CENTRO UNIVERSITARIO REGIONAL DE CHONTALES
CUR-Chontales, “Cornelio Silva Argüello”
“2025: Eficiencia y Calidad para seguir en Victorias”
COMPONENTE:
Apreciación musical
CARRERA
Cultura y Artes
AÑO
I
PROFESOR
Edgar José Ríos Campos
Marzo, 2025
“UNIVERSIDAD DEL PUEBLO Y PARA EL PUEBLO”
Tema 2: Pulso, acento, ritmo y formas musicales: forma y contenido. Texturas. La
agógica y su función comunicativa.
Pulso: El pulso es la unidad básica de tiempo en la música, es el latido constante que marca
el tiempo y permite que la música fluya de manera organizada. Es la base sobre la cual se
construye el ritmo y se mantiene la cohesión del tempo en una pieza musical.
¿Qué es el tempo en música?
En música, se utiliza la palabra italiana “tempo” para hacer referencia a la velocidad de
ejecución de una obra musical. Por lo general, en una partitura de una obra musical,
encontraremos la indicación de tempo al inicio, encima del pentagrama, y algunas veces,
encontraremos más indicaciones de tempo a lo largo de la partitura, dependiendo del
cambio de velocidad que el compositor de la obra haya escrito.
Para encontrar el pulso de cada pieza o tema musical, lo más sencillo es dar palmas o picar
con el pie en el suelo de forma constante al ritmo de la música, hasta ir perfectamente
emparejados. Siendo pues, el pulso, el latido de la pieza musical, se mide igual que los
latidos cardíacos en “PPM” pulsaciones o latidos por minuto.
¿Qué es el PPM en música?
La velocidad de una obra musical se puede medir mediante Pulsaciones Por Minuto (PPM,
o BPM por sus siglas en inglés `Beats Per Minute´). Estos PPM vendrían siendo, como su
nombre lo dice, los pulsos que existen durante el lapso de un minuto.
En conclusión, el pulso se puede percibir de diferentes maneras en función del género
musical, ya que juega un papel fundamental en la estructura y el ritmo de la música.
1. En la música clásica, el pulso puede percibirse a través del ritmo constante y marcado de la
música, que se mantiene constante a lo largo de la pieza.
2. En el jazz, el pulso puede ser más flexible y variado, con ritmos sincopados y cambios de tempo
que crean una sensación de movimiento y energía.
3. En la música electrónica, el pulso puede ser muy predominante, con una base rítmica constante y
repetitiva que marca el ritmo de la canción.
4. En el rock, el pulso se puede percibir a través del ritmo de la batería y el bajo, que generalmente
marcan un patrón rítmico constante y enérgico.
5. En la música latina, el pulso puede ser muy intenso y rítmico, con ritmos complejos y variados
que invitan al movimiento y la danza.
Acento: El acento en la música, se refiere a la acentuación de algunos pulsos o de ciertos
sonidos o notas dentro de una composición. Los acentos pueden ser regulares o irregulares,
y se utilizan para dar énfasis a ciertas partes de una melodía o ritmo, se colocan en ciertos
momentos o notas musicales para crear tensión, relieve y dirección en la pieza musical. Los
acentos pueden estar marcados en la partitura con signos como el acento agudo (>) o el
acento marcato (˅).
Ritmo: El ritmo es la organización de los sonidos en el tiempo, creando patrones regulares
y repetitivos que generan una sensación de fluidez y movimiento en la música. Está
formado por la combinación de diferentes pulsos, acentos y silencios que dan forma a la
estructura de una composición musical. El ritmo es esencial en la música para crear
movimiento, energía y cohesión en una pieza musical.
Ejemplo de representaciones gráficas del tempo, en una partitura de diferentes maneras.
A continuación, algunas de las indicaciones textuales de tempo más utilizadas en la música,
y una breve descripción de lo que cada una de ellas por lo general representa.
Largo: muy lento (10 - 20 ppm).
Lento moderato: (21 – 40ppm).
Lento: lento (41 – 60 ppm).
Larghetto: más o menos lento (61 – 66 ppm)
Adagio: lento y majestuoso (66 – 75 ppm);
Andante: al paso, tranquilo (76 – 89 ppm).
Moderato: moderado (90 – 104 ppm).x
Allegretto: un poco animado (105 – 114)
Allegro: animado y rápido (115 – 168 ppm).
Presto: muy rápido (168 – 200 ppm).
Prestissimo: muy rápido (más de 200 ppm).
Como vemos, esta serie de indicaciones no dan un número concreto de pulsaciones por
minuto, sino que nos dan una idea general de la velocidad de la pieza, en otras palabras,
podemos decir que son términos de indican el «movimiento de la obra».
Formas musicales: Forma y contenido.
Las formas musicales son estructuras organizadas que determinan la disposición de las
secciones de una composición musical. Algunas formas musicales comunes incluyen la
forma de sonata, la forma de rondó, la forma de fuga, la forma de tema y variaciones, entre
otras. Estas formas ayudan a organizar y dar cohesión a una pieza musical, guiando al
oyente a través de la estructura y el desarrollo de la música.
Existen diferentes formas musicales como la forma ternaria (ABA), la forma binaria (AB),
la forma sonata, la forma de fuga, entre otras. Cada forma musical tiene sus propias
características y reglas de organización que determinan la estructura y desarrollo de la
composición.
Las formas musicales se refieren a las estructuras y patrones que se utilizan en la
composición musical para dar forma y coherencia a una pieza. Estos patrones pueden
incluir elementos como el género musical, la velocidad, la métrica, la armonía, la intención
y la organización de las partes de una obra1.
Por ejemplo, algunas formas musicales comunes son:
Sinfonía: Una composición para orquesta, generalmente en cuatro movimientos, cada una
con un tiempo estructura diferente.
Sonata: La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que
consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos.
Fuga: Una técnica de composición donde una frase corta es introducida por una voz y
sucesivamente imitada por otras voces en polifonía.
Variaciones: Consiste en tomar un tema musical y alterarlo de diferentes maneras
manteniendo ciertos elementos constantes.
Suite: Una serie de piezas instrumentales que se tocan en secuencia, a menudo en el mismo
tono, pero con diferentes caracteres.
Cada una de estas formas tiene características y reglas específicas que definen cómo se
compone y se interpreta la música dentro de esa forma. La elección de una forma musical
puede influir en cómo se percibe y se disfruta una pieza musical.
Cada pieza musical tiene un plan o estructura general, el “panorama general”, por así
decirlo. A esto se le llama la forma de la música.
Las formas musicales ofrecen una gran variedad de complejidad. La mayoría de los oyentes
captarán rápidamente la forma de una pieza corta y simple, o de una construida a partir de
muchas repeticiones cortas. También es más fácil reconocer formas musicales familiares.
Las tradiciones de la música clásica en todo el mundo tienden a fomentar formas más largas
y complejas que pueden ser difíciles de reconocer, mientras que la familiaridad que
proviene las melodías repetidas, son más fáciles de entender y asimilar.
Se puede disfrutar de la música sin reconocer su forma, claro. Pero comprender la forma de
una pieza ayuda a un músico a armar una interpretación más creíble de la misma. Cualquier
persona interesada en la teoría o la historia de la música, o en organizar o componer
música, debe tener un firme entendimiento de la forma. Y poder “ver el panorama general”
ayuda al oyente a disfrutar aún más de la música.
Textura
Cuando hablamos de textura musical nos referimos a cómo los diferentes materiales
melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una obra, definiendo así la característica
sonora de una pieza. Por lo general, la textura se describe en términos de densidad y esta
varía en una pieza por la cantidad de instrumentos y el carácter de sus motivos (el timbre de
los instrumentos que interpretan los pasajes, la armonía, el tempo y los ritmos utilizados).
Existen actualmente 9 tipos de texturas musicales:
1. Textura Monofónica:
También llamada como textura monódica, se caracteriza porque es una sola línea melódica
sin acompañamiento alguno. Esta textura es una de las más primitivas, muy relacionada a la
música del medioevo (Siglo IX).
En este tipo de textura, también se puede encontrar varios instrumentos tocando la misma
melodía de manera simultánea al unísono (Mismo ritmo y misma altura).
2. Textura Bifónica:
Es una de las primeras formas de acompañamiento musical que hizo el hombre, este
consiste en 2 líneas melódicas en la cual la línea más grave sostiene una nota pedal
constantemente, mientras que la aguda realiza una melodía con más movimiento.
Este tipo de textura es muy común dentro de la música tradicional, por ejemplo, la música
de gaitas, la cual hay una voz haciendo colchón armónico y la otra generando melodías con
más movimiento.
3. Textura Heterofónica:
Consiste en dos voces dependientes una de la otra, las cuales tienen variaciones ligeras. Por
ejemplo, voces al unísono con eventuales escapes interválicos o variaciones rítmicas. Este
tipo de textura era muy común dentro de la música del ars nova (Siglo X – XIV).
4. Textura Polifónica:
Se caracteriza por el empleo de múltiples voces melódicas que son independientes en su
contorno melódico y rítmico, todas las voces tienen una importancia similar. Esta textura
fue muy popular en el renacimiento (Siglo XV).
5. Textura Homofónica:
Este tipo de textura está formada por una línea melódica principal que es acompañada por
voces y/o instrumentos las cuales ejecutan melodías o acordes en un plano secundario, es
muy similar a la polifonía, solo que su diferencia es que en este caso si hay una importancia
en la relevancia de una melodía. Muy popular en el renacimiento (Siglo XV)
6. Textura Homorítmica:
En este tipo de textura las voces se mueven simultáneamente con el mismo ritmo pero con
distintas notas formando acordes sucesivos, es muy común encontrar música de
características homoritmicas en piezas corales.
7. Melodía acompañada:
Como su nombre lo indica, está formada por una línea melódica principal que es
acompañada por voces y/o instrumentos que ejecutan melodías o acordes secundarios. En
esta textura existen múltiples voces como en la polifonía pero solo una, la melodía, destaca
de manera prominente y las otras forman una base de acompañamiento armónico.
8. Textura no melódica:
No es muy frecuente y se puede encontrar en algunas composiciones sobre todo de música
académica contemporánea. Esta textura tiene lugar cuando en una obra musical los sonidos
armónicos ocultan o bien excluyen por completo el contenido melódico de la pieza.
9. Micropolifonía:
Es un tipo de textura más reciente, característica del siglo XX. Se trata de una
simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres. La técnica fue desarrollada por György
Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está
enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente,
sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible va
gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva
combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers,
pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas».
A menudo muchas músicas son identificadas por su descripción textural, por ejemplo, el
canto gregoriano se describe como monódico, los corales de Bach son calificados de
homofónicos y las fugas como polifónicas. Sin embargo, gran parte de compositores utiliza
más de un tipo de textura en una misma pieza de música.
La agógica y su función comunicativa.
La agógica es un concepto musical que se refiere a la organización de los elementos
temporales en la interpretación de una pieza musical, como por ejemplo la duración de las
notas, los silencios, los acentos y los tempos.
La función comunicativa de la agógica es transmitir emociones y sentimientos a través de la
interpretación musical. Al variar la duración de las notas, los músicos pueden expresar
diferentes emociones como tristeza, alegría, tensión, entre otras. Los cambios en el tempo
también pueden crear un sentido de urgencia, calma o suspense en la música.
En resumen, la agógica es una herramienta importante para los músicos ya que les permite
comunicar emociones y sentimientos a través de la duración de las notas y los tempos en
sus interpretaciones.
Referencias bibliográficas
https://escuelademusicalasala.com/ritmo-pulso-compas
https://www.skoove.com/blog/es/que-es-el-tiempo-en-la-musica/
https://hacercanciones.com/tutorial/el-tempo-y-la-musica/
https://www.unprofesor.com/musica/que-es-la-forma-musical-y-sus-
clasificaciones-3577.html
https://formacionmusicalerp.es.tl/FORMAS-Y-AIRES-MUSICALES.htm
https://thehouserecords.com/que-son-las-texturas-musicales-y-cuales-son-sus-tipos/
