Apuntes 3er Corte Historia III
• Estilos musicales nacionales (alemán, italiano y francés)
El romanticismo aleman:
- la revolución francesa incita a mis músicos alemanes a alejarse de las influencias
extranjeras
- el modelo Beethoveniano dió lugar a un romanticismo
- la expresión sentimental aprovecha de todos los elementos musicales: melodía, ritmo
armonía, contrapunto, orquestación, matices
- se abre una tendencia hacia la descripción de imágenes e ideas a partir de la música
instrumental
- las influencias de Wagner termina caracterizando más mi alemán en la música, con
énfasis de expresión dramática
Compositores alemanes principales:
Schubert, Mendelssohn, Schumann, Liszt, Wagner, Bruckner y Brahms
La guerra de los románticos:
- fue un cisma estético ocurrido en la segunda mitad del siglo XIX principalmente en el
estilo alemán
- los bandos estaban representados principalmente por la escuela de Leipzig
(conservadores y la nueva escuela alemana de Weimar (radicales)
- puntos de desacuerdo:
Estructura innovadora o convencional, límites de la armonía cromática, Beethoven como
cima insuperable o como héroe del pasado, alcances de la música programatica y la
absoluta (lo contrario a la música programatica)
Romanticismo italiano (opera italiana)
- los compositores del siglo XIX como Bellini o Verdi, se basan en el Bel canto para
desarrollar el contenido expresivo de la ópera
- la emocionalidad y el dramatismo se refleja en la melodía
- dea viz nace el personaje, en sus melodíad adquieren una nueva profundidad y
desarrollan sus sentimientos
- a finales del siglo XIX, el verusmi como representación de una cruda realidad reemplaza la
idealización del romanticismo, ñero el lirismo sigue caracterizando el estilo italiano
Principales compositores
Rossini, Verdi, Mascagni, Puccini (investigar sobre él)
Verismo musical:
- la unificación italiana (1870) puso en evidencia las desigualdades sociales y el atraso del
campesinado
- arte se enfoca en retratar la realidad de la vida en sus aspectos más crudos
- es una reacción antirromantica como rechazo a la idealización y sublimación de los
sentimientos y el heroísmo
Leoncavallo - Il pagliacci
Romanticismo Francés:
- Desde 1830, París es uno de los principales centros artísticos de Europa: el conservatorio de
París y los teatros de ópera atraen a músicos de toda Europa.
• Se encuentran músicos franceses y extranjeros como Berlioz, Chopin, Liszt, Rossini y
Meyerbeer, entre otros.
• El gusto francés se adapta a las tendencias extranjeras, pero los compositores extranjeros
también se adaptan al gusto francés.
• En 1871 se funda la Société nactionale de musique con el lema Ars gallica: el arte francés,
que impulsa el renacimiento de la música instrumental francesa.
Tradicion Cosmopólita:
• Siguieron las formas instrumentales tradicionales: sinfonía, sonata, música de cámara.
(cierta lógica antiromántica).
• También se influencia del romanticismo wagneriano, aprovechando la armonía cromática y
las formas cíclicas.
• Compositores:
Cesar Frank (1822-1890)
Vincent d’Indy (1851-1931)
Paul Dukas (1865-1935)
Tradición francesa:
- Se basa en una concepción de la música como forma sonora en contraste a la concepción
romántica de la música como expresión
• Tiende a ser lírica o danzante antes que épica o dramática. Presenta esquemas sutiles de
sonidos, timbres y ritmos.
• Sencilla antes que compleja y reservada antes que grandilocuente. Contrapeso al empuje
wagneriano. Se distancia de Berlioz.
• Compositores:
Charles Gounod (1818-1893)
Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Gabriel Fauré (1845-1924)
Protonacionalismo:
• Algunos compositores de la primera mitad del siglo XIX se muestran orgullosos de su
nación de origen:
• Chopin compone polonesas y mazurkas y refleja sus sentimientos patrios por su añorada
Polonia.
• Liszt consiguió el éxito en su carrera en Francia y Alemania, pero el recibimiento como
héroe en su natal Hungría lo llevó a interesarse por su identidad nacional:
• Recopiló y estudio la música popular.
• Compuso Rapsodias húngaras y el poema sinfónico Hungría.
• Creó el Conservatorio de Budapest.
• Aunque Wagner o Verdi plantean aspectos de unidad nacional (Alemania e Italia), estos no
corresponden con los planteamientos nacionalistas
Bohemía:
• Bohemia fue territorio de la corona austriaca y estuvo por debajo del predomino germano.
El alemán predominaba sobre el checo a nivel cultural.
• Los compositores checos fueron de los primeros en mostrar rasgos nacionalistas.
• Utilizan principalmente elementos programáticos en su música. No se apartan
necesariamente de las formas románticas.
• Bedřich Smetana(1824-1884) compone óperas en checo, utiliza melodías y ritmos del
folclor checo y describe bohemia a través de poemas sinfónicos: Ma Vlast (Mi País) (1874-
1879).
• Antonin Dvořák (1841-1904) incorpora melodías folclóricas en sus danzas eslavas y otra
música de cámara.Viajó a Estados Unidos y difundió su música y tendencia allá: Sinfonía
del Nuevo Mundo (1893).
Escandinavia:
• El noruego Edvard Grieg (1843-1907) de dedica parte de su composición a canciones
populares y danzas campesinas.
• Compuso música incidental para Peer Gynt (1875) del reconocido dramaturgo noruego
Henrik Ibsen.
• El finlandés Jean Sibelius (1865-1957) despertó un nacionalismo patriótico con su poema
sinfónico Finlandia y otros basados en mitología e historia de su país.
Inglaterra:
• Edward Elgar (1857-1934) fue el primer inglés de reconocimiento internacional en 200
años (desde Purcell). Fue el pionero en devolverle importancia a la música inglesa e iniciar
un nacionalismo.
• Su música suena inglesa sin recurrir a la canción folclórica; hay un interés en buscar
sonoridades de un idioma nacional.
• Le da importancia a la música coral, era lo mejor de la música inglesa.
• Su lenguaje musical es el posromántico: su obra orquestal influenciada por los alemanes
• El nacionalismo se consolida en la generación posterior: Gustav Holst (1874-1934) y Ralph
Vaughan Williams (1872-1958):
• Componen sobre temas populares y hacen arreglos orquestales.
• Se inspiran en el renacimiento inglés como época dorada de la nación.
España:
• El nacionalismo musical llega tardíamente a finales del siglo XIX.
• Los compositores se inspiran en el distintivo multiétnico: culturas cristianas, sefardíes,
moros y gitanos.
• El sonido de la guitarra y las características melódicas, rítmicas y armónicas de la música
popular de dan el carácter español a la música de concierto.
• Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916), Joaquín Turina (1882-1949),
Manuel de Falla (1876-1946) y Joaquín Rodrigo (1901-1999) son los más destacados.
Nacionalismo:
- se da cuando se proyecta una identidad nacional en la música
- es un efecto de contrarrestar la presión estimistica de la música de paises dominantes como
Alemania o Francia
- se empieza a desarrollar en Europa oriental la segunda mitad del siglo XIX y se extiende al siglo XX
- LOS RECURSOS MUSICALES MAS COMUNES SIN : INCLUSION DEL FOLCLOR Y RECURSOS TECNICOS
MUSICALES.
Rusia en la segunda mitad del siglo XIX:
- RUSIA SE VEÍA ATRASADA CON RESPECTO AL EUROPA
- A pesar de la monarquia absolutista de los zares empiezan a verse cambios sociales
- la cultura rusa entra en auge
Mijaíl Glinka (1804-1857)
- padre del nacionalismo ruso
- de formación más autodidacta que profesional, se interesó por las tradiciones folclóricas rusas y
eskavas sin desechar las corrientes Europeas
Piotr Ilich Tchaikovsky
Cómo compositor:
- su forma de componer chocaba con sus profesores y críticos
- no entró en el proyectó nacionalista: tuvo una relación cordial pero más bien distante con el
grupo de los cinco
- a pesar de que algunos lo consideran cosmopolita, nknfue ajeno a las búsquedas de identidad
nacional
Postromanticismo alemán:
• La Nueva Escuela Alemana con Liszt y sus simpatizantes, y particularmente Wagner,
ejercieron una influencia determinante en el estilo de los compositores germanos de
finales del siglo XIX y principios del XX.
• Se postula la obra musical como portadora de significados, bien a través de asociaciones
literarias o poéticas, o en el caso del drama musical wagneriano directamente como
“fusión de todas las artes” u “obra de arte total”.
• Románticos tardíos como Brahms o Bruckner son contrarios a esta tendencia.
Características:
• El contenido expresivo continua siendo más importante que la forma musical.
• Se ahonda en la experimentación de nuevas formas, colores, texturas y armonías
cromáticas. Se ponen en riesgo la estabilidad de las funciones tonales de la armonía
clásica.
• La música es cargada de significado, incluso cuando no hay texto ni contenidos
programáticos. Las obras revelan sentimientos e ideologías subjetivas.
• Se magnifica el dramatismo musical para acentuar la expresividad.
Liszt
• En su última etapa creativa (1860-1886), Liszt se concentra en la expresión del color
armónico.
• Su experimentación con armonías no funcionales, acordes aumentados, paralelismos de
quintas, uso de escalas y modos inusuales, y pérdida de centros tonales lo hacen pionero
del impresionismo y precursor del expresionismo atonal.
• Sus temas de interés son la retrospección, el desespero y la muerte
Hugo Wolf (1860-1903):
• Es el principal exponente del lied post romántico.
• Se dedica a ciclos sobre poetas específicos del romanticismo: Mörike, Goethe, etc. Le daba
más importancia al poeta que a sí mismo como compositor
• Su influencia wagneriana se ve en la relación entre música y texto, pero no en una textura
orquestal del piano acompañante o el predominio de lo instrumental sobre lo vocal.
• No se valió de elementos folclóricos y se alejó de las estructuras estróficas.
• Su estilo diatónico va de la mano de exploraciones armónicas y tonalidades errantes.
Gustav Mahler (1860-1911):
• Se hizo famoso como compositor y como director de orquesta. Era reconocido como
perfeccionista y exigente.
• Destacan sus sinfonías y lied sinfónicos. Son extensas, formalmente complejas , de
naturaleza programática y para orquestas gigantescas, algunas con coros y solistas. Logra la
apoteosis del género sinfónico.
• Era muy meticulosos en el tratamiento de combinaciones instrumentales con fines
expresivos.
• La expresividad queda elevada con recursos wagnerianos como la exploración cromática
que lleva a armonías disonantes.
• En la música de Mahler confluyen el progresismo de Berlioz, Liszt y Wagner, y la tradición
sinfónica de Beethoven, Schubert, Brahms y Bruckner.
Richard Strauss (1864-1949):
• Se destacó principalmente en el poema sinfónico, en su etapa creativa temprana, y en la
ópera, en su etapa creativa tardía.
• Los poemas sinfónicos pueden identificarse como filosóficos (ej: “Así hablo Zaratustra”,
“Muerte y Transfiguración”) o descriptivos (ej: “Don Quijote” “Las travesuras de Till
Eulenspiegel”).
• Utiliza disonancias libremente para la expresión de sentimientos violentos. El
wagnerianismo se evidencia en los lenguajes armónicamente complejos y disnonantes y el
uso de leitmotiv.
• Su estilo empieza a anunciar el expresionismo y fundamenta las técnicas atonales.
• Explora también en un estilo opuesto como el neoclásico que propone en “El caballero de
la rosa”: diatónico y con estructuras formales.
Impresionismo:
Monet
• El término “impresionismo” se usó inicialmente para denominar el estilo de arte pictórico
francés de finales del siglo XIX.
• El objetivo es plasmar la manera como la luz incide en los objetos y los tonos colorísticos
que éstos adquieren sin reparar particularmente en su identidad.
• Los contornos se hacen difusos; Los colores se mezclan de maneras novedosas; las
pinceladas se hacen evidentes.
• Anuncia el arte moderno al salirse de los cánones de la representación artística.
• La melodía se desdibuja, se fragmenta o pierde la claridad del contorno.
• La atmósfera sonora es nebulosa, sin una tonalidad definida, con acordes independientes
(sin un sentido de progresión armónica) y en ocaciones extraños, que crean un efecto de
impresión sonora (no de expresión sentimental).
• El énfasis está en la belleza del color musical, más que en descripciones emotivas. El
sonido se hace más sutil y se aleja de lo dramático.
• Color armónico: Se utilizan los modos antiguos y escalas exóticas como la
pentatónica o la de tonos enteros. Los paralelismos de 4tas y 5tas y los acordes
aumentados agregan posibilidades de color armónico.
• Color tímbrico: Las combinaciones instrumentales y las técnicas de interpretación
se usan para crear ambientes sonoros. Gradualmente se aprovechan las
innovaciones en instrumentos y técnicas extendidas.
Claude Debussy (1862-1918):
• Su estilo es el más claramente definido como impresionista.
• Sintetiza el rechazo a la tradición musical alemana (lo wagneriano y expresionista).
• Fue influenciado por otras músicas, como el gamelán javanés, para experimentar con
nuevas posibilidades sonoras.
• Innovó en desarrollos armónicos, orquestales y pianísticos.
• Influyó un una gran cantidad de músicos del siglo XX.
• Obras para piano destacadas: Nocturnos, Images, Preludios
• También las obras orquestales “Preludio para la siesta de un fauno” y “La mer” y la ópera
“Peleas y Melisande”.
Maurice Ravel (1875-1937):
• Su estilo se asocia tanto al impresionismo como al neoclasicismo.
• Aunque siguió a Debussy inicialmente, también tuvo un interés por revalorizar las
funciones armónicas.
• Además de compositor fue reconocido como un gran orquestador. Transcribió
exitosamente obras suyas para piano y de otros compositores como Mussorgsky.
• Mostró un marcado interés por lo español.
• Sus obras destacadas para piano son “Le Tombeau de Couperin”, “Gaspard de la Nuit”,
“Pavana para una infanta difunta”, conciertos para piano; para orquesta, la “Rapsodia
Española”, “La valse”, “Daphnis et Chloé”.
• Se conoce por su popular “Bolero”: un ingenioso ejercicio de orquestación.
