerra, etc. Además, la tragedia es
para él un perfecto vehículo para exponer sus ideas, lo que le confiere un carácter moralizante
y sentencioso visible en la forma de terminar algunas mediante la intervención de lo
maravilloso como deus ex machina. En su obra se cumple el tópico aristotélico según el cual
“Sófocles representa a los hombres como deberían ser y Eurípides como son”. Con respecto a
la democracia e imperialismo atenienses, Eurípides no participa en la polis con una relación
similar a la de Esquilo o Sófocles. Si con frecuencia tomó posiciones en sus dramas frente a
cuestiones de la vida estatal, lo hizo desde el punto de vista del pensador racionalista, y no
como ciudadano de la polis que participa en ella. Sobre su relación con la sofística debe
decirse que fue seguidor de sus caminos pero nunca estuvo adscrito a ninguna escuela.
Discípulo de Protágoras, Pródico y de Anaxágoras participó del racionalismo sofistico, pero
su obra no se acopla a ningún sistema filosófico, sino que muestra una lucha incesante, una
búsqueda apasionada, que le hace parecer contradictorio.
En general, Eurípides topa con los moldes rígidos del género que configuran su
apertura a nuevas formas del drama. Esta disonancia entre la tragedia como culto del Estado y
vinculada a la mitología tradicional y las formas de pensamiento antinómicas propias de la
sofística o la nueva concepción del drama como melodrama burgués se percibe en la
producción de este poeta. Pero hay que tener cuidado de considerar a Eurípides como un
secularizador de la tragedia: en él lo trágico no ha perdido su sentido; Medea, Hipólito o
Hécuba se hallan instalados en un firme orden del mundo. Pero siempre el mismo dilema: en
su obra se introducen elementos nuevos como el motivo erótico (aprovechables luego por la
comedia nueva). Es el arduo camino de lo trágico a lo dramático.

Con Eurípides el coro cada vez tiene menos presencia. Casi todos los títulos de Eurípides
son mujeres, como las mujeres que se echan al monte que iban a adorar a Dioniso.
Son mujeres porque a Eurípides le interesan dos aspectos:
- El conflicto trágico se humaniza del todo. Son conflictos emocionales aunque todavía
están desarrollándose en un contexto mitológico, con personajes dela mitología,
pero sin embargo, esos personajes no son inalcanzables, se pueden identificar con
cada uno de nosotros.
- Le preocupa indagar en las emociones y caracteres femeninos, porque en ellos
Eurípides halla un lugar para reflexionar sobre el dolor, como el causado por el
amante, por la guerra, por la pérdida de sus hijos.
Cuando Eurípides reflexiona sobre el amor, reflexiona sobre el amor que podría
sentir cualquier mujer, pero aleja a estos personajes femeninos de los grandes
personajes femeninos de la tragedia anterior y hace de la tragedia un género
transformado, hace de este género literario una especie de drama. Los mitos están
racionalizados, hay mucha pregunta por los aspectos heredados de la tradición, y se
centra en problemas que eran muy fácilmente identificables para los espectadores
de la Atenas de su época.

En conclusión, nosotros no tenemos corpus de la época anterior. Solo tenemos este corpus
de estos autores literarios, porque en su época no consideraron necesario transmitir
copiando o volviendo a representar a otros autores. Esta indagación que hace Eurípides en
el carácter femenino de los personajes frente al masculino, se dará en la comedia nueva,
esto quiere decir que cuando el sistema democrático desaparece de Atenas, también
desaparece la tragedia.
A partir de ahora, el teatro que se escriba, va a tener como tema principal la reflexión de la
psicología de los personajes, es decir, en Esquilo, por ejemplo, no es importante la
psicología del personaje, sino el destino.
En el teatro posterior no habrá reflexión sobre la sabiduría popular, sino que está
racionalizada, se pone en cuestión y los personajes son cada vez más delicados.
TEMA 5: LA COMEDIA

ÍNDICE
1. La comedia “antigua”. Rasgos generales
Aspectos sociohistóricos- Estructura de la comedia- Intereses de la comedia:
parodia, política, escenas típicas. Crítica paidéutica y crítica política.
2. El problema del origen: la farsa doria y el kómos.
3. Aspectos lingüísticos. Humor situacionista y humor verbal.
4. Aristófanes. Corpus conservado. (no lo ha dado)

[Link] comedia antigua

La comedia es un género literario que tiene como característica principal que forma parte
del drama y en Grecia se desarrolla en verso. Es el género hermano de la tragedia, de
hecho, para los griegos estaba dividido en dos géneros principales: tragedia y comedia los
cuales serán el reverso del otro. Las características principales de la comedia son por
ejemplo la comicidad, es una búsqueda constante de esta. Se llega a esta o se logra
mediante la risa, la comicidad de estos no es la misma que la que concebimos hoy en día,
pero sí es cierto que contiene recursos que nos resultan familiares. Hablamos de recursos
como, en primer lugar, la parodia y, en segundo lugar, la sátira. Podemos decir que estos
son los dos elementos fundamentales de la comicidad.
Hubo tres fases en el desarrollo del género literario de la comedia:
- la comedia antigua, que es la de Aristófanes, que se produce en la Atenas del siglo
V a.C.
- luego, con la pérdida de la libertad política de las ciudades, pues la comedia entra en
decadencia porque ya no hay libertad de expresión. Si no hay libertad, no hay
comedia como tal porque uno de los hechos de este género era reírse de aquellos
que los gobernaban. La comedia de esta etapa se llama comedia Media, de la que
no conservamos apenas nada.
- Justo antes de la llegada del poder romano, aunque también con falta de libertad,
aparece lo que llamamos comedia nueva, esta tiene como autor representativo a
Menandro, un gran autor en la antigüedad con el que no compartimos nuestras
“coordenadas mentales” de comedia, sin embargo, en la comedia de Aristófanes sí
que se producen elementos cómicos para nosotros, por eso es mucho más rico su
estudio.

RASGOS DE LA COMEDIA ANTIGUA

En cuanto a los rasgos generales de la comedia antigua, esta comedia nace en los
contextos de festivales agrarios al igual que la tragedia, los participantes presentaban sus
comedias a un concurso y estas se parecían al de la tragedia: había un coro y unos
personajes. El coro, a diferencia de la tragedia, interviene como un personaje activo, actúa
como un único personaje a pesar de ser un coro. A la comedia de esta época no le interesa
la verosimilitud (que parece real), únicamente le importa hacer reir, y si para esto es
necesario eliminar el concepto de verosimilitud, se elimina. Mientras que la tragedia sí que
tiene un componente de verosimilitud para que los espectadores se sientan identificados
con los protagonistas, ahí existía la catarsis, en la comedia no, en este género lo importante
es el elemento sorpresa, lo inesperado, lo absurdo, lo exagerado, se exageran los rasgos
de los personajes: por ejemplo el idiota es muy idiota, el tonto es muy tonto… está todo
exagerado con vistas al público, es lo que hoy en día llamamos caricaturización, son
personajes que podemos llamar reales pero que están distorsionados. Otro rasgo es la
existencia de elementos fantásticos, como ubicaciones de la acción en lugares
inverosímiles, como por ejemplo el inframundo, presencia de distopías (representación
ficticia de una sociedad futura de características negativas causantes de la alienación
humana).
En tercer lugar, tenemos la verdadera diferencia con la tragedia. En la comedia griega, no
importa tanto la trama y la coherencia con esta, sino que lo que importa es una sucesión de
escenas cómicas, las cuales tienen entidad propia, es decir, las escenas no están al servicio
de un fin superior que sería que la trama tuviera sentido, sino que cada escena, se puede
contemplar por sí misma y tiene sentido cómica. La escena por sí misma es una “parodia”,
son escenas que pueden ayudar o no a que se desenvuelva la trama.

INTERESES DE LA COMEDIA
Parodia
En cuanto a los intereses de la comedia, en primer lugar, tenemos la parodia, esta es una
composición en la que aparece una escena estándar pero tratada de un modo inesperado,
por tanto, en las parodias de Aristófanes aparecen elementos que ya aparecían en la
tragedia, como las escenas con mensajeros, himnos, escenas con personajes elevados…
pero estas escenas están dadas la vuelta, esto provoca un desfase entre los personajes y
su forma de hablar o lo que están haciendo. Es un desajuste que provoca el humor.

Sátira
En segundo lugar, tenemos la sátira. La comedia está continuamente satirizando a
personajes y situaciones, en este sentido tiene que ver mucho con el yambo, que era el
subgénero de la lírica que satirizaba y se burlaba de personas y situaciones. La sátira para
Aristófanes consiste en reírse satirizando no solamente situaciones serias, sino que también
se ríe de personajes de personajes reales de su tiempo a los que señala pues estos solían
estar entre el graderío. Cuando los personajes están sobre el escenario suponemos que se
está sucediendo una suspensión de la realidad, pues estamos metidos en la obra, pero si el
personaje que aparece señala a alguien del público, en ese momento se rompe la ficción
porque ambos planos (teatral y real) se unen. La suspensión de la realidad es una
característica de la comedia de esta época. Hacen chistes sobre personas reales. Esto está
estrechamente relacionado con el teatro vanguardista en los que también se interactuaba
con el público. En la comedia, de esta época el público no solo se ríe de la obra, sino que
también de los personajes reales que se mencionan en ella. En la comedia contiene crítica
política pues la encontramos en un contexto de democracia, el género se aprovecha de esto
y critica distintas cuestiones. Los personajes de la comedia son verosímiles, son “sacados
del pueblo”, Aristófanes con esto hace una crítica social a eso que él considera. Muestra
interés por mejorar educativamente a aquellos que ven la comedia.

2. El problema del origen: la farsa doria y el kómos.

En la tragedia, Aristóteles en la comedia dice que su origen está en el kómos ( un cortejo de
jóvenes que nacían en el marco de las festividades en honor a Dionisio que eran
festividades agrarias). En estas festividades los grupos de muchachos que portaban falos y
que tenían un lenguaje soez y obsceno. Se producirían aquí pequeñas tramas. Sin
embargo, hay otra teoría que la lleva a la farsa doria. Esta es un tipo de comedia distinta
que se produce en Sicilia antes de Aristóteles y que verosímilmente no tiene nada que ver
con los ritos de fertilidad, pero el componente obsceno tendría que ver con los ritos de
fertilidad de la tierra que propician esto

3. Aspectos lingüísticos. Humor situacionista y humor verbal.

Hay dos tipos de humor: el primero es el humor verbal, el otro es el humor situacionista. Son
dos procedimientos para llegar a la risa. El humor verbal es el más evidente, es el que está
conseguido a través de juegos del lenguaje, dobles sentidos de las expresiones. En
Aristófanes siempre son sexuales estos dobles sentidos, es rara la escena que no tenga un
claro sentido sexual, y si alguna escena carece de esto, está plagado de expresiones
obscenas. Esto es lo que se llama “aiscrología”. Aristófanes utiliza este recurso para lograr
la risa porque pone en boca de los personajes un tipo de lenguaje que no les corresponde y
ese lenguaje es profundamente obsceno. Hay escenas con un doble sentido explícitamente
sexual. El humor situacionista no depende del lenguaje, este es el humor provocado por una
situación articulada de tal manera que produce risa. Es la situación, no el lenguaje. Crea
una situación cómica, el autor juega con el lenguaje. Se produce lo inesperado, como
comportamientos inapropiados en un determinado personaje, discursos confusos en boca
de un personaje…
2 Periodos en los que se divide la historia de la literatura griega y castellana:

1. La suerte de la literatura griega en la Antigüedad

La literatura latina va a ser la que va a traspasar todos los tópicos de la literatura griega a la
literatura castellana. Homero no influye en la literatura castellana, sino que influye a través
de Virgilio. La influencia de la literatura griega sobre la latina, no es una influencia de la
primera fase de la literatura griega, sino que la literatura latina se fija en los últimos
movimientos o tendencias de la literatura griega, es decir, la literatura del periodo helenístico
y no clásico.
Lo que hace la literatura latina es recoger todos los tópicos, los reformula y los va
modificando, y además, continúa con el proceso de retorización de la literatura, es decir,
cada vez hay más influencia de la retórica, de la elocutio, es decir, la dicción a través de los
tropos y en cuanto a la inventio, se ha quedado como un repertorio de temas que la
literatura latina va a explotar, seleccionando unos y dejando otros, pero modificándolos
respecto a la tradición griega.
Hay géneros literarios de la literatura griega que en los siglos de la literatura latina
desaparecen o son modificados, por ejemplo, la épica, en Roma, ya no es oral, como la de
Homero, sino que se escribía y se leía. La épica de Homero era audial (se oía).
Determinados géneros literarios sufren una transformación, por ejemplo, la tragedia rompe
sus vínculos con la libertad de expresión, igual le pasa a la comedia, es decir, el drama en
general, que pierde la conexión con la democracia en Atenas y se desenvuelve en un
sistema político totalmente diferente, ya sea la República romana o el Imperio.

La lírica romana tiene un grandísimo componente amoroso, lo que está anunciando ya lo

que será la lírica moderna, es decir, que hay muchos poetas en la lírica romana que se
dedican al tema del amor, que es el tema que predomina en la poesía.
Esta literatura latina va a ir transformándose con los siglos, va a organizarse en forma de
canon, es decir, habrá autores que quedarán para ser copiados y autores que no porque no
se consideran canónicos. El canon se conforma porque todos los autores que se conservan
en el canon tienen como principal criterio dos factores: docere et delectare (enseñar y
deleitar). A lo largo de la Edad Media si la literatura no deleitaba ni enseñaba no tenía éxito.

Otra característica de la literatura latina es la emulación, es decir, la imitación. Esto sería

que como Virgilio era el canon, cuando se hace poesía se imita a Virgilio, pero no se copia.
El autor que va a escribir no está preocupado de ser original porque tiene un modelo al que
seguir, la originalidad no es un criterio tan importante como actualmente lo es. La auctoritas
es la autoridad en el sentido estilístico, filosófico o moral, es decir, aquel escrito al que
debemos tender.
La emulación llega a tal punto en Roma que, a veces, la poesía se hace de nuevo sobre
traducciones, es decir, una traducción puede constituir una versión del modelo anterior
griego y con eso se entiende que estamos haciendo algo nuevo, cosa que es impensable
actualmente. Por ejemplo, Catulo hace traducciones de Safo, Safo en griego y Catulo en
latín, pero la traducción se considera creación literaria.

2. ¿QUÉ HA PASADO CON LA LITERATURA GRIEGA EN LA HISTORIA DE LA

LITERATURA CASTELLANA?

Después de la caída del Imperio Romano llega ese periodo conocido como Edad Media.
La Edad Media durante bastante tiempo fue latina, es decir, las lenguas romances o
románicas no se habían desarrollado del todo para crear una lengua literaria propia, esto
ocurre en torno al siglo XI-XII donde aparecen a surgir glosas.
Esta literatura latina anterior al siglo XI, que es lírica, por lo que la épica ha desaparecido.
Se sigue escribiendo el latín, emulando a los antiguos pero incorporando elementos nuevos,
hay más caracteres vulgares, pero en general se siguen estudiando los modelos antiguos.

2.1. Literatura castellana medieval

Cuando surgen los primeros textos, ( primer texto del que tenemos noticia: Poema del Mio
Cid,que no se parece a la épica grecolatina). Estas épicas nacionales que surgen con las
lenguas modernas, conforman un ideario único, político, ideológico… que es totalmente
diferente a la literatura antigua, es decir, en la épica medieval no hay nada de épica antigua.
Pero sí hay rasgo de la literatura griega en la literatura medieval.
Hay dos sitios donde sí se ve la influencia de la literatura griega en la literatura cristiana.
Uno es en las fábulas esópicas, donde tenemos a un autor griego que es Esopo, que fueron
traducidas al latín y de ahí se pasan a las lenguas romances.
La otra obra donde se ve la literatura griega es en el Libro de Aleixandre, donde hay
muchas leyendas, aventuras y cuentos, pero que proceden de narraciones que han sido
muy modificadas con el tiempo.

En conclusión, este periodo recoge la tradición griega pero muy modificada porque está
sometida a varias presiones:
1- El desconocimiento del griego que había en ese tiempo en España. Los primeros que
saben griego son los aragoneses que conquistaron Grecia.

2- La tradición musulmana/oriental está interfiriendo en la composición de los temas, es

decir, junto a los temas de tradición clásica se juntaron cuentos y narraciones de origen
musulman u oriental.

En la Edad Media hay varias tradiciones: la tradición grecolatina; y la otra es la tradición

musulmana u oriental.
A partir de ahora la literatura ya no va a tener los caracteres de la literatura antigua griega,
es decir, a partir la literatura es lo que entendemos ahora por literatura, es una producción
estética, escrita y recibida en la lectura.
Las características de esta nueva literatura es que ya no comparten los rasgos de la
literatura griega, que eran la oralidad en la producción y la auralidad en la recepción, sino
que a partir de ahora vamos a tener una literatura como sinónimo de escritura, y la
recepción de esa literatura es sinónimo de lectura (salvando el teatro).
La tragedia y la comedia han desaparecido.

2.2. El Renacimiento
Los historiadores después de la Edad Media dicen que viene el Renacimiento.
Al caer Constantinopla, muchísimos sabios y eruditos de Constantinopla vienen a occidente
(Italia, España), y traen muchísima literatura y saben griego.
En el Renacimiento se vuelve a tener acceso a toda la literatura griega que había quedado
a salvo en oriente. Se traduce por primera vez del griego al castellano.
A partir de estos años hay una vuelta a las fuentes, esto quiere decir que lo que se sabía de
la épica y del teatro, que se sabía por fuentes intermedias, ahora se puede acceder a todos
estos textos, y la consecuencia es que van a influir de otra manera a la producción literaria
del castellano.

LA LÍRICA
En este periodo, llamado literatura del siglo de oro, en la que hay un renacer de la lírica.
La característica de estos autores de lírica es que no tienen una relación formal con el
mundo griego, no está relacionado en cuanto a la forma, porque el castellano ya es una
lengua literaria y ha desarrollado todo un edificio de recursos poéticos de todo tipo de
versos, formas estróficas... pero sí está relacionado en el contenido. Estos poetas
recuperan y amplían los temas antiguos, que se habían ido perdiendo, en forma de los
tópicos.
Entra un tema que va a ser central en toda la estética renacentista y barroca, que no es un
tópico, sino una de las formas en la que los tópicos se pueden expresar, y es la mitología.
La mitología griega estaba muy oculta durante la Edad Media.

En el Renacimiento y en el Barroco la Iglesia sigue presionando mucho.

En este tiempo hay una relajación en la autoridad en el sentido de que la mitología no es

utilizada en el sentido edificante, sino para mostrar qué es lo que pasaba cuando todavía no
se había impuesto la salvación de Cristo.
La mitología no es un dogma que rivalice contra la fe cristiana, convive con ella, pero solo
está al servicio de la producción poética o estética (escultura, pintura…).
La poesía en este tiempo explora nuevos temas.

OTROS GÉNEROS LITERARIOS

A parte de la lírica hay más géneros literarios:

HISTORIOGRAFÍA
En Grecia la historiografía logró deshacerse de la explicación mitológica relativa a los
hechos humanos, es decir, cuando los historiadores tienen que explicar un asunto humano
político ya no le echan la culpa a los dioses, sino que la historiografía griega establece, por
primera vez, que las acciones políticas tienen que ver con el manejo del poder.
Este paradigma es transportado al Renacimiento y al Barroco.

FILOSOFÍA
Como a partir de ahora se tiene acceso a la filosofía griega, suceden dos hechos.
En primer lugar, en este tiempo se produce un renacimiento de la ciencia entendida como
desarrollo de la filosofía natural.
En segundo lugar, la especulación ocultista, el ocultismo. Eso que los poetas del
Renacimiento llamaron tradición oculta, o también occulta philosophia, que es la
recuperación de textos griegos de carácter mágico y alpínico. Y esta literatura está
relacionada con el estudio de la naturaleza de manera alternativa.

Los nombres más importantes en estos escritos son Agripa y Fludd. Incluso los científicos
se dedicaron al ocultismo, como fueron Keppler y Newton.
Esto hunde sus raíces en la tradición griega, porque en Grecia había un escrito muy famoso
que era el Hermes Trismegisto, que supuestamente lo había escrito el Dios Hermes y tenía
oculta la clave del universo.
Luego, en el propio Renacimiento hay un filólogo, Casaubon, que dice que ese texto era
importado, que no era antiguo. Sin embargo, se sigue especulando con todo este mundo
que derivaba de la religión mistérica.

En el siglo XVII y parte del XVIII, se da un fenómeno en las letras castellanas poco
estudiado por los filólogos hispanistas, que es la producción de épica en castellano relativa
a la conquista del nuevo mundo. Estos poemas épicos están formados bajo el modelo latino
de Virgilio y Lucano.

3. Neoclasicismo
En el Neoclasicismo, que sería la literatura anterior a la Revolución Francesa, en España
estuvo dominado este periodo más por la escritura en prosa que por la escritura en verso.
Uno de los escritores básicos es Jovellanos.

En la lírica que se produce en este tiempo se siguen imitando modelos clásicos, sobretodo
el modelo Horaciano, el de Horacio. Este modelo es el que se sigue imitando.
También el modelo de Anacreonte, que es un poeta que escribe sobre la fugacidad del
tiempo, sobre la vejez y sobre el amor. Esta tradición de Anacreonte se llama en castellano
“anacreónticas”, que son una composición breve lírica que imita la poesía de Anacreonte.

A partir de ahora, gracias a los nuevos acontecimientos que se producen en Europa,

sobretodo con la Revolución Francesa, entra en España el Romanticismo.
El Romanticismo no tuvo en España el mismo carácter que tuvo en Alemania. El
Romanticismo alemán está apegado a Grecia, imita las formas y el verso, y empieza a
escribir en hexámetro.
El Romanticismo español es más tardío, tarda unos decenios en introducirse en España.
En España los temas son las leyendas.

Hasta llegar a nuestros días se producen diferentes movimientos y llegamos a las

vanguardias, que nacen en Francia con el dadaísmo y luego con el surrealismo, y en
Alemania con el expresionismo.
En España, la corriente vanguardista principal es el ultraísmo. El ultraísmo rompe con todos
los modelos líricos establecidos, pero sin embargo, recupera elementos de tipo léxico o
conceptual que pertenecen a la tradición clásica, es decir, para poder romper la tradición, la
tradición debe ser reconocida anteriormente.
Hay un momento en el que se suspende el movimiento vanguardista y se vuelve a las
tradiciones clásicas, pero solo durante unos años, que es el movimiento que durante los
años 30 se llamó el Rappel à l’ordre.
Este movimiento se ve en las obras de Picasso, como la Suite Vollard, una serie de pinturas
y grabados en Picasso que vuelve a la estética clásica, de contenido y de temática clásica.
Luego, esta llamada al orden desaparece y vuelve el vanguardismo a través del
surrealismo.
En la actualidad, el elemento clásico está sobre todo en la creación teatral. En la novela
aparecen a menudo temas clásicos pero que no conforman toda la novela en sí, sino que
proveen de material.
ROMA

Tema 2: El teatro latino

La literatura latina es parecida a la griega en algunos aspectos. De la época arcaica no

tenemos casi nada de togatas ni tragedias.
Son escasos y muy parciales los datos que se tienen para el conocimiento del teatro latino.
Aparte de títulos y versos sueltos (como los de los escritores arcaicos), solo nos han llegado
obras completas de unos pocos autores: Terencio y, sobre todo, Plauto y Séneca, que se
convierten así en esenciales para el acercamiento a este género.

Las primeras manifestaciones teatrales latinas, de las que parte el desarrollo pleno del
teatro latino se pueden clasificar en:

● Tragedias y comedias (palliatas): En la tragedia se basaban en Eurípides que era

su referente. En cuanto a la comedia su modelo sería la Comedia Nueva griega.
Consideramos que Aristófanes es representante de la comedia antigua, pero la
comedia Nueva griega la conocemos por su recepción posterior porque no la
conservamos a la perfección,esto lo vamos a ver en Plauto, que trabaja con las
casualidades, con casos hiperbólicos, con la maldad de esclavo y con la confusión
entre personas (todo esto está tomado de los griegos). Se habla mucho de que
pueda haber una contaminatio, que era a lo que se referían los latinos cuando una
obra era una mezcla de dos obras antiguas griegas que cogía el autor y las juntaba.
Por esto en ocasiones las obras carecerían de sentido, por la contaminatio.
En conclusión, vemos como es de ambientación griega, pero reescrita por autores
latinos que, a menudo introducen escenas de otras obras o elementos más en
consonancia con los gustos y costumbres romanos (contaminatio). Las primeras
seguirán el camino iniciado por Eurípides, mientras que las segundas partirán de lo
establecido por la Comedia Nueva Griega.
● Las tragedias (praetextas) y comedias (togadas) están bajo el influjo del teatro
griego, pero con tema puramente latino.
-En la tragedia latina su modelo principal es Eurípides, porque es el más moderno para
nosotros y se trata de una época donde hay una revolución musical y una revolución
retórica en cuanto al lenguaje, por eso su modo de pensar la tragedia es distinto al de
Sófocles.
-En la comedia latina, por su parte, tiene como modelo la comedia nueva griega.
Consideramos que Aristófanes es el máximo exponente de la comedia antigua y la nueva la
conocemos principalmente por su recepción posterior.

A los modelos griegos se les unen modelos latinos, que serían muy populares como las
“Atelanas” (más tarde exordia, pequeñas piezas casi improvisadas representadas junto a las
tragedias) y el mimo, manifestaciones de origen exclusivamente latino, de carácter popular
y con personajes fijos. Son modelos latinos populares equivalentes a la comedia del arte,
donde la idea es que cogemos unos tipos y así se improvisa a través de esos tipos y a partir
del mimo. Esto lo hacían para entretenerse los campesinos. No conservamos nada a
excepción de Plauto, Terencio y Séneca.
Por lo general, las representaciones teatrales se realizaban con motivo de festividades
oficiales en teatros improvisados hasta época de Pompeyo en que se generaliza la
construcción de teatros de piedra. La obra corría a cargo del dominus que hacía las veces
de director y actor principal, mientras que el resto de actores, que solían ser de poca
consideración, conformaban greges. El decorado es una calle y proscenio con altar. Por su
parte, el choragus se encargaba del vestuario y los decorados (normalmente una calle con
casas).
El primer teatro permanente es con Pompeyo, época de Julio César. No había un sitio
específico para el teatro.

Se produce una contaminación de modelos, veremos que Plauto a veces no tiene sentido y
es porque enlaza con cosas copiadas.
El teatro surge como algo popular (en esta época está Plauto), y se pensó que era algo que
no se podía representar. Es necesario que conozcamos esto porque dará lugar a la comedia
europea.
1. Plauto 254 a.C. (Sársina) - 184 a.C. (Roma)

Nació en Sársina (Umbria), cerca del 254 a.C y murió en Roma en el año 184 a.C. Es de
época arcaica. Se le atribuyeron con seguridad 21 comedias que le otorgaron gran fama a
posteriori en la comedia europea, pero escribió y se le adjudicaron muchas más (Aulo Gelio
I 24, 1-3 que cita a Varrón dice que desde su muerte la comedia llora y la escena está
desierta). Además, sabemos que tuvo un gran éxito ya en la antigüedad.

Este autor ensombrece a los demás, incluido a Tenencio. Plauto escribe en latín, pero con
una localización griega, entonces es comedia latina ambientada en Grecia, quizás porque
su modelo era esa comedia nueva griega.

Todas estas obras pertenecen al género de la palliata y fueron escritas para ser
representadas, caracterizándose por:
⦁Influjo helenístico (Comedia Nueva griega: Menandro, Demófilo), si bien enriquece sus
textos haciendo uso de la contaminatio.
⦁Estructuralmente, combinan partes dialogadas y líricas (con instrumentación).
⦁Tema fundamentalmente amoroso, con argumento de enredo y final feliz.
⦁Personajes arquetípicos que acomodan su comportamiento y lenguaje a su status.
⦁Destaca vis cómica, utilización de efectos (ruptura de la ilusión dramática) y gran riqueza a
todos los niveles (lingüística, etc.).
⦁Destaca su influencia en el teatro inglés del s. XVI (Shakespeare) o en autores dramáticos
del Siglo de Oro español (Lope de Vega).

Él viene de un teatro popular, y posteriormente es como si no hubiese comedia romana, ya

que no se ha conservado.

Su temática consiste casi siempre en lo mismo, hay unos esclavos, unos ricos no muy
espabilados y un padre ingenuo. El tema del amor es el del esclavo astuto, equívocos hasta
final feliz. Este siempre se repite, y para desarrollarlo lo destacamos con personajes. Hay
personajes principales: los esclavos listos, ancianos locos (prefiere ser súper pobre para
guardar su olla de oro), jóvenes (chicas prostituidas, que al final se dan cuenta los demás
de que fueron raptadas y realmente son ricas), prostitutas, matronas, parásitos, alcahuetes,
cocineros y militares (tipos que no merecen ese amor).
Es decir, juega con los equívocos, como el que se muestra en La olla y tiene un final feliz;
para desarrollarlo utiliza unos personajes principales: los esclavos que son listos, los
ancianos, que a veces puede estar loco, los jóvenes, las prostitutas, matronas, parásitos,
alcahuetes, cocineros y militares que por lo general son muy fanfarrones, esa enamorada
que trabaja en un prostíbulo hasta que la rescatan y por tanto merece casarse.

Podemos hacer una clasificación de sus obras a pesar de que sea difícil:
Hay comedias donde lo único que importa es la diversión, hay comedias más morales, hay
comedias más psicológicas y comedias en las que hay intriga. Y además podemos hacer
otra clasificación en las que encontramos comedias de burla, de aventura, de anagnórisis (
en las que la chica es una rica), de personajes similares ( como cuando un Dios se disfraza
de anfitrión para acostarse con la mujer del anfitrión), de caricatura y compuestas. Pero
todas estas clasificaciones se van uniendo. Las obras tienen una cronología muy discutida,
aquí tenemos algunos ejemplos donde se ven las temáticas:

- Amphitruo: Anfitrión. La única de argumento mitológico, con Júpiter y Mercurio como

dobles de Anfitrión y su siervo Sosia. Júpiter quiere acostarse con Almena y para eso se
disfraza de este mientras que el verdadero anfitrión estaba en una guerra, así que cuando
este vuelve hay un desconcierto de la dama. Al final se resuelve cuando descubre que ha
sido Júpiter quien la ha deshonrado, así que no pasa nada y ella da a luz a dos niños, que
uno de ellos será Hércules. Júpiter y Mercurio son dobles de Anfitrión. Mercurio se
transforma en el esclavo, por lo que ha quedado en la historia de la literatura es ser un
Sosia, ya que Mercurio se hace pasar por este. Es una de las escenas más famosas de
Plauto, una forma de reírse a través de lo equívoco.
- La comedia de los asnos: Asinaria. Ejemplo del joven enamorado y sin dinero al que ayuda
un esclavo.
- La comedia de la olla: Aulularia. Un viejo avaro, obsesionado con proteger una olla llena
de oro, antepone su tacañería a la felicidad de su hija.
- Báquides: Bacchides. Comedia de intriga de doble estructura sobre dos jóvenes con sus
esclavos, dos padres y dos prostitutas.
- Los prisioneros: Captiu I. Es una comedia sin personajes femeninos, en la que la acción
gira en torno al canje de prisioneros y a la sustitución de personajes.
- Cásina: Padre e hijo rivalizan por el amor de la misma mujer. La sustitución de la joven por
un esclavo permite la situación de enredo que puedes imaginar.
- La comedia de la cestita: Cistellaria. Un joven enamorado de chica sin dote y prometido a
la hija del vecino conseguirá su objetivo. El azar y la búsqueda del esclavo que expuso a la
pequeña en otro tiempo y otro lugar por el vecino terminará con el clásico reconocimiento.
- Gorgojo: Curculio. Un parásito urde un engaño (con anillo y carta sellada) para liberar a la
joven amada de su patrono. Intriga y farsa enmarcan el reconocimiento final.
- Epídico: Epidicus. Un sagaz esclavo trama diversas sustituciones para proporcionar a su
amo el objeto de su amor, en una sucesión de complicadas escenas.
- Los Menecmos: Menaechmi. La coincidencia en la misma ciudad de dos hermanos
gemelos (idénticos hasta en el nombre) provoca equívocos continuos que se resolverán con
la oportuna anagnórisis (reconocimiento) final.
- El mercader: Mercator. Conflicto padre-hijo por el amor de una joven.
- El soldado fanfarrón: Miles Gloriosus. El pretencioso soldado Pirgopolinices, que acabará
molido a palos, contrasta con las ocurrentes soluciones del esclavo.
- Pséudolo: Pseudolus. También es muy popular. Esta comedia reúne los personajes tipos
de Plauto (esclavo astuto parlanchín, joven enamorado de una muchacha, proxeneta y
militar burlados...) en una clásica trama de engaño.

2. Terencio
Fue un esclavo africano que murió joven, sobre los 35 años, es diferente a Plauto pues lo
más conocido de este son los prólogos en los que contestaba a aquellos que decían que
sus obras eran copiadas (se produce contaminación). También se basa en la comedia
Griega y hace la contaminatio, pero es muy refinado a la hora de hacerlo, a diferencia de
Plauto. Terencio tiene una presentación y una construcción de los personajes mejor hecha.
Además, Plauto diferencia los registros a la hora de hablar de sus personajes, según su
rango social, Terencio no. Normalmente plagia diálogos.

Plauto tiene una chispa, pero Terencio tiene una construcción de los personajes más hecha.
En su lengua maneja muy bien la diferencia entre la lengua de los esclavos y la de otros
estamentos, como la más culta.

Tiene un influjo de las ideas y refinamiento griego. La lengua de la clase culta romana es
helenizante. Ha perdido la comparación con la vis cómica de Plauto, pero tiene una gran
habilidad para la construcción, mantener el interés y una mayor profundidad psicológica de
los personajes.
La cultura latina en un principio se basa en la griega porque no tiene referentes, Roma era
un pueblo pastores y agricultores, por lo que, en ese sentido, Terencio es mucho más
refinado, profundo, mejor constructor... más refinado que Plauto, aunque frente al público
este ganó porque logró tener esa fuerza cómica.
Tiene cierta moralidad, invita a la reflexión sobre las relaciones sociales. Presenta cierta
monotonía y aridez de la lengua. Más que risa, provoca sonrisa.

Terencio es mucho más profundo pero, frente al público Plauto logró tener una fuerza
cómica. Terencio es muy reflexivo (abordando temas como las relaciones entre padres e
hijos) pero al final ese equilibrio absoluto crea monotonía y no llega a la carcajada. Se
produce una reflexión sobre las relaciones sociales.
Terencio es un autor perfecto, tuvo un gran éxito en el siglo XVIII con la construcción
perfecta y la moralidad.

Conservamos ciertas obras :

• Andria (La Andriana o La muchacha de Andros)
• Hecyra (La suegra)
• Heautontimorumenos (El atormentador de sí mismo
• Phormio (Formio)

3. Séneca
Siguen habiendo problemas de autoría, perjuicios y problemas de cronología. Escribe
tragedias y sus argumentos y temas suelen ser griegos. Además, sus influencias también
son complicadas: cuenta elementos técnicos, estructurales y temáticos procedentes de la
tragedia ática del siglo V, preferentemente de Eurípides. No sabemos de la posterior.
Séneca es mucho más retórico y como es estoico tiene una filosofía muy trágica, ya que
defiende el autocontrol, lo cual crea un conflicto en sí mismo. Sus temas están tomados de
la tragedia griega, pero avistados desde una filosofía antitrágica.
Esto le va a hacer crear un teatro retórico que supone un problema representar ya que
parece un discurso dialogado y esto en la escena no resultaría efectivo.
Obras como:
• Las fenicias: Phoenissae. Conservamos solo dos fragmentos que cuentan,
respectivamente, a Edipo en el destierro acompañado por Antígona, que quiere
disuadirlo del suicidio, y a Yocasta tratando de poner paz entre sus hijos Etéocles y
Polinices.
• Medea: Medea. Medea es despreciada por Jasón, que va a casarse con Creusa. Le
manda a su rival unas joyas y vestimenta que la matan, y mata a sus hijos en
presencia de Jasón. Después, sale huyendo por los aires.
• Edipo: Oedipus. Una peste asola tebas, de modo que Edipo envía a Creonte,
hermano de su esposa Yocasta, a consultar al oráculo de Delfos cómo conjurarla.
Contesta que deben castigar al asesino de Layo, el antiguo rey y esposo de Yocasta.
Edipo encarga su búsqueda a Tiresias. Invocando el alma del asesinado, se
descubre que el asesino es el propio Edipo, pero el rey encarcela a Creonte porque
cree que se trata de una conspiración.
Edipo descubre que, huyendo del oráculo que le advertía que asesinaría a su padre
y se casaría con su madre, ha hecho exactamente eso, asesinando a Layo y
casándose con Yocasta, que era su madre. Ella se suicida, y Edipo se arranca los
ojos y se destierra para librar a su pueblo de la peste.

Séneca será obligado a suicidarse.

Tema 3: la épica latina

La épica latina, heredera una vez más de la griega cuyo máximo exponente fue Homero,
comenzó su proceso evolutivo de la mano de los autores arcaicos, encargados ya de
introducir en el género una novedad: el tema histórico. La épica latina no alcanzará su punto
álgido hasta el s. I a.C. a partir del cual aparecen los autores latinos paradigmáticos en este
género: Virgilio, cuya obra cumbre será la Eneida; y, con un enfoque diferente, Ovidio, con
su Metamorfosis.

1. Virgilio (70 a.C. - 19 a.C.)

Nacido cerca de Mantua, vivió en el siglo I a.C en diferentes puntos de Italia, atesorando
una formación muy completa, en diversas disciplinas, formación que le permitirá crear una
obra grandiosa y variada, cuya principal característica es la gran perfección estilística.
Destacan: Las Bucólicas (poesía pastoril), Las Geórgicas (poesía didáctica) y, sobre todo, la
Eneida (poesía épica. 10.000 hexámetros en 12 libros en los que se narra lo acontecido a
Eneas desde la caída de Troya hasta la fundación de Roma, a la manera de los mitos
griegos).
Su influencia posterior será enorme, sobre todo en el Renacimiento.

Lo enmarcamos en el 70 a. C. y muere en torno al 19 a.C. Tiene relación con Mecenas y

Augusto.
Escribe Bucólicas que es poesía didáctica, Geórgicas que está en verso y Eneida que es
poesía épica, y es la obra cumbre.

BUCÓLICAS
En esta obra imita al griego Teócrito en sus Églogas. Se produce una tensión entre el
ambiente y el modo de hablar refinado de sus protagonistas. Instaura el género en la
literatura latina del canto de pastores. Hay un tono distinto: toca temas personales, rebasa
en ocasiones el ambiente bucólico.
Son diez composiciones que no siguen un orden cronológico. Es una referencia para la
bucólica europea. Es inventor de la mítica Arcadia.
Es el poeta de Augusto después de que maten a Julio César. Con estas tres obras Virgilio
abarca diferentes géneros: Bucólicas (lírica), Geórgicas (poesía ética) y Eneida (poesía
didáctica). Está en un ambiente que se dice que es bucólico.

Es el inventor de un lugar utópico de la mítica arcaica que realmente es real, donde

solamente hay campo. Un lugar perfecto donde te puedes dedicar a la poesía.
Trata sobre el trabajo y la vida del campesino romano, con el que había desarrollado las
energías que lo convirtieron en dueño del mundo.

Unos pastores hablan de ciertos temas, estos son muy refinados, no se refleja el registro
que deberían tener estos por su clase social. Normalmente es un canto de amor entre un
ambiente al que se le llama bucólico. Existe una tensión entre el ambiente y el modo de
hablar refinado de sus protagonistas. Instaura el género en la literatura latina del canto de
pastores. En Virgilio son 10 composiciones que no siguen un orden cronológico que se
convertirán en una gran referencia para la bucólica europea. Además, es el inventor de la
mítica Arcadia.
GEÓRGICAS
Abarcaban la vuelta al campo. Cuentan cómo vivir en el campo, pero realmente cuentan
cómo ese modo campesino implica un esfuerzo que es el que va a dar lugar a la gloria. Es
un poema didáctico, pero trasciende el tema, ya que la vida del campesino y su esfuerzo es
aplicable al hombre en general. Corresponde a los valores que Augusto quería "recuperar".

Su "simpatía universal", su sensibilidad, y, sobre todo, el uso de los recursos, entre ellos el
mito de Orfeo y Eurídice, explican que haya tenido tanto éxito un poema de un tema tan
alejado en principio de lo que consideramos lírica.

Es un tipo de poesía didáctica. Habla de la vuelta al campo porque al igual que hoy en día,
una de las formas de regenerar la sociedad que quería llevar Augusto era recuperar esa
vida en el campo, la familia… este tipo de valores. En realidad, las Geórgicas cuentan cómo
vivir en el campo, pero lo que quiere decir es como este modo campesino, por así decirlo,
implica un esfuerzo que es el que va a llevar a Roma a la gloria. Son cuatro libros (obra
didáctica) donde cada uno se dedica al motivo doctrinal: Libro I: cultivo de la tierra. Libro II:
árboles y la vid. Libro III: cría del ganado. Libro IV: apicultura. Es un poema de una gran
perfección formal: construcción, y perfecta versificación.

ENEIDA
Es un poema incompleto, ya que Virgilio murió antes de poder pasarlo a escrito, y él quería
hacerlo perfecto. Es el poema épico latino por excelencia, el equivalente a los poemas
homéricos griegos. Sigue el programa de Augusto, relacionando a los griegos con la
fundación de roma.
Es el equivalente a la Ilíada y a la Odisea, pero en realidad la idea de Eneas es un troyano
que acabará fundando Roma y tiene que ver con la idea de roma para llegar a una
explicación relevante de la fundación de Roma, relacionando a los griegos con esta.

Es una obra con gran pervivencia. Es de sensibilidad virgiliana: se produce el desmayo de

la madre de Marcelo. Él pidió en su testamento que fuera quemado, pero para nuestra
suerte no le hicieron caso.

Se fija en los detalles, está más enamorado de centrar su atención en algo concreto. Es
sujeto de análisis psicológico. Tiene esa parte que es responder al programa de Augusto.
Hay multitud de elementos estructurales más sutiles que muestran el equilibrio.

Con respecto a la Odisea y la Ilíada, Virgilio es más detallista, pues centra la atención en
cosas concretas y también en un agudo análisis psicológico. Se considera el libro cuya
versificación es la más perfecta. Ha conseguido este éxito entre otras cosas por el mito de
Orfeo y Eurídice.
Se dice que es una unión de los problemas homéricos porque primero tenemos un viaje,
desde que cae Troya hasta que llega a su nueva patria, donde después estará roma y en la
segunda parte sería de las luchas en el Lacio.
Contamos con doce libros,: I-VI viaje desde la caída de Troya hasta la llegada a la nueva
patria + VII-XII luchas en el Lacio.
También la podemos dividir en tres partes: I-IV Eneas en Cartago, V-VIII viaje al Lacio y
preparativos para la guerra y IX-XII desenlace.

Habla de un pueblo que acababa de salir de la guerra civil, es la épica de la paz augustea,
una nueva visión sobre el heroísmo.

Hay una serie de elementos estructurales que van conectándose, como por ejemplo cómo
se utiliza el volver atrás o el viajar al futuro. Estos elementos demuestran que están muy
bien conectadas todas las partes de la obra.

Los libros más conocidos serían el segundo, porque cuenta la caída de Troya, entonces
este libro tiene esa relevancia por el famoso caballo de Troya, ya que en la Ilíada y en la
Odisea no se nos cuenta cómo cae Troya; el libro cuarto porque nos habla de Dido (la reina
Cartaginesa) y Eneas, en la que este le cuenta sus historias y es una historia de amor muy
concreta y muy bien construida. De hecho, ha sido muy estudiado. Dido es la reina y
cuando llega Eneas se enamora, cuando este parte ella se queda sumida en una tristeza
absoluta y termina suicidándose. Virgilio describe muy bien como ella se enamora y como
ella cuando se ha ido Eneas engaña a su hermana y se suicida con las cosas de Eneas; y
por último, el libro VI, que habla de las diferentes bajadas a los infiernos.
Tema 4: La lírica latina

La lírica latina encontrará su más destacada manifestación en la elegía subgénero que

designa a la poesía de lamentación hacia aquello que se pierde (la vida, la ilusión, el ser
amado, la amistad, etc.), y que en Roma, se va a caracterizar por:
⦁Se centra en temas cotidianos, sobre todo, en el amor.
⦁Influjo de la poesía griega (motivos y planteamiento de temas).
⦁Inclusión de nuevos aspectos como el subjetivismo amoroso.
⦁Fusión de la realidad con la impostura poética.

1. Catulo
Es el primero que se acerca a la concepción moderna de la lírica. Conservamos muchos
poemas suyos, 116. Es un poetae novi. De él tenemos una parte más erudita que son más
grandes o largos, y hablan de los padres de Aquiles, de Calímaco, etc. Tiene una parte culta
y también poemas breves a los que él los llama “nugae bagatelas”: que cosas ligeras, para
los latinos serían poemas de ocasión. Muchos son de amor y eso no es trascendental
políticamente, una cosa es el amor de Dido y Eneas, pues este tiene una trascendencia
fonética porque es el antecedente de las guerras contra los cartagineses y frente a eso la
poesía como la de Catulo, con temas como el erotismo, que habla sobre sus amigos, sobre
su hermano, la naturaleza, que se mete con César, que además utiliza un lenguaje
malsonante…

Los Temas que podemos observar en Catulo son la poesía erótica, relaciones de amistad,
descripciones de la naturaleza, sátira privada y política, de poemas cultos (narración de la
boda de Tetis y Peleo, padres de Aquiles, versión de La cabellera de Berenice del griego
Calímaco del griego Calímaco).
Pero sobre todo se habla de Lesbia y su historia de amor: Catulo es su amante; él trata ese
amor como un matrimonio al que ella le pone los cuernos y él está enfadado. Es un amor
adolescente, y nos muestra todo el desamor. Es muy irónico consigo mismo. Reconstruye
ese momento de amor en relación con los soles luminosos, pero ahora ella no quiere. Hace
un recorrido por esa luminosidad. Ese reproche a la amada de que él ya no la va a buscar y
ya nadie la va a ver como él la ve. Esta parte es la que utilizara por ejemplo Bukowsky para
ver que la lengua se pone al servicio de ese odio.

Las artes se forman a partir de los poetas, por ejemplo: Catulo el desvergonzado (está con
una mujer casada), usa tópicos como beatus ille y esto lo convierte en arquetipo, personaje
que trasciende la obra. Catulo tiene poemas malsonantes (llamando “maricón” a todo el
mundo) y otros dedicados a Lesbia. Todo esto nos ha dado mucha visión a los modernos.
También tiene poesías cultas, por ejemplo, sobre cómo se unieron los padres de Aquiles.
Todo este mundo ha sido visto en la actualidad con una cierta visión, por ejemplo, en la
Edad Media no tuvo relevancia debido a la mentalidad de la época.

Catulo es para nosotros el precedente de la elegía amorosa subjetiva. Las elegías para
nosotros son poemas de honor a los muertos, pero en roma eran muy amplias, eran un tipo
de poesía. En roma específicamente se cultiva esto, es decir, lo que surge es un poema de
amor subjetivo, como la Eneida. Es un autor muy explícito y en ocasiones sexual, tiene una
gran pervivencia en la posteridad. Catulo tiene una gran recepción, pero esta es menor que
la de Ovidio y Horacio.
CATULO (comentario)
En su poema “Muerte del pajarito”, escribe al pajarito de Lesbia cuando la mascota muere
porque hay toda una tradición de escribir poemas cuando la mascota se le muere a la
amada.
También es famoso porque hubo una lectura tradicionalmente de que el pajarito que muere
era un gatillazo, y esto le da fama.

Y para la literatura española, el poema 5 titulado “Besos para Catulo”, donde invita a la
amada a vivir, a quererse y a amarse, ha sido muy utilizado porque lo que él le dice con esa
simplicidad un poco adolescente, habla de que los viejos puritanos no les importan (él
estaba con una mujer casada), y ha sido muy relevante la idea de “amémonos porque nos
vamos a morir”.
Lo que hace es como una enumeración de versos y dice “para que ningún malvado pueda
dañarnos, cuando se entere del total de nuestros besos”. Los romanos son muy
supersticiosos, y una manera de echarle mal de ojo al otro es ser capaz de contar, y su idea
es que hay que darse infinitos besos porque así no se puede echar mal de ojo.
Y también es muy famoso porque abre toda una tradición que es la de Horacio, de que hay
que amar porque vamos a morirnos, hay que aprovechar el momento.

Catulo es tan relevante porque podemos seguir su historia de amor. Dentro de su historia
está ese amor adolescente, y luego de repente se desilusiona porque la amante le pone los
cuernos y nos muestra todo el desamor, aunque es muy irónico consigo mismo en ese
desamor. Por eso es muy famoso el poema 8.

En el poema VIII se dice a sí mismo “desgraciado Catulo, deja de hacer tonterías, y lo que
ves perdido, dalo por perdido”, entonces reconstruye ese momento de amor, en relación con
los soles luminosos, es decir, toda esa luz del amor.
Surgieron escenas divertidas pero ahora ella no lo quiere, entonces él se habla a sí mismo y
se dice “endurece tu corazón y mantente firme”.
Es un recorrido por esa luminosidad y ahora debe mantenerse firme.
Una de las ideas que ha tenido relevancia posteriormente es ese reproche a la amada de
que no la va a buscar pero se va a quedar sola cuando nadie se le acerque.

Ese odio hacia su querida Lesbia aparece en su poema “Devuélveme mis escritos”, donde
le pide a Lesbia que le devuelva todos los versos que le ha escrito, diciendo “acudid
endecasílabos, acudid todos”.

Catulo es heredero de toda la poesía griega, especialmente de Safo. El poema “Flechazo”

es una traducción de Safo, que al final del poema Catulo cambia, la primera parte es una
traducción literal de Safo con la idea de cómo las sensaciones amorosas se demuestran
físicamente (su lengua se paraliza, una llama recorre sus miembros, los oídos le zumban,
no ve), y acaba con un final un poco irónico en el que Catulo se dice a sí mismo un diálogo
de autoconciencia, donde se dice a sí mismo que no le conviene el ocio.
Es un final muy moderno y actual, con esa idea de que el autor se dirija a sí mismo.

Catulo tiene esa parte de poemas de tema de naderías y luego tiene una parte de poemas
serios y muy largos que también son muy importantes para nuestra tradición literaria como
el “Lamento de Aris” o el “Lamento de Ariadna”, que se ha convertido en una reivindicación
de ese abandono cruel de Teseo, que era un gran héroe pero con Ariadna. Lo bueno que
tiene es que Dionisio oye su lamento y se enamora de ella y se casan, por lo que su historia
acaba bien. Ariadna con Teseo tiene una relación de dependencia y con el Dios tiene una
relación de igualdad muy diferente, entonces toda la literatura feminista ha sido influenciada
por esto. De este poema es muy famoso el momento en el que Ariadna está sola en la playa
y cuenta que está sola, que no puede volver a su patria, que la van a comer las bestias y se
dirige a Teseo diciendo “qué leona te ha parido”, en vez de decir que qué bestia es.
El nombre de Lesbia es ficticio tomado por la poesía de Safo.

Catulo establece con Lesbia una relación que para él es como el matrimonio, por eso en el
poema “Amor y pasión” le dice que la quiso no solo como hombre corriente, sino como un
padre a sus hijos y yernos, es decir, como parte de su familia.
Pero dice después que ahora la conoce, es decir, significa menos para él.
En el poema “Lucha interior” también habla de términos de matrimonio.

Su poema “Amor y odio” refleja la idea de quiero pero me has hecho mucho daño, o sea, te
quiero pero te odio.

Tiene una parte de la poesía donde utiliza mucho lenguaje malsonante poéticamente (donde
le dice a Lesbia puta asquerosa).También el problema de usar este lenguaje tendría que ver
con la adecuación a la hora de escribir, pero como él habla de poesía de bagatelas no había
ningún problema, sería un problema en la Eneida, por ejemplo.

2. Horacio (65-8 a.C.)

Horacio tiene una obra, al igual que Virgilio, donde trata distintos aspectos. Se centra en
Virgilio, en Horacio y en Ovidio. Estos son los más importantes en la literatura latina.
Es reconocido como el principal poeta lírico y satírico en lengua latina, caracterizándose
por lo que se explica a continuación.

Siglo I a.C. Es más joven que Virgilio, su poesía es diferente. Virgilio es clásico y
equilibrado y Horacio es el siguiente paso. En esa idea, Catulo es lo más antiguo de la lírica.
Su evolución sería Horacio y luego Ovidio. Tiene influjo helenístico evidente de Aristóteles y
Epicuro. Tiene un componente didáctico, moral y aleccionador.

Además, tiene distintos tipos de obras, al igual que Virgilio, que son las odas, las sátiras, los
Epodos y Epístolas.

Tiene una extensa obra que incluye:

● Odas. En latín se llaman carminas. Implican una relación con la tradición de
la lírica griega, especialmente con la tradición de Alceo, Safo y Anacreonte,
esto es en la lírica arcaica, y en la lírica posterior es la tradición de Píndaro.
● Sátiras, dedicadas a la crítica de costumbres y a la perfección
del género (Sermones, Conversaciones).
● Epístolas, de tono didáctico (Epístola a los Pisones)
Horacio recoge esa tradición, incluso traduce y recrea temas, y a estos le une su vertiente
filosófica, pero con ironía. Horacio se consideraba a sí mismo un “cerdo de la piara de
Epicuro”. Y rechazó ser secretario de Augusto.
Es verdad que no se mantuvo alejado de los canales oficiales literarios, pero sí que le
interesaba esa vida alejada de las ambiciones políticas relacionadas con su epicureísmo.
Sin embargo, estuvo en el círculo de Mecenas, que era un rico que se dedicaba a mantener
artistas. Ser un mecenas es lo que hoy en día es mantener a un artista.

Tópicos
•Carpe diem (aprovecha el momento).
•Aurea mediocritas (defensa de la moderación).
•Pulvus et umbra sumus: la preocupación por la muerte inexorable).
•Beatus ille (defensa de la descansada vida del que vive en la naturaleza).

Los tópicos que usa Horacio son de nuestra cultura española en especial, aunque también
recoge de la cultura europea.
Él se consideraba “cerdo de la piara de Epicuro” y rechaza el cargo de secretario y eso se
relaciona con la idea de la dorada de mediana.

En su defensa de vivir una vida sin grandes ambiciones porque estas son un riesgo y
porque así no vas a vivir tranquilo. Por otra parte, también es muy famosa la idea de vivir,
que es importante para nosotros, y que somos polvo y sombra (Pulvus et umbra sumus: la
preocupación por la muerte inexorable). También es imprescindible reconocer el Beatus ille:
Horacio tiene un final muy irónico que no se ha permitido en la literatura, esa defensa de la
descansada vida. Lo que dice se parece mucho a Fray Luis “dichoso aquel que alejado de
las preocupaciones vive en encanto” Horacio presentará ese discurso mientras que cuenta
las monedas ganadas en el campo (oh, el campo es muy bonito, y mientras cuenta).
Solo por estos tópicos se podría reconstruir una literatura posterior.

Poética de Horacio:
Su contenido se basa en una reflexión a partir de sus propias realizaciones poéticas. Sus
principios poéticos son el estudios perseverante de los exemplaria Graeca (no para imitar
servilmente, sino para formar un juicio y gustos propios).

La epístola más conocida es la de Epístola a los Pisones. Más conocida como la última obra
de la poética de Horacio:
Es un poema que es una larga carta donde habla de su gran concepción de la poesía, una
de las cosas de esta concepción es que no hay que ser pesado, pero él es consciente de
esa pesadez y tiene una imagen un poco peculiar, porque dice que él es un oso
metamorfoseado en sanguijuela capaz de soltar al lector sobre la pesadez del escritor.

Las epístolas están compuestas del género sermo, que es igual al metro y argumento
filosófico, pero en forma de epístolas, es decir, hay un destinatario. Un sermo es la
composición de sátira más epístolas.

La sátira y las epístolas de Horacio formarían parte de un género de la antigüedad.

En la Epístola a los Pisones la idea es que lo que presenta son ideas filosóficas pero la
forma es epistolar, es una carta porque hay un destinatario. Parece que al principio no
estaba en el plano de la obra y que fue un añadido, sería la última carta del libro II. Nosotros
lo conocemos como la poética de Horacio.
La poética de Horacio dialoga con la de Aristóteles, habla de cosas que todas las poéticas
han hablado después.
Los principios son:
1. Hay que conocer la literatura anterior y esto no quiere decir que haya que imitarla
servilmente, sino que se hace para formar un juicio y gustos propios.
2. Hay que hacer una labor de limar el poema, idea de que hay que trabajar el poema.
Esto se resume en que tiene que haber una unidad artística, cuidar el lenguaje, los
motivos literarios autorizados y caracterización.

3. Ovidio (43 a.C.-17 d. C)

Destacó por una obra que se distingue por:

● Su gran sensibilidad poética y creatividad.
● Desarrollar diversos géneros y formas de poesía.
● Importancia del retoricismo y de la profundidad analítica.

-LA ELEGÍA LATINA-

Tiene su precedente en Catulo , sus continuadores son Tibulo (2 libros) y Propercio (4
libros), y los amores de Ovidio, que nosotros tenemos 3 libros, que es una selección de su
colección anterior de 5 libros. La elegía latina, a diferencia de la nuestra, es amorosa (y de
experiencias vividas), y tiene una conexión con la tradición de Safo.
Ovidio trata sobre todo los amores. Coge todos los tópicos de la elegía latina, entre esos
tópicos, además de la belleza de la amada; tenemos estos: paraclausithyron, servitium
amoris, militia amoris.
•Paraclausithyron, es griego, thyro es puerta y claudo es cerrar; es decir, el lamento ante la
puerta cerrada. Lo que hace es irse a la puerta de la amada y decirle que le abra: tema
repetido en la elegía latina.
•Servitium amoris, el servicio del amor
• Militia amoris, la milicia del amor.

Los dos últimos tópicos de la elegía a la amada, dicen que en vez de guerra y amor, se
dirigen a la amada en el campo semántico del yo, donde le dice: yo soy tu esclavo.
Toda la obra de Ovidio se caracteriza porque aparece el mito, los que más aparecen son
Venus y Cupido. También porque tiene un eje de ironía y frivolidad. Muy retórico, por lo que
se supone que los amores no van dirigidos a una amada, sino son una serie de condiciones.
La pervivencia de los amores: relevante la trotaconventos y posteriormente celestina, esto
viene del amor de Ovidio.

OBRAS DE SU POESÍA DIDÁCTICA:

● Ars Amatoria (no Ars amandi): el primer libro enseña a encontrar el amor y empezar
una relación, en el segundo a mantenerla y en el tercero lo mismo, pero desde un
punto de vista femenino. A su vez nos enseña a librarnos de ese amor.
● Remedia Amoris: acabar con un amor que es una carga.
 ● De Medicamine Faciei Femineae (Arte de amar, Remedios contra el amor y
Cosmética del rostro femenino). Obra dedicada a la cosmética.

OBRAS DE SU POESÍA ELEGÍACA

● Heroidas, Tristia, Cartas desde el Ponto y Amores: es poesía elegíaca, en su casa
muy estructurada y “novelada”, analítica y reflexiva, con personajes arquetípicos.
Las Heroidas en especial, son cartas escritas por heroínas míticas. Hay 15 cartas
de heroínas y 6 dobles, que son una carta de los enamorados y tres de las
heroínas. Todas juntas suman 21. Es un subgénero elegíaco que inventó Ovidio,
la idea de coger a una heroína que hable en 1ª persona y además en estilo
epistolar.

OBRAS DE SU POESÍA ÉPICA

● Fastos: Es la obra precedente a Metamorfosis, 6 libros sobre el calendario romano
(las fiestas que hay) y la etiología de los mitos. Quedó incompleta con su destierro.
● Metamorfosis: También está incompleta. Son un montón de relatos encadenados,
aquí se demuestra su retórica. Una de las formas de unirlos es el amor. Primero
empieza hablando del caos en la Metamorfosis, y el siguiente relato es el de Dafne y
Apolo: el primer amor de Apolo fue Dafne, ese primer amor determina también una
serie de amores que se comentarán a lo largo de la Metamorfosis, y también
desamores. Es épica. Cambios de forma en 250 relatos encadenados de diversas
formas.
● Otra obra que escribe es Ibis, que es lírica de maldición contra un amigo.

El poeta se va a la puerta de la amada y esta no le abre; este es uno de los temas que se
repiten en la elegía latina. El poeta se dirige a la amada como si fuera un soldado, y en
término de servidumbre. Utiliza todo el campo semántico del yo (yo soy tu esclavo, soy el
soldado…).
Toda la obra de Ovidio se caracteriza porque aparece el mito de Venus y Cupido y porque
tiene un eje de ironía y frivolidad. Va a ser muy irónico y muy retórico, por lo que Amores no
es una amada en especial.
Recurso al mito, es irónico, nos enseña la Roma contemporánea (cómo funcionaban los
teatros). Además de la parte poética, es significativo desde el punto de vista histórico y
cotidiano, nos enseña cómo funcionaba la vida romana.

Las últimas obras son las del destierro; él era irónico, pero el final son estas obras donde
relata una soledad y tristeza fruto de este destierro. Estas han tenido una recepción
mudable. Aquí lo que hace es quejarse. No sabemos cuál fue el motivo del destierro, él
habla de un error, pero aun hoy en día se discute qué pasó.
Obras:
•Tristes (Tristia).
• Pónticas (Epistulae ex Ponto).
Tema 5: La oratoria latina

1. Cicerón
Cicerón es el orador más famoso de toda la literatura latina, sería el equivalente al
Demóstenes griego. Él escribe tanto teoría como práctica, igual que Horacio escribe una
tesis teórica sobre cómo hay que hacer poesía, Cicerón también hace discursos y en la
última parte de su vida, escribió teoría sobre estos.

La Retórica es una parte muy importante en el mundo antiguo, primero porque forma parte
de los conocimientos que debe tener o adquirir un romano para poder moverse, hay que
pensar que un romano debe ser capaz de llevar a cabo un cursus honorum, es decir, una
carrera política y también dirigir un ejército, necesitando una base retórica para esto y luego,
un romano también ha de enfrentarse en los tribunales. Cicerón hace las dos cosas.

Previo a Cicerón, la retórica, es muy importante en el mundo antiguo de cara a la literatura

porque toda está escrita por personas cultas y bien formadas en esta disciplina. Además,
dentro de la retórica tenemos toda la estilística, lo que llamamos figuras retóricas sería la
base de toda esta literatura antigua, y también tenemos géneros y épocas en las que la
retórica es imprescindible, por ejemplo ,en las tragedias de Séneca, pues sus discursos
están hechos como si él fuera un personaje que se está defendiendo en un tribunal, usando
todo lo que la retórica enseña. La historiografía, también usa estos discursos de retórica,
por ejemplo, el discurso de Pericles. No se puede entender la literatura antigua sin la
retórica.

Cicerón fue político y abogado, conservamos 57 discursos de este que para ser literatura
antigua es muchísimo. Tenemos tanto discursos de corte político, como las Catilinarias
(que eran 4 libros ante el Senado romano. En el primero estaba Catilina, que terminó
aislado), y luego discursos de corte judicial, en defensa del poeta Arquia, defendiendo la
ciudadanía de este poeta y además logra también una defensa de las humanidades a partir
de este. Dentro de la retórica política destacan también las Filípicas, en referencia Filipo de
Macedonia, que advierte a los romanos contra Marco Antonio.
Para Cicerón lo imprescindible es adaptarse a las circunstancias, por ejemplo, el discurso
contra Catilina, que tenemos en las constancias de que fueron dejando a este solo. Este
discurso es muy combativo y agresivo. Frente a eso, el discurso del poeta Arquias, es muy
equilibrado y esto tiene que ver con qué piensa él o cómo concibe él la retórica. A partir de
su vejez, empieza a escribir tratados de retórica después de haber sido por muchos años
orador. Para él, el estilo que se debe seguir es el que hay dentro de la retórica antigua, que,
aunque hay diferentes estilos, se resumen en el Asianismo y el Aticismo.

Para Cicerón habría que coger uno u otro según lo que quisiéramos conseguir. Él opina que
hay que dirigirse a un estilo u otro para llegar a lo que queremos. El estilo aticista sería el
clásico, el equilibrado, y el asianista el recargado, porque todo lo que venía de Asia se
consideraba que era rechazable por motivos morales, pues era muy adornado y para los
romanos que eran muy moralistas la idea de poder convencer a alguien haciendo algo
bonito pero sin moralidad o lo que se quiere conseguir no sea lo adecuado dentro de sus
patrones no lo aceptaban. Sin embargo, Cicerón, aunque en algún momento defiende el
aticismo, no duda en acoger el estudio asianista si lo necesita.
Aunque escribió con 20 años ese tratado que luego deploraba, De inventione, fue entre los
50 y 60 cuando empezó a escribir sus tres obras.

La experiencia que había tenido después de treinta años como abogado, le permite
determinar cómo tiene que ser el orador, para esto, era muy narcisista, pues opinaba que el
orador ideal era él y todo lo que defiende es lo bien que él hace las cosas. En el tratado De
Oratore, lo que utiliza es un diálogo que él sitúa 50 años atrás, en el que utiliza al abuelo de
Marco Antonio y, a través de este diálogo se va exponiendo lo que cicerón quiere decir, con
esto consigue algo parecido a los diálogos Platónicos, es una manera de exposición
dialéctica parecida a esta.
Con Brutus pasa algo parecido, es un diálogo donde aparece el mismo Cicerón donde se
dirige más al estilo sencillo, pero en realidad lo que está haciendo es una historia de la
oratoria romana bajo su punto de vista y, al final, nos habla de más de 200 oradores a los
que juzga con diversos criterios y él siempre es el mejor. Como reacción al Asianismo el
aticismo predicaba las bondades del estilo sencillo.

Son dos obras teóricas en prosa pero utilizan diálogos. Son prosa didáctica. A través del
verso se cuenta cómo hay que ser. Tenemos también muestra de la tradición literaria
platónica, de cómo a través de un diálogo se puede hacer una exposición teórica, pero sí
que para nosotros exponer algo que en principio es teórico, no se haría en diálogo. Para los
romanos, la literatura tenía que ser didáctica y además agradar, por eso no duda en usar
formas literarias para exponer algo muy teórico.

Orator, es una carta que se dirige a Bruto de forma epistolar sobre el orador perfecto, al
igual que Horacio utiliza una carta para hablar sobre cómo tenía que ser la poesía.

Estas tres obras exponen sus ideas sobre cuál debe ser la formación del orador y las
técnicas que debe utilizar. Lo que nos expone es lo que sabemos de la retórica antigua.

Para la retórica antigua hay tres puntos fundamentales que debe manejar cualquier orador:
1. Inventio. Esto sería para nosotros el buscar argumentos que ya conozco y que puedo
usar en este caso específico
2. Dispositio. Sería la disposición del discurso, es decir, a qué le vamos a dar prioridad o
qué vamos a decir primero
3. Elocutio. El planteamiento del tono que se va a usar, qué figuras y qué lenguaje técnico.
4. Memoria. Para hacer un discurso se necesita la memoria
5. Actio. Cómo se va a decir. En la retórica antigua se estudiaba cómo llevar a cabo una
presentación y cómo transmitir las cosas para lograr el objetivo que cada uno quiere.

Para el mundo antiguo es muy importante que el discurso esté organizado para transmitir lo
que se quiere, por eso ensayaba mucho la idea de que en todo lo que se hace tiene que
haber un exordium. Exponer lo que se hace, que es la narratio. Tiene que saber también
argumentar lo que se hace, tener en cuenta también lo que puede ir en tu contra y manejar
como hacer que no sea relevante, que sería la argumentatio, dentro de esta están la
probatio y la refutatio.
Siempre hay que llegar a una conclusión, todo tiene que quedar equilibrado, de tal manera
que el que lo recibe sea capaz de estar de acuerdo contigo, que sería el Peroratio o la
conclusión.
Dentro de esta idea, las finalidades del discurso serían docere, que es enseñar, delectare,
que es deleitar y movere, que es conmover.

Es muy necesario pensar en el auditorio e intentar conectar con él. Siempre hay una
intención específica que se quiere transmitir y hay que tener en cuenta las necesidades del
público.

Cicerón piensa que para ser orador hay que saber de todo, igual que para ser filósofo, la
filosofía era la ciencia por excelencia del mundo antiguo y había que ser muy culto y estar
muy bien preparado para ser orador. El orador debe tener una preparación intelectual, ser
filósofo y estadista. Para Cicerón todo tiene que estar unido y equilibrado, entonces Res (el
contenido) y verba (las palabras) van unidos, pues hay preocupación por el contenido y el
estilo uniforme, tienen que estar en equilibrio. Además Cicerón piensa que hay que integrar
sentimiento y razón, es decir, hay que enseñar a la vez que se conmueve, que la forma de
llegar a las personas es estableciendo un vínculo. Esto es el docere y delectare. El orador
tiene la capacidad de mover ánimos. Es lógico que Cicerón promueva que el orador es el
que tiene la mayor formación porque él mismo tiene una amplísima obra filosófica y
conservamos cartas suyas que reflejan esa gran formación.

Cicerón: Antología (página 206)

El estilo elevado es el estilo más grandilocuente, lleno de figuras, más majestuoso.
En el texto habla de cuáles son sus características, de que tiene más abundancia…
Hay un momento en el que dice que el orador sencillo es agradable, pero que el estilo
elevado si no tiene algo más puede llevar a excesos, es decir, que todo este estilo súper
recargado, puede tener por parte del auditorio una recepción mala, pues si un estilo muy
grandilocuente al final nos cansa oírlo. Esto está en relación con toda la idea de Cicerón de
que hay que usar lo adecuado en cada momento, por ejemplo: un estilo muy elevado
mientras estás delante de alguien conocido no es lo adecuado, de la misma manera que
habrá temas donde el estilo elevado sí sea lo más conveniente.

Aquí recoge también lo que dice Cicerón sobre el estilo más tenue que transmite relajación,
cuáles son las cosas típicas de ese estilo menos elevado, cuál sería el estilo más
equilibrado, qué estaría entre los dos, es decir, es más lleno que el sencillo pero más bajo
que el abundante y además, va poniendo ejemplos latinos y griegos.
Ese dominio de los diferentes estilos lo demuestra el propio Cicerón en su obra y cómo se
adapta a las distintas circunstancias; por ejemplo: en las Filípicas, tiene una agresividad
diferente a la que presenta en las Catilinarias. En las Catilinarias es muy directo y en las
Filípicas da argumentos más razonados, más que ese ataque directo que presenta en las
Catilinarias.
En defensa del poeta Arquia, no es que sea la mejor obra de este, pero es importante.
Arquia es un poeta y lo que defiende Cicerón es que por el simple hecho de ser poeta,
merece la ciudadanía y cuál es la importancia de este como poeta. Defiende también la
importancia de la poesía y el por qué es algo útil; por esto este discurso es importante y ha
sido utilizado para hacer esta defensa. Cicerón dice que él también ha estudiado poesía,
con esto no quiere decir que él haya estado muy interesado con la poesía, pero como está
defendiendo a un poeta, pone la poesía por encima de todo. Dice que no se avergüenza de
haber estudiado poesía, algo que en esa época no era una utilidad para la patria como sí lo
era un discurso político.
Cicerón empieza este fragmento diciendo que no se avergüenza y utilizando las preguntas
(al igual que hace en las Catilinarias) aquí también. Al utilizar este recurso, mantiene la
atención del público y además va ganando fuerza. Un buen orador no solo tiene que
defender su postura sino también contestar a todo lo que se le podría reprochar, en este
caso, que podría dedicarse a otras cosas más importantes.
Va en una gradación, algo que cicerón usa muy bien: primero los negocios, que serían
como lo más relevante aunque no son lo más elevado, pero luego va añadiendo diferentes
formas de diversión, como las mesas de juego, las pelotas y lo que dice es: ¿qué hay de
malo en que en vez de dedicarme a lo que se dedican otros me dedique a la poesía?

Para hacer esta valoración de qué significa la poesía para nosotros, nos explica que
también es necesario entender que aprender poesía no solo nos sirve como ocio, sino que
tiene una parte formativa que Cicerón dice que es practicar. Esto está en relación con la
importancia que le da Cicerón a tener una noción amplia de cuál es la formación del orador,
que este debe ser alguien que debe saber de todo, debe ser un filósofo de aquella época.

Si se tiene una formación amplia se va a transmitir de una manera diferente a como la

transmite una persona que no la tiene.
Cicerón utiliza como argumento que toda la poesía y todo lo que ha leído es lo que lo ha
formado en sus posibilidades como orador y esas posibilidades son las que le han permitido
tener un cursus honorum, que es la carrera política que hacía todo romano donde iba
pasando por los diferentes cargos. Los beneficios de la poesía van siendo a lo largo del
discurso comentados y siempre con la idea de que para él mismo esta le ha sido
beneficiosa y va defendiéndose de lo que se suele decir en contra de ella, siempre hablando
desde el “yo”.
Argumenta diciendo que leer es muy humano y noble. El discurso se ha utilizado como
defensa de las humanidades, donde hay una nobleza que es necesaria para nuestro
progreso. Lo bueno de la poesía es que sirve para todas las edades y nos acompaña en
cualquier momento de nuestra vida.
El último párrafo sigue con esta idea y habla de Enio que es el precedente de Virgilio.

En la literatura arcaica, de la que no conservamos apenas nada, tenemos algunos

fragmentos de su obra y esto quiere decir que Cicerón utiliza una autoridad literaria para
defender a los poetas. Esta defensa que va a más, llega hasta elevar el título de poeta
hasta Sacrosanto, como pone en el texto. Hace una referencia mitológica al mito de Orfeo y
Eurídice, concretamente a la bajada a los infiernos pues presenta la idea de que la música
que producía Orfeo amansaba a las fieras de los infiernos.
Cicerón logró utilizar diferentes argumentos: en primer lugar, usa lo personal, desde el yo
mismo, habla de que la poesía lo ha ayudado a obtener sus cargos públicos. Después
utiliza una idea más general, dice los beneficios que la poesía tiene para todos. Por último,
emplea una autoridad literaria, a Enio y como emplea una referencia mítica. Estos
discursos, como vemos, tienen una gran fuerza.
Tema 6: La Historiografía Latina
Hay que tener en cuenta que el último autor relevante de la comedia griega sería Menandro
que moriría en el 291 y después en el 280 nacería Livio Andrónico, que este junto con Nevio
y Ennio representaría esa época arcaica de la que ya conocemos a Plauto. Hay que pensar
que Livio Ardrónico escribe en latín la Odisea de Homero, entonces el origen de la literatura
latina está relacionado con la griega.
Plauto muere en torno al 200 y Cicerón nace 100 años más tarde y es contemporáneo de
César. Ya vimos a Catulo que es de esa época y Virgilio que ya es de una época Augustea.
Horacio ya representa ese paso a la edad de plata y casi de la época también es Tito Livio.

Hay que tener en cuenta varias cosas de la Historiografía:

- Siempre va a preocuparse por tener una lengua literaria. En su origen, la
historia de roma son leyendas, como la de Rómulo y Remo, fundadores de
Roma.
- La historiografía también nace con una vinculación con el griego, pues las
primeras obras están en este idioma, después irá decidiendo entre una historia
que habla del pasado, que serían esos Anales y que estarían relacionados con
hablar año por año, y una que hable del momento actual, que serían las
historias. Aunque en un principio los Anales serían los principios de la
Historiografía después pasarían a unificar cualquier historia que hable del
pasado y las historias que hablen del momento actual, de cosas
contemporáneas.

La historiografía en sí surge en la época en la que va a empezar a escribir Plauto, en el

siglo 3 a.C., pues tras las guerras con los Cartagineses hay una necesidad de glorificar a los
latinos, de decir que van a ser grandes, y van a encontrar una vinculación con los griegos
para tener una base. Por eso toda la literatura surge con esa sensación de patriotismo y de
intentar trasladar todo lo griego a lo latino. M. Porcio Catón (234-149 a.C.), en su obra Los
orígenes escribe la historia de Roma y de otras ciudades itálicas de Eneas a las guerras
púnicas.
Hay que tener claro que se caracteriza por su moralismo, siempre va a ser muy moralista en
el sentido que se supone que conocer el pasado y a los grandes personajes, nos ayuda a
tener una visión moral más acertada, y conociendo los vicios y las virtudes de los
personajes pasados, los romanos las conocen para ser mejores. Por eso toda la
historiografía tiene esa necesidad didáctica y con Julio César tiene un propósito
propagandístico que quiere decir que sus obras políticas son buenas.
Todos los decretos, Fastorum libri (los Fastos) escritos por los Pontífices que fueron
evolucionando hasta llegar a lo que entendemos por Anales, leyes, inscripciones, archivos
familiares, incluso los escritos de laudatio fúnebre, Leyes aprobadas por los comitia
centuriata, etc. serían precedentes de la historiografía.

Los principales representantes de la historiografía son César, Livio y Tácito. También

Salustio, pero las cimas lingüísticas son estos tres autores. En general, en la evolución de la
historiografía latina (los historiadores, s.I a.C. - I d.C.) podemos reseñar la labor de:

HISTORIOGRAFÍA REPUBLICANA
1. Salustio
Después de Tácito estarían los epistomistas como Eutropio. Los latinos definían de
diferentes maneras. Depende de cómo se escribía la historiografía, si hablaban del pasado,
del presente y a veces monografías históricas, es decir, se dedicaban a un aspecto
concreto, que es lo que hace Salustio frente a Tito Livio, es decir, nos cuenta toda la historia
de Roma desde sus orígenes; también escribían biografías de los personajes ilustres.

Desde los primeros autores como Salustio, la historia se considera un género donde hay
que cuidar el estilo, ahora bien, Salustio, que es muy arcaico, utiliza un estilo muy poco
depurado.
Lo más importante de Salustio es su obra sobre la conjuración de Catilina porque como
también tenemos las Catilinarias nos permite tener dos visiones sobre el mismo hecho, cosa
que no solemos tener en la antigüedad. La conjuración de Catilina nos cuenta un hecho
muy concreto, por eso pertenece a las monografías históricas y para un romano es diferente
a las historias que un romano consideraría puramente contemporáneo. También escribe
obras como La guerra de Yugurta (Bellum Iugurthinum) e Historias (Historiae): muerte de
Sila 78 a.C. a 67 a.C.

2. César
César escribe historia con un fin propagandístico y político, de hecho, sus historias se
llaman Comentarii, que son comentarios de sus gestas o de sus hazañas, es un
autocomentario político. Lo que intenta es defender aquello que ha hecho. Iulii Caesaris
commentarii rerum gestarum, y el Bellum Gallicum y Bellum Civile serían una especie de
subtítulos.
Hay que tener claro que en realidad lo que intenta es conseguir un instrumento político
eficaz. Sus propios informes del senado, diarios de campaña e informes oficiales que le
enviaban a él serían las fuentes de esto, entonces es una historia contada desde una
primera persona, aunque César siempre se dirige a sí mismo en tercera persona.
La guerra de las Galias, 58 al 52 a.C: Son 7 libros y en cada uno se habla de un año,
aunque escribe un octavo libro de Aulo Hircio que enlaza con Guerra civil.

El libro 1 presenta una descripción de los lugares y de las personas que vivían en esos
lugares que no encontramos en otras fuentes. Esa descripción en realidad le sirve a César
para presentar que él se fue a las Galias, no para dominarlas, sino porque él era muy
bueno, tanto que lo llamaron porque los Galos los molestaban mucho, y se fue a
defenderlos. Con esa excusa va contando cómo fue esa campaña y cómo eran los sitios y
las personas a las que fue conociendo.

El libro II (año 57) cuenta cómo derrota a las tribus belgas.

En el libro III (año 56) se cuenta la campaña contra los venetos, que obliga a los romanos a
construir una flota. El libro termina contando cómo Licinio Craso somete Aquitania.

En el libro IV los usipetes y los tencas, tribus germanas, invaden la Galia. César los derrota
y cruza el Rin como demostración de fuerza. Luego se describen las dificultades de una
primera campaña en Britania, hasta que en septiembre los romanos se retiran a la Galia a
pasar el invierno.
La segunda campaña contra Britania ocupa el comienzo del libro V (año 54). César
remonta el Támesis y termina capturando a Casivelauno, pero tiene que regresar porque los
galos se han sublevado.

En el libro VI (año 53) se cuentan expediciones punitivas contra los galos sublevados,
especialmente los eburones. Dedica un amplio espacio a describir tradiciones y costumbres
que son muy valiosas para nosotros .

El libro VII (año 52) hay graves problemas, pues Vercingetorix consigue aliados, pero César
logra aislarlo en Alesia y capturarlo.

Horacio en el libro VIII cuenta las revueltas de diferentes pueblos.

Su intención es exponer sus hazañas, su importancia y esa necesidad de que los romanos
tenían que ir a las Galias porque son muy buenos, y es lo mismo que utiliza en su obra La
guerra Civil.
La guerra civil la escribe para recordar que pasa el límite de la Urbe con un ejército. Escribe
una obra donde defiende sus acciones y explica lo malos que son los Pompeyanos. César
en todo momento en sus obras es el gran Salvador. En este libro, Pompeyo huye a Egipto y
César aprovecha esto para contarnos cómo es Egipto. Una de las cosas más interesantes
de sus discursos son las descripciones de los pueblos y personajes que aparecen.

Después de Cesar se escribieron una serie de libros, los Corpus Caesarianum. Además del
libro VIII de La Guerra de las Galias de Hircio, se escribieron La Guerra de Alejandría, La
Guerra de África y La Guerra de Hispania.
César habla siempre de sí mismo en tercera persona y al hacer tantas descripciones de
pueblos y lugares, incluso cuando describe la batalla de la Farsalia, en la que describe con
minuciosidad todo lo que había es dar una impresión de objetividad, aunque con visión
negativa adversarios y secuencia causal manipulada. Además, utiliza en sus obras un latín
cuidado, sencillo y puro, de claridad y muy ordenado, algo que tiene una gran dificultad.
El posterior a César sería Tito Livio.

Textos: César, Guerra Civil, I 72.

César escribe la guerra civil y la guerra de las Galias frente a las obras que se centran
en algo muy específico, escritas por Tito Livio. Estas obras se llamaban comentarios. Lo
característico de César es que habla de sí mismo en tercera persona y que a pesar de
que intenta mostrar objetividad lo que hace es manipular de diferente manera los
hechos. Va mostrando las diferentes opiniones, pero siempre quedando él como foco
del bien.
Petronio y Estaño, son dos pompeyanos que defendían Hispania y que finalmente se
rinden. Lo que César va haciendo es ir defendiéndose de todas las posibles pegas que
le pudieran poner. Hay que fijarse también en que utiliza frases no muy largas en
comparación con Tácito. Tiene la necesidad de defender su punto de vista en cada
momento y en cada frase y de intentar mostrar una objetividad que a veces se basa en
ir describiendo en una manera muy concreta intentando mostrar también las diferentes
opiniones para terminar defendiendo las suyas. La historiografía tiene siempre una
parte moral en la que lo que interesa son los hechos que ocurren. Toda la historiografía
muestra dos cosas que para nosotros son totalmente diferentes:
 - Por una parte, la moralidad, que es la parte del interés en los caracteres y en
el romano perfecto más que los propios hechos que ocurrían. Al final la
historiografía antigua se convierte en una historia trágica porque muestra los
sentimientos , las emociones etc. En vez de la trascendencia de los hechos.
- Por otra parte el interés por el estilo.
César no quiere ser escritor, lo que busca es justificarse y dar su subjetividad, no narra
los hechos, solo lo que a él le interesa.

HISTORIOGRAFÍA ÉPOCA DE AUGUSTO

3. Tito Livio
Tito Livio lo que quiere es hacer una narración completa, quiere narrar toda la historia de
Roma. Tiene una gran extensión de obras publicadas pero por desgracia no nos han llegado
todas. Conservamos 1-10 y del 21 al 45 (noticias indirectas y resúmenes) que se
publicarían en grupos de 5.
Tito Livio, Ab urbe condita, Desde la fundación de la ciudad o Historia de Roma desde su
fundación:
El libro I está dedicado a la monarquía romana. Abarca desde la fundación de Roma en el
753 a.C. hasta el 510, cuando al violar a Lucrecia se acaba la monarquía. Estos serían los
límites de la monarquía.

Los libros II a V relatan la historia de la República hasta la invasión de los galos, los años
510 a.C. hasta 390 a.C.

Los libros VI a X llegan hasta la tercera guerra de los samnitas, el 293 a.C. El libro VI
empieza con un prólogo en el que se habla de un nuevo periodo de la historia romana, un
segundo origen tras la liberación de los galos, resaltando que ya los historiadores disponen
de fuentes escritas a partir de este momento.

En los libros XXI a XXX se relata la guerra con Aníbal, la Segunda Guerra Púnica, que
comprende desde el año 218 (Sagunto) al 201, cuando los cartagineses son derrotados en
Zama. Un prólogo propio señala la unidad de estos libros. Esto es lo que conservamos y lo
que debemos conocer.

Del libro XXXI al XLV se cuenta lo sucedido hasta el triunfo de L. Emilio Paulo en el 167
a.C., es decir, desde el final del año 201. En el prólogo a estos libros Livio expresa la
satisfacción por haber llevado a término la historia de la Segunda Guerra Púnica.

Los libros del XLI al XLV se han conservado con algunas lagunas. En ellos Livio tiene que
tener en cuenta tres escenarios donde se desarrollan los acontecimientos, Roma, con el
protagonismo del senado, Oriente (Macedonia y Perseo, Siria y Antíoco), y Occidente, con
Hispania y los Celtíberos.

El cambio con Tito Livio es que él quiere que sus fuentes sean todas historiadores y no
documentos que pueden ser tergiversados o documentos que él oía o que él había
conocido. Sí que en su obra a veces hay discrepancias porque utiliza varias fuentes. Lo que
él intenta demostrar es que el hecho de que Roma se está apoderando de todo es algo
providencial y que los períodos de auge suceden porque los romanos en ese tiempo son
muy buenos y virtuosos y los periodos de decadencia romanos se deben a que estos son
malos, por eso, en realidad lo que nos cuenta son los modelos que deben imitarse o
evitarse, según el caso. Esto lo hace porque lo que quería era esa conexión con el carácter
antiguo y esa revitalización moral de la que hablamos a propósito de la Eneida y, además,
también buscaba defender ese romano antiguo que era lógico, valiente y laborioso, y
además, era el amante de la justicia que aparecían las Geórgicas (arquetipo del romano
antiguo).
Si para César el objetivo es político, para Tito Livio el objetivo está relacionado con ese
planteamiento de contar las grandes personalidades y definir ese arquetipo de romano
antiguo al que deberíamos parecernos para que Roma vaya bien. Su Roma es muy clásica
y una cosa que se destaca es que tiene muchos discursos, pero se conservan pocos. Estos
discursos son dramáticos y además siguen todas las normas de la retórica, lo que nos lleva
a saber que Tito Livio es un gran conocedor de toda la retórica antigua.

Él pretende narrar toda la historia de Roma, aunque encontraremos la historia de Roma y

demás, y nos dará pistas acerca de su interés de abarcar todo. Conocemos muy poco de
esos 142 libros, todo lo solemos ver a través de resúmenes. Empieza narrando el periodo
de la monarquía en Desde la fundación de la ciudad (Ab urbe condita) y luego tenemos una
serie de libros dedicados a la Segunda guerra púnica donde tiene ese enfrentamiento.
Pero lo más importante es que su intención de narrar desde el principio.

En cuanto a su estilo, la lengua de Tito Livio es muy parecida a la de Cicerón, es decir,

equilibrada. Es verdad que en los discursos tiene una argumentación como la de Cicerón,
pero esta es clásica. De Livio tenemos que entender ese interés por mostrar a los grandes
romanos y que su estilo es similar al de Cicerón, es clásico, y eso contrasta con Tácito.
También, posa su interés político sobre todo en los temas legendarios de los primeros libros.

Texto: Tito Livio, Historia de Roma, Prefacio 1-10

En este Prefacio al principio establece lo que se desea conseguir con la propia obra, esto es
lo que hace en estas primeras páginas y nos puede dar una idea de qué es lo que desea o
por qué escribe la historia de Roma y también de su estilo y de cómo va a ser esta historia.
El prefacio empieza con una pregunta retórica de si vale la pena narrar la historia del pueblo
romano desde el principio de la ciudad. De una manera retórica, a veces se va haciendo
una clase de preguntas retóricas poniéndose pegas como estas; él va a hablar de 753 años
en 142 libros. Dice que es una tarea grandiosa y que sabe que quizás los orígenes van a
ser menos queridos que las obras contemporáneas y que cree que este esfuerzo que él
hace es positivo porque le permite apartarse de las desgracias de su generación porque
está en una época de guerra civil. Él muestra su conciencia de que hablar de Rómulo y
Remo puede ser discutible como principio de una obra histórica, pero cree que esos
orígenes míticos demuestran una serie de personajes que por su modalidad muestran ese
romano fuerte que aparece y se defiende en las Geórgicas que luego se ha ido
degenerando. Este tipo de personajes que se han sacrificado o que han hecho cosas
morales son lo que él pretende mostrar y sobre todo lo que quiere es que el estado tenga
modelos que imitar. Este buen romano es el que está en el derecho de dominar el mundo
porque está por encima y es bueno que conquiste.
La guerra contra Anibal y esos orígenes míticos son muy relevantes de este autor. Además,
es un autor con un estilo muy clásico y eso va a quedar muy claro cuando se compara con
Tácito porque este, frente a este estilo no narra todo en orden ni presenta frases complejas.
Tito Livio usa un lenguaje muy clásico escogido específicamente para no repetir nada y para
manipular los hechos y mostrar la maldad de diferentes personajes.
A Tito Livio no le interesa juzgar si los orígenes que hemos mencionado antes son reales o
no, solo quiere centrarse en ellos para mostrar esa idea de romano ideal que todos
deberían tener, de manera que al final no le importa la historiografía, sino ir demostrando a
esos grandes personajes.

HISTORIOGRAFÍA ÉPOCA IMPERIAL

4. Tácito
Pertenece a un siglo posterior a todo lo que hemos visto. Ovidio representa ese cambio
entre la Edad de Oro y a la que pertenece este, y ese cambio salva las distancias, pero lo
entendemos porque es como el cambio entre el Clasicismo y el Barroco, que las ideas de
esto último son aplicables a Tácito, que tendrá una grandísima relevancia.

Primero se dedicó a la oratoria, de hecho tiene una obra sobre esta, y eso le permitió que
en sus historias tenga un estilo particular muy retórico, por lo que va a cuidar mucho su
lengua y todo lo que dice, por eso debemos estudiar historiografía latina y oratoria.
Escribió Agricola, obra biográfica sobre su suegro, (proconsulado en Britania) y poco
después Germania, donde redescubre en un pueblo extraño elementos que dieron a Roma
su grandeza, religio, virtus, simplicitas y libertas. Es, por tanto, un peligroso rival.

Su obra Historias es relevante para nosotros porque es el único caso que tenemos en el
que se nos habla de los años 68-69, no tenemos un relato tan específico y minucioso de los
hechos como este que conservamos en las historias de Tácito. Conservamos los 4 primeros
libros y una parte del 5: guerras civiles del 69 y algo de principios del 70.
•Libro I: Nerón fue declarado enemigo público por el senado en el 68 y se ofreció el imperio
a Galba. La obra comienza cuando llega a Roma para hacerse cargo del poder. Otón acaba
con Galba, que es acuchillado por los soldados en el foro y se hace con el imperio.

•Libro IΙ: Vitelio es proclamado por las legiones germánicas, hasta su entrada en Roma y los
excesos de sus tropas.

•Libro III: Vespasiano marcha sobre Italia. El libro termina con la muerte de Vitelio.

•El libro IV trata de los muchos problemas con los pueblos sublevados que esa muerte
dejaba pendientes.

•La conquista de Jerusalén se trata en el libro V.

No sabemos ni cómo era la obra original, pero ese principio empieza hablando de la época
de los 4 emperadores, y marca una época muy convulsa.
Está hablando de una época que no es nada tranquila, es todo lo contrario a la época de
Augusto y es sobre todo inmoral.
Primero intenta ser un historiador serio, que significa tener cuidado por lo que nos va a
contar, que consiste en tener fuentes fiables y es verdad porque va rechazando rumores, es
decir,es una habilidad. Luego, su frase cumbre es que él dice que habla sin parcialidad,
habla en las historias de algo contemporáneo, de algo inmediatamente anterior, y se queja
de que la gente le hace la pelota a los emperadores o que son muy malos, y eso no es
verdad, por lo que intenta encontrar un equilibrio y sin embargo lo que hace es una
manipulación del lenguaje consiguiendo un efecto en su lengua muy particular (arcaizante y
poetizante). Quiere decir lo máximo con las mínimas palabras, lo cual hace que traducirlo
sea un infierno (idea barroca, Brevitas).

Junto a Annales, Historias constituye la obra más importante. Annales cuenta lo anterior a
las Historias. Las Historias empiezan cuando Nerón es rechazado en Roma y Annales lo
anterior, aunque no lo conservamos todo.

Es para nosotros el autor que realmente tiene una obra donde el estilo está cuidado de una
manera muy diferente a cómo lo cuida en la época clásica. En época clásica intenta mostrar
un equilibrio con todo, que ese estilo transmita bien lo que se quiere contar de manera que
nos pueda parecer que Tácito entorpece al lector, ya que lo que está haciendo es que nada
sea igual que lo anterior. Quiere explorar sus límites y demostrar un dominio de la lengua
para transmitirnos los hechos de una manera específica, porque Tácito lo que nos va a
hablar es de los emperadores posteriores a Augusto. Parte del problema que tenemos con
ellos, es que este autor es nuestro autor principal para ello, pero está demostrado que en lo
que nos cuenta hay cosas terribles y que eran verdad.
Él empezó estudiando retórica, por lo que esa sutileza de su lengua está relacionada con
esta disciplina. En el fondo pasa como con Tito Livio, a él le interesan los personajes y nos
muestra una galería de déspotas. Esta idea nos puede transmitir como su historiografía
sigue siendo una historia de personajes, como si los hechos los desencadenaran
personajes en lugar de las circunstancias, como sucede en ocasiones.

Anales empieza con la muerte de Augusto, la escribió después, pero narra hechos
anteriores. El estilo es muy parecido pero anales se considera una obra superior en cierto
sentido porque tiene un estilo más depurado. Él siempre contrapone las diferentes fuentes
de maneras hábiles y siempre va a decir que no hay que creer en los rumores. Va creando
un ambiente de opresión, con una lengua tan elaborada que va creando esta sensación.
También nos describe los sentimientos y descripciones de las personas (cómo
transportaban tal cosa, qué sentían mientras pasaba algo).

En el texto del incendio, Nerón reacciona de manera que todas estas medidas populistas
(como bajar los precios), caían en el vacío porque se había ocurrido el rumor de que él con
la ciudad en llamas había subido a un escenario en su propia casa y había cantado la caída
de Troya. Esa imagen ha sido representada en cuadros y utilizada literariamente; de cómo
Nerón mientras Roma era destruida, él estaba cantando. Hábilmente Tácito introduce esta
escena. Primero explica qué sucede con lo material en el incendio y después cómo las
personas se sienten atrapadas: ese fuego que se va extendiendo afecta a las diferentes
personas de una manera general a todos para luego llevarnos hacia Nerón. Este en
principio se portó bien, pero después se dedicó a cantar. Como vemos, parece que no da
ninguna importancia a los rumores, pero al darles un lugar específico cae y confluye la
imagen de cómo este estaba cantando. A través de ese orden hay una manipulación de los
hechos, y haciendo eso va creando un retrato de cada uno de los emperadores demoledor y
terrible, y que todo era corrupción. Todos estos los pintaban de manera inmoral.
Tema 7: Poesía didáctica, filosofía y epistolografía

Para completar la imagen de la prosa latina, conviene hacer mención a otros géneros en
íntima relación con esta y cuyo cuidado estilismo justifica, como en el caso de la
historiografía, su valor literario. Nos referimos a: La poesía didáctica, considerada un
subgénero de la épica y como está escrita en verso (hexámetros o dísticos elegíacos), tiene
como objetivo instruir sobre una materia determinada. Algunos ejemplos de esta:

1. Lucrecio (99-55 a.C.)

Su libro es De rerum natura= sobre la naturaleza de las cosas. Se trata de un libro de 7.000
hexámetros. Él lo que hace es un libro muy extenso, didáctico y filosófico en verso. Nos
habla de la naturaleza de las cosas, la filosofía se separa de la física. Es filosofía porque
quiere demostrar que todo está hecho de átomos, que estos se van agrupando y que la
muerte es la disgregación de los átomos y que por tanto no hay que tenerle miedo. Esto lo
que consigue es apartar la religiosidad original, del miedo a los dioses y la superstición, lo
cual era su intención (librar a los hombres de la religión= miedo a los dioses y a la muerte).
Es una obra didáctica en la que existe carga filosófica, y por sus planteamientos es
considerada piedra angular del materialismo positivista. Ejerció una importante influencia
sobre Virgilio.

Libros:
● Libro I: expone las bases del sistema epicúreo, según el que las cosas se forman de
manera mecánica, a partir de los elementos de la naturaleza. Desarrolla la teoría de
los átomos, que se mueven en el vacío, se agrupan entre sí, son infinitos y en eso se
basa la eternidad de la naturaleza.
● Libro II: intenta demostrar cómo de los átomos nacen y mueren las cosas. La muerte
es la disgregación de los átomos de los seres.
● Libro III: establece la distinción entre animus, razón, que reside en el pecho y anima,
principio vital difundido por todo el cuerpo. Ambos mueren al morir el cuerpo.
● Libro IV: desarrolla la doctrina de las percepciones de los sentidos. Explica
filosóficamente los sentidos. Cuando alguien percibe algo, lo percibe en su realidad,
o lo que uno cree que es su realidad. También habla de los fenómenos naturales.
● Libro V: trata de explicar cómo ha nacido el mundo por leyes inmutables.
● Libro VI: trata de aquellos fenómenos naturales que, por su carácter terrorífico, son
origen de prejuicios y supersticiones.

Él es epicureista (la física epicureísta lo que dice es que todo es natural y placentero): todo
se forma a partir de los átomos que se agrupan y luego se disgregan. De los átomos nace y
muere todo. Cuando se muere el cuerpo, el alma también, por lo que no hay que
preocuparse por el más allá porque es algo natural.
Tiene como modelo a Teocles, como fuente a Epicuro y como modelo literario a
Empédocles.
Los romanos cogían dos obras y las unían, dentro de la expositio, Lucrecio es famoso por
las descripciones que interrumpen la exposición doctrinal; como la narración de la epidemia
de Atenas, imitando a Tucídides. Habla de Venus porque dedica el libro a Cayo Memio que
lo considera descendiente de Venus. En Grecia se busca el modo de que los hombres sean
descendientes de dioses, y eso es lo que él hace aquí.
LUCRECIO (comentario)
Es poesía didáctica pero para nosotros la idea de poesía didáctica no es algo que nos
podemos plantear con la diferencia de los géneros de época clásica a la nuestra. Para la
antigüedad es muy normal tener este tipo de poesía.
De Lucrecio solo conservamos una obra donde habla primero del amor, es decir, el primer
texto es el preludio.

El primer poema comienza hablando de los átomos, sin embargo, comienza con una
invocación a Venus, porque el poema va dedicado a uno de sus mecenas que se
consideraba descendiente de Venus.
Este prólogo es muy famoso porque es muy primaveral, habla de todo lo que pasa cuando
llega la primavera, es una idea muy bucólica y también porque es muy poético. Lo que hace
Lucrecio es intentar que no tengamos miedo a la muerte pero comienza haciéndolo
invocando al amor.
Este preludio es personal y está dirigido a la persona a la que va dedicado el libro y por ser
tan poético ha tenido cierta relevancia.

Después de este preludio y de forma muy diferente, en el otro texto va contando cosas muy
técnicas, sobre cómo funciona la naturaleza y el amor, porque tiene imágenes muy
poderosas. En realidad lo que hace es decir cómo funciona el deseo.
Es muy literario, quiere alejarse de los Dioses. Esa parte didáctica se contrapondría a esa
forma elevada que Lucrecio tiene de describir, eso sí, no está muy alejado pero sí es muy
diferente a nuestra noción de poema, pero es un lenguaje muy depurado.
Lucrecio es posterior a Plauto y anterior a Virgilio, entonces su lengua no está tan elaborada
y sus versos son más puros.