ESTUDIO BÁSICO DE COLOR
Colores fríos y cálidos.
Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el azul y
cálidos, a todos aquellos que participan del rojo o del amarillo.
Los colores cálidos son la gama de colores comprendida entre el Amarillo y el Rojo-Violeta
(rojos, amarillos y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego... de ahí su calificación de
"calientes". Los tonos cálidos, parecen avanzar y extenderse. También se les conoce como
Colores Activos.
Los colores fríos son la gama de colores que va del Amarillo-verdoso al Violeta pasando por el
azul. Son aquellos colores que asociamos con el agua, al hielo, la luz de la luna ... siendo el
máximo representante el color azul y los que con el participan. Los tonos fríos, parecen
retroceder y contraerse, tales cualidades son particularmente notable cuando, además existe
contraste de temperatura. También se les conoce como Colores Pasivos.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado "Temperatura
del color".
SEMIOLOGÍA DE LOS COLORES
Los colores adquieren ciertos significados permanentes según las diversas culturas. De este modo, nadie ignora que el color negro en nuestra sociedad se asocia al
luto y a la muerte, pero también en la publicidad puede significar seriedad y elegancia. En general, muchos colores poseen connotaciones tanto negativas, como
positivas, y la publicidad, siempre seleccionará las positivas, ya que su objetivo es crear la ilusión de felicidad en sus clientes potenciales.
Observa la siguiente tabla sobre la psicología de los colores:
COLOR SIGNIFICADO
Suma o síntesis de todos los colores y símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia. Da la
idea de pureza y modestia, creando una impresión luminosa de vacío y de positivo infinito.
En publicidad deja de lado los significados negativos asociados al misterio y a la muerte y transmite
valores positivos de nobleza y elegancia.
En publicidad deja de lado los valores negativos de tristeza y melancolía y, del mismo modo que el
negro transmite sensaciones de brillantez, lujo y elegancia.
Mezclado con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. Es el color de la luz, el sol, la
acción , el poder y simboliza arrogancia, fuerza, voluntad, estímulo, dinamismo, agresividad... Es un
color jovial, afectivo, excitante e impulsivo. Psicológicamente se asocia con el deseo de liberación.
Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza...
Expresa sensualidad, virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión ardiente y desbordada.
Por su asociación con el sol y el calor es un color propio de las personas que desean experiencias
fuertes. Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en su mezcla con el negro
estimula la imaginación y sugiere dominio y poder.
Como el rojo y el amarillo simboliza entusiasmo, exaltación, ardor y pasión. Posee una fuerza activa,
radiante y expresiva, de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética.
Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso, y simboliza la sabiduría, amistad,
fidelidad, serenidad, sosiego y descanso.
Produce reposo, calma, tranquilidad. Significa esperanza, razón, lógica y juventud. Sugiere frescura
vegetación, simboliza la naturaleza y el crecimiento.
El violeta es el color de la templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite profundidad y experiencia,
emoción y espiritualidad. En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad.
Es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión
de gravedad y equilibrio.
LOS COLORES PRECOLOMBINOS
Tintes y textiles del Perú
precolombino
Tintes precolombinos: arte ancestral
La textilería prehispánica es una técnica convertida en obra
de arte, que hizo que los tanticamayoc, cauticamayos o
tintoreros del antiguo Perú junto con los cumbicamayoc o
tejedores, consiguieran con gran maestría reflejar en sus
textiles su vida y entorno.
Esto se enriqueció con la policromía o variedad de colores,
técnicas de coloreado, tejido y aplicaciones, y con las finas
fibras empleadas.
El teñido era un proceso muy importante en la fabricación de
tejidos los cautimayos eran los responsables de coger los colores
con que se teñían las ropas (cobo). Los artesanos prehispánicos
del área central andina ornamentaron sus textiles pintándolos, con
estampados o introduciéndolas en un líquido colorante. Los
colores fueron aplicados a la lana y el algodón de diversas
maneras, antes de hilarlos o en el tejido mismo. El dar un baño
colorante a la tela merece atención por las opciones decorativas
que ofrece.
En ocasiones las piezas eran introducidas enrolladas y atadas.
Otras veces se estampaban en la superficie del tejido figuras
decorativas con pastas impermeables generando un efecto de
bloqueo, si la operación se repetía utilizando diversos colorantes, las posibilidades
decorativas aumentaban considerablemente teniendo en cuenta la facilidad de combinar
esta técnica con el pintura a pincel.
Tintes Precolombinos: riqueza
natural
Los colores del pasado
Si algo destaca en la historia textil precolombina es el color,
conservado de manera sorprendente por más de un milenio.
Los antiguos peruanos adoraban al Sol, dios creador de la
luz y la energía que permite que los humanos hallamos
construido una compleja cultura del color, sin la cual la vida
sería ni más ni menos que gris. Los tintes precolombinos
procedían de la majestuosa riqueza natural en los reinos
vegetal, animal y mineral de un territorio que tenía todo lo
que un tintorero ancestral hubiera deseado.
El Perú tiene una biodiversidad incomparable a nivel
mundial. Nada menos que 84 de las 104 zonas de vida del
planeta. De las 25,000 especies de flora del país se conocen las propiedades y usos de sólo
4,230 de ellas.
Las materias primas de donde fueron obtenidos los colores han sido objeto de muchos
estudios determinándose el uso de la cochinilla, índigo, antanco, chilca, molle, mullaca,
rubiáceas del genero rubia, relbunium y galium, tara como fuente de taninos y ácido gálico,
sales de aluminio y hierro.
Plantas tintóreas andinas
Las plantas y otros recursos naturales de donde obtuvieron los
colores los artesanos precolombinos han sido objeto de muchos
estudios en los museos del mundo, sobre todo con el propósito
conservacionista. Se ha establecido el uso de la cochinilla,
índigo o añil, antanco o chamiri, aliso, chilca, mullaca, y molle.
Los tintoreros incaicos y pre incaicos utilizaron también
mordientes como sulfato de aluminio natural denominado
"qollpa" y sales de hierro como la "alcaparossa", orina como
fuente de amoniaco, la chicha como fuente ácida, y otras
plantas todavía desconocidas y por recuperar para el acerbo
cultural textil.
A continuación una relación de plantas identificadas por los
investigadores Augusto Urrutia Prugue y Ana Mujica
Baquerizo del Museo Nacional de Arqueología y Antropología
de Lima Perú. Y las correspondientes piezas textiles que se vinculan a ellas.
Aliso
Árbol silvestre y cultivado, de tamaño mediano, ampliamente
distribuido en la sierra y vertientes orientales andinas, muy cerca a
las fuentes de agua. Este árbol da una madera blanca y suave muy
apreciada para la fabricación de muebles rústicos. También posee
propiedades medicinales y actúa contra la fiebre, hemorragias,
gripe, como cicatrizante y antirreumático. De la corteza del aliso se obtiene un tinte de
color marrón, que fue utilizado en el teñido de los textiles prehispánicos.
Antaco o chamiri
Es una planta pequeña cuyas raíces fueron muy
apreciadas desde épocas milenarias, ya que de ellas se
obtiene un precioso tinte de color rojo. Su uso está
asociado al desarrollo de la gran textilería
prehispánica, especialmente de la cultura Paracas.
Los expertos tintoreros paraquenses lograron obtener
de esta especie, infinidad de tonalidades rojas, destreza
que hasta el día de hoy causa admiración.
Tejido Chancay 1200 dc
Añil o índigo
Planta con cualidades tintóreas muy asociada al
algodón, desde épocas prehispánicas. La firmeza del
color azul sobre las prendas textiles es de gran
admiración. Los secretos de la técnica del teñido
deberían ser investigados.
Manto teñido con índigo
Chilca
Milenaria planta tintórea que fue utilizada por los antiguos "químicos" de las culturas
prehispánicas, para obtener variedad de colores amarillos y verdes. En la actualidad, la
Chilca es empleada por los tejedores artesanales, que mantienen vigente la tradición de sus
antepasados. Esta planta también fue muy apreciada en la medicina, por sus propiedades
antiinflamatorias y antirreumáticas, tal como lo mencionan los cronistas.
Fragmento teñido con chilca
Mullaca
Es una excelente planta tintórea de donde
se obtiene un intenso color azul, utilizado
en el teñido de los textiles de culturas
prehispánicas como Paracas e Inca. La
firmeza de este tinte natural perdura hasta
el día de hoy en estos textiles, lo que causa
admiración en todo el mundo. La mullaca
también posee propiedades medicinales,
siendo un excelente remedio contra el afta,
la fiebre, el asma y la tos.
Detalle de manto. Teñido con Mullaca
Molle huiñan
Hermoso árbol oriundo del Perú siempre verde,
adaptado a climas de costa, sierra y selva. Sus grandes
propiedades, tintóreas, medicinales, ornamentales y
plaguicidas, fueron muy apreciadas por los antiguos
peruanos que lo denominaron ´´árbol virtuoso´´. Los
químicos prehispánicos obtuvieron del molle un tinte
color amarillo, usado en el teñido de textiles que se
aprecian en la Cultura Wari. También lograron, hacer
con los frutos del molle una chicha fermentada muy
consumida y apreciada en esas épocas, que se convirtió
en un bien a ser trocado por pescado, ocas, papas
deshidratadas y otros bienes.
Molle huiñan
¿Qué son los materiales reciclables?
Los materiales reciclables son aquellos que pueden ser reutilizados de nuevo tras su uso
principal, gracias a un tratamiento de reciclaje.
Ya sea en su forma elaborada (como el plástico hecho botella) como en su forma más pura (como el
anticongelante o el aceite), los materiales reciclables son aquellos de los que aún puede extraerse
un valor.
Para qué se aprovechan los materiales reciclables
Un material reciclable no necesariamente se
convierte siempre en el mismo material, listo
de nuevo para usar. Algunos se reciclan
aprovechando el valor que aún conservan
para, por ejemplo, generar energía.
La biomasa vegetal es un caso de este tipo.
Las partes no comestibles de una planta,
como la hierba, pueden ser recicladas para
generar energía por combustión, o por
extracción de sus aceites para fabricar
biocombustible.
Otros materiales reciclables sí que se utilizan
de acuerdo a la imagen habitual que tenemos
en mente. Así, a partir de latas de refresco de
aluminio se pueden hacer nuevas latas, y a
partir de papel usado se puede generar más
papel.
Los materiales no reciclables, por el contrario,
son aquellos que, tras su uso principal y el
agotamiento de su valor, no pueden ser
aprovechados de nuevo.
A veces, los materiales no reciclables son
clases de un material que sí lo es. Por
ejemplo, el plástico suele ser reciclable, pero
solo en un pequeño porcentaje. Algunos tipos
de plástico, como las bolsas (especialmente
las que tienen algo pintado) son mucho más
complicadas de reciclar y en ocasiones no se
puede.
¿Cuáles son los materiales reciclables y dónde
hemos de depositar cada uno?
Gracias al avance tecnológico, cada vez son más los materiales reciclables que podemos
reaprovechar de una manera u otra. No obstante, a veces echamos en los contenedores de
reciclaje cosas que no debemos.
Por ejemplo, algunos depositan cristal, como el de un espejo o una ventana, en el contenedor de
vidrio, pero eso no es correcto.
Del mismo modo, es importante no confundirse y poner en un contenedor de reciclaje lo que va en
otro. Para ayudarte, te damos una guía básica de materiales reciclables y dónde va cada uno.
Podemos reciclar:
Plástico y envases de varios tipos
Envases de plástico toda clase, briks contenedores de líquido y latas de aluminio (por ejemplo de
refresco o conservas). También envases metálicos, como los de la nata montada o la espuma de
afeitar. Todos ellos van al contenedor amarillo.
El corcho blanco o poliespán también es material reciclable y va al contenedor amarillo.
Sin embargo, el corcho natural, usado sobre todo en tapones, no va al amarillo, sino al gris, es
decir, al orgánico / restos. Los tapones de plástico, sin embargo, sí van al amarillo.
Papel y cartón
Uno de los materiales reciclables más aprovechables y que más se reutilizan. Desde un folio
hasta un envase de cartón, todo eso va al contenedor azul de papel / cartón.
Vidrio
Se trata, probablemente, del material más reciclable. Se puede reaprovechar hasta un 100% del
vidrio, gracias a un proceso de refundición y, al contrario que otros materiales como el aluminio,
se puede repetir el proceso la cantidad de veces que haga falta.
Por eso es muy importante reciclar vidrio y depositarlo en el contenedor verde. Queremos insistir en
que vidrio y cristal (como el de las copas o los espejos) no son lo mismo.
Este último tiene óxido de plomo, eso hace que para fundirlo se tenga que hacer a temperatura
distinta del vidrio y que no se recicle igual. Por eso, el cristal no se deposita en el vidrio, sino en el de
orgánico / restos de color gris. Lo mismo ocurre con la porcelana o la loza de un plato o taza,
también van al gris.
Pilas, baterías, electrodomésticos…
Es importante reciclar adecuadamente aparatos tecnológicos y las baterías que los alimentan, desde
las de litio, hasta las pilas de un solo uso. Todo ello se deposita en un punto limpio.
Existen puntos limpios en muchas ciudades y en algunos lugares, como hipermercados, puede
haber contenedores específicos para reciclar todo tipo de pilas.
Si no, se deben llevar al ecoparque de tu localidad. Algunas ciudades disponen de ecoparques
móviles que se mueven y permanecen en distintos puntos a determinada hora. Eso permite llevar
elementos como tubos de luz o pequeños electrodomésticos sin necesidad de desplazarnos más
lejos.
Es importante concienciarnos de que estos elementos reciclables contienen sustancias muy
nocivas, que se pueden filtrar a la tierra, o incluso al agua, contaminando de manera importante.
Por eso, jamás debemos echarlos al contenedor gris de orgánico / restos, ni a ningún otro.
Como vemos, cada vez hay más materiales reciclables en nuestra vida. Las empresas están
optando por utilizar más y más componentes que puedan usarse de nuevo. Del mismo modo, el
material reciclable más complejo, como es el plástico, tiene los días contados en la Unión Europea,
con la prohibición de fabricar o importar para 2020.
La tecnología y las regulaciones están potenciando el uso de materiales reciclables. Por
eso, debemos hacer nuestro papel y contribuir, separando y depositando cada cosa en el
contenedor que corresponda.
Cómo Aprender A Dibujar Paisajes Paso A Paso: Muchos
Paisajes, Videos
Podemos decir que aprender a como dibujar paisajes no es algo sencillo.
De hecho hay personas que se dedican solamente al dibujo de paisajes, esta es
su especialidad.
Y es entendible porque hay una gran cantidad de paisajes que se pueden hacer
que las técnicas utilizadas para cada uno la verdad que varían.
Es por eso que si quieres aprender a hacerlos, entonces tienes que tener un
poco de paciencia y tener tiempo para practicar, con solo 30 minutos bastará.
Pero si quieres hacer un dibujo profesional, terminado, entonces ten paciencia,
cosa que todo dibujante debería tener.
Es por eso que aquí te enseñaré una gran cantidad de paisajes para que los
aprendas a dibujar, no solo eso, también verás técnicas, videos e imágenes para
que te puedas guiar de mejor manera.
Esta es una guía bastante completa si quieres mejorar tu técnica y tu visión en
cuanto a esta naturaleza.
Y si quieres ampliar mucho más tus conocimientos, aquí te dejaré una guía paso a
paso para que dibujes lo que quieras desde 0.
Materiales Para Dibujar Paisajes
Los mejores materiales para dibujar paisajes los puedes encontrar directamente
aquí, porque he realizado una guía con una lista totalmente especial, en
donde encontrarás todo un arsenal de materiales para dibujar paisajes.
Todo aquello que necesitas para convertirte en un profesional del dibujo de
paisajes, y no solo en dibujar paisajes sino también en otra gran cantidad de áreas
del dibujo.
¿Cómo Aprender A Dibujar Paisajes A Lápiz?
Perfecto, primero empezaremos
en cómo aprender a dibujar
paisajes a lápiz.
Utilizaremos lápices y portaminas
de diferentes durezas para poder
llegar a un resultado único e
inigualable.
Es importante el uso de los
diferentes lápices porque se
lograrán mejores tonalidades,
harás que tu paisaje se vea mucho
más vivo.
Como consejo, es importante
siempre tener a la mano varios
lápices de durezas distintas debido
a que si usamos un mismo lápiz
para todo el dibujo, vamos a
terminar dañando la hoja que
utilicemos y el dibujo se verá
visualmente pobre.
Empecemos con el paso a paso
del dibujo del paisaje.
Paso 1 Trazo de una línea media
Así como lees, primero empezaremos con trazar una línea media que es
donde veremos el horizonte, es importante este paso aunque no se vea
el horizonte para que de esta forma podamos ver mucho mejor la
perspectiva.
Paso 2 Bocetado de todo aquello que sea visible
Luego de haber marcado la línea de horizonte, entonces podremos
empezar bocetando simplemente, contorneando aquello que podemos
ver, en este caso un río, una casa y un árbol, bastante sencillo.
Paso 3 Sombrear
Ahora que ya tenemos el bocetado básico, podemos empezar a agregar
sombras a nuestro paisaje, primero empezaremos con el árbol, y para
dar la sensación de hojas, utilizaremos un lápiz de la gama de los B y
acostaremos el grafito para lograr un mejor acabado.
Paso 4 Dibujando Césped y Parte Del Río
Primero empieza por el borde del río, dibuja césped o grama para dar
esa sensación de profundidad y sombras.
Ahora como recomendación para dibujar el césped haz presionando el
un portaminas HB de la raíz del césped soltando la presión hacia arriba.
Paso 5 Dibujamos del Río
Para terminar de dibujar el río, dibujaremos el otro lado del mismo, y no
solo eso, los reflejos los dibujaremos hacia abajo para dar un mejor
acabado.
Para recomendación, tienes que dibujar el césped de forma no uniforme
para dar más realismo y más movilidad.
Iremos de lo más básico a lo más complejo.
Paso 6 Agregando más detalles al paisaje
Ahora que ya tenemos casi la parte del césped y el río lista, iremos
agregando más detalles, agregando más sombras, utilizando sombras
más oscuras para agregar dramatismo.
Utilizaremos líneas horizontales para darle ese sentido de reflejo y
movilidad al agua del río.
Paso 7 Dibujando la casa
Empezaremos a agregarle más volumen a nuestra casa, más sombras
utilizando la misma técnica empleada para darle sombra al río.
Y También empezaremos por dibujar un tronco al lado de la casa para
que el paisaje entero tenga un mejor equilibrio.
Paso 8 Terminar dibujando unas montañas en
nuestro paisaje
Listo, ahora ya estamos por terminar.
Dibujaremos unas montañas en el fondo y también utilizaremos la misma
técnica que utilizamos para dibujar las hojas del árbol con el árbol que
está al lado de la casa.
Y de esta manera ya tendremos totalmente completado el dibujo de
nuestro paisaje a lápiz.
La pintura neoclásica fue un movimiento extenso del Neoclasicismo que
se desarrolló en todo el continente europeo, comenzando en la década de
1760. Alcanzó su mayor influencia en las décadas de 1780 y 1790,
manteniéndose hasta alrededor de 1850.
La pintura neoclásica hizo énfasis en el diseño lineal austero y en la
representación de temas clásicos utilizando configuraciones y vestuarios
arqueológicamente correctos de las artes clásicas antiguas.
El estilo pictórico neoclásico enfatizó las cualidades del contorno, los
efectos de la luz y el predominio de los colores claros y ácidos.
Los pintores neoclásicos dieron gran importancia a las representaciones de
los trajes, escenarios y detalles de sus temas clásicos con la mayor
precisión y sabiduría histórica posible; hasta tal punto que se pudo ilustrar
los incidentes de manera exacta en las páginas de las obras griegas.
Las historias clásicas, la mitología, las obras de Virgilio, Ovidio, Sófocles; así
como también los primeros acontecimientos de la Revolución francesa,
sirvieron de inspiración para los pintores del período neoclásico. Esto hizo
que desarrollaran una gama de composiciones que son reconocidas como
obras maestras de la historia del arte.
ARTISTAS PLÁSTICOS PERUANOS
ARTISTAS PLÁSTICOS PERUANOS
PERIODOS
ORIGENES: Se reconoce como el origen de las artes plásticas a las pinturas rupestres en las
cuevas de Altamira.
El hombre desde la prehistoria comienza a interpretar sus vivencias con dibujos acerca de la
actividad de cazar; pintaban con sangre de animales.
Todas las civilizaciones antiguas daban real importancia a las artes plásticas, tanto sea en la
pintura como mencione antes o en la creación de esculturas y utensilios para la guerra o la comida;
otras civilizaciones también realizaban magnificas obras de arte funerario decorando las tumbas.
Lo importante a tener en cuenta es que lo que trata de expresar el hombre antiguo en su arte es la
importancia que se le daba a la espiritualidad en este estadio de la historia. Por eso se ven
interpretaciones de dioses ( por lo general estas civilizaciones eran politeístas ), mitos y la vida
después de la muerte ( por ejemplo para los egipcios ). También es muy importante el hecho de
cumplir con las necesidades básicas, como ser el comer y la vestimenta. Por eso las pinturas en
que se representa la caza de algún animal, y las decoraciones en las vestimentas ( esto se ve
mucho en los ropajes de las culturas preincaicas y posteriores de la cultura americana ).
*VIRREYNAL: Con la llegada de los españoles al territorio peruano la activa producción de
elementos simbólicos-representativos andinos (al que hoy en día llamamos arte prehispánico)
sufrió un revés sin precedentes. La incompatibilidad entre las percepciones españolas (basadas
principalmente en el realismo) y las tradiciones andinas (basadas en el simbolismo) hizo que, ante
la incomprensión del mensaje, los españoles destruyeran casi todas las formas de representación
local. Las quilcas o tablillas pintadas, los quipus, los tocapus o los dibujos simbólicos de los incas
no fueron entendidos por los peninsulares, pues no encontraban ningún elemento cercano a sus
tradiciones visuales. Con este bagaje visual, los españoles utilizaron las imágenes de Cristo, la
virgen María, Santos, etc. para llevar a cabo las primeras evangelizaciones en el vasto territorio
peruano, ante la estupefacta mirada de los indígenas. Lo que probó ser una medida muy efectiva,
pues logró facilitar el entendimiento de la fe cristiana a los vernaculares. El arte durante los
primeros años virreinales fue exclusividad de los religiosos y su uso tuvo un fin práctico
principalmente en el adoctrinamiento. No sólo pinturas o imágenes estuvieron presentes en esta
tarea. Esculturas de diversos tamaños y retablos fueron herramientas imprescindibles para los
misioneros católicos.
La ciudad de Lima jugó un rol preponderante en el desarrollo del arte en el virreinato del Perú. Su
rápido crecimiento urbano, la acumulación de riqueza por parte de los encomenderos y la
construcción de templos e iglesias fueron motivos para la demanda de pinturas y esculturas de las
principales ciudades de los reinos españoles. Especial preferencia se tuvo por las obras
provenientes de Flandes e Italia, aunque las obras sevillanas y andaluzas tuvieron igualmente gran
demanda. Lima como centro político del más importante virreinato durante el siglo XVI fue plaza
importante para destacados artistas que no dudaron en venir y ofrecer su arte a la iglesia.
*REPUBLICANO: La declaración de la Independencia en 1821 y la victoria de los ejércitos
libertadores en Junín y Ayacucho, sellaron el fin de un régimen político de más de tres siglos. Pero
el sistema colonial, que había definido las formas culturales de toda una sociedad, de sus
costumbres y de sus instituciones, no se deshizo abruptamente con la Independencia. Los cambios
tampoco se dieron por igual en todos los campos, ni se efectuaron al mismo ritmo.
La inestabilidad institucional del temprano Estado republicano impidió que se iniciaran proyectos de
largo aliento. Las grandes comisiones cesaron abruptamente. Así, los géneros que dependían del
poder político y eclesiástico, como la arquitectura, la escultura monumental y la pintura,
prácticamente no se renuevan hasta mediados de siglo. Es tan solo en la segunda mitad del siglo
XIX que, con los recursos generados por el guano, se emprenden nuevos proyectos. Además, la
pintura en los centros, y particularmente en Lima, se renueva bajo la influencia del arte
contemporáneo de Francia y de Italia, en busca de una modernidad que pudiera señalar su
independencia cultural frente al reciente pasado español. En cambio la pintura creada en la
periferia, así como aquella producida para el consumo popular, mantiene elementos de continuidad
con sus precedentes coloniales. Así, en los campos donde el Estado y la Iglesia no tenían una
participación directa, las formas coloniales se prolongaron por largo tiempo. La secularización fue
una de las consecuencias más evidentes de la ruptura colonial. Pero existe también un abrupto
cambio de giro en la geografía del país. La preeminencia de Lima marca, a partir de la
Independencia, el sino un centralismo que llega a producir una diferencia notable de desarrollo
económico y cultural con respecto al resto del territorio peruano. Una gran parte de este comercio
florece con la apertura de los puertos, que fortalece a ciudades como Arequipa, Lima y Tacna. En
este proceso, antiguos centros del sur andino como Cuzco y Huamanga pierden su lugar de
predominio regional, al quedar marginados de las antiguas rutas comerciales con las regiones
mineras del Alto Perú. La penetración de la región amazónica, iniciadas con el periodo anterior
desde las ciudades andinas, sufre entonces también un repliegue significativo. Por ello, la rápida
transformación de los gustos artísticos que trajo consigo la apertura y la importancia masiva de
productos europeos, afecto principalmente a las ciudades costeras.
Esta escisión republicana conduce a desarrollos desiguales, que aseguran las subsistencia e
incluso la profundización de grandes diferencias culturales. Se agranda así el abismo entre las
artes “cultas”, ligadas a los escenarios internacionales, y las artes “populares”, asociadas a las
tradiciones locales de origen colonial. Incluso se puede afirmar que la noción misma del “arte
popular” se crea como concepto diferenciado precisamente en este periodo. Fuera de la capital, el
florecimiento de las artes decorativas a lo largo del siglo XIX señala el paso de una producción
dirigida por las autoridades. Los historiadores han identificado incluso un proceso de “indianización”
republicana, guiado por la recuperación demográfica de las comunidades indígenas, que adquieren
mayor autonomía y estabilidad en este periodo. Las tradiciones derivadas de la época colonial,
como la pintura devocional, la talle de piedra de Huamanga los mates burilados, la platería, tejidos,
queros y otros objetos de uso cotidiano, van construyendo un estilo diferenciado, caracterizado por
una vitalidad expresiva. A diferencia de otros géneros, aquí no se dan grandes saltos y ruptura,
sino que los nuevos estilos se introducen de manera progresiva, a un ritmo propio,
transformándose sutil y gradualmente. Así por ejemplo, elementos neoclásicos se incorporan a la
pintura mural, y a las artes decorativas sin trastocar la coherencia de las formas tradicionales.
Los procesos sociales y económicos que se iniciaron con la emancipación política de España
contribuyen, sin embargo, a consolidar nuevos ordenamientos sociales, que transforman
gradualmente las formas de creación artística. Sobre todo se impone un nuevo mapa cultural, que
fortalece la diversidad y establece las grandes diferencias regionales que aún hoy define el
panorama del arte en el Perú.
*CONTEMPORÁNEO: Una primera modernidad artística, 1940-1947
La renovación pictórica iniciada con los Independientes empezó a consolidarse a inicios de la
década de 1940. Muchos de los nuevos
pintores, como Macedonio de la Torre, Carlos Quízpez Asín y Sérvulo Gutiérrez (1914-1961),
habían estudiado en el extranjero. Sus opciones estéticas fueron adoptadas independientemente y,
por lo tanto, variaron mucho entre sí. Mientras Sérvulo se inició con una figuración de riguroso
formalismo, su lenguaje fue progresivamente derivando hacia el expresionismo que, para mediados
de la década de 1950, llegó a extremos que otorgaron a su pintura un carácter singular. Quispe
Asín se mantuvo dentro del post cubismo, alternando entre el geometrismo y la figuración de
superficies y colores planos. Macedonio de la Torre, en cambio, tendió hacia una investigación
sostenida de las formas orgánicas que lo llevaría de manera progresiva hacia la abstracción en la
década de 1950. Todos ellos practicaron una pintura en la que los valores formales adquirían
mayor peso sobre los objetos o conceptos representados en el lienzo, y todos también dieron
prioridad a temas ajenos al repertorio indigenista.
